The Michel Petrucciani Trio • One Night in Karlsruhe-2019

 

Piano virtuoso Michel Petrucciani was born on December 28th 1962 in Orange France to Italian parents. He grew up surrounded by music as his father was a guitarist and his brothers were a bassist and a guitarist. He discovered the piano very young and one of his early influences was Duke Ellington. Because he was born with osteogenesis imperfecta; a condition that stunts growth and causes fragile bones and respiratory disorders, he had to have special extensions made for him to reach the pedals of the piano. The condition did not affect his hands, however, and he was able to study classical piano for 8 years. He gave his first professional concert at age 13 at the Cliousclat Festival where he was discovered by Clark Terry. Terry introduced him to a number of expatriate jazz musicians and this encouraged the young Petrucciani to embrace jazz as a musical idiom rather than classical music. At age 16 he met drummer Aldo Romano who was impressed by the teenager’s musical prowess and took him under his wing and 2 years later helped him launch his recording career with Flash. Petrucciani recorded a number of excellent albums for the French label Owl including a duet with Lee Konitz. In 1981 he performed at the Paris Jazz Festival and caused a sensation.

In 1982 he moved to the US and was introduced to Charles Lloyd. The latter was so impressed by the pianist that he helped him launch his American career. During this stay he met and married his first wife Erlinda Montaño. The marriage lasted 3 years. During he stay in the US Petrucciani had the opportunity to play with lot of the giants of jazz including Dizzy Gillespie. In 1986 he became the first Frenchman to sign a contract with the legendary Blue Note label. In 1990 he married classical pianist Gilda Butta with whom he had two children. This marriage also ended in divorce in the late 90s. He spent the 90s touring Europe and recording for Dreyfus Records. Near the end of his life he was trying to establish a jazz school in Paris.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

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El virtuoso del piano Michel Petrucciani nació el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia, de padres italianos. Creció rodeado de música ya que su padre era guitarrista y sus hermanos eran bajistas y guitarristas. Descubrió el piano muy joven y una de sus primeras influencias fue Duke Ellington. Debido a que nació con osteogénesis imperfecta; una condición que impide el crecimiento y causa huesos frágiles y desórdenes respiratorios, tuvo que hacer extensiones especiales para que llegara a los pedales del piano. Sin embargo, la afección no afectó sus manos y pudo estudiar piano clásico durante 8 años. Dio su primer concierto profesional a los 13 años en el Festival Cliousclat donde fue descubierto por Clark Terry. Terry le presentó a un número de músicos de jazz expatriados y esto animó al joven Petrucciani a abrazar el jazz como un lenguaje musical en lugar de la música clásica. A los 16 años conoció al baterista Aldo Romano, quien quedó impresionado por la destreza musical del adolescente y lo tomó bajo su ala, y dos años más tarde lo ayudó a lanzar su carrera discográfica con Flash. Petrucciani grabó varios discos excelentes para el sello francés Owl, incluyendo un dúo con Lee Konitz. En 1981 actuó en el Festival de Jazz de París y causó sensación.

En 1982 se trasladó a los Estados Unidos y fue presentado a Charles Lloyd. Este último quedó tan impresionado por el pianista que le ayudó a lanzar su carrera en Estados Unidos. Durante esta estancia conoció y se casó con su primera esposa Erlinda Montaño. El matrimonio duró 3 años. Durante su estancia en los Estados Unidos, Petrucciani tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los gigantes del jazz, entre ellos Dizzy Gillespie. En 1986 se convirtió en el primer francés en firmar un contrato con el legendario sello Blue Note. En 1990 se casó con la pianista clásica Gilda Butta con quien tuvo dos hijos. Este matrimonio también terminó en divorcio a finales de los 90. Pasó los años 90 de gira por Europa y grabando para Dreyfus Records. Casi al final de su vida estaba tratando de establecer una escuela de jazz en París.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

 

 

 

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Tony Scott • 52nd St. Scene & Free Blown Jazz

 

McCoy Tyner Trio • Reaching Fourth

 

Shirley Scott-Don Patterson-Lockjaw Davis • Stompin'

 

