Kayhan Kalhor & Rembrandt Frerichs Trio ‎• It's Still Autumn

 

During the fall of 2013, they first met at November Music Festival and since then there has been a successful collaboration and a deep friendship between the Iranian kamancheh grand master Kayhan Kalhor and the three Dutch jazz musicians of the Rembrandt Frerichs Trio.

The musicians

Kamancheh player Kayhan Kalhor, known for his successful albums for ECM and his participation in Yo-Yo Ma's Silk Road Ensemble, finds the ideal travel companions in pianist / composer Rembrandt Frerichs, bass player and Boy Edgar prize winner Tony Overwater and drummer Vinsent Planjer. Together they travel through contrasting cultures and styles and their remarkable instruments merge into an absolutely unique sound that transcends all boundaries and gets an international audience deeply involved.

The music

After a large number of sold-out concerts at festivals, concert halls and TV shows in the Netherlands, Iran (3 evenings 3000 people per concert) and Great Britain (Barbican Hall), the long awaited album It's still Autumn has finally arrived. The album is arranged in two parts, Dawn and Dusk. Both parts, consisting of several compositions that are woven together through improvisation, are a musical journey through an imaginary autumn landscape. It is music best enjoyed while listening attentively, to be carried along in an initial stillness that slowly develops into a swirling river, only then to calm down again or end in a nightly thunderstorm.

The instruments

The kamancheh is the Iranian knee violin known for its heartrending, melodious sound. The fortepiano, the forerunner of the modern grand piano, comes from Mozart's time and is reminiscent of the santur, the Persian cimbalom. The violone comes from the early Renaissance; it is the forerunner of the double bass and can fulfil a melodic, harmonic as well as a bass function with its 6 strings and lighter timbre. The Whisper Kit, an invention by Vinsent Planjer, brings together percussion instruments from various cultures and periods that create a rich rhythmic basis.

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Durante el otoño de 2013, se reunieron por primera vez en el Festival de Música de noviembre y desde entonces ha habido una colaboración exitosa y una profunda amistad entre el gran maestro kamancheh iraní, Kayhan Kalhor, y los tres músicos de jazz holandeses del Rembrandt Frerichs Trio.

Los musicos

El jugador de Kamancheh, Kayhan Kalhor, conocido por sus exitosos álbumes para ECM y su participación en Silk Road Ensemble de Yo-Yo Ma, encuentra a los compañeros de viaje ideales en el pianista / compositor Rembrandt Frerichs, el bajista y ganador del premio Boy Edgar Tony Overwater y el baterista Vinsent Planjer. Juntos viajan a través de culturas y estilos contrastantes y sus extraordinarios instrumentos se funden en un sonido absolutamente único que trasciende todos los límites y hace que una audiencia internacional se involucre profundamente.

La música

Después de un gran número de conciertos agotados en festivales, salas de conciertos y programas de televisión en los Países Bajos, Irán (3 tardes, 3000 personas por concierto) y Gran Bretaña (Barbican Hall), el esperado álbum Todavía está llegando el otoño. El álbum está organizado en dos partes, Dawn y Dusk. Ambas partes, que consta de varias composiciones que se entrelazan a través de la improvisación, son un viaje musical a través de un paisaje de otoño imaginario. Es la música que se disfruta mejor mientras se escucha con atención, llevada en una quietud inicial que lentamente se convierte en un río en remolino, solo entonces para calmarse de nuevo o terminar en una tormenta nocturna.

Los instrumentos

El kamancheh es el violín iraní de rodilla conocido por su sonido melodioso y desgarrador. El fortepiano, el precursor del piano de cola moderno, proviene de la época de Mozart y recuerda al santur, el cimbalom persa. El violone proviene de principios del Renacimiento; Es el precursor de los contrabajos y puede cumplir una función melódica, armónica y de bajos con sus 6 cuerdas y un timbre más ligero. El Whisper Kit, un invento de Vinsent Planjer, reúne instrumentos de percusión de varias culturas y períodos que crean una base rítmica rica.

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kayhankalhor.net ...

www.rembrandtfrerichs.nl ...

 

El Mariachi. Simbolo Musical de Mexico

 

Jesús Jáuregui nació en Teocaltiche, Jalisco, en 1949. Creció en la costa de Nayarit y en su adolescencia se trasladó a Tepic para continuar con su educación. A los veinte años decidió dedicarse a la antropología para contribuir a la comprensión de la cultura mexicana. Obtuvo el título de etnólogo en la Escuela Nacional de Antropología e Historia, la maestría en Ciencias Antropológicas en la Universidad Nacional Autónoma de México y el doctorado en Antropología en el Centro de Investigación y Estudios Superiores en Antropología Social. Se ha especializado en el estudio del parentesco, la antropología económica, la mitología, los procesos rituales y la religión popular. Su región de trabajo es el occidente de México y sus temas principales son el mariachi, las danzas de conquista y la cultura de los coras y huicholes. Es investigador del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

 

Jesus Jauregui (Autor) 

 

A Southern Music: The Karnatik Story

 

One of the foremost Karnatik vocalists today, T.M. Krishna writes lucidly and passionately about the form, its history, its problems and where it stands todayT.M. Krishna begins his sweeping exploration of the tradition of Karnatik music with a fundamental question: what is music? Taking nothing for granted and addressing readers from across the spectrum - musicians, musicologists as well as laypeople - Krishna provides a path-breaking overview of south Indian classical music.

 

Bustan Abraham • Live Concerts

 

80 magical minutes from best live concerts of Bustan Abraham, the most acclaimed & prominent Israeli world music ensemble, comprised of 8 Jews & Arab musicians. Original instrumental music which combines elements of both Eastern & Western traditions.

