Warne Marsh • An Unsung Cat

 

Review
by Ken Dryden  
This anthology of the late tenor saxophonist Warne Marsh is intended to serve as a companion to the Scarecrow Press book with the same title, which was published in 2001. This is not your typical anthology, as it includes material from a number of labels, including Prestige, Vanguard, Riverside, VSOP, Inner City, Zinnia, and Storyville, as well as several previously unreleased private recordings. Probably the most intriguing cut is Marsh's performance in the big band the Teenagers playing Woody Herman's "Apple Honey" on NBC's The Hoagy Carmichael Show in the mid-'40s, while still in his late teens and prior to his transformation under the tutelage of pianist Lennie Tristano. Even rarer is a private rehearsal tape of "How High the Moon" (featuring Marsh playing along with a Jamey Aebersold record that has pianist Kenny Barron tuned out!); there are also privately recorded concert dates of "Lennie's Pennies" with a big band led by alto saxophonist Gary Foster and a duet with guitarist Larry Koonse of "Sweet and Lovely." As the reissued tracks are considered, it's obvious that his trademark cool tone is already present on the 1949 recordings with alto saxophonist Lee Konitz (who he recorded with a number of times during his career), which include a wild reworking of "Cherokee" called "Marshmallow" and the even more complex "Tautology" (based on "Idaho"). An emotional "You Don't Know What Love Is" features Marsh in a quartet with the incomparable bassist Niels Pedersen. His mellow interpretation of "Easy" (his reworking of "Easy Living") finds him accompanied by the brilliant pianist Toshiko Akiyoshi; this track is taken from an LP on the long defunct Inner City label. This collection is a well thought out retrospective of a talented musician that deserved greater fame during his lifetime.
https://www.allmusic.com/album/an-unsung-cat-the-life-and-music-of-warne-marsh-mw0000002602

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Reseña
por Ken Dryden  
Esta antología del fallecido saxofonista tenor Warne Marsh pretende servir de complemento al libro de Scarecrow Press del mismo título, publicado en 2001. No es la típica antología, ya que incluye material de varios sellos, como Prestige, Vanguard, Riverside, VSOP, Inner City, Zinnia y Storyville, así como varias grabaciones privadas inéditas. Probablemente el corte más intrigante es la actuación de Marsh en la gran banda The Teenagers tocando "Apple Honey" de Woody Herman en el programa de la NBC The Hoagy Carmichael Show a mediados de los años 40, cuando todavía era un adolescente y antes de su transformación bajo la tutela del pianista Lennie Tristano. Aún más rara es una cinta privada de ensayo de "How High the Moon" (en la que Marsh toca junto a un disco de Jamey Aebersold que tiene afinado al pianista Kenny Barron); también hay fechas de concierto grabadas en privado de "Lennie's Pennies" con una big band dirigida por el saxofonista alto Gary Foster y un dúo con el guitarrista Larry Koonse de "Sweet and Lovely". Al considerar los temas reeditados, es obvio que su característico tono frío ya está presente en las grabaciones de 1949 con el saxofonista alto Lee Konitz (con el que grabó varias veces a lo largo de su carrera), que incluyen una salvaje reelaboración de "Cherokee" llamada "Marshmallow" y la aún más compleja "Tautology" (basada en "Idaho"). Un emotivo "You Don't Know What Love Is" presenta a Marsh en un cuarteto con el incomparable bajista Niels Pedersen. Su melosa interpretación de "Easy" (su reelaboración de "Easy Living") le acompaña la brillante pianista Toshiko Akiyoshi; este tema procede de un LP del desaparecido sello Inner City. Esta colección es una retrospectiva bien pensada de un músico de talento que mereció mayor fama en vida.
https://www.allmusic.com/album/an-unsung-cat-the-life-and-music-of-warne-marsh-mw0000002602

Max Roach Plus Four • Quiet As It's Kept

  

