Lee Konitz With Warne Marsh • Lee Konitz With Warne Marsh

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin
 

Max Roach • Deeds, Not Words

 

Deeds, Not Words Review (by Scott Yanow):
This Max Roach Riverside date is notable for featuring the great young trumpeter Booker Little and for utilizing Ray Draper's tuba as a melody instrument; tenor saxophonist George Coleman and bassist Art Davis complete the excellent quintet. Highlights include "It's You or No One," "You Stepped Out of a Dream," and Roach's unaccompanied drum piece "Conversation." This is fine music from a group that was trying to stretch themselves beyond hard bop.

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Reseña de Deeds, Not Words (por Scott Yanow):
Esta sesión de Max Roach para Riverside es notable por contar con el gran y joven trompetista Booker Little y por utilizar la tuba de Ray Draper como instrumento melódico; el saxofonista tenor George Coleman y el bajista Art Davis completan el excelente quinteto. Los momentos más destacados incluyen "It's You or No One", "You Stepped Out of a Dream" y la pieza de batería sin acompañamiento de Roach, "Conversation". Esta es música de gran calidad de un grupo que intentaba expandirse más allá del hard bop.

Oscar Pettiford, Barry Galbraith and his Orchestra • The Manhatan Jazz Septette (1956)-Guitar & The Wind (1958)

 

Lucky Thompson • Accent on Tenor Sax

A legendary tenor and soprano saxophonist who took his place among the elite improvisers of jazz from the 1940's to the 1960's and then quit music. Lucky Thompson connected the swing era to the more cerebral and complex bebop style. His sophisticated, harmonically abstract approach to the tenor saxophone endeared him to the beboppers, but he was also a beautiful balladeer.

Thompson was born in Columbia, South Carolina, but grew up on Detroit's East Side. He saved to buy a saxophone study book, practicing on a simulated instrument carved from a broomstick. He finally acquired a saxophone when he was 15, practiced eight hours a day and, within a month, was playing around town, most notably with the King's Aces big band, among who was vibraphonist Milt Jackson, later a frequent associate. Thompson left Cass high school early to join ex-Lunceford altoist Ted Buckner at Club 666, a top spot in the black section of Detroit.

He left the city in August 1943 with Lionel Hampton's orchestra, touring for four months before settling in New York. He was soon playing for exacting bandleaders such as Don Redman and Lucky Millinder, performing on 52nd street with drummer Big Sid Catlett, and making his recording debut in March 1944 with trumpeter Hot Lips Page.

After a run with Billy Eckstine's big band, then a hotbed of modernism, Thompson spent a fruitful year with the Count Basie orchestra. By October 1945, he was in Los Angeles, and stayed for two years, taking on the mantle of local hero and participating in more than 100 recording sessions, with everyone from Dinah Washington to Boyd Raeburn. When Dizzy Gillespie and Charlie Parker made their legendary visit to Billy Berg's club in Los Angeles, Thompson was retained to cover for the errant Parker. Lucky played on one of Parker's most celebrated recording sessions, for Dial Records on March 28, 1946.

Back in New York by 1948, Thompson began a period of varied activity, fronting groups at the Savoy Ballroom, appearing at the Nice festival, recording with Thelonious Monk and playing on the heralded Miles Davis album, “Walkin'.” In 1956, he toured Europe with Stan Kenton, then chose to live abroad for extended periods, from 1957 to 1962, making a number of recordings with groups while overseas.

His skepticism about the jazz business may have kept him from a broader career recording as a bandleader; but there was “Tricotism,” from 1953, with the Lucky Seven. Then in 1962 Thompson came back to New York, where he signed with Prestige and recorded the sessions for albums “Happy Days Are Here Again,” “Plays Jerome Kern and No More,” and “Lucky Strikes,” from 1964, thought to be his highlight album. He did other sides for various labels as in the ’65 joining with Tommy Flanagan “Lucky Meets Tommy.” His last recordings were “Goodbye Yesterday,” (1972) and “I Offer You,” (1973), made for the Groove Merchant label.

After returning to New York for a few years, he lived in Lausanne, Switzerland, from late 1968 to 1970. He came back to New York again, taught at Dartmouth in 1973 and 1974, then disappeared from the Northeast, and soon from music entirely.

By the early 90's he was in Seattle, mostly living in the woods or in shelter offered by friends. He did not own a saxophone. He was hospitalized a number of times in 1994, and finally entered an Assisted Living Center, where he lived from 1994 until his death in July 2005.

Source: James Nadal

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Un legendario saxofonista tenor y soprano que ocupó su lugar entre la élite de los improvisadores de jazz de los años 40 a los 60 y luego dejó la música. Lucky Thompson conectó la era del swing con el más cerebral y complejo estilo del bebop. Su sofisticado y armónicamente abstracto enfoque del saxofón tenor le hizo ganar la simpatía de los beboppers, pero también era un hermoso baladista.

Thompson nació en Columbia, Carolina del Sur, pero creció en el East Side de Detroit. Ahorró para comprar un libro de estudio de saxofón, practicando con un instrumento simulado tallado en un palo de escoba. Finalmente adquirió un saxofón cuando tenía 15 años, practicó ocho horas al día y, en el plazo de un mes, tocó por toda la ciudad, sobre todo con la gran banda de King's Aces, entre la que se encontraba el vibrafonista Milt Jackson, más tarde un colaborador habitual. Thompson dejó el instituto de Cass temprano para unirse al ex-altoísta de Lunceford Ted Buckner en el Club 666, un lugar importante en la sección negra de Detroit.

Dejó la ciudad en agosto de 1943 con la orquesta de Lionel Hampton, de gira durante cuatro meses antes de establecerse en Nueva York. Pronto tocó para directores de orquesta exigentes como Don Redman y Lucky Millinder, actuando en la calle 52 con el baterista Big Sid Catlett, y haciendo su debut discográfico en marzo de 1944 con el trompetista Hot Lips Page.

Después de una carrera con la gran banda de Billy Eckstine, entonces un semillero de modernismo, Thompson pasó un año fructífero con la orquesta de Count Basie. En octubre de 1945, estaba en Los Ángeles, y permaneció durante dos años, asumiendo el papel de héroe local y participando en más de 100 sesiones de grabación, con todos, desde Dinah Washington hasta Boyd Raeburn. Cuando Dizzy Gillespie y Charlie Parker hicieron su legendaria visita al club de Billy Berg en Los Ángeles, Thompson fue contratado para cubrir al errante Parker. Lucky tocó en una de las sesiones de grabación más célebres de Parker, para Dial Records el 28 de marzo de 1946.

De vuelta en Nueva York en 1948, Thompson comenzó un período de actividad variada, encabezando grupos en el Savoy Ballroom, apareciendo en el festival de Niza, grabando con Thelonious Monk y tocando en el anunciado álbum de Miles Davis, "Walkin'". En 1956, realizó una gira por Europa con Stan Kenton, y luego optó por vivir en el extranjero durante períodos prolongados, de 1957 a 1962, haciendo varias grabaciones con grupos mientras estaba en el extranjero.

