Pete Brown Sextette • Peter The Great

 

Shirley Scott-Don Patterson-Lockjaw Davis • Stompin'

 

Archie Shepp • For Losers

 

Review by Rob Ferrier
At the time this record was recorded, Shepp was bouncing back and forth between Paris and New York. He also bounced between the Impulse! and BYG labels. He also bounced between styles. For BYG, his music reached to grasp the bare beginnings of black music, back to Africa and the blues. His music for Impulse! tried to embrace the contemporary sounds of R&B, with very mixed results that to this day divide his fans. This record is a transitional one. For the traditionalists, there's his shattering and amusing cover of "I've Got It Bad" performed by the usual suspects one would think to find on an Archie Shepp record, including Cecil Payne and Joe Chambers. For those enraptured by albums like Attica Blues, songs like "Stick 'Em Up" will fascinate, as Shepp's raspy tenor is joined not only by a legion of avant-garde brethren (including names like Beaver Harris and Grachan Moncur), but also by the funky wood of electric bass, guitar, and organ. Some will find those later tracks a bit hard to take. Some will even find themselves snickering. But for anyone wishing to understand the music and career of this brilliant musician, this is an undervalued piece of the puzzle.
https://www.allmusic.com/album/for-losers-mw0000552954

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Reseña de Rob Ferrier
Cuando se grabó este disco, Shepp iba y venía entre París y Nueva York. También oscilaba entre los sellos Impulse! y BYG. También oscilaba entre estilos. Para BYG, su música buscaba los orígenes de la música negra, en África y el blues. Su música para Impulse! intentó abrazar los sonidos contemporáneos del R&B, con resultados muy dispares que a día de hoy dividen a sus fans. Este disco es de transición. Para los tradicionalistas, está su estremecedora y divertida versión de «I've Got It Bad» interpretada por los sospechosos habituales que uno pensaría encontrar en un disco de Archie Shepp, incluidos Cecil Payne y Joe Chambers. Para aquellos embelesados por álbumes como Attica Blues, canciones como «Stick 'Em Up» fascinarán, ya que al rasposo tenor de Shepp se une no sólo una legión de hermanos vanguardistas (incluyendo nombres como Beaver Harris y Grachan Moncur), sino también la madera funky del bajo eléctrico, la guitarra y el órgano. A algunos les costará aceptar los últimos temas. Incluso habrá quien se ría a carcajadas. Pero para cualquiera que desee comprender la música y la carrera de este brillante músico, ésta es una pieza infravalorada del rompecabezas.
https://www.allmusic.com/album/for-losers-mw0000552954


 

www.archieshepp.org ...

Colaborador / Contributor:  Pierre

Wally Richardson • Soul Guru

 

American jazz and R&B guitarist. 

 

Buddy Terry • Natural Soul

 

The legendary Prestige label had added soul jazz to its cutting-edge modern jazz catalogue in the early sixties. In fact, by putting numerous hi-profile advertisements of their stock in magazines like Downbeat, continuously stressing the ‘soul’ of Eddie “Lockjaw” Davis, Shirley Scott, Jimmy Forrest, Groove Holmes, Gene Ammons and many others, it was a deciding factor in the invention and popularization of soul jazz. By the late 60s, when interest in mainstream jazz dwindled, Prestige focused on funky, bluesy jazz in sync with contemporary popular music and its buying public. So you’d get the barroom organ blues of Sonny Philips or the mean, greasy tenor of Houston Person, who scored one of the last Prestige hits with Jamilah. And Prestige had signed tenor saxophonist Buddy Terry, who’d assisted organist Freddie Roach on Soul Book in 1966. Terry released his debut album as a leader, Electric Soul in 1968. You mean like, soul? In the late sixties, label boss and artists of Prestige still didn’t have to think twice about picking titles.