Review
by Michael G. Nastos  
Max Roach's post-Clifford Brown ensembles became more experimental down the road, but this 1960 band, with the brothers Tommy and Stanley Turrentine, and Julian Priester, was short-lived, very satisfying, and one of the most memorable combos the drummer led. Continuing to concentrate on hard bop themes, the band is hardly quiet as the title would suggest. It perhaps could be said that this band was a sleeper in not being as recognized as the superior collective talent would indicate. Perhaps the obscure bassist Bob Boswell has something to do with it, or that the front line would find their niches in jazz well past their membership in this fine combo. Of course Roach's drumming is far beyond reproach, but it is his choice of material and their composers that have to strike even the most literate jazz head as quite daring. The bouncy title track written by Bill Lee with its happy counterpoint and unison lines, the fleet Kenny Dorham evergreen "Lotus Blossom" embellished in held or stretched melody lines, and Priester's "Juliano" are all extension of the mid-'50s hard bop that Roach helped to found, the latter tune contrasting Tommy Turrentine's bright trumpet with the trombonist's mushy sound. Brother Stanley Turrentine's tenor sax is featured extensively on this set, proving a quite able bopper in his pre-soul-jazz days. For "The More I See You" his easygoing, restrained tone exudes more in what he doesn't play than what he does. On the original, first recorded version of the eventual standard "As Long as You're Living" in 5/4 time, Boswell's bass leads as the three horns fill in the cracks and accent beautifully. Leon Mitchell's ballad tribute to Billie Holiday, "To Lady," is the feature for Tommy Turrentine's soulful trumpet, the perfect example of the unsung hero and his voicings that were never fully acknowledged. Only one other album (the Enja release Long as You're Living) from this band was issued with some different material, but they stand together as brief monuments from a group unique unto itself, and a transitional band in the history of Roach's long tenure as a leader.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Los conjuntos de Max Roach posteriores a Clifford Brown se volvieron más experimentales en el camino, pero esta banda de 1960, con los hermanos Tommy y Stanley Turrentine, y Julian Priester, fue de corta duración, muy satisfactoria, y uno de los combos más memorables que el baterista dirigió. Siguiendo con la concentración en temas de hard bop, la banda no es tranquila como sugiere el título. Tal vez podría decirse que esta banda fue un "sleeper" al no ser tan reconocida como indicaría el superior talento colectivo. Tal vez el oscuro bajista Bob Boswell tenga algo que ver con ello, o que la primera línea encontraría sus nichos en el jazz mucho más allá de su pertenencia a este buen combo. Por supuesto, la forma de tocar la batería de Roach es irreprochable, pero es su elección de material y sus compositores lo que tiene que impresionar incluso a la cabeza más letrada del jazz como algo bastante atrevido. El alegre tema del título escrito por Bill Lee, con sus alegres contrapuntos y líneas al unísono, la rápida "Lotus Blossom" de Kenny Dorham, adornada con líneas melódicas sostenidas o estiradas, y "Juliano" de Priester, son una extensión del hard bop de mediados de los 50 que Roach ayudó a fundar, y este último tema contrasta la brillante trompeta de Tommy Turrentine con el sonido pastoso del trombonista. El saxo tenor de su hermano Stanley Turrentine aparece ampliamente en este disco, demostrando ser un gran intérprete de bop en su época anterior al jazz. En "The More I See You", su tono fácil y comedido emana más de lo que no toca que de lo que toca. En la primera versión original grabada del eventual estándar "As Long as You're Living" en tiempo de 5/4, el bajo de Boswell lidera mientras las tres trompas rellenan las grietas y acentúan maravillosamente. La balada de Leon Mitchell en homenaje a Billie Holiday, "To Lady", es la característica para la conmovedora trompeta de Tommy Turrentine, el ejemplo perfecto del héroe no reconocido y sus voicings que nunca fueron del todo reconocidos. Sólo se publicó otro álbum (el lanzamiento de Enja Long as You're Living) de esta banda con material diferente, pero se mantienen juntos como breves monumentos de un grupo único en sí mismo, y una banda de transición en la historia de la larga trayectoria de Roach como líder.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

Lou Donaldson - Clifford Brown • New Faces – New Sounds

 

New Faces New Sounds is a 1953 date featuring saxophonist Lou Donaldson and trumpeter Clifford Brown leading a quartet. The tracks were also issued on 1956's Memorial Album after Brown's death. Backing them here are pianist Elmo Hope, bassist Percy Heath, and drummer Philly Joe Jones. This is superb, highly influential hard bop jazz.

 by Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/new-faces-new-sounds-mw0002695874

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New Faces New Sounds es una fecha de 1953 en la que el saxofonista Lou Donaldson y el trompetista Clifford Brown dirigen un cuarteto. Las canciones también fueron publicadas en el álbum conmemorativo de 1956 después de la muerte de Brown. Los respaldan el pianista Elmo Hope, el bajista Percy Heath y el baterista Philly Joe Jones. Este es un magnífico y muy influyente hard bop jazz.

 por Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/new-faces-new-sounds-mw0002695874

Ronnie Cuber And Gary Smulyan • Tough Baritones

 

It seems pretty undisputed that Gary Smulyan and Ronnie Cuber are two of the greatest living titans of the baritone saxophone. They each have a long discography and incredible career. And we are fortunate to have a new album out this week that features both of them. This isn’t the first time they’ve played together or even recorded together. The album ‘Three Baritone Band Plays Mulligan’ is listed on my 5 essential listening albums page and feature both Gary and Ronnie – as well as Nick Brignola. Interestingly that band toured a bit and the great Howard Johnson could also sometimes be seen with that band.