Chick Corea • Now He Sings, Now He Sobs

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Recorded over a year after Chick Corea's debut Tones for Joan's Bones -- a record cut in late 1966 but not appearing until 1968 -- Now He Sings, Now He Sobs feels like his true first album, the place where he put all the pieces in motion for his long, adventurous career. Much of that has to do with the closed quarters of its recording. Supported by drummer Roy Haynes and bassist Miroslav Vitous, Corea has the freedom to run wild on his five original compositions, letting chords cluster alongside fleet melodic runs. Haynes and Vitous play with the same sense of liberation, which pushes Now He Sings, Now He Sobs into a sweet spot where hard bop and avant intersect. There's an intellectual rigor balanced by an instinctual hunger that makes for music that's lively and challenging while also containing a patina of comfort. Chalk the latter up to the elegance of Corea's piano trio: they move through the dense bop with the same grace that they settle into ballads, a sound that is warm and inviting, yet never disguises how the trio -- and Corea especially -- never stop probing and exploring the outer edges of this music. While it's possible to hear Now He Sings, Now He Sobs as an opening salvo to Corea's career, it also exists as its own special thing because it captures the pianist at the brink: it's kinetic, exciting, and filled with endless possibilities. 
https://www.allmusic.com/album/now-he-sings-now-he-sobs-mw0000199392

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Grabado más de un año después del debut de Chick Corea, Tones for Joan's Bones (un disco grabado a finales de 1966 pero que no se publicó hasta 1968), Now He Sings, Now He Sobs se siente como su verdadero primer álbum, el lugar donde puso en marcha todas las piezas de su larga y aventurera carrera. Gran parte de esto se debe al espacio reducido de su grabación. Con el baterista Roy Haynes y el bajista Miroslav Vitous como soporte, Corea tiene la libertad de dar rienda suelta a sus cinco composiciones originales, dejando que los acordes se agrupen junto a fugaces riffs melódicos. Haynes y Vitous tocan con la misma sensación de liberación, lo que lleva a Now He Sings, Now He Sobs a un punto óptimo donde el hard bop y el avant se cruzan. Hay un rigor intelectual equilibrado por un hambre instintiva que crea una música vivaz y desafiante, a la vez que contiene una pátina de confort. Atribuyamos esto último a la elegancia del trío de piano de Corea: se mueven por el bop denso con la misma gracia con la que se asientan en las baladas, un sonido cálido y acogedor, que sin embargo nunca disimula cómo el trío, y Corea en particular, nunca dejan de explorar los límites de esta música. Si bien es posible escuchar Now He Sings, Now He Sobs como un primer paso en la carrera de Corea, también tiene un carácter único porque captura al pianista al límite: es dinámico, emocionante y lleno de infinitas posibilidades.


chickcorea.com/now-he-sings-now-he-sobs ...

Duke Jordan • Flight to Japan

 

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Steve Lacy • The Straight Horn Of Steve Lacy

 

Review by Scott Yanow
Some of soprano saxophonist Steve Lacy's most interesting recordings are his earliest ones. After spending periods of time playing with Dixieland groups and then with Cecil Taylor (which was quite a jump), Lacy made several recordings that displayed his love of Thelonious Monk's music plus his varied experiences. On this particular set, Lacy's soprano contrasts well with Charles Davis' baritone (they are backed by bassist John Ore and drummer Roy Haynes) on three of the most difficult Monk tunes ("Introspection," "Played Twice," and "Criss Cross") plus two Cecil Taylor compositions and Charlie Parker's "Donna Lee."

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Pasado ya el tiempo de su época como sideman en las bandas de swing, Steve Lacy graba en cuarteto uno de sus discos más importantes del principio de su carrera como líder. El salto es descomunal pues se rodea nada mas y nada menos que con el saxofonista barítono, Charles Davis, el bajista John Ore, y el baterista, Roy Haynes.

Los seis temas del disco son piezas de difícil ejecución y aunque Lacy insiste sobre la exploración de la la música de Monk en el tema Introspección y Criss Cross, también se atreve con dos composiciones de Cecil Taylor y el siempre arriesgado tema de Charlie Parker, Donna Lee. Un salto mortal ejecutado con riesgo y del que salió airoso.
https://apoloybaco.com/jazz/steve-lacy-the-straight-horn-of-steve-lacy/


https://www.youtube.com/watch?v=6NX02DEAZws

Charlie Parker • The Happy 'Bird'

 

