The Ventures • Wild Things

 

Old School Band • King Of The Zulus

Swiss jazz band playing New Orleans style.
The orchestra was founded in 1958 by six friends who were fans of Jazz New Orleans. Founding members are: François Pesse, Jean-Claude Pesse, Jean-Luc Piller and Reynold Gysin nicknamed "Pops" accompanied by Jean-Pierre Guyot and Paulet Magro.
https://www.discogs.com/es/artist/1456221-Old-School-Band

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Banda de jazz suiza que toca al estilo de Nueva Orleans.
La orquesta fue fundada en 1958 por seis amigos aficionados al jazz de Nueva Orleans. Los miembros fundadores son: François Pesse, Jean-Claude Pesse, Jean-Luc Piller y Reynold Gysin apodado "Pops" acompañado por Jean-Pierre Guyot y Paulet Magro.
https://www.discogs.com/es/artist/1456221-Old-School-Band

Royce Campbell • Organ Trio

 

Biography
by Rovi Staff
Royce Campbell's blues-influenced, hyper-relaxed jazz-guitar playing has earned him accolades as a solo performer and made him a sought-after session musician. His first experience came touring the U.S. in Marvin Gaye's band, before being tapped by Henry Mancini, in whose orchestra Campbell stayed for two decades; Campbell's gentle, flowing swing formed a subtle backdrop for the composer's ever-cinematic works. A versatile performer, Campbell's expert guitar graced recordings of everyone from Dave Brubeck to Liza Minnelli to Sarah Vaughan. In the '90s, Campbell stepped out under his own name, starting with the dreamily melodic Nighttime Daydreams in 1990, and eventually extending to several dozen recordings.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography

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Biografía
por el Personal de Rovi
La guitarra de jazz hiper relajada e influenciada por el blues de Royce Campbell le ha valido elogios como solista y lo ha convertido en un músico de sesión muy solicitado. Su primera experiencia fue de gira por los Estados Unidos en la banda de Marvin Gaye, antes de ser tocado por Henry Mancini, en cuya orquesta Campbell permaneció durante dos décadas; el suave y fluido swing de Campbell formó un sutil telón de fondo para las obras siempre cinematográficas del compositor. Intérprete versátil, la guitarra experta de Campbell adornó grabaciones de todos, desde Dave Brubeck hasta Liza Minnelli y Sarah Vaughan. En los años 90, Campbell salió bajo su propio nombre, comenzando con los ensoñadores Sueños melódicos nocturnos en 1990, y eventualmente extendiéndose a varias docenas de grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography


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The Ventures • 24 Greatest Surfin' Guitars

 

Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.

The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.

Hi Fi in Focus
The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.

The Colorful Ventures
Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.

The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull
One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.

Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biography

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Biografía de John Bush
No es el primer pero definitivamente el más popular combo instrumental de rock, los Ventures consiguieron varios singles de éxito durante los años 60 - más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" - pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo éxitos del día y organizando LPs temáticamente vinculados. Casi 40 álbumes de Ventures se colocaron en la lista de éxitos, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en América prácticamente desapareció en los años 70, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas durante los años 70 y 80 - influenciando la música pop japonesa de la época más que la música americana de los años 60.

Los orígenes de The Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington, llamado The Impacts. Alrededor de 1959, los trabajadores de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, actuando en el estado de Washington y en Idaho con varias secciones rítmicas como respaldo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de que fuera rechazada por la filial de Liberty Records, Dolton, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Lanzaron un single vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.

Hi Fi in Focus
The Ventures entraron en el estudio en 1959 con una idea para un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Lanzado en Blue Horizon en 1960, el single "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de salir al aire como un avance de noticias en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llamó y licenció el single para su distribución nacional; para el verano de 1960, había subido al número dos de las listas de éxitos, sólo por detrás de "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, titulado, como era de esperar, después de su exitoso single.

The Colorful Ventures
Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", estuvieron en el Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto comenzaron a capitalizar lo que se convirtió en una marca registrada: lanzaron LPs que presentaban canciones muy sueltas dispuestas alrededor de un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. The Ventures puso su sello indeleble en cada estilo de música de los 60 que cubrieron, y cubrieron muchos... temas de twist, country, pop, música espía, psicodélica, pantano, garaje, TV. (En los 70, la banda pasó al funk, disco, reggae, soft rock y música latina). La alineación de The Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards tomó la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.

