L. Subramaniam • Fantasy Without Limits

 

 

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Ananda Shankar • 1970 US LP

Born in Almora in Uttar Pradesh, India, Shankar was the son of Amala and Uday Shankar, popular dancers, and also the nephew of the renowned sitar player Ravi Shankar. He studied in The Scindia School, Gwalior. Ananda did not learn sitar from his uncle but studied instead with Lalmani Misra at Banaras Hindu University.

In the late 1960s, Shankar travelled to Los Angeles, where he played with many contemporary musicians including Jimi Hendrix. There he was signed to Reprise Records and released his first album, the self-titled Ananda Shankar, in 1970, with original Indian classical material alongside sitar-based cover versions of popular hits, The Rolling Stones' "Jumpin' Jack Flash" and The Doors' "Light My Fire". The album was included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[4]

Returning to India in the early 1970s, Shankar continued to experiment musically and in 1975 released his most critically acclaimed album, Ananda Shankar and His Music, a jazz-funk mix of Eastern sitar, Western rock guitar, tabla and mridangam, drums and Moog synthesizers. Out of print for many years, the album was re-released on CD in 2005.

After working in India during the late 1970s and 1980s, Shankar's profile in the West began to rise again in the mid-1990s as his music found its way into club DJ sets, particularly in London. His music was brought to a wider audience with the release of Blue Note Records' popular 1996 rare groove compilation album, Blue Juice Vol. 1., including two tracks from Ananda Shankar And His Music, "Dancing Drums" and "Streets of Calcutta".

In the late 1990s, Shankar worked and toured in the United Kingdom with the London DJ State of Bengal and others, a collaboration that resulted in the Walking On album, featuring Shankar's trademark sitar soundscapes mixed with breakbeat and hip hop. Walking On was released in 2000 after Shankar's sudden death from heart failure the year before.

 

 

Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock.

Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

Al volver a la India, en 1975 publicó el que sería su álbum más conocido "Ananda Shankar And His Music", en el cual siguió experimentando con la mezcla de Jazz, Funk y música hindú. Con músicos tocando la guitarra eléctrica, el sitar, la tabla, el mridangam, la batería y el sintetizador Moog. Fuera de stock por muchos años, este álbum fue reeditado en 2005.
Después de trabajar durante el resto de los Años 1970 y los años 1980 en India, poco a poco y gracias principalmente a varios DJ y músicos británicos de origen indio como Talvin Singh y Nitin Sawhney volvió a la popularidad en occidente, cosa que hizo que el sello Blue Note lo incluyera en su álbum "Blue Juice Vol 1, A rare groove compilation" de 1996.
En 1998 y 1999 Ananda realizó varios conciertos con el Dj londinense State of Bengal y otros músicos, colaboración que resultó en el Álbum "Walking On" en el que mezclaron la música clásica de Shankar con ritmos breakbeat, Tecno y Hip Hop. Durante la fase de producción de este álbum, Ananda Shankar murió repentinamente de un fallo cardíaco. [wiki]

 

Anoushka Shankar • Land Of Gold

Land of Gold is Anoushka Shankars fervent response to the humanitarian trauma of displaced people fleeing conflict and poverty.

The virtuoso sitar player explores an expressive range, conveying an evocative journey infused with a message of enduring hope. With exquisite arrangements blending genres and musical collaborations, Land of Gold is a narrative communicated with conviction and poetic beauty.

Land of Gold originated in the context of the humanitarian plight of refugees. It coincided with the time when I had recently given birth to my second child. I was deeply troubled by the intense contrast between my ability to provide for my baby, and others who desperately wanted to provide the same security for their children but were unable to do so. Anoushka Shankar.

The narrative thread carried throughout the album evokes themes of disconnection, vulnerability and the underlying hope that persists in our darkest experiences. My instrument is the terrain in which I explore the gamut of emotional expression evoking shades of aggression, anger and tenderness, while incorporating elements of classical minimalism, jazz, electronica and Indian classical styles. Anoushka Shankar

Produced by Anoushka and her husband Joe Wright, whose film-making sensibilities helped to shape and add depth to the mood and energy of the album.

Notable electronic producer Matt Robertson (who is a long-term collaborator of Bjork) added cinematic soundscapes and textures, enhancing the initial compositions. Anoushka worked with a core-team of gifted musicians: At its base the album is designed as a trio of Anoushka, the famous Hang Drum player Manu Delago who performs on and co-wrote many of the pieces, and Sanjeev Shankar who was a student of her father Ravi Shankar, playing the Shehnai, a beautiful reed instrument from India.

Top notch female guest artists lend their voices to the album: M.I.A. with the Song, Jump In (Cross the Line), the wonderful singer Alev Lenz on Land of Gold and the actress and activist Vanessa Redgrave on Remain the Sea (reading a poem by Pavana Reddy). Not only do they add different musical styles and voices of different generations but all of them represent strong women known for using their voices for equality and against injustice. The last song Reunion features a girls children choir Girls for Equality.

The music is mainly based on western harmonics, features great electronic programming, string arrangements, hip hop elements, beautiful songwriting and virtuoso sitar performances embedded in exciting contemporary arrangements.

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Land of Gold es la respuesta ferviente de Anoushka Shankar al trauma humanitario de las personas desplazadas que huyen del conflicto y la pobreza.

El virtuoso intérprete de sitar explora una gama expresiva, transmitiendo un viaje evocador infundido de un mensaje de esperanza perdurable. Con exquisitos arreglos que mezclan géneros y colaboraciones musicales, Land of Gold es una narrativa comunicada con convicción y belleza poética.

Land of Gold se originó en el contexto de la difícil situación humanitaria de los refugiados. Coincidió con el momento en que yo había dado a luz recientemente a mi segundo hijo. Estaba profundamente preocupada por el intenso contraste entre mi capacidad para mantener a mi bebé y otras personas que desesperadamente querían proporcionar la misma seguridad a sus hijos pero que no podían hacerlo. Anoushka Shankar.

El hilo narrativo que se lleva a lo largo del álbum evoca temas de desconexión, vulnerabilidad y la esperanza subyacente que persiste en nuestras experiencias más oscuras. Mi instrumento es el terreno en el que exploro la gama de expresiones emocionales que evocan matices de agresividad, ira y ternura, a la vez que incorporo elementos del minimalismo clásico, el jazz, la electrónica y los estilos clásicos indios. Anoushka Shankar

Producida por Anoushka y su esposo Joe Wright, cuyas sensibilidades cinematográficas ayudaron a dar forma y profundidad al estado de ánimo y la energía del álbum.

El notable productor de electrónica Matt Robertson (que es un colaborador a largo plazo de Bjork) añadió paisajes sonoros y texturas cinematográficas, mejorando las composiciones iniciales. Anoushka trabajó con un equipo central de músicos talentosos: En su base el álbum está diseñado como un trío de Anoushka, el famoso músico de Hang Drum Manu Delago que interpreta y co-escribe muchas de las piezas, y Sanjeev Shankar que fue alumno de su padre Ravi Shankar, tocando el Shehnai, un hermoso instrumento de caña de la India.

Las artistas invitadas de primera categoría prestan sus voces al álbum: M.I.A. con la canción Jump In (Cruzar la línea), el maravilloso cantante Alev Lenz en Land of Gold y la actriz y activista Vanessa Redgrave en Remain the Sea (leyendo un poema de Pavana Reddy). No sólo añaden diferentes estilos musicales y voces de diferentes generaciones, sino que todas ellas representan a mujeres fuertes conocidas por utilizar sus voces en pro de la igualdad y contra la injusticia. La última canción Reunion presenta un coro de niñas, Girls for Equality.

La música se basa principalmente en armónicos occidentales, ofrece una gran programación electrónica, arreglos de cuerdas, elementos de hip hop, hermosas composiciones y virtuosas interpretaciones de sitar incrustadas en emocionantes arreglos contemporáneos.

 

www.anoushkashankar.com ...

Buddy Rich & Alla Rakha • Rich A La Rakha

This is a curious album. For one short studio session back in the '60s, the king of jazz drummers Buddy Rich, and Alla Rakha, the master of the Indian tabla, came together in an early attempt at East-West fusion. The resulting album was hailed as a 'landmark' and a 'seminal recording' but nevertheless had sunk without trace by the 1980's. Now re-released in re-mastered and restored form, does it stand the test of time?