Bustan Abraham was an Israeli band playing mostly instrumental music, which existed between 1991 and 2003. Its name means "Abraham’s garden"; the reference to the common ancestor of both Jewish and Islamic traditions intending to imply a unifying theme. The band was called a pioneer in the realm of world music.

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80 mágicos minutos de los mejores conciertos en vivo de Bustan Abraham, el más aclamado y prominente conjunto israelí de música del mundo, compuesto por 8 músicos judíos y árabes. Música instrumental original que combina elementos de las tradiciones orientales y occidentales.

Bustan Abraham era una banda israelí que tocaba principalmente música instrumental, que existió entre 1991 y 2003. Su nombre significa "jardín de Abraham"; la referencia al antepasado común de las tradiciones judía e islámica con la intención de implicar un tema unificador. La banda fue llamada pionera en el campo de la música del mundo.

 

 

Colaborador / Contribuitor:  Michel

Africa in Stereo: Modernism, Music, and Pan-African Solidarity

 

Africa in Stereo analyzes how Africans have engaged with African American music and its representations in the long twentieth century (1890-2011) to offer a new cultural history attesting to pan-Africanism's ongoing and open theoretical potential. Tsitsi Jaji argues that African American popular music appealed to continental Africans as a unit of cultural prestige, a site of pleasure, and most importantly, an expressive form already encoded with strategies of creative resistance to racial hegemony. Ghana, Senegal and South Africa are considered as three distinctive sites where longstanding pan-African political and cultural affiliations gave expression to transnational black solidarity. The book shows how such transnational ties fostered what Jaji terms "stereomodernism." Attending to the specificity of various media through which music was transmitted and interpreted-poetry, novels, films, recordings, festivals, live performances and websites-stereomodernism accounts for the
role of cultural practice in the emergence of solidarity, tapping music's capacity to refresh our understanding of twentieth-century black transnational ties.

 

Ananda Shankar • 1970 US LP

Born in Almora in Uttar Pradesh, India, Shankar was the son of Amala and Uday Shankar, popular dancers, and also the nephew of the renowned sitar player Ravi Shankar. He studied in The Scindia School, Gwalior. Ananda did not learn sitar from his uncle but studied instead with Lalmani Misra at Banaras Hindu University.

In the late 1960s, Shankar travelled to Los Angeles, where he played with many contemporary musicians including Jimi Hendrix. There he was signed to Reprise Records and released his first album, the self-titled Ananda Shankar, in 1970, with original Indian classical material alongside sitar-based cover versions of popular hits, The Rolling Stones' "Jumpin' Jack Flash" and The Doors' "Light My Fire". The album was included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[4]

Returning to India in the early 1970s, Shankar continued to experiment musically and in 1975 released his most critically acclaimed album, Ananda Shankar and His Music, a jazz-funk mix of Eastern sitar, Western rock guitar, tabla and mridangam, drums and Moog synthesizers. Out of print for many years, the album was re-released on CD in 2005.

After working in India during the late 1970s and 1980s, Shankar's profile in the West began to rise again in the mid-1990s as his music found its way into club DJ sets, particularly in London. His music was brought to a wider audience with the release of Blue Note Records' popular 1996 rare groove compilation album, Blue Juice Vol. 1., including two tracks from Ananda Shankar And His Music, "Dancing Drums" and "Streets of Calcutta".

In the late 1990s, Shankar worked and toured in the United Kingdom with the London DJ State of Bengal and others, a collaboration that resulted in the Walking On album, featuring Shankar's trademark sitar soundscapes mixed with breakbeat and hip hop. Walking On was released in 2000 after Shankar's sudden death from heart failure the year before.

 

 

Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock.

Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

Al volver a la India, en 1975 publicó el que sería su álbum más conocido "Ananda Shankar And His Music", en el cual siguió experimentando con la mezcla de Jazz, Funk y música hindú. Con músicos tocando la guitarra eléctrica, el sitar, la tabla, el mridangam, la batería y el sintetizador Moog. Fuera de stock por muchos años, este álbum fue reeditado en 2005.
Después de trabajar durante el resto de los Años 1970 y los años 1980 en India, poco a poco y gracias principalmente a varios DJ y músicos británicos de origen indio como Talvin Singh y Nitin Sawhney volvió a la popularidad en occidente, cosa que hizo que el sello Blue Note lo incluyera en su álbum "Blue Juice Vol 1, A rare groove compilation" de 1996.
En 1998 y 1999 Ananda realizó varios conciertos con el Dj londinense State of Bengal y otros músicos, colaboración que resultó en el Álbum "Walking On" en el que mezclaron la música clásica de Shankar con ritmos breakbeat, Tecno y Hip Hop. Durante la fase de producción de este álbum, Ananda Shankar murió repentinamente de un fallo cardíaco. [wiki]

 

Bijaya Vaidya ‎• Mountains of Nepal

 