‘Tough Baritones’ was released this week on the Danish SteepleChase label, on which you will also find a number of other records from both Gary and Ronnie. Though I find it incredibly difficult to find any actual information about this label, or about the albums. Almost like the label goes out of its way to make sure very little information can be found even after the albums are released for sale. But regardless, the album is available on streaming platforms, or if you’re like me and enjoy a physical copy that can be found on amazon here.

This album to me is very reminiscent of a period of jazz that had a huge influence on both of the leaders here. The whole album, but especially the first couple tracks bring back the vibe of Leo Parker recordings, and some of the great two saxophone albums with the likes of Jug (Gene Ammons) and Stitt (Sonny Stitt). This is largely reflected in the tune choice and feel of those songs. A lot of singing blueses and almost boogaloo type feels, as well as some classic Cuber favorite standards – ‘Nica’s Dream’ and ‘Lover’. No sign of a ballad in sight, but that’s just as well since we’re all here for the fire anyways.

If I am going to be incredibly objective, I’d say that Ronnie’s playing doesn’t quite have the fire that he may have had in his prime, but he is by no means at all unenjoyable here. He plays with fire and still shows why he has been one of the leading influences on the baritone for decades. Also if we are going to compare him to most 78 year old saxophonists, he is probably nearly the best in the world. Gary’s playing is top notch and while connoisseurs of the baritone will easily tell their styles apart, they both approach the music with considerable force.

Recording quality wise, having been fortunate to sit right in front of both of their bells in person, it seems to me that the recording captured Gary’s sound a bit more accurately. Ronnie’s mix on the record feels a little distantly recorded. Otherwise the sound of the album is excellent, the two baritonists are panned separately left (Cuber) and right (Smulyan) to help differentiate further. They got a great rhythm section to back the front men. Gary Versace on piano, Jay Anderson on bass, and Jason Tiemann on drums.

I think anyone with an interest in jazz or baritone saxophone, (let alone those at this site that are likely interested in both) should probably head directly to their nearest music provider and check out this album from the royalty of jazz bari sax.
by  JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/

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Parece indiscutible que Gary Smulyan y Ronnie Cuber son dos de los mayores titanes vivos del saxofón barítono. Cada uno de ellos tiene una larga discografía y una carrera increíble. Y tenemos la suerte de contar con un nuevo álbum que sale esta semana y que cuenta con la participación de ambos. No es la primera vez que tocan juntos ni que graban juntos. El álbum 'Three Baritone Band Plays Mulligan' aparece en mi página de 5 álbumes imprescindibles para escuchar y en él aparecen tanto Gary como Ronnie, además de Nick Brignola. Curiosamente, esa banda hizo algunas giras y el gran Howard Johnson también podía ser visto a veces con esa banda.

'Tough Baritones' ha salido esta semana en el sello danés SteepleChase, en el que también encontrarás otros discos tanto de Gary como de Ronnie. Aunque me resulta increíblemente difícil encontrar información real sobre este sello, o sobre los discos. Casi como si el sello se esforzara en asegurarse de que se pueda encontrar muy poca información incluso después de que los álbumes se pongan a la venta. Pero a pesar de todo, el álbum está disponible en plataformas de streaming, o si eres como yo y disfrutas de una copia física que se puede encontrar en amazon aquí.

Este álbum para mí es muy reminiscente de un período de jazz que tuvo una gran influencia en los dos líderes aquí. Todo el álbum, pero especialmente los primeros temas, me recuerdan a las grabaciones de Leo Parker, y a algunos de los grandes álbumes de dos saxofones con gente como Jug (Gene Ammons) y Stitt (Sonny Stitt). Esto se refleja en gran medida en la elección de las melodías y el sentimiento de esas canciones. Mucho blues cantado y sensaciones casi de tipo boogaloo, así como algunos estándares clásicos favoritos de Cuber: 'Nica's Dream' y 'Lover'. No hay rastro de una balada a la vista, pero menos mal, ya que todos estamos aquí por el fuego de todos modos.

Si voy a ser increíblemente objetivo, diría que la forma de tocar de Ronnie no tiene el fuego que podía tener en su mejor momento, pero no es para nada desagradable aquí. Toca con fuego y sigue demostrando por qué ha sido una de las principales influencias del barítono durante décadas. Además, si vamos a compararlo con la mayoría de los saxofonistas de 78 años, probablemente sea casi el mejor del mundo. La forma de tocar de Gary es de primera categoría y, aunque los conocedores del barítono distinguirán fácilmente sus estilos, ambos abordan la música con una fuerza considerable.

