Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

/////////

Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...

Kenny Drew • Kenny Drew Trio

Sonny Clark • Standards

Empezó a estudiar piano muy pronto y alternaba esos estudios con los del contrabajo y el vibráfono. En 1940 su familia se trasladó a Pittsburgh y siete años mas tarde, en 1947, ya actuaba delante del publico, cosa que alternaba con sus estudios de teoría junto a su hermano.

A la muerte de su madre, se trasladó a Los Ángeles y allí comenzó a tocar con Wardell Grey, Teddy Edwards y Harold Land. Meses mas tarde su destino fue San Francisco, donde entró a formar parte de un grupo dirigido por el contrabajista, Oscar Petifford. Entre 1953 y 1956, formó parte del grupo del clarinetista, Buddy de Franco sustituyendo a Kenny Drew. En 1954, tuvo la oportunidad de viajar a Europa en esa formación y cuando concluyó el contrato con Buddy de Franco, firmó con los "Lighthouse All Stars" que dirigía el contrabajista, Woward Rumsey y en 1957 llegó a New York como pianista de la cantante Dinah Washington. Grabó un disco con el saxo barítono, Serge Chaloff para el sello Blue Note, y a a raíz de esta colaboración pasó a ser un músico permanente de dicho sello que lo contrató en nómina como sideman.

El resultado fueron seis discos a su nombre y teniendo como compañeros de grabación a lo mas granado del hardbop de la época como: Hank Mobley, Art Farmer, John Coltrane o Paul Chambers, y una larga serie de grabaciones al lado de Sonny Rollins, Curtis Fuller, Johnny Griffin, o Dexter Gordon entre otros. Victima, como muchos otros músicos de los estupefacientes, su actividad se tuvo que ver interrumpida al ser ingresado en 1963, en un Hospital de New York con una gran infección pulmonar. Dado momentáneamente de alta, pocos días después murió victima de un infarto cuando aun no había cumplido los 32 años.

Influido por el maestro, Bud Powell, Sonny Clark engrosa la lista de extraordinarios músicos muertos en el cenit de su carrera y cuando aun tenían por delante una extraordinaria trayectoria. Poseía ese estilo rapidísimo y frenético que con un continuo despliegue de notas, enlazaban en acordes, y resonancias originalísimas. Su fraseo recordaba también al del maestro Art Tatum, por la utilización de múltiples adornos, y al de Teddy Wilson por su refinamiento en las baladas. Entre sus grabaciones destacan: "Deep in a Dream" junto a Ike Quebec con todos los temas compuestos por el. NOMBRE REAL: CONRAD YEATIS CLARK

Fuente: http://www.apoloybaco.com/sonnyclarkbiografia.htm

///////

Automatic translation:He began to study piano very soon and alternated those studies with those of the contrabass and the vibraphone. In 1940 his family moved to Pittsburgh and seven years later, in 1947, he was already acting in front of the public, which alternated with his theory studies with his brother.Upon the death of his mother, he moved to Los Angeles and there began playing with Wardell Gray, Teddy Edwards and Harold Land. Months later his destination was San Francisco, where he joined a group led by bassist Oscar Petifford. Between 1953 and 1956, he was part of the Clarinetist group, Franco's Buddy replacing Kenny Drew. In 1954, he had the opportunity to travel to Europe in that formation and when he concluded the contract with Franco's Buddy, he signed with the "Lighthouse All Stars" directed by bassist Woward Rumsey and in 1957 he came to New York as a singer pianist Dinah Washington. He recorded an album with the baritone saxophone, Serge Chaloff for the Blue Note label, and as a result of this collaboration became a permanent musician of that label that hired him in payroll as sideman.The result was six discs in his name and having as recording companions the hardcore of the time like: Hank Mobley, Art Farmer, John Coltrane or Paul Chambers, and a long series of recordings alongside Sonny Rollins, Curtis Fuller, Johnny Griffin, or Dexter Gordon among others. Victima, like many other musicians of the narcotics, his activity had to be interrupted when being admitted in 1963, in a Hospital of New York with a great pulmonary infection. Given momentarily discharged, a few days later she died of a heart attack when she was not yet 32 ​​years old.Influenced by the teacher, Bud Powell, Sonny Clark adds to the list of extraordinary musicians killed at the zenith of his career and when they still had an extraordinary trajectory ahead. He had that fast and frenetic style that with a continuous display of notes, linked in chords, and original resonances. His phrasing also remembered the one of the teacher Art Tatum, by the use of multiple adornments, and the one of Teddy Wilson by its refinement in the ballads. Between his recordings they emphasize: "Deep in a Dream" next to Ike Quebec with all the subjects composed by the. REAL NAME: CONRAD YEATIS CLARK 

Source: http://www.apoloybaco.com/sonnyclarkbiografia.htm

 

 

 

Freddie Redd • The Complete Blue Note Recordings

  

Milt Jackson • Bags' Opus

 

 

 

Miles Davis • Miles Davis & The Modern Jazz Giants

 