Buddy Terry had played in the organ groups of Rhoda Scott, Dee Dee Ford, Dayton Shelby and Larry Young and cooperated with Sonny Rollins and Johnny Coles. A couple of years were spent in the band of Lionel Hampton. For Natural Soul Natural Woman, the tough tenor with a ‘far out’ edge assembled his Newark, New Jersey pals – pleasant surprise! – Larry Young, Woody Shaw and Eddie Gladden, weathered cats like tenorist and flutist Joe Thomas, as well as the so-called Terry Girls on vocals – perhaps including the beautiful lady on the front cover? So then you get Don’t Be So Mean, a lurid boogaloo tune with a tacky twist, absolutely the album’s highlight. You get Pedro, The One Arm Bandit, obscure folk music jazzed up upliftingly, following the path Rollins famously paved.

You get Natural Woman, Aretha Franklin’s anthemic soul ballad, that features the Terry Girls and Buddy Terry hollering mercy, mercy; Quiet Days And Lonely Nights, a solid ballad. And finally, The Revealing Time, a mid-tempo blues that passes the 11-minute mark, ample opportunity to stretch out for Terry and Young. Woody Shaw only has short bits of solo space. Honestly, the brilliant, last great innovator of the trumpet’s worthwhile statements are overshadowed by rather lackluster, staccato ad-libs. Sleepy, perhaps.

Buddy Terry, on the other hand, is spry as the cow that line-dances onto the field in Spring. He’s a minister arousing the flock. And a captain of the Enterprise reaching out to the aliens around the Ring of Saturn. His dirty playing style and harmonic sophistication brings to mind Eddie Harris. Buddy Terry took matters in his own hands and also provided the liner notes to his album of raucous soul jazz. A curious mix of bio and exegesis. Terry states: “The entire album is my song of praise to God.”
Hallelujah time well-spent.
http://flophousemagazine.com/2019/04/28/buddy-terry-natural-soul-natural-woman-prestige-1968/

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La legendaria discográfica Prestige había añadido el jazz soul a su catálogo de jazz moderno de vanguardia a principios de los sesenta. De hecho, al poner numerosos anuncios de alto perfil de sus acciones en revistas como Downbeat, destacando continuamente el "soul" de Eddie "Lockjaw" Davis, Shirley Scott, Jimmy Forrest, Groove Holmes, Gene Ammons y muchos otros, fue un factor decisivo en la invención y popularización del soul jazz. A finales de los 60, cuando el interés por el jazz convencional disminuyó, Prestige se centró en el jazz funky y bluesy en sintonía con la música popular contemporánea y su público comprador. Así que se obtendría el blues del órgano de bar de Sonny Philips o el malvado y grasiento tenor de Houston Person, que anotó uno de los últimos éxitos de Prestige con Jamilah. Y Prestige había contratado al saxofonista tenor Buddy Terry, que había asistido al organista Freddie Roach en Soul Book en 1966. Terry lanzó su álbum de debut como líder, Electric Soul en 1968. ¿Quieres decir como, soul? A finales de los sesenta, el jefe de la discográfica y los artistas de Prestige todavía no se lo pensaban dos veces a la hora de elegir los títulos.

Buddy Terry había tocado en los grupos de órgano de Rhoda Scott, Dee Dee Ford, Dayton Shelby y Larry Young y cooperó con Sonny Rollins y Johnny Coles. Pasó un par de años en la banda de Lionel Hampton. Para Natural Soul Natural Woman, el duro tenor con un toque 'lejano' reunió a sus amigos de Newark, New Jersey - ¡una agradable sorpresa! - Larry Young, Woody Shaw y Eddie Gladden, gatos curtidos como el tenorista y flautista Joe Thomas, así como las llamadas Terry Girls en la voz - quizás incluyendo a la bella dama de la portada? Así que entonces obtienes Don't Be So Mean, una espeluznante melodía de boogaloo con un toque de mal gusto, absolutamente lo más destacado del álbum. Tienes a Pedro, The One Arm Bandit, música folk oscura y alegre, siguiendo el camino que Rollins pavimentó.