En cuanto a la calidad de la grabación, después de haber tenido la suerte de sentarme delante de las campanas de ambos en persona, me parece que la grabación capturó el sonido de Gary con un poco más de precisión. La mezcla de Ronnie en el disco se siente un poco distante en la grabación. Por lo demás, el sonido del disco es excelente, los dos baritonistas están paneados por separado a la izquierda (Cuber) y a la derecha (Smulyan) para ayudar a diferenciarlos más. Tienen una gran sección rítmica para respaldar a los delanteros. Gary Versace al piano, Jay Anderson al bajo y Jason Tiemann a la batería.

Creo que cualquiera que tenga interés en el jazz o en el saxofón barítono, (por no hablar de aquellos en este sitio que probablemente estén interesados en ambos) probablemente debería dirigirse directamente a su proveedor de música más cercano y comprobar este álbum de la realeza del saxo bari de jazz.
por JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/


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Johnny Hodges • In A Tender Mood

 

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

Johan Bylling Lang Organ Quintet • Doin' My Thing

 

Danish saxophonist and flautist


johanbyllinglang.dk ...

Stan Getz • West Coast Jazz

 

 

Review by Al Campbell  
In 1955 the difference between East/West Coast jazz was a hot topic, with critics and fans capable of taking zealous musical alliances with one or the other. The title of this disc, West Coast Jazz, was conceived as a joke, considering all musicians involved were originally from the East Coast and did not play exclusively in the laid-back, commercially profitable, cool style, as pigeonholed by some. Stan Getz was in California for his part in the film the Benny Goodman Story, where he picked up a week long gig at Zardi's in Hollywood. The pickup band that greeted him featured a great rhythm section: Lou Levy (piano), Leroy Vinnegar (bass), and Shelly Manne (drums), along with Conte Candoli (trumpet). These musicians connected with Getz immediately, having crossed paths previously. Impressed with this lineup, he took them into the studio to record West Coast Jazz. Generally unlike West Coast jazz of the time, the rapid group interplay with energized bop solos, still stand out particularly on "S-H-I-N-E" and Dizzy Gillespie's "A Night in Tunisia." Coupled with the album's original six tracks, the Verve Master Edition collects several previously released outtakes from these sessions.
https://www.allmusic.com/album/west-coast-jazz-mw0000602275

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Reseña de Al Campbell  
En 1955 la diferencia entre el jazz de la Costa Este y el de la Costa Oeste era un tema candente, con críticos y aficionados capaces de aliarse musicalmente con uno u otro. El título de este disco, West Coast Jazz, fue concebido como una broma, teniendo en cuenta que todos los músicos involucrados eran originarios de la Costa Este y no tocaban exclusivamente en el estilo relajado, comercialmente rentable y cool, como lo encasillaron algunos. Stan Getz se encontraba en California para participar en la película La historia de Benny Goodman, donde consiguió un concierto de una semana en el Zardi's de Hollywood. La banda que le recibió contaba con una gran sección rítmica: Lou Levy (piano), Leroy Vinnegar (bajo) y Shelly Manne (batería), junto con Conte Candoli (trompeta). Estos músicos conectaron de inmediato con Getz, ya que se habían cruzado con él anteriormente. Impresionado con esta formación, los llevó al estudio para grabar West Coast Jazz. En general, a diferencia del jazz de la Costa Oeste de la época, la rápida interacción del grupo con los energéticos solos de bop, sigue destacando especialmente en "S-H-I-N-E" y en "A Night in Tunisia" de Dizzy Gillespie. Además de los seis temas originales del álbum, la edición maestra de Verve recoge varias grabaciones de estas sesiones publicadas anteriormente.
https://www.allmusic.com/album/west-coast-jazz-mw0000602275

 

www.stangetz.net ...

Joshua Redman • Joshua Redman

 

 

Joshua Redman is one of the most acclaimed and charismatic jazz artists to have emerged in the decade of the 1990s. Born in Berkeley, California, he is the son of legendary saxophonist Dewey Redman and dancer Renee Shedroff. He was exposed at an early age to a variety of musics (jazz, classical, rock, soul, Indian, Indonesian, Middle-Eastern, African) and instruments (recorder, piano, guitar, gatham, gamelan), and began playing clarinet at age nine before switching to what became his primary instrument, the tenor saxophone, one year later. The early influences of John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley and his father, Dewey Redman, as well as The Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police and Led Zeppelin drew Joshua more deeply into music. But although Joshua loved playing the saxophone and was a dedicated member of the award-winning Berkeley High School Jazz Ensemble and Combo from 1983-86, academics were always his first priority, and he never seriously considered becoming a professional musician.