Review from All About Jazz (by Douglas Payne):
Hyperbole aside, this disc's title could hardly be more accurate. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. That doesn't even count the legendary rhythm sections (Percy Heath and Kenny Clarke in one, Red Garland, Paul Chambers and Philly Joe Jones in the other). Miles Davis And The Modern Jazz Giants is made up of two sessions, with four tracks from an all-star group with Jackson and Monk from 1954 (which also yielded the title track to Davis's Bags Groove) and one track from the first of the famous 1956 Davis quintet's marathon recordings that produced Workin', Steamin', Cookin' and Relaxin'. The music is unquestionably excellent, yielding sterling and signature input from each participant. The first of these two sessions is famous for being the one where the cranky trumpeter was miffed by the cantankerous Monk's playing behind his solos. "That's bullshit," according to label owner and session supervisor Bob Weinstock in the recently released The Prestige Records Story box set (and confirmed in this disc's liner notes by Ira Gitler). "Miles didn't want him to comp on one tune. There was no hostility, no fighting. I've heard that story many times but those guys had total respect for each other." Indeed, the musical evidence bears Weinstock out. The rapport among these leaders — however edgy it certainly must have been in the studio on that Christmas Eve day — works to the music's advantage. The quintet excels on Davis's "Swing Spring," Monk's "Bemsha Swing" and two very different takes of Gershwin's "The Man I Love." The lone 1956 track is Davis's breathtaking signature reverie on Monk's "'Round Midnight," with the trumpeter's familiar and definitive quintet. This collection essentially documents two important summit meetings from some of the greatest individuals jazz has ever known. Hyperbole aside, the results are significant and timeless.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

///////

Reseña de All About Jazz (por Douglas Payne):
La hipérbole aparte, el título de este disco difícilmente podría ser más preciso. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. Y eso sin contar las legendarias secciones rítmicas (Percy Heath y Kenny Clarke en una, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones en la otra). Miles Davis And The Modern Jazz Giants está compuesto por dos sesiones: cuatro temas de un grupo all-star con Jackson y Monk de 1954 (que también produjo el tema titular del Bags Groove de Davis) y un tema de la primera de las famosas sesiones maratón del quinteto de Davis de 1956, que produjeron Workin', Steamin', Cookin' y Relaxin'. La música es inequívocamente excelente, ofreciendo aportes brillantes y característicos de cada participante. La primera de estas dos sesiones es famosa por ser aquella en la que el malhumorado trompetista estaba molesto con el juego de acompañamiento del obstinado Monk detrás de sus solos. "Eso es una tontería", según el dueño del sello y supervisor de sesión Bob Weinstock en el recientemente publicado box set The Prestige Records Story (y confirmado en las notas del liner de este disco por Ira Gitler). "Miles no quería que él acompañara en un tema. No había hostilidad, ni peleas. He escuchado esa historia muchas veces pero esos tipos se tenían total respeto mutuo." De hecho, la evidencia musical le da la razón a Weinstock. La compenetración entre estos líderes — por tensa que ciertamente debió de haber sido en el estudio en aquel día de Nochebuena — trabaja a favor de la música. El quinteto brilla en "Swing Spring" de Davis, "Bemsha Swing" de Monk y dos takes muy diferentes de "The Man I Love" de Gershwin. El único tema de 1956 es la ensoñación emblemática y sobrecogedora de Davis sobre "'Round Midnight" de Monk, con el familiar y definitivo quinteto del trompetista. Esta colección documenta esencialmente dos importantes cumbres de algunos de los más grandes individuos que el jazz haya conocido. La hipérbole aparte, los resultados son significativos e imperecederos.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

David Fathead Newman • The Sound of the Wide Open Spaces! + Straight Ahead

 

David Fathead Newman was best known for his long association with Ray Charles, but there was much more to him, as this succinct and panoramic coverage of his talents as a jazzman reveals. His bright, buoyant tenor, despite the apparent Sonny Rollins and John Coltrane influences, has moments of humor and timbre that suggest Lockjaw Davis.

The first album The Sound of the Wide Open Spaces!, introduces a quintet with Newman and fellow Texan James Clay, both on tenor, swinging hard, generating a tremendous amount of excitement and emotional involvement, with Clay adding his rich, sensitive touch on flute.

The second album, Straight Ahead, features a quartet showcasing Newman not only on tenor, but also on alto and flute, with the alto performances firm and convincing and the flute outings equally persuasive. Pianist Wynton Kellys role is a key one, amounting at times to a virtual duet with Newman. In fact, the accompaniment in both dates is impressive, as would be expected from such major league players as Kelly, bassists Paul Chambers and Sam Jones, and drummers Charlie Persip and Art Taylor, who offer impeccable drive, ideas and energy throughout.
https://www.freshsoundrecords.com/david-fathead-newman-albums/5468-the-sound-of-the-wide-open-spaces-straight-ahead-2-lps-on-1-cd.html

///////

David Fathead Newman era más conocido por su larga asociación con Ray Charles, pero había mucho más en él, como revela esta cobertura sucinta y panorámica de su talento como jazzista. Su tenor brillante y alegre, a pesar de las aparentes influencias de Sonny Rollins y John Coltrane, tiene momentos de humor y timbre que sugieren a Lockjaw Davis.

El primer álbum, The Sound of the Wide Open Spaces !, presenta un quinteto con Newman y su compañero texano James Clay, ambos a tenor, balanceándose con fuerza, generando una tremenda cantidad de emoción y participación emocional, con Clay agregando su toque rico y sensible a la flauta .

El segundo álbum, Straight Ahead, presenta un cuarteto que presenta a Newman no solo en tenor, sino también en alto y flauta, con interpretaciones de alto firmes y convincentes y las salidas de flauta igualmente persuasivas. El papel del pianista Wynton Kelly es clave, llegando a veces a un dueto virtual con Newman. De hecho, el acompañamiento en ambas fechas es impresionante, como se esperaría de jugadores de grandes ligas como Kelly, los bajistas Paul Chambers y Sam Jones, y los bateristas Charlie Persip y Art Taylor, quienes ofrecen un impecable impulso, ideas y energía en todo momento.
https://www.freshsoundrecords.com/david-fathead-newman-albums/5468-the-sound-of-the-wide-open-spaces-straight-ahead-2-lps-on-1-cd.html

Fresh Sound Records ...    