Su escepticismo sobre el negocio del jazz puede haberle impedido tener una carrera más amplia grabando como director de orquesta; pero hubo "Tricotismo", a partir de 1953, con los Lucky Seven. Luego, en 1962, Thompson regresó a Nueva York, donde firmó con Prestige y grabó las sesiones de los álbumes "Happy Days Are Here Again", "Plays Jerome Kern and No More" y "Lucky Strikes", de 1964, que se considera su álbum más destacado. Hizo otros lados para varios sellos como en el '65 uniéndose a Tommy Flanagan "Lucky Meets Tommy". Sus últimas grabaciones fueron "Goodbye Yesterday" (1972) y "I Offer You" (1973), hechas para el sello Groove Merchant.

Después de regresar a Nueva York por unos años, vivió en Lausana, Suiza, desde finales de 1968 hasta 1970. Volvió a Nueva York de nuevo, enseñó en Dartmouth en 1973 y 1974, luego desapareció del noreste, y pronto de la música por completo.

A principios de los 90 estaba en Seattle, viviendo principalmente en el bosque o en un refugio ofrecido por amigos. No tenía un saxofón. Fue hospitalizado varias veces en 1994, y finalmente entró en un Centro de Vida Asistida, donde vivió desde 1994 hasta su muerte en julio de 2005.

Fuente: James Nadal

Tony Scott • 52nd St. Scene & Free Blown Jazz

 

Art Blakey & The Jazz Messengers • Drum Suite

 

Review by Steve Leggett
Recorded in 1956, Art Blakey's Drum Suite is a wonderful hybrid of African, Latin, and hard bop rhythms that prefigures the concept of Afro-beat by at least a decade, and the sheer energy, not to mention its very special and fresh-sounding intimacy, make it especially astounding. Even more amazing is that the three parts of the suite -- Blakey's "The Sacrifice," Ray Bryant's "Cubano Chant," and Oscar Pettiford's "Oscalypso" -- were recorded straight through live, and were only intended to be a pre-take run-through, but as is obvious here, Blakey and company nailed the whole thing right out of the box. The original LP was issued by Columbia with the drum suite on one side, and three tracks recorded by a 1956 version of the Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery, and Spanky DeBrest) for Blakey's first Columbia album, Hard Bop, on the other side. Groundbreaking for its time, and still sounding vital, powerful, and visionary, the Drum Suite album is somewhat of a lost masterpiece that deserves a fresh audience.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

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Reseña de Steve Leggett
Grabada en 1956, la Drum Suite de Art Blakey es un maravilloso híbrido de ritmos africanos, latinos y hard bop que prefigura el concepto de afro-beat por lo menos una década, y la pura energía, por no hablar de su intimidad tan especial y fresca, la hacen especialmente asombrosa. Más sorprendente aún es que las tres partes de la suite - "The Sacrifice" de Blakey, "Cubano Chant" de Ray Bryant y "Oscalypso" de Oscar Pettiford- se grabaron directamente en directo, y sólo pretendían ser un ensayo previo, pero como es obvio aquí, Blakey y compañía lo clavaron todo nada más sacarlo de la caja. El LP original fue emitido por Columbia con la suite de batería en una cara, y tres temas grabados por una versión de 1956 de los Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery y Spanky DeBrest) para el primer álbum de Columbia de Blakey, Hard Bop, en la otra cara. Innovador para su época, y todavía con un sonido vital, potente y visionario, el álbum Drum Suite es una especie de obra maestra perdida que merece un nuevo público.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

VA • The Tenor Sax Album

 

Gil Melle • The Complete Blue Note Fifties Sessions

 

Review by Richard S. Ginell
Blue Note raids the back of its vaults for all four of Melle's long out of print 10" LPs, plus the 12" Patterns in Jazz, in order to place back in circulation a musician who had been nearly invisible to the jazz world for a good three decades. Though Melle's entertaining self-penned liner notes may be outrageously self-aggrandizing, this collection leaves little doubt that he was (and remains) a marvelous saxophonist and an intriguing composer who hasn't been given his due. On the early sides, Melle plays an erudite, relaxed, always musical tenor sax, and "Transition" marks his recorded debut on baritone, which he uses in a thoughtful, even quizzical manner for the remainder of the set. As a composer, Melle was very much the uncompromising cool bopper, but was also equipped with a fascinating mind of his own. His first session is also the most startling: "Four Moons" is brilliant in its Kentonian harmonic way, with vibraphone striking the chords; so is his most famous jazz composition "The Gears," with its Monica Dell scat vocal lead doubled by vibraphone. Further on in the set, Melle does away with the piano in the cool tradition, but gives the lineup an unorthodox twist by using a guitarist (Tal Farlow, Lou Mecca, or Joe Cinderella) in the keyboard role, and a trombonist (Eddie Bert or the swinging, vastly underrated Urbie Green) or even a tuba (Don Butterfield) on the front line. He also employs consistently first-class rhythm sections, with Max Roach and a young Joe Morello among the drummers. For those super-collectors who may have the extremely rare originals (now worth hundreds of dollars each), there is one unreleased track, "The Nearness of You"; the digitally remastered sound, flaws in the master tapes aside, is excellent.
https://www.allmusic.com/album/complete-blue-note-50s-sessions-mw0000045187#review

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Reseña de Richard S. Ginell
Blue Note rebusca en el fondo de sus bóvedas los cuatro LPs de 10" de Melle, agotados hace tiempo, más el 12" Patterns in Jazz, para volver a poner en circulación a un músico que había sido casi invisible para el mundo del jazz durante tres décadas. Aunque las divertidas notas de Melle, escritas por él mismo, pueden ser escandalosamente engreídas, esta colección no deja lugar a dudas de que fue (y sigue siendo) un saxofonista maravilloso y un compositor intrigante al que no se le ha dado su merecido. En las primeras partes, Melle toca un saxo tenor erudito, relajado y siempre musical, y "Transition" marca su debut grabado en barítono, que utiliza de manera reflexiva, incluso inquisitiva, durante el resto del conjunto. Como compositor, Melle era un cool bopper intransigente, pero también estaba dotado de una fascinante mente propia. Su primera sesión es también la más sorprendente: "Four Moons" es brillante en su forma armónica kentoniana, con el vibráfono marcando los acordes; también lo es su composición de jazz más famosa, "The Gears", con su voz solista de Monica Dell doblada por el vibráfono. Más adelante, Melle prescinde del piano en la tradición cool, pero da a la formación un giro poco ortodoxo utilizando un guitarrista (Tal Farlow, Lou Mecca o Joe Cinderella) en el papel de teclista, y un trombonista (Eddie Bert o el oscilante e infravalorado Urbie Green) o incluso una tuba (Don Butterfield) en primera línea. También emplea secciones rítmicas de primera clase, con Max Roach y un joven Joe Morello entre los baterías. Para los supercoleccionistas que tengan los rarísimos originales (que ahora valen cientos de dólares cada uno), hay un tema inédito, "The Nearness of You"; el sonido remasterizado digitalmente, dejando a un lado los defectos de las cintas maestras, es excelente.
https://www.allmusic.com/album/complete-blue-note-50s-sessions-mw0000045187#review

Sonny Rollins • Freedom Suite

Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma.   Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.

https://sonnyrollins.com/biography/

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.

Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.

El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma.   Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.

https://sonnyrollins.com/biography/

sonnyrollins.com ...

Ray Charles & Milt Jackson • Soul Brothers-Soul Meeting

Nacido en Detroit en 1932, el vibrafonista, Milt Jackson pasará a la historia del jazz por ser el "alma mater" de uno de los combos de jazz mas celebres y de mas calidad de cuantos ha habido en la historia de esta música, "The Modern Jazz Quartet".

 Sin duda estamos hablando también de uno de los tres grandes vibrafonistas del jazz, junto con Lionel Hampton y el pelirrojo, Red Norvo. Sus primeros escarceos con el jazz, los dio de la mano del genial trompetista, Dizzy Gillespie en su bigband en1946. Posteriormente durante 1946 y 1948, trabajó con los grandes músicos de la era del bebop como Charlie Parker o Thelonious Monk. Gillespie, lo reclamó nuevamente para su sexteto de 1950 y estuvo dos años con él, antes de fundar el combo de jazz por el que será conocido internacionalmente y por el que pasará a la historia del jazz: "The Modern jazz Quartet" formado originariamente en 1952 con el pianista, John Lewis, el bajista, Percy Heath, el baterista, Kenny Clarke y Milt Jackson al vibráfono.

 Con el Modern Jazz Quartet, Milt Jackson, ha recorrido el mundo entero con apariciones y desapariciones momentáneas, con sustituciones entre sus componentes, pero siempre la exquisitez de su música, el refinamiento de su sonido ha salido indemne de todos los retos. La discografía de Milt Jackson, es impresionante tanto al frente del MJQ, como liderando otras formaciones y combos, con un repertorio que abarca desde el clasicismo del swing, hasta la heterodoxia del bebop.

Ray Charles nació en Albany (Georgia), pero se crió en Florida. Este gran pianista y cantante perdió la vista durante su infancia por un glaucoma que su familia no pudo tratar médicamente por razones económicas. Charles fue un autodidacta del piano pero aprendió la música en braille en la "St Augustine School", un centro para invidentes.

 En su adolescencia ya formo su propio grupo realizando algunas giras por Florida y se estableció en Seattle. El trío de Nat King Cole era su formación favorita y sus primeras grabaciones así lo manifestaban. A través de cantante de Rhythm and Blues, Wynonie Harris, entro en contacto con esa música y ese estilo y formó un contrato con el sello Atlantic. Ya su forma de tocar el piano, sus cualidades vocales eran manifiestas. Con una sabia mezcla de la música originaria de New Orleáns y una pincelada de gospel y blues, nació ese estilo vocal inconfundible de Ray Charles que encandilaron al mundo.

 En ocasiones sus discos eran arreglados por Quincy Jones en formato de bigband, y también participó en dos memorables sesiones a acompañando al vibrafonista, Milt Jackson antes de que este formara su celebre como llamado "Modern jazz Quartet". Es también relevante su disco con la cantante de jazz, Betty Carter, un álbum exquisitamente jazzistico que es referencia ineludible en la discografía de ambos. En 1960 fundo su propia compañía de discos y buscó un publico mas heterogéneo con lo que su apuesta jazzistica se difumino cada vez mas.

Citar:

Los músicos americanos Ray Charles & Milt Jackson unieron fuerzas para grabar el álbum "Soul Brothers/Soul Meeting" en 1957 y 1958. En esa época, el artista del vibráfono, Milt Jackson ya era famoso en la escena jazz pero Ray Charles todavía no había alcanzado la cúspide de su fama. El álbum incluía joyas musicales como "The Genious After Hours" y "Bags of Blues" así como "Hallelujah I Love Her So" (que más tarde sería un exitazo para Ray Charles). Charles tocaba el piano y el saxo alto además de cantar y juntos realizaron esta grabación de jazz clásica.

http://apoloybaco.com/jazz/index.php

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Automatic Translation:

Born in Detroit in 1932, the vibraphonist, Milt Jackson will go down in the history of jazz as the "alma mater" of one of the most famous and quality jazz combos in the history of this music, "The Modern Jazz Quartet".

 Without a doubt, we are also talking about one of the three great vibraphonists of jazz, along with Lionel Hampton and the redheaded Red Norvo. He made his first contact with jazz in 1946 with the brilliant trumpet player Dizzy Gillespie in his big band. Later, during 1946 and 1948, he worked with the great musicians of the bebop era such as Charlie Parker and Thelonious Monk. Gillespie, claimed him back for his 1950 sextet and spent two years with him, before founding the jazz combo for which he would become internationally known and for which he would go down in jazz history: "The Modern Jazz Quartet" originally formed in 1952 with pianist, John Lewis, bassist, Percy Heath, drummer, Kenny Clarke and Milt Jackson on vibraphone.

 With the Modern Jazz Quartet, Milt Jackson, has traveled the world with momentary appearances and disappearances, with substitutions among its members, but always the exquisiteness of its music, the refinement of its sound has come out unscathed from all challenges. Milt Jackson's discography is impressive both at the head of MJQ, and leading other bands and combos, with a repertoire that ranges from the classicism of swing, to the heterodoxy of bebop.

Ray Charles was born in Albany, Georgia, but grew up in Florida. This great pianist and singer lost his sight during his childhood due to a glaucoma that his family could not treat medically for economic reasons. Charles was a self-taught pianist but learned Braille music at St Augustine School, a center for the blind.

 As a teenager, he formed his own group and toured Florida and settled in Seattle. Nat King Cole's trio was his favorite formation and his first recordings showed it. Through the singer of Rhythm and Blues, Wynonie Harris, he came into contact with that music and style and formed a contract with the Atlantic label. Already his way of playing the piano, his vocal qualities were evident. With a wise mix of New Orleans native music and a touch of gospel and blues, that unmistakable Ray Charles vocal style was born and enchanted the world.

 At times his records were arranged by Quincy Jones in a big band format, and he also participated in two memorable sessions accompanying vibraphonist Milt Jackson before he formed his famous "Modern Jazz Quartet". Also relevant is his album with jazz singer, Betty Carter, an exquisitely jazz album that is an inescapable reference in the discography of both. In 1960 he founded his own record company and sought out a more heterogeneous audience, which led to his jazz bet becoming more and more blurred.