Jaki Byard • Here's Jaki

Review by Michael G. Nastos

With 24-year-old, metro Detroit bassist Ron Carter and fellow Bostonian, veteran drummer Roy Haynes, pianist Byard has formed a partnership on this recording that effectively grasps modern jazz. This is no standard trio; they're a collective who romps through these seven selections with a surprise or more a minute. It's mainly due to Byard's refusal to sit still. Penning five of these not-so-easy pieces, Byard digs into a 5/4 modal calypso, rippling off minor incursions or stair-step delicate lines for the long jam "Cinco y Quatro." Part of an incomplete suite, "Mellow Septet" is an easy swinging blues much like "Freddie Freeloader," with Byard rambling in mid-section. He switches from Erroll Garner, elfish lines to a Fats Waller-type stride on "Garnerin' a Bit," replete with Carter's deep blue bass and Haynes' precision-stroked brushes. Of course, Byard loves to reharmonize and reinvent standards. "Giant Steps" is taken at half-tempo from the original, but the melody itself has twice as many notes, especially in the blizzard-like coda. A combo "Bess, You Is My Woman/It Ain't Necessarily So" starts with ruminating tom toms which introduce "Bess" as a sinister mistress, then depict her as an elegant sophisticate in ballad form. Haynes is knocked out by the woman, breaking out in bomb-like bursts twice during "So," and he is the fuse for a free-burning ending. Sometimes it seems as if these three are restrained, holding back the all-out power they possess. Shackles tossed aside, they can get it done like few other trios, and were they a working band during the next few decades, it would have been glorious to hear where they would take this format. "Here's Jaki" is a tip of the iceberg.

https://www.allmusic.com/album/heres-jaki-mw0000645885

Artist Biography

A musician that has spanned the generations of Jazz is Jaki Byard. Jaki Byard was born John Arthur Byard, Jr. on June 15, 1922 in Worcester, Massachusetts. His father was a member of the marching hands at the turn of the 20th century and played the trombone. His mother played the piano for the African Methodist Episcopalian Zion Church (AME). His maternal grandmother played the piano for the silent picture shows (visual movies without sound before “talking movies” were invented). It was on that piano that Jaki began his musical odyssey. When he was 8 years old, he started taking piano lessons from a piano teacher named Grace Johnson. The swing rhythm of the time and the lure of the big bands inspired Jaki throughout most of his career.

At the age of 16, he played his first professional engagement. During WW II, Jaki was drafted into the army, but with luck and circumstance, he was able to join the army along with Earl Bostic, with whom he would later form a musical alliance with.

By the time he was in his late-thirties, Jaki had a recording contract with Prestige records who engaged him in many recording sessions which allowed him the freedom to have his own compositions heard. It was also around this time that he performed with Charles Mingus as part of an ensemble that featured among its players many fabulous musicians: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles and Bobby Jones, who toured Europe and made some great sounds and history. During the 1960's, he saw great success, and all of his albums received mostly 3-4 star ratings in DownBeat magazine. In 1966, he won the Down Beat Jazz Poll Award for most promising musician of that year. In 1979, his 21-piece big band, The Apollo Stompers was voted the Best House Band in New York City while playing at Ali's Alley, a club in downtown New York. On his own, Jaki was to win numerous awards and citations for his music and contributions to teaching and dance from many major academic institutions. He always felt “academia” as he put it was very important. A most cherished and proud moment for Jaki was when he was asked by Duke Ellington's son Mercer to sit in for Duke as part of his orchestra while the Duke was ill.

He was presented with an award by the Duke Ellington Society for his performances. In February of 1988, he was also presented with an award from the Mayor for Outstanding Contribution in Black Music and Presence in Boston (the Dr. Martin Luther King Jr. Award). He has the key to Worcester, New Orleans, and many peoples hearts. In 1995, a year after the death of his beloved wife, Louise (my mother), he was presented with an award by then Mayor Rudolph Guliani for his work with the Apollo Stompers in recognition of Harlem Week and its 100th anniversary. And while Jaki won many awards, the most cherished for him was the honor he gave to himself and others when he could write a tune for someone he loved or for a passing whimsy or idea that would send him to the piano with a pencil and composition paper, and it was this love that he did transmit through all of his performances dosed with his outstanding wit and humor.