As a student in the 1980s, I was given an ancient copy of this disc and wondered at the virtuosity of Alla Rakha. I also wondered what Buddy Rich was doing as he only obviously features on two of the five tracks. With this new CD version I realised that he also appears on a third track, minus his shoes and sitting cross-legged playing the dholak (a small hand drum). It's not that the sound quality of the new release allows such insights, although it is pretty good being re-mastered from the original session tapes, but that the copious sleeve notes explain what's going on in great detail.

The first two minutes of the disc transport you to the Taj Mahal, with sitar and flute introducing a simple theme reminiscent of Indian restaurants everywhere. In common with the other tracks the melody then stops abruptly to allow the stars to shine. The following schizophrenic duet sees Rich imitating the tones of the tabla on a snare drum whilst maintaining a different time signature from Rakha. The third track is fantastic, a battle royal between full drum kit and tabla which still takes my breath away. The last two tracks are tabla solos with Rakha at the top of his form.

If you want a nice disc of typical Indian music, this one's not for you. But this re-release, following the deaths of Buddy Rich in 1987 and Alla Rakha last year, offers a unique insight into the early days of fusion. Worth a listen. [http://www.bbc.co.uk/music/reviews/63qv/]

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Este es un álbum curioso. En una breve sesión de estudio en los 60, el rey de los bateristas de jazz Buddy Rich y Alla Rakha, el maestro de la tabla india, se unieron en un primer intento de fusión Este-Oeste. El álbum resultante fue aclamado como un "hito" y una "grabación fundamental", pero sin embargo se había hundido sin dejar rastro en la década de 1980. Ahora relanzado en forma remasterizada y restaurada, ¿soporta la prueba del tiempo?

Cuando era estudiante en los años 80, me dieron una copia antigua de este disco y me pregunté sobre el virtuosismo de Alla Rakha. También me pregunté qué hacía Buddy Rich, ya que obviamente sólo aparece en dos de las cinco pistas. Con esta nueva versión del CD me di cuenta de que también aparece en una tercera pista, sin sus zapatos y sentado con las piernas cruzadas tocando el dholak (un pequeño tambor de mano). No es que la calidad de sonido de la nueva versión permita tales percepciones, aunque es bastante bueno ser remasterizado a partir de las cintas de la sesión original, sino que las copiosas notas de la carátula explican lo que está pasando con gran detalle.

Los dos primeros minutos del disco te transportan al Taj Mahal, con el sitar y la flauta introduciendo un tema sencillo que recuerda a los restaurantes indios de todas partes. En común con las otras pistas, la melodía se detiene abruptamente para permitir que las estrellas brillen. El siguiente dúo esquizofrénico ve a Rich imitando los tonos de la tabla en un tambor de caja mientras mantiene una firma de tiempo diferente a la de Rakha. La tercera pista es fantástica, una batalla real entre la batería y la tabla que aún me deja sin aliento. Los dos últimos temas son solos de tabla con Rakha en su mejor momento de forma.

Si quieres un buen disco de música típica de la India, este no es para ti. Pero esta reedición, tras las muertes de Buddy Rich en 1987 y Alla Rakha el año pasado, ofrece una visión única de los primeros días de la fusión. Vale la pena escucharlo. [http://www.bbc.co.uk/music/reviews/63qv/]

Ravi Shankar • Sound Of The Sitar

 

Review
by AllMusic
By far the most famous of all sitar players, Ravi Shankar has long been a beacon of light for Indian music worldwide. SOUND OF THE SITAR is made up of four compositions.
The first, "Raga Malkauns: Alap" is a slow, reflective piece. According to Shankar, the section of a raga known as the Alap is difficult to play because it is an invocation, a prayer meant to be performed with great humility. The second piece is, "Raga Malkauns: Jor." The Jor section of a raga is based on a rhythmic pulse and does not a have a strict rhythmic time cycle like the Alap. As this piece develops, much like Western music, it becomes more dense and climactic. The third piece, "Tala Sawari" includes a wonderful tabla solo by Alla Rakha. This piece also uses boles, vocal mnemonics that imitate the various tones produced on the drums. The final selection, "Pahar Dhun" is a cheerful improvisation based on the folk melodies of India. SOUND OF THE SITAR is one of Ravi Shankar's best early albums.
https://www.allmusic.com/album/sound-of-the-sitar-mw0000054355

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Reseña
por AllMusic
Ravi Shankar, con diferencia el más famoso de todos los intérpretes de sitar, ha sido durante mucho tiempo un faro de luz para la música india en todo el mundo. SOUND OF THE SITAR consta de cuatro composiciones.
La primera, "Raga Malkauns: Alap" es una pieza lenta y reflexiva. Según Shankar, la sección de una raga conocida como Alap es difícil de tocar porque es una invocación, una plegaria que debe interpretarse con gran humildad. La segunda pieza es "Raga Malkauns: Jor". La sección Jor de una raga se basa en un pulso rítmico y no tiene un ciclo de tiempo rítmico estricto como el Alap. A medida que esta pieza se desarrolla, al igual que la música occidental, se vuelve más densa y culminante. La tercera pieza, "Tala Sawari", incluye un maravilloso solo de tabla de Alla Rakha. Esta pieza también utiliza boles, mnemónicos vocales que imitan los diversos tonos producidos por los tambores. La selección final, "Pahar Dhun", es una alegre improvisación basada en las melodías folclóricas de la India. SOUND OF THE SITAR es uno de los mejores primeros álbumes de Ravi Shankar.
https://www.allmusic.com/album/sound-of-the-sitar-mw0000054355

Ravi Shankar • Chappaqua

 

 

Biography
by Ken Hunt
A master of the sitar as well as a famous experimenter with its classical forms, Ravi Shankar was probably the world's best-known Indian musician. First recorded in 1936, he had a rich career that spanned nine decades. His mentoring of the Beatles during the height of their fame in the 1960s helped bring him to the attention of Western audiences, but Shankar's influence obviously extends far beyond Western pop, and he spent much of his career bridging the gap between musical cultures.

Rabindra Shankar Chowdery was born on April 7, 1920, in Varanasi, India, into a well-off orthodox Brahmin family. His father, ShyÆm Shankar, was employed as a diwan (minister) by the Maharajah of Jhalawar. By the age of 13, Ravi Shankar was going along on every tour of his brother Uday Shankar's Compaigne de Danse et Musique Hindou (Company of Hindu Dance and Music). At the All-Bengali Music Conference in December 1934, he met the multi-instrumentalist Allauddin Khan. Precisely when Allauddin Khan was born is uncertain. People hazard dates in the 1860s around 1862, but in later years he himself gave his age haphazardly. He would transform many musicians' lives, but he had an incalculable effect on Ali Akbar (his son), Annapurna Devi (his daughter), and Shankar himself. Allauddin Khan joined Uday's troupe as its principal soloist around 1935-1936.

In 1938, Shankar gave up a potential career as a dancer and went to study with Allauddin Khan in Maihar. In 1939, he began giving public recitals and came out of training at the end of 1944. Until 1948, he based himself in Bombay and gave programs all over India. He toured and wrote for films and ballet. Around this time he began his recording career with a small session for HMV (India). Work for All India Radio followed, as music director from February 1949 to January 1956 in New Delhi. Concurrently, his international star was on the rise. In 1954, he performed in the Soviet Union. In 1956, he played his debut solo concerts in Western Europe and the U.S. Within a decade he would be the most famous Indian musician on the planet. Within two decades he became probably the most famous Indian alive. His English-language autobiography, My Music, My Life (1969), is still one of the best general introductions to Hindustani music. It would be hard to over-estimate his influence in late 20th century Western music. His disciples included George Harrison and Philip Glass.

Shankar was not one-dimensional. Apart from pursuing a career as a classical performer, he also experimented outside this field. For this reason he has attracted criticism from purists. Some of this, especially during the Beatles era, undoubtedly had an element of jealousy to it, and some was certainly warranted, because Shankar did take many chances. In fact, that was one of the things that kept his music exciting. To use a cricketing image -- baseball would be wholly inappropriate -- Shankar's batting average remained high throughout a long and illustrious career. In later life, he spent a great deal of time in the U.S. at his home in California, and continued to give spellbinding live performances well into the new century. However, his final concert took place in Bangalore, southwest India, in February 2012, where he shared the stage with his daughter, Anoushka. Sadly, following a long period of ill health, Shankar passed away at a San Diego hospital on December 11, 2012, aged 92. A pair of albums appeared later that year, Living Room Sessions: Part 1 and a performance of Shankar's only symphony composition, simply called Symphony, done by the London Philharmonic Orchestra with David Murphy.
https://www.allmusic.com/artist/ravi-shankar-mn0000404463/biography

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Biografía
por Ken Hunt
Maestro del sitar y famoso experimentador de sus formas clásicas, Ravi Shankar fue probablemente el músico indio más conocido del mundo. Grabado por primera vez en 1936, tuvo una rica carrera que abarcó nueve décadas. Su tutoría de los Beatles durante el apogeo de su fama en los años 60 contribuyó a atraer la atención del público occidental, pero es evidente que la influencia de Shankar va mucho más allá del pop occidental, y dedicó gran parte de su carrera a tender puentes entre culturas musicales.

Rabindra Shankar Chowdery nació el 7 de abril de 1920 en Benarés (India), en el seno de una acomodada familia brahmánica ortodoxa. Su padre, ShyÆm Shankar, era diwan (ministro) del Maharajá de Jhalawar. A los 13 años, Ravi Shankar ya acompañaba a su hermano Uday Shankar en todas las giras de la Compaigne de Danse et Musique Hindou (Compañía de Danza y Música Hindú). En la All-Bengali Music Conference de diciembre de 1934, conoció al multiinstrumentista Allauddin Khan. No se sabe con exactitud cuándo nació Allauddin Khan. La gente arriesga las fechas en la década de 1860 en torno a 1862, pero en años posteriores él mismo dio su edad al azar. Transformaría la vida de muchos músicos, pero tuvo un efecto incalculable en Ali Akbar (su hijo), Annapurna Devi (su hija) y el propio Shankar. Allauddin Khan se unió a la compañía de Uday como solista principal hacia 1935-1936.

En 1938, Shankar renunció a una posible carrera como bailarín y se fue a estudiar con Allauddin Khan a Maihar. En 1939, empezó a dar recitales públicos y abandonó la formación a finales de 1944. Hasta 1948, se instaló en Bombay y dio programas por toda la India. Realizó giras y escribió para películas y ballet. Por aquel entonces comenzó su carrera discográfica con una pequeña sesión para HMV (India). A continuación trabajó para All India Radio, como director musical desde febrero de 1949 hasta enero de 1956 en Nueva Delhi. Al mismo tiempo, su estrella internacional iba en aumento. En 1954 actuó en la Unión Soviética. En 1956, dio sus primeros conciertos en solitario en Europa Occidental y EE.UU. En una década se convertiría en el músico indio más famoso del planeta. En dos décadas se convirtió probablemente en el indio vivo más famoso. Su autobiografía en inglés, My Music, My Life (1969), sigue siendo una de las mejores introducciones generales a la música indostaní. Sería difícil sobrestimar su influencia en la música occidental de finales del siglo XX. Entre sus discípulos se cuentan George Harrison y Philip Glass.

Shankar no era un músico unidimensional. Además de seguir una carrera como intérprete clásico, también experimentó fuera de este campo. Por esta razón ha suscitado críticas de los puristas. Algunas de ellas, sobre todo en la época de los Beatles, tenían sin duda algo de celoso, y otras estaban justificadas, porque Shankar se arriesgó mucho. De hecho, esa era una de las cosas que hacían que su música siguiera siendo emocionante. Utilizando una imagen del cricket -el béisbol sería totalmente inapropiado-, la media de bateo de Shankar se mantuvo alta a lo largo de una larga e ilustre carrera. En sus últimos años de vida, pasó mucho tiempo en Estados Unidos, en su casa de California, y siguió ofreciendo fascinantes actuaciones en directo hasta bien entrado el nuevo siglo. Sin embargo, su último concierto tuvo lugar en Bangalore, al suroeste de la India, en febrero de 2012, donde compartió escenario con su hija, Anoushka. Lamentablemente, tras un largo periodo de mala salud, Shankar falleció en un hospital de San Diego el 11 de diciembre de 2012, a los 92 años. Ese mismo año aparecieron un par de álbumes, Living Room Sessions: Part 1 y una interpretación de la única composición sinfónica de Shankar, llamada simplemente Symphony, realizada por la Orquesta Filarmónica de Londres con David Murphy.
https://www.allmusic.com/artist/ravi-shankar-mn0000404463/biography

Joe Harriot & John Mayer • Indo-Jazz Suite

 

Review by Thom Jurek

In England in the 1960s, Harriott was something of a vanguard wonder on the order of Ornette Coleman. And while the comparisons flew fast and furious and Harriott was denigrated as a result, the two men couldn't have been more different. For one thing, Harriott was never afraid to swing. This work, written and directed by Mayer, offered the closest ever collaboration and uniting of musics East and West. Based almost entirely in the five-note raga -- or tonic scale that Indian classical music emanates from -- and Western modalism, the four ragas that make up the suite are a wonder of tonal invention and modal complexity, and a rapprochement to Western harmony. The band Harriott assembled here included his own group -- pianist Pat Smythe, bassist Coleridge Goode, and drummer Allan Ganley -- as well as trumpeter Kenny Wheeler, flutist Chris Taylor, Diwan Mothar on sitar, Chandrahas Paiganka on tamboura, and Keshan Sathe on tabla, with Mayer playing violin and Harriott on his alto. Of the four pieces, the "Overture" and "Contrasts" are rooted in blues and swing, though they move from one set of ascending and descending notes to the other, always ending on the tonic, and involve more than the five, six, or seven notes of Indian classical music, while the latter two -- "Raga Megha" and "Raga Gaud-Saranga" -- are out to lunch in the Western musical sensibility and throw all notions of Western harmony out the window. The droning place of the tamboura and the improvising sitar and alto shift the scalar notions around until they reflect one another in interval and mode, creating a rich, mysterious tapestry of sonic inquiry that all but folds the two musics into one another for good. Amazing.

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Reseña de Thom Jurek
En la Inglaterra de los años sesenta, Harriott era una especie de maravilla de la vanguardia del orden de Ornette Coleman. Y aunque las comparaciones fueron rápidas y furiosas y Harriott fue denigrado por ello, los dos hombres no podían ser más diferentes. En primer lugar, Harriott nunca tuvo miedo al swing. Esta obra, escrita y dirigida por Mayer, ofreció la colaboración y unión más estrecha que jamás se haya dado entre las músicas de Oriente y Occidente. Basada casi por completo en el raga de cinco notas -o escala tónica de la que emana la música clásica india- y el modalismo occidental, los cuatro ragas que componen la suite son una maravilla de invención tonal y complejidad modal, y un acercamiento a la armonía occidental. La banda que Harriott reunió aquí incluía a su propio grupo -el pianista Pat Smythe, el bajista Coleridge Goode y el batería Allan Ganley-, así como al trompetista Kenny Wheeler, el flautista Chris Taylor, Diwan Mothar al sitar, Chandrahas Paiganka a la tamboura y Keshan Sathe a la tabla, con Mayer tocando el violín y Harriott con su contralto. De las cuatro piezas, "Overture" y "Contrasts" tienen sus raíces en el blues y el swing, aunque pasan de un conjunto de notas ascendentes y descendentes a otro, siempre terminando en la tónica, e implican más que las cinco, seis o siete notas de la música clásica india, mientras que las dos últimas - "Raga Megha" y "Raga Gaud-Saranga"- se salen de la sensibilidad musical occidental y tiran por la ventana todas las nociones de armonía occidental. El zumbido de la tamboura y la improvisación del sitar y el alto desplazan las nociones escalares hasta que se reflejan mutuamente en intervalo y modo, creando un rico y misterioso tapiz de indagación sonora que prácticamente funde las dos músicas para siempre. Increíble.

The Dawn of Indian Music in the West

 

 

"The Dawn of Indian Music in the West," by Peter Lavezzoli. Foreword by Ravi Shankar. In the 1960s, the wonders of Indian music, and its unique message of peace, were spread in the West by Ravi Shankar, George Harrison and the Beatles, John Coltrane, Yehudi Menuhin, and others. In 1971, Harrison and Shankar organized the Concert for Bangladesh, the first superstar charity event, in hopes of stopping a war and feeding the hungry. But Indian music also had a profound impact on the work of Mickey Hart and the Grateful Dead, Philip Glass, John McLaughlin, and many others. At the dawn of the 21st century, Indian music's spiritual message is more timely than ever before. Here is the story of the musical merging of East and West, from the Beatles and John Coltrane to the Asian Underground. Peter Lavezzoli has a rare ability to articulate the personal feeling of music, while also narrating a comprehensive history. In his refreshingly accessible discussion on Indian music theory, he clarifies Eastern musical structures and terminology for Western readers. For this book, Lavezzoli conducted historic in-depth interviews with: Ravi Shankar, Ali Akbar Khan, Zakir Hussain, Mickey Hart, David Crosby & Roger McGuinn of the Byrds, Philip Glass, Jim Keltner, Zubin Mehta, John McLaughlin, Terry Riley, Bill Laswell, Cheb i Sabbah, Anoushka Shankar, Tanmoy Bose, Shujaat Khan, Shubhendra Rao, Saskia Rao de Haas, Mary Johnson Khan, and George Ruckert. These interviews bring an additional immediacy and authority to the book through the personal insights of the musicians themselves. The chapters on Indian music's relationships with jazz, rock, and electronic music are definitive. Includes a glossary and rare photos.

 

Ananda Shankar • Arpan Om Sai Ram

Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock.

Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

Al volver a la India, en 1975 publicó el que sería su álbum más conocido "Ananda Shankar And His Music", en el cual siguió experimentando con la mezcla de Jazz, Funk y música hindú. Con músicos tocando la guitarra eléctrica, el sitar, la tabla, el mridangam, la batería y el sintetizador Moog. Fuera de stock por muchos años, este álbum fue reeditado en 2005.
Después de trabajar durante el resto de los Años 1970 y los años 1980 en India, poco a poco y gracias principalmente a varios DJ y músicos británicos de origen indio como Talvin Singh y Nitin Sawhney volvió a la popularidad en occidente, cosa que hizo que el sello Blue Note lo incluyera en su álbum "Blue Juice Vol 1, A rare groove compilation" de 1996.
En 1998 y 1999 Ananda realizó varios conciertos con el Dj londinense State of Bengal y otros músicos, colaboración que resultó en el Álbum "Walking On" en el que mezclaron la música clásica de Shankar con ritmos breakbeat, Tecno y Hip Hop. Durante la fase de producción de este álbum, Ananda Shankar murió repentinamente de un fallo cardíaco. [wiki]

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Born in Almora in Uttar Pradesh, India, Shankar was the son of Amala and Uday Shankar, popular dancers, and also the nephew of the renowned sitar player Ravi Shankar. He studied in The Scindia School, Gwalior. Ananda did not learn sitar from his uncle but studied instead with Lalmani Misra at Banaras Hindu University.

In the late 1960s, Shankar travelled to Los Angeles, where he played with many contemporary musicians including Jimi Hendrix. There he was signed to Reprise Records and released his first album, the self-titled Ananda Shankar, in 1970, with original Indian classical material alongside sitar-based cover versions of popular hits, The Rolling Stones' "Jumpin' Jack Flash" and The Doors' "Light My Fire". The album was included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[4]

Returning to India in the early 1970s, Shankar continued to experiment musically and in 1975 released his most critically acclaimed album, Ananda Shankar and His Music, a jazz-funk mix of Eastern sitar, Western rock guitar, tabla and mridangam, drums and Moog synthesizers. Out of print for many years, the album was re-released on CD in 2005.

After working in India during the late 1970s and 1980s, Shankar's profile in the West began to rise again in the mid-1990s as his music found its way into club DJ sets, particularly in London. His music was brought to a wider audience with the release of Blue Note Records' popular 1996 rare groove compilation album, Blue Juice Vol. 1., including two tracks from Ananda Shankar And His Music, "Dancing Drums" and "Streets of Calcutta".

In the late 1990s, Shankar worked and toured in the United Kingdom with the London DJ State of Bengal and others, a collaboration that resulted in the Walking On album, featuring Shankar's trademark sitar soundscapes mixed with breakbeat and hip hop. Walking On was released in 2000 after Shankar's sudden death from heart failure the year before.

 

 

 

Fleck Hussain Meyer • The Melody of Rhythm

 

Review by Thom Jurek
Béla Fleck wasn't done after his world music extravaganza Throw Down Your Heart, Tales from the Acoustic Planet, Vol. 3: The Africa Sessions. Those groundbreaking explorations led to the forming of this group and yet another collaboration, The Melody of Rhythm: Triple Concerto & Music for Trio, which teams him with cellist/bassist Edgar Meyer and the mighty Indian percussionist Zakir Hussain. The trio collaborates here with the Detroit Symphony Orchestra directed by maestro Leonard Slatkin. Fleck and Meyer had been playing together on and off for 26 years at the time of this recording, and had previously composed a double concerto for banjo and cello for the Nashville Symphony Orchestra in 2004. They were commissioned by the same orchestra to create a triple concerto in 2006. They decided on Hussain as a collaborator for this set, and performed "The Melody of Rhythm" with the NSO conducted by Slatkin. This is the debut recording of the work and it is augmented by other incidental music either inspired by the original piece or derived directly from it. The DSO, Slatkin's new home, recorded it in 2009. As for the music? What's not to like? Its three movements over 28 minutes are a spacious, wide-ranging, beautifully paced concerto with the trio interacting on its own quite intently and with the DSO not as individual instrumentalists, but as a group in dialogue with the orchestra. Jazz, Indian folk forms, classical music, Appalachian folk, progressive instrumental music, and something utterly new emerge for the listener. "The Melody of Rhythm" is preceded by three compositions. "Babar," which opens the set, is a wandering Eastern European folk song meeting near Asian folk forms. "Out of the Blue" is a work that combines elements of Gypsy swing, Indian classical music, and mountain blues. There are three pieces that follow the concerto as well; most notable among them is the haunting closer, "Then Again," with its high-neck modal explorations by Fleck answered contrapuntally by Meyer and covered in differing textures and tempos by Hussain. This CD is a stellar buy, because it showcases two entirely different faces of this group: one that plays a scripted work in the context of interacting with a much larger ensemble, and as what can only be called a new kind of improvising jazz trio that can work from a set composition and travel far and wide in sound, texture, and color. Bravo.
https://www.allmusic.com/album/melody-of-rhythm-triple-concerto-music-for-trio-mw0000823138

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Reseña de Thom Jurek
Béla Fleck no terminó después de su extravagancia de música mundial Throw Down Your Heart, Tales from the Acoustic Planet, Vol. 3: Las sesiones de África. Esas exploraciones pioneras llevaron a la formación de este grupo y otra colaboración, The Melody of Rhythm: Triple Concerto & Music for Trio, que lo une con el violonchelista / bajista Edgar Meyer y el poderoso percusionista indio Zakir Hussain. El trío colabora aquí con la Detroit Symphony Orchestra dirigida por el maestro Leonard Slatkin. Fleck y Meyer habían estado tocando juntos de forma intermitente durante 26 años en el momento de esta grabación, y previamente habían compuesto un concierto doble para banjo y violonchelo para la Orquesta Sinfónica de Nashville en 2004. Fueron comisionados por la misma orquesta para crear un triple concierto en 2006. Se decidieron por Hussain como colaborador para este set, e interpretaron "The Melody of Rhythm" con la NSO dirigida por Slatkin. Esta es la grabación de debut de la obra y está aumentada por otra música incidental, ya sea inspirada en la pieza original o derivada directamente de ella. El DSO, el nuevo hogar de Slatkin, lo grabó en 2009. ¿En cuanto a la música? ¿Que es no gustar? Sus tres movimientos a lo largo de 28 minutos son un concierto espacioso, amplio y con un ritmo hermoso en el que el trío interactúa solo con mucha intensidad y con el DSO no como instrumentistas individuales, sino como un grupo en diálogo con la orquesta. Jazz, formas populares de la India, música clásica, folk de los Apalaches, música instrumental progresiva y algo completamente nuevo emergen para el oyente. "The Melody of Rhythm" está precedida por tres composiciones. "Babar", que abre el set, es una canción folclórica errante de Europa del Este que se encuentra cerca de formas folclóricas asiáticas. "Out of the Blue" es una obra que combina elementos del swing gitano, la música clásica india y el blues de la montaña. También hay tres piezas que siguen al concierto; el más notable entre ellos es el inquietante más cercano, "Then Again", con sus exploraciones modales de cuello alto por Fleck contestadas en contrapunto por Meyer y cubiertas en diferentes texturas y tempos por Hussain. Este CD es una compra estelar, porque muestra dos caras completamente diferentes de este grupo: una que toca una obra con guión en el contexto de la interacción con un conjunto mucho más grande, y como lo que solo puede llamarse un nuevo tipo de trío de jazz improvisado que puede trabajar a partir de una composición fija y viajar a lo largo y ancho en sonido, textura y color. Bravo.
https://www.allmusic.com/album/melody-of-rhythm-triple-concerto-music-for-trio-mw0000823138

 

 

bela-fleck-zakir-hussain-edgar-meyer ...

Anoushka Shankar • Home

Editorial Reviews
Four-time Grammy nominated Anoushka Shankar is one of today´s most distinguished and versatile classical cross-genre sitar performers and composers. Her unique approach to classical music and world music genres is both highly artistic and commercially appealing to a wide audience.
fter Traveller and Traces of You this pure Indian classical album is Anoushka´s third release on Deutsche Grammophon and 8th solo album recorded right at her HOME studio in London.
Inspired by her classical upbringing and teaching by her legendary father, Maestro Ravi Shankar this album offers both meditative and virtuoso Indian classical raga for Solo Sitar with ensemble.
With Home Anoushka continues her journey exploring modern and fresh ways to reinterpret and keep alive the beautiful musical traditions of India, as taught to her by her father Ravi Shankar.

Alaap Run time: 11:08
The slow, rhythm-free and serene unfolding of the raga s character. Raga Jogeshwari is a creation of Ravi Shankars; however, this entire raga performance is an improvisation.

Jod,Jhala
Run time: 10:14
A pulse and rhythm is introduced in the jod, gradually building up to a climax in the jhala.

Gat in Rupaktaal
Run time: 15:27
The tabla enters here, playing rupaktaal, a popular rhythmic cycle of seven beats. This gat is composed by Anoushka, and Tanmoy and Anoushka use the gat and rhythmic cycle as a framework for their improvisations.

Aochar, Dadra, Teentaal,Coda
Run time: 18:26
As is traditional, the final piece is played in a lighter, more romantic mood. After a short alaap known as aochar, Anoushka introduces a gat in ektaal of twelve beats, and then slowly accelerates the tempo to an intense climax during the second gat, played in teentaal of sixteen beats. An exciting tabla solo is featured near the end of teentaal, and, unusually, Anoushka adds a short coda at the end, again in ektaal.

Ravi Shankar once said: There is a saying in Sanskrit - Ranjayathi iti Ragah - which means, that which colors the mind is a raga. With Home Anoushka does just that.

Reseña editorial
Anoushka Shankar, nominado cuatro veces al Grammy, es uno de los más distinguidos y versátiles intérpretes y compositores de sitar clásico de género cruzado de la actualidad. Su enfoque único de la música clásica y de los géneros de música del mundo es muy artístico y comercialmente atractivo para una amplia audiencia.
Tras Traveller and Traces of You, este álbum de pura música clásica india es el tercer lanzamiento de Anoushka en Deutsche Grammophon y el octavo álbum en solitario grabado en su estudio HOME de Londres.
Inspirado en su educación clásica y en las enseñanzas de su legendario padre, el maestro Ravi Shankar, este álbum ofrece una raga clásica india meditativa y virtuosa para Sitar en solitario con un conjunto.
Con Home Anoushka continúa su viaje explorando formas modernas y frescas de reinterpretar y mantener vivas las bellas tradiciones musicales de la India, tal y como le enseñó su padre Ravi Shankar.

Alaap Duración: 11:08
El lento, libre de ritmo y sereno desarrollo del personaje del raga. Raga Jogeshwari es una creación de Ravi Shankar, sin embargo, toda esta actuación raga es una improvisación.

Jod,Jhala
Tiempo de ejecución: 10:14
Se introduce un pulso y un ritmo en el jod, que se va acumulando gradualmente hasta llegar a un clímax en el jhala.

Gat en Rupaktaal
Tiempo de ejecución: 15:27
La tabla entra aquí, tocando rupaktaal, un popular ciclo rítmico de siete tiempos. Este gat está compuesto por Anoushka, y Tanmoy y Anoushka usan el gat y el ciclo rítmico como marco para sus improvisaciones.

Aochar, Dadra, Teentaal, Coda
Tiempo de ejecución: 18:26
Como es tradicional, la pieza final se toca en un ambiente más ligero y romántico. Después de un corto alapso conocido como aochar, Anoushka introduce un gat en ektaal de doce tiempos, y luego acelera lentamente el tempo hasta un intenso clímax durante el segundo gat, tocado en teentaal de dieciséis tiempos. Un excitante solo de tabla aparece cerca del final del teentaal, y, de forma inusual, Anoushka añade una corta coda al final, de nuevo en ektaal.

Ravi Shankar dijo una vez: Hay un dicho en sánscrito - Ranjayathi iti Ragah - que significa, lo que colorea la mente es un raga. Con el hogar Anoushka hace precisamente eso.

 

www.anoushkashankar.com ...

Ashwin Batish • Sitar Power 1

Album Notes

It's powerful, it's magical! .... Stops you dead in your tracks the first time you hear it .... Batish rips on the Sitar" - Tower Records, Pulse.

"Sitar Power is a mind blowing mix of modern funk gadgetry and classical Eastern flavor. This is no novelty. Batish has been called a sitar master by fellow musicians and critics alike." - CMJ, NY

Bombay Born Ashwin Batish rocked the airwaves with his debut album Sitar Power 1 in 1986. This album drew rave reviews for its innovative stance and as one of the pioneering albums in the Worldbeat genre that successfully fused the classical sitar music of India with rock. This re-release on CD is done by popular demand following the recent release of his Sitar Power 2 CD!

This CD was also awarded honorable mention by the National Association of Independant Record Distributors.

Ashwin Batish is an extraordinary sitarist and tabla player. He received training in the North Indian classical tradition from his father S.D. Batish and later created his own unique fusion of Indian classical sitar with pop, rock, jazz, calypso, funk... an example of a few hybrids he excells at. He is famous for such songs as the Bombay Boogie, Raga Rock, Raga Jazz, Casbah Shuffle and Sitar Mania.

Ashwin is also very well know for being an educator. His series of instructional videos for the sitar, tabla, dilruba, dholak, vichitra veena, harmonium that he has produced with his father Pandit Shiv Dayal Batish have become a very sought after commodity by the Indian music student. Ashwin often gives private and group Indian music lessons at his Santa Cruz, California USA facility and is often called upon by various music festivals and universities to perform his sitar and be a guest lecturer for weekend workshops and seminars on Indian music and ethnopop, raga rock sitar fusion.

Ashwin Batish's pioneering effort in worldbeat music called "Sitar Power" has earned him some critical reviews and great respect in the music community. The sitar is ageless in Ashwin's hands. It is souped up for amplification and effects! We hope you get to catch one of Ashwin's electric performances. His music is as dynamic as his stage presence.

https://store.cdbaby.com/cd/ashwin1

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Notas del álbum

Es poderoso, es mágico! .... Te detiene en seco la primera vez que lo escuchas..... Batish rips on the Sitar" - Tower Records, Pulse.

"Sitar Power es una alucinante mezcla de modernos artefactos funk y el clásico sabor oriental. Esto no es ninguna novedad. Batish ha sido llamado maestro de sitar por músicos y críticos por igual". - CMJ, NY

Bombay Born Ashwin Batish sacudió las ondas con su álbum debut Sitar Power 1 en 1986. Este álbum recibió críticas muy favorables por su postura innovadora y por ser uno de los álbumes pioneros en el género Worldbeat que fusionó con éxito la música clásica de sitar de la India con el rock. Este re-lanzamiento en CD es hecho por demanda popular después del reciente lanzamiento de su CD Sitar Power 2!

Este CD también recibió una mención honorífica de la National Association of Independant Record Distributors (Asociación Nacional de Distribuidores de Discos Independientes).

Ashwin Batish es un extraordinario sitarista y tablaista. Recibió entrenamiento en la tradición clásica del norte de la India por parte de su padre S.D. Batish y más tarde creó su propia fusión única de sitar clásico indio con el pop, rock, jazz, calypso, funk.... un ejemplo de algunos híbridos en los que se destaca. Es famoso por canciones como Bombay Boogie, Raga Rock, Raga Jazz, Casbah Shuffle y Sitar Mania.

Ashwin también es muy conocido por ser un educador. Su serie de videos instructivos para el sitar, tabla, dilruba, dholak, vichitra veena, armonio que ha producido con su padre Pandit Shiv Dayal Batish se han convertido en una mercancía muy buscada por el estudiante de música indio. Ashwin a menudo da clases privadas y grupales de música india en sus instalaciones de Santa Cruz, California, EE.UU. y a menudo es llamado por varios festivales de música y universidades para interpretar su sitar y ser un conferenciante invitado para talleres de fin de semana y seminarios sobre música india y etnopopop, fusión de sitar de rock raga.

El esfuerzo pionero de Ashwin Batish en el mundo de la música llamada "Sitar Power" le ha ganado algunas críticas y un gran respeto en la comunidad musical. El sitar no tiene edad en las manos de Ashwin. Está preparado para la amplificación y los efectos! Esperamos que puedan ver una de las actuaciones eléctricas de Ashwin. Su música es tan dinámica como su presencia escénica.

https://store.cdbaby.com/cd/ashwin1

Ashwin Batish • Sitar Power 2

 

Fun and creative combinations melting the East West musical strains into exciting concoctions with the Sitar as the lead with thumping Western beats and bass lines to match.

Album Notes

Bombay Born Ashwin Batish rocked the airwaves with his debut album Sitar Power 1 in 1986. This album drew rave reviews for its innovative stance and as one of the pioneering albums in the Worldbeat genre that successfully fused the classical sitar music of India with rock. Sitar Power 2 follows in the footsteps of its predecessor but stretches out further and blends North Indian classical music with Samba, Jazz, R&B, Country, and Surf! The end result produces some very diverse and rich combinations with the special Ashwin touch!

Here are some media reviews:

India West, California .......

The chasm between Western popular and the sedate, ponderous world of Indian classical music is not an easy one to bridge, however. Western popular music is geared to meeting the needs of a fast-paced lifestyle: It's immediate, sensuous, and hits the senses with a bang.

Dirty Linnen, NY .......

The Frank Zappa of the sitar has finally released his second volume of Sitar Power. It's been nine years and he has gotten even more experimental.

India Currents, California .......

If you think that fusion - music that combines the sounds of different traditions - is passe, you need to hear Ashwin Batish's latest. This compact disc contains eight new tracks which breathe new life into the fusion genre.

https://store.cdbaby.com/cd/ashwin2

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Divertidas y creativas combinaciones que funden los acordes musicales de Oriente y Occidente en excitantes mezclas con la Sitar como protagonista, con ritmos y líneas de bajo occidentales a juego.

Notas del álbum

Bombay Born Ashwin Batish sacudió las ondas con su álbum debut Sitar Power 1 en 1986. Este álbum recibió críticas muy favorables por su postura innovadora y por ser uno de los álbumes pioneros en el género Worldbeat que fusionó con éxito la música clásica de sitar de la India con el rock. Sitar Power 2 sigue los pasos de su predecesor, pero se extiende más allá y mezcla la música clásica del norte de la India con Samba, Jazz, R&B, Country y Surf! El resultado final produce algunas combinaciones muy diversas y ricas con el toque especial de Ashwin!

Aquí hay algunas reseñas en los medios de comunicación:

India Oeste, California ..........................................................................................

Sin embargo, el abismo entre el mundo popular occidental y el sedado y pesado de la música clásica india no es fácil de salvar. La música popular occidental está orientada a satisfacer las necesidades de un estilo de vida acelerado: Es inmediato, sensual, y golpea los sentidos con una explosión.

Lino Sucio, NY ...........

El Frank Zappa del sitar ha lanzado finalmente su segundo volumen de Sitar Power. Han pasado nueve años y se ha vuelto aún más experimental.

Corrientes de la India, California ...........

Si piensas que la fusión -música que combina los sonidos de diferentes tradiciones- es passe, necesitas escuchar lo último de Ashwin Batish. Este disco compacto contiene ocho nuevas pistas que dan nueva vida al género de la fusión.

https://store.cdbaby.com/cd/ashwin2

ashwinbatish.com ...

Marsicano • Quintessence

 

Alberto Marsicano was a Brazilian musician, translator, writer, philosopher and professor. He was one of the people who introduced the Indian sitar in Brazil. He played with musicians such as Ivan Vilela, Lula Côrtes and Arnaldo Antunes. Marsicano spoke many languages, including Chinese, Latin, English, and Greek.

Born: São Paulo , State Of São Paulo , Brazil
January 31,1952 / August 18,2013
https://www.xwhos.com/person/alberto_marsicano-whois.html

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Alberto Marsicano fue un músico, traductor, escritor, filósofo y profesor brasileño. Fue una de las personas que introdujo el sitar indio en Brasil. Tocó con músicos como Ivan Vilela, Lula Côrtes y Arnaldo Antunes. Marsicano hablaba muchos idiomas, como el chino, el latín, el inglés y el griego.

Nació: São Paulo , Estado de São Paulo , Brasil
31 de enero de 1952 / 18 de agosto de 2013
https://www.xwhos.com/person/alberto_marsicano-whois.html

Sachal Studios Orchestra • Jazz And All That

 Editorial Reviews

After topping the world music charts and playing with Wynton Marsalis at the Marciac Jazz Festival, the Sachal Studios Orchestra is back with Jazz and All That an album of their unique interpretations of jazz and beyond. Dedicated to the memory of Dave Brubeck (their debut featured their take on his famous Take Five), by reimagining some of the best-loved songs of the West, they are keeping Pakistan's traditional music, musicians and instruments alive.

Performed by virtuosos from the once-flourishing Lollywood film industry, the re-emergence of these musicians who had hung up their instruments in a more conservative Pakistan has prompted comparisons with the Buena Vista Social Club.

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 Reseñas editoriales

Después de encabezar las listas de éxitos de las músicas del mundo y de tocar con Wynton Marsalis en el Festival de Jazz de Marciac, la Orquesta de los Estudios Sachal regresa con Jazz y All That, un álbum de sus interpretaciones únicas del jazz y más allá. Dedicados a la memoria de Dave Brubeck (su debut incluyó su versión de su famosa Take Five), reimaginando algunas de las canciones más queridas de Occidente, mantienen viva la música, los músicos y los instrumentos tradicionales de Pakistán.

Interpretada por virtuosos de la otrora floreciente industria cinematográfica de Lollywood, el resurgimiento de estos músicos que habían colgado sus instrumentos en un Pakistán más conservador ha dado lugar a comparaciones con el Buena Vista Social Club.

 

L. Subramaniam & Roby Lakatos • Peacock

 

The virtuoso Hungarian fiddler Roby Lakatos teams up with star Indian violinist L. Subramaniam for this charismatic disc, entitled Peacock, which combines Lakatos’s fearsome style of Gypsy fiddle with Subramaniam’s mastery of the classical Karnatak tradition and his thorough grounding in Western music. The two first collaborated back in 2015, when Subramaniam brought Lakatos to India for the Lakshminarayana Global Music Festival, and a handful of the tracks recorded here were written for that tour by Subramaniam.

The opening track, Bullet Train, feels pedestrian, with Lakatos and Subramaniam echoing each other’s phrases back and forth. With the rich textures of Lamenting, the pair seem on firmer footing, their soaring melodies underpinned by circling layers of cimbalom and keyboard.

The fusion version of Brahms’s Hungarian Dance has a slightly crazed feel to it but is thoroughly infectious. Lakatos and Subramaniam play the famous tune as a duet, all set to an insistent tabla beat. Peacock is perhaps the most successful. The flavour of the Karnatak music tradition runs through it, with mesmerising tabla under syncopated, tripping riffs from Lakatos and Subramaniam. A later section sees the players in more ruminative mood, exploring both Indian and Western scales. Layers of cimbalom and piano expounding major chords towards the end even lend a flavour of the Penguin Cafe Orchestra.

Talking Fingers brings stunning tremolo pizzicato from Lakatos, and gorgeous tone colours from Subramaniam on the low D string of his five-string violin. Recorded sound has a rich and luxuriant immediacy, adding to the appeal of this disc.
CATHERINE NELSON
https://www.thestrad.com/reviews/roby-lakatos-dr-l-subramaniam-peacock/11253.article

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El virtuoso violinista húngaro Roby Lakatos se une a la estrella del violín indio L. Subramaniam para este carismático disco, titulado Peacock, que combina el temible estilo de violín gitano de Lakatos con el dominio de la tradición clásica Karnatak de Subramaniam y su profunda formación en música occidental. Ambos colaboraron por primera vez en 2015, cuando Subramaniam llevó a Lakatos a la India para el Festival de Música Global Lakshminarayana, y un puñado de los temas grabados aquí fueron escritos para esa gira por Subramaniam.

El tema que abre el disco, Bullet Train, se siente pedestre, con Lakatos y Subramaniam haciéndose eco de las frases del otro. Con las ricas texturas de Lamenting, la pareja parece tener una base más firme, con sus elevadas melodías apuntaladas por capas circulares de cimbalón y teclado.

La versión de fusión de la Danza Húngara de Brahms tiene un aire ligeramente enloquecido, pero es totalmente contagiosa. Lakatos y Subramaniam interpretan la famosa melodía a dúo, con un insistente ritmo de tabla. Peacock es quizás la más lograda. El sabor de la tradición musical de Karnatak está presente en ella, con una tabla hipnotizante bajo los riffs sincopados y triviales de Lakatos y Subramaniam. En una sección posterior, los músicos se muestran más reflexivos y exploran las escalas indias y occidentales. Las capas de cimbalón y el piano que exponen acordes mayores hacia el final incluso aportan un sabor a la Penguin Cafe Orchestra.

Talking Fingers aporta un impresionante pizzicato de trémolo de Lakatos, y magníficos colores de tono de Subramaniam en la cuerda D baja de su violín de cinco cuerdas. El sonido grabado tiene una rica y exuberante inmediatez, lo que aumenta el atractivo de este disco.
CATHERINE NELSON
https://www.thestrad.com/reviews/roby-lakatos-dr-l-subramaniam-peacock/11253.article


L.-Subramaniam ...

roby-lakatos.com

Ray Spiegel Ensemble • Raga Jazz

Album Notes:

Raga Jazz, the latest release by the Ray Spiegel Ensemble on the Simla House label, connects Indian classical, devotional, and folk melodies and rhythms with Jazz and Latin bass and drums in the unique style Ray has forged with the ensemble's first release, Sum and Kali. Ragas on the Indian slide guitar and sarangi sing beautiful melodies over carefully crafted grooves, with John Benitez' bass and Tani Tabbal's drums locked in sync with Ray's tabla. Barun Kumar Pal (slide guitar) provides soaring and beautiful melodies and solos, while complimented by the incredible Sarangi (bowed string instrument known in India as the "voice of 100 colors" ) played by master Ramesh Misra. Stan Scott plays the acoustic 6 string guitar on several tracks and also the harmonium, the acoustic keyboard of India.

About:

Ray Spiegel is a disciple of the late Tabla Master Ustad Alla Rakha since 1975, specializing in the Punjab Gharana (style) of Tabla playing. He has also benefited from the intensive training and guidance he has received from Ustad Zakir Hussain from 1973 to 1980. Ray began his formal training at the Ali Akbar College of Music in San Rafael, CA under Sri Shankar Ghosh in 1970. He studied with Sri B.S. Ramanna, (a disciple of Sheik Dawoodkhan of Hydrabad) in New Delhi in 1971 and 1972.

He studied vibraphone and jazz theory with master musician Bobby Hutcherson from 1972-74 in San Francisco. He has performed in the U.S. and India as both accompanist and soloist, appearing with such well-known musicians and vocalists such as: Ustad Alla Rakha, Ustad Sultan Khan (Sarangi), Ustad Aashish Khan (Sarode), Pandit Buddhadev Das Gupta (Sarode), Pandit Vidyadhar Vyas (Vocalist), Pandit Manilal Nag (Sitar), Pandit Ragunath Seth (Bansuri flute) and Pandit Barun Kumar Pal (Hindustani Guitar).

Spiegel also plays a variety of musical instruments such as Indian folk drums, Vibraphone, marimba, and assorted western and Asian percussion. He is head of Simla House, Inc. an independent CD label.

Ray Spiegel Bio

Ray spent his formative years in the San Francisco Bay area, where he was associated with musicians such as Ustad Zakir Hussain, Ustad Alla Rakha, Bobby Hutcherson, and at the Ali Akbar College of Music, studying tabla and playing in the Diga Rhythm Band (with Mickey Hart and Zakir Hussain), and various small combos.

Ray has received prestigious grant awards from the National Endowment for the Arts, and the American Institute for Indian Studies (Smithsonian Institute) to further his study of Tabla.

Ray has given lecture-demonstrations and master classes as well as performing at Julliard, Harvard, Dartmouth, Colgate, Amherst, Bennington, the New School of NYC, Simon’s Rock College of Bard, Univ. of Northern Illinois (Dekalb), Univ. of Michigan, Lawrence University (Appleton, WI) and has taught Tabla at Weslyan University (Middletown, CT) for several years.

Outside the realm of traditional Indian Classical Music, Ray leads his group, the Ray Spiegel Ensemble, who play an original blend of Raga and Rhythm centered music, composes and records film and television soundtracks, and performs with many various artists. Performance and recording credits include: The Grateful Dead, Patty Smyth, Diga Rhythm Band, Zakir Hussain and the Rhythm Experience, Robert Bly, Najma, Bhagavan Das, Gabrielle Roth, Shankar, Bon Jovi, Paul Winter, Danilo Perez, Noirin Ni Riain, Mike Diamond of the Beastie Boys, and Bill Cosby television productions.

http://rayspiegelmusic.com/about-ray/

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Notas del álbum:

Raga Jazz, el último lanzamiento del Ray Spiegel Ensemble con el sello Simla House, conecta melodías y ritmos clásicos, devocionales y folclóricos de la India con el jazz y el bajo y la batería latinos en el estilo único que Ray ha forjado con el primer lanzamiento del ensamble, Sum y Kali. Ragas en la guitarra deslizante india y sarangi cantan hermosas melodías sobre ritmos cuidadosamente elaborados, con el bajo de John Benitez y la batería de Tani Tabbal en sintonía con la tabla de Ray. Barun Kumar Pal (guitarra de diapositivas) ofrece melodías y solos hermosos y elevados, mientras que el increíble Sarangi (instrumento de cuerda arqueada conocido en la India como la "voz de los 100 colores") tocado por el maestro Ramesh Misra. Stan Scott toca la guitarra acústica de 6 cuerdas en varias pistas y también el armonio, el teclado acústico de la India.

Acerca de Ray:

Ray Spiegel es discípulo del difunto Maestro de Tabla Ustad Alla Rakha desde 1975, especializándose en el Punjab Gharana (estilo) de juego de Tabla. También se ha beneficiado de la intensa formación y orientación que ha recibido de Ustad Zakir Hussain desde 1973 hasta 1980. Ray comenzó su entrenamiento formal en el Ali Akbar College of Music en San Rafael, CA bajo la dirección de Sri Shankar Ghosh en 1970. Estudió con Sri B.S. Ramanna, (discípulo del jeque Dawoodkhan de Hydrabad) en Nueva Delhi en 1971 y 1972.

Estudió vibráfono y teoría del jazz con el maestro Bobby Hutcherson de 1972 a 1974 en San Francisco. Ha actuado en los Estados Unidos e India como acompañante y solista, apareciendo con músicos y vocalistas tan conocidos como él: Ustad Alla Rakha, Ustad Sultan Khan (Sarangi), Ustad Aashish Khan (Sarode), Pandit Buddhadev Das Gupta (Sarode), Pandit Vidyadhar Vyas (Vocalista), Pandit Manilal Nag (Sitar), Pandit Ragunath Seth (flauta Bansuri) y Pandit Barun Kumar Pal (Guitarra Hindustani).

Spiegel también toca una variedad de instrumentos musicales como tambores folklóricos indios, vibráfono, marimba y percusión occidental y asiática. Es director de Simla House, Inc., un sello discográfico independiente.

Biografía de Ray Spiegel

Ray pasó sus años de formación en el área de la Bahía de San Francisco, donde estuvo asociado con músicos como Ustad Zakir Hussain, Ustad Alla Rakha, Bobby Hutcherson, y en el Ali Akbar College of Music, estudiando tabla y tocando en la Diga Rhythm Band (con Mickey Hart y Zakir Hussain), y varios combos pequeños.

Ray ha recibido prestigiosas becas del National Endowment for the Arts y del American Institute for Indian Studies (Smithsonian Institute) para continuar su estudio de Tabla.

Ray ha dado conferencias-demostraciones y clases magistrales, además de actuar en Julliard, Harvard, Dartmouth, Colgate, Amherst, Bennington, la New School of NYC, Simon's Rock College of Bard, Univ. of Northern Illinois (Dekalb), Univ. of Michigan, Lawrence University (Appleton, WI) y ha impartido clases en la Tabla de la Weslyan University (Middletown, CT) durante varios años.

Fuera del ámbito de la música clásica tradicional de la India, Ray dirige su grupo, el Ray Spiegel Ensemble, que toca una mezcla original de música centrada en el Raga y el Ritmo, compone y graba bandas sonoras de cine y televisión, y actúa con muchos artistas diversos. Los créditos de interpretación y grabación incluyen: The Grateful Dead, Patty Smyth, Diga Rhythm Band, Zakir Hussain and the Rhythm Experience, Robert Bly, Najma, Bhagavan Das, Gabrielle Roth, Shankar, Bon Jovi, Paul Winter, Danilo Pérez, Noirin Ni Riain, Mike Diamond of the Beastie Boys y Bill Cosby.

Shankar Jaikishan & Rais Khan • Raga-Jazz Style

 

Extremely rare 1968 pressing of Ragas performed by a full jazz band...

Shankar Jaikishan, also known as S/J, were a duo of composers in the Hindi film industry who collaborated from 1949–1971. Shankar Singh Raghuvanshi was a native of Rajasthan, while Jaikishan Dayabhai Panchal belonged to Bansda, Gujarat. Shankar Jaikishan, along with other artists, wrote 'everlasting' & 'immortal melodies' in the '50s & '60s. Their best melodies are noted for being raga-based & having both lilt and sonority. Shankar Jaikishan made a major contribution toward the development of jazz music in India and the new genre Indo Jazz. Their 1968 album Raga Jazz Style is the earliest Indo Jazz recording in India and the first to be released in stereo. On this album, considered to be one of the most innovative, S/J created 11 songs based on Indian ragas with sitar by Rais Khan. -From Wikipedia

It would be a travesty to talk about Shankar–Jaikishan and not mention their landmark non-film album Raga Jazz Style (1968). The album was the by-product of a strike by Indian Film Musicians’ Association. With spare time on their hands, Shankar–Jaikishan got together with a number of session musicians— Manohari Singh on saxophone and sitar-player Ustad Rais Khan, prominent among them—to record what was one of the earliest fusion albums. Considering that The Beatles were still experimenting with raga rock and that it was very early days for Indian fusion music (Hariprasad Chaurasia, Shivkumar Sharma and Brij Bhushan Kabra recorded the iconic ‘Call Of The Valley’ in 1967), Shankar–Jaikishan were ahead of their times in conceptualising an album like Raga Jazz Style.

Shankar Jaikishan are probably the most versatile duos that hailed the music of Bollywood during the Golden Age of Indian Cinema, the 40s, 50s and 60s. The golden era of Indian film music can be associated with the musical giants of different capabilities and specialisations.

 They had composed music in almost 200 films in a tenure of around 22 years.2 So great was the impact of their creative genius that it had a lasting impact on the music of the Hindi films. Shankar-Jaikishan understood the taste of the masses, were able to cater to them, as well as moulded their tastes. No wonder then that during their tenure as music directors, they were exceedingly popular and 75 per cent of the films for which their scores were everlasting hits – many have celebrated silver jubilees.

 The team of Shankar Jaikishan consisted of Shankarsingh Raghuwanshi and Jaikishan Dayabhai Panchal. Shankar (October 15, 1922 – 1987) was born in Punjab and trained under the famous Husnlal Bhagatram. He later settled down in Hyderabad, Andhra Pradesh, India. Jaikishan (1929 – 1971) hails from Panchal, Gujarat, India.

 They were honored with the maximum number (nine) of Filmfare awards in the Indian film industry. In 1968, Shankar Jaikishan released an album, “Raga Jazz Style : Shankar Jaikishan with Rais Khan.”

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Extremadamente raro 1968 prensado de Ragas interpretado por una banda de jazz completa....

Shankar Jaikishan, también conocido como S/J, fue un dúo de compositores de la industria cinematográfica hindú que colaboraron entre 1949 y 1971. Shankar Singh Raghuvanshi era nativo de Rajastán, mientras que Jaikishan Dayabhai Panchal pertenecía a Bansda, Gujarat. Shankar Jaikishan, junto con otros artistas, escribió'everlasting' y'immortal melodies' en los años 50 y 60. Sus mejores melodías se caracterizan por ser de base raga y por tener tanto lilt como sonoridad. Shankar Jaikishan hizo una importante contribución al desarrollo de la música de jazz en la India y al nuevo género Indo Jazz. Su álbum Raga Jazz Style de 1968 es la primera grabación de Indo Jazz en la India y la primera en ser lanzada en estéreo. En este álbum, considerado uno de los más innovadores, S/J creó 11 canciones basadas en ragas indias con sitar de Rais Khan. -De Wikipedia

Sería una parodia hablar de Shankar-Jaikishan y no mencionar su histórico álbum de no-film Raga Jazz Style (1968). El álbum fue el resultado de una huelga de la Indian Film Musicians' Association. Con tiempo libre en sus manos, Shankar-Jaikishan se reunió con varios músicos de sesión -Manohari Singh en saxofón y el músico de sitar Ustad Rais Khan, destacado entre ellos- para grabar lo que fue uno de los primeros álbumes de fusión. Teniendo en cuenta que los Beatles seguían experimentando con el raga rock y que era muy temprano para la música de fusión india (Hariprasad Chaurasia, Shivkumar Sharma y Brij Bhushan Kabra grabaron el icónico'Call Of The Valley' en 1967), Shankar-Jaikishan se adelantaron a sus tiempos en la conceptualización de un álbum como Raga Jazz Style.

Shankar Jaikishan son probablemente los dúos más versátiles que aclamaron la música de Bollywood durante la Edad de Oro del Cine Indio, los años 40, 50 y 60. La era dorada de la música cinematográfica india puede asociarse a los gigantes musicales de diferentes capacidades y especialidades.

 Habían compuesto música en casi 200 películas en un mandato de unos 22 años.2 Tan grande fue el impacto de su genio creativo que tuvo un impacto duradero en la música de las películas en hindi. Shankar-Jaikishan comprendió el gusto de las masas, fue capaz de atenderlas, así como de moldear sus gustos. No es de extrañar, pues, que durante su mandato como directores de música fueran muy populares y que el 75 por ciento de las películas para las que sus partituras fueron éxitos eternos, muchas de ellas hayan celebrado sus bodas de plata.

 El equipo de Shankar Jaikishan estaba formado por Shankarsingh Raghuwanshi y Jaikishan Dayabhai Panchal. Shankar (15 de octubre de 1922 - 1987) nació en Punjab y fue entrenado bajo el famoso Husnlal Bhagatram. Más tarde se estableció en Hyderabad, Andhra Pradesh, India. Jaikishan (1929 - 1971) es originario de Panchal, Gujarat, India.

 Fueron honrados con el máximo número (nueve) de premios Filmfare en la industria cinematográfica india. En 1968, Shankar Jaikishan lanzó un álbum, "Raga Jazz Style : Shankar Jaikishan con Rais Khan".