In 1991 Redman graduated from Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa with a B.A. in Social Studies. He had already been accepted by Yale Law School, but deferred entrance for what he believed was only going to be one year. Some of his friends (former students at the Berklee College of Music whom Joshua had met while in Boston) had recently relocated to Brooklyn, and they were looking for another housemate to help with the rent. Redman accepted their invitation to move in, and almost immediately he found himself immersed in the New York jazz scene. He began jamming and gigging regularly with some of the leading jazz musicians of his generation: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy and Mark Turner (to name just a few). In November of that year, five months after moving to New York, Redman was named the winner of the prestigious Thelonious Monk International Saxophone Competition. This was only one of the more visible highlights from a year that saw Redman beginning to tour and record with jazz masters such as his father, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian, and Clark Terry. For Joshua, this was a period of tremendous growth, invaluable experience and endless inspiration.

Now fully committed to a life in music, Redman was quickly signed by Warner Bros. Records and issued his first, self-titled album in the spring of 1993, which subsequently earned Redman his first Grammy nomination. That fall saw the release of Wish, where Joshua was joined by the all-star cast of Pat Metheny, Charlie Haden and Billy Higgins. He toured extensively with Metheny throughout the latter half of that year. His next recording, MoodSwing, was released in 1994, and it introduced his first permanent band, which included three other young musicians who have gone on to become some of the most important and influential artists in modern jazz: pianist Brad Mehldau, bassist Christian McBride and drummer Brian Blade. A later edition of this ensemble included guitarist Peter Bernstein, pianist Peter Martin, bassist Chris Thomas and Blade. Over a series of celebrated recordings including Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove and Timeless Tales (for Changing Times), Redman established himself as one of the music’s most consistent and successful bandleaders, and added soprano and alto saxophones to his instrumental arsenal. Joshua’s second acclaimed quartet, featuring pianist Aaron Goldberg, bassist Reuben Rogers and drummer Gregory Hutchinson, was formed in 1998 and made its recorded debut on the 2000 album Beyond. The dynamic interplay and uncommon rapport of this group inspired Redman to write and record his first long-form composition, Passage of Time, which was released in 2001.

A year later, Redman began to channel his jazz sensibilities through new instrumentation and formed The Elastic Band, a flexible, electrified, groove-based trio built on an ongoing collaboration with keyboardist Sam Yahel and drummer Brian Blade. The band debuted on the 2002 releases yaya3 and Elastic. Drummer Jeff Ballard began to play regularly with the Elastic Band later that year, and he (along with Blade and Yahel) played a central role in their next recording, the Grammy-nominated Momentum, which was released in 2005 to inaugurate Redman’s affiliation with Nonesuch Records, and featured a diverse and exciting lineup of special guests.

In 2000, Redman was named Artistic Director for the Spring Season of the non-profit jazz-presenting organization SFJAZZ. Redman and SFJAZZ Executive Director Randall Kline had an idea that The New York Times called a “eureka moment”; the creation of the SFJAZZ Collective, an ensemble distinguished both by the creativity of its members and a unique primary emphasis on composition. Inaugurated in 2004, the eight-piece band consists of a multi-generational cast of accomplished musicians. The Collective’s repertoire features both commissioned works and new arrangements of the work of great modern jazz composers. In March 2007, Redman announced that he was taking a hiatus from both the SFJAZZ Artistic Directorship and the SFJAZZ Collective in order to focus on new projects.

The following month, Nonesuch released Redman’s first ever piano-less trio record, Back East, featuring Joshua alongside three stellar bass and drum rhythm sections (Larry Grenadier & Ali Jackson, Christian McBride & Brian Blade, Reuben Rogers & Eric Harland) and three very special guest saxophonists (Chris Cheek, Joe Lovano and Dewey Redman). On Compass, released in January 2009 (Nonesuch), Joshua continues to explore the expansive trio format, and with a group of collaborators as intrepid as he is – bassists Larry Grenadier and Rueben Rogers, and drummers Brian Blade and Gregory Hutchinson – Redman literally and figuratively stretches the shape of the trio approach; on the most audacious of these tunes, he performs with the entire lineup in a double-trio setting.

Starting in late 2009, Joshua will be performing with a new collaborative band called James Farm featuring pianist Aaron Parks, bassist Matt Penman, and drummer Eric Harland. The band infuses traditional acoustic jazz quartet instrumentation with a progressive attitude and modern sound, creating music that is rhythmically and technically complex and at the same time harmonically rich, melodically satisfying, and emotionally compelling.