Los Ventures tocan en Telstar, The Lonely Bull
Uno de los pocos LPs que no se organizaron en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar de 1963, The Lonely Bull, incluía una versión del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica The Tornadoes y fue producido por Joe Meek. Aunque la portada de "Telstar" ni siquiera llegó a las listas de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", alcanzó el número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular de la época, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales de la industria musical para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema de televisión "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontró con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar discos específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias americanas en la música pop japonesa de todos los tiempos.

Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos durante un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. A principios de los años 80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, pudo presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda definitivamente en 1984 (reemplazado nuevamente por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo: Mel Taylor murió a mitad de una gira por Japón en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el cofundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018.
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biography

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Afro Blues Quintet • Introducing the Afro Blues Quintet plus One

Review
by Ted Mills

An obscure album from an obscure L.A.-based jazz combo, the surprise is finding how much it swings. Possible reasons: the youthful exuberance of its then-22-year-old leader and vibesman Joe De Aguero, the clever arrangements of standards and pop tunes, the live recording (though no date or location is given). Some reasons why, on the other hand, it's not as good as it could be: a sameness to the arrangements (similar chord changes and runs in both "Liberation" and "Together" really stand out), soloing that never stakes its claim, missed opportunities to really add the "Afro" (read: African percussion) that makes up half of its name. The main ingredient here is a gospel swing that infects "Jericho" as well as an inventive take on "Walk On By." Long out of print, this album is worth hunting down. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

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Revisión

por Ted Mills

Un oscuro álbum de un oscuro combo de jazz con base en Los Ángeles, la sorpresa es descubrir cuánto se balancea. Posibles razones: la exuberancia juvenil de su entonces líder de 22 años y vibrante Joe De Aguero, los ingeniosos arreglos de estándares y melodías pop, la grabación en vivo (aunque no se da ninguna fecha ni lugar). Algunas de las razones por las que, por otro lado, no es tan bueno como podría ser: una uniformidad en los arreglos (un acorde similar cambia y se ejecuta tanto en "Liberation" como en "Together" realmente se destacan), un solo que nunca pone en juego su pretensión, oportunidades perdidas para realmente añadir el "Afro" (léase: percusión africana) que constituye la mitad de su nombre. El ingrediente principal aquí es un columpio evangélico que infecta a "Jericó", así como una versión inventiva de "Walk On By". Este álbum está agotado desde hace mucho tiempo y vale la pena buscarlo. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

Royce Campbell • All Standards ... And A Blues

 

Biography
by Rovi Staff
Royce Campbell's blues-influenced, hyper-relaxed jazz-guitar playing has earned him accolades as a solo performer and made him a sought-after session musician. His first experience came touring the U.S. in Marvin Gaye's band, before being tapped by Henry Mancini, in whose orchestra Campbell stayed for two decades; Campbell's gentle, flowing swing formed a subtle backdrop for the composer's ever-cinematic works. A versatile performer, Campbell's expert guitar graced recordings of everyone from Dave Brubeck to Liza Minnelli to Sarah Vaughan. In the '90s, Campbell stepped out under his own name, starting with the dreamily melodic Nighttime Daydreams in 1990, and eventually extending to several dozen recordings.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography

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Biografía
por el Personal de Rovi
La guitarra de jazz hiper relajada e influenciada por el blues de Royce Campbell le ha valido elogios como solista y lo ha convertido en un músico de sesión muy solicitado. Su primera experiencia fue de gira por los Estados Unidos en la banda de Marvin Gaye, antes de ser tocado por Henry Mancini, en cuya orquesta Campbell permaneció durante dos décadas; el suave y fluido swing de Campbell formó un sutil telón de fondo para las obras siempre cinematográficas del compositor. Intérprete versátil, la guitarra experta de Campbell adornó grabaciones de todos, desde Dave Brubeck hasta Liza Minnelli y Sarah Vaughan. En los años 90, Campbell salió bajo su propio nombre, comenzando con los ensoñadores Sueños melódicos nocturnos en 1990, y eventualmente extendiéndose a varias docenas de grabaciones.
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Tangerine Dream • Near Dark [Original Motion Picture Soundtrack]

 

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George Freeman • Franticdiagnosis

 

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

 

Pat Metheny • What's It All About

 