The sixties and seventies saw a moderate amount of success on the entertainment level. Jaki turned back to teaching and academia in the late mid 1970s, 80's and 90's with occasional recordings in between. In the early 1970's he accepted a position at the New England Conservatory of Music in Boston, Massachusetts where he would stay for over a decade teaching both in the curriculum and privately. Some of the other schools that he taught at were The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts in Boston, The New School in New York City, The Brooklyn Conservatory of Music in Flushing, and lastly The Manhattan School of Music in New York City. He also never had enough time for his parcel of private students who would gladly, trek out to his home in Hollis, Queens for their one on one lessons.

Around 1979-1982 Jaki, along with some other local musicians (among them, percussionist/composer/friend! JR Mitchell, bassist Peck Morrison, vibraphone keyboard player Dwight Gassoway, saxophone player Harold Ousley and bassist Larry Ridley) formed an organization called the Unification of Concerned Artists in the hopes of creating more recognition and engagements for New York-based musicians whose gigs were just too far and few between. As with most endeavors of this sort, things panned out well for a while, but somehow survival happens and time had to be spent on that. I used to transcribe the minutes at the monthly meeting of the Board of Trustees, and in retrospect I can say that we really did try to create some openings. I think that if more time could have been devoted to his effort, it, too would have succeeded.

Jaki's career that spanned over six decades was still going strong. He was still recording and still arranging, composing and teaching. In February of 1999, he was invited to conduct a seminar and play at the Berkley School of Music in Boston, Massachusetts. He never did make it to that engagement. However you define success, for Jaki Byard, being able to play his music for the joy, the creativity, the fun and the teaching of it was all that really mattered to him.

Jaki Byard died (tragically) on February 11, 1999. He was 76 years young and still had much to offer the music and artistic community.

https://musicians.allaboutjazz.com/jakibyard

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Reseña de Michael G. Nastos

Con el bajista Ron Carter, de 24 años de edad, del área metropolitana de Detroit, y su compatriota Roy Haynes, veterano baterista, el pianista Byard ha formado una sociedad en esta grabación que capta efectivamente el jazz moderno. No se trata de un trío estándar, sino de un colectivo que juega a través de estas siete selecciones con una sorpresa o más de un minuto. Se debe principalmente a la negativa de Byard a quedarse quieto. Con cinco de estas piezas no tan fáciles, Byard se adentra en un calipso modal 5/4, en pequeñas incursiones o en delicadas líneas de escalones para la larga canción "Cinco y Quatro". Parte de una suite incompleta, "Mellow Septet" es un blues fácil de balancear como "Freddie Freeloader", con Byard divagando en la sección media. Él cambia de Erroll Garner, líneas de elfos a una zancada tipo Fats Waller en "Garnerin' a Bit", repleta con el bajo azul profundo de Carter y los pinceles de precisión de Haynes. Por supuesto, a Byard le encanta volver a armonizar y reinventar los estándares. "Giant Steps" se toma a medio tempo del original, pero la melodía en sí misma tiene el doble de notas, especialmente en la coda de tipo blizzard. Un combo "Bess, You Is My Woman/It Ain't Necessarily So" comienza con tom tomos rumiantes que introducen a "Bess" como una siniestra amante, y luego la describen como una elegante y sofisticada en forma de balada. Haynes es noqueado por la mujer, estallando en explosiones similares a una bomba dos veces durante "Así que", y él es el fusible para un final que se quema libremente. A veces parece como si estos tres estuvieran restringidos, reteniendo todo el poder que poseen. Los grilletes a un lado, pueden hacerlo como pocos otros tríos, y si hubieran sido una banda de trabajo durante las próximas décadas, habría sido glorioso escuchar adónde llevarían este formato. "Aquí está Jaki" es la punta del iceberg.

https://www.allmusic.com/album/heres-jaki-mw0000645885

Biografía del artista

Un músico que ha abarcado las generaciones de Jazz es Jaki Byard. Jaki Byard nació como John Arthur Byard, Jr. el 15 de junio de 1922 en Worcester, Massachusetts. Su padre fue miembro de las manos en marcha a principios del siglo XX y tocaba el trombón. Su madre tocaba el piano para la Iglesia Metodista Episcopal Africana de Sión (AME). Su abuela materna tocaba el piano para los espectáculos de cine mudo (películas visuales sin sonido antes de que se inventaran las "películas parlantes"). Fue en ese piano que Jaki comenzó su odisea musical. Cuando tenía 8 años, empezó a tomar clases de piano de una profesora de piano llamada Grace Johnson. El ritmo de swing de la época y la atracción de las grandes bandas inspiraron a Jaki durante la mayor parte de su carrera.