In addition to his own projects, Redman has recorded and performed with musicians such as Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, The Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, B.B. King, The Lincoln Center Jazz Orchestra, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, The Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, The Trondheim Jazz Orchestra, Mark Turner, McCoy Tyner, Umphrey’s McGee, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder and Sam Yahel. Joshua Redman has been nominated for 2 Grammys and has garnered top honors in critics and readers polls of DownBeat, Jazz Times, The Village Voice and Rolling Stone. He wrote and performed the music for Louis Malle’s final film Vanya on 42nd Street, and is both seen and heard in the Robert Altman film Kansas City.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

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Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de 1990. Nacido en Berkeley, California, es hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y de la bailarina Renee Shedroff. Estuvo expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, India, Indonesia, Oriente Medio, Africana) e instrumentos (flauta dulce, piano, guitarra, gatham, gamelan), y comenzó a tocar el clarinete a los nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después. Las primeras influencias de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como de los Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente a la música. Pero aunque a Joshua le encantaba tocar el saxofón y fue un miembro dedicado del galardonado Conjunto y Combo de Jazz de Berkeley High School de 1983 a 1986, lo académico siempre fue su primera prioridad, y nunca consideró seriamente convertirse en músico profesional.

En 1991, Redman se graduó de Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa con una licenciatura en Estudios Sociales. Ya había sido aceptado por la Facultad de Derecho de Yale, pero postergó la entrada por lo que creía que solo iba a ser un año. Algunos de sus amigos (exalumnos del Berklee College of Music a quienes Joshua había conocido mientras estaba en Boston) se habían mudado recientemente a Brooklyn y estaban buscando otro compañero de casa que los ayudara con el alquiler. Redman aceptó su invitación para mudarse y casi de inmediato se encontró inmerso en la escena del jazz de Nueva York. Comenzó a tocar y tocar regularmente con algunos de los principales músicos de jazz de su generación: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy y Mark Turner (por nombrar solo algunos). En noviembre de ese año, cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman fue nombrado ganador del prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk. Este fue solo uno de los aspectos más destacados de un año en el que Redman comenzó a hacer giras y grabar con maestros del jazz como su padre, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian y Clark Terry. Para Joshua, este fue un período de tremendo crecimiento, experiencia invaluable e inspiración infinita.

Ahora totalmente comprometido con una vida en la música, Redman firmó rápidamente con Warner Bros.Records y lanzó su primer álbum homónimo en la primavera de 1993, que posteriormente le valió a Redman su primera nominación al Grammy. Ese otoño vio el lanzamiento de Wish, donde Joshua se unió al elenco estelar de Pat Metheny, Charlie Haden y Billy Higgins. Realizó numerosas giras con Metheny durante la segunda mitad de ese año. Su siguiente grabación, MoodSwing, fue lanzada en 1994, y presentó su primera banda permanente, que incluía a otros tres jóvenes músicos que se han convertido en algunos de los artistas más importantes e influyentes del jazz moderno: el pianista Brad Mehldau, el bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade. Una edición posterior de este conjunto incluyó al guitarrista Peter Bernstein, el pianista Peter Martin, el bajista Chris Thomas y Blade. A lo largo de una serie de grabaciones célebres que incluyeron Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove y Timeless Tales (for Changing Times), Redman se estableció como uno de los líderes de banda más consistentes y exitosos de la música, y agregó saxofones soprano y alto a su arsenal instrumental. El segundo cuarteto aclamado de Joshua, con el pianista Aaron Goldberg, el bajista Reuben Rogers y el baterista Gregory Hutchinson, se formó en 1998 e hizo su debut grabado en el álbum Beyond de 2000. La interacción dinámica y la relación poco común de este grupo inspiraron a Redman a escribir y grabar su primera composición de formato largo, Passage of Time, que se lanzó en 2001.

Un año después, Redman comenzó a canalizar su sensibilidad jazzística a través de una nueva instrumentación y formó Elastic Band, un trío flexible, electrificado y basado en el groove construido en una colaboración continua con el tecladista Sam Yahel y el baterista Brian Blade. La banda debutó en los lanzamientos de 2002 yaya3 y Elastic. El baterista Jeff Ballard comenzó a tocar regularmente con Elastic Band más tarde ese año, y él (junto con Blade y Yahel) desempeñó un papel central en su próxima grabación, Momentum, nominada al Grammy, que se lanzó en 2005 para inaugurar la afiliación de Redman con Nonesuch Records, y contó con una alineación diversa y emocionante de invitados especiales.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico de la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro SFJAZZ, que presenta jazz. Redman y el director ejecutivo de SFJAZZ, Randall Kline, tuvieron una idea que The New York Times llamó un "momento eureka" ; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consta de un elenco multigeneracional de músicos consumados. El repertorio del Colectivo presenta tanto obras encargadas como nuevos arreglos de la obra de grandes compositores de jazz moderno. En marzo de 2007, Redman anunció que se tomaría un descanso tanto de la Dirección Artística de SFJAZZ como del Colectivo SFJAZZ para concentrarse en nuevos proyectos.