Quote:

The American musicians Ray Charles & Milt Jackson joined forces to record the album "Soul Brothers/Soul Meeting" in 1957 and 1958. At that time, the vibraphone artist Milt Jackson was already famous on the jazz scene but Ray Charles had not yet reached the height of his fame. The album included musical gems such as "The Genious After Hours" and "Bags of Blues" as well as "Hallelujah I Love Her So" (which would later become a hit for Ray Charles). Charles played the piano and alto saxophone in addition to singing and together they made this classic jazz recording.

http://apoloybaco.com/jazz/index.php

Dusko Goykovich • Portrait

 

Dusan Gojkovic is a international jazz trumpeter, composer and arranger.
Aka Dusko Gojkovic, Dusko Goykovich, Dusan Gojkovic, Dusan Goykovic, Dusan Goykovich, Dusan Goykovitch, Dusco Gaykovich, Dusco Goykovic, Dusco Goykovich, Dusko Goikovich, Dusko Gojkovich, Dusko Gojkowic, Dusko Goykovic, Dušan Gojković, Duško Gojkovic, Duško Gojković…

During his career Dusko Gojkovic built his own style recognizable for the preciseness, brilliance of his technique and warm sound in playing as well as melodic tunes in composing. His colourful life is like a mirror of a half a century of jazz history. He caused stylistic developments. Gojkovic set technical standards, played with all the greats of the genre and finally became one of them. Since 1955 he has been a formative influence not only on the German jazz scene, performing and recording with such as Dizzy Gillespie, Gerry Mulligan, Stan Getz, Sonny Rollins, Lee Konitz, Chet Baker, Woody Herman, Johnny Griffin, Mal Waldron, Phil Woods, Tommy Flanagan, Kenny Clarke or Kenny Barron and many more and is highly admired in the USA and Japan. He is best known for his unmistakably melodic phrasing and his high-class ballad renditions on the trumpet, muted trumpet, and flugelhorn.

Gojkovic was born in Jajce, former Yugoslavia, now Bosnia and Herzegovina. He studied at the Belgrade Music Academy from 1948 to 1953. He played trumpet in a number of jazz Dixieland bands and, though only 18 years of age, joined Big Band of Radio Belgrade. After five years spent there he grew into a seasoned musician and decided to continue his career in West Germany. In 1956 he recorded his first LP as a member of Frankfurt All Stars band. Next four years he spent as a member of Kurt Edelhagen’s orchestra as a first trumpet. In these years he played with notable jazzmen such as Chet Baker, Stan Getz and Oscar Pettiford. In 1958 he performed at Newport Jazz Festival and drew much attention on both sides of the Ocean. In 1961 he was offered a scholarship for the studies of composing and arranging in Berklee. He took the offer and finished the studies.

After the studies he was invited by Canadian band leader Maynard Ferguson to join his band. Gojkovic performed as a second trumpet until the break of the band in 1964. His work with Ferguson boosted his reputation as an excellent big band musician and an outstanding soloist. Next he returned to Europe, formed his sextet and in 1966 recorded his first album Swinging Macedonia, produced by Eckart Rahn, with music he originally composed inspired by the music of Balkans. The album is generally considered to be the cornerstone of Balkan Jazz. In the years to follow he played with Miles Davis, Dizzy Gillespie, Oscar Pettiford, Gerry Mulligan, Sonny Rollins, Duke Jordan, Slide Hampton etc. In 1966 he continued his career in The Kenny Clarke-Francy Boland Big Band. In 1968 he settled in Munich and formed his own big band with artists such as Rolf Ericsson that lasted until 1976.

In 1986 he managed to form another orchestra with which he performs to this day. His much awaited comeback came with the 1994 Soul Connection album that won him a broad acclaim. This was followed with album Bebop City. In 1996 he recorded the Soul Collection album again but this time with his own big band. Another great album came in 1997 – Balkan Blue, a double CD: first one a quintet with Italian sax player Gianni Basso while the second one features orchestra of the North German Radio (NDR) accompanied by the jazz rhythm section and Gojković as a soloist. His next album was In My Dreams (2001) recorded with his quartet.

In 2003 Gojkovic opened a new chapter in his career with his album Samba do Mar, in which he composes for the first time inspired by Brazilian music. In 2004 he performed on the 200th anniversary of modern Serbian statehood, the opportunity he used to gather in Belgrade international All Star Big Bend with whom he recorded A Handful of Soul CD. His last album Samba Tzigane came out in 2006. Gojkovic celebrated his 75th birthday with a grand concert in Belgrade.
https://www.duskogojkovic.com/biography/

 

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Dusan Gojkovic es un trompetista, compositor y arreglista internacional de jazz.
También conocido como Dusko Gojkovic, Dusko Goykovich, Dusan Gojkovic, Dusan Goykovic, Dusan Goykovich, Dusan Goykovitch, Dusco Gaykovich, Dusco Goykovic, Dusco Goykovich, Dusko Goikovich, Dusko Gojkovich, Dusko Gojkowic, Dusko Goykovic, Dušan Gojković, Duško Gojkovic, Duško Gojković...

A lo largo de su carrera Dusko Gojkovic construyó un estilo propio reconocible por la precisión, brillantez de su técnica y cálido sonido al tocar, así como melodiosas melodías al componer. Su colorida vida es como un espejo de medio siglo de historia del jazz. Provocó desarrollos estilísticos. Gojkovic estableció estándares técnicos, tocó con todos los grandes del género y finalmente se convirtió en uno de ellos. Desde 1955 ha ejercido una influencia formativa no sólo en la escena jazzística alemana, tocando y grabando con Dizzy Gillespie, Gerry Mulligan, Stan Getz, Sonny Rollins, Lee Konitz, Chet Baker, Woody Herman, Johnny Griffin, Mal Waldron, Phil Woods, Tommy Flanagan, Kenny Clarke o Kenny Barron y muchos más, y es muy admirado en Estados Unidos y Japón. Se le conoce sobre todo por su fraseo inconfundiblemente melódico y sus interpretaciones de baladas de gran clase con la trompeta, la trompeta con sordina y el fliscorno.

Gojkovic nació en Jajce, antigua Yugoslavia, actualmente Bosnia y Herzegovina. Estudió en la Academia de Música de Belgrado de 1948 a 1953. Tocó la trompeta en varias bandas de jazz Dixieland y, con sólo 18 años, se incorporó a la Big Band de Radio Belgrado. Tras pasar allí cinco años, se convirtió en un músico experimentado y decidió continuar su carrera en Alemania Occidental. En 1956 grabó su primer LP como miembro de la banda Frankfurt All Stars. Los cuatro años siguientes los pasó como miembro de la orquesta de Kurt Edelhagen como primera trompeta. En estos años tocó con notables jazzistas como Chet Baker, Stan Getz y Oscar Pettiford. En 1958 actuó en el Festival de Jazz de Newport y llamó mucho la atención a ambos lados del Océano. En 1961 le ofrecieron una beca para estudiar composición y arreglos en Berklee. Aceptó la oferta y terminó los estudios.