A la edad de 16 años, jugó su primer compromiso profesional. Durante la Segunda Guerra Mundial, Jaki fue reclutado en el ejército, pero con suerte y las circunstancias, fue capaz de unirse al ejército junto con Earl Bostic, con quien más tarde formaría una alianza musical.

A finales de los treinta años, Jaki tenía un contrato de grabación con Prestige Records, quien le dedicó muchas sesiones de grabación que le permitieron tener la libertad de hacer escuchar sus propias composiciones. Fue también en esta época cuando tocó con Charles Mingus como parte de un conjunto que contaba entre sus músicos con muchos músicos fabulosos: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles y Bobby Jones, que recorrieron Europa e hicieron grandes sonidos e historia. Durante la década de 1960, tuvo un gran éxito, y todos sus álbumes recibieron en su mayoría 3-4 estrellas en la revista DownBeat. En 1966, ganó el premio Down Beat Jazz Poll Award para el músico más prometedor de ese año. En 1979, su big band de 21 músicos, The Apollo Stompers, fue votada como la Mejor Banda House de la ciudad de Nueva York mientras tocaba en Ali's Alley, un club del centro de Nueva York. Por su cuenta, Jaki iba a ganar numerosos premios y menciones por su música y sus contribuciones a la enseñanza y la danza de muchas instituciones académicas importantes. Siempre sintió que la "academia", como él decía, era muy importante. Un momento muy apreciado y orgulloso para Jaki fue cuando el hijo de Duke Ellington, Mercer, le pidió que sustituyera a Duke como parte de su orquesta mientras el Duke estaba enfermo.

La Duke Ellington Society le otorgó un premio por sus actuaciones. En febrero de 1988, también recibió un premio del Alcalde por su destacada contribución a la música negra y presencia en Boston (el premio Dr. Martin Luther King Jr.). Tiene la llave de Worcester, Nueva Orleans y el corazón de muchas personas. En 1995, un año después de la muerte de su amada esposa, Louise (mi madre), recibió un premio del entonces alcalde Rudolph Guliani por su trabajo con los Stompers de Apolo en reconocimiento de la Semana de Harlem y su centenario. Y aunque Jaki ganó muchos premios, el más preciado para él fue el honor que se dio a sí mismo y a otros cuando pudo escribir una melodía para alguien a quien amaba o por un capricho pasajero o una idea que lo enviaría al piano con un lápiz y un papel de composición, y fue este amor el que transmitió a través de todas sus actuaciones dosificadas con su extraordinario ingenio y humor.

Los años sesenta y setenta vieron una cantidad moderada de éxito en el nivel de entretenimiento. Jaki volvió a la enseñanza y a la academia a finales de los años 70, 80 y 90 con grabaciones ocasionales entremedio. A principios de la década de 1970 aceptó un puesto en el New England Conservatory of Music de Boston, Massachusetts, donde permaneció más de una década enseñando tanto en el plan de estudios como en forma privada. Algunas de las otras escuelas en las que enseñó fueron The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts en Boston, The New School en la ciudad de Nueva York, The Brooklyn Conservatory of Music en Flushing, y finalmente The Manhattan School of Music en la ciudad de Nueva York. Tampoco tuvo tiempo suficiente para su grupo de estudiantes privados que, con mucho gusto, iban a su casa en Hollis, Queens, para tomar clases particulares.

Alrededor de 1979-1982 Jaki, junto con otros músicos locales (entre ellos, percusionista/compositor/amigo! JR Mitchell, el bajista Peck Morrison, el teclista de vibráfono Dwight Gassoway, el saxofonista Harold Ousley y el bajista Larry Ridley) formaron una organización llamada Unificación de Artistas Preocupados con la esperanza de crear más reconocimiento y compromisos para los músicos neoyorquinos cuyos conciertos estaban demasiado lejos y eran pocos. Como con la mayoría de los esfuerzos de este tipo, las cosas salieron bien por un tiempo, pero de alguna manera la supervivencia sucede y el tiempo tuvo que ser gastado en eso. Solía transcribir las actas en la reunión mensual de la Junta de Síndicos, y en retrospectiva puedo decir que realmente tratamos de crear algunas vacantes. Creo que si se hubiera podido dedicar más tiempo a su esfuerzo, también habría tenido éxito.