Al mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados muy especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua continúa explorando el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépidos como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, Redman extiende literal y figurativamente la forma del enfoque de trío; en la más audaz de estas melodías, se presenta con toda la formación en un ambiente de doble trío.

A partir de finales de 2009, Joshua se presentará con una nueva banda colaborativa llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde la instrumentación tradicional de cuarteto de jazz acústico con una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo armónicamente rica, melódicamente satisfactoria y emocionalmente convincente.

Además de sus propios proyectos, Redman ha grabado y actuado con músicos como Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, BB. King, La Orquesta de Jazz del Lincoln Center, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, Los Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, la Orquesta de Jazz de Trondheim, Mark Turner, McCoy Tyner, McGee de Umphrey, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder y Sam Yahel. Joshua Redman ha sido nominado a 2 Grammys y ha obtenido los máximos honores en las encuestas de críticos y lectores de DownBeat, Jazz Times, Village Voice y Rolling Stone. Escribió e interpretó la música de la última película de Louis Malle, Vania on 42nd Street, y se ve y se escucha en la película de Robert Altman Kansas City.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

www.joshuaredman.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Chico Freeman • Elvin

 

Biography by Thom Jurek
Chico Freeman is a composer, bandleader, educator, and multi-reedist from Chicago. The scion of the late saxophonist Von Freeman, he has issued dozens of recordings as a leader, and played on hundreds more. While a member of Elvin Jones' group, he issued his debut album, Morning Prayer, for Japan's WhyNot label, and then signed to India Navigation for 1977's Chico, the first of a handful of now-classic albums for the label. Freeman's tenor tone is gritty and exuberant, yet intimate and resonant, capable of anguished cries and tender affirmations inside a moment. His music has been informed by the Chicago blues he played in clubs as a teen, bop and hard bop played by his dad, and bandleaders he served -- including Charles Mingus and Dizzy Gillespie -- John Coltrane's modal inventions, and the AACM's free excursions. Further, he learned about the interplay of Afro-Latin rhythms from Latin bandleaders he worked for including Tito Puente, Eddie Palmieri, Ray Barretto, Chucho Valdes, and Celia Cruz, to name scant few. Freeman's seminal Tradition in Transition was issued in 1982, after he played a major role in the famed Central Park Young Lions concert and film. He later played R&B with Michael Jackson and Earth, Wind & Fire, among others, and founded the Leaders, a jazz group of top-flight jazz composers and soloists. In 1990, he co-founded Roots with Nathan Davis, Sam Rivers, and Blythe, and played with smooth jazz, world fusion collective Brainstorm. In 1996, he issued the influential The Emissary, a post-bop world jazz outing. Freeman released a series of acclaimed albums during the 21st century including 2002's Out of Many Comes the One, 2012's Elvin, and 2015's Spoken Into Existence.

Freeman was born Earl Lavon Freeman, Jr., and nicknamed "Chico" by his dad. He started playing piano at age five, and began playing trumpet at ten, inspired by seeing his father sit in with the Miles Davis Quintet in Chicago. Though he was exposed to jazz early on, many of Freeman's early professional gigs were in Chicago clubs as a teen with blues artists including Memphis Slim and Lucky Carmichael. He switched to tenor sax while at Northwestern University, where he studied math, advanced composition, and theory. While studying for his master's in composition and theory at Governor State University with Muhal Richard Abrams, Freeman taught at the Association for the Advancement of Creative Musicians' (AACM) music school. He also played and studied with Fred Anderson, Adegoke Steve Colson, and his uncle, jazz-funk guitarist George Freeman. As a graduate student, he was the principal soloist in the university's big band and toured Brazil with them during the '70s. He won awards at the Notre Dame Jazz Festival in 1973.

After completing his master's, Freeman moved to New York, where he found work with Elvin Jones, Sun Ra, Sam Rivers, Jack DeJohnette, and Don Pullen. He began leading his own bands during the mid- to late '70s. Freeman released his debut, Morning Prayer, for Japan's WhyNot in 1976, and a year later signed a multi-album, non-exclusive deal with the independent India Navigation. Chico appeared in 1977 with a band that included pianist Abrams, drummer Steve McCall, and bassist Cecil McBee. Freeman also recorded for Les Koenig's Contemporary label during the period, issuing Beyond the Rain in 1978. This early period was prolific. Between 1977 and 1982, the two labels issued half a dozen albums of remarkable and lasting consistency and innovation: India Navigation released Kings of Mali, Spirit Sensitive, and The Outside Within, while Contemporary put forth Peaceful Heart, Gentle Spirit, and Destiny's Dance. Freeman also managed to issue his Black Saint leader debut, No Time Left, and Freeman & Freeman with his dad.