Tienes "Natural Woman", la balada de soul de Aretha Franklin, que presenta a las Terry Girls y a Buddy Terry gritando "mercy, mercy"; "Quiet Days And Lonely Nights", una sólida balada. Y finalmente, The Revealing Time, un blues de medio tiempo que pasa la marca de los 11 minutos, amplia oportunidad para estirarse para Terry y Young. Woody Shaw sólo tiene un pequeño espacio para los solistas. Honestamente, el brillante, último gran innovador de la trompeta de las declaraciones que valen la pena son eclipsados por bastante deslucido, staccato ad-libs. Dormido, quizás.

Buddy Terry, por otro lado, es ágil como la vaca que baila en línea en el campo en primavera. Es un ministro que despierta al rebaño. Y un capitán de la Enterprise que se acerca a los extraterrestres alrededor del Anillo de Saturno. Su estilo de juego sucio y su sofisticación armónica recuerdan a Eddie Harris. Buddy Terry tomó el asunto en sus manos y también proporcionó las notas de su álbum de jazz soul estridente. Una curiosa mezcla de bio y exégesis. Terry afirma: "El álbum entero es mi canción de alabanza a Dios".
Tiempo de aleluya bien empleado.
http://flophousemagazine.com/2019/04/28/buddy-terry-natural-soul-natural-woman-prestige-1968/

 

 

 

Shirley Scott • Workin

Artist Biography by Alex Henderson

An admirer of the seminal Jimmy Smith, Shirley Scott has been one of the organ's most appealing representatives since the late '50s. Scott, a very melodic and accessible player, started out on piano and played trumpet in high school before taking up the Hammond B-3 and enjoying national recognition in the late '50s with her superb Prestige dates with tenor sax great Eddie "Lockjaw" Davis. Especially popular was their 1958 hit "In the Kitchen." Her reputation was cemented during the '60s on several superb, soulful organ/soul-jazz dates where she demonstrated an aggressive, highly rhythmic attack blending intricate bebop harmonies with bluesy melodies and a gospel influence, punctuating everything with great use of the bass pedals. Scott married soul-jazz tenor man Stanley Turrentine, with whom she often recorded in the '60s. The Scott/Turrentine union lasted until the early '70s, and their musical collaborations in the '60s were among the finest in the field. Scott wasn't as visible the following decade, when the popularity of organ combos decreased and labels were more interested in fusion and pop-jazz (though she did record some albums for Chess/Cadet and Strata East). But organists regained their popularity in the late '80s, which found her recording for Muse. Though known primarily for her organ playing, Scott is also a superb pianist -- in the 1990s, she played piano exclusively on some trio recordings for Candid, and embraced the instrument consistently in Philly jazz venues in the early part of the decade. At the end of the '90s, Scott's heart was damaged by the diet drug combination, fen-phen, leading to her declining health. In 2000 she was awarded $8 million in a lawsuit against the manufacturers of the drug. On March 10, 2002 she died of heart failure at Presbyterian Hospital in Philadelphia.

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Traducción automática

Shirley Scott (Filadelfia, Pensilvania, 14 de marzo de 1934 - 10 de marzo de 2002) fue una organista y cantante norteamericana de jazz.

Un admirador de la seminal de Jimmy Smith, Shirley Scott ha sido uno de los representantes más atractivos del órgano desde finales de los años 50.Scott, un musico muy melódico y accesible, que comenzó en el piano y tocaba la trompeta en la escuela secundaria antes de asumir el Hammond B-3 y disfrutar de un reconocimiento nacional en los últimos años 50 con su magnífico fechas Prestige con gran saxo tenor Eddie "trismo" Davis . Especialmente popular fue 1958 su éxito "en la cocina". Su reputación se consolidó en los años 60 en varios órganos magnífica, conmovedora / soul-jazz fechas donde demostró una agresión muy rítmica mezcla de bebop intrincadas armonías con melodías de blues y una influencia del evangelio, subrayando todo lo que con gran uso de los pedales de bajo. El alma-Scott se casó con el tenor de jazz hombre Stanley Turrentine, con la que suelen registrarse en los años 60. El Scott / Unión Turrentine duró hasta comienzos de los 70, y sus colaboraciones musicales en los años 60 estaban entre los mejores en el campo. Scott no era tan visible la década siguiente, cuando la popularidad de los combos de órganos y la disminución de las etiquetas estaban más interesados en la fusión y el pop-jazz (aunque llegó a grabar algunos álbumes de Chess / Cadet y Strata East). Sin embargo, los organistas recuperado su popularidad en los últimos años 80, que encontró a su grabación de Muse. Aunque se le conoce principalmente por su interpretación del órgano, Scott es también un excelente pianista - en la década de 1990, tocaba el piano exclusivamente en algunas grabaciones en trío para Cándido, y abrazó el instrumento consistente en locales de jazz de Filadelfia en la primera parte de la década. A finales de los años 90, el corazón de Scott fue dañada por la combinación de medicamentos la dieta, el fen-phen, que conduce a su salud en declive. En 2000 fue premiado con $ 8 millones en una demanda contra los fabricantes de la droga. El 10 de marzo 2002, murió de insuficiencia cardíaca en el Hospital Presbiteriano en Filadelfia. ~ Alex Henderson y Ron Wynn, All Music Guide

 

Willie Dixon & Memphis Slim • Willie's Blues

Review

According to the original liner notes, this 1959 Willie Dixon session was cut during a two hour span in between flights. This certainly explains the relaxed, jam session feel of the recordings. Unfortunately, the songs come out sounding sluggish and stilted at times; this is partly due, no doubt, to the makeshift nature of the date, but also, more surprisingly, because of drummer Gus Johnson's overly slick and formalized playing. On top of this, one has to contend with Dixon's less-then-inspired vocals -- it's Dixon's writing talents and A&R savvy in the blues world that warrant him a place in the pantheon, not his skills at the microphone. That all said, this still is an enjoyable disc to listen to, not least of all because of the quality of Dixon's many originals and the freshness of pianist Memphis Slim's playing. And while the vaudevillian comedy of a song like "Built for Comfort" can be traced to Dixon's earlier pop R&B work with the Big Three Trio, rougher blues standouts like "Go Easy" and "Move Me" lead back to the Chicago blues world Dixon shared with Muddy Waters and Howlin' Wolf. Not a first disc for curious listeners, but certainly a pleasant enough addition to the blues lover's collection.

by Stephen Cook

https://www.allmusic.com/album/willies-blues-mw0000193238

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Reseña

De acuerdo con las notas originales, esta sesión de Willie Dixon de 1959 fue cortada durante un lapso de dos horas entre vuelos. Esto ciertamente explica la sensación de relajación y de improvisación de las grabaciones. Por desgracia, las canciones suenan a veces lentas y forzadas; esto se debe en parte, sin duda, a la naturaleza improvisada de la fecha, pero también, lo que es más sorprendente, a la forma excesivamente hábil y formal de tocar del baterista Gus Johnson. Además de esto, uno tiene que lidiar con las voces menos inspiradas de Dixon - es el talento de Dixon para escribir y su habilidad en el mundo del blues lo que le garantiza un lugar en el panteón, no sus habilidades en el micrófono. Dicho esto, este sigue siendo un disco agradable de escuchar, sobre todo por la calidad de los muchos originales de Dixon y la frescura del pianista Memphis Slim. Y mientras que la comedia vodevil de una canción como "Built for Comfort" se remonta a los primeros trabajos de R&B pop de Dixon con el Big Three Trio, las canciones de blues más ásperas como "Go Easy" y "Move Me" llevan al mundo del blues de Chicago que Dixon compartió con Muddy Waters y Howlin' Wolf. No es un primer disco para oyentes curiosos, pero ciertamente una agradable adición a la colección de los amantes del blues.

por Stephen Cook

https://www.allmusic.com/album/willies-blues-mw0000193238