La carrera de Jaki, que abarcó más de seis décadas, seguía siendo fuerte. Seguía grabando y arreglando, componiendo y enseñando. En febrero de 1999, fue invitado a dirigir un seminario y a tocar en la Berkley School of Music de Boston, Massachusetts. Nunca llegó a ese compromiso. Cualquiera que sea su definición del éxito, para Jaki Byard, poder tocar su música con la alegría, la creatividad, la diversión y la enseñanza de la misma era todo lo que realmente le importaba.

Jaki Byard murió (trágicamente) el 11 de febrero de 1999. Tenía 76 años y todavía tenía mucho que ofrecer a la comunidad musical y artística.

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Frank Wess • Poor You Little Me

Review by Alex Henderson
In the late '50s and early '60s, Frank Wess had two careers. In addition to being a star soloist in Count Basie's big band, the saxman/flutist was recording some worthwhile albums as a leader. Wess had yet to leave the Count's employ when, in 1963, he recorded Yo Ho! Poor You, Little Me, which finds him leading a quintet that boasts Thad Jones on trumpet, Gildo Mahones on piano, Buddy Catlett on bass, and Roy Haynes on drums. For those who were used to hearing Wess in the Basie band, it was a treat to hear him in a more intimate setting. A small group meant more improvising and more stretching out, which is exactly what Wess and his sidemen do on a lyrical performance of "Poor You" as well as up-tempo Wess originals like "Cold Miner" and "Yo-Ho." Wess is heard on both tenor sax and flute, although he doesn't play any alto sax on this set.

A nice one from Frank Wess – especially because he plays a bit of tenor, which we always enjoy! Some tracks feature his usual soul jazz flute stylings, but the tenor tracks are a bit meaner and leaner – with a very nice groove. Thad Jones plays trumpet, and Gildo Mahones (always a favorite!) plays piano. Roy Haynes is on drums, giving the whole thing a nice light lyrical feel. Tracks are long – and titles include "The Lizard", "Yo Ho", "Cold Miner", and "The Long Road". 

 

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Reseña de Alex Henderson
A finales de los 50 y principios de los 60, Frank Wess tenía dos carreras. Además de ser un solista estrella en la big band de Count Basie, el saxofonista/flautista estaba grabando algunos álbumes valiosos como líder. ¡Wess aún no había dejado de trabajar para Count cuando, en 1963, grabó Yo Ho! Poor You, Little Me, en el que se encuentra al frente de un quinteto que cuenta con Thad Jones a la trompeta, Gildo Mahones al piano, Buddy Catlett al bajo y Roy Haynes a la batería. Para los que estaban acostumbrados a escuchar a Wess en la banda de Basie, fue un placer escucharlo en un entorno más íntimo. Un grupo pequeño significa más improvisación y más estiramiento, que es exactamente lo que Wess y sus acompañantes hacen en una interpretación lírica de "Poor You", así como en originales de Wess de ritmo rápido como "Cold Miner" y "Yo-Ho". Wess toca tanto el saxo tenor como la flauta, aunque no toca ningún saxo alto en este disco.

Un buen trabajo de Frank Wess, sobre todo porque toca un poco el tenor, ¡que siempre nos gusta! Algunos temas cuentan con su habitual estilo de flauta de soul jazz, pero los temas de tenor son un poco más malos y más delgados, con un ritmo muy agradable. Thad Jones toca la trompeta, y Gildo Mahones (siempre un favorito) toca el piano. Roy Haynes está en la batería, dando al conjunto un agradable y ligero toque lírico. Las pistas son largas y los títulos incluyen "The Lizard", "Yo Ho", "Cold Miner" y "The Long Road". 

Stéphane Grappelli, Michel Petrucciani, Roy Haynes, George Mraz • Flamingo

Stan Getz Quartet • Newport Jazz Festival

Charlie Parker • Bird Is Free

 

 