 

Paul Chambers • Go

The first of two Vee Jay label dates by the acclaimed modern jazz bassist Paul Chambers is a fine exercise in hard bop, split between showcasing his compositions and famous standards. Alto saxophonist Cannonball Adderley and trumpeter Freddie Hubbard are on the front line, perhaps for the only time in their storied careers, and work well for the most part. Pianist Wynton Kelly and either drummers Philly Joe Jones or Jimmy Cobb complete the quintets. The advantage in buying this reissue is that the second CD is comprised exclusively of outtakes from the originally issued tracks, and many of them have extended solos. Of the covers, "There Is No Greater Love" features a chuckling and cajoling Adderley, very happy for the fortune smiling on him, while "Just Friends" has the two horns playing this chestnut pretty much straight, with counterpointed stop-start techniques chirping at the rhythm section, and a young Hubbard offering his best solo. "I Got Rhythm" brings Cobb to the team, as a modal base from Kelly and Chambers buoys the wailing horns. Of the originals, Hubbard and Adderley sound mismatched on the 6/8 to 3/4 calypso-swing "Julie Ann," where their harmonics don't quite synch up. Their teamwork pays off royally during "I Heard That" and the classic hard bopper with Cobb "Ease It," where the tempo persists, but the horns grow quieter and quieter in mezzo piano range to near nothingness -- the epitome of cool. There's another classic here, as "Awful Mean" is emotionally neither, but instead cures Adderley's brief once-through melody statement into a vintage shuffle. The alternate take of this one is two-and-a-half minutes longer. "I Heard That" is called a "remake" though the original is just fine, and the second "remake" of the ballad "Dear Ann" (one of three attempts included) extends Chambers on his arco bowed bass melody, both pieces adding a ramped uptempo. This recording and 1st Bassman offer different aspects of Chambers as a leader, with the latter album having him take on more responsibility as a lead melodicist. After having played with the game changing bands of Miles Davis and John Coltrane, Chambers died far too young ten years hence in January of 1969, but left behind a memorable 15-year legacy, well represented by this recording where he was in his early prime.

Biography

One of the top bassists of 1955-1965, Paul Chambers was among the first in jazz to take creative bowed solos (other than Slam Stewart, who hummed along with his bowing). He grew up in Detroit, where he was part of the fertile local jazz scene. After touring with Paul Quinichette, Chambers went to New York, where he played with the J.J. Johnson-Kai Winding quintet and George Wallington. He spent the bulk of his prime years (1955-1963) as a member of the Miles Davis Quintet, participating in virtually all of Davis' classic recordings of the era. When he left, "Mr. P.C." (as John Coltrane called him in one of his originals) worked with the Wynton Kelly Trio (1963-1966) and freelanced until his death. Chambers, a consistently inspired accompanist who was an excellent soloist, made many recordings during his brief period, including some with Sonny Rollins, Coltrane, Cannonball Adderley, Donald Byrd, Bud Powell, and Freddie Hubbard, in addition to a few as a leader.

///////

La primera de las dos fechas del sello Vee Jay del aclamado bajista de jazz moderno Paul Chambers es un fino ejercicio de hard bop, dividido entre mostrar sus composiciones y famosos standards. El saxofonista alto Cannonball Adderley y el trompetista Freddie Hubbard están en la primera línea, quizás por única vez en sus historiadas carreras, y trabajan bien en su mayor parte. El pianista Wynton Kelly y los bateristas Philly Joe Jones o Jimmy Cobb completan los quintetos. La ventaja de comprar esta reedición es que el segundo CD está compuesto exclusivamente por tomas de los temas originales, y muchos de ellos tienen solos extendidos. De las portadas, "There Is No Greater Love" presenta a un Adderley riendo y engatusando, muy feliz por la fortuna que le sonríe, mientras que "Just Friends" tiene a los dos cuernos tocando esta castaña bastante recta, con técnicas de stop-start contrapuestas chirriando en la sección rítmica, y un joven Hubbard ofreciendo su mejor solo. "I Got Rhythm" trae a Cobb al equipo, como base modal de las boyas de Kelly y Chambers de las trompas de llanto. De los originales, Hubbard y Adderley suenan mal en el calypso-swing de 6/8 a 3/4 "Julie Ann", donde sus armónicos no se sincronizan del todo. Su trabajo en equipo da sus frutos durante "I Heard That" y el clásico hard bopper con Cobb "Ease It", donde el tempo persiste, pero las trompas se vuelven más y más silenciosas en el rango del piano de mezzo hasta casi la nada - el epítome de lo genial. Hay otro clásico aquí, ya que "Awful Mean" no es emocionalmente ninguna de las dos cosas, pero en cambio cura la breve declaración de la melodía de Adderley de una sola vez en una barajadura vintage. La toma alternativa de esta es de dos minutos y medio más larga. "I Heard That" se llama un "remake" aunque el original está muy bien, y el segundo "remake" de la balada "Dear Ann" (uno de tres intentos incluidos) extiende Chambers en su melodía de bajo con arco, ambas piezas añadiendo un uptempo rampante. Esta grabación y 1st Bassman ofrecen diferentes aspectos de Chambers como líder, con este último álbum que le hace asumir más responsabilidad como melodista principal. Después de haber tocado con las bandas de cambio de juego de Miles Davis y John Coltrane, Chambers murió demasiado joven diez años después, en enero de 1969, pero dejó un memorable legado de 15 años, bien representado por esta grabación en la que estuvo en su mejor momento.