Bijaya Vaidya is a legendary Sitar Virtuoso of Nepal. He has performed in thousands of concerts in major cities around the globe - most of his performance completely dedicated to charity and fund raising for social works. This acclaim comes out from his long years of efforts in promoting Nepali music and opening new doors for the Nepali music industry. He has been promoting all genre of music from eastern classical, rock and roll to the Celtic forms of music. Because of his broad experiences he is very well versed in the cultural and social life of Nepal and his people. Bijaya also advocates for peace and harmony on planet Earth.
He was placed first in Nepal and third on the Bachelors of Music examination of Prayag Sangit Samitee and also finishes his Master’s Degree in Music from Prayag Sangit Samitee Music Academy in Allahabad, India and Bachelor of Arts from Tribhuvan University, Kathmandu, Nepal.
Bijaya started his musical carrier when he was 16 under the teaching of Mamta Pradhan and Tara Bir Tuladhar.
Musical Journey
These days Bijaya performs as Rock Sitar with the mixer sound of Mountain, Hills and Flat land of Nepal with Western and Eastern Instrument.
Bijaya perform his compositions with a most experience artists. Rock Sitar is new concept of music through plugged-on Sitar. Mostly he works with flute and percussion, also sometimes he use orchestral tradition combination with western music. He had also performed joint concert title so close so far with Celtic music group Arz Nevez from France. He has done several concerts of rock music with Louis Bertignac Guitar hero of France.
Bijaya Vaidya is also a founder of Sur Sudha-a celebrated musical instrumental performing group in Nepal’s musical history, actually pioneered all the way to fame, back in the 90s. Bijaya vaidya has toured extensively cross the globe and boasts performances in celebrity arenas such as Olympia in France. This time around, Bijaya Vaidya has reinvented his artistic effort in the form of a Rock Sitar. After creating his own costume design standing electric Sitar with different type of pickups and tap microphone for better quality electric sound of standing electric Sitar. He create concept of Rock Sitar. This Rock Sitar spectacle is indeed a novelty because he in fact plays it standing, quite a contrast from the traditional style of playing Sitar whilst sitting. Perhaps what is most noteworthy of the Rock Sitar, from the other conventional Sitars, is undoubtedly with different flavor of new innovation sound mixed with rock feeling with world and traditional music. New way of Sitar composition and also a finding another dimension for Sitar music.
The Rock Sitar group of instrumentalists delivers a meditational vibration of music showcasing only their instruments without much if at all any vocal exhibition, therefore allowing the listener to truly become absorbed in real soulful meditation. This Nepalese ensemble of musicianship is a culture all in itself. Art has always been the basis of rich culture, since time immemorial. Rock Sitar conveys this principle of art, through musical content with titles like, 'Mother Nature' or ’Eternal Bond', songs which in essence imbibe a real mood of humanity. Bijaya Vaidya as Rock Sitar aims at conveying the higher values of life, to the secular society of our world today Peace, Love, friendship and liberty. In Nepal Rock Sitar’s works are greatly anticipated and the performing group has commanded a commendable response from the public, at their live shows in diverse audiences even in Nepal. Rock Sitar may very well be rightfully deemed ambassadors of Nepal on account that music is humanity's Linga Franca, the unifying dialect which we all speak, such that Bijaya Vaidya, as musical royalty of Nepal, easily figures representative.

 

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Bijaya Vaidya es un legendario virtuoso del sitar de Nepal. Ha dado miles de conciertos en las principales ciudades del mundo, la mayoría de ellos dedicados a la caridad y a la recaudación de fondos para obras sociales. Este reconocimiento se debe a sus largos años de esfuerzos por promover la música nepalí y abrir nuevas puertas a la industria musical nepalí. Ha promovido todos los géneros musicales, desde la música clásica oriental y el rock and roll hasta las formas de música celta. Gracias a su amplia experiencia, conoce muy bien la vida cultural y social de Nepal y de su pueblo. Bijaya también aboga por la paz y la armonía en el planeta Tierra.
Ha obtenido el primer puesto en Nepal y el tercero en el examen de licenciatura en música de Prayag Sangit Samitee y también ha terminado su máster en música en la Academia de Música Prayag Sangit Samitee de Allahabad (India) y su licenciatura en artes en la Universidad Tribhuvan de Katmandú (Nepal).
Bijaya comenzó su carrera musical a los 16 años bajo la enseñanza de Mamta Pradhan y Tara Bir Tuladhar.
Trayectoria musical
En la actualidad, Bijaya interpreta Rock Sitar con el sonido mezclador de la montaña, las colinas y la tierra plana de Nepal con instrumentos occidentales y orientales.
Bijaya interpreta sus composiciones con los artistas más experimentados. Rock Sitar es un nuevo concepto de música a través de la Sitar enchufada. Principalmente trabaja con la flauta y la percusión, también a veces utiliza la combinación de la tradición orquestal con la música occidental. También ha realizado un concierto conjunto con el grupo de música celta Arz Nevez de Francia. Ha realizado varios conciertos de música rock con Louis Bertignac Guitar hero de Francia.
Bijaya Vaidya es también uno de los fundadores de Sur Sudha, un célebre grupo musical instrumental en la historia musical de Nepal, que fue pionero en alcanzar la fama en los años 90. Bijaya Vaidya ha realizado numerosas giras por todo el mundo y cuenta con actuaciones en escenarios de celebridades como el Olympia de Francia. Esta vez, Bijaya Vaidya ha reinventado su esfuerzo artístico en forma de Rock Sitar. Después de crear su propio diseño de vestuario de Sitar eléctrica de pie con diferentes tipos de pastillas y micrófono de grifo para una mejor calidad de sonido eléctrico de Sitar eléctrica de pie. Creó el concepto de Rock Sitar. Este espectáculo de la Sitar Rock es realmente una novedad porque la toca de pie, lo que contrasta con el estilo tradicional de tocar la Sitar sentado. Tal vez lo más destacable de la Rock Sitar, respecto a las otras Sitars convencionales, es sin duda el sabor diferente de la nueva innovación sonora mezclada con el sentimiento del rock con la música mundial y tradicional. Una nueva forma de componer la Sitar y también una búsqueda de otra dimensión para la música de Sitar.
El grupo de instrumentistas de Rock Sitar ofrece una vibración meditativa de la música mostrando sólo sus instrumentos sin mucha o ninguna exhibición vocal, por lo tanto, permitiendo que el oyente realmente se absorba en una verdadera meditación del alma. Este conjunto musical nepalí es una cultura en sí misma. El arte siempre ha sido la base de una rica cultura, desde tiempos inmemoriales. Rock Sitar transmite este principio del arte, a través de contenidos musicales con títulos como "Madre Naturaleza" o "Vínculo Eterno", canciones que en esencia imbuyen un verdadero estado de ánimo de la humanidad. Bijaya Vaidya como Rock Sitar tiene como objetivo transmitir los valores superiores de la vida, a la sociedad secular de nuestro mundo de hoy Paz, Amor, amistad y libertad. En Nepal, las obras de Rock Sitar son muy esperadas y el grupo de intérpretes ha obtenido una respuesta encomiable del público, en sus espectáculos en vivo en diversas audiencias incluso en Nepal. Rock Sitar puede ser considerado con razón embajador de Nepal, ya que la música es la Linga Franca de la humanidad, el dialecto unificador que todos hablamos, y Bijaya Vaidya, como realeza musical de Nepal, es fácilmente representativo.

Tribal Art

 

Encompassing more than one thousand individually priced items from around the world, a comprehensive overview of art from a broad spectrum of tribes and cultural groups includes historical, cultural, spiritual and ritual, and price information on works from Africa, Oceania, and the Americas, along with maps that pinpoint tribal locations.

 

Bustan Abraham • Hamsa

Bustan Abraham was an Israeli band playing mostly instrumental music, which existed between 1991 and 2003. Its name means "Abraham’s garden"; the reference to the common ancestor of both Jewish and Islamic traditions intending to imply a unifying theme. The band was called a pioneer in the realm of world music.

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Bustan Abraham era una banda israelí que tocaba principalmente música instrumental, que existió entre 1991 y 2003. Su nombre significa "jardín de Abraham"; la referencia al antepasado común de las tradiciones judía e islámica con la intención de implicar un tema unificador. La banda fue llamada pionera en el campo de la música del mundo.

Bustan Abraham • Bustan Abraham

 

Bustan Abraham was an Israeli band playing mostly instrumental music, which existed between 1991 and 2003. Its name means "Abraham’s garden"; the reference to the common ancestor of both Jewish and Islamic traditions intending to imply a unifying theme. The band was called a pioneer in the realm of world music.

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Bustan Abraham era una banda israelí que tocaba principalmente música instrumental, que existió entre 1991 y 2003. Su nombre significa "jardín de Abraham"; la referencia al antepasado común de las tradiciones judía e islámica con la intención de implicar un tema unificador. La banda fue llamada pionera en el campo de la música del mundo.

 

 

 

Bustan Abraham • Pictures Through The Painted Window

 

The second album of Bustan Abraham, is another step foreword along Bustan's artistic journey.

Many attempts have been made by musicians to create a synthesis between Eastern and Western cultures. Generally the result is that either the Western or Eastern form dominates while the other is merely used for ornamentation. For the past several years Bustan Abraham has met this challenge and has succeeded in pioneering a unique form of instrumental music which combines elements of both these Eastern and Western forms without sacrificing the musical integrity of either.

Bustan (Hebrew and Arabic meaning, "garden of fruits and essences," in this case the garden of Abraham, father of Isaac and Ishmail) was founded in 1991 by Avshalom Farjun. It comprises seven distinguished Israeli musicians, both Jews and Arabs, who have combined their musical experience as composers, soloists and heads of musical ensembles to create original music on a very high international level.

The musical backgrounds of Bustan Abraham's members are very rich and represent an astonishing variety of musical cultures including classical Arabic music, classical European music, jazz, Turkish, Persian and Indian music, flamenco and American folk music.

The instruments played are unusually diverse. Middle Eastern instruments include the oud (Arab lute), qanoun (oriental zither) and a range of percussion instruments such as durbakkeh, daff, zarb and bandir frame drums to name only a few. These are joined by Western instruments including transverse flute, classical and flamenco guitar, contrabass, electric bass, and 5-string banjo. In addition the violin is utilized in both Middle Eastern as well as Western forms of playing. Also represented is an astonishing array of international percussion instruments too numerous to mention! The successful integration of this combination of instruments has never before been presented on the concert stage. The music which embodies this rich diversity is entirely original and was composed and arranged in a cooperative effort by all members of the group.

Bustan aspires to create a new musical form, which speaks to both Eastern and Western audiences, and to pave the way for other joint creative efforts between Arabs and Jews. The group has become a symbol of uncompromising instrumental composition, which has created a new standard of originality in Israeli music, and world music in general, and has received rave reviews to that effect from audiences and critics alike.

Bustan have toured extensively throughout the world between 1992 & 2003 it's powerful stage performance have been always greeted with standing ovations by audiences.

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El segundo álbum de Bustan Abraham, es un paso más en el camino artístico de Bustan.

Los músicos han hecho muchos intentos de crear una síntesis entre las culturas orientales y occidentales. Generalmente el resultado es que la forma occidental u oriental domina mientras que la otra se utiliza simplemente para la ornamentación. Durante los últimos años, Bustan Abraham se ha enfrentado a este reto y ha logrado ser pionero en una forma única de música instrumental que combina elementos de estas dos formas orientales y occidentales sin sacrificar la integridad musical de ninguna de ellas.

Bustán (en hebreo y en árabe, "jardín de frutas y esencias", en este caso el jardín de Abraham, padre de Isaac e Ishmail) fue fundado en 1991 por Avshalom Farjun. Está formado por siete distinguidos músicos israelíes, tanto judíos como árabes, que han combinado su experiencia musical como compositores, solistas y directores de conjuntos musicales para crear música original a un nivel internacional muy alto.

Los antecedentes musicales de los miembros de Bustan Abraham son muy ricos y representan una asombrosa variedad de culturas musicales, incluyendo la música clásica árabe, la música clásica europea, el jazz, la música turca, persa e india, el flamenco y la música folclórica estadounidense.

Los instrumentos que se tocan son inusualmente diversos. Los instrumentos de Oriente Medio incluyen el oud (laúd árabe), el qanoun (cítara oriental) y una gama de instrumentos de percusión como durbakkeh, daff, zarb y bandir frame drums, por nombrar sólo algunos. A ellos se suman instrumentos occidentales como la flauta travesera, la guitarra clásica y flamenca, el contrabajo, el bajo eléctrico y el banjo de 5 cuerdas. Además, el violín se utiliza tanto en Oriente Medio como en Occidente. También está representada una asombrosa variedad de instrumentos de percusión internacionales demasiado numerosos para mencionarlos! La exitosa integración de esta combinación de instrumentos nunca antes ha sido presentada en el escenario de un concierto. La música que encarna esta rica diversidad es totalmente original y fue compuesta y arreglada en un esfuerzo cooperativo por todos los miembros del grupo.

Bustan aspira a crear una nueva forma musical, que hable tanto al público oriental como al occidental, y a allanar el camino para otros esfuerzos creativos conjuntos entre árabes y judíos. El grupo se ha convertido en un símbolo de la composición instrumental sin concesiones, lo que ha creado un nuevo estándar de originalidad en la música israelí y en la música del mundo en general, y ha recibido críticas muy favorables tanto del público como de la crítica.

Bustan ha girado extensamente por todo el mundo entre 1992 y 2003, su poderosa actuación en el escenario siempre ha sido recibida con ovaciones de pie por el público.

Bustan Abraham • Ashra

Bustan Abraham was an Israeli band playing mostly instrumental music, which existed between 1991 and 2003. Its name means "Abraham’s garden"; the reference to the common ancestor of both Jewish and Islamic traditions intending to imply a unifying theme. The band was called a pioneer in the realm of world music.

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Bustan Abraham era una banda israelí que tocaba principalmente música instrumental, que existió entre 1991 y 2003. Su nombre significa "jardín de Abraham"; la referencia al antepasado común de las tradiciones judía e islámica con la intención de implicar un tema unificador. La banda fue llamada pionera en el campo de la música del mundo.

Bijaya Vaidya • Bijaya - The Power of Music

 

Bijaya Vaidya is a legendary Sitar Virtuoso of Nepal. He has performed in thousands of concerts in major cities around the globe - most of his performance completely dedicated to charity and fund raising for social works. This acclaim comes out from his long years of efforts in promoting Nepali music and opening new doors for the Nepali music industry. He has been promoting all genre of music from eastern classical, rock and roll to the Celtic forms of music. Because of his broad experiences he is very well versed in the cultural and social life of Nepal and his people. Bijaya also advocates for peace and harmony on planet Earth.
He was placed first in Nepal and third on the Bachelors of Music examination of Prayag Sangit Samitee and also finishes his Master’s Degree in Music from Prayag Sangit Samitee Music Academy in Allahabad, India and Bachelor of Arts from Tribhuvan University, Kathmandu, Nepal.
Bijaya started his musical carrier when he was 16 under the teaching of Mamta Pradhan and Tara Bir Tuladhar.
Musical Journey
These days Bijaya performs as Rock Sitar with the mixer sound of Mountain, Hills and Flat land of Nepal with Western and Eastern Instrument.
Bijaya perform his compositions with a most experience artists. Rock Sitar is new concept of music through plugged-on Sitar. Mostly he works with flute and percussion, also sometimes he use orchestral tradition combination with western music. He had also performed joint concert title so close so far with Celtic music group Arz Nevez from France. He has done several concerts of rock music with Louis Bertignac Guitar hero of France.
Bijaya Vaidya is also a founder of Sur Sudha-a celebrated musical instrumental performing group in Nepal’s musical history, actually pioneered all the way to fame, back in the 90s. Bijaya vaidya has toured extensively cross the globe and boasts performances in celebrity arenas such as Olympia in France. This time around, Bijaya Vaidya has reinvented his artistic effort in the form of a Rock Sitar. After creating his own costume design standing electric Sitar with different type of pickups and tap microphone for better quality electric sound of standing electric Sitar. He create concept of Rock Sitar. This Rock Sitar spectacle is indeed a novelty because he in fact plays it standing, quite a contrast from the traditional style of playing Sitar whilst sitting. Perhaps what is most noteworthy of the Rock Sitar, from the other conventional Sitars, is undoubtedly with different flavor of new innovation sound mixed with rock feeling with world and traditional music. New way of Sitar composition and also a finding another dimension for Sitar music.
The Rock Sitar group of instrumentalists delivers a meditational vibration of music showcasing only their instruments without much if at all any vocal exhibition, therefore allowing the listener to truly become absorbed in real soulful meditation. This Nepalese ensemble of musicianship is a culture all in itself. Art has always been the basis of rich culture, since time immemorial. Rock Sitar conveys this principle of art, through musical content with titles like, 'Mother Nature' or ’Eternal Bond', songs which in essence imbibe a real mood of humanity. Bijaya Vaidya as Rock Sitar aims at conveying the higher values of life, to the secular society of our world today Peace, Love, friendship and liberty. In Nepal Rock Sitar’s works are greatly anticipated and the performing group has commanded a commendable response from the public, at their live shows in diverse audiences even in Nepal. Rock Sitar may very well be rightfully deemed ambassadors of Nepal on account that music is humanity's Linga Franca, the unifying dialect which we all speak, such that Bijaya Vaidya, as musical royalty of Nepal, easily figures representative.

Note: Bijaya Vaidya passed away in 2018.

 

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Bijaya Vaidya es un legendario virtuoso del sitar de Nepal. Ha dado miles de conciertos en las principales ciudades del mundo, la mayoría de ellos dedicados a la caridad y a la recaudación de fondos para obras sociales. Este reconocimiento se debe a sus largos años de esfuerzos por promover la música nepalí y abrir nuevas puertas a la industria musical nepalí. Ha promovido todos los géneros musicales, desde la música clásica oriental y el rock and roll hasta las formas de música celta. Gracias a su amplia experiencia, conoce muy bien la vida cultural y social de Nepal y de su pueblo. Bijaya también aboga por la paz y la armonía en el planeta Tierra.
Ha obtenido el primer puesto en Nepal y el tercero en el examen de licenciatura en música de Prayag Sangit Samitee y también ha terminado su máster en música en la Academia de Música Prayag Sangit Samitee de Allahabad (India) y su licenciatura en artes en la Universidad Tribhuvan de Katmandú (Nepal).
Bijaya comenzó su carrera musical a los 16 años bajo la enseñanza de Mamta Pradhan y Tara Bir Tuladhar.
Trayectoria musical
En la actualidad, Bijaya interpreta Rock Sitar con el sonido mezclador de la montaña, las colinas y la tierra plana de Nepal con instrumentos occidentales y orientales.
Bijaya interpreta sus composiciones con los artistas más experimentados. Rock Sitar es un nuevo concepto de música a través de la Sitar enchufada. Principalmente trabaja con la flauta y la percusión, también a veces utiliza la combinación de la tradición orquestal con la música occidental. También ha realizado un concierto conjunto con el grupo de música celta Arz Nevez de Francia. Ha realizado varios conciertos de música rock con Louis Bertignac Guitar hero de Francia.
Bijaya Vaidya es también uno de los fundadores de Sur Sudha, un célebre grupo musical instrumental en la historia musical de Nepal, que fue pionero en alcanzar la fama en los años 90. Bijaya Vaidya ha realizado numerosas giras por todo el mundo y cuenta con actuaciones en escenarios de celebridades como el Olympia de Francia. Esta vez, Bijaya Vaidya ha reinventado su esfuerzo artístico en forma de Rock Sitar. Después de crear su propio diseño de vestuario de Sitar eléctrica de pie con diferentes tipos de pastillas y micrófono de grifo para una mejor calidad de sonido eléctrico de Sitar eléctrica de pie. Creó el concepto de Rock Sitar. Este espectáculo de la Sitar Rock es realmente una novedad porque la toca de pie, lo que contrasta con el estilo tradicional de tocar la Sitar sentado. Tal vez lo más destacable de la Rock Sitar, respecto a las otras Sitars convencionales, es sin duda el sabor diferente de la nueva innovación sonora mezclada con el sentimiento del rock con la música mundial y tradicional. Una nueva forma de componer la Sitar y también una búsqueda de otra dimensión para la música de Sitar.
El grupo de instrumentistas de Rock Sitar ofrece una vibración meditativa de la música mostrando sólo sus instrumentos sin mucha o ninguna exhibición vocal, por lo tanto, permitiendo que el oyente realmente se absorba en una verdadera meditación del alma. Este conjunto musical nepalí es una cultura en sí misma. El arte siempre ha sido la base de una rica cultura, desde tiempos inmemoriales. Rock Sitar transmite este principio del arte, a través de contenidos musicales con títulos como "Madre Naturaleza" o "Vínculo Eterno", canciones que en esencia imbuyen un verdadero estado de ánimo de la humanidad. Bijaya Vaidya como Rock Sitar tiene como objetivo transmitir los valores superiores de la vida, a la sociedad secular de nuestro mundo de hoy Paz, Amor, amistad y libertad. En Nepal, las obras de Rock Sitar son muy esperadas y el grupo de intérpretes ha obtenido una respuesta encomiable del público, en sus espectáculos en vivo en diversas audiencias incluso en Nepal. Rock Sitar puede ser considerado con razón embajador de Nepal, ya que la música es la Linga Franca de la humanidad, el dialecto unificador que todos hablamos, y Bijaya Vaidya, como realeza musical de Nepal, es fácilmente representativo. 

Nota: Bijaya Vaidya fallecio en 2018.

Bijaya Vaidya ‎• Rock Sitar

Bijaya Vaidya has reinvented his style of playing with an entirely new concept, a standing electric sitar offers an electric fusion of rock and eastern classical and Nepali sounds.

Sahel – Art and Empires on the Shores of the Sahara

 

 

This groundbreaking volume examines the extraordinary artistic and cultural traditions of the African region known as the Sahel (“shore” in Arabic), a vast area on the southern edge of the Sahara Desert that includes present-day Senegal, Mauritania, Mali, Niger, Nigeria, and Chad. This is the first book to present a comprehensive overview of the diverse cultural achievements and traditions of the region, spanning more than 1,300 years from the pre-Islamic period through the 19th century. It features some of the earliest extant art from Africa as well as such iconic works as sculptures by the Dogon and Bamana peoples of Mali. Essays by leading international scholars discuss the art, architecture, archaeology, literature, philosophy, religion, and history of the Sahel, exploring the unique cultural landscape in which these ancient communities flourished. Richly illustrated and brilliantly argued, Sahel brings to life the enduring creativity of the different peoples who lived, traded, and traveled through this crossroads of the world.

 

Ananda Shankar • Arpan Om Sai Ram

Nacido en Almora en el estado indio de Uttar Pradesh, Ananda fue hijo de Amala y Uday Shankar, bailarines muy reconocidos en India. Asimismo es sobrino del renombrado 'sitarista' Ravi Shankar. Ananda no aprendió a tocar el sitar con su tío sino que lo hizo con el Dr. Lalmani Misra de la ciudad de Varanasi.
Ananda Shankar (11 de diciembre de 1942 - 26 de marzo de 1999) fue un músico indio, muy conocido por fusionar la música clásica de la India y el rock.

Al final de la década de 1960 Ananda viajó a Los Ángeles, EE. UU. donde tocó con muchos artistas contemporáneos entre otros con Jimi Hendrix. En 1969, firmó un contrato con Reprise Records compañía discográfica con la que editó en 1970 su primer álbum de título "Ananda shankar" en el cual tocaba una mezcla de música india tradicional y rock, versionando temas muy conocidos como Light My Fire del grupo The Doors y Jumpin' Jack Flash de The Rolling Stones. Este álbum consiguió un gran éxito de crítica y ventas dándole a conocer en todo occidente.

Al volver a la India, en 1975 publicó el que sería su álbum más conocido "Ananda Shankar And His Music", en el cual siguió experimentando con la mezcla de Jazz, Funk y música hindú. Con músicos tocando la guitarra eléctrica, el sitar, la tabla, el mridangam, la batería y el sintetizador Moog. Fuera de stock por muchos años, este álbum fue reeditado en 2005.
Después de trabajar durante el resto de los Años 1970 y los años 1980 en India, poco a poco y gracias principalmente a varios DJ y músicos británicos de origen indio como Talvin Singh y Nitin Sawhney volvió a la popularidad en occidente, cosa que hizo que el sello Blue Note lo incluyera en su álbum "Blue Juice Vol 1, A rare groove compilation" de 1996.
En 1998 y 1999 Ananda realizó varios conciertos con el Dj londinense State of Bengal y otros músicos, colaboración que resultó en el Álbum "Walking On" en el que mezclaron la música clásica de Shankar con ritmos breakbeat, Tecno y Hip Hop. Durante la fase de producción de este álbum, Ananda Shankar murió repentinamente de un fallo cardíaco. [wiki]

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Born in Almora in Uttar Pradesh, India, Shankar was the son of Amala and Uday Shankar, popular dancers, and also the nephew of the renowned sitar player Ravi Shankar. He studied in The Scindia School, Gwalior. Ananda did not learn sitar from his uncle but studied instead with Lalmani Misra at Banaras Hindu University.

In the late 1960s, Shankar travelled to Los Angeles, where he played with many contemporary musicians including Jimi Hendrix. There he was signed to Reprise Records and released his first album, the self-titled Ananda Shankar, in 1970, with original Indian classical material alongside sitar-based cover versions of popular hits, The Rolling Stones' "Jumpin' Jack Flash" and The Doors' "Light My Fire". The album was included in the book 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[4]

Returning to India in the early 1970s, Shankar continued to experiment musically and in 1975 released his most critically acclaimed album, Ananda Shankar and His Music, a jazz-funk mix of Eastern sitar, Western rock guitar, tabla and mridangam, drums and Moog synthesizers. Out of print for many years, the album was re-released on CD in 2005.

After working in India during the late 1970s and 1980s, Shankar's profile in the West began to rise again in the mid-1990s as his music found its way into club DJ sets, particularly in London. His music was brought to a wider audience with the release of Blue Note Records' popular 1996 rare groove compilation album, Blue Juice Vol. 1., including two tracks from Ananda Shankar And His Music, "Dancing Drums" and "Streets of Calcutta".

In the late 1990s, Shankar worked and toured in the United Kingdom with the London DJ State of Bengal and others, a collaboration that resulted in the Walking On album, featuring Shankar's trademark sitar soundscapes mixed with breakbeat and hip hop. Walking On was released in 2000 after Shankar's sudden death from heart failure the year before.

 

 

 

Bustan Abraham with Ross Daly • Abadai

Ray Spiegel Ensemble • Raga Jazz

Album Notes:

Raga Jazz, the latest release by the Ray Spiegel Ensemble on the Simla House label, connects Indian classical, devotional, and folk melodies and rhythms with Jazz and Latin bass and drums in the unique style Ray has forged with the ensemble's first release, Sum and Kali. Ragas on the Indian slide guitar and sarangi sing beautiful melodies over carefully crafted grooves, with John Benitez' bass and Tani Tabbal's drums locked in sync with Ray's tabla. Barun Kumar Pal (slide guitar) provides soaring and beautiful melodies and solos, while complimented by the incredible Sarangi (bowed string instrument known in India as the "voice of 100 colors" ) played by master Ramesh Misra. Stan Scott plays the acoustic 6 string guitar on several tracks and also the harmonium, the acoustic keyboard of India.

About:

Ray Spiegel is a disciple of the late Tabla Master Ustad Alla Rakha since 1975, specializing in the Punjab Gharana (style) of Tabla playing. He has also benefited from the intensive training and guidance he has received from Ustad Zakir Hussain from 1973 to 1980. Ray began his formal training at the Ali Akbar College of Music in San Rafael, CA under Sri Shankar Ghosh in 1970. He studied with Sri B.S. Ramanna, (a disciple of Sheik Dawoodkhan of Hydrabad) in New Delhi in 1971 and 1972.

He studied vibraphone and jazz theory with master musician Bobby Hutcherson from 1972-74 in San Francisco. He has performed in the U.S. and India as both accompanist and soloist, appearing with such well-known musicians and vocalists such as: Ustad Alla Rakha, Ustad Sultan Khan (Sarangi), Ustad Aashish Khan (Sarode), Pandit Buddhadev Das Gupta (Sarode), Pandit Vidyadhar Vyas (Vocalist), Pandit Manilal Nag (Sitar), Pandit Ragunath Seth (Bansuri flute) and Pandit Barun Kumar Pal (Hindustani Guitar).

Spiegel also plays a variety of musical instruments such as Indian folk drums, Vibraphone, marimba, and assorted western and Asian percussion. He is head of Simla House, Inc. an independent CD label.

Ray Spiegel Bio

Ray spent his formative years in the San Francisco Bay area, where he was associated with musicians such as Ustad Zakir Hussain, Ustad Alla Rakha, Bobby Hutcherson, and at the Ali Akbar College of Music, studying tabla and playing in the Diga Rhythm Band (with Mickey Hart and Zakir Hussain), and various small combos.

Ray has received prestigious grant awards from the National Endowment for the Arts, and the American Institute for Indian Studies (Smithsonian Institute) to further his study of Tabla.

Ray has given lecture-demonstrations and master classes as well as performing at Julliard, Harvard, Dartmouth, Colgate, Amherst, Bennington, the New School of NYC, Simon’s Rock College of Bard, Univ. of Northern Illinois (Dekalb), Univ. of Michigan, Lawrence University (Appleton, WI) and has taught Tabla at Weslyan University (Middletown, CT) for several years.

Outside the realm of traditional Indian Classical Music, Ray leads his group, the Ray Spiegel Ensemble, who play an original blend of Raga and Rhythm centered music, composes and records film and television soundtracks, and performs with many various artists. Performance and recording credits include: The Grateful Dead, Patty Smyth, Diga Rhythm Band, Zakir Hussain and the Rhythm Experience, Robert Bly, Najma, Bhagavan Das, Gabrielle Roth, Shankar, Bon Jovi, Paul Winter, Danilo Perez, Noirin Ni Riain, Mike Diamond of the Beastie Boys, and Bill Cosby television productions.

http://rayspiegelmusic.com/about-ray/

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Notas del álbum:

Raga Jazz, el último lanzamiento del Ray Spiegel Ensemble con el sello Simla House, conecta melodías y ritmos clásicos, devocionales y folclóricos de la India con el jazz y el bajo y la batería latinos en el estilo único que Ray ha forjado con el primer lanzamiento del ensamble, Sum y Kali. Ragas en la guitarra deslizante india y sarangi cantan hermosas melodías sobre ritmos cuidadosamente elaborados, con el bajo de John Benitez y la batería de Tani Tabbal en sintonía con la tabla de Ray. Barun Kumar Pal (guitarra de diapositivas) ofrece melodías y solos hermosos y elevados, mientras que el increíble Sarangi (instrumento de cuerda arqueada conocido en la India como la "voz de los 100 colores") tocado por el maestro Ramesh Misra. Stan Scott toca la guitarra acústica de 6 cuerdas en varias pistas y también el armonio, el teclado acústico de la India.

Acerca de Ray:

Ray Spiegel es discípulo del difunto Maestro de Tabla Ustad Alla Rakha desde 1975, especializándose en el Punjab Gharana (estilo) de juego de Tabla. También se ha beneficiado de la intensa formación y orientación que ha recibido de Ustad Zakir Hussain desde 1973 hasta 1980. Ray comenzó su entrenamiento formal en el Ali Akbar College of Music en San Rafael, CA bajo la dirección de Sri Shankar Ghosh en 1970. Estudió con Sri B.S. Ramanna, (discípulo del jeque Dawoodkhan de Hydrabad) en Nueva Delhi en 1971 y 1972.

Estudió vibráfono y teoría del jazz con el maestro Bobby Hutcherson de 1972 a 1974 en San Francisco. Ha actuado en los Estados Unidos e India como acompañante y solista, apareciendo con músicos y vocalistas tan conocidos como él: Ustad Alla Rakha, Ustad Sultan Khan (Sarangi), Ustad Aashish Khan (Sarode), Pandit Buddhadev Das Gupta (Sarode), Pandit Vidyadhar Vyas (Vocalista), Pandit Manilal Nag (Sitar), Pandit Ragunath Seth (flauta Bansuri) y Pandit Barun Kumar Pal (Guitarra Hindustani).

Spiegel también toca una variedad de instrumentos musicales como tambores folklóricos indios, vibráfono, marimba y percusión occidental y asiática. Es director de Simla House, Inc., un sello discográfico independiente.

Biografía de Ray Spiegel

Ray pasó sus años de formación en el área de la Bahía de San Francisco, donde estuvo asociado con músicos como Ustad Zakir Hussain, Ustad Alla Rakha, Bobby Hutcherson, y en el Ali Akbar College of Music, estudiando tabla y tocando en la Diga Rhythm Band (con Mickey Hart y Zakir Hussain), y varios combos pequeños.

Ray ha recibido prestigiosas becas del National Endowment for the Arts y del American Institute for Indian Studies (Smithsonian Institute) para continuar su estudio de Tabla.

Ray ha dado conferencias-demostraciones y clases magistrales, además de actuar en Julliard, Harvard, Dartmouth, Colgate, Amherst, Bennington, la New School of NYC, Simon's Rock College of Bard, Univ. of Northern Illinois (Dekalb), Univ. of Michigan, Lawrence University (Appleton, WI) y ha impartido clases en la Tabla de la Weslyan University (Middletown, CT) durante varios años.

Fuera del ámbito de la música clásica tradicional de la India, Ray dirige su grupo, el Ray Spiegel Ensemble, que toca una mezcla original de música centrada en el Raga y el Ritmo, compone y graba bandas sonoras de cine y televisión, y actúa con muchos artistas diversos. Los créditos de interpretación y grabación incluyen: The Grateful Dead, Patty Smyth, Diga Rhythm Band, Zakir Hussain and the Rhythm Experience, Robert Bly, Najma, Bhagavan Das, Gabrielle Roth, Shankar, Bon Jovi, Paul Winter, Danilo Pérez, Noirin Ni Riain, Mike Diamond of the Beastie Boys y Bill Cosby.

Udrub • Suhanas

 

 

 

 

Omar Metioui • Laud Andalusi

Omar Metioui, con su introspección en el estilo de los antiguos maestros de principios de este siglo, herederos de la tradición andalusí y accesibles mediante antiguas grabaciones de radio, y con su virtuosismo, esta devolviendo al laúd la importancia que tuvo históricamente este instrumento en la música hispano-árabe. Los instrumentos de cuerda frotada, y especialmente el violin, han tomado recientemente el protagonismo en la orquesta árabe.

 

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Omar Metioui, with his introspection in the style of the old masters of the beginning of this century, heirs of the Andalusian tradition and accessible through old radio recordings, and with his virtuosity, is returning to the lute the importance that this instrument had historically in Hispanic-Arabic music. The rubbed string instruments, and especially the violin, have recently taken the prominence in the Arab orchestra.