Jeff Hamilton Trio Featuring Frits Landesbergen • Dynavibes

Although vibraphonist Frits Landesbergen had recorded a couple of dates as a leader for Timeless prior to appearing as a guest with the Jeff Hamilton Trio on the 1996 studio session Dynavibes, the Mons CD should introduce him to a wider audience. With Hamilton's first-rate drumming and solid accompaniment from pianist Larry Fuller and bassist Lynn Seaton, the trio turns over the spotlight to Landesbergen, who acquits himself rather well with his four-mallet technique playing a mix of standards like "Cherokee" and "Sweet Lorraine," bop classics ("Killer Joe"), and a quartet of intriguing originals, including the funky "Happy Kick" and a smoking tribute to a legendary vibraphonist, "Blue for Milt." Overall, this is a very rewarding session.

///////

Aunque el vibrafonista Frits Landesbergen había grabado un par de fechas como líder de Timeless antes de aparecer como invitado con el Jeff Hamilton Trio en la sesión de estudio Dynavibes de 1996, el CD de Mons debería presentarlo a un público más amplio. Con la batería de primera clase de Hamilton y el sólido acompañamiento del pianista Larry Fuller y el bajista Lynn Seaton, el trío pone en el punto de mira a Landesbergen, que se desenvuelve bastante bien con su técnica de cuatro mazos tocando una mezcla de estándares como "Cherokee" y "Sweet Lorraine"," clásicos del bop ("Killer Joe"), y un cuarteto de intrigantes originales, incluyendo el funky "Happy Kick" y un humeante homenaje a un legendario vibrafonista, "Blue for Milt." En general, esta es una sesión muy gratificante. 

 

 

hamiltonjazz.com ...

www.fritslandesbergenbigband ...

Cal Tjader • Demasiado Caliente

 

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.

Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

///////

Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.

Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

 

 

Joe Locke • Beauty Burning

Artist Biography by Matt Collar

Percussionist Joe Locke is a highly-regarded performer and composer, known for his expressive, swinging style on both the vibraphone and drums. Emerging in the late '80s, Locke initially established himself as a reliable hard-bop player working alongside Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander, and others. He also showcased his deep sense of the jazz tradition with albums like 1994's Longing, and 1999's Mutual Appreciation Society with pianist David Hazeltine. Beginning the '00s, Locke gained further plaudits issuing more ambitious works like 2003's Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton, and his 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation. A five-time recipient of the Jazz Journalists Association's "Mallet Instrumentalist of the Year" Award, Locke was also inducted into the Music Hall of Fame of his hometown of Rochester, New York in 2016.

Born in Palo Alto, California in 1959, Locke was still a child when he moved with his family to Rochester, New York. It was there that he first started playing piano and drums around age eight, before taking up the vibraphone at age thirteen. Encouraged by his father, a music teacher, Locke initially played in rock bands. However, by his teens he had discovered jazz, and was soon imbibing the work of his idols Bobby Hutcherson and Milt Jackson. After high school, he honed his skills at the Eastman School of Music where he gained valuable tutoring from noted educators like John Beck, Gordon Stout, and Ted Moore.

In 1981, he moved to New York City, where he eventually found work playing or recording as a sideman for luminaries like Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, and others. He also began flexing his compositional skills, supplying the score for the independent film/documentary El Salvador: Another Vietnam. As a leader, Locke debuted with 1990's Present Tense on the Danish SteepleChase label. More albums followed for the label including 1994's But Beautiful with pianist Kenny Barron, 1994's Longing, and 1996's Inner Space.

Also during this period, he toured Japan with Eddie Henderson and recorded with artists like Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, and the Mingus Big Band, among others. He then moved to Milestone/Fantasy's roster with 1995's Moment to Moment: The Music of Henry Mancini. His subsequent Milestone dates included 1997's Sound Tracks (which concentrated on songs from famous films) and 1998's Slander (And Other Love Songs). In 1999, he paired with pianist David Hazeltine, bassist Essiet Essiet, and drummer Billy Drummond for Mutual Appreciation Society.

In the 2000's, he formed a fruitful relationship with John Priestley's Sirocco Jazz Ltd. label, issuing albums like Beauty Burning with pianist Frank Kimbrough and drummer Jeff "Tain" Watts, and 2001's Storytelling with vocalist Mark Ledford and keyboardist/co-producer Henry Hey. His Storytelling band was also on board for 2002's State of Soul. A year later, he issued the sophisticated Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton. Locke then joined pianist Mike LeDonne, bassist Bob Cranshaw, and drummer Mickey Roker for the 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation on Sharp Nine Records. Over the next several years, Locke stayed busy, pairing with longtime associate pianist Geoff Keezer, for 2006's Live in Seattle, and issuing the 2007 quartet dates Sticks and Stones, and 2008's Force of Four which featured a guest appearance by saxophonist Wayne Escoffery.

For the Love of You arrived in 2010, and featured Keezer, along with bassist George Mraz, and drummer Clarence Penn. The atmospheric session Via appeared in 2011, and found Locke collaborating with Keezer, and multi-reed player Tim Garland. Keezer was also on board for 2012's Signing on Motéma Music, as were drummer Terreon Gully, and bassist Mike Pope. More efforts followed for the label including 2013's Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1 , 2015's Love is a Pendulum. In 2018, Locke returned with Subtle Disguise, a nuanced album featuring contributions by saxophonist David Binney, guitarist Raul Midón, and others. Along with originals, the album included covers of Bob Dylan's "Who Killed Davey Moore?," and Blind Willie Johnson's "Motherless Children."

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

///////

 Biografía del artista por Matt Collar

El percusionista Joe Locke es un intérprete y compositor de gran prestigio, conocido por su estilo expresivo y swinging tanto en el vibráfono como en la batería. Emergiendo a finales de los 80, Locke se estableció inicialmente como un jugador de hard-bop confiable trabajando junto a Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander y otros. También mostró su profundo sentido de la tradición del jazz con álbumes como Longing de 1994 y Mutual Appreciation Society de 1999 con el pianista David Hazeltine. A partir de los años'00, Locke obtuvo más elogios emitiendo obras más ambiciosas como Four Walls of Freedom de 2003, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton, y su Rev-elección de contribuciones de Milt Jackson de 2005. Cinco veces galardonado con el premio "Instrumentista de mazo del año" de la Asociación de Periodistas de Jazz, Locke también fue admitido en el Music Hall of Fame de su ciudad natal de Rochester, Nueva York, en 2016.

Nacido en Palo Alto, California en 1959, Locke era todavía un niño cuando se mudó con su familia a Rochester, Nueva York. Fue allí donde comenzó a tocar el piano y la batería alrededor de los ocho años, antes de empezar a tocar el vibráfono a los trece años. Animado por su padre, profesor de música, Locke tocó inicialmente en bandas de rock. Sin embargo, en su adolescencia ya había descubierto el jazz, y pronto estaba imbuido del trabajo de sus ídolos Bobby Hutcherson y Milt Jackson. Después de la escuela secundaria, perfeccionó sus habilidades en la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo valiosas tutorías de reconocidos educadores como John Beck, Gordon Stout y Ted Moore.

En 1981, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde eventualmente encontró trabajo tocando o grabando como sideman para luminarias como Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, y otros. También comenzó a flexionar sus habilidades compositivas, suministrando la banda sonora para la película/documental independiente El Salvador: Otro Vietnam. Como líder, Locke debutó con el Present Tense de 1990 en el sello danés SteepleChase. Más álbumes siguieron para el sello, incluyendo But Beautiful, de 1994, con el pianista Kenny Barron, Longing, de 1994, y Inner Space, de 1996.

También durante este período, realizó una gira por Japón con Eddie Henderson y grabó con artistas como Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, y la Mingus Big Band, entre otros. Luego se trasladó a la lista de Milestone/Fantasy con Moment to Moment de 1995: La música de Henry Mancini. Sus fechas posteriores incluyen las bandas sonoras de 1997 (que se concentraron en canciones de películas famosas) y las calumnias de 1998 (y otras canciones de amor). En 1999, hizo pareja con el pianista David Hazeltine, el bajista Essiet Essiet y el baterista Billy Drummond para Mutual Appreciation Society.

En los años 2000, formó una fructífera relación con el sello Sirocco Jazz Ltd. de John Priestley, editando álbumes como Beauty Burning con el pianista Frank Kimbrough y el baterista Jeff "Tain" Watts, y Storytelling con el vocalista Mark Ledford y el tecladista y coproductor Henry Hey, y con su banda Storytelling, que también participó en el State of Soul de 2002. Un año después, publicó los sofisticados Cuatro Muros de Libertad, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton. Locke se unió al pianista Mike LeDonne, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Mickey Roker en la Rev-elección de Milt Jackson 2005 en Sharp Nine Records. Durante los años siguientes, Locke se mantuvo ocupado, trabajando con el pianista asociado Geoff Keezer, para el Live in Seattle de 2006, y emitiendo el cuarteto de 2007 Sticks and Stones, y el Force of Four de 2008, que contó con la participación como invitado del saxofonista Wayne Escoffery.

For the Love of You llegó en 2010, y contó con Keezer, junto con el bajista George Mraz, y el baterista Clarence Penn. La sesión atmosférica Via apareció en 2011, y encontró a Locke colaborando con Keezer, y al jugador de multicascos Tim Garland. Keezer también estuvo a bordo para el Signing on Motéma Music de 2012, al igual que el baterista Terreon Gully y el bajista Mike Pope. Siguieron más esfuerzos para el sello, incluyendo el de 2013, Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1, El amor de 2015 es un péndulo. En 2018, Locke regresó con Subtle Disguise, un álbum matizado con contribuciones del saxofonista David Binney, el guitarrista Raúl Midón y otros. Junto con los originales, el álbum incluía versiones de "Who Killed Davey Moore? de Bob Dylan" y "Motherless Children" de Blind Willie Johnson.

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

Jerzy Milian & Gustav Brom Orchestra • Blues for Praha

 

A living legend of the Polish jazz and the country's leading vibraphonist, Jerzy Milian has recorded and performed alongside such stars as Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, and Tomasz Stańko. His 1969 debut LP, “Bazaar”, remains a much sought-for item. For nearly a quarter of a century Jerzy Milian has been in charge of the Polish Radio and Television Orchestra of Popular Music whose recordings have been regularly featured by the BBC. Today, Milian's original LPs command high prices, while the man himself is generally considered the icon of the Polish jazz. He is by all means the godfather of the groove.

   

Considered by many to be the living legend of the Polish jazz, Jerzy Milian remains one of Europe's leading vibraphonists. In the autumn of 1965 he found himself doing a brief yet fruitful stint with the Czechoslovak big band directed by Gustav Brom. It wasn't until almost half a century later, however, that the recordings documenting this unique collaboration finally surfaced on a CD. Blues for Praha is out now.

Back in the 1960s Gustav Brom's orchestra was classified by “Down Beat" as of one the world's best big bands. Jerzy Milian had already been an experienced musician and performer by then, having played with Krzysztof Komeda and Jan Ptaszyn Wróblewski. In October 1965 he seized the Czechslovak audience during his memorable performance at the Prague Jazz Festival, bringing down the Lucerna Music Hall and becoming the event's biggest revelation almost instantly. Although the live recordings have not survived, their studio equivalents, laid down at the Czech radio and encompassing the material from the entire show, are now released on the Blues for Praha CD. The ensemble's live potential can be heard on three additional live tracks recorded in February 1966 at Brno's Jazz Club.

Remastered from the original tapes, the album comes with a lavish booklet featuring a comprehensive essay (also in English), the artist's reminiscences and a bunch of previously unseen photos by Marek Karewicz.

Blues for Praha continues the bestselling “Jerzy Milian Tapes" series of recordings launched in 2012 with the “When Where Why" album. At least eight more volumes are to follow.

///////

Una leyenda viva del jazz polaco y el principal vibrafonista del país, Jerzy Milian ha grabado y actuado junto a estrellas como Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, y Tomasz Stańko. Su LP de debut de 1969, "Bazaar", sigue siendo un artículo muy solicitado. Durante casi un cuarto de siglo Jerzy Milian ha estado a cargo de la Orquesta de Música Popular de la Radio y la Televisión Polaca, cuyas grabaciones han sido presentadas regularmente por la BBC. Hoy en día, los LP originales de Milian alcanzan precios elevados, mientras que el hombre mismo es considerado generalmente como el icono del jazz polaco. Él es por todos los medios el padrino del groove.

Considerado por muchos como la leyenda viva del jazz polaco, Jerzy Milian sigue siendo uno de los principales vibrafonistas de Europa. En el otoño de 1965 se encontró haciendo una breve pero fructífera estancia en la big band checoslovaca dirigida por Gustav Brom. Sin embargo, no fue hasta casi medio siglo más tarde que las grabaciones que documentan esta colaboración única salieron finalmente a la luz en un CD. Blues for Praha ya está en circulación.

En la década de 1960 la orquesta de Gustav Brom fue clasificada por "Down Beat" como una de las mejores big bands del mundo. Jerzy Milian ya era un músico e intérprete experimentado para entonces, habiendo tocado con Krzysztof Komeda y Jan Ptaszyn Wróblewski. En octubre de 1965 se apoderó del público checo durante su memorable actuación en el Festival de Jazz de Praga, derribando el Lucerna Music Hall y convirtiéndose casi instantáneamente en la mayor revelación del evento. Aunque las grabaciones en vivo no han sobrevivido, sus equivalentes de estudio, establecidas en la radio checa y que abarcan el material de todo el espectáculo, se publican ahora en el CD Blues for Praha. El potencial del conjunto en vivo se puede escuchar en tres temas adicionales grabados en febrero de 1966 en el Club de Jazz de Brno.

Remasterizado a partir de las cintas originales, el álbum viene con un lujoso folleto que incluye un amplio ensayo (también en inglés), las reminiscencias del artista y un montón de fotos inéditas de Marek Karewicz.

Blues for Praha continúa con la serie de grabaciones de mayor venta "Jerzy Milian Tapes" lanzada en 2012 con el álbum "When Where Why". Por lo menos ocho volúmenes más van a seguir.   

Terry Gibbs • Terry Gibbs Plays The Duke

Artist Biography

Terry Gibbs began his career at the age of 12 after winning the Major Bowes Amateur Hour Contest and subsequently began touring professionally. He spent many years as a drummer and percussionist playing gigs until his affinity for bebop motivated him to turn down a scholarship to Julliard as a timpanist and return to the vibes. Six decades of inspirational vibe playing and technique, Gibbs is recognized as one of the best ever to grace the genre of bop.

After World War II, Gibbs toured with Chubby Jackson, Buddy Rich and Woody Herman. He co-led a sextet with Louie Bellson and Charlie Shavers; and in 1950, he formed his own band for Mel Torme's TV show. In 1951, he joined the Benny Goodman Sextet. Subsequently, he toured with his own band where he won acclaim as “# 1 Vibraphonist in the world,” in both the down beat and Metronome polls from 1950 to 1955. Gibbs also played a role in breaking down the sex barrier in music, using pianists Terry Pollard, who he often featured in vibe duos, and Alice McLeod, who later married John Coltrane.

Settling in Los Angeles in 1957, he formed his big band known as “The Dream Band.” Comprised of Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte Candoli and Richard Kamuca, they were named “Best Band in the World” in the Downbeat '62 Critic's Poll.

Gibbs returned to New York in the early sixties only to move back to LA to take a position as Music Director for the Regis Philbin Show. This gave him the opportunity to compose the music and conduct a sextet. He later served as Music Director/Composer for the ABC TV show, Operation Entertainment and for Steve Allen, building a substantial ASCAP rating. Gibbs also taught Steve Allen to play the vibes.

Gibbs, throughout his illustrious career has enjoyed world acclaim playing with greats such as clarinetist Buddy DeFranco, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones and Tito Puente. Co-leading a quintet, he had an unprecedented nomination in four categories of the Playboy Jazz Poll: Best Vibraphonist, Best Quartet, Best Big Band and Best Band Leader. His association with DeFranco has spanned 18 years and is still an invigorating collaboration today.

With 65 albums to his credit, winner of 3 major jazz polls and creator of 300+ compositions (recorded by Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs has left an indelible mark in the world of vibes.

///////

Biografía del artista

Terry Gibbs comenzó su carrera a la edad de 12 años después de ganar el Major Bowes Amateur Hour Contest y posteriormente comenzó a hacer giras profesionales. Pasó muchos años como baterista y percusionista tocando en conciertos hasta que su afinidad por el bebop lo motivó a rechazar una beca para Julliard como timbalista y regresar a las vibraciones. Seis décadas de inspiración y técnica, Gibbs es reconocido como uno de los mejores en el género del bop.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Gibbs hizo una gira con Chubby Jackson, Buddy Rich y Woody Herman. Dirigió un sexteto con Louie Bellson y Charlie Shavers; y en 1950, formó su propia banda para el programa de televisión de Mel Torme. En 1951, se unió al Sexteto de Benny Goodman. Posteriormente, realizó una gira con su propia banda en la que fue aclamado como el "Vibrafonista número 1 del mundo", tanto en el compás como en las encuestas del Metrónomo de 1950 a 1955. Gibbs también jugó un papel en romper la barrera del sexo en la música, usando a los pianistas Terry Pollard, a quienes a menudo presentaba en dúos vibrantes, y a Alice McLeod, quien más tarde se casó con John Coltrane.

Se estableció en Los Ángeles en 1957 y formó su gran banda conocida como "The Dream Band". Compuesto por Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte Candoli y Richard Kamuca, fueron nombrados "Mejor Banda del Mundo" en el Downbeat '62 Critic's Poll.

Gibbs regresó a Nueva York a principios de los años sesenta sólo para regresar a Los Ángeles y tomar un puesto como Director Musical para el Show de Regis Philbin. Esto le dio la oportunidad de componer la música y dirigir un sexteto. Más tarde se desempeñó como Director Musical/Compositor para el programa de televisión ABC, Operation Entertainment y para Steve Allen, obteniendo una calificación sustancial de ASCAP. Gibbs también enseñó a Steve Allen a tocar las vibraciones.

Gibbs, a lo largo de su ilustre carrera ha disfrutado de la aclamación mundial tocando con grandes figuras como el clarinetista Buddy DeFranco, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones y Tito Puente. Co-liderando un quinteto, tuvo una nominación sin precedentes en cuatro categorías de la Playboy Jazz Poll: Mejor Vibrafonista, Mejor Cuarteto, Mejor Big Band y Mejor Líder de Banda. Su asociación con DeFranco ha durado 18 años y sigue siendo una colaboración vigorizante en la actualidad.

Con 65 álbumes en su haber, ganador de 3 importantes encuestas de jazz y creador de más de 300 composiciones (grabadas por Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs ha dejado una huella indeleble en el mundo de las vibraciones.

www.terrygibbs.net ...

 

John Cocuzzi Quintet • Swingin' & Burnin'

Review by Dave Nathan

John Cocuzzi is a versatile, talented multi-instrumentalist jazz musician who, with his quintet, stretches out for an entertaining 60 minutes-plus of solid, straight ahead jazz on this very good album. A Washington, D.C. native, Cocuzzi gained an appreciation of jazz at an early age listening to his record collection and to his father, who was a percussionist with the U.S. Marine Band. Initially studying piano and then drums after hearing Lionel Hampton, vibes were added to his arsenal of instruments. Swingin' and Burnin' revisits the small group swing of the '30s and '40s popularized by Benny Goodman, Hampton, Artie Shaw, and others. Cocuzzi adds his own flavor along with some artful arrangements to such warhorses from the past as "Slipped Disc," "Benny's Bugle," and "You're Nobody Till Somebody Loves You." On the latter, Cocuzzi shows off his vocal skills along with a boogie woogie piano. "Broadway" epitomizes the adroit swinging of the quintet, with each member of the group getting a chance to show their wares during the seven minutes they devote to this Teddy McRae/Bill Bird melody. The New Orleans idiom is represented on the CD as well with "What Did I Do to Be So Black and Blue?" This tune, a favorite of Louis Armstrong, is done slow drag featuring muted vibes' mallet by Cocuzzi working with a very soulful clarinet by Allan Vaché. This track is one of the highlights of the album.

This session is in no way limited to up beat "swingin' and burnin'" pieces. There's some pretty slow stuff here as well. "Ghost of A Chance" features electrically enhanced Cocuzzi vibes, coupled with some imaginative bass by John Previti. "Cheek to Cheek" belongs to veteran Washington D.C. guitar player, Steve Abshire. Abshire, who has graced the albums of jazz diva Ronnie Wells, plays in a calm, flowing fashion bringing out the best this lovely melody has to offer. "Things Ain't What They Used to Be', another slow piece, spotlights a bluesy Cocuzzi piano with Big John Maher's drums laying a solid foundation. Vaché and Cocuzzi, on clarinet and vibes respectively, combine on a striking"Comes Love" with Vaché's impulsive and sometimes wailing clarinet recalling Artie Shaw's 1949 rendition. The album's coda brings Cocuzzi's cheerful voice to the mike again in a pretty rendition of "'Tis Autumn" accompanying himself on the piano and showing a romantic side with the ivories. This is an agreeable ending to a highly recommended album.

///////

Reseña de Dave Nathan

John Cocuzzi es un versátil y talentoso músico de jazz multi-instrumentalista que, con su quinteto, se extiende durante más de 60 minutos de jazz sólido y directo en este muy buen álbum. Nacido en Washington, D.C., Cocuzzi aprendió a apreciar el jazz a una edad temprana escuchando su colección de discos y a su padre, que era percusionista de la Banda de los Marines de los Estados Unidos. Inicialmente estudiando piano y luego batería después de escuchar a Lionel Hampton, las vibraciones se añadieron a su arsenal de instrumentos. Swingin' and Burnin' revisa el swing de pequeños grupos de los años 30 y 40 popularizado por Benny Goodman, Hampton, Artie Shaw y otros. Cocuzzi añade su propio sabor junto con algunos arreglos artísticos a caballos de guerra del pasado como "Slipped Disc", "Benny's Bugle" y "You're Nobody Till Somebody Loves You". En esta última, Cocuzzi muestra sus habilidades vocales junto con un piano de boogie woogie. "Broadway" personifica el hábil swing del quinteto, y cada miembro del grupo tiene la oportunidad de mostrar su mercancía durante los siete minutos que dedican a esta melodía de Teddy McRae/Bill Bird. El idioma de Nueva Orleans también está representado en el CD con "What Did I Do to Be So Black and Blue?" Esta melodía, una de las favoritas de Louis Armstrong, es un lento arrastre con un mazo de vibráfono mudo de Cocuzzi y un clarinete muy conmovedor de Allan Vaché. Este tema es uno de los más destacados del álbum.

Esta sesión no se limita de ninguna manera a las piezas "swingin' and burnin'". Hay algunas cosas bastante lentas aquí también. "Ghost of A Chance" presenta vibraciones Cocuzzi eléctricamente mejoradas, junto con un imaginativo bajo de John Previti. "Cheek to Cheek" pertenece al veterano guitarrista de Washington D.C., Steve Abshire. Abshire, que ha adornado los álbumes de la diva del jazz Ronnie Wells, toca de forma tranquila y fluida sacando lo mejor de esta encantadora melodía. "Things Ain't What They Used to Be", otra pieza lenta, resalta un piano Cocuzzi bluesero con la batería del Gran John Maher poniendo una sólida base. Vaché y Cocuzzi, en clarinete y vibráfono respectivamente, se combinan en un impactante "Comes Love" con el impulsivo y a veces lloroso clarinete de Vaché, recordando la interpretación de Artie Shaw en 1949. La coda del álbum vuelve a poner al micrófono la alegre voz de Cocuzzi en una bonita interpretación de "'Tis Autumn" acompañándose al piano y mostrando un lado romántico con los marfiles. Este es un final agradable para un álbum muy recomendado. 

 

 

 

cocuzzimusic ...

Mike Mainieri & Marnix Busstra Quartet • Twelve Pieces

 

Roy Ayers • Virgo Vibes

 Artist Biography:

Once one of the most visible and winning jazz vibraphonists of the 1960s, then an R&B bandleader in the 1970s and '80s, Roy Ayers' reputation s now that of one of the prophets of acid jazz, a man decades ahead of his time. A tune like 1972's "Move to Groove" by the Roy Ayers Ubiquity has a crackling backbeat that serves as the prototype for the shuffling hip-hop groove that became, shall we say, ubiquitous on acid jazz records; and his relaxed 1976 song "Everybody Loves the Sunshine" has been frequently sampled. Yet Ayers' own playing has always been rooted in hard bop: crisp, lyrical, rhythmically resilient. His own reaction to being canonized by the hip-hop crowd as the "Icon Man" is tempered with the detachment of a survivor in a rough business. "I'm having fun laughing with it," he has said. "I don't mind what they call me, that's what people do in this industry."

Growing up in a musical family -- his father played trombone, his mother taught him the piano -- the five-year-old Ayers was given a set of vibe mallets by Lionel Hampton, but didn't start on the instrument until he was 17. He got involved in the West Coast jazz scene in his early 20s, recording with Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967), and the Gerald Wilson Orchestra (1965-1966); and playing with Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes and Phineas Newborn. A session with Herbie Mann at the Lighthouse in Hermosa Beach led to a four-year gig with the versatile flutist (1966-1970), an experience that gave Ayers tremendous exposure and opened his ears to styles of music other than the bebop that he had grown up with.

After being featured prominently on Mann's hit Memphis Underground album and recording three solo albums for Atlantic under Mann's supervision, Ayers left the group in 1970 to form the Roy Ayers Ubiquity, which recorded several albums for Polydor and featured such players as Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim, and Alphonse Mouzon. An R&B-jazz-rock band influenced by electric Miles Davis and the Herbie Hancock Sextet at first, the Ubiquity gradually shed its jazz component in favor of R&B/funk and disco. Though Ayers' pop records were commercially successful, with several charted singles on the R&B charts for Polydor and Columbia, they became increasingly, perhaps correspondingly, devoid of musical interest.

In the 1980s, besides leading his bands and recording, Ayers collaborated with Nigerian musician Fela Anikulapo-Kuti, formed Uno Melodic Records, and produced and/or co-wrote several recordings for various artists. As the merger of hip-hop and jazz took hold in the early '90s, Ayers made a guest appearance on Guru's seminal Jazzmatazz album in 1993 and played at New York clubs with Guru and Donald Byrd. Though most of his solo records had been out of print for years, Verve issued a two-CD anthology of his work with Ubiquity and the first U.S. release of a live gig at the 1972 Montreux Jazz Festival; the latter finds the group playing excellent straight-ahead jazz, as well as jazz-rock and R&B.

Source: Richard S. Ginell

///////

 Biografía del artista:

Una vez fue uno de los vibrafonistas de jazz más visibles y ganadores de los años 60, luego director de una banda de R&B en los 70 y 80, la reputación de Roy Ayers es ahora la de uno de los profetas del acid jazz, un hombre adelantado a su tiempo. Una canción como "Move to Groove" de 1972 de Roy Ayers Ubiquity tiene un ritmo de fondo chispeante que sirve de prototipo para el arrastrado del hip-hop que se convirtió, digamos, en omnipresente en los discos de acid jazz; y su relajada canción de 1976 "Everybody Loves the Sunshine" ha sido frecuentemente sampleada. Sin embargo, el propio juego de Ayers siempre ha estado enraizado en el hard bop: nítido, lírico, rítmicamente resistente. Su propia reacción al ser canonizado por la multitud del hip-hop como el "Hombre Icono" se templa con el desapego de un sobreviviente en un negocio difícil. "Me estoy divirtiendo riéndome con ello", ha dicho. "No me importa cómo me llamen, eso es lo que hace la gente en esta industria".

Creciendo en una familia musical - su padre tocaba el trombón, su madre le enseñó el piano - el niño de cinco años Ayers recibió un juego de mazos de vibración de Lionel Hampton, pero no empezó con el instrumento hasta los 17 años. Se involucró en la escena del jazz de la Costa Oeste a los 20 años, grabando con Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967) y la Orquesta de Gerald Wilson (1965-1966); y tocando con Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes y Phineas Newborn. Una sesión con Herbie Mann en el Faro de Hermosa Beach condujo a un concierto de cuatro años con el versátil flautista (1966-1970), una experiencia que le dio a Ayers una tremenda exposición y le abrió los oídos a otros estilos de música distintos del bebop con el que había crecido.

Después de haber aparecido de forma destacada en el exitoso álbum de Mann Memphis Underground y de haber grabado tres álbumes en solitario para Atlantic bajo la supervisión de Mann, Ayers dejó el grupo en 1970 para formar el Roy Ayers Ubiquity, que grabó varios álbumes para Polydor y contó con la participación de jugadores como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim y Alphonse Mouzon. Una banda de R&B-jazz-rock influenciada por el eléctrico Miles Davis y el Sexteto Herbie Hancock al principio, Ubiquity fue abandonando gradualmente su componente de jazz en favor del R&B/funk y la música disco. Aunque los discos de pop de Ayers tuvieron éxito comercial, con varios singles en las listas de R&B de Polydor y Columbia, se fueron quedando sin interés musical.

En el decenio de 1980, además de dirigir sus bandas y grabar, Ayers colaboró con el músico nigeriano Fela Anikulapo-Kuti, formó Uno Melodic Records y produjo y/o co-escribió varias grabaciones para varios artistas. Cuando la fusión del hip-hop y el jazz se afianzó a principios de los años 90, Ayers apareció como invitado en el disco seminal de Guru Jazzmatazz en 1993 y tocó en los clubes de Nueva York con Guru y Donald Byrd. Aunque la mayoría de sus discos solistas habían estado agotados durante años, Verve publicó una antología en dos CDs de su trabajo con Ubiquity y el primer lanzamiento estadounidense de un concierto en vivo en el Festival de Jazz de Montreux de 1972; este último encuentra al grupo tocando un excelente jazz directo, así como jazz-rock y R&B.

Fuente: Richard S. Ginell

royayers.net ...

Isla Eckinger & Riner Scivally • Duets

Guitarist Riner Scivally and bassist Isla Eckinger have worked together all over Southern California now for over twenty years. Both have brought an exquisite melodic impression, as well as a powerful rhythmic foundation, to their various projects, sharing great jazz with a who's who of Los Angeles performers.

This time out, however, it's just the two of them. Scivally and Eckinger romp and stroll through this program of originals and standards with facility, enjoying the ride. Eckinger's bass solos and Scivally's guitar improvisations spark a creative interest that won't let up. Together, they provide a warm program that stands proud on the jazz and blues tradition.

Eckinger switches to trombone for "Michigan Girl, "Swifts and "Lament, bringing a laid-back ambience to the duet session. He reaches all the way back to jazz's earliest and earthiest roots for these selections, exploring the melodies with a carefree air while Scivally provides the rhythmic foundation. The guitarist's lovely solo stretch on J.J. Johnson's "Lament serves as a centerpiece for the album, reminding us that melody, rhythm and improvisation make perfect partners.

On vibraphone for "That's a Wrap, "Re-Wrap, "Out of the Green, "Stardust, "Blues for Pili and "Groovin' High, Eckinger provides a layered harmony and embellished melody while Scivally supplies the rhythm. Their partnership allows them to swing with a comfortable texture common to the straight-ahead philosophy.

On double bass for "Blues in the Closet, "A Smooth One, "Four on Six and "Mr. Blue, Eckinger provides a mainstream rhythm-oriented approach while the guitar steps out in an animated fashion. Both artists provide lovely solo spots, and these guitar/bass selections stand out as the album's best tracks. "Mr. Blue, dedicated to the memory of the late guitarist Stevie Ray Vaughan, finds both the guitarist and the bassist at the top of their form, with expressive fingers on fire.

As two formidable veterans in the contemporary field of straight-ahead jazz, Scivally and Eckinger say it all with class on Duets.

https://www.allaboutjazz.com/duets-riner-scivally-talking-dog-review-by-jim-santella.php

///////

El guitarrista Riner Scivally y el bajista Isla Eckinger han trabajado juntos en todo el sur de California por más de veinte años. Ambos han traído una exquisita impresión melódica, así como una poderosa base rítmica, a sus diversos proyectos, compartiendo un gran jazz con los artistas de los Ángeles.

Esta vez, sin embargo, son solo ellos dos. Scivally y Eckinger juguetean y pasean por este programa de originales y estándares con facilidad, disfrutando del viaje. Los solos de bajo de Eckinger y las improvisaciones de guitarra de Scivally despiertan un interés creativo que no cede. Juntos, brindan un programa cálido que se enorgullece de la tradición del jazz y el blues.

Eckinger cambia a trombón para "Michigan Girl", Swifts y "Lament, que le da un ambiente relajado a la sesión de dúo. Se remonta a las raíces más antiguas y terrenales del jazz para estas selecciones, explorando las melodías con aire despreocupado mientras Scivally proporciona la base rítmica. El encantador tramo en solitario del guitarrista en JJ Johnson's "Lament sirve como pieza central para el álbum, y nos recuerda que la melodía, el ritmo y la improvisación son compañeros perfectos.

En vibráfono para "That's a Wrap", Re-Wrap, "Out of the Green", Stardust, "Blues for Pili" y "Groovin 'High", Eckinger ofrece una armonía en capas y una melodía adornada mientras Scivally proporciona el ritmo. Su asociación les permite balancearse con una textura cómoda común a la filosofía directa.

En contrabajo para "Blues in the Closet", A Smooth One, "Four on Six" y "Mr. Azul, Eckinger proporciona un enfoque principal orientado al ritmo, mientras que la guitarra sale de forma animada. Ambos artistas brindan encantadores espacios para solistas, y estas selecciones de guitarra / bajo se destacan como las mejores pistas del álbum. "El Sr. Blue, dedicado a la memoria del fallecido guitarrista Stevie Ray Vaughan, encuentra al guitarrista y al bajista en la parte superior de su forma, con expresivos dedos en llamas.

Como dos veteranos formidables en el campo contemporáneo del jazz directo, Scivally y Eckinger lo dicen todo con clase en Duets.

https://www.allaboutjazz.com/duets-riner-scivally-talking-dog-review-by-jim-santella.php

 

 

Stan Getz • Bossas And Ballads

Terry Gibbs • Feelin' Good Live In Studio

Review by Michael G. Nastos

Vibraphonist Terry Gibbs invited select guest audience members into a studio for this recording, giving it the club date feel and interaction that usually pumps up the excitement quotient. Gibbs (age 80) also has added to his handpicked band the very exciting organist Joey DeFrancesco, adding more of the chitlin' circuit feel to the proceedings. With guitarist Dan Faehnle and tenor saxophonist Eric Alexander, this elevates the session further to a legitimate classic soul-jazz groove date. While vibes have been used before in this setting, and Gibbs is not the first, it is not typical in contemporary times. Many originals written by Gibbs, a few standards done differently, and the noticeable symmetry between the participants take these recordings to an even different plateau. The band works well together, and except for the sheer amplified volume level on DeFrancesco's organ, no one player dominates. There's some super hot hard bop here, starting with the soul-jazz flavored opener "Smoke 'Em Up" in a similar groove to "Got My Mojo Working," the 250 m.p.h. "Hot Rod" closer with its swirling, circular melody, and "Hey Jim," similar to Charlie Parker's fervent "Cool Blues" that organist Jimmy Smith did so well. "St. Louis Blues" is introduced by drummer Gerry Gibbs (Terry's son) in a bompity bomp Gene Krupa style, then swings out. The Brazilian classic of Antonio Carlos Jobim "Wave" is stripped of its bossa nova melody and replaced with a jazz swing, while conversely the bossa rhythm replaces the swing of "Sugar." The immortal Erroll Garner ballad "Misty" has its familiar time doubled, and trimmed in Latin dress via the conga playing of Ray Armando with all of the front line instrumentalists democratically playing a portion of the melody. Blues is never far from the equation, in a feature for DeFrancesco on the neat and clean take of "Things Ain't What They Used to Be," the relaxed and slow pace of "And That's Why They Call It the Blues," but the out of place, anxious solo from Gibbs during the vibe led version of "This Masquerade" has been done far too often (and boringly at that) to make this listless cover stand out. Feelin' Good is generally an apt title on this collection of tunes from a true all-star group of players, particularly the extraordinary Joey DeFrancesco, the excellent Eric Alexander, and the underrated and still improving Dan Faehnle.

///////

Reseña de Michael G. Nastos
El vibrafonista Terry Gibbs invitó a miembros selectos de la audiencia invitada a un estudio para esta grabación, dándole la sensación de tener una cita en el club y la interacción que usualmente eleva el cociente de emoción. Gibbs (80 años) también ha añadido a su banda seleccionada el emocionante organista Joey DeFrancesco, añadiendo más de la sensación del circuito chitlin' a los procedimientos. Con el guitarrista Dan Faehnle y el saxofonista tenor Eric Alexander, esto eleva aún más la sesión a una cita clásica legítima de soul-jazz groove. Mientras que las vibraciones han sido usadas antes en este escenario, y Gibbs no es el primero, no es típico en tiempos contemporáneos. Muchos originales escritos por Gibbs, algunos estándares hechos de forma diferente, y la notable simetría entre los participantes llevan estas grabaciones a un nivel incluso diferente. La banda trabaja bien en conjunto, y a excepción del nivel de volumen amplificado en el órgano de DeFrancesco, no hay un solo músico que lo domine. Hay un poco de hard bop súper caliente aquí, comenzando con el abridor con sabor a soul-jazz "Smoke 'Em Up" en un ritmo similar al de "Got My Mojo Working", el "Hot Rod" de 250 m.p.h. más cerca con su melodía circular y arremolinada, y el "Hey Jim", similar al ferviente "Cool Blues" de Charlie Parker, que el organista Jimmy Smith hizo tan bien. "Louis Blues" es presentado por el baterista Gerry Gibbs (hijo de Terry) en una bomba al estilo de Gene Krupa, luego se balancea hacia afuera. El clásico brasileño de Antonio Carlos Jobim "Wave" es despojado de su melodía de bossa nova y sustituido por un swing de jazz, mientras que el ritmo de bossa sustituye al swing de "Sugar". La inmortal balada "Misty" de Erroll Garner tiene su tiempo familiar doblado, y adornado con vestidos latinos a través de la conga de Ray Armando con todos los instrumentistas de primera línea tocando democráticamente una parte de la melodía. El blues nunca está lejos de la ecuación, en un largometraje para DeFrancesco sobre la toma limpia y ordenada de "Things Ain't What They Used To Be", el ritmo relajado y lento de "And That's Why They Call It the Blues" (Y por eso lo llaman el blues), pero el fuera de lugar, el ansioso solo de Gibbs durante la versión de "This Masquerade" (Esta mascarada) se ha hecho demasiado a menudo (y aburriéndose) como para hacer que esta portada apática resalte. Feelin' Good es generalmente un título apto para esta colección de temas de un verdadero grupo de jugadores estrella, en particular el extraordinario Joey DeFrancesco, el excelente Eric Alexander, y el subestimado y aún mejor Dan Faehnle.

 

www.terrygibbs.net ...

Lolly Allen • Coming Home

With inspiration provided by myriad jazz masters and the Los Angeles musicians she surrounds herself with, vibist Lolly Allen creates a warm, swinging, and jubilant set of music on "Coming Home." Opening with Horace Silver's "The Hippest Cat in Hollywood," she celebrates the LA jazz scene that developed out of the flourishing Central Ave clubs of the '50s. Surrounding herself with revered veterans of the scene, such as drummer Paul Kreibich and pianist Tom Owens, and young, vital members of the next generation, including pianist Josh Nelson and saxophonist Danny Janklow, Lolly delivers invigorated perspectives of the quintet group dynamic. Classics like Mario Bauza's "Mambo Inn" and Dizzy Gillespie's "Bebop" are paired with Allen's originals, "Little Hummingbird" and the title cut, in a seamless blend of supple ideas and renewed approaches to traditional repertoire.

https://originarts.com/oa2/recordings/recording.php?TitleID=22178

///////

Con la inspiración proporcionada por una miríada de maestros de jazz y los músicos de Los Ángeles de los que se rodea, la vibrafonista Lolly Allen crea un conjunto de música cálida, swing y jubilosa en "Coming Home". Abriendo con "El gato más moderno de Hollywood" de Horace Silver, celebra la escena de jazz de Los Ángeles que se desarrolló en los florecientes clubes de Central Ave de los años 50. Rodeada de venerados veteranos de la escena, como el baterista Paul Kreibich y el pianista Tom Owens, y de jóvenes y vitales miembros de la próxima generación, como el pianista Josh Nelson y el saxofonista Danny Janklow, Lolly ofrece perspectivas vigorosas de la dinámica del grupo de quintetos. Clásicos como "Mambo Inn" de Mario Bauza y "Bebop" de Dizzy Gillespie se combinan con los originales de Allen, "Little Hummingbird" y el corte del título, en una mezcla perfecta de ideas flexibles y enfoques renovados del repertorio tradicional.

https://originarts.com/oa2/recordings/recording.php?TitleID=22178

Gary Burton • Duster

Born in 1943 and raised in Indiana, Gary Burton taught himself to play the vibraphone and, at the age of 17, made his recording debut in Nashville, Tennessee, with guitarists Hank Garland and Chet Atkins. Two years later, Burton left his studies at Berklee College of Music to join George Shearing and subsequently Stan Getz, with whom he worked from 1964-1966.

As a member of Getz's quartet, Burton won Down Beat magazine's Talent Deserving of Wider Recognition award in 1965. By the time he left Getz to form his own quartet in 1967, Burton had also recorded three albums under his name for RCA. Borrowing rhythms and sonorities from rock music, while maintaining jazz's emphasis on improvisation and harmonic complexity, Burton's first quartet attracted large audiences from both sides of the jazz-rock spectrum. Such albums as Duster and Lofty Fake Anagram established Burton and his band as progenitors of the jazz fusion phenomenon. Burton's burgeoning popularity was quickly validated by Down Beat magazine, which awarded him its Jazzman of the Year award in 1968. During his subsequent association with the label (1973-1988) the Burton Quartet expanded to include the young Pat Metheny on guitar, and the band began to explore a repertoire of modern compositions. In the '70s, Burton also began to focus on more intimate contexts for his music. His 1971 album Alone at Last, a solo vibraphone concert recorded at the 1971 Montreux Jazz Festival, was honored with a Grammy Award. Burton also turned to the rarely heard duo format, recording with bassist Steve Swallow, guitarist Ralph Towner, and most notably with pianist Chick Corea, thus cementing a long personal and professional relationship that has garnered an additional two Grammy Awards.

Also in the '70s, Burton began his career with Berklee College of Music in Boston. Burton began as a teacher of percussion and improvisation classes at Berklee in 1971. In 1985 he was named Dean of Curriculum. In 1989, he received an honorary doctorate of music from the college, and in 1996, he was appointed Executive Vice President.

Burton began recording for GRP records in the '80s and '90s. In 1990, he paired up again with his former protege Metheny for Reunion, which landed him the top spot on Billboard magazine's jazz chart. Burton is now recording for Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) was released in 1997 by Concord Records as well as Native Sense, a new duet collaboration with Chick Corea, which garnered a Grammy Award in 1998. Also in 1997, Burton recorded his second collection of tango music, Astor Piazzolla Reunion, featuring the top tango musicians of Argentina, followed by Libertango in 2000, another collection of Piazzolla music. His 1998 Concord release, Like Minds, an all-star hit featuring his frequent collaborators Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, and Dave Holland, was honored with a Grammy win, Burton's fifth. Gary's vibraphone tribute CD, For Hamp, Red, Bags and Cal, was released in March 2001 on Concord and garnered Gary's 12th Grammy nomination. His most recent release in 2002 is a unique project with Makoto Ozone, his pianist collaborator of the past twenty years. In Virtuosi the pair explore the improvisational possibilities of classical themes including works by Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber and others. In an unusual move, the Recording Academy nominated Virtuosi in the classical category of the Grammy awards, a unique honor for Gary.

For the immediate future, Gary is going to be concentrating on performing with the NEXT GENERATIONS band. His most recent recording NEXT GENERATIONS was released in March of 2005 on Concord.

///////

Nacido en 1943 y criado en Indiana, Gary Burton aprendió por sí mismo a tocar el vibráfono y, a los 17 años, hizo su debut discográfico en Nashville, Tennessee, con los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins. Dos años más tarde, Burton dejó sus estudios en el Berklee College of Music para unirse a George Shearing y posteriormente a Stan Getz, con quien trabajó de 1964 a 1966.

Como miembro del cuarteto de Getz, Burton ganó en 1965 el premio Talent Mering of Wider Recognition de la revista Down Beat. Cuando dejó Getz para formar su propio cuarteto en 1967, Burton también había grabado tres álbumes a su nombre para la RCA. Tomando prestados ritmos y sonoridades de la música rock, mientras mantenía el énfasis del jazz en la improvisación y la complejidad armónica, el primer cuarteto de Burton atrajo a grandes audiencias de ambos lados del espectro del jazz-rock. Álbumes como Duster y Lofty Fake Anagram establecieron a Burton y su banda como progenitores del fenómeno de fusión del jazz. La creciente popularidad de Burton fue rápidamente validada por la revista Down Beat, que le otorgó su premio de "Jazzman del año" en 1968. Durante su posterior asociación con el sello (1973-1988) el Cuarteto Burton se amplió para incluir al joven Pat Metheny en la guitarra, y la banda comenzó a explorar un repertorio de composiciones modernas. En los años 70, Burton también comenzó a centrarse en contextos más íntimos para su música. Su álbum Alone at Last de 1971, un concierto de vibráfono en solitario grabado en el Festival de Jazz de Montreux de 1971, fue galardonado con un premio Grammy. Burton también recurrió al formato de dúo, raramente escuchado, y grabó con el bajista Steve Swallow, el guitarrista Ralph Towner y, sobre todo, con el pianista Chick Corea, cimentando así una larga relación personal y profesional que le ha valido otros dos premios Grammy.

También en los años 70, Burton comenzó su carrera en el Berklee College of Music de Boston. Burton comenzó como profesor de percusión y clases de improvisación en Berklee en 1971. En 1985 fue nombrado Decano de Currículum. En 1989, recibió un doctorado honorario en música del colegio y en 1996 fue nombrado Vicepresidente Ejecutivo.

Burton comenzó a grabar para GRP Records en los años 80 y 90. En 1990, volvió a formar pareja con su antiguo protegido Metheny para Reunion, lo que le permitió alcanzar el primer puesto de la lista de éxitos de jazz de la revista Billboard. Burton está grabando ahora para Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) fue lanzado en 1997 por Concord Records, así como Native Sense, una nueva colaboración en dúo con Chick Corea, que obtuvo un premio Grammy en 1998. También en 1997, Burton grabó su segunda colección de música de tango, Astor Piazzolla Reunion, con los mejores músicos de tango de Argentina, seguida de Libertango en 2000, otra colección de música de Piazzolla. Su lanzamiento en 1998 de Concord, Like Minds, un éxito estelar con sus frecuentes colaboradores Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, y Dave Holland, fue honrado con un Grammy, el quinto de Burton. El CD tributo al vibráfono de Gary, For Hamp, Red, Bags and Cal, fue lanzado en marzo de 2001 en Concord y obtuvo la 12ª nominación de Gary al Grammy. Su más reciente lanzamiento en 2002 es un proyecto único con Makoto Ozone, su pianista colaborador de los últimos veinte años. En Virtuosi la pareja explora las posibilidades de improvisación de temas clásicos, incluyendo obras de Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber y otros. En un movimiento inusual, la Academia de la Grabación nominó a Virtuosi en la categoría clásica de los premios Grammy, un honor único para Gary.

En el futuro inmediato, Gary se concentrará en actuar con la banda NEXT GENERATIONS. Su más reciente grabación NEXT GENERATIONS fue lanzada en marzo de 2005 en Concord.

Dave Pike • Peligroso

Dave Pike was born in Detroit, MI in 1938, he started off as a drummer and later learned marimba and vibraphone. Pike's family moved to Los Angeles in 1954, he played backing for artists such as Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley and Curtis Counce. Pike played often around California and then moved to New York in 1960 to tap into a busier Jazz scene.

Pike found greater success on the East Coast, probably occurring through joining the popular Herbie Mann's group with whom he appears on several early recordings. Pike became heavily influenced by the Latin Jazz scene and in 1964, he recorded the album “Manhattan Latin” released on Decca.

1965 saw Pike session along side Herbie Hancock (of Blue Note fame), Billy Butler (of Prestige roster) and others culminating in a commercial but relatively unsuccessful (sales wise) album on Atlantic, “Jazz for the Jet Set”. Pike featured on marimba and Hancock on Hammond. A stylish Pan-Am stewardess wearing a space helmet featured on The album cover which was designed by Italian, Emilio Pucci. It was this album that Pike experimented more with soul, taking inspiration from Atlantic records who he was signed to at the time and who were synonymous with the experimental soul genre of 60's America.

Later in 1966 Pike recorded “The Doors of Perception” (taken from Aldous Huxley's 1954 book of the same name), with Lee Konitz on saxophone though it was only released by Atlantic subsidiary label “Vortex” in 1970.

Pike left New York for Germany possibly because of Atlantic shelving “The Doors of Perception” and the attraction of European open mindedness to the experimental music Pike was flirting with at that time. In 1968, Pike joined German Jazz label MPS and recruited Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty and a guitarist named Volker Kriegel who played Indian ragas. Around this time Pike usually played vibes, Kriegel guitar, sitar and electric bass, J.A. Rettenbacher on bass, cello and electric bass, and Peter Baumeister on drums. This collective became known as The Dave Pike Set.

In 1968 “Got The Feelin” was recorded in Holland, a funky selection of tracks inspired by popular artists such as James Brown and Sam & Dave, the album was released the next year and then reissued on limited edition cd & vinyl by Wagram 1998.

The next Dave Pike album was “Noisy Silence - Gentle Noise”, released in 1969, as with many recording artists during the late 60's, The Dave Pike Set didn't escape the psychedelic influence of that era and as a result the band covered Frank Zappa's 'Mother People' and the Psychedelic Jazz sound of 'Mathar' was carefully crafted. The Dave Pike Set continued to record and entertain an avid European audience but their efforts went largely unnoticed in Pike's homeland of America. Pike showed his versatile nature again as a musician when, in 1972, he formed the “New” Dave Pike Set and recorded “Salomao” in Brazil. Pike later returned to the states during the mid 1970's and recorded several other albums of meagre success.

The interest in Jazz-Funk during the 80's (partly due to the sampling efforts of U.S. Hip Hop artists) led many djs and record collectors to delve deeper into the 60's and 70's music scene, the kudos associated with owning a rare record or groove by artists such as Pike created a new generation of vinyl hunters and Djs alike. Famous Acid Jazz DJ 'Gilles Peterson' later secured the release of 'Mathar' on Talkin Loud's “Tales From The Black Forrest” in 1994 and a rare version by Paul Weller was also released (later to be reissued on 12” vinyl), Weller's version was named 'Indian Vibes' which is what most people will incorrectly know Mathar as. A rare 12” white label boot leg of Mathar (on both sides) was also released around this time simply marked “Ind-A1” (a heavier bassline compared to the 69 album version), many other Dave Pike tracks have since been recorded or have featured on Acid Jazz compilations.

During the mid 1990's “Mathar” became popular in funk and hip hop clubs around the world, one such club was “Brothers and Sisters” which took place underneath the old ATV studios in Birmingham, England. People would search out the venue purely on the word that a bizarre record called Indian Vibes could be heard and danced to, such was the pull of the record the venue would pack out with Mathar being the highlight of the evening. Its hard to explain the effect Mathar has on a dance floor when the bass and percussion kicks in, especially over a loud sound system, renowned House Djs have also recognised the effect of Mathar and the track is occasionally squeezed into funky house sets.

Despite such underground success “Noisy Silence - Gentle Noise” remained relatively difficult to find on vinyl and hence not easily available to the masses, even the Talkin Jazz release can still be difficult to find. Mathar now occasionally makes its way onto T.V. and Radio.

Possibly because of the dusting off of Mathar in the early 90's, Dave Pike later released “Bop Head” in 1998 and then several other albums, including “Peligroso” in 2000, on the Ubiquity record label based in San Fransisco, Pike still plays percussion and now resides in Los Angeles, U.S.A.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

///////

Dave Pike nació en Detroit, MI en 1938, comenzó como baterista y luego aprendió marimba y vibráfono. La familia de Pike se mudó a Los Ángeles en 1954, tocó como telonero para artistas como Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley y Curtis Counce. Pike tocó a menudo en California y luego se mudó a Nueva York en 1960 para aprovechar la escena de jazz más activa.

Pike encontró mayor éxito en la Costa Este, probablemente al unirse al popular grupo de Herbie Mann con el que aparece en varias grabaciones tempranas. Pike se vio fuertemente influenciado por la escena del Jazz Latino y en 1964, grabó el álbum "Manhattan Latin" publicado en Decca.

1965 vio la sesión de Pike junto a Herbie Hancock (de la fama de Blue Note), Billy Butler (de la lista Prestige) y otros culminando en un álbum comercial pero relativamente infructuoso (en cuanto a las ventas) en Atlantic, "Jazz for the Jet Set". Pike apareció en la marimba y Hancock en Hammond. Una elegante azafata de Pan-Am con un casco espacial apareció en la portada del álbum que fue diseñado por el italiano Emilio Pucci. Fue este álbum el que Pike experimentó más con el soul, inspirándose en Atlantic Records, con los que firmó en su momento y que eran sinónimos del género de soul experimental de la América de los 60.

Más tarde, en 1966, Pike grabó "The Doors of Perception" (tomado del libro homónimo de Aldous Huxley de 1954), con Lee Konitz al saxo, aunque sólo fue lanzado por el sello subsidiario de Atlantic "Vortex" en 1970.

Pike dejó Nueva York por Alemania posiblemente debido a la estantería atlántica "The Doors of Perception" y a la atracción de la apertura mental europea por la música experimental con la que Pike coqueteaba en ese momento. En 1968, Pike se unió al sello alemán de Jazz MPS y reclutó a Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty y a un guitarrista llamado Volker Kriegel que tocaba ragas indias. Por esta época Pike solía tocar vibráfono, guitarra Kriegel, sitar y bajo eléctrico, J.A. Rettenbacher en el bajo, cello y bajo eléctrico, y Peter Baumeister en la batería. Este colectivo se conoció como The Dave Pike Set.

En 1968 se grabó en Holanda "Got The Feelin", una selección funky de temas inspirados en artistas populares como James Brown y Sam & Dave, el álbum fue lanzado al año siguiente y luego reeditado en cd & vinilo de edición limitada por Wagram 1998.

El siguiente álbum de Dave Pike fue "Noisy Silence - Gentle Noise", lanzado en 1969, como muchos artistas de grabación a finales de los 60, The Dave Pike Set no escapó a la influencia psicodélica de esa época y como resultado la banda cubrió "Mother People" de Frank Zappa y el sonido de Jazz psicodélico de "Mathar" fue cuidadosamente elaborado. El Dave Pike Set continuó grabando y entreteniendo a una ávida audiencia europea pero sus esfuerzos pasaron en gran parte desapercibidos en la patria de Pike, América. Pike mostró su naturaleza versátil de nuevo como músico cuando, en 1972, formó el "Nuevo" Dave Pike Set y grabó "Salomao" en Brasil. Pike regresó más tarde a los Estados Unidos a mediados de los 70 y grabó varios otros álbumes de escaso éxito.

El interés por el Jazz-Funk durante los años 80 (en parte debido a los esfuerzos de muestreo de los artistas de Hip Hop de los Estados Unidos) llevó a muchos djs y coleccionistas de discos a profundizar en la escena musical de los años 60 y 70, los elogios asociados con la posesión de un disco raro o el groove de artistas como Pike crearon una nueva generación de cazadores de vinilos y Djs por igual. El famoso DJ de Acid Jazz 'Gilles Peterson' consiguió más tarde el lanzamiento de 'Mathar' en "Tales From The Black Forrest" de Talkin Loud en 1994 y también se publicó una versión rara de Paul Weller (que más tarde se reeditaría en vinilo de 12"), la versión de Weller se denominó 'Indian Vibes' que es como la mayoría de la gente conocerá incorrectamente a Mathar. Una rara pata de bota de 12" de Mathar (en ambos lados) también fue lanzada alrededor de esta época simplemente marcada como "Ind-A1" (una línea de bajo más pesada comparada con la versión del álbum 69), muchos otros temas de Dave Pike han sido grabados desde entonces o han aparecido en compilaciones de Acid Jazz.

A mediados de los 90 "Mathar" se hizo popular en los clubes de funk y hip hop de todo el mundo, uno de esos clubes fue "Brothers and Sisters" que tuvo lugar bajo los antiguos estudios ATV en Birmingham, Inglaterra. La gente buscaba el lugar sólo por la palabra que un disco extraño llamado Indian Vibes se podía escuchar y bailar, tal era el atractivo del disco que el lugar llenaba, siendo Mathar el punto culminante de la noche. Es difícil de explicar el efecto que Mathar tiene en una pista de baile cuando el bajo y la percusión se activan, especialmente con un sistema de sonido fuerte, los renombrados DJs de House también han reconocido el efecto de Mathar y la pista es ocasionalmente exprimida en sets de funky house.

A pesar de este éxito underground, "Noisy Silence - Gentle Noise" sigue siendo relativamente difícil de encontrar en vinilo y por lo tanto no está fácilmente disponible para las masas, incluso el lanzamiento de Talkin Jazz puede ser difícil de encontrar. Mathar ahora ocasionalmente se abre camino en la televisión y la radio.

Posiblemente debido al desempolvamiento de Mathar a principios de los 90, Dave Pike lanzó más tarde "Bop Head" en 1998 y luego varios otros álbumes, incluyendo "Peligroso" en 2000, en el sello discográfico Ubiquity con sede en San Francisco, Pike sigue tocando la percusión y ahora reside en Los Ángeles, EE.UU.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

 

 

 

 

Jay Hoggard • Days Like These

Jay Hoggard - Vibraphonist / Composer

          Vibraphonist, Composer Jay Hoggard’s music has touched the hearts and souls of listeners around Planet Earth for  40 years. Jay Hoggard has long ranked with the greatest vibraphone innovators. Jay’s music is positive, spiritual, uplifting, and happy. He masterfully draws on traditional and contemporary musical vocabulary to develop new directions for the vibraphone. Jay seamlessly blends jazz and gospel roots with African marimba rhythms. His performance repertoire represents the three B’s of the jazz tradition (Blues, Bop, Ballads) with original innovations.

          Born in Washington, DC, Jay Hoggard was raised in Mt. Vernon, New York in a religious family.His father was a Bishop in the African Methodist Episcopal Zion denomination. At age 15, Jay began playing the vibraphone. "One night I had a dream that I was playing the vibes. I asked my father to rent me a set and from the first moment, I knew that this was what I was supposed to do." Jay majored in the renown World Music program at Wesleyan University . He toured Europe and played at Carnegie Hall during his freshman year. In his junior year, he traveled to Tanzania to study East African marimba music. Jay graduated from Wesleyan in 1976 and returned to New York City in 1977 to be proclaimed a young lion of the vibraphone.

           Jay Hoggard has recorded 22 CD’s as a leader and over 50 as a collaborator. His newest CD, released in 2016 on the JHVM label, is HARLEM HIEROGLYPHS. This two disc recording features Gary Bartz saxophones, James Weidman piano,organ, Nat Adderley,Jr piano,organ, Belden Bullock bass, and Yoron Israel drums. Noted jazz writer Owen McNally recently declared in his Jazz Corridor column for WNPR.org :

         “ Hoggard has created a triumphant jazz album, a dramatic showcase for his diverse composing skills… While the standards get royal treatment, Hoggard’s originals are the album’s crown jewels. Among these are the celebratory rent party special, "Harlem Jazzbirds Swingin’ and Swayin’"; "Sonic Hieroglyphs," an ode to jazz’s sophisticated sonic semiotics, signs and symbols expressing the sweet and bittersweet mysteries of life, and Disposable Consumption, landscaped with brilliant corners and a mysterious motif of sharp consciousness morphing in and out of an edgy, subconscious dream state… Throughout, there’s the underlying theme of the hieroglyphs of jazz, the music’s uniquely creative, emblematic lexicon, alive with nuance and layers of symbolic meaning. Hoggard’s striking gallery of sonic portraits reflects many inspirations, both artistic and personal, that nourish his imagination…Harlem Hieroglyphs is alive with open-ended potential, perhaps even as the foreshadowing of a historical and culturally-oriented musical theater work graced with evocative narrative pieces resonating with cultural relevance. Or the album could be the gateway to programmatic tonal suites as painterly as the works by such great African-American artists as Jacob Lawrence, a master chronicler of the African-American experience, including his celebrated Migration Series. … Part of what fuels Hoggard’s soaring, imaginative flights are his passion for jazz in all its historic and cultural breadth and depth, and his fascination with the legacy of Harlem’s Golden Age, its rich, vibrant social and cultural life from sacred churches to secular shrines for jazz…Along with a host of aesthetic, intellectual and psychological inspirations resides his deep-seated sense of family, pride in its roots and history. Moved by spirituality, scholarly intensity and uncompromising integrity, the composer/savant is on a mission to use his artistic gifts to spread the good word about the power and the glory of jazz’s hieroglyphs, those myriad, mysterious, sub rosa, miraculously redemptive messages that have left a profoundly expressive, ineffable yet indelible mark on America’s creative consciousness.”      

         Jay Hoggard’s other recordings on the JHVM label, THE RIGHT PLACE, SONGS OF SPIRITUAL LOVE, SWING ‘EM GATES, SOULAR POWER, CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, and SOLO FROM TWO SIDES, give  listeners an opportunity to experience the many sides of this  significant and vital musician. 

         About CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, Jay says "This recording is about the joy, peace, love, and happiness that should traverse the world during the holiday seasons and throughout the whole year. I am a Christian, and this recording is about the reason for the Christmas season: the observance and re-enactment of the circumstances of the birth of Jesus. But this music is also an offering to human beings of all faiths and non- faiths, of the beautiful sounds of which I am blessed to be one of many, many channeling spirits." This trio recording features James Weidman on organ and piano and Bruce Cox on the drums.

          SOLO FROM TWO SIDES is a beautiful program of 13 Jay Hoggard compositions performed by the composer on both vibraphone and marimba, by way of digital overdubbing. SOULAR POWER, released Fall 08, is an exquisite set of eleven Jay Hoggard compositions and one jazz standard. As Hoggard says, “this CD has the feel of a live performance with the benefit of studio quality sound. New tunes are combined with others that have evolved in performance over the years. I am about music that is both aesthetically pleasing for your mind and spirit, and physically healing for your body and soul. The power of soul is a mystical paradigm of consciousness transformation .”

          SOULAR POWER swings with great sonic balance among its instruments and artists. Pianist/ organist James Weidman, bassist Belden Bullock, and drummer Yoron Israel have performed and recorded as an ensemble with Jay for more than fifteen years. Their performances here are of a caliber that can only be delivered by long associated, empathetic collaborators. 

           SWING 'EM GATES, is a tribute to the late vibraphone grand master Lionel Hampton. “Eight of the compositions on this recording are tunes that I played when Lionel Hampton sent me to sub for him with his band in the 1990’s…Once, when Hamp called me to play for him, I asked what tunes he wanted. He replied, ’Just swing ‘em,gates.’ ” That conversation was the inspiration for Jays’ composition of the same name as well as the direction of this musical tribute to Hampton in Hoggard’s musical voice The recording features stellar performances by top New York collaborators with a guest appearance by piano master, Dr. Billy Taylor on three tunes.

          Jay Hoggard has been honored and commissioned as a composer in various contexts. In 2016 he collaborated with choreographer Nicole Stanton and writer Lois Brown on STORIED PLACES, premiered at Wesleyan University.  In 2009, he was commissioned by dance troupe Sankofa Kuumba and the Hartford Symphony Orchestra to write THE OTHER SIDE OF THE OCEAN and LET ME MAKE IT CLEAR. Previously, Jay collaborated with choreographer Cleo Parker Robinson by composing THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE commissioned by Lincoln Center Out of Doors. He was commissioned by the Hartford Festival of Jazz to compose LA TIERRA HERMOSA, dedicated to Tito Puente. He was commissioned by Wesleyan University to compose JOYFUL SWAMP and CROSSING POINT for Max Roach and percussion ensemble, and VIBARIMBALA for symphonic and jazz orchestras.

          As a performer, Jay Hoggard has toured the globe to rave reviews. He has performed in many of the finest venues of music presentation throughout the United States , Africa Europe, South America, the Caribbean, and Asia. Jay has performed in major venues (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) jazz festivals (St. Lucia. JVC, Montreux, Mt.Fuji, Pori, Hartford), colleges, universities, churches, galleries, libraries, and clubs around the globe. Jay has been featured on radio (NPR, Pacifica) and television (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) nationally and internationally. He led a quintet on an extensive tour sponsored by the United States government to North Africa, the Middle East and India. Jay performed in special concert collaborations with vibraphone masters Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente and Bobby Hutcherson. He has recorded and toured with creative artists such as Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen, Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams , Sherry Winston, Ahmed Abdullah, and was a guest artist with the Dizzy Gillespie Big Band. Jay has accompanied singers, instrumentalists, and poets and has performed with gospel, theater, dance, percussion, and orchestral ensembles.

          Jay Hoggard is a tenured Professor of Music at his alma mater, Wesleyan University. For over 25 years, he has been the director of the Wesleyan Jazz Orchestra and has taught and mentored thousands of students.

http://www.jayhoggard.com/?section=bio

///////

Jay Hoggard - Vibrafonista / Compositor

          La música del vibrafonista y compositor Jay Hoggard ha tocado los corazones y las almas de los oyentes de todo el planeta Tierra durante 40 años. Jay Hoggard ha clasificado durante mucho tiempo con los mejores innovadores de vibráfono. La música de Jay es positiva, espiritual, edificante y feliz. Se basa magistralmente en el vocabulario musical tradicional y contemporáneo para desarrollar nuevas direcciones para el vibráfono. Jay combina a la perfección las raíces del jazz y el gospel con los ritmos de la marimba africana. Su repertorio de interpretación representa las tres B de la tradición del jazz (Blues, Bop, Ballads) con innovaciones originales.

          Nacido en Washington, DC, Jay Hoggard se crió en Mt. Vernon, Nueva York, en una familia religiosa. Su padre era un obispo en la denominación metodista africana episcopal Zion. A los 15 años, Jay comenzó a tocar el vibráfono. "Una noche tuve el sueño de tocar la vibra. Le pedí a mi padre que me rentara un juego y, desde el primer momento, supe que esto era lo que debía hacer". Jay se especializó en el renombrado programa de música mundial en la Universidad de Wesleyan. Realizó una gira por Europa y jugó en el Carnegie Hall durante su primer año. En su primer año, viajó a Tanzania para estudiar música de marimba de África Oriental. Jay se graduó de Wesleyan en 1976 y regresó a la ciudad de Nueva York en 1977 para ser proclamado un joven león del vibráfono.

           Jay Hoggard ha grabado 22 CD como líder y más de 50 como colaborador. Su nuevo CD, lanzado en 2016 con el sello JHVM, es HARLEM HIEROGLYPHS. Esta grabación de dos discos incluye los saxofones Gary Bartz, el piano James Weidman, el órgano, Nat Adderley, el piano Jr, el órgano, el bajo de Belden Bullock y la batería de Yoron Israel. El destacado escritor de jazz Owen McNally recientemente declaró en su columna Jazz Corridor para WNPR.org:

         "Hoggard ha creado un álbum de jazz triunfante, un escaparate dramático por sus diversas habilidades de composición ... Mientras que los estándares reciben un tratamiento real, los originales de Hoggard son las joyas de la corona del álbum. Entre ellos se encuentran la fiesta especial de alquiler de celebración, "Harlem Jazzbirds Swingin’ y Swayin ’"; "Sonic Hieroglyphs", una oda a la sofisticada semiótica sónica del jazz, signos y símbolos que expresan los dulces y agridulces misterios de la vida, y el Consumo desechable, adornados con esquinas brillantes y un misterioso motivo de conciencia aguda que se transforma dentro y fuera de un sueño sutil e inconsciente. estado ... A lo largo, está el tema subyacente de los jeroglíficos del jazz, el léxico emblemático y singularmente creativo de la música, vivo con matices y capas de significado simbólico. La impactante galería de retratos sonoros de Hoggard refleja muchas inspiraciones, tanto artísticas como personales, que nutren su imaginación ... Harlem Hieroglyphs está vivo con un potencial ilimitado, tal vez incluso como el presagio de una obra de teatro musical histórica y culturalmente orientada con evocativas piezas narrativas. resonando con relevancia cultural. O el álbum podría ser la puerta de entrada a las suites tonales programáticas tan pictóricamente como las obras de grandes artistas afroamericanos como Jacob Lawrence, un cronista maestro de la experiencia afroamericana, incluida su célebre Serie Migración. … Parte de lo que alimenta los vuelos imaginativos e intensos de Hoggard es su pasión por el jazz en toda su amplitud y profundidad histórica y cultural, y su fascinación por el legado de la Edad de Oro de Harlem, su vida social y cultural rica y vibrante, desde iglesias sagradas hasta santuarios seculares. para el jazz ... Junto con una serie de inspiraciones estéticas, intelectuales y psicológicas reside su profundo sentido de familia, orgullo en sus raíces e historia. Movido por la espiritualidad, la intensidad académica y la integridad intransigente, el compositor / sabio tiene la misión de usar sus dones artísticos para difundir la buena palabra sobre el poder y la gloria de los jeroglíficos del jazz, esos miles, misteriosos, sub rosa, milagrosamente redentor de mensajes que han dejado una huella profundamente expresiva, inefable pero indeleble en la conciencia creativa de Estados Unidos ".

         Las otras grabaciones de Jay Hoggard en la etiqueta JHVM, EL LUGAR CORRECTO, LAS CANCIONES DEL AMOR ESPIRITUAL, LAS PUERTAS SWING 'EM, EL PODER SOULAR, VIBRAS DE NAVIDAD TODO EL AÑO, Y SOLO DESDE DOS LADOS, dan a los oyentes la oportunidad de experimentar los muchos aspectos de esto. Músico significativo y vital.

         Acerca de CHRISTMAS VIBES TODO EL AÑO, Jay dice: "Esta grabación es sobre la alegría, la paz, el amor y la felicidad que deben atravesar el mundo durante las vacaciones y durante todo el año. Soy un cristiano, y esta grabación es sobre la motivo de la temporada navideña: la observancia y recreación de las circunstancias del nacimiento de Jesús. Pero esta música es también una ofrenda a los seres humanos de todas las creencias y no creencias, de los hermosos sonidos de los cuales tengo la bendición de ser Uno de los muchos, muchos espíritus canalizadores ". Este trío de grabación cuenta con James Weidman en el órgano y el piano y Bruce Cox en la batería.

SOLO FROM TWO SIDES es un hermoso programa de 13 composiciones de Jay Hoggard realizadas por el compositor tanto en vibráfono como en marimba, a través de la sobregrabación digital. SOULAR POWER, lanzado en otoño de 08, es un conjunto exquisito de once composiciones de Jay Hoggard y un estándar de jazz. Como dice Hoggard, “este CD tiene la sensación de una presentación en vivo con el beneficio de un sonido de calidad de estudio. Las nuevas melodías se combinan con otras que han evolucionado en rendimiento a lo largo de los años. Me refiero a la música que es estéticamente placentera para tu mente y espíritu, y la curación física de tu cuerpo y alma. El poder del alma es un paradigma místico de la transformación de la conciencia ".

          SOULAR POWER oscila con gran equilibrio sonoro entre sus instrumentos y artistas. El pianista / organista James Weidman, el bajista Belden Bullock y el baterista Yoron Israel han actuado y grabado como un conjunto con Jay durante más de quince años. Sus actuaciones aquí son de un calibre que solo pueden ser proporcionadas por colaboradores empáticos asociados durante mucho tiempo.

           SWING 'EM GATES, es un homenaje al difunto gran vibráfono Lionel Hampton. "Ocho de las composiciones de esta grabación son melodías que toqué cuando Lionel Hampton me envió a un subgrupo para él con su banda en la década de 1990 ... Una vez, cuando Hamp me llamó para tocar para él, le pregunté qué melodías quería. Respondió: 'Sólo hay que batirlos, puertas' ”. Esa conversación fue la inspiración para la composición de los Jays del mismo nombre, así como la dirección de este tributo musical a Hampton en la voz musical de Hoggard. La grabación presenta actuaciones estelares de los mejores de Nueva York. colaboradores con una aparición especial del maestro de piano, Dr. Billy Taylor en tres canciones.

          Jay Hoggard ha sido honrado y comisionado como compositor en varios contextos. En 2016 colaboró ​​con la coreógrafa Nicole Stanton y la escritora Lois Brown en STORIED PLACES, estrenada en Wesleyan University. En 2009, el grupo de danza Sankofa Kuumba y la Orquesta Sinfónica de Hartford le encargaron que escribiera EL OTRO LADO DEL OCÉANO y DEJÉMALOJARLO. Anteriormente, Jay colaboró ​​con el coreógrafo Cleo Parker Robinson al componer THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE, encargado por Lincoln Center Out of Doors. El Hartford Festival of Jazz le encargó que compusiera LA TIERRA HERMOSA, dedicada a Tito Puente. Fue encargado por la Universidad de Wesleyan para componer JOYFUL SWAMP y CROSSING POINT para Max Roach y conjunto de percusión, y VIBARIMBALA para orquestas sinfónicas y de jazz.

          Como actor, Jay Hoggard ha realizado giras por todo el mundo para obtener excelentes críticas. Ha actuado en muchos de los mejores lugares de presentación de música en los Estados Unidos, África, Europa, América del Sur, el Caribe y Asia. Jay ha actuado en los principales lugares (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) festivales de jazz (Santa Lucía. JVC, Montreux, Mt. Fuji, Pori, Hartford), colegios, universidades, iglesias, galerías, bibliotecas y clubes en todo el globo. Jay ha aparecido en radio (NPR, Pacifica) y televisión (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) a nivel nacional e internacional. Lideró un quinteto en una extensa gira patrocinada por el gobierno de los Estados Unidos al norte de África, Medio Oriente e India. Jay actuó en colaboraciones de conciertos especiales con los maestros de vibráfono Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente y Bobby Hutcherson. Ha grabado y realizado giras con artistas creativos como Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen , Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams, Sherry Winston, Ahmed Abdullah, y fue un artista invitado de la Dizzy Gillespie Big Band. Jay ha acompañado a cantantes, instrumentistas y poetas y ha actuado con gospel, teatro, danza, percusión y conjuntos orquestales.

          Jay Hoggard es profesor titular de música en su alma mater, la Universidad de Wesleyan. Durante más de 25 años, ha sido el director de la Orquesta de Jazz de Wesleyan y ha enseñado y asesorado a miles de estudiantes.

http://www.jayhoggard.com/?section=bio

 

 

 

jayhoggard.com ...