Biografía

Uno de los mejores bajistas de 1955-1965, Paul Chambers fue uno de los primeros en el jazz en hacer creativos solos de arco (aparte de Slam Stewart, que tarareaba junto con su arco). Creció en Detroit, donde formó parte de la fértil escena de jazz local. Después de ir de gira con Paul Quinichette, Chambers se fue a Nueva York, donde tocó con el quinteto de J.J. Johnson-Kai Winding y George Wallington. Pasó la mayor parte de sus mejores años (1955-1963) como miembro del Quinteto de Miles Davis, participando en prácticamente todas las grabaciones clásicas de Davis de la época. Cuando se fue, "Mr. P.C." (como lo llamó John Coltrane en uno de sus originales) trabajó con el Wynton Kelly Trio (1963-1966) y trabajó como freelance hasta su muerte. Chambers, un acompañante constantemente inspirado que fue un excelente solista, hizo muchas grabaciones durante su breve período, incluyendo algunas con Sonny Rollins, Coltrane, Cannonball Adderley, Donald Byrd, Bud Powell, y Freddie Hubbard, además de algunas como líder.

Jimmy Heath • The Thumper

 

 

Biography by Matt Collar
With his delicately soulful tone and refined ear for lyrical, hard-swinging bop, tenor saxophonist Jimmy Heath helped shepherd modern jazz into the 21st century. Initially emerging as a member of Dizzy Gillespie's big band in the 1940s, Heath (then known as "Little Bird" after his idol Charlie "Yardbird" Parker) would establish his reputation as gifted improviser and composer, working with innovators like Miles Davis, John Coltrane, and Milt Jackson. He came to his greatest acclaim in the late '50s, penning a bevy of compositions like "C.T.A.," "Gingerbread Boy," and "For Minors Only," many of which would become jazz standards. His early Riverside albums, including 1959's The Thumper, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, are the epitome of hard bop, and many of the albums he contributed to are classics. He recorded for such varied labels as Strata East, Muse, and Columbia, working with his siblings, bassist Percy Heath and drummer Albert "Tootie" Heath, as the Heath Brothers, and collaborating with boundary-pushing stylists like Charles Tolliver, Stanley Cowell, and Art Farmer. Along with three Grammy nominations, including for 1994's Little Man, Big Band, Heath was also a 2003 NEA Jazz Master who dedicated much of his career to teaching, working at the Aaron Copland School of Music at Queens College, and helping to oversee the Louis Armstrong Archives. Still, performing remained his passion and he continued to work throughout his later years, often playing alongside younger musicians, including Roy Hargrove on his 2012 85th birthday celebration Togetherness: Live at the Blue Note, and Wynton Marsalis and Cecile McLorin Salvant on 2020's Love Letter.

Born in Philadelphia in 1926, Heath was introduced to jazz and big-band music by his father, an auto mechanic and part-time clarinet player, and mother, a singer in their church choir. However, due to the Depression his father often found himself out of work. Subsequently, Heath and his siblings were sent to live with their grandparents who ran a grocery store in Wilmington, North Carolina. It was there, while going to high school, that Jimmy started playing the alto saxophone, participating in the concert and marching band programs. Similarly, his older brother Percy played bass and his younger brother Albert "Tootie" played drums. He also had a sister Elizabeth who played piano. They would return home to Philadelphia for the summer, during which time Jimmy took private lessons. After graduating high school in 1943, Heath started his own swing dance band. He also performed with the Nat Towles band. By 1947, he was leading his own small group, playing alongside a young John Coltrane, trumpeter Johnny Coles, tenor saxophonist Benny Golson, bassist Nelson Boyd, drummer Specs Wright, and other Philadelphia natives. It was also around this time that he discovered bebop, influenced heavily by altoist Charlie "Yardbird" Parker. In 1948, Heath joined trumpeter Howard McGhee. He was soon joined by his brother Percy and together they toured Paris, appearing at the city's first jazz festival. It was while with McGhee that Heath earned his nickname "Little Bird," due in part to his love of Parker and his small stature; he had been turned away for the draft during WWII for being below the minimum weight. The following year, Heath became a member of trumpeter Dizzy Gillespie's band, which also featured a number of other Philadelphia regulars including Coltrane.

In the early '50s, Heath switched to tenor saxophone to better set himself apart from Parker and to secure more gigs. Soon after, he joined Miles Davis' band, appearing on the trumpeter's second album, 1952's Young Man with a Horn. There were also seminal dates with J.J. Johnson, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Just as his career was taking off, Heath (an admitted drug addict) was arrested and convicted twice for the sale of heroin. His first arrest came in 1954 and found him incarcerated at the Federal Medical Center in Lexington, Kentucky. Following his release, he was again arrested in 1955 and sentenced to six years in prison. Sent to Lewisburg Penitentiary in Pennsylvania, he served four years. While in prison, Heath continued to write music, arranging for the prison big band and composing songs like "For Minors Only," "C.T.A.," ''Picture of Heath," and "For Miles and Miles," most of which gained wider attention after they were included on Chet Baker and Art Pepper's 1956 album Playboys.

Released from prison in 1959, Heath, now sober, immediately began to rebuild his career. That same year, he made his long-awaited debut as leader with The Thumper, an all-star session for Riverside featuring cornetist Nat Adderley, trombonist Curtis Fuller, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and his brother drummer Albert. He also appeared on trumpeter Blue Mitchell's classic album Blue Soul and briefly re-joined Miles Davis' group, taking over for Coltrane. Equally well-regarded sessions followed, including albums with Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard, and others. He followed his debut with the 1960 large-ensemble album Really Big!, featuring cornetist Adderley, flugelhornist Clark Terry, altoist Cannonball Adderley, and pianists Cedar Walton and Tommy Flanagan. Heath's output increased significantly throughout the early '60s with albums like 1961's The Quota, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, the latter of which introduced two more of his originals with "Gingerbread Boy" and "Project S." He also recorded albums with Milt Jackson, Mongo Santamaria, and others.

Heath returned to his solo work with 1972's The Gap Sealer, a hard-hitting album that found him playing both alto and tenor saxophone, as well as flute. Along with pianists Kenny Barron and Stanley Cowell, bassist Bob Cranshaw, and his brother drummer Albert, the album was also his first to feature his son, percussionist James Mtume. He then recorded several albums for the Muse label, including 1973's Love and Understanding, all of which found him further expanding his approach, embracing funk, avant-garde, and spiritual jazz influences. It was also during this period that he formed the Heath Brothers with his siblings Percy and Albert, as well as pianist Cowell. The group debuted the with 1975's Marchin' On, released on Cowell and trumpeter Charles Tolliver's Strata East label. They gained wider visibility after signing with Columbia Records and releasing 1978's Passin' Thru and 1979's In Motion.

In the '80s, Heath expanded into teaching, joining the faculty of the Aaron Copland School of Music at Queens College, City University of New York. Over the next 20 years, he balanced teaching and performing, helping create the school's jazz education program and attracting other jazz luminaries to campus, including Donald Byrd. He also served on the board of the school's Louis Armstrong Archives and aided in the restoration of Armstrong's home in Corona, Queens. Despite his dedication to teaching, he continued to perform and record during these years, releasing albums like 1987's Peer Pressure, 1992's Grammy-nominated Little Man, Big Band, and 1994's You've Changed.

In 2006, he again showcased his big band with Turn Up the Heath. He then collaborated with the Seattle Repertory Jazz Orchestra on the commissioned Endless Search. In 2011, Heath celebrated his 85th birthday with two nights of live performances at New York's Blue Note, backed by his 18-member big band. Released in 2012 as Togetherness: Live at the Blue Note, it featured appearances by Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis, and others. Heath died on January 19, 2020 in Loganville, Georgia from natural causes. He was 93 years old. A posthumous album, Love Letter, arrived that August and worked as a romantic farewell from the saxophonist. It featured guest spots by Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant, and Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

///////

Biografía de Matt Collar
Con su tono delicadamente conmovedor y su oído refinado para el bop lírico y oscilante, el saxofonista tenor Jimmy Heath ayudó a guiar el jazz moderno hacia el siglo XXI. Inicialmente emergiendo como miembro de la big band de Dizzy Gillespie en la década de 1940, Heath (entonces conocido como "Little Bird" por su ídolo Charlie "Yardbird" Parker) establecería su reputación como talentoso improvisador y compositor, trabajando con innovadores como Miles Davis, John Coltrane y Milt Jackson. Alcanzó su mayor éxito a fines de los 50, escribiendo un grupo de composiciones como "CTA", "Gingerbread Boy" y "For Minors Only", muchas de las cuales se convertirían en estándares de jazz. Sus primeros álbumes de Riverside, incluidos The Thumper de 1959, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, son el epítome del hard bop, y muchos de los álbumes en los que contribuyó son clásicos. Grabó para sellos tan variados como Strata East, Muse y Columbia, trabajando con sus hermanos, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath, como The Heath Brothers, y colaborando con estilistas que empujan los límites como Charles Tolliver, Stanley Cowell y Art Farmer. Junto con tres nominaciones al Grammy, incluida Little Man, Big Band de 1994, Heath también fue un Maestro de Jazz de la NEA en 2003 que dedicó gran parte de su carrera a la enseñanza, trabajando en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College y ayudando a supervisar los Archivos de Louis Armstrong. Aún así, actuar siguió siendo su pasión y continuó trabajando durante sus últimos años, a menudo tocando junto a músicos más jóvenes, incluidos Roy Hargrove en la celebración de su 85 cumpleaños en 2012 Togetherness: Live at the Blue Note, y Wynton Marsalis y Cecile McLorin Salvant en Love Letter de 2020.

Nacido en Filadelfia en 1926, Heath conoció el jazz y la música de big band gracias a su padre, mecánico de automóviles y clarinetista a tiempo parcial, y su madre, cantante en el coro de su iglesia. Sin embargo, debido a la depresión, su padre a menudo se encontraba sin trabajo. Posteriormente, Heath y sus hermanos fueron enviados a vivir con sus abuelos, quienes administraban una tienda de comestibles en Wilmington, Carolina del Norte. Fue allí, mientras asistía a la escuela secundaria, donde Jimmy comenzó a tocar el saxofón alto, participando en los programas de conciertos y bandas de música. Del mismo modo, su hermano mayor Percy tocaba el bajo y su hermano menor Albert "Tootie" tocaba la batería. También tenía una hermana Elizabeth que tocaba el piano. Regresarían a casa a Filadelfia durante el verano, tiempo durante el cual Jimmy tomó lecciones privadas. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1943, Heath fundó su propia banda de baile swing. También actuó con la banda Nat Towles. Para 1947, lideraba su propio grupo pequeño, tocando junto a un joven John Coltrane, el trompetista Johnny Coles, el saxofonista tenor Benny Golson, el bajista Nelson Boyd, el baterista Specs Wright y otros nativos de Filadelfia. También fue por esta época cuando descubrió el bebop, fuertemente influenciado por el altoista Charlie" Yardbird " Parker. En 1948, Heath se unió al trompetista Howard McGhee. Pronto se le unió su hermano Percy y juntos recorrieron París, apareciendo en el primer festival de jazz de la ciudad. Fue mientras estaba con McGhee que Heath se ganó su apodo de "Pajarito", debido en parte a su amor por Parker y su pequeña estatura; había sido rechazado para el servicio militar obligatorio durante la Segunda Guerra Mundial por estar por debajo del peso mínimo. Al año siguiente, Heath se convirtió en miembro de la banda del trompetista Dizzy Gillespie, que también incluía a otros habituales de Filadelfia, incluido Coltrane.

A principios de los 50, Heath cambió al saxofón tenor para diferenciarse mejor de Parker y asegurar más conciertos. Poco después, se unió a la banda de Miles Davis, apareciendo en el segundo álbum del trompetista, Young Man with a Horn de 1952. También hubo citas seminales con J. J. Johnson, Clifford Brown y Kenny Dorham. Justo cuando su carrera despegaba, Heath (un drogadicto admitido) fue arrestado y condenado dos veces por la venta de heroína. Su primer arresto se produjo en 1954 y lo encontró encarcelado en el Centro Médico Federal de Lexington, Kentucky. Tras su liberación, fue arrestado nuevamente en 1955 y sentenciado a seis años de prisión. Enviado a la penitenciaría de Lewisburg en Pensilvania, cumplió cuatro años. Mientras estuvo en prisión, Heath continuó escribiendo música, haciendo arreglos para la big band de la prisión y componiendo canciones como "For Minors Only", "CTA", "Picture of Heath" y "For Miles and Miles", la mayoría de las cuales obtuvieron una mayor atención después de que fueran incluidas en el álbum Playboys de Chet Baker y Art Pepper de 1956.

Liberado de prisión en 1959, Heath, ahora sobrio, inmediatamente comenzó a reconstruir su carrera. Ese mismo año, hizo su esperado debut como líder con The Thumper, una sesión estelar para Riverside con el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y su hermano el baterista Albert. También apareció en el álbum clásico del trompetista Blue Mitchell, Blue Soul, y se reincorporó brevemente al grupo de Miles Davis, reemplazando a Coltrane. Siguieron sesiones igualmente bien consideradas, incluidos álbumes con Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard y otros. Siguió a su debut con el álbum de grandes conjuntos de 1960 Really Big!, con el cornetista Adderley, el flugelhornista Clark Terry, el altoista Cannonball Adderley y los pianistas Cedar Walton y Tommy Flanagan. La producción de Heath aumentó significativamente a principios de los 60 con álbumes como The Quota de 1961, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, el último de los cuales presentó dos de sus originales más con "Gingerbread Boy" y "Project S". También grabó álbumes con Milt Jackson, Mongo Santamaria y otros.

Heath volvió a su trabajo en solitario con The Gap Sealer de 1972, un álbum contundente que lo encontró tocando saxofón alto y tenor, así como flauta. Junto con los pianistas Kenny Barron y Stanley Cowell, el bajista Bob Cranshaw y su hermano el baterista Albert, el álbum también fue el primero en presentar a su hijo, el percusionista James Mtume. Luego grabó varios álbumes para el sello Muse, incluido Love and Understanding de 1973, todo lo cual lo encontró expandiendo aún más su enfoque, adoptando influencias del funk, la vanguardia y el jazz espiritual. También fue durante este período que formó The Heath Brothers con sus hermanos Percy y Albert, así como con el pianista Cowell. El grupo debutó con Marchin' On de 1975, lanzado en el sello Strata East de Cowell y el trompetista Charles Tolliver. Ganaron una mayor visibilidad después de firmar con Columbia Records y lanzar Passin' Thru de 1978 y In Motion de 1979.

En los años 80, Heath se expandió a la docencia, uniéndose a la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, City University of New York. Durante los siguientes 20 años, equilibró la enseñanza y la actuación, ayudando a crear el programa de educación de jazz de la escuela y atrayendo a otras luminarias del jazz al campus, incluido Donald Byrd. También formó parte de la junta de los Archivos Louis Armstrong de la escuela y ayudó en la restauración de la casa de Armstrong en Corona, Queens. A pesar de su dedicación a la enseñanza, continuó actuando y grabando durante estos años, lanzando álbumes como Peer Pressure de 1987, Little Man, Big Band, nominado al Grammy en 1992, y You've Changed de 1994.

En 2006, volvió a exhibir su big band con Turn Up the Heath. Luego colaboró con la Seattle Repertory Jazz Orchestra en el encargo Endless Search. En 2011, Heath celebró su 85 cumpleaños con dos noches de presentaciones en vivo en el Blue Note de Nueva York, respaldado por su big band de 18 miembros. Lanzado en 2012 como Togetherness: Live at the Blue Note, contó con apariciones de Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis y otros. Heath murió el 19 de enero de 2020 en Loganville, Georgia, por causas naturales. Tenía 93 años. Un álbum póstumo, Love Letter, llegó ese agosto y funcionó como despedida romántica del saxofonista. Contó con anuncios invitados de Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant y Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

www.jimmyheath.com ...

Lee Morgan • Leeway

 

Bennie Green • Glidin' Along

 

Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

///////

Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

Benny Golson • Groovin' With Golson

  

Review
by Scott Yanow
This is one of at least four recordings that matched up tenor saxophonist Benny Golson and trombonist Curtis Fuller prior to the formation of the Jazztet; ironically, Fuller only stuck around for one Jazztet record before departing. Reissued on CD, the LP-length program has two lesser-known Golson compositions along with "Drum Boogie," "I Didn't Know What Time It Was," and "Yesterdays." Three of the tunes are blues, and the two ballads are taken at a medium-tempo pace. With pianist Ray Bryant, bassist Paul Chambers, and drummer Art Blakey forming a solid rhythm section, the hard bop music does indeed groove in its own fashion.
https://www.allmusic.com/album/groovin-with-golson-mw0000093023

///////

Reseña
por Scott Yanow
Esta es una de las al menos cuatro grabaciones que emparejaron al saxofonista tenor Benny Golson y al trombonista Curtis Fuller antes de la formación del Jazztet; irónicamente, Fuller sólo se quedó para un disco del Jazztet antes de marcharse. Reeditado en CD, el programa de duración LP tiene dos composiciones menos conocidas de Golson junto con "Drum Boogie", "I Didn't Know What Time It Was" y "Yesterdays". Tres de los temas son blues, y las dos baladas se interpretan a un ritmo medio. Con el pianista Ray Bryant, el bajista Paul Chambers y el batería Art Blakey formando una sólida sección rítmica, la música hard bop se mueve a su manera.
https://www.allmusic.com/album/groovin-with-golson-mw0000093023

www.bennygolson.com ...

Jackie McLean • Jackie's Bag

 

Review
by Steve Huey  
Jackie's Bag is split between two different recording sessions: the first, from January 1959, was the first session Jackie McLean ever led for Blue Note, and the second was a sextet date from September 1960 that featured tenor saxophonist Tina Brooks as a co-leader in all but name. According to the liner notes, McLean's first date produced only three songs of releasable quality, which are included here. Six tunes were cut at the Brooks session, which were all issued in Japan as Street Singer, and half appeared on the original Jackie's Bag LP. Given the transitional time period of the first and Brooks' musical taste on the second, the music on Jackie's Bag finds McLean in a staunchly hard bop mode, with occasional hints of adventurousness. While McLean's debut performances are certainly well done, the most distinctive appeal of the album lies in the Brooks collaborations. There are exotic flavors to McLean's terrific "Appointment in Ghana" and Brooks' "Isle of Java"; of the newly added bonus tracks, Brooks' "Medina" has a particularly complex and memorable theme, and his "Street Singer" was actually issued on his own Back to the Tracks album as well. Despite crucial contributions from trumpeter Blue Mitchell and drummer Art Taylor, the real focal point of these performances is the complementary interplay between McLean and Brooks, the latter of whom does a nice job of matching the former's legendarily hard-edged tone. McLean devotees will want this anyway, but the quality of the Street Singer material pushes Jackie's Bag far beyond a simple gap-plugging historical release.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

///////

Reseña
por Steve Huey  
Jackie's Bag se divide en dos sesiones de grabación diferentes: la primera, de enero de 1959, fue la primera sesión que Jackie McLean dirigió para Blue Note, y la segunda fue una fecha de sexteto de septiembre de 1960 que contó con la saxofonista tenor Tina Brooks como co-líder en todo menos en el nombre. Según las notas de presentación, la primera cita de McLean sólo produjo tres canciones de calidad publicable, que se incluyen aquí. En la sesión de Brooks se grabaron seis temas, que se publicaron en Japón como Street Singer, y la mitad aparecieron en el LP original Jackie's Bag. Dado el período de transición del primero y el gusto musical de Brooks en el segundo, la música de Jackie's Bag encuentra a McLean en un modo hard bop incondicional, con ocasionales toques de aventurerismo. Aunque las interpretaciones del debut de McLean están ciertamente bien hechas, el atractivo más distintivo del álbum reside en las colaboraciones de Brooks. Hay sabores exóticos en la estupenda "Appointment in Ghana" de McLean y en "Isle of Java" de Brooks; de las nuevas canciones extra añadidas, "Medina" de Brooks tiene un tema particularmente complejo y memorable, y su "Street Singer" se publicó en su propio álbum Back to the Tracks. A pesar de las contribuciones cruciales del trompetista Blue Mitchell y el batería Art Taylor, el verdadero punto focal de estas actuaciones es la interacción complementaria entre McLean y Brooks, el último de los cuales hace un buen trabajo igualando el legendario tono duro del primero. Los devotos de McLean querrán esto de todos modos, pero la calidad del material de Street Singer empuja a Jackie's Bag mucho más allá de un simple lanzamiento histórico para llenar huecos.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

///////

Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Benny Golson • Turning Point

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Renamed Turning Point upon one of its reissues, this quartet set for tenor saxophonist Benny Golson was the beginning of the close of an era. Within a year, Golson would be working full-time as a writer in the studios, and he de-emphasized his playing until making a comeback in the late 1970s. Golson is heard on this LP for one of the last times playing in his original Don Byas/Lucky Thompson-influenced style. Joined by pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb, Golson performs two originals, plus five superior standards, including "How Am I To Know," "Three Little Words" and "Alone Together." A rewarding but sadly out-of-print set.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

///////

Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Renombrado Turning Point en una de sus reediciones, este set de cuarteto para el saxofonista tenor Benny Golson fue el comienzo del cierre de una era. En un año, Golson estaría trabajando a tiempo completo como escritor en los estudios, y minimizó su ejecución hasta hacer un regreso a finales de los años 70. Golson se escucha en este LP por una de las últimas veces tocando en su estilo original influenciado por Don Byas/Lucky Thompson. Acompañado por el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb, Golson interpreta dos originales, más cinco estándares superiores, incluyendo "How Am I To Know," "Three Little Words" y "Alone Together." Un set gratificante pero lamentablemente agotado.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

Wynton Kelly • Takin' Charge

Artist Biography by Scott Yanow

A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

///////

Biografía del artista por Scott Yanow

Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

Sonny Clark Trio • The 45 Sessions

This recording is the result of two sessions from late 1958 (the other was released in Japan as Blues in the Night). The 45 Sessions CD also includes three alternate takes from the 1957 Sonny Clark Trio date (BN 1579) with Paul Chambers and Philly Joe Jones. The remaining tunes feature Sonny with drummer Wes Landers and bassist Jymie Merritt (who went on to join Art Blakey's Jazz Messengers). In contrast to the hard-driving bebop approach of the 1957 session, this material is very relaxed. Intended for release as 45 singles, the tunes are generally short interpretations of popular standards. Clark's left hand comping is informed more by Ahmad Jamal than Bud Powell. Landers primarily uses brushes and has a less aggressive approach than Philly Joe. The result is some of Sonny's most accessible piano trio work, with beautiful chord voicings and harmonizations and a very coherent group sound. Note that this material is also included in Blue Note's 1998 domestic Sonny Clark release entitled Standards.

///////

Esta grabación es el resultado de dos sesiones de finales de 1958 (la otra fue lanzada en Japón como Blues in the Night). El CD de 45 sesiones también incluye tres tomas alternas de la fecha del Trío Sonny Clark de 1957 (BN 1579) con Paul Chambers y Philly Joe Jones. El resto de los temas incluyen a Sonny con el baterista Wes Landers y el bajista Jymie Merritt (que se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey). En contraste con el enfoque del bebop de la sesión de 1957, este material es muy relajado. Destinado a ser lanzado como 45 singles, las canciones son generalmente interpretaciones cortas de estándares populares. El compás de la mano izquierda de Clark está más inspirado en Ahmad Jamal que en Bud Powell. Landers usa principalmente pinceles y tiene un enfoque menos agresivo que Philly Joe. El resultado es una de las obras de trío para piano más accesibles de Sonny, con hermosas voces y armonizaciones de acordes y un sonido de grupo muy coherente. Nótese que este material también está incluido en la edición doméstica de Sonny Clark de Blue Note de 1998, titulada Standards.

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist

The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.

In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.

Press reviews

"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

///////

El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.

En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.

Reseñas de prensa

"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow

 

  

Kenny Dorham • Quiet Kenny

 

Review
by Michael G. Nastos
In the liner notes of Quiet Kenny, former Downbeat magazine publisher Jack Maher states that trumpeter Kenny Dorham's music is not necessarily the demure, balladic, rapturous jazz one might associate as romantic or tranquil. Cool and understated might be better watchwords for what the ultra-melodic Dorham achieves on this undeniably well crafted set of standards and originals that is close to containing his best work overall during a far too brief career. Surrounded by an excellent rhythm team of the equally sensitive pianist Tommy Flanagan, emerging bassist Paul Chambers, and the always-beneficial drummer Art Taylor, Dorham and his mates are not prone to missteps or overt exaggerations. One of Dorham's all-time best tunes "Lotus Blossom" kicks off the set with its bop to Latin hummable melody, fluid dynamics, and Dorham's immaculate, unpretentious tone. "Old Folks," a classic ballad, is done mid-tempo, while the true "quiet" factor comes into play on interesting version of "My Ideal" where Dorham gingerly squeezes out the slippery wet notes, and on the sad ballad "Alone Together." The rest of the material is done in easygoing, unforced fashion, especially the originals "Blue Friday" and the simple swinger "Blue Spring Shuffle" which is not really a shuffle. Never known as a boisterous or brash player, but also not a troubadour of romanticism -- until he started singing -- Dorham's music is also far from complacent, and this recording established him as a Top Five performer in jazz on his instrument. It comes recommended to all.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483

///////

Reseña
por Michael G. Nastos
En las notas de Quiet Kenny, el antiguo editor de la revista Downbeat, Jack Maher, afirma que la música del trompetista Kenny Dorham no es necesariamente el jazz recatado, baladístico y arrebatador que uno podría asociar como romántico o tranquilo. Fresco y discreto podrían ser mejores palabras para lo que el ultra-melódico Dorham logra en este conjunto de estándares y originales innegablemente bien elaborados que está cerca de contener su mejor trabajo en general durante una carrera demasiado breve. Rodeado por un excelente equipo rítmico formado por el igualmente sensible pianista Tommy Flanagan, el emergente bajista Paul Chambers y el siempre beneficioso baterista Art Taylor, Dorham y sus compañeros no son propensos a cometer errores o exageraciones manifiestas. Uno de los mejores temas de Dorham de todos los tiempos, "Lotus Blossom", da el pistoletazo de salida al conjunto con su melodía tarareable en clave latina, su dinámica fluida y el tono inmaculado y sin pretensiones de Dorham. "Old Folks", una balada clásica, se hace a medio tiempo, mientras que el verdadero factor "tranquilo" entra en juego en la interesante versión de "My Ideal", donde Dorham exprime con cautela las resbaladizas notas húmedas, y en la triste balada "Alone Together". El resto del material está hecho de forma fácil y no forzada, especialmente los originales "Blue Friday" y el sencillo swinger "Blue Spring Shuffle" que no es realmente un shuffle. Nunca se le conoció como un intérprete bullicioso o descarado, pero tampoco como un trovador del romanticismo -hasta que empezó a cantar- la música de Dorham también está lejos de ser complaciente, y esta grabación lo estableció como un intérprete del Top 5 del jazz en su instrumento. Se recomienda a todos.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483

Joe Henderson • Four