Tras los estudios, fue invitado por el líder canadiense Maynard Ferguson a unirse a su banda. Gojkovic actuó como segunda trompeta hasta la disolución de la banda en 1964. Su trabajo con Ferguson impulsó su reputación como excelente músico de big band y destacado solista. A continuación regresó a Europa, formó su sexteto y en 1966 grabó su primer álbum Swinging Macedonia, producido por Eckart Rahn, con música que compuso originalmente inspirándose en la música de los Balcanes. El álbum se considera generalmente la piedra angular del jazz balcánico. En los años siguientes tocó con Miles Davis, Dizzy Gillespie, Oscar Pettiford, Gerry Mulligan, Sonny Rollins, Duke Jordan, Slide Hampton, etc. En 1966 continuó su carrera en The Kenny Clarke-Francy Boland Big Band. En 1968 se instaló en Munich y formó su propia big band con artistas como Rolf Ericsson que duró hasta 1976.

En 1986 consiguió formar otra orquesta con la que actúa hasta hoy. Su esperado regreso se produjo con el álbum Soul Connection en 1994, que le valió una amplia aclamación. Le siguió el álbum Bebop City. En 1996 volvió a grabar el álbum Soul Collection, pero esta vez con su propia big band. Otro gran álbum llegó en 1997: Balkan Blue, un doble CD: el primero, un quinteto con el saxofonista italiano Gianni Basso, mientras que el segundo cuenta con la orquesta de la Radio del Norte de Alemania (NDR) acompañada por la sección rítmica de jazz y Gojković como solista. Su siguiente álbum fue In My Dreams (2001), grabado con su cuarteto.

En 2003 Gojkovic abrió un nuevo capítulo en su carrera con su álbum Samba do Mar, en el que compone por primera vez inspirándose en la música brasileña. En 2004 actuó en el 200 aniversario de la creación del Estado serbio moderno, ocasión que aprovechó para reunir en Belgrado al grupo internacional All Star Big Bend, con el que grabó el CD A Handful of Soul. Su último álbum, Samba Tzigane, salió en 2006. Gojkovic celebró su 75 cumpleaños con un gran concierto en Belgrado.
https://www.duskogojkovic.com/biography/

 

www.duskogojkovic.com ...

  

Gil Melle • Patterns In Jazz

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
Like the modern art that stormed the art world in the '50s, Patterns in Jazz is filled with bright, bold colors and identifiable patterns that camouflage how adventurous the work actually is. On the surface, the music is cool and laid-back, but close listening reveals the invention in Melle's compositions and arrangements of the standards "Moonlight in Vermont" and "Long Ago and Far Away." Part of the charm of Patterns in Jazz is the unusual instrumental balance of Melle's bari sax, Eddie Bert's trombone, Joe Cinderella's guitar, and Oscar Pettiford's bass. These low, throaty instruments sound surprisingly light and swinging. Compared to the two standards, Melle's original compositions are a little short on melody, but they give the musicians room to improvise, resulting in some dynamic music. Ultimately, Patterns in Jazz is cerebral music that swings -- it's entertaining, but stimulating.
https://www.allmusic.com/album/patterns-in-jazz-mw0000463220



Gil Melle - Patterns In Jazz:
Gil Melle was a 20th century renaissance man, a unique individual with wide interests and many talents. In his life he wrote over 125 film scores, was a pioneer in experimenting with electronic music, built computers and synthesizers, was a notable painter, piloted planes, restored automobiles and airplanes, and was a visual artist whose art was used on the cover of records by Miles Davis, Sonny Rollins and Thelonious Monk.

Musically he never stood still or fit easily into any category. Early on Melle was a highly skilled baritone-saxophonist with his own sound and approach, performing at the Village Vanguard before he was even old enough to have a drivers license. Patterns In Jazz from 1956 is Gil Melle's definitive straight-ahead jazz recording. The music is colorful and adventurous, laidback but eminently approachable.

Teamed in a quintet with trombonist Eddie Bert and guitarist Joe Cinderella, the emphasis is on low tones, bright colors and surprising patterns, whether on Melle's originals or inventive rearrangements of "Moonlight In Vermont" and "Long Ago And Far Away". Blue Note engineer Rudy Van Gelder seemed to have a special affinity for Melle's music since all of the Melle sessions recorded in Van Gelder's studio are sonically exceptional, including this one. The music on this rare gem is as unique, unusual and memorable as is Gil Melle himself.
https://www.musicmattersjazz.com/Gil-Melle-Patterns-in-Jazz-Blue-Note-Vinyl-Reissue-p/mmblp-1517.htm

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Al igual que el arte moderno que irrumpió en el mundo del arte en los años 50, Patterns in Jazz está lleno de colores brillantes y atrevidos y patrones identificables que camuflan lo aventurero que es el trabajo en realidad. A primera vista, la música es fresca y relajada, pero una escucha atenta revela la inventiva de las composiciones y arreglos de Melle de los estándares "Moonlight in Vermont" y "Long Ago and Far Away". Parte del encanto de Patterns in Jazz es el inusual equilibrio instrumental del saxo bari de Melle, el trombón de Eddie Bert, la guitarra de Joe Cinderella y el bajo de Oscar Pettiford. Estos instrumentos graves y guturales suenan sorprendentemente ligeros y con swing. En comparación con los dos estándares, las composiciones originales de Melle son un poco cortas en melodía, pero dan a los músicos espacio para improvisar, lo que resulta en una música dinámica. En definitiva, Patterns in Jazz es música cerebral que se balancea: es entretenida, pero estimulante.
https://www.allmusic.com/album/patterns-in-jazz-mw0000463220


Gil Melle - Patterns In Jazz:
Gil Melle fue un hombre del renacimiento del siglo XX, un individuo único con amplios intereses y muchos talentos. En su vida escribió más de 125 partituras para películas, fue pionero en la experimentación con la música electrónica, construyó ordenadores y sintetizadores, fue un pintor notable, pilotó aviones, restauró automóviles y aviones, y fue un artista visual cuyo arte se utilizó en la portada de discos de Miles Davis, Sonny Rollins y Thelonious Monk.

Musicalmente nunca se quedó quieto ni encajó fácilmente en ninguna categoría. Desde muy pronto, Melle fue un barítono-saxofonista muy hábil, con un sonido y un enfoque propios, y actuó en el Village Vanguard antes incluso de tener edad suficiente para tener carné de conducir. Patterns In Jazz, de 1956, es la grabación definitiva de jazz directo de Gil Melle. La música es colorida y aventurera, relajada pero eminentemente accesible.

Formando equipo en un quinteto con el trombonista Eddie Bert y el guitarrista Joe Cinderella, el énfasis está en los tonos bajos, los colores brillantes y los patrones sorprendentes, ya sea en los originales de Melle o en las inventivas reorganizaciones de "Moonlight In Vermont" y "Long Ago And Far Away". El ingeniero de Blue Note Rudy Van Gelder parecía tener una afinidad especial por la música de Melle, ya que todas las sesiones de Melle grabadas en el estudio de Van Gelder son sónicamente excepcionales, incluida ésta. La música de esta rara joya es tan única, inusual y memorable como el propio Gil Melle.
https://www.musicmattersjazz.com/Gil-Melle-Patterns-in-Jazz-Blue-Note-Vinyl-Reissue-p/mmblp-1517.htm

Julius Watkins Sextet • New Faces – New Sounds

 

Biography
by Scott Yanow
Julius Watkins was virtually the father of the jazz French horn. He started playing French horn at the age of nine, although he worked with the Ernie Fields orchestra on trumpet (1943-1946). In the late '40s, he took some French horn solos on records by Kenny Clarke and Babs Gonzales, and spent 1949 as a member of the Milt Buckner big band. After three years of study at the Manhattan School of Music, Watkins started appearing on small-group dates including a pair of notable sessions led by Thelonious Monk in 1953-1954. He co-led les Jazz Modes with Charlie Rouse in 1956-1959; toured with Quincy Jones' big band (1959-1961); did plenty of studio work (including the Miles Davis-Gil Evans collaborations); and recorded with Charles Mingus (in 1965 and 1971), Freddie Hubbard, John Coltrane (the Africa sessions), and the Jazz Composer's Orchestra, among many others.
https://www.allmusic.com/artist/julius-watkins-mn0000836429/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Julius Watkins fue prácticamente el padre de la trompa de jazz. Empezó a tocar la trompa a los nueve años, aunque trabajó con la orquesta de Ernie Fields como trompeta (1943-1946). A finales de los años 40, hizo algunos solos de trompa en discos de Kenny Clarke y Babs Gonzales, y pasó 1949 como miembro de la big band de Milt Buckner. Después de tres años de estudio en la Manhattan School of Music, Watkins comenzó a aparecer en fechas de grupos pequeños, incluyendo un par de sesiones notables dirigidas por Thelonious Monk en 1953-1954. Dirigió les Jazz Modes con Charlie Rouse en 1956-1959; realizó giras con la big band de Quincy Jones (1959-1961); hizo muchos trabajos de estudio (incluidas las colaboraciones entre Miles Davis y Gil Evans); y grabó con Charles Mingus (en 1965 y 1971), Freddie Hubbard, John Coltrane (las sesiones de África) y la Jazz Composer's Orchestra, entre muchos otros.
https://www.allmusic.com/artist/julius-watkins-mn0000836429/biography

Coleman Hawkins • Hollywood Stampede

 

Oscar Pettiford • Six Classic Albums

 

Oscar Pettiford born in Okmulgee, Oklahoma, was a double bassist, cellist and composer known particularly for his pioneering work in bebop.

Pettiford's mother was Choctaw and his father was half Cherokee and half African American. Like many African Americans with Native American ancestry, his Native heritage was not generally known except to a few close friends (which included David Amram).

In 1942 he joined the Charlie Barnet band and in 1943 gained wider public attention after recording with Coleman Hawkins on his "The Man I Love." He also recorded with Earl Hines and Ben Webster around this time. He and Dizzy Gillespie led a bop group in 1943. in 1945 Pettiford went with Hawkins to California, where he appeared in The Crimson Canary, a mystery movie known for its jazz soundtrack. He then worked with Duke Ellington from 1945 to 1948 and for Woody Herman in 1949 before working mainly as a leader in the 1950s.

As a leader he inadvertently discovered Cannonball Adderley. After one of his musicians had tricked him into letting Adderley, an unknown music teacher, onto the stand, he had Adderley solo on a demanding piece, on which Adderley performed impressively.

Pettiford is considered the pioneer of the cello as a solo instrument in jazz music. In 1949, after suffering a broken arm, Pettiford found it impossible to play his bass, so he experimented with a cello a friend had lent him. Tuning it in fourths, like a double bass, but one octave higher, Pettiford found it possible to perform during his rehabilitation (during which time his arm was in a sling) and made his first recordings with the instrument in 1950. The cello thus became his secondary instrument, and he continued to perform and record with it throughout his career.

He recorded extensively during the 1950s for the Debut, Bethlehem and ABC Paramount labels among others, and for European companies after he moved to Copenhagen in 1958.

His best known compositions include "Tricrotism" (frequently misspelled "Tricotism"), "Laverne Walk," "Bohemia After Dark," and "Swingin' Till the Girls Come Home."

Oscar Pettiford died of what doctors described as a "Polio- like virus".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/oscar-pettiford/

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Oscar Pettiford, nacido en Okmulgee (Oklahoma), fue un contrabajista, violonchelista y compositor conocido sobre todo por su labor pionera en el bebop.

La madre de Pettiford era choctaw y su padre medio cherokee y medio afroamericano. Al igual que muchos afroamericanos con ascendencia nativa americana, su herencia nativa no era generalmente conocida salvo por unos pocos amigos íntimos (entre los que se encontraba David Amram).

En 1942 se unió a la banda de Charlie Barnet y en 1943 ganó una mayor atención pública tras grabar con Coleman Hawkins en su «The Man I Love». También grabó con Earl Hines y Ben Webster por esa época. Él y Dizzy Gillespie lideraron un grupo de bop en 1943. En 1945 Pettiford se fue con Hawkins a California, donde apareció en The Crimson Canary, una película de misterio conocida por su banda sonora de jazz. A continuación trabajó con Duke Ellington de 1945 a 1948 y para Woody Herman en 1949 antes de trabajar principalmente como líder en la década de 1950.

Como líder descubrió sin querer a Cannonball Adderley. Después de que uno de sus músicos le engañara para que dejara subir al atril a Adderley, un profesor de música desconocido, hizo que Adderley tocara en solitario una pieza exigente, en la que Adderley actuó de forma impresionante.

Pettiford está considerado el pionero del violonchelo como instrumento solista en la música de jazz. En 1949, tras sufrir una fractura de brazo, a Pettiford le resultaba imposible tocar su bajo, así que experimentó con un violonchelo que le había prestado un amigo. Afinándolo en cuartas, como un contrabajo, pero una octava más alto, Pettiford pudo tocar durante su rehabilitación (durante la cual tuvo el brazo en cabestrillo) y realizó sus primeras grabaciones con el instrumento en 1950. El violonchelo se convirtió así en su instrumento secundario, con el que siguió actuando y grabando durante toda su carrera.

Durante la década de 1950 realizó numerosas grabaciones para los sellos Debut, Bethlehem y ABC Paramount, entre otros, y para compañías europeas tras su traslado a Copenhague en 1958.

Sus composiciones más conocidas incluyen «Tricrotism» (a menudo mal escrito «Tricotism»), «Laverne Walk», «Bohemia After Dark» y «Swingin' Till the Girls Come Home».

Oscar Pettiford murió de lo que los médicos describieron como un «virus similar a la polio».
https://www.allaboutjazz.com/musicians/oscar-pettiford/

Joe Newman • Locking Horns

 

Mark Harrington (All Music Guide)
"A superb hard bop session, taking the trumpeter beyond his swing comfort zone. Adrian 'Johnny' Acea, the barely heard of Pianist on this wrote five of the tunes, and contributes massively to the modernism of the sound, in his playing and writing, Zoot Sims is on top form, loose and fast, seemingly revelling in the newer sounds they are making. Originally on the Rama label, this was more of a Soul home than a jazz label at the time, so full marks retrospectively for getting this session together, where something magic arises from the assembled ingredients. This one will see plenty of turntable time."
https://www.freshsoundrecords.com/joe-newman-zoot-sims-albums/3279-locking-horns.html

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Mark Harrington (All Music Guide)
"Una magnífica sesión de hard bop, que lleva al trompetista más allá de su zona de confort del swing. Adrian 'Johnny' Acea, el pianista que apenas se oye en este disco, escribió cinco de los temas, y contribuye enormemente al modernismo del sonido, en su forma de tocar y escribir, Zoot Sims está en plena forma, suelto y rápido, pareciendo deleitarse con los nuevos sonidos que están haciendo. Originalmente en el sello Rama, éste era más una casa de Soul que un sello de jazz en ese momento, por lo que se le da todo el mérito a esta sesión, donde algo mágico surge de los ingredientes reunidos. Este disco pasará mucho tiempo en el tocadiscos".
https://www.freshsoundrecords.com/joe-newman-zoot-sims-albums/3279-locking-horns.html

Ernie Henry • Last Chorus

 

Review
by Scott Yanow
Ernie Henry was a promising alto saxophonist who passed away prematurely on December 29, 1957, when he was only 31. He had recorded his album Seven Standards and a Blues on September 30, and four songs for an uncompleted octet date on September 23. This CD reissue has the latter tunes (which feature trumpeter Lee Morgan; trombonist Melba Liston, who contributed "Melba's Tune"; tenor saxophonist Benny Golson; and pianist Wynton Kelly), an alternate take from the Seven Standards set ("Like Someone in Love"), a leftover track from the preceding year ("Cleo's Chant"), the solos of Thelonious Monk and Henry (from the lengthy "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are"), and an alternate version of "S'posin'" taken from the altoist's final recording (a quartet outing with trumpeter Kenny Dorham). Overall, the music is fine and, surprisingly, does not have an unfinished air about it. It does make one wish that Ernie Henry had taken better care of his health, as he was just beginning to develop a sound of his own.
https://www.allmusic.com/album/last-chorus-mw0000036951

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Reseña
por Scott Yanow
Ernie Henry fue un prometedor saxofonista alto que falleció prematuramente el 29 de diciembre de 1957, cuando sólo tenía 31 años. Había grabado su álbum Seven Standards and a Blues el 30 de septiembre, y cuatro canciones para un octeto sin terminar el 23 de septiembre. Esta reedición en CD tiene estos últimos temas (en los que participan el trompetista Lee Morgan; la trombonista Melba Liston, que contribuyó con "Melba's Tune"; el saxofonista tenor Benny Golson y el pianista Wynton Kelly), una toma alternativa del conjunto Seven Standards ("Like Someone in Love"), un tema sobrante del año anterior ("Cleo's Chant"), los solos de Thelonious Monk y Henry (del largo "Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are"), y una versión alternativa de "S'posin'" tomada de la última grabación del contralto (una salida en cuarteto con el trompetista Kenny Dorham). En general, la música está bien y, sorprendentemente, no tiene un aire inacabado. Lo que sí hace que uno desee que Ernie Henry haya cuidado mejor su salud, ya que estaba empezando a desarrollar un sonido propio.
https://www.allmusic.com/album/last-chorus-mw0000036951

Thad Jones • Detroit-New York Junction

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
For his first session as a leader for Blue Note, trumpeter Thad Jones ran through five songs with a small group which also included fellow Detroiters pianist Tommy Flanagan and guitarist Kenny Burrell as well as part-time Detroiter tenor saxophonist Billy Mitchell. Jones' time with Debut certainly broke him in, and he is thoroughly professional on this record. Compared to its predecessor, The Fabulous Thad Jones, and its successor, The Magnificent Thad Jones, Detroit-New York Junction pales slightly, but it's nevertheless an excellent set of driving hard bop.
https://www.allmusic.com/album/detroit-new-york-junction-mw0000366571

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Para su primera sesión como líder para Blue Note, el trompetista Thad Jones tocó cinco canciones con un pequeño grupo que también incluía a sus compañeros de Detroit, el pianista Tommy Flanagan y el guitarrista Kenny Burrell, así como al saxofonista tenor de Detroit a tiempo parcial Billy Mitchell. El tiempo que Jones pasó con Debut sin duda le sirvió para introducirse, y en este disco se muestra completamente profesional. Comparado con su predecesor, The Fabulous Thad Jones, y su sucesor, The Magnificent Thad Jones, Detroit-New York Junction palidece ligeramente, pero es, no obstante, un excelente conjunto de hard bop.
https://www.allmusic.com/album/detroit-new-york-junction-mw0000366571

Sam Most • I'm Nuts About the Most: East Coast Jazz Series, Vol. 9

 

Biography by Scott Yanow
One of the first great jazz flutists, a cool-toned tenor, and a fine (if infrequent) clarinetist, Sam Most was the younger brother of clarinetist Abe Most. He picked up early experience playing with the orchestras of Tommy Dorsey (1948), Boyd Raeburn, and Don Redman. By the time he led his first session (1953), Most was a brilliant flutist (among the first to sing through his flute) and he briefly had the jazz field to himself. Most recorded fine sessions for Prestige, Debut (reissued on Xanadu), Vanguard, and Bethlehem during 1953-1958, doubling on clarinet. He also worked in different settings with Chris Connor, Paul Quinichette, and Teddy Wilson. After playing with Buddy Rich's Orchestra (1959-1961), he moved to Los Angeles and became a studio musician. Sam Most worked with Red Norvo and Louie Bellson, gained some new prominence with his Xanadu recordings of 1976-1979, and became a local fixture in Los Angeles, sometimes playing in clubs with his brother. Most died of cancer in June 2013; he was 82 years old.
https://www.allmusic.com/artist/sam-most-mn0000240834/biography

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Biografía de Scott Yanow
Uno de los primeros grandes flautistas de jazz, un tenor de tono fresco y un fino (aunque poco frecuente) clarinetista, Sam Most era el hermano menor del clarinetista Abe Most. Adquirió una temprana experiencia tocando con las orquestas de Tommy Dorsey (1948), Boyd Raeburn y Don Redman. Cuando dirigió su primera sesión (1953), Most era un flautista brillante (entre los primeros en cantar con su flauta) y tuvo brevemente el campo del jazz para sí mismo. Most grabó buenas sesiones para Prestige, Debut (reeditado en Xanadu), Vanguard y Bethlehem durante 1953-1958, doblando en clarinete. También trabajó en diferentes escenarios con Chris Connor, Paul Quinichette y Teddy Wilson. Después de tocar con la Buddy Rich's Orchestra (1959-1961), se trasladó a Los Ángeles y se convirtió en músico de estudio. Sam Most trabajó con Red Norvo y Louie Bellson, adquirió nueva prominencia con sus grabaciones de Xanadú de 1976-1979, y se convirtió en un fijo local en Los Ángeles, a veces tocando en clubes con su hermano. La mayoría murió de cáncer en junio de 2013; tenía 82 años.
https://www.allmusic.com/artist/sam-most-mn0000240834/biography

 

 

 

Hank Jones • Complete Original Trio Recordings

 

Artist Biography by Ron Wynn

The oldest of the Jones brothers, Hank Jones has been a supreme accompanist and underrated soloist. He's among the most accomplished sight readers in jazz, and his flexibility and sensitive style have kept him extremely busy cutting sessions and working in various groups and styles ranging from swing to bebop. He's worked with vocalists, played in big bands and done many solo, trio, and combo dates.

Born in 1918 in Vicksburg, Mississippi, Jones moved with his family to the Detroit area while still a child, and studied piano early, listening carefully to Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines, and Fats Waller. He began playing in the midwest at age 13, and worked in territory bands. Jones met Lucky Thompson in one of these groups, and Thompson invited him to New York in 1944 to work with Hot Lips Page at the Onyx Club. Jones worked for a while with John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, and Billy Eckstine, then began touring in 1947. He worked with Jazz at the Philharmonic, then accompanied Ella Fitzgerald from 1948 to 1953. Jones also cut many sessions for Norman Granz's labels in the late '40s and early '50s, many with Charlie Parker. He worked and recorded in the '50s with Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson, and Cannonball Adderley before joining CBS' staff in 1959. He worked on such programs as The Ed Sullivan Show and stayed with CBS until they disbanded the staff in 1976. He recorded several sessions with Savoy in the mid- and late '50s, playing with Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall, and Kenny Clarke, among others. He also recorded solo and quartet dates for Epic. His quartet with Osie Johnson, Barry Galbraith, and Milt Hinton became one of New York's busiest during the early '60s, sometimes doing three dates a day. They cut albums for Capitol and ABC in 1958, though Galbraith missed the ABC sessions. Jones continued recording at Capitol, Argo, and Impulse in the early '60s, at times working with his brother Elvin. He made a host of recordings in the '70s. There were solo dates for Trio and Galaxy, and trio sessions for Interface and Concord, among others in the '70s. There were duo dates with Flanagan for Verve and Galaxy in the late '70s. Jones served as pianist and conductor for the Broadway musical Ain't Misbehavin in the late '70s. He also played in the Great Jazz Trio, originally with Ron Carter and Tony Williams. (Buster Williams replaced Carter on the trio's first recording date.) Jones continued with the trio into the '80s, though Eddie Gomez and Al Foster later became his mates, and Jimmy Cobb replaced Foster in 1982. The trio also backed Art Farmer, Benny Golson, and Nancy Wilson. Jones was the resident pianist at the Cafe Ziegfeld in the early '80s, and toured Japan with George Duvivier and Sonny Stitt. He kept his recording blitz going into the digital era. In 1989, he was named a National Endowment for the Arts Jazz Master. In 2004, he was awarded as an ASCAP Jazz Living Legend; five years later, he received a National Medal of Arts; and in 2009, Jones earned a Lifetime Achievement award at the Grammys. One year later, he died in the Bronx while in hospice, just a few weeks after returning from performance dates in Japan.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn

El mayor de los hermanos Jones, Hank Jones, ha sido un acompañante supremo y un solista subestimado. Es uno de los más destacados lectores de jazz, y su flexibilidad y estilo sensible le han mantenido extremadamente ocupado cortando sesiones y trabajando en varios grupos y estilos que van desde el swing hasta el bebop. Ha trabajado con vocalistas, tocado en grandes bandas y ha hecho muchos solos, tríos y citas combinadas.

Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Jones se mudó con su familia al área de Detroit cuando aún era un niño, y estudió piano temprano, escuchando cuidadosamente a Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines y Fats Waller. Comenzó a tocar en el medio oeste a la edad de 13 años, y trabajó en bandas de territorio. Jones conoció a Lucky Thompson en uno de estos grupos, y Thompson lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar con Hot Lips Page en el Onyx Club. Jones trabajó durante un tiempo con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy Eckstine, y luego comenzó a hacer giras en 1947. Trabajó con Jazz en la Filarmónica, luego acompañó a Ella Fitzgerald de 1948 a 1953. Jones también cortó muchas sesiones para los sellos de Norman Granz a finales de los'40 y principios de los'50, muchos con Charlie Parker. Trabajó y grabó en los años 50 con Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson y Cannonball Adderley antes de unirse al personal de CBS en 1959. Trabajó en programas como The Ed Sullivan Show y se quedó con CBS hasta que se disolvió el personal en 1976. Grabó varias sesiones con Savoy a mediados y finales de los años 50, tocando con Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall y Kenny Clarke, entre otros. También grabó fechas como solista y cuarteto para Epic. Su cuarteto con Osie Johnson, Barry Galbraith y Milt Hinton se convirtió en uno de los más ocupados de Nueva York a principios de los años 60, a veces con tres citas al día. Recortaron álbumes para Capitol y ABC en 1958, aunque Galbraith se perdió las sesiones de ABC. Jones continuó grabando en Capitol, Argo e Impulse a principios de los 60, a veces trabajando con su hermano Elvin. Hizo un montón de grabaciones en los años 70. Hubo fechas en solitario para el Trío y la Galaxia, y sesiones de trío para Interface y Concord, entre otros en los años 70. Hubo citas a dúo con Flanagan para Verve y Galaxy a finales de los 70. Jones fue pianista y director del musical de Broadway Ain't Misbehavin a finales de los años 70. También tocó en el Great Jazz Trio, originalmente con Ron Carter y Tony Williams. (Buster Williams reemplazó a Carter en la primera fecha de grabación del trío.) Jones continuó con el trío en los años 80, aunque Eddie Gómez y Al Foster más tarde se convirtieron en sus amigos, y Jimmy Cobb reemplazó a Foster en 1982. El trío también apoyó a Art Farmer, Benny Golson y Nancy Wilson. Jones fue el pianista residente en el Café Ziegfeld a principios de los 80, y estuvo de gira por Japón con George Duvivier y Sonny Stitt. Siguió grabando y entrando en la era digital. En 1989, fue nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master. En 2004, fue galardonado como ASCAP Jazz Living Legend; cinco años más tarde, recibió una Medalla Nacional de las Artes; y en 2009, Jones ganó un premio Lifetime Achievement en los Grammys. Un año más tarde, murió en el Bronx mientras estaba en el hospicio, sólo unas semanas después de regresar de sus presentaciones en Japón.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography