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Wednesday, September 2, 2026

Michel Hausser Quartet & Bobby Jaspar • Vibes + Flute

 



Michel Hausser is a French vibraphonist and jazz accordionist. He played bebop with lines directly inherited from those of Milt Jackson.

Learned piano by his father, he became a professional musician in 1947 in Strasbourg where he was appointed professor at the Academy Accordion Oscar Dhiebolt. In 1949 he formed his first band with which he toured Europe and North Africa. Three years later he moved to the Latin Quarter in Paris, the musical heart of the capital. He gives concerts with violinist Stéphane Grappelli and jazz club The cat fishing. In 1954, he met Milt Jackson he sees as the greatest American vibraphonist.

In 1958, Michel Hausser is designated by critics 1st European vibraphonist. The author considers the Bill Coleman with Geo Daly and Dany Doriz as one of the top three French vibraphone this period and whose style is inspired by that of Milt Jackson1. He made his first recordings with American stars. In 1967, he became Chairman of the Branch Trade Union of Musicians Jazz and Variety France.

In 1969, Michel Hausser returns in Alsace. It creates the Academy Accordion Michel Hausser in Munster and Colmar. It is final member of the SACEM with over 200 works reported, including several film scores.

He runs for 20 years with his Jazz Trio Werner Brum on bass and Bernard Hertrich on guitar and Michel Hausser Regio Jazz Group, a septet made up of soloists French, German and Swiss.

Michel Hausser created in 1988 the Munster Jazz Festival for which he was artistic director until 2008.

Note: I suspect the sides are reversed, as Moanin' is labeled H.E.C. Blues.

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Michel Hausser es un vibrafonista francés y acordeonista de jazz. Jugó al bebop con líneas heredadas directamente de las de Milt Jackson.

Aprendió piano con su padre y se convirtió en músico profesional en 1947 en Estrasburgo, donde fue nombrado profesor de la Academia de Acordeón Oscar Dhiebolt. En 1949 formó su primera banda con la que realizó giras por Europa y el norte de África. Tres años más tarde se trasladó al Barrio Latino de París, el corazón musical de la capital. Da conciertos con el violinista Stéphane Grappelli y el club de jazz The cat fishing. En 1954, conoció a Milt Jackson, al que considera el mejor vibrafonista estadounidense.

En 1958, Michel Hausser es designado por los críticos del primer vibrafonista europeo. El autor considera al Bill Coleman con Geo Daly y Dany Doriz como uno de los tres mejores vibrafones franceses de esta época y cuyo estilo se inspira en el de Milt Jackson1. Hizo sus primeras grabaciones con estrellas americanas. En 1967, se convirtió en Presidente del Sindicato de Músicos de Jazz y Variedad de Francia.

En 1969, Michel Hausser regresa a Alsacia. Crea la Academia de Acordeón Michel Hausser en Munster y Colmar. Es miembro final de la SACEM con más de 200 trabajos reportados, incluyendo varias partituras de películas.

Dirige durante 20 años con su Trío de Jazz Werner Brum al bajo y Bernard Hertrich a la guitarra y Michel Hausser Regio Jazz Group, un septeto formado por solistas franceses, alemanes y suizos.

Michel Hausser creó en 1988 el Munster Jazz Festival del que fue director artístico hasta 2008.


Nota: Sospecho que los lados estan invertidos, ya que Moanin' está etiquetado como H.E.C. Blues.



Tuesday, September 1, 2026

Milt Jackson • Plenty, Plenty Soul

 



This release contains Milt Jackson's complete album Plenty, Plenty Soul (Atlantic SD8811), plus two of the three sessions from his LP Ballads & Blues, included here in their entirety.

“There should be some exceptional merit badge for this sort of thing - Five Stars Plus or Too Good to Rate.”
Ralph J. Gleason on Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957

“Milt throughout is remarkable – even his rests pulsate.”
-  Nat Hentoff on Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2
https://www.jazzmessengers.com/es/10799/milt-jackson/plenty-plenty-soul

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Este lanzamiento contiene el álbum completo de Milt Jackson, Plenty, Plenty Soul (Atlantic SD8811), además de dos de las tres sesiones de su LP Ballads & Blues, incluidas aquí en su totalidad.

"Debería haber alguna insignia de mérito excepcional para este tipo de cosas - Five Stars Plus o Too Good to Rate."
Ralph J. Gleason en Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957

"Milt es notable en todas partes, incluso sus descansos palpitan."
- Nat Hentoff en Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2
https://www.jazzmessengers.com/es/10799/milt-jackson/plenty-plenty-soul

Un extraordinario disco del vibrafonista, Milt Jackson fuera del ambito de su grupo, "The Modern Jazz Quartet". Liderando la sesión, Jackson se hace acompañar por extraordinarios instrumentistas, destacando la presencia del gran Cannoball Adderley al saxo alto, el extraordinario, Frank Foster al saxo tenor y el baterista, Art Blakey. Extraordinario.


Monday, August 31, 2026

Pete Terrace • King Of The Boogaloo

 



Review by Tony Wilds
Recorded live at Chez José in New York, King of the Boogaloo is a fine boogaloo record, especially for a budget label. Two-thirds of the tunes are original and the rest are by the Joe Cuba Sextet and Johnny Rivera. Most are vocal in a campy, hoarse "soul" style; the singer (Terrace?) is not about to win any awards, but this is supposedly a live set full of spontaneity and joy. The initials in "D.M. Boogaloo," one of the hipper instrumentals, surely refer to David L. Miller, the house producer and director for Alshire's budget Somerset label. One last thrill is the jacket photo of Terrace plinking away at the vibes while mod '60s dancers gyrate directly in front. Note that seven of the originals also appear on the ten-track Pete Terrace LP, Latin Soul, on Mio International.


Artist Biography by Rovi Staff
Born to Puerto Rican parents. Started in music in 1940. His first job was with El Sexteto Caney, then followed stints with the Sensemaya Kids, Jose Curbelo, Ralph Font, Noro Morales, and Juanito Sanabria. He served 18 months in the US Army. As a civilian in 1947 he drummed for Bartolo Hernandez before joining the Joe Loco Quintet in 1952. His debut as a bandleader in 1956 resulted in a hit LP. He graduated from Juilliard Conservatory of Music with a B.S. in 1966, and earned his masters a year later.

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Reseña de Tony Wilds
Grabado en vivo en Chez José en Nueva York, King of the Boogaloo es un buen disco de boogaloo, especialmente para un sello de bajo presupuesto. Dos tercios de los temas son originales y el resto son del Sexteto de Joe Cuba y Johnny Rivera. La mayoría son vocales en un estilo de "alma" ronca y acampada; el cantante (¿Terraza?) no está a punto de ganar ningún premio, pero se supone que se trata de un directo lleno de espontaneidad y alegría. Las iniciales en "D.M. Boogaloo", uno de los instrumentos más modernos, seguramente se refieren a David L. Miller, el productor de la casa y director del sello Somerset de Alshire. Una última emoción es la foto de la chaqueta de Terrace, mientras que los bailarines del mod `60 giran directamente al frente. Tenga en cuenta que siete de los originales también aparecen en el LP de diez pistas de Pete Terrace, Latin Soul, en Mio International.


Biografía del artista por el personal de Rovi
Nacido de padres puertorriqueños. Comenzó en la música en 1940. Su primer trabajo fue con El Sexteto Caney, luego siguió con los Sensemaya Kids, José Curbelo, Ralph Font, Noro Morales y Juanito Sanabria. Estuvo 18 meses en el ejército de los Estados Unidos. Como civil en 1947, tocó la batería para Bartolo Hernández antes de unirse al quinteto Joe Loco en 1952. Su debut como director de orquesta en 1956 resultó en un exitoso LP. Se graduó del Conservatorio de Música de Juilliard con una licenciatura en 1966, y obtuvo su maestría un año después.
https://www.allmusic.com/artist/pete-terrace-mn0000523404
  

Sunday, August 30, 2026

Eddie Costa • Guys & Dolls Like Vibes



Biography by Ken Dryden
Eddie Costa emerged from an unlikely background into a heralded -- if too brief -- career in jazz. Born in a rural coal mining town, Costa studied piano with his brother Bill and developed a taste for the swing greats; later, exposure to Bud Powell turned him to bop. Self-taught on vibes, Costa became known as an excellent sight reader, which produced a lot of studio work. On piano, his trademark sound was the emphasis of the middle and lower registers while nearly ignoring the top two octaves. In addition to recording as a sideman with Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, the Bob Brookmeyer-Clark Terry Quintet, and Bill Evans, Costa led his own trio and quintet dates. Sadly, most of Costa's recorded output remains unavailable on CD, with the notable exception of the VSOP reissue of his Quintet LP. Costa died when his car careened off of a busy New York parkway in 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

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Biografía de Ken Dryden
Eddie Costa emergió de un trasfondo improbable hacia una anunciada, aunque demasiado breve, carrera en el jazz. Nacido en un pueblo rural minero de carbón, Costa estudió piano con su hermano Bill y desarrolló un gusto por los grandes del swing; más tarde, la exposición a Bud Powell lo convirtió en bop. Autodidacta en vibes, Costa se hizo conocido como un excelente lector visual, lo que produjo una gran cantidad de trabajo de estudio. En el piano, su sonido característico era el énfasis en los registros medio e inferior, mientras que casi ignoraba las dos octavas superiores. Además de grabar como acompañante con Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, el quinteto Bob Brookmeyer-Clark Terry y Bill Evans, Costa dirigió sus propias fechas de trío y quinteto. Lamentablemente, la mayor parte de la producción grabada de Costa sigue sin estar disponible en CD, con la notable excepción de la reedición en VSOP de su LP de Quinteto. Costa murió cuando su automóvil se salió de una concurrida avenida de Nueva York en 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography


Friday, August 28, 2026

John Rae • Opus De Jazz



John Anthony Pompeo, better known as Johnny Rae (b. August 11, 1934, Saugus, Massachusetts), is an American jazz drummer and vibraphonist.

Rae studied at the New England Conservatory and at the Berklee College of Music in the early 1950s. His first major professional gig was with Herb Pomeroy in 1953-54; following this he played with George Shearing (1955-56), Johnny Smith (1956), Ralph Sharon (1957), Cozy Cole (1957-58), Herbie Mann (1959-60), Cal Tjader (1961-66, 1968-70), Stan Getz (1962), Gábor Szabó, Charlie Byrd, Earl Hines, Art Van Damme, and Barney Kessel. In addition to modern jazz, he also plays Latin jazz percussion.

In 1960, Savoy continued its Opus series with this tasty entry. Vibist John Rae's quintet delivers bright, sometimes cool, sometimes bluesy performances. It's a decidedly more modern approach than the swing-influenced Opus de Jazz led by Milt Jackson in 1955. Call it cocktail jazz with attitude, without compromise. That attitude comes through in the four John Rae originals, blues forms with bop harmonies and intriguing voicings. It's also there in the absorbing solo work, and in the high level of communication within the group. Rae tends to play a lot of notes, but his skittering lines work when set against the steady pulse of drummer Jake Hanna's cymbals and the relentless, walking bass of John Neves. With Hanna and Neves doing such a fine job, pianist Steve Kuhn frequently takes on the role of a colorist, inserting angular chords sparingly in his accompaniments, rather than assuming full-time duties in the rhythm section. The key player, though, is Bobby Jasper, who is heard exclusively on flute. He has it all covered: blues, bop, ideas, technique, and a great tone; a breathy, vocal quality well-suited to blues phrasing; as well as command of precise articulation and the ability to play "pretty" when the occasion calls. Jasper's skill is a natural progression from the pioneering jazz flute work of Frank Wess, who was on the original Opus de Jazz. This set is also of interest for its two Charlie Parker compositions. The quintet's "Ah-LeuCha" and "Parker's Mood" are at one and the same time faithful to the originals, yet reinterpreted enough to sound like fresh compositions.

Note: The indication of Vol. 2 is because this disc belongs to a series called "Opus de Jazz" of the label Savoy, where each volume petenece a different musician.

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John Anthony Pompeo, más conocido como Johnny Rae (nacido el 11 de agosto de 1934 en Saugus, Massachusetts), es un baterista y vibrafonista de jazz americano.

Rae estudió en el Conservatorio de Nueva Inglaterra y en el Berklee College of Music a principios de los años 50. Su primer concierto profesional importante fue con Herb Pomeroy en 1953-54; después tocó con George Shearing (1955-56), Johnny Smith (1956), Ralph Sharon (1957), Cozy Cole (1957-58), Herbie Mann (1959-60), Cal Tjader (1961-66, 1968-70), Stan Getz (1962), Gábor Szabó, Charlie Byrd, Earl Hines, Art Van Damme y Barney Kessel. Además del jazz moderno, también toca percusión de jazz latino.

En 1960, Savoy continuó su serie Opus con esta sabrosa entrada. El quinteto del vibrafonista John Rae ofrece actuaciones brillantes, a veces geniales, a veces azules. Es un enfoque decididamente más moderno que el Opus de Jazz de influencia oscilante liderado por Milt Jackson en 1955. Llámalo jazz de cóctel con actitud, sin compromiso. Esa actitud se refleja en los cuatro originales de John Rae, formas de blues con armonías de bop y voces intrigantes. También está ahí en el absorbente trabajo en solitario, y en el alto nivel de comunicación dentro del grupo. Rae tiende a tocar muchas notas, pero sus líneas de skitter funcionan cuando se las compara con el pulso constante de los platillos del baterista Jake Hanna y el implacable bajo andante de John Neves. Con Hanna y Neves haciendo tan buen trabajo, el pianista Steve Kuhn frecuentemente toma el papel de un colorista, insertando acordes angulares con moderación en sus acompañamientos, en lugar de asumir tareas a tiempo completo en la sección rítmica. Sin embargo, el protagonista es Bobby Jasper, que se escucha exclusivamente en la flauta. Lo tiene todo cubierto: blues, bop, ideas, técnica, y un gran tono; una calidad vocal respirable y bien adaptada al fraseo del blues; así como el dominio de una articulación precisa y la capacidad de tocar "bonito" cuando la ocasión lo requiere. La habilidad de Jasper es una progresión natural de la obra pionera de la flauta de jazz de Frank Wess, que estaba en el Opus de Jazz original. Este conjunto también es interesante por sus dos composiciones de Charlie Parker. El quinteto "Ah-LeuCha" y "Parker's Mood" son al mismo tiempo fieles a los originales, pero lo suficientemente reinterpretados para que suenen como composiciones frescas. 

Nota: La indicación de Vol. 2 es porque este disco pertenece a una serie llamada "Opus de Jazz" del sello Savoy, donde cada volumen petenece a un músico diferente.
 
 
 

Wednesday, August 26, 2026

Terry Pollard Quintet • BCP 1015



Terry Pollard fue una delicada y exquisita pianista y vibrafonista muy activa en el jazz de la década de 1950. Formó parte de la fértil escena jazzística de Detroit en la década de 1940 y principios de los años '50, acompañando a muchos de los principales artistas de entonces.




Comenzó trabajando con Johnny Hill en 1948 y seguidamente con Emmit Slay entre 1950 y 1952 y regularmente con Billy Mitchell entre 1952 y 1953 .
Pero su mayor visibilidad la tuvo entre 1953 y 1957, cuando fue descubierta por el vibrafonista Terry Gibbs e invitada a su cuarteto para expresarse tanto desde el piano como desde el vibráfono, ganando así una sólida reputación.
También se destacó en grabaciones con Dick García, Yusef Lateef, Dorothy Ashby, Clark Terry y Don Fagerquist.
Su técnica exuberante fue comparada a la de dos grandes de su generación como Barry Harris y Tommy Flanagan, mientras que Leonard Feather, en su Enciclopedia del Jazz, la consideró como “una brillante solista moderna que nunca recibió el reconocimiento merecido”.
A mediados de 1960 decidió volver a Detroit y dedicarse enteramente a su familia y abandonar la carrera pese a su enorme talento.
En 1979, una desgraciada apoplejía le anuló la mano izquierda...
Había nacido en Detroit el 15 de Agosto y murió el pasado 16 de Diciembre (2009) en Nueva York.
Como líder registró sólo un disco para el sello Bethlehem.
No tuvo título.
Simplemente se identificó con su nombre y su número de archivo: BCP 1015.
Fuente: http://elsonidodeljazz.blogspot.com.ar/2010/01/terry-la-del-toque-delicioso.html

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Automatic translation:
Terry Pollard was a delicate and exquisite pianist and vibraphonist very active in the jazz of the 1950s was part of the fertile Detroit jazz scene in the 1940s and early '50s, accompanying many of the leading artists then.
He began working with Johnny Hill in 1948 and then with Emmit Slay between 1950 and 1952 and regularly with Billy Mitchell between 1952 and 1953.
But his greatest visibility had it between 1953 and 1957, when it was discovered by the vibraphonist Terry Gibbs and his quartet invited to express both the piano and from the vibraphone, gaining a solid reputation.

It was also noted in recordings with Dick Garcia, Yusef Lateef, Dorothy Ashby, Clark Terry and Don Fagerquist.
His exuberant technique was compared to that of two of his generation as Barry Harris and Tommy Flanagan, while Leonard Feather in his Encyclopedia of Jazz, saw it as "a brilliant modern soloist who never received the deserved recognition."
In mid-1960 he decided to return to Detroit and devote himself entirely to his family and leave the race despite his enormous talent.
In 1979, an unfortunate stroke he canceled his left hand ...
He was born in Detroit on Aug. 15 and died last December 16 (2009) in New York.

As the leader recorded only one album for the Bethlehem label. He had no title.
Simply he identified with your name and file number: BCP 1015.

Source: http://elsonidodeljazz.blogspot.com.ar/2010/01/terry-la-del-toque-delicioso.html

DISCOGRAFÍA / DISCOGRAPHY
Como líder
1955: Terry Pollard (Bethlehem)
Con Billy Mitchell
1952: Swing… Not Spring! (Savoy)
Con Clark Terry
1954: Cats vs. Chicks (MGM)
Con Terry Gibbs
1955: Terry Gibbs (EmArcy)
1955: Vibes On Velvet (EmArcy)
1956: Mallets A Plenty (EmArcy)
1956: Swingin’ With Terry Gibbs And His Orchestra (EmArcy)
Con Dick Garcia
1956: Message From: Garcia (Dawn)
Con Yusef Lateef
1959: The Dreamer (Savoy)
1959: Yusef Lateef’s Fabric Of Jazz (Savoy)
Con Dorothy Ashby
1961: Soft Winds (Jazzland)




Monday, August 24, 2026

Bill Le Sage • Bill's Recipes



Bill Le Sage (pianist, vibes player, composer, arranger) was one of Britain's Bebop pioneers.
Bill Le Sage / Bill's Recipes, very rare 1959 UK turquoise Saga label 12-track LP, featuring Bill on Accordion, Piano and Vibes, with the key ingredients of 4 Trombones, Trumpet, Clarinet, Tommy Whittle on Tenor, Piano, Bass & Tony Kinsey on Drums, to name a few.

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Bill Le Sage (pianista, intérprete, compositor, arreglista) fue uno de los pioneros de Bebop en Gran Bretaña.
Bill Le Sage / Bill's Recipes, muy raro 1959 LP de 12 pistas del Reino Unido con el sello Saga turquesa, con Bill on Accordion, Piano and Vibes, con los ingredientes clave de 4 Trombones, Trompeta, Clarinete, Tommy Whittle en Tenor, Piano, Bajo y Tony Kinsey en la batería, por nombrar algunos.


Sunday, August 23, 2026

Victor Feldman • Modern Jazz Quartet EP 35

 

 
Victor Feldman es considerado uno de los más importantes músicos de jazz de Gran Bretaña. Nació el 7 de abril de 1934, y ya estaba en el escenario tocando la batería con la banda de Glenn Miller a la edad de seis años. Glenn Miller llama a Feldman "El mayor joven percusionista jamás creado".
Ya mayor entra en la escena británica del jazz alternándose entre batería, vibráfono y piano, siendo admirado por su versatilidad en la interpretación de dichos instrumentos.





En 1955 emigra a USA instalándose sin problemas en el circuito jazzístico de Los Ángeles, tocando con figuras tales como Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, e incluso diversificando su visión musical con talentos como Frank Zapp, Steely Dan, Tom Waits y Joe Walsh.



Más de un centenar de sus composiciones han sido grabadas, incluyendo los clásicos del jazz reconocible al instante "Seven Steps to Heaven" y "Joshua", hecha famosa por Miles Davis y grabado y tocado con otros artistas no nombrados en esta escueta bio.
Fallece en su casa, a la edad de 53 años, a raíz de un ataque de asma.

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Automatic translation: 
Victor Feldman is considered one of the most important jazz musicians of Great Britain. He was born on April 7, 1934, and was already on stage playing the drums with Glenn Miller's band at the age of six. Glenn Miller calls Feldman "The greatest young percussionist ever created."Already he enters the British jazz scene alternating between drums, vibraphone and piano, being admired for his versatility in the interpretation of these instruments.In 1955, he emigrated to the United States and settled in the Los Angeles Jazz circuit, playing with figures such as Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, and even diversifying his musical vision with talents such as Frank Zapp , Steely Dan, Tom Waits and Joe Walsh.More than a hundred of his compositions have been recorded, including the instantly recognizable jazz classics "Seven Steps to Heaven" and "Joshua", made famous by Miles Davis and recorded and played with other artists not named in this short bio.He died at home at the age of 53, following an asthma attack.
 
 
 
 

Saturday, August 22, 2026

Freddie Mccoy • Lonely Avenue

 

 



Freddie McCoy, born in New York City in 1932, assembled a big crew to create the soulful canvas of his debut album on Prestige in 1965, Lonely Avenue. The coupling of vibes with trumpet, baritone sax, trombone, organ and guitar proved to be a remarkably flexible unit, both mean/funky and contemplative, which also, perhaps not entirely coincidentally, is a description of Freddie McCoy’s musical personality. The vibraphonist generates a lot heat but at the same time his playing is marked by a relaxed flow. Easygoing fellow but he’s not going to let you eat his lunch. One of few vibraphone players that focused on groove and grease. Yes, there’s a blues-drenched bit of Milt Jackson, without the dazzling technique of the God Of Vibes. And yes, there’s a bit of entertainment value that was inherent to the personality of pioneer Lionel Hampton, but the circus has left town before the roar of the lion. Freddie McCoy was more concerned with the kind of soul time that worked as a magnet for workers from all over the hood. Punch the clock, hurry home, slip into some shiny slacks and let’s hear it for the real mccoy’… Once settled in some upper Harlem joint, they shake their hips, shake their asses, shake their heads in amazement at the sight of this slick dude sweating it out behind that weird steel frame. Mallet boogie.

Plenty of warhorse and pop song for that kind of customer: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. McCoy’s Roëll is a lovely ballad, his take on the Doc Pomus tune Lonely Avenue, best-known through the classic r&b version of Ray Charles, is super-soulful and the album’s crackerjack cookers, Collard Greens and Belly Full Of Greens, would serve well as background tracks for the volatile Ike & Tina Turner. Want some mean greens? Yes please, why not? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy began to play the vibraphone in the Army in 1958 and subsequently played with Kenny Burrell, Johnny “Hammond” Smith, Philly Joe Jones and Doug Watkins. Following his debut, McCoy enjoyed a good stretch on Prestige, which released six albums between 1966 and 1968, focusing more and more on r&b and funk-ish ditties. Before he went off the radar, his last album Gimme Some was released by Cobblestone in 1971. Freddie McCoy was also a flight instructor who owned his own plane. No doubt he made some soulful maneuvers in that little booger.

Freddie McCoy passed away in 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

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Freddie McCoy, nacido en la ciudad de Nueva York en 1932, reunió a un gran equipo para crear el lienzo conmovedor de su álbum debut en Prestige en 1965, Lonely Avenue. El acoplamiento de vibraciones con trompeta, saxo barítono, trombón, órgano y guitarra demostró ser una unidad notablemente flexible, tanto mezquina/funky como contemplativa, que también, quizás no por casualidad, es una descripción de la personalidad musical de Freddie McCoy. El vibrafonista genera mucho calor pero al mismo tiempo su forma de tocar está marcada por un flujo relajado. Un tipo tranquilo, pero no te dejará comer su almuerzo. Uno de los pocos reproductores de vibráfonos que se centró en el groove y la grasa. Sí, hay un poco de Milt Jackson empapado de blues, sin la deslumbrante técnica del Dios de las Vibraciones. Y sí, hay un poco de valor de entretenimiento inherente a la personalidad del pionero Lionel Hampton, pero el circo se fue de la ciudad antes del rugido del león. Freddie McCoy estaba más preocupado por el tipo de tiempo del alma que funcionaba como un imán para los trabajadores de todo el barrio. Pon el reloj, apúrate a casa, ponte unos pantalones brillantes y escuchémoslo por el verdadero Mccoy' Once Una vez instalados en alguna articulación del alto Harlem, sacuden las caderas, sacuden el trasero, sacuden la cabeza asombrados al ver a este tipo resbaladizo sudando detrás de ese extraño marco de acero. Mallet boogie.

Mucho caballo de batalla y canciones pop para ese tipo de cliente: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. Roëll de McCoy es una balada encantadora, su versión de la melodía de Doc Pomus Lonely Avenue, más conocida a través de la versión clásica de r&b de Ray Charles, es súper conmovedora y las cocinas crackerjack del álbum, Berza y Barriga Llena de Verduras, servirían bien como pistas de fondo para los volátiles Ike y Tina Turner. ¿Quieres algunos mean greens? Sí, por favor, ¿por qué no? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy comenzó a tocar el vibráfono en el Ejército en 1958 y posteriormente tocó con Kenny Burrell, Johnny "Hammond" Smith, Philly Joe Jones y Doug Watkins. Tras su debut, McCoy disfrutó de un buen tramo en Prestige, que lanzó seis álbumes entre 1966 y 1968, centrándose cada vez más en canciones de r&b y funk. Antes de desaparecer del radar, Cobblestone lanzó su último álbum Gimme Some en 1971. Freddie McCoy también era instructor de vuelo y dueño de su propio avión. Sin duda hizo algunas maniobras conmovedoras en ese pequeño moco.

Freddie McCoy falleció en 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/


Thursday, August 20, 2026

The Modern Jazz Quartet • Third Stream Music



Rusty Bryant • Legends of Acid Jazz




Artist Biography by Steve Huey
The muscular, groove-oriented tenor of Rusty Bryant was heard to best effect on his funky soul-jazz albums for Prestige in the late '60s and early '70s, though he'd actually been leading bands since the '50s. Born Royal G. Bryant in Huntington, WV, on November 25, 1929, he grew up in Columbus, OH, where he became an important part of the local jazz scene, playing a robust, wailing tenor sax inspired by the likes of Gene Ammons and Sonny Stitt. He first worked as a sideman with Tiny Grimes and Stomp Gordon, and began leading his own bands in 1951. In the mid-'50s, Bryant signed with the Dot label and landed a major R&B hit with "All Night Long," a double-time cover of "Night Train." Bryant toured the country, but his association with Dot only lasted for a few sessions (including some where he attempted to introduce vocalist Nancy Wilson), and he soon returned to Columbus, where he was content to play on a strictly local basis. After around a decade, he returned to recording in 1968 on Groove Holmes' classic That Healin' Feelin', and began leading his own sessions again for Prestige, beginning with 1969's Rusty Bryant Returns, an anomaly where he played a Lou Donaldson-inspired, sometimes-electrified alto. His next few albums -- including Night Train Now!, Soul Liberation, Fire Eater, and Wildfire -- successfully updated his sound for the times, and became cult classics among acid jazz aficionados for their strong, funky grooves. Bryant returned for a couple of albums in the early '80s before settling back into his hometown once again. He passed away on March 25, 1991.

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Biografía del artista por Steve Huey
El tenor musculoso y orientado al groove de Rusty Bryant fue escuchado con el mejor efecto en sus álbumes de soul-jazz funky para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70, aunque en realidad había estado dirigiendo bandas desde los'50. Nacido como Royal G. Bryant en Huntington, WV, el 25 de noviembre de 1929, creció en Columbus, OH, donde se convirtió en una parte importante de la escena del jazz local, tocando un saxo tenor robusto y llorón inspirado por gente como Gene Ammons y Sonny Stitt. Primero trabajó como sideman con Tiny Grimes y Stomp Gordon, y comenzó a dirigir sus propias bandas en 1951. A mediados de los 50, Bryant firmó con el sello Dot y consiguió un gran éxito de R&B con "All Night Long", una versión doble de "Night Train". Bryant recorrió el país, pero su relación con Dot sólo duró unas pocas sesiones (incluyendo algunas en las que intentó presentar a la vocalista Nancy Wilson), y pronto regresó a Columbus, donde se conformó con tocar a nivel estrictamente local. Después de alrededor de una década, volvió a grabar en 1968 en el clásico de Groove Holmes That Healin' Feelin', y comenzó a dirigir sus propias sesiones de nuevo para Prestige, comenzando con Rusty Bryant Returns de 1969, una anomalía en la que tocó una contralto inspirada en Lou Donaldson, a veces electrificada. Sus próximos álbumes - incluyendo Night Train Now, Soul Liberation, Fire Eater y Wildfire - actualizaron con éxito su sonido para la época, y se convirtieron en clásicos de culto entre los aficionados al acid jazz por sus ritmos fuertes y funky. Bryant regresó por un par de álbumes a principios de los'80 antes de volver a su ciudad natal una vez más. Falleció el 25 de marzo de 1991.
 
 



Mark Sherman • The L.A. Sessions

 



Biography:
After nearly 30 years of recording, composing, and performing with countless orchestras, jazz artists, and vocal artists, vibraphonist /composer Mark Sherman a Yamaha performing artist and a Vic Firth artist, has a beautiful quintet featuring Joe Magnarelli on trumpet, Allen Farnham on piano, Dean Johnson on bass, and Tim Horner on drums. Winner of Rising Vibes in 2007 and 2008 by Down Beat magazine, Sherman’s recording in 2005 “One Step Closer” featuring Joe Lovano was in the top ten on jazz radio for 12 weeks in the United States. The recording in 2007 “Family First” was the most spun CD in the United States in it’s opening week on the charts, and his most recent recording done live at the Bird’s Eye Jazz Club in Basel, Switzerland at the close of a 2 week European tour, is entitled Mark Sherman Quartet “Live at The Bird’s Eye” and continues to get rave reviews and big radio response. Tied in with most of Sherman's live performances (clubs, and festivals) is a 2 hour master-class on language skills for improvisation, usually done at the local music school or university music department, and sponsored by Yamaha and Vic Firth Co.” These master-classes have been extremely successful at the high school and college level. “I've received countless emails from students telling me how my system for learning the harmonic language needed for playing jazz was the simplest and most user friendly system they've come across, and that it answered many of the confusing questions, and got them improvising on chord changes very quickly.” Mark Sherman's background, Juilliard education, and working, performance and recording experience have all contributed to a unique vision, which incorporates elements of jazz, blues, and classical music. Accomplished as a soloist (vibraphone/piano/drums), ensemble player, composer, and educator, Sherman is in love with music and re-harmonization of chords to explore and give expression to his musical vision. The Bronx-born and raised son of a star soprano who performed with the Cleveland and Boston Symphony Orchestras had 5 years of classical piano lessons before he fell in love with jazz through Lester Young, Charlie Parker and John Coltrane LP's. He had been playing drums for a while and practicing with records, emulating Elvin Jones, when he heard that Elvin was teaching at Frank Ippolito's Professional Percussion Center. Mark sought him out as a teacher. What he learned most from Elvin was a feeling of “loose but intense swing” and how to “channel spiritual energy into music.” Sherman graduated from the High school of Music and Art and then went on to Juilliard, where he had 5 solid years of percussion training with tympani master Saul Goodman, and percussion master Elden (Buster) Bailey. He played in symphonic situations led by Zubin Mehta, Sir George Solti, and Leonard Bernstein, and many other fine conductors. At Juilliard he met another soul at home in both classical and jazz worlds Wynton Marsalis. They jammed together regularly and years later when Columbia Records' George Butler inquired about Mark, Wynton's endorsement helped pave the way for Sherman's record date A New Balance (1986). The first few years after Juilliard he made a living in freelance studio scene in New York City. But more challenging work soon came his way, He found himself in playing situations with, Kenny Kirkland, Rodney Jones, Joe Beck, Jackie & Roy, the NY Philharmonic, the Joffrey Ballet Orchestra, the American Symphony, the NY New Music Ensemble and many other groups. David Chesky wrote a concerto for vibes and orchestra especially for Sherman, which has been performed at Lincoln Center. Mark performed as featured soloist in Darius Milhaud's Concerto For Marimba and Orchestra at Merkin Hall. Sherman went on the road with singers Jackie and Roy(4 years), which led to his recording and working with Peggy Lee (6 years). From her he had lessons in how to “turn a musical phrase” and “subtle time.” Working with the special musicians Lee surrounded herself with (Mike Renzi, Jay Leonhart, Grady Tate, and Jon Chiodini) led to gigs with Mel Torme, and recordings with other singers including Maureen McGovern, Liza Minelli, Tony Bennett, Lena Horne, Ruth Brown, Gloria Lynn, Laverne Butler and many others. He played on records by guitarists Joe Beck and Rodney Jones, and also co- produced Jones' CD “The Unspoken Heart” for Minor Music in Germany. Sherman began touring with R&B pioneer Ruth Brown just at the time when she was being re-appreciated as a jazz singer. But her singing of standards always calls for a heavy dose of blues feeling and blues changes. Mark was exposed to a lot of different blues forms and tempos. In accompanying her he gained a renewed awareness of the blues as the roots of all American popular music. He played vibes and piano on Brown's “Songs Of My Life” (Fantasy records) After recording for small labels, A New Balance (CBS) showcased his skills as a composer, vibraphonist, and pianist. In the last few years Mark has been performing with his group and doing master classes worldwide. Some of his music has been used regularly on TV shows. Mark has toured with guitarist Larry Coryell. He produced two of Coryell's CD’s, I'll Be Over You (CTI records), and Sketches Of Coryell (Shanachie records) and played on “New High”(High Note records). Mark played vibes on Gloria Lynne's “This One's On Me” (High Note records) as well as Lena Horne’s release on (Blue Note records). In addition Mark has eight CD's of his own music “Fulcrum Point”, “A New Balance “(CBS), “Spiral Staircase”, “High Rolling”, “The Motive Series“, “One Step Closer”, “Family First”, and his latest Quartet recording “Live at The Bird’s Eye” which are available globally, and on the internet at www.markshermanmusic.com or www.mileshighrecords.com.
https://musicians.allaboutjazz.com/marksherman

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Biografía:
Después de casi 30 años de grabar, componer e interpretar con innumerables orquestas, artistas de jazz y artistas vocales, el vibrafonista/compositor Mark Sherman, un artista de Yamaha y un artista de Vic Firth, tiene un hermoso quinteto con Joe Magnarelli en la trompeta, Allen Farnham en el piano, Dean Johnson en el bajo y Tim Horner en la batería. Ganador de Rising Vibes en 2007 y 2008 por la revista Down Beat, la grabación de Sherman en 2005 "One Step Closer" con Joe Lovano estuvo en el top ten de la radio de jazz durante 12 semanas en los Estados Unidos. La grabación de 2007 "Family First" fue el CD más hilado en los Estados Unidos en su semana de apertura en las listas de éxitos, y su más reciente grabación, realizada en vivo en el Club de Jazz Bird's Eye de Basilea (Suiza) al final de una gira europea de dos semanas, se titula Mark Sherman Quartet "Live at The Bird's Eye" y sigue obteniendo excelentes críticas y una gran respuesta de la radio. Junto con la mayoría de las actuaciones en vivo de Sherman (clubes y festivales) hay una clase magistral de dos horas sobre conocimientos de idiomas para la improvisación, que se suele hacer en la escuela de música local o en el departamento de música de la universidad, y que está patrocinada por Yamaha y Vic Firth Co. Estas clases magistrales han tenido mucho éxito en la escuela secundaria y en la universidad. "He recibido incontables correos electrónicos de estudiantes diciéndome que mi sistema para aprender el lenguaje armónico necesario para tocar jazz era el más simple y fácil de usar que han encontrado, y que respondía muchas de las preguntas confusas, y los hacía improvisar en cambios de acordes muy rápidamente." La formación de Mark Sherman, la educación en Juilliard y su experiencia laboral, de interpretación y de grabación han contribuido a una visión única, que incorpora elementos de jazz, blues y música clásica. Realizado como solista (vibráfono/piano/batería), intérprete de conjunto, compositor y educador, Sherman está enamorado de la música y de la rearmonización de los acordes para explorar y dar expresión a su visión musical. Nacido en el Bronx y criado como hijo de una soprano estrella que actuó con las orquestas sinfónicas de Cleveland y Boston, recibió 5 años de clases de piano clásico antes de enamorarse del jazz a través de los LP de Lester Young, Charlie Parker y John Coltrane. Había estado tocando la batería durante un tiempo y practicando con discos, emulando a Elvin Jones, cuando escuchó que Elvin estaba enseñando en el Centro de Percusión Profesional de Frank Ippolito. Mark lo buscó como profesor. Lo que más aprendió de Elvin fue un sentimiento de "swing suelto pero intenso" y cómo "canalizar la energía espiritual en la música".
 Sherman se graduó en la Escuela Superior de Música y Arte y luego pasó a Juilliard, donde tuvo 5 años sólidos de entrenamiento en percusión con el maestro de tímpano Saul Goodman, y el maestro de percusión Elden (Buster) Bailey. Tocó en situaciones sinfónicas dirigidas por Zubin Mehta, Sir George Solti, y Leonard Bernstein, y muchos otros buenos directores. En Juilliard conoció a otra alma en su casa, en el mundo de la música clásica y el jazz, Wynton Marsalis. Tocaban juntos regularmente y años más tarde, cuando George Butler de Columbia Records preguntó por Mark, el respaldo de Wynton ayudó a allanar el camino para la fecha de grabación de Sherman, A New Balance (1986). Los primeros años después de Juilliard se ganaba la vida en la escena de los estudios independientes en la ciudad de Nueva York. Pero pronto se encontró con un trabajo más desafiante, se encontró en situaciones de juego con Kenny Kirkland, Rodney Jones, Joe Beck, Jackie & Roy, la Filarmónica de NY, la Joffrey Ballet Orchestra, la American Symphony, el NY New Music Ensemble y muchos otros grupos. David Chesky escribió un concierto para vibráfono y orquesta especialmente para Sherman, que ha sido interpretado en el Lincoln Center. Mark actuó como solista en el Concierto para Marimba y Orquesta de Darius Milhaud en el Merkin Hall. Sherman se fue de gira con los cantantes Jackie y Roy (4 años), lo que le llevó a su grabación y a trabajar con Peggy Lee (6 años). De ella recibió lecciones de cómo "convertir una frase musical" y "tiempo sutil". El trabajo con los músicos especiales con los que Lee se rodeó (Mike Renzi, Jay Leonhart, Grady Tate y Jon Chiodini) llevó a conciertos con Mel Torme y a grabaciones con otros cantantes como Maureen McGovern, Liza Minelli, Tony Bennett, Lena Horne, Ruth Brown, Gloria Lynn, Laverne Butler y muchos otros. Tocó en discos de los guitarristas Joe Beck y Rodney Jones, y también coprodujo el CD de Jones "The Unspoken Heart" para Minor Music en Alemania. Sherman comenzó a hacer giras con la pionera del R&B, Ruth Brown, justo en el momento en que estaba siendo repreciada como cantante de jazz. Pero su canto de los estándares siempre requiere una gran dosis de sentimiento de blues y cambios de blues. Mark estuvo expuesto a un montón de formas y tempos de blues diferentes. Al acompañarla, adquirió una renovada conciencia del blues como las raíces de toda la música popular americana. Tocó vibráfono y piano en "Songs Of My Life" (Fantasy records) de Brown. Después de grabar para pequeños sellos, A New Balance (CBS) mostró sus habilidades como compositor, vibrafonista y pianista. En los últimos años Mark ha estado actuando con su grupo y haciendo clases magistrales en todo el mundo. Parte de su música se ha usado regularmente en programas de televisión. Mark ha hecho giras con el guitarrista Larry Coryell. Produjo dos de los CDs de Coryell, I'll Be Over You (CTI records), y Sketches Of Coryell (Shanachie records) y tocó en "New High" (High Note records). Mark tocó vibras en "This One's On Me" de Gloria Lynne (High Note records) así como en el lanzamiento de Lena Horne (Blue Note records). Además Mark tiene ocho CD's de su propia música "Fulcrum Point", "A New Balance "(CBS), "Spiral Staircase", "High Rolling", "The Motive Series", "One Step Closer", "Family First", y su última grabación de cuarteto "Live at The Bird's Eye" que están disponibles a nivel mundial, y en internet en www.markshermanmusic.com o www.mileshighrecords.com.
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Thursday, August 13, 2026

Bobby Hutcherson • Happenings



Happenings is the first album to present Hutcherson as the featured soloist fronting a conventional rhythm section, instead of amongst the experimentally-inclined sextets and quintets he'd led and guested with before. These had produced, most notably, Eric Dolphy's Out To Lunch (Blue Note, 1964) and Hutcherson's own Dialogue (Blue Note, 1965), the latter featuring two new thing auteurs in pianist Andrew Hill and saxophonist Sam Rivers.

More tellingly, the choice of material on Happenings makes for a safer, more mainstream affair than its predecessors. Previously, Hutcherson had either guested with premier league composers like Dolphy, Archie Shepp and Grachan Moncur III, or—with his own bands—relied on other writers (Dialogue was almost entirely written by Hill).

Here all but one of the tunes (pianist Herbie Hancock's "Maiden Voyage") are unremarkable, in-the-tradition Hutcherson originals. With the exception of "The Omen," an ambitious, wannabe-conservatoire construction which isn't convincing, they're a competent but derivative mix of swingers, ballads and Latin tunes.

There is, however, some great playing on Happenings. Hancock's stomping, cluster-chord chromaticism on the opening "Aquarian Moon" is a highlight, as is Hutcherson's own solo on "Maiden Voyage," a track also distinguished by drummer Joe Chambers' metronomic but magically propulsive, centre-of-the-cymbal stick work. "When You Are Near," a classy ballad (though one in search of a good bridge), is arguably the strongest Hutcherson original. But at less than four minutes, it is, perversely, by far the shortest track.

A year and a half after Happenings, Hutcherson, Hancock and Chambers returned to similar territory with Oblique (Blue Note, 1967). Crucially, half the six tracks were written by Hancock and the magnificently quirky Chambers, and the music was raised several storeys as a result.

History rarely runs in an entirely straight line. In the midst of his early-1960s avant-garde endeavours, Hutcherson was a featured soloist in the sextet that recorded Grant Green's exquisitely mellifluous Idle Moments (Blue Note, 1963). Hutcherson revealed himself as a formidable mainstream lyricist, and Happenings, Oblique and much of the work that has followed can be traced back at least as far as Green's album.
Happenings es el primer álbum en presentar a Hutcherson como el solista destacado al frente de una sección de ritmo convencional, en lugar de entre los sextetos y quintetos con tendencias experimentales que él había dirigido e invitado antes. Éstos habían producido, sobre todo, Out To Lunch (Blue Note, 1964) de Eric Dolphy y el propio Diálogo (Blue Note, 1965) de Hutcherson, este último con dos autores nuevos en el pianista Andrew Hill y el saxofonista Sam Rivers.De manera más reveladora, la elección del material sobre Acontecimientos hace que sea un asunto más seguro y más convencional que sus predecesores. Anteriormente, Hutcherson había invitado con compositores de primera clase como Dolphy, Archie Shepp y Grachan Moncur III o, con sus propias bandas, confiaba en otros escritores (Dialogue fue escrito casi en su totalidad por Hill).Aquí, todas menos una de las melodías ("Maiden Voyage" de la pianista Herbie Hancock) son originales de Hutcherson, tradicionales en la tradición. Con la excepción de "The Omen", una construcción ambiciosa, aspirante a conservador que no es convincente, son una combinación competente pero derivada de swingers, baladas y melodías latinas.Hay, sin embargo, algunos grandes juegos en Happenings. El pisotón de Hancock, el cromaticismo de grupo en la apertura "Aquarian Moon" es un punto culminante, como lo es el propio solo de Hutcherson en "Maiden Voyage", una pista que también se distingue por el metronómico baterista de Joe Chambers, centro de los platillos. trabajo de palo "When You Are Near", una balada con clase (aunque una en busca de un buen puente), es posiblemente el original más fuerte de Hutcherson. Pero a menos de cuatro minutos, es, perversamente, la pista más corta.Un año y medio después de Happenings, Hutcherson, Hancock y Chambers regresaron a un territorio similar con Oblique (Blue Note, 1967). De manera crucial, la mitad de las seis pistas fueron escritas por Hancock y las magníficamente extravagantes Chambers, y la música se elevó a varios pisos como resultado.La historia rara vez corre en línea recta. En medio de sus esfuerzos vanguardistas de los primeros años de la década de 1960, Hutcherson era un solista destacado en el sexteto que grababa los Momentos idéleos exquisitamente melifluos de Grant Green (Blue Note, 1963). Hutcherson se reveló a sí mismo como un formidable letrista principal, y Happenings, Oblique y gran parte del trabajo que siguió se remontan al menos hasta el álbum de Green.

Monday, August 10, 2026

Dave Pike • Bossa Nova Carnival



El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.





Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. Antes de volver a los Estados Unidos formó parte del proyecto de bigband europeo mas importante de aquélla época, cuando se unió a la de Kenny Clarke y Francis Boland. De vuelta a los Estados Unidos, reorganizó su grupo con el que actuó con mucha frecuencia en el sur de California. Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.
Fuente: http://www.apoloybaco.com/davepikebiografia.htm




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Artist Biography by Scott Yanow
Dave Pike has been a consistent vibraphonist through the years without gaining much fame. He originally played drums and is self-taught on vibes. Pike moved with his family to Los Angeles in 1954 and played with Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins, and Paul Bley, among others. After moving to New York in 1960 he put an amplifier on his vibes. Pike toured with Herbie Mann during 1961-1964, spent 1968-1973 in Germany (recording with the Kenny Clarke-Francy Boland big band), and then resettled in Los Angeles, playing locally and recording for Timeless and Criss Cross.



  

Friday, August 7, 2026

The Craig Scott Quintet • Introducing

 



Craig Scott Quintet: Introducing sets a mood reminiscent of the late 50’s, and early 60’s west coast cool jazz as may have been performed by Victor Feldman and Stan Getz.

Throughout the years, most of Craig Scott’s work has been on drums, until the summer of 2012, when he was teaching at the Douglas College Jazz Camp. During the faculty noon hour jazz concert, Craig asked Bob Rebagliati, the camp coordinator and master music educator to sit in on drums, so Craig could play a tune on vibes. Afterwards, Cory Weeds, the great saxophonist and impresario, who was also on faculty and performed along side him at the concert, approached him about doing a weekend at The Cellar Jazz Club.

Craig was thrilled, and began lifting arrangements from the albums that Milt Jackson recorded with Ray Brown and tenor saxophonist Teddy Edwards. The weekend was both successful and spectacularly fun, and ultimately resulted in the opportunity to record our group. This album represents many of Craig’s influences.

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Craig Scott Quintet: Introducing crea un ambiente que recuerda al cool jazz de finales de los 50 y principios de los 60 en la costa oeste, tal como pudo haber sido interpretado por Victor Feldman y Stan Getz.

A lo largo de los años, la mayor parte del trabajo de Craig Scott ha sido en la batería, hasta el verano de 2012, cuando enseñaba en el Campamento de Jazz de Douglas College. Durante el concierto de jazz a mediodía de la facultad, Craig le pidió a Bob Rebagliati, el coordinador del campamento y maestro educador musical, que se sentara a tocar la batería, para que Craig pudiera tocar una melodía con vibes. Posteriormente, Cory Weeds, el gran saxofonista y empresario, que también estaba en la facultad y actuó junto a él en el concierto, se le acercó para hacer un fin de semana en el Cellar Jazz Club.

Craig estaba emocionado y comenzó a levantar arreglos de los álbumes que Milt Jackson grabó con Ray Brown y el saxofonista tenor Teddy Edwards. El fin de semana fue exitoso y espectacularmente divertido, y finalmente resultó en la oportunidad de grabar a nuestro grupo. Este álbum representa muchas de las influencias de Craig.


Thursday, August 6, 2026

Wednesday, August 5, 2026

Simon Moullier • Inception

 



In his music, Simon Moullier makes an enticing proposition: what if the language of horn player —from Coltrane to Bird to Clifford Brown— could be transmuted for the vibraphone?

“If I could, I think I would have chosen a horn,” he has said - “I chose the vibraphone because I was a percussionist, and it was a more immediate way for me to get to what I was hearing.”

Moullier began developing this rapprochement when he picked up the vibraphone as a teenager - It’s on full display in his previous album, 2023’s Isla, which features pianist Lex Korten, bassist Alexander Claffy, and drummer Jongkuk Kim.

Inception —Moullier’s second trio record, following 2021’s Countdown— marks an extension of this language - Accompanied by bassist Luca Alemanno and returning drummer Jongkuk Kim, Moullier performs a gently rolling yet urgent program of standards - The material is drawn from some of the most masterful composers of the 20th century: Horace Silver, McCoy Tyner, Antonio Carlos Jobim, Charles Mingus, Billy Strayhorn, Miles Davis, Wayne Shorter, and Michel Legrand.

The seed for this trio was sown in 2017, when Moullier attended the Thelonious Monk Institute of Jazz Performance in Los Angeles - While performing with his quintet at the now defunct Blue Whale, Moullier decided to perform a blues as a three-piece - “We really dug the trio thing,” he says - “We went back and started developing that concept.” Inception kicks off with Silver’s “Ecaroh”—“Horace” backward - “His harmony is very dark,” Moullier says - “I’ve always liked that character of music.”

Following “Ecaroh” is Tyner’s “Inception,” the title track of the magnificent pianist's 1962 debut album —itself a trio date - “It was a great fit,” Moullier says - “Not only for the arrangement and the style, but the register of where the vibraphone sits with the bass.” “Desafinado” reflects Moullier’s profound appreciation for Brazilian music; at some point, he’s eyeing an album of all Brazilian music - As for Mingus’s “Peggy’s Blue Skylight,” Moullier imbued it with an Oscar Peterson-style arrangement.

As for “Lush Life,” “Doing a solo recording is a challenge I’ve always wanted to meet in a studio context,” he says; he had in mind the solo piano language of Bud Powell or Art Tatum - Moullier’s take on Davis’ blues “Pfrancing” recalls his trio’s genesis in the form - ‘Lost” is a tribute to its author, the late Shorter - “It’s such a deep world to dive into,” Moullier says - “There’s so much mystery and beauty, and so many stories.” “You Must Believe in Spring” reflects Moullier’s French roots - The album closes out with a lone Moullier original —“RC,” or “rhythm changes.”

“It was very challenging for me to record an uptempo in the studio,” Moullier says - But Inception is a series of “little challenges.” “We wanted to develop the trio sound and expand on the possibilities” he adds —whether that regards his instrument, arrangements, or tempo - But mainly, “We’re just having a lot of fun playing together!”

In that sense, Inception is a bridge to untold future realms - But on its own merits, it’s a realm worth lingering in.

—Morgan Enos
https://www.freshsoundrecords.com/simon-moullier-albums/56944-inception-digipack.html

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En su música, Simon Moullier hace una propuesta tentadora: ¿qué pasaría si el lenguaje del trompetista, desde Coltrane hasta Bird y Clifford Brown, pudiera transmutarse para el vibráfono?

"Si pudiera, creo que habría elegido un cuerno", ha dicho - "Elegí el vibráfono porque era percusionista, y era una forma más inmediata de llegar a lo que estaba escuchando .”

Moullier comenzó a desarrollar este acercamiento cuando tomó el vibráfono cuando era adolescente - Está en exhibición completa en su álbum anterior, Isla de 2023, que presenta al pianista Lex Korten, al bajista Alexander Claffy y al baterista Jongkuk Kim.

Inception, el segundo disco en trío de Moullier, tras Countdown de 2021, marca una extensión de este lenguaje - Acompañado por el bajista Luca Alemanno y el baterista Jongkuk Kim, Moullier interpreta un programa de estándares suave pero urgente - El material proviene de algunos de los compositores más magistrales del siglo XX: Horace Silver, McCoy Tyner, Antonio Carlos Jobim, Charles Mingus, Billy Strayhorn, Miles Davis, Wayne Shorter y Michel Legrand.

La semilla de este trío se sembró en 2017, cuando Moullier asistió a la presentación del Instituto de Jazz Thelonious Monk en Los Ángeles - Mientras actuaba con su quinteto en el ahora desaparecido Blue Whale, Moullier decidió interpretar un blues como un trío - "Realmente cavamos la cosa del trío", dice - "Volvimos y comenzamos a desarrollar ese concepto ."Inception comienza con "Ecaroh"de Silver - "Horace" al revés - "Su armonía es muy oscura", dice Moullier - "Siempre me ha gustado ese carácter de la música.”

Después de" Ecaroh "está" Inception " de Tyner, la canción principal del álbum debut de 1962 del magnífico pianista, en sí misma una cita de trío - "Fue un gran ajuste", dice Moullier - "No solo por el arreglo y el estilo, sino por el registro de dónde se asienta el vibráfono con el bajo.""Desafinado" refleja el profundo aprecio de Moullier por la música brasileña; en algún momento, está considerando un álbum de toda la música brasileña - En cuanto a "Peggy's Blue Skylight" de Mingus, Moullier le imbuyó un arreglo al estilo de Oscar Peterson.

En cuanto a "Lush Life", "Hacer una grabación en solitario es un desafío que siempre quise enfrentar en un contexto de estudio", dice; tenía en mente el lenguaje de piano solista de Bud Powell o Art Tatum - La versión de Moullier del blues de Davis "Pfrancing" recuerda la génesis de su trío en la forma - 'Lost" es un homenaje a su autor, el difunto Shorter - "Es un mundo muy profundo en el que sumergirse", dice Moullier - "Hay tanto misterio y belleza, y tantas historias.""Debes creer en la primavera" refleja las raíces francesas de Moullier - El álbum cierra con un original solitario de Moullier:" RC "o" rhythm changes.”

"Fue un gran desafío para mí grabar un ritmo rápido en el estudio", dice Moullier - Pero Inception es una serie de " pequeños desafíos."Queríamos desarrollar el sonido del trío y ampliar las posibilidades", agrega, ya sea en lo que respecta a su instrumento, arreglos o tempo - Pero principalmente, " ¡Nos estamos divirtiendo mucho jugando juntos !”

En ese sentido, Inception es un puente hacia reinos futuros incalculables - Pero por sus propios méritos, es un reino en el que vale la pena quedarse.

- Morgan Enos
https://www.freshsoundrecords.com/simon-moullier-albums/56944-inception-digipack.html


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Tuesday, August 4, 2026

Victor Feldman • The Young Vic

 

 



Victor Feldman was born in Edgware, Middlesex in 1934.

He caused a sensation as a musical prodigy when he was “discovered” at age 7. His family were all musical and his father founded the Feldman Swing Club in London in 1942 to showcase his talented son. His first professional appearance was playing drums at No 1 Rhythm Club as a member of the Feldman Trio with brothers Robert on clarinet and Monty on piano accordion. In 1944 he was featured at a concert with Glenn Miller's AAAF band, featured inevitably as “Kid Krupa”. Carlo Krahmer encouraged Feldman to play the vibes which he did first in the Ralph Sharon Sextet and later in the Roy Fox band. He worked in India in 1952 and 1953 in a band led by pianist Eddie Carroll. His vibraphone and conga drum playing were notable, but it was as a pianist that he became best known.
Before leaving the U.K. in 1955 to work in the U.S., Feldman recorded with Ronnie Scott's orchestra and quintet from 1954 to 1955, which also featured other important British jazz musicians such as Phil Seamen and Hank Shaw, among others. It was Scott who recommended that Feldman emigrate to the U.S., which he did in 1957. Once there, his first steady work was with the Woody Herman Herd. From there he went on to join Buddy DeFranco. He recorded with many different jazz artists, including Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley and Miles Davis, most notably on Davis' 1963 album Seven Steps to Heaven, the title tune being his own composition. The 5-CD Shelly Manne Black Hawk set, originally released on LP in September, 1959, is a good representation of Feldman's unmistakable driving “comping” behind the soloists, helping to define the session as a valuable hard bop genre element.
In 1957 Feldman settled in Los Angeles permanently and then specialized in lucrative session work for the US film and recording industry. He also branched out to work a variety of musicians outside of jazz, working with artists such as Frank Zappa in 1967, Steely Dan in the 1970s and Tom Waits and Joe Walsh in the 1980s. Feldman died at age 53, a year after the death of his wife, to whom he was completely devoted.

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Victor Feldman nació en Edgware, Middlesex en 1934.
Causó sensación como prodigio musical cuando fue "descubierto" a los 7 años. Su familia era toda musical y su padre fundó el Feldman Swing Club en Londres en 1942 para mostrar a su talentoso hijo. Su primera aparición profesional fue tocando la batería en el No 1 Rhythm Club como miembro del Feldman Trio con los hermanos Robert en el clarinete y Monty en el acordeón de piano. En 1944 fue presentado en un concierto con la banda AAAF de Glenn Miller, inevitablemente como "Kid Krupa". Carlo Krahmer animó a Feldman a tocar las vibraciones que hizo primero en el Sexteto de Ralph Sharon y luego en la banda de Roy Fox. Trabajó en la India en 1952 y 1953 en una banda dirigida por el pianista Eddie Carroll. Su vibráfono y su conga eran notables, pero fue como pianista que se hizo más conocido.
Antes de dejar el Reino Unido en 1955 para trabajar en los Estados Unidos, Feldman grabó con la orquesta y el quinteto de Ronnie Scott de 1954 a 1955, en el que también participaron otros importantes músicos británicos de jazz como Phil Seamen y Hank Shaw, entre otros. Fue Scott quien recomendó que Feldman emigrara a los Estados Unidos, lo cual hizo en 1957. Una vez allí, su primer trabajo estable fue con el Woody Herman Herd. A partir de ahí se unió a Buddy DeFranco. Grabó con muchos artistas de jazz diferentes, incluyendo a Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley y Miles Davis, más notablemente en el álbum de 1963 de Davis Seven Steps to Heaven, cuya melodía titular es su propia composición. El set de 5 CD Shelly Manne Black Hawk, originalmente publicado en LP en septiembre de 1959, es una buena representación del inconfundible "comping" de Feldman detrás de los solistas, ayudando a definir la sesión como un valioso elemento del género hard bop.
En 1957 Feldman se estableció permanentemente en Los Ángeles y luego se especializó en lucrativas sesiones de trabajo para la industria cinematográfica y discográfica de los Estados Unidos. También se dedicó a trabajar con una variedad de músicos fuera del jazz, trabajando con artistas como Frank Zappa en 1967, Steely Dan en la década de 1970 y Tom Waits y Joe Walsh en la década de 1980. Feldman murió a la edad de 53 años, un año después de la muerte de su esposa, a quien estaba completamente dedicado.
 
 

victorfeldman.com ...



Monday, August 3, 2026

Teddy Charles • Salute To Hamp



Biography by Scott Yanow
Teddy Charles is a true rarity: a jazz musician who largely retired from the business. A skillful if not overly distinctive vibraphonist and (early in his career) quite capable on piano and drums, Charles was as important for his open-minded approach in the 1950s toward more advanced sounds as he was for his playing. He moved to New York to study percussion at Juilliard in 1946, but instead became involved in the jazz world. He had short stints with the big bands of Randy Brooks, Benny Goodman, Artie Shaw, Buddy DeFranco, and Chubby Jackson from 1948-1951 and then played with combos headed by Anita O'Day, Oscar Pettiford, Roy Eldridge, and Slim Gaillard. He also became a member of the Jazz Composers' Workshop (1953-1955) along with Charles Mingus and Teo Macero, opening his style up to the influences of classical music and freer improvising. Charles, who recorded with Mingus, Miles Davis, and Wardell Gray, among many others, began leading his own stimulating record dates in 1951, and by 1953 he was also working as a record producer, a field that took much more of his time from 1956 on. He led his own sessions for Prestige, Atlantic, Savoy, Jubilee, Bethlehem (where he produced around 40 records, mostly for other artists), and Warwick from 1951-1960, but was hardly heard from in the 1960s, other than a 1963 set for United Artists. Charles relocated to the Caribbean, where he opened a sailing business. After participating in a 1980 jam session, he eventually moved back to New York, making a "comeback" record for Soul Note in 1988, but still remaining semi-retired from music.
https://www.allmusic.com/artist/teddy-charles-mn0000747202/biography

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Biografía de Scott Yanow
Teddy Charles es una verdadera rareza: un músico de jazz que se retiró en gran parte del negocio. Un vibrafonista hábil, si no demasiado distintivo y (al principio de su carrera) bastante capaz en el piano y la batería, Charles fue tan importante para su enfoque de mente abierta en la década de 1950 hacia los sonidos más avanzados como lo fue para su forma de tocar. Se mudó a Nueva York para estudiar percusión en Juilliard en 1946, pero se involucró en el mundo del jazz. Estuvo brevemente con las grandes bandas de Randy Brooks, Benny Goodman, Artie Shaw, Buddy DeFranco y Chubby Jackson de 1948 a 1951 y luego tocó con combos encabezados por Anita O'Day, Oscar Pettiford, Roy Eldridge y Slim Gaillard. También se convirtió en miembro del Taller de Compositores de Jazz (1953-1955) junto con Charles Mingus y Teo Macero, abriendo su estilo a las influencias de la música clásica y a la improvisación más libre. Charles, que grabó con Mingus, Miles Davis y Wardell Gray, entre muchos otros, comenzó a dirigir sus propias y estimulantes fechas de grabación en 1951, y para 1953 también trabajaba como productor de discos, un campo que le ocupó mucho más tiempo a partir de 1956. Dirigió sus propias sesiones para Prestige, Atlantic, Savoy, Jubilee, Bethlehem (donde produjo unos 40 discos, en su mayoría para otros artistas) y Warwick de 1951 a 1960, pero apenas se le escuchó en el decenio de 1960, aparte de un conjunto de 1963 para United Artists. Charles se trasladó al Caribe, donde abrió un negocio de navegación. Después de participar en una jam session en 1980, finalmente regresó a Nueva York, haciendo un disco de "regreso" para Soul Note en 1988, pero aún permaneciendo semi-retirado de la música.
https://www.allmusic.com/artist/teddy-charles-mn0000747202/biography