The year 1982 proved seminal in the saxophonist's career. He was part of the then-controversial Columbia album Fathers & Sons; he and Von were showcased on one side while Ellis and Wynton Marsalis led the other. Freeman played a major role in the filming of the Young Lions event that year in Central Park, showcasing the talents of rising jazz stars that included Bobby McFerrin, Marsalis, Paquito D'Rivera, Kevin Eubanks, and Anthony Davis at the dawn of the "new traditionalists" era. Freeman, always influenced by jazz history, reflected it and his new discoveries on the acclaimed Tradition in Transition for Elektra Musician and The Search, his final outing for India Navigation.

Freeman's relationship with Elektra continued on Tangents, featuring McFerrin, in 1984. When superstar bands were being organized by promoters in Europe, Freeman founded the Leaders, an all-star sextet of internationally recognized bandleaders. The original lineup included Cecil McBee, Kirk Lightsey, Lester Bowie, Arthur Blythe, and Famoudou Don Moye; they set the standard for eclectic and innovative music from a band comprised entirely of composers. The group issued Mudfoot for Blackhawk in 1986, the same year Freeman released The Pied Piper for the label, a quartet outing with former boss Jones, McBee, and pianist Kenny Kirkland. He followed a year later with Tales of Ellington, cut in several sessions with a variety of top-shelf musicians including Jones, McBee, Herbie Lewis, Larry Willis, Cables, and John Purcell. In 1988, the Leaders issued Out Here Like This... on Black Saint, and followed with Unforseen Blessings a year later, while Freeman cut Lord Riff and Me for WhyNot; the latter remained unreleased until 2010.

In 1989, Freeman entered a new phase in his career. He released You'll Know When You Get There with Von on Black Saint, and formed the electric band Brainstorm consisting of himself, vocalist/keyboardist Delmar Brown, percussionist Norman Hedman, drummer Archie Walker, and bassist Chris Walker. He produced their debut album, The Mystical Dreamer, recorded in Paris for In+Out. It drew positive reviews in Europe for its mix of Afro-Latin rhythms and harmonies, funk and hip-hop energy, post-bop tradition, and technological polish. American critics simply didn't get it. Undaunted, Brainstorm released the live Sweet Explosion in 1990, with a new rhythm section including drummer Tommy Campbell and bassist Alex Blake. That same year, Freeman contributed to Kip Hanrahan's Tenderness as part of an astonishing lineup. 1991 saw Freeman play sideman to British pop singer Mari Wilson on The Rhythm Romance, and vibraphonist Jay Hoggard on Days Like These. He also co-led and produced Luminous with Blythe.

In 1992, Freeman formed another leader-based collective called Roots with Blythe, Sam Rivers, Nathan Davis, Pullen, Santi Debriano, and Campbell. Their debut album was entitled Roots Salutes the Saxophone in honor of the 100th anniversary of Adolphe Sax's reed instrument. He also released Up and Down, for Black Saint, a trio offering with bassist Tiziana Ghiglioni and pianist Mal Waldron. Brazilian jazz percussion hero and former Weather Report drummer Dom Um Romão recruited Freeman for the album Saudades on Water Lily Acoustics. Freeman led a pair of outings the following year -- Groovin' Late with Kenny Barron, Freddie Waits, and Debriano, and the third Brainstorm outing, Threshold -- followed by Roots' second album, Stablemates, with drummer Idris Muhammad in the lineup.

The Leaders resumed recording in 1994 with Slipping and Sliding for Italy's Soundhill Records and continued to tour the globe. The Chico Freeman Quintet with Arthur Blythe released a pair of critically lauded albums over the next two years: The Unspoken Word for Ronnie Scott's Jazz House label and Focus for Contemporary, while Roots released Saying Something on In+Out. Freeman issued The Emissary in 1996, an electro-acoustic outing that crossed post-bop, African, and Latin sounds. European critics flipped for its seamless meld of sounds and rhythms. For the remainder of the decade, Freeman worked as a sideman in the studio and on-stage. He played on dates by Carmen Lundy and Blythe, in Sam Rivers' Rivbea All-Star Orchestra, with DeJohnette on Festival, and released Von Freeman's 75th Birthday Celebration: Live at The Blue Note, featuring his father as guest soloist.

From the beginning of the new century, Freeman was a resident of the European Union, though he visited the States often to tour. His first date as a leader in the 21st was Oh, By the Way by Chico Freeman y Guataca, a Latin jazz ensemble he assembled with old friend Hilton Ruiz on piano. In 2003, Freeman returned the favor; he played on the pianist's acclaimed Enchantment, while the other tenor player on the session was Joe Henderson. A new incarnation of the Leaders released the widely acclaimed Spirits Alike for Double Moon Records