Michel Petrucciani • So What

Review

The great pianist Michel Petrucciani recorded for the Dreyfus label during the six years before his 1999 death. Producer/label owner Francis Dreyfus is worried about Petrucciani being underrated if not completely forgotten, so he put together this sampler of previously released material covering the pianist's 2Dreyfus period. Petrucciani is heard solo, dueting with his father guitarist Tony Petrucciani ("Michel's Blues"), interacting with organist Eddy Louiss, in a trio with bassist Anthony Jackson and drummer Steve Gadd, collaborating with violinist Stephane Grappelli (the boppish "Little Peace in C for U" and "Pennies From Heaven"), playing in a sextet with valve trombonist Bob Brookmeyer, and being joined by the Graffiti String Quartet. "Pennies From Heaven" was only previously out on a privately issued CD. Dreyfus did a fine job of picking out the most exciting and emotional selections from his catalog of Petrucciani gems, so one gets to hear one highpoint after another throughout this single-CD sampler. Michel Petrucciani was one of the greats and So What offers plenty of evidence.

by Scott Yanow

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Revisar

El gran pianista Michel Petrucciani grabó para el sello Dreyfus durante los seis años anteriores a su muerte en 1999. El productor y dueño de la discográfica Francis Dreyfus está preocupado de que Petrucciani sea subestimado, si no olvidado completamente, así que armó este muestrario de material previamente publicado que cubre el período 2Dreyfus del pianista. Petrucciani se escucha en solitario, haciendo un duelo con su padre, el guitarrista Tony Petrucciani ("Michel's Blues"), interactuando con el organista Eddy Louiss, en un trío con el bajista Anthony Jackson y el baterista Steve Gadd, colaborando con el violinista Stéphane Grappelli (el boppish "Little Peace in C for U" y "Pennies From Heaven"), tocando en un sexteto con el trombonista de válvula Bob Brookmeyer, y siendo acompañado por el Graffiti String Quartet. "Pennies From Heaven" sólo había salido anteriormente en un CD privado. Dreyfus hizo un buen trabajo escogiendo las más excitantes y emotivas selecciones de su catálogo de gemas Petrucciani, así que uno puede escuchar un punto culminante tras otro a lo largo de este muestrario de CDs. Michel Petrucciani fue uno de los grandes y lo que ofrece muchas pruebas.

por Scott Yanow

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Chick Corea • Trio Music·Live in Europe

 

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VA • Verve Jazz Club Collectionː Superdrummers!

 

Eric Dolphy with Booker Little • Far Cry

 

Review
by Al Campbell
Charlie Parker's influence permeates this 1960 session. Beyond the obvious acknowledgment on song titles ("Mrs. Parker of K.C. ['Bird's Mother']" and "Ode to Charlie Parker"), his restless spirit is utilized as a guiding light for breaking bebop molds. Far Cry finds multi-reedist Eric Dolphy in a transitional phase, relinquishing Parker's governing universal impact and diving into the next controversial phase that critics began calling "anti-jazz." On this date Booker Little's lyrical trumpet and Jackie Byard's confident grasp of multiple piano styles (though both steeped in hard bop) were sympathetic to the burgeoning "avant-garde" approach that Dolphy displays, albeit sparingly, on this session. Far Cry contains the initial performance of Dolphy's future jazz classic "Miss Ann," along with his first recorded solo alto sax performance on "Tenderly," in which Dolphy bridges the gap between the solo saxophone performances of Coleman Hawkins and Anthony Braxton.
https://www.allmusic.com/album/far-cry-mw0000661692

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Reseña
por Al Campbell
La influencia de Charlie Parker impregna esta sesión de 1960. Más allá del reconocimiento obvio en los títulos de las canciones ("Mrs. Parker of K.C. ['Bird's Mother']" y "Ode to Charlie Parker"), su espíritu inquieto se utiliza como guía para romper los moldes del bebop. Far Cry encuentra al multireedista Eric Dolphy en una fase de transición, abandonando el impacto universal gobernante de Parker y sumergiéndose en la siguiente fase controvertida que los críticos empezaron a llamar "anti-jazz". En esta fecha, la trompeta lírica de Booker Little y el dominio seguro de Jackie Byard de múltiples estilos de piano (aunque ambos impregnados de hard bop) simpatizaban con el floreciente enfoque "vanguardista" que Dolphy muestra, aunque escasamente, en esta sesión. Far Cry contiene la interpretación inicial del futuro clásico del jazz de Dolphy "Miss Ann", junto con su primera interpretación grabada de saxo alto en solitario en "Tenderly", en la que Dolphy tiende un puente entre las interpretaciones de saxo solo de Coleman Hawkins y Anthony Braxton.
https://www.allmusic.com/album/far-cry-mw0000661692

Pat Metheny Trio • Brecon Wales

 

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Thelonious Monk • Thelonious In Action

 

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