Review
by Thom Jurek
The jazz tradition has long taken pop songs, reimagined and reinvented them harmonically and rhythmically and re-presented them as vehicles for improvisation. Pat Metheny has done something different on What's It All About, his second Nashville-tuned baritone acoustic guitar record (with a handful of other acoustic instruments and no overdubs, but there are edits). Here he performs ten pop songs that have long been part of his personal arcana and recorded them so that we might hear what's inside these songs -- as songs. Recorded on a single day in February of 2011, Metheny interprets well-known songs by Paul Simon, Antonio Carlos Jobim, Lennon & McCartney, Henry Mancini, the Ventures, Burt Bacharach, Paul Williams, Terry Kirkman, Carly Simon, Thom Bell, and others across the pop spectrum. His approach is deliberate; his interest is in the subtlety of melody; its nuance, and mystery; he finds the places he hears inside the music before these songs even begin, or just after they end, through a unique series of tunings he employs between A-flat and C. "The Sound of Silence" opens the set by suggesting the tones of a Japanese koto in its intro (courtesy of his 42-string Pikasso guitar). When the melody commences, its languorous richness and rhythmic balance are so perfect, we hear it not only as the pop song we remember by Simon & Garfunkel, but as a lyric invention that is almost magical in its possibility. The version of Kirkman's "Cherish" (a big hit by the Association), is equally profound. He finds the space where the human voice inserts itself in the harmonic structure and opens it with his guitar. There is slightly more improvisation in "Alfie," but it's open, spacious, and full of hinted-at dimensions in the crafting of the song's parameters. "Girl from Ipanema," played as a skeletal, impressionistic ballad, uncovers suggestions of darker melodies inside. He pulls out both the implied elegance in "That's the Way I've Always Heard It Should Be," and the quietly majestic variety of it in "Rainy Days and Mondays." "Betcha by Golly, Wow" stands as a revelation: its inventive harmonics and syncopations are inherent in the tune's basic architecture. In closer "And I Love Her" are the direct implications of bossa that Lennon and McCartney had no doubt taken note of at the time. Ultimately, What's It All About is an intimate work revealing Metheny's investigation of composition itself. The notion of song is inherent in everything he does, and he reveals that inspiration in spades here.
https://www.allmusic.com/album/whats-it-all-about-mw0002154267

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Reseña
por Thom Jurek
La tradición del jazz ha tomado durante mucho tiempo las canciones pop, las ha reinventado y reinventado armónica y rítmicamente y las ha vuelto a presentar como vehículos para la improvisación. Pat Metheny ha hecho algo diferente en What's It All About, su segundo disco de guitarra acústica barítono afinado en Nashville (con un puñado de otros instrumentos acústicos y sin sobregrabaciones, pero hay ediciones). Aquí interpreta diez canciones pop que han sido durante mucho tiempo parte de sus arcanos personales y las grabó para que podamos escuchar lo que hay dentro de estas canciones as como canciones. Grabado en un solo día de febrero de 2011, Metheny interpreta canciones conocidas de Paul Simon, Antonio Carlos Jobim, Lennon & McCartney, Henry Mancini, the Ventures, Burt Bacharach, Paul Williams, Terry Kirkman, Carly Simon, Thom Bell y otros en todo el espectro pop. Su enfoque es deliberado; su interés está en la sutileza de la melodía; su matiz y misterio; encuentra los lugares que escucha dentro de la música antes de que estas canciones comiencen, o justo después de que terminen, a través de una serie única de afinaciones que emplea entre La bemol y el Do. "The Sound of Silence" abre el conjunto sugiriendo los tonos de un koto japonés en su introducción (cortesía de su guitarra Pikasso de 42 cuerdas). Cuando la melodía comienza, su riqueza lánguida y su equilibrio rítmico son tan perfectos que la escuchamos no solo como la canción pop que recordamos de Simon & Garfunkel, sino como una invención lírica que es casi mágica en su posibilidad. La versión de "Cherish" de Kirkman (un gran éxito de la Asociación), es igualmente profunda. Encuentra el espacio donde la voz humana se inserta en la estructura armónica y la abre con su guitarra. Hay un poco más de improvisación en "Alfie", pero es abierto, espacioso y lleno de dimensiones insinuadas en la elaboración de los parámetros de la canción. "Girl from Ipanema", interpretada como una balada esquelética e impresionista, descubre sugerencias de melodías más oscuras en su interior. Saca tanto la elegancia implícita en "Así es como siempre he Escuchado que Debería Ser", como la variedad silenciosamente majestuosa en " Días Lluviosos y lunes."Betcha by Golly, Wow" es una revelación: sus ingeniosos armónicos y síncopas son inherentes a la arquitectura básica de la melodía. En closer "And I Love Her" son las implicaciones directas de bossa de las que Lennon y McCartney sin duda habían tomado nota en ese momento. En última instancia, Se trata de una obra íntima que revela la investigación de Metheny sobre la composición en sí. La noción de canción es inherente a todo lo que hace, y revela esa inspiración a raudales aquí.
https://www.allmusic.com/album/whats-it-all-about-mw0002154267



