Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Benny Golson • Turning Point

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Renamed Turning Point upon one of its reissues, this quartet set for tenor saxophonist Benny Golson was the beginning of the close of an era. Within a year, Golson would be working full-time as a writer in the studios, and he de-emphasized his playing until making a comeback in the late 1970s. Golson is heard on this LP for one of the last times playing in his original Don Byas/Lucky Thompson-influenced style. Joined by pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb, Golson performs two originals, plus five superior standards, including "How Am I To Know," "Three Little Words" and "Alone Together." A rewarding but sadly out-of-print set.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Renombrado Turning Point en una de sus reediciones, este set de cuarteto para el saxofonista tenor Benny Golson fue el comienzo del cierre de una era. En un año, Golson estaría trabajando a tiempo completo como escritor en los estudios, y minimizó su ejecución hasta hacer un regreso a finales de los años 70. Golson se escucha en este LP por una de las últimas veces tocando en su estilo original influenciado por Don Byas/Lucky Thompson. Acompañado por el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb, Golson interpreta dos originales, más cinco estándares superiores, incluyendo "How Am I To Know," "Three Little Words" y "Alone Together." Un set gratificante pero lamentablemente agotado.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

Wynton Kelly • Takin' Charge

Artist Biography by Scott Yanow

A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

Sonny Clark Trio • The 45 Sessions

This recording is the result of two sessions from late 1958 (the other was released in Japan as Blues in the Night). The 45 Sessions CD also includes three alternate takes from the 1957 Sonny Clark Trio date (BN 1579) with Paul Chambers and Philly Joe Jones. The remaining tunes feature Sonny with drummer Wes Landers and bassist Jymie Merritt (who went on to join Art Blakey's Jazz Messengers). In contrast to the hard-driving bebop approach of the 1957 session, this material is very relaxed. Intended for release as 45 singles, the tunes are generally short interpretations of popular standards. Clark's left hand comping is informed more by Ahmad Jamal than Bud Powell. Landers primarily uses brushes and has a less aggressive approach than Philly Joe. The result is some of Sonny's most accessible piano trio work, with beautiful chord voicings and harmonizations and a very coherent group sound. Note that this material is also included in Blue Note's 1998 domestic Sonny Clark release entitled Standards.

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Esta grabación es el resultado de dos sesiones de finales de 1958 (la otra fue lanzada en Japón como Blues in the Night). El CD de 45 sesiones también incluye tres tomas alternas de la fecha del Trío Sonny Clark de 1957 (BN 1579) con Paul Chambers y Philly Joe Jones. El resto de los temas incluyen a Sonny con el baterista Wes Landers y el bajista Jymie Merritt (que se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey). En contraste con el enfoque del bebop de la sesión de 1957, este material es muy relajado. Destinado a ser lanzado como 45 singles, las canciones son generalmente interpretaciones cortas de estándares populares. El compás de la mano izquierda de Clark está más inspirado en Ahmad Jamal que en Bud Powell. Landers usa principalmente pinceles y tiene un enfoque menos agresivo que Philly Joe. El resultado es una de las obras de trío para piano más accesibles de Sonny, con hermosas voces y armonizaciones de acordes y un sonido de grupo muy coherente. Nótese que este material también está incluido en la edición doméstica de Sonny Clark de Blue Note de 1998, titulada Standards.

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist

The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.

In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.

Press reviews

"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

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El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.

En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.

Reseñas de prensa

"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow

 

  

Kenny Dorham • Quiet Kenny

 

Review
by Michael G. Nastos
In the liner notes of Quiet Kenny, former Downbeat magazine publisher Jack Maher states that trumpeter Kenny Dorham's music is not necessarily the demure, balladic, rapturous jazz one might associate as romantic or tranquil. Cool and understated might be better watchwords for what the ultra-melodic Dorham achieves on this undeniably well crafted set of standards and originals that is close to containing his best work overall during a far too brief career. Surrounded by an excellent rhythm team of the equally sensitive pianist Tommy Flanagan, emerging bassist Paul Chambers, and the always-beneficial drummer Art Taylor, Dorham and his mates are not prone to missteps or overt exaggerations. One of Dorham's all-time best tunes "Lotus Blossom" kicks off the set with its bop to Latin hummable melody, fluid dynamics, and Dorham's immaculate, unpretentious tone. "Old Folks," a classic ballad, is done mid-tempo, while the true "quiet" factor comes into play on interesting version of "My Ideal" where Dorham gingerly squeezes out the slippery wet notes, and on the sad ballad "Alone Together." The rest of the material is done in easygoing, unforced fashion, especially the originals "Blue Friday" and the simple swinger "Blue Spring Shuffle" which is not really a shuffle. Never known as a boisterous or brash player, but also not a troubadour of romanticism -- until he started singing -- Dorham's music is also far from complacent, and this recording established him as a Top Five performer in jazz on his instrument. It comes recommended to all.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483

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Reseña
por Michael G. Nastos
En las notas de Quiet Kenny, el antiguo editor de la revista Downbeat, Jack Maher, afirma que la música del trompetista Kenny Dorham no es necesariamente el jazz recatado, baladístico y arrebatador que uno podría asociar como romántico o tranquilo. Fresco y discreto podrían ser mejores palabras para lo que el ultra-melódico Dorham logra en este conjunto de estándares y originales innegablemente bien elaborados que está cerca de contener su mejor trabajo en general durante una carrera demasiado breve. Rodeado por un excelente equipo rítmico formado por el igualmente sensible pianista Tommy Flanagan, el emergente bajista Paul Chambers y el siempre beneficioso baterista Art Taylor, Dorham y sus compañeros no son propensos a cometer errores o exageraciones manifiestas. Uno de los mejores temas de Dorham de todos los tiempos, "Lotus Blossom", da el pistoletazo de salida al conjunto con su melodía tarareable en clave latina, su dinámica fluida y el tono inmaculado y sin pretensiones de Dorham. "Old Folks", una balada clásica, se hace a medio tiempo, mientras que el verdadero factor "tranquilo" entra en juego en la interesante versión de "My Ideal", donde Dorham exprime con cautela las resbaladizas notas húmedas, y en la triste balada "Alone Together". El resto del material está hecho de forma fácil y no forzada, especialmente los originales "Blue Friday" y el sencillo swinger "Blue Spring Shuffle" que no es realmente un shuffle. Nunca se le conoció como un intérprete bullicioso o descarado, pero tampoco como un trovador del romanticismo -hasta que empezó a cantar- la música de Dorham también está lejos de ser complaciente, y esta grabación lo estableció como un intérprete del Top 5 del jazz en su instrumento. Se recomienda a todos.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483

Joe Henderson • Four

 

Quincy Jones • This Is How I Feel About Jazz

 

www.quincyjones.com ... 

 

Bennie Green • Blows His Horn

 

Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

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Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

 

Sonny Red • Out Of The Blue

 

Review
by Scott Yanow
Sonny Red, a fine altoist inspired by Charlie Parker and Jackie McLean, never really made it in jazz, and some of his recordings are rather uninspired. However, that does not hold true for his Blue Note album, which has been reissued on this 1996 CD along with five previously unissued selections. Red, who is joined by pianist Wynton Kelly, either Sam Jones or Paul Chambers on bass, and either Roy Brooks or Jimmy Cobb on drums, never sounded better on records. He performs mostly little-known standards (along with six of his originals) and displays a fair amount of originality and a great deal of potential that was never really fulfilled. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/out-of-the-blue-mw0000076222

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Reseña
por Scott Yanow
Sonny Red, un fino contralto inspirado en Charlie Parker y Jackie McLean, nunca llegó a triunfar en el jazz, y algunas de sus grabaciones son más bien poco inspiradas. Sin embargo, no es el caso de su álbum para Blue Note, que se ha reeditado en este CD de 1996 junto con cinco selecciones inéditas. Red, al que acompañan el pianista Wynton Kelly, Sam Jones o Paul Chambers al bajo, y Roy Brooks o Jimmy Cobb a la batería, nunca ha sonado mejor en un disco. Interpreta en su mayoría estándares poco conocidos (junto con seis de sus originales) y muestra una buena dosis de originalidad y un gran potencial que nunca llegó a explotar. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/out-of-the-blue-mw0000076222

Johnny Griffin • The Congregation

 

 

 

Biography
by Michael G. Nastos
One of the all-time great tenor saxophonists, Johnny Griffin will go down in the annals of jazz as a performer easily able to negotiate the tricky harmonic changes and swift tempos of modern music. He'll also be remembered as a player who could masterfully interpret tender ballads, rivaling Ben Webster in that regard.

Born John Arnold Griffin III in Chicago, Illinois, on April 24, 1928, he resided on the South Side of the Second City with his mother, who was a singer, and father, who played cornet. An adolescent Griffin heard Gene Ammons play in the big band of King Kolax. Two years later he picked up an alto saxophone, and soon thereafter was working with bluesman T-Bone Walker. A student at DuSable High School, he was tutored by the legendary band director Captain Walter Dyett. Upon graduation, he toured with Lionel Hampton's big band, switched to the tenor sax, and moved to New York City. The late '40s saw Griffin honking his share of R&B with Joe Morris up to 1950, alongside the band of Jo Jones in 1950, and with Arnett Cobb in 1951. He enlisted in the armed services stationed in Hawaii, and played in an Army band.

After his military commitment, he returned to Chicago and was in the company of Thelonious Monk's various ensembles up to the mid-'60s. Griffin cut his Blue Note album Introducing Johnny Griffin in 1958, and that year formed a sextet with Detroiters Pepper Adams and Donald Byrd. He collaborated with pianists Bud Powell and Elmo Hope, was enlisted by Art Blakey briefly as a member of the Jazz Messengers, energized his solo recording career for the Riverside label, and obtained his nickname, The Little Giant, with that eponymously titled LP in 1959. His most famous and popular teaming was with fellow saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin also recorded the legendary A Blowin' Session for the Blue Note label with John Coltrane and Hank Mobley.

But Griffin grew weary of the U.S. and its apathy regarding jazz, so he became an expatriate. He was living in Paris, France, by 1963, and did many albums with European rhythm sections for the Storyville, Black Lion, and Steeplechase labels. He was also a charter member and chief soloist for many years in the Kenny Clarke-Francy Boland Big Band alongside American and Continental standouts. The year 1975 was an important one for Griffin, who was featured with the bands of Dizzy Gillespie and Count Basie as documented in recordings of their sets at the Montreux Jazz Festival. He also collaborated with German saxophonist Klaus Doldinger and his fusion band Passport. In the late '70s, Griffin returned to the States to record for the Galaxy label, and toured with fellow expatriate tenor saxophonist Dexter Gordon.

He left Paris for the countryside of the Netherlands to live on a farm, then headed to the Côte d'Azur in 1980, and in 1984 to rural Availles-Limouzine. In 1986 he was a member of the Paris Reunion Band with Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton, and Kenny Drew, making one album for the Sonet label. During his time in France, Griffin recorded for the Antilles and Verve labels, including The Cat in 1991 and Chicago, New York, Paris in 1994. On the weeks of his birthday, Griffin made regular appearances at the Jazz Showcase back home in Chicago. In his later years he collaborated with pianist Martial Solal and saxophonist Steve Grossman. Griffin passed away at age 80 on July 25, 2008.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-griffin-mn0000213510/biography

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Biografía
por Michael G. Nastos
Johnny Griffin, uno de los mejores saxofonistas tenores de todos los tiempos, pasará a los anales del jazz como un intérprete capaz de negociar con facilidad los complicados cambios armónicos y los rápidos tempos de la música moderna. También será recordado como un músico que podía interpretar magistralmente tiernas baladas, rivalizando con Ben Webster en ese aspecto.

Nacido como John Arnold Griffin III en Chicago, Illinois, el 24 de abril de 1928, residía en el lado sur de la Segunda Ciudad con su madre, que era cantante, y su padre, que tocaba la corneta. Un Griffin adolescente escuchó a Gene Ammons tocar en la gran banda de King Kolax. Dos años más tarde cogió un saxofón alto, y poco después estaba trabajando con el bluesman T-Bone Walker. Como estudiante de la DuSable High School, fue tutelado por el legendario director de banda Captain Walter Dyett. Tras su graduación, realizó una gira con la big band de Lionel Hampton, se cambió al saxo tenor y se trasladó a Nueva York. A finales de los años 40, Griffin tocó su parte de R&B con Joe Morris hasta 1950, junto a la banda de Jo Jones en 1950, y con Arnett Cobb en 1951. Se alistó en las fuerzas armadas con destino en Hawai, y tocó en una banda del ejército.

Tras su compromiso militar, regresó a Chicago y estuvo en compañía de los distintos conjuntos de Thelonious Monk hasta mediados de los años 60. Griffin grabó su álbum de Blue Note Introducing Johnny Griffin en 1958, y ese año formó un sexteto con los de Detroit Pepper Adams y Donald Byrd. Colaboró con los pianistas Bud Powell y Elmo Hope, fue reclutado brevemente por Art Blakey como miembro de los Jazz Messengers, impulsó su carrera de grabación en solitario para el sello Riverside y obtuvo su apodo, The Little Giant, con ese LP de título epónimo en 1959. Su colaboración más famosa y popular fue con su compañero saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin también grabó la legendaria A Blowin' Session para el sello Blue Note con John Coltrane y Hank Mobley.

Pero Griffin se cansó de Estados Unidos y de su apatía hacia el jazz, así que se convirtió en un expatriado. En 1963 vivía en París, Francia, y grabó muchos discos con secciones rítmicas europeas para los sellos Storyville, Black Lion y Steeplechase. También fue miembro fundador y principal solista durante muchos años de la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band, junto a figuras americanas y continentales. El año 1975 fue importante para Griffin, que participó en las bandas de Dizzy Gillespie y Count Basie, como se documenta en las grabaciones de sus actuaciones en el Festival de Jazz de Montreux. También colaboró con el saxofonista alemán Klaus Doldinger y su grupo de fusión Passport. A finales de los años 70, Griffin regresó a Estados Unidos para grabar para el sello Galaxy, y realizó una gira con el también saxofonista tenor expatriado Dexter Gordon.

Abandonó París para irse a vivir a una granja en Holanda, luego se fue a la Costa Azul en 1980, y en 1984 a la zona rural de Availles-Limouzine. En 1986 formó parte de la Paris Reunion Band con Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton y Kenny Drew, y grabó un álbum para el sello Sonet. Durante su estancia en Francia, Griffin grabó para los sellos Antilles y Verve, incluyendo The Cat en 1991 y Chicago, New York, Paris en 1994. En las semanas de su cumpleaños, Griffin hacía apariciones regulares en el Jazz Showcase de su ciudad natal, Chicago. En sus últimos años colaboró con el pianista Martial Solal y el saxofonista Steve Grossman. Griffin falleció a los 80 años el 25 de julio de 2008.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-griffin-mn0000213510/biography

Miles Davis • Sorcerer

 

Review from AllMusic (by Stephen Thomas Erlewine):
Sorcerer, the third album by the second Miles Davis Quintet, is in a sense a transitional album, a quiet, subdued affair that rarely blows hot, choosing to explore cerebral tonal colorings. Even when the tempo picks up, as it does on the title track, there's little of the dense, manic energy on Miles Smiles -- this is about subtle shadings, even when the compositions are as memorable as Tony Williams' "Pee Wee" or Herbie Hancock's "Sorcerer." As such, it's a little elusive, since it represents the deepening of the band's music as they choose to explore different territory. It's such a layered, intriguing work.
https://www.allmusic.com/album/sorcerer-mw0000197402

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Reseña de AllMusic (por Stephen Thomas Erlewine):
Sorcerer, el tercer álbum del segundo Quinteto de Miles Davis, es en cierto sentido un álbum de transición, un asunto tranquilo y moderado que rara vez se calienta, optando por explorar coloridos tonales cerebrales. Incluso cuando el tempo se acelera, como en la pista del título, hay poca de la energía densa y maníaca de Miles Smiles -- esto se trata de matices sutiles, incluso cuando las composiciones son tan memorables como "Pee Wee" de Tony Williams o "Sorcerer" de Herbie Hancock. Como tal, es un poco elusivo, ya que representa la profundización de la música de la banda mientras eligen explorar territorio diferente. Es un trabajo en capas e intrigante.
https://www.allmusic.com/album/sorcerer-mw0000197402

 

www.milesdavis.com ...

Red Garland • Red Garland Revisited

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
For pianist Red Garland's fourth recording as a leader, he's teamed up with bassist Paul Chambers, drummer Art Taylor, and (on "Four" and "Walkin'") guest guitarist Kenny Burrell. Garland plays in his distinctive style consistently throughout Red Garland Revisited!. Highlights include "Billy Boy" (which was adapted from Ahmad Jamal's rendition), "I'm Afraid the Masquerade Is Over," "It Could Happen to You," and two Burrell tracks. Predictably excellent music; Garland recorded more than 20 additional albums within the next five years.
https://www.allmusic.com/album/red-garland-revisited!-mw0000041281

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Para la cuarta grabación del pianista Red Garland como líder, se asocia con el bajista Paul Chambers, el baterista Art Taylor y (en "Four" y "Walkin'") el guitarrista invitado Kenny Burrell. Garland toca en su estilo distintivo de manera consistente a lo largo de Red Garland Revisited!. Los puntos destacados incluyen "Billy Boy" (que fue adaptado de la interpretación de Ahmad Jamal), "I'm Afraid the Masquerade Is Over", "It Could Happen to You", y dos temas con Burrell. Música predeciblemente excelente; Garland grabó más de 20 álbumes adicionales en los próximos cinco años.
https://www.allmusic.com/album/red-garland-revisited!-mw0000041281

Jackie McLean • Makin' The Changes

 

Jackie McLean • Makin' The Changes
No se encontró reseña en AllMusic.com
Review from Cashbox (June 25, 1960):
McLean's emergence as a major new alto voice is marked by his driving, energetic playing style. His intense approach shines on tracks including "Bean And The Boys," "I Never Knew," and "Chasin' The Bird," supported excellently by Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young, and Gil Coggins. An important recording session for Jackie McLean's developing career.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

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La emergencia de McLean como una importante nueva voz del saxo alto está marcada por su estilo de interpretación enérgico y vigoroso. Su enfoque intenso brilla en tracks que incluyen "Bean And The Boys", "I Never Knew" y "Chasin' The Bird", respaldado excelentemente por Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young y Gil Coggins. Una sesión de grabación importante para la carrera en desarrollo de Jackie McLean.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

Toshiko Akiyoshi • The Toshiko Trio

 

Nacida en Dairen (República Popular de China), e hija de padres japoneses, la pianista y compositora, Toshiko Akiyoshi, (Dairen, Liaoning, China, 12 de diciembre de 1929), estudió piano clásico y teoría musical mientras vivía en China. Empezó a interesarle el jazz a partir de su llegada a Japón en 1946. Fue descubierta en Tokio durante una visita a aquél país de Oscar Peterson, quien la animó a que viajara a los Estados Unidos. Ingresó en el «Berklee College» de Boston, donde estuvo tres años. Cuando se graduó, en 1959, formó junto a su marido, el saxofonista alto Charlie Mariano, el «Toshiko-Mariano Quartet» .

Un álbum grabado a principios de los años sesenta para el sello «Candid», titulado «Toshiko Mariano» le proporcionó popularidad y prestigio en los ámbitos musicales de los estados Unidos. Se estableció a mediados de los años sesenta en la ciudad de Los Ángeles y formó junto a su segundo marido, el también saxofonista, Lew Tabackin, una bigband en 1973 codirigida por ambos. En ese formato graba de manera regular y Akiyoshi encontró su formula musical preferida. La composición y los arreglos que realizaba estaban dotados de una calidad extraordinaria dentro del mas puro estilo hardbop.

En la década de los ochenta, Akiyoshi se convirtió lentamente en una referencia inexcusable en los conciertos del circuito internacional del jazz y aparecía a menudo, bien como líder, o bien como solista. En Japón su figura musical es venerada con absoluta entrega. La música que esta pianista crea demuestra que es posible elaborar y definir un perfil propio a las grandes orquestas con un discurso moderno del jazz. Su disco de 1991, grabado para Columbia en el Carnegie Hall neoyorquino la consagró definitivamente.
https://apoloybaco.com/jazz/toshiko-akiyoshi/




Nacida el 12 de diciembre de 1929 en Manchuria, la más joven de cuatro hijas, Toshiko Akiyoshi comenzó a tocar el piano en el primer grado a la edad de 7 años. Una estudiante mayor en tercer grado interpretó la Marcha Turca de Mozart, lo cual despertó su interés en tocar piano clásico. Tomaba lecciones privadas dos veces a la semana y practicaba en la escuela.

Cuando finalizó la guerra en 1945, su familia se mudó a Japón para evitar la ocupación rusa de Manchuria. Toshiko tenía sólo 16 años cuando comenzó a tocar el piano en un salón de baile japonés en la ciudad de Beppu. Su familia no tenía un piano en su nuevo hogar, y ella quería un lugar para practicar. Fue allí donde escuchó la música de jazz por primera vez: Sweet Lorraine de Teddy Wilson. Ella notó que después de escuchar el jazz, “Pasé todo mi tiempo y energía en la música. Solía olvidar comer porque lo que estaba escuchando era tan interesante. El Jazz se convirtió en una forma de vida.” Transcribía y tocaba junto con los discos de jazz para aprender el estilo, el idioma, y para mejorar su habilidad de improvisar. Tenía diecisiete años cuando se mudó a la ciudad de Fukuoka para tocar piano jazz en una gran banda.
Un Encuentro Fortuito con Oscar Petersen
 

Durante un tour Filarmónico de Japón, Oscar Petersen escuchó tocar a Toshiko en un club nocturno de Tokio en 1952. Después de ese encuentro fortuito, Oscar sugirió al productor Norman Granz que debía grabarla. Ese álbum, El Piano de Toshiko, fue grabado y lanzado en 1953. Por la fuerza de ese álbum, le fue otorgada una beca completa para la Escuela de Música de Berklee en Boston, MA. El fundador Lawrence Berk estaba impresionado con el talento de Toshiko, y por el hecho de que ella era una mujer japonesa intérprete de jazz. Después de alrededor de un año de coordinación entre el Departamento de Estado de los E.U.A. y oficiales japoneses, Berk recibió permiso para matricular a Toshiko como estudiante y le envío por correo un boleto de avión a Boston. En 1956, Toshiko Akiyoshi viajó a los Estados Unidos y se convirtió en la primera estudiante japonesa de Berklee.

Comenzó a tocar Storyville cuatro noches a la semana en marzo de 1956, lo cual fue organizado a través de Berklee. ¡Comenzó a grabar álbumes formalmente mientras vivía en Boston!
Dándole Forma a su Sonido de Jazz

Se mudó a la Ciudad de Nueva York en 1959, tocando en clubes de jazz tan destacados como y Hizo un tour en Japón en 1961 y 1963, quedándose en Japón durante un año después del nacimiento de su hija Monday. Conoció al tenor saxofonista/flautista Lew Tabackin en 1967, casándose con el en 1969. Se mudaron a los Ángeles en 1972 y formaron una gran banda de 16 instrumentos llamada Orquesta Jazz Toshiko Akiyoshi presentando a Lew Tabackin el año siguiente.

Toshiko comenzó a experimentar con su sonido en los 1970s, infusionando temas, vocales e instrumentos tradicionales japoneses en sus composiciones. Ella y Lew se mudaron a Nueva York, volviendo a formar la banda con artistas de Nueva York en 1982. La banda debutó en el Carnegie Hall en 1983 como parte del Festival Kool de Jazz. La reputación de Toshiko como prolífica compositora, arreglista, e intérprete creció a lo largo de los 80s y 90s.

Toshiko completo su autobiografía en 1996 llamada Vida Con el Jazz. Ella ha sido el tema de documentales, entrevistas especiales, incontables entrevistas, artículos, y blogs. se le ha otorgado un Premio de Maestría de Jazz del Fondo Nacional para las Artes y fue honrada en 2018 con el Premio Legado Viviente de la Fundación de Arte Medio-Atlántica. Su discografía ostenta más de 60 grabaciones y sus álbumes de gran banda de jazz han estado nominados para 14 premios Grammy.
https://calmradio.com/es/zenlife/5009-behind-the-music-toshiko-akiyoshi

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Biography by Scott Yanow
As an arranger, Toshiko Akiyoshi (influenced originally by Gil Evans and Thad Jones) has been particularly notable for incorporating elements of traditional Japanese music into her otherwise bop-ish charts. A strong (and underrated) pianist in the Bud Powell tradition, Akiyoshi was born in China but moved to Japan in 1946. She played locally (Sadao Watanabe was among her sidemen) and, after being noticed and encouraged by Oscar Peterson, studied at Berklee during 1956-1959. Married for a time to altoist Charlie Mariano, she co-led the Toshiko Mariano Quartet in the early '60s. After working with Charles Mingus in 1962 (including participating in his ill-fated Town Hall Concert), Toshiko returned to Japan for three years. Back in New York by 1965, she did a radio series and formed a quartet with her second husband, Lew Tabackin, in 1970. After moving to Los Angeles in 1972, Toshiko Akiyoshi put together her very impressive big band which featured such fine soloists as Bobby Shew, Gary Foster, and Tabackin. They recorded several notable albums before Akiyoshi decided, in 1981, to move to New York. Since their relocation, Akiyoshi and Tabackin have both been quite active although her re-formed big band has actually received less publicity than it did in L.A. She ranks as one of the top jazz arrangers of the past several decades. 
https://www.allmusic.com/artist/toshiko-akiyoshi-mn0000797470#biography

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Frank Strozier • The Fantastic Frank Strozier

 

Wynton Kelly • Someday My Prince Will Come

 

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)