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VA • A Blue Butterfly

 

Hubert Laws • My Time Will Come

 

Review by Scott Yanow (AllMusic):
This is a streaky affair, Hubert Laws's first recording as a leader in quite a few years. Half of the seven selections (including "It's So Crazy," "Shades of Light" and the title cut) find Laws performing a mixture of R&B and pop, with programmed rhythms and synthesizers making the music quite routine and predictable. However the other half of the CD (most notably Chopin's "Valse" and Beethoven's "Moonlight Sonata," both arranged by the flutist) finds Laws adapting some classical works to jazz with guest artists who include pianists George Duke and Joe Sample, baritonist Ronnie Laws and drummer Ndugu Chancler. While that portion has more creativity, only Hubert Laws's most loyal fans will want this release.
https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582

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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) 
Este es un asunto irregular, la primera grabación de Hubert Laws como líder en bastantes años. La mitad de las siete selecciones (incluyendo "It's So Crazy", "Shades of Light" y la pieza que da título al álbum) encuentran a Laws interpretando una mezcla de R&B y pop, con ritmos programados y sintetizadores haciendo que la música sea bastante rutinaria y predecible. Sin embargo, la otra mitad del CD (más notablemente la "Valse" de Chopin y la "Moonlight Sonata" de Beethoven, ambas arregladas por el flautista) encuentra a Laws adaptando algunas obras clásicas al jazz con artistas invitados que incluyen a los pianistas George Duke y Joe Sample, el baritonista Ronnie Laws y el baterista Ndugu Chancler. Si bien esa porción tiene más creatividad, solo los fanáticos más leales de Hubert Laws querrán este lanzamiento.
https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582


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Brian Setzer Orchestra • Boggie Woogie Christmas

  briansetzer.com ...

 

Esquivel • Merry Xmas From The Space-Age Bachelor Pad

 

Brian Setzer Orchestra • Dig That Crazy Christmas

Biography:

Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and style back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice, first as the leader of the Stray Cats, the trio that brought rockabilly back into the charts during the '80s, then he helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s -- that's when rockabilly was born but also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, music by Louis Prima and Big Joe Turner -- and while the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had.

Those idols -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, but as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter also being a running mate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," it was a hit, but its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Next up was another reunion with the Stray Cats, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; then they returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final record recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200 and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and he ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal albums in his discography) to swinging covers of classical compositions, most released on SurfDog Records. At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November of 2017.

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Biografía:

Cada década tiene su propia manía retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y el estilo clásico. Brian Setzer realizó este truco no sólo una vez sino dos veces, primero como líder de los Stray Cats, el trío que trajo el rockabilly de vuelta a las listas de éxitos durante los'80, y luego ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los'90 con la Brian Setzer Orchestra. Ambos sonidos se basaron en los años 50, cuando nació el rockabilly, pero también en el apogeo del blues de salto que tanto le gustaba a Setzer, la música de Louis Prima y Big Joe Turner, y mientras que los Stray Cats eran puristas en cierto modo, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, cuando un solo acto de Setzer acabó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo de swinging. Con este sonido de salto, cultivó un seguimiento leal -que consistía en no pocos discípulos de los últimos días- que se extendió hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la larga y exitosa carrera que muchos de sus ídolos nunca tuvieron.

Esos ídolos -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- ocupan un lugar importante en la obra de Setzer, pero cuando era niño y crecía en Long Island se enamoró inicialmente del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el eufonio y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que le llevó por el camino del rockabilly. Recogiendo una guitarra, formó los Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, siendo este último también compañero de fórmula de Brian en los Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su pasión por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que evolucionaron hasta convertirse en los Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom entraron en la alineación a finales de 1979.

Al sentir que Estados Unidos no estaba preparado para su rock & roll, los Stray Cats partieron a Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. A los pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds -que por casualidad apareció en la película That'll Be the Day de 1973, tocando en una banda llamada Stray Cats- y él los tomó bajo su ala, produciendo su debut con el mismo nombre en 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", fue un éxito, pero su secuela de 1982, Gonna Ball, no lo hizo tan bien, pero lo más destacado de los dos LPs fue seleccionado para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos mencionados, que ambos recibieron un gran éxito en MTV, Built for Speed convirtió a los Stray Cats en estrellas en Estados Unidos, allanando el camino para el Rant n Rave de 1983 con los Stray Cats, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17" y otro menor en la forma de "I Won't Stand in Your Way" (No me interpondré en tu camino).

El éxito llegó a los Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como sideman para una variedad de rockeros, tocando principalmente en la banda de Robert Plant, los Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con The Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás por casualidad, Setzer regresó al grupo de los Stray Cats ese año para Rock Therapy, un reencuentro que tampoco logró estimular las ventas. Lo siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de los Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Después hubo otra reunión con los Stray Cats, una que duró tres álbumes a lo largo de cuatro años. Primero fue el despegue de 1989, que ellos apoyaron con la apertura de una gira para Stevie Ray Vaughan, pero el récord no llegó a más de 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Impertérritos, se asociaron con Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para el Choo Choo Choo Hot Fish de 1992, un disco final grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Brian Setzer Orchestra, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut con el mismo nombre apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, llegando a 158; luego la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco falló, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un éxito rotundo gracias a una portada de éxito de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima. El single llegó a su punto máximo a los 23 años y el disco llegó a nueve en el Billboard 200 y si Setzer nunca escaló esas alturas de nuevo - la continuación del 2000, Vavoom!, llegó a los 62 - sin embargo encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big-band en el nuevo milenio, desde una serie de álbumes navideños (hay por lo menos cinco álbumes de temporada en su discografía) hasta portadas de composiciones clásicas, la mayoría de las cuales fueron lanzadas en SurfDog Records. A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con el Nitro Burnin' Funny Daddy de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records en 2005, y extendiéndose hasta el Rockabilly Riot de 2014. Todo original. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Brian Setzer Orchestra con el lanzamiento de 25 Live! en noviembre de 2017, una edición limitada de los discos "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock".

  briansetzer.com ...

 

The Astronauts • Astronauts Orbit Kampus

 

 

Surf group from Boulder, Colorado. Formed in 1960 as the Stormtroopers and signed to the RCA label a few years later in an effort to compete with the success of the Beach Boys. The group experienced modest and brief success, until the arrival of the Beatles in the U.S. led to their decline in popularity. Members included Rich Fifield, Dennis Lindsey, and Bob Demmon on guitars, Stormy Patterson on bass, and drummer Jim Gallagher.

Peter Leitch • On A Misty Night

Review by Scott Yanow

Peter Leitch, who has an appealing, mellow tone and a boppish style influenced by Kenny Burrell, appears on this set in a pianoless trio with bassist Neil Swainson and drummer Mickey Roker, an instrumentation Burrell helped to popularize in the late 1950s. Leitch is fairly exploratory on songs by Tadd Dameron, Tom McIntosh, Wayne Shorter, and Thelonious Monk ("Crepescule with Nellie") plus an original, "Serenata," and a ballad medley of "No More" and "Detour Ahead." Easily recommended to fans of the modern mainstream guitar.

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Reseña de Scott Yanow

Peter Leitch, que tiene un tono atractivo y meloso y un estilo boppish influenciado por Kenny Burrell, aparece en este set en un trío sin piano con el bajista Neil Swainson y el baterista Mickey Roker, una instrumentación que Burrell ayudó a popularizar a finales de los años 50. Leitch es bastante exploratorio en las canciones de Tadd Dameron, Tom McIntosh, Wayne Shorter y Thelonious Monk ("Crepescule with Nellie") además de un original, "Serenata", y una mezcla de baladas de "No More" y "Detour Ahead". Fácilmente recomendado a los fans de la guitarra moderna.

peterleitch.com ...

Royce Campbell, Joe Kennedy & Paul Langosch • Get Happy

Guitarist Royce Campbell collected songs with happy themes for this trio recording. Featuring violinist Joe Kennedy (1923-2004), the session swings in the mood intended, with an acoustic timbre and an open resonance to match. String jazz gets too little attention; yet, the violin has been with jazz since its inception. Guitar and double-bass remain integral elements of the jazz mainstream today, but violin has been removed far away to its peripheral edges.

One of the first violinists to champion bebop, Kennedy toured on the US East Coast, and recorded in the 1940s with like-minded artists including pianist Ahmad Jamal, bassist Edgar Willis and guitarist Ray Crawford. In more recent times, he gave string jazz added credibility through Four Generations of Jazz Violin, matching wits with fellow violinists Johnny Frigo, Darol Anger, Matt Glaser and Sara Caswell. Get Happy, however, marks Kennedy's last recording. With Campbell and bassist Paul Langosch, he shows some of the joy that followed him everywhere.

Kennedy's plucked notes mark the music's syncopation clearly, as he opens the album with "I Want to Be Happy in an accented dash. Throughout the session, his violin takes charge. His bowed lines enable him to express seamless phrases that imply a broad range of emotions. Opening "Smile with an extended cadenza, the violinist draws passion back and forth. He interacts with Campbell and Langosch intently, encouraging a give-and-take attitude that allows the music to swell.

Each of the three artists takes a turn at the solo mic, reinforcing ideas that have been planted by one or the other. Campbell's guitar swings in a light and festive aura and Langosch's deep bass carries the trio's rhythmic bounce. Together, the three artists warm to a rewarding session; trading fours, taking extended rides and collaborating intuitively. As the album's title track states implicitly, there is plenty to be happy about when it comes to good jazz.

By JIM SANTELLA

https://www.allaboutjazz.com/get-happy-royce-campbell-fox-haven-review-by-jim-santella.php

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El guitarrista Royce Campbell reunió canciones con temas alegres para esta grabación de trío. Con el violinista Joe Kennedy (1923-2004), la sesión se mueve en el ambiente deseado, con un timbre acústico y una resonancia abierta a juego. El jazz de cuerdas recibe muy poca atención; sin embargo, el violín ha estado con el jazz desde sus inicios. La guitarra y el contrabajo siguen siendo elementos integrales de la corriente principal del jazz hoy en día, pero el violín ha sido eliminado hasta sus bordes periféricos.

Kennedy, uno de los primeros violinistas que defendió el bebop, realizó una gira por la costa este de los Estados Unidos y grabó en el decenio de 1940 con artistas de ideas afines, entre ellos el pianista Ahmad Jamal, el bajista Edgar Willis y el guitarrista Ray Crawford. En tiempos más recientes, le dio al jazz de cuerda una credibilidad añadida a través de Four Generations of Jazz Violin, combinando su ingenio con sus colegas violinistas Johnny Frigo, Darol Anger, Matt Glaser y Sara Caswell. Get Happy, sin embargo, marca la última grabación de Kennedy. Con Campbell y el bajista Paul Langosch, muestra algo de la alegría que le seguía a todas partes.

Las notas punteadas de Kennedy marcan claramente la síncopa de la música, ya que abre el álbum con "I Want to Be Happy" en un guión acentuado. A lo largo de la sesión, su violín se hace cargo. Sus líneas de arco le permiten expresar frases sin fisuras que implican una amplia gama de emociones. Abriendo "Sonríe con una cadencia prolongada, el violinista lleva la pasión de un lado a otro. Interactúa con Campbell y Langosch intensamente, fomentando una actitud de dar y recibir que permite que la música se hinche.

Cada uno de los tres artistas da un giro en el micrófono solista, reforzando las ideas que han sido plantadas por uno u otro. La guitarra de Campbell se balancea en un aura ligera y festiva y el bajo profundo de Langosch lleva el rebote rítmico del trío. Juntos, los tres artistas calientan para una sesión gratificante; intercambiando cuatros, tomando largos paseos y colaborando intuitivamente. Como dice implícitamente el título del álbum, hay mucho de lo que alegrarse cuando se trata de buen jazz.

Por JIM SANTELLA

https://www.allaboutjazz.com/get-happy-royce-campbell-fox-haven-review-by-jim-santella.php

 

 

www.roycecampbell.net ...

Dutch Swing College Band • Dutch Samba

Biography by Craig Harris

The Dutch Swing College Band has endured numerous personnel changes in its more than fifty-year history as one of the Netherlands' top jazz ensembles. Although no members remain from the original group, the latest lineup continues to honor the tradition-rooted approach of the founders.

Bob Kaper (1939- ) replaced clarinet player Peter Schilperoort during an illness in 1966, and remained with the band; he has led the Dutch Swing College Band since Schilperoort's death in 1990. The fourth leader in the group's history, Kaper succeeds Frans Vink, Jr. (1945-46), Joop Schrier (1955-60), and Schilperoort (1946-55; 1960-1990). Kaper previously led the Beale Street Seven, a group he founded in 1957.

An amateur group from 1945 until turning professional in 1960, the Dutch Swing College Band reached their early peak in the late '40s, when they were tapped to accompany such jazz musicians as Sidney Bechet, Joe Venuti, and Teddy Wilson.

The New Melbourne Jazz Band recorded an album, A Tribute to the Dutch Swing College Band, featuring music associated with the Holland-based group.

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Biografía de Craig Harris

Dutch Swing College Band ha sufrido numerosos cambios de personal en sus más de cincuenta años de historia como uno de los mejores conjuntos de jazz de los Países Bajos. Aunque no quedan miembros del grupo original, la última alineación continúa honrando el enfoque arraigado por la tradición de los fundadores.

Bob Kaper (1939-) reemplazó al clarinete Peter Schilperoort durante una enfermedad en 1966, y permaneció con la banda; dirigió la  Dutch Swing College Band desde la muerte de Schilperoort en 1990. El cuarto líder en la historia del grupo, Kaper sucede a Frans Vink, Jr. (1945-46), Joop Schrier (1955-60) y Schilperoort (1946-55); 1960-1990). Anteriormente, Kaper dirigió la Beale Street Seven, un grupo que fundó en 1957.

Un grupo amateur desde 1945 hasta que se convirtió en profesional en 1960, el Dutch Swing College Band llegó a su punto más alto a finales de los años 40, cuando fueron elegidos para acompañar a músicos de jazz como Sidney Bechet, Joe Venuti y Teddy Wilson.

La New Melbourne Jazz Band grabó un álbum, A Tribute to the Dutch Swing College Band, con música asociada al grupo con sede en Holanda.

 

dsc.nl ...

Dutch Swing College Band • Back To The Roots

The Dutch Swing College Band "DSCB" is a traditional dixieland band founded on May 5, 1945 by bandleader and clarinettist/saxophonist Peter Schilperoort.

Highly successful in their native home of The Netherlands, the band quickly found an international following. It has featured such musicians as Huub Janssen (drums), Henk Bosch van Drakestein (double bass), Kees van Dorser (trumpet), Dim Kesber (saxes), Jan Morks (clarinet), Wout Steenhuis (guitar), Arie Ligthart (banjo/guitar), Jaap van Kempen (banjo/guitar), Oscar Klein (trumpet), Dick Kaart (trombone), Ray Kaart (trumpet), Bert de Kort (cornet), Bert Boeren (trombone), Rod Mason, Rob Agerbeek (piano) - among many others.

The band continues to tour extensively, mainly in Europe & Scandinavia, and record directed by Bob Kaper, himself a member since 1967, following the former leader, Peter Schilperoort's death on November 17, 1990. Schilperoort had led the band for more than 45 years, albeit with a five year sabbatical from September 13, 1955, when he left to pursue an engineering career before returning to lead the band again officially on January 1, 1960.

http://en.wikipedia.org/wiki/Dutch_Swing_College_Band

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En mayo de 1945, cuando Europa estrenaba la paz, en medio de los tiros que aún sonaban, un grupo de estudiantes de música en Holanda no tuvo mejor idea para festejar la liberación que fundar una banda que con los años se convirtió en una de las mejores bandas de jazz. Como nombre lleva el de Dutch Swing College Band o como se la conoce "Los Estudiantes Holandeses"

dsc.nl ...

 

Milt Jackson • The Ballad Artistry of Milt Jackson

Tal vez la versión de Nuages sea la mejor que he escuchado con un instrumento que no sea guitarra o violín.

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Perhaps Nuages version is the best I've heard an instrument other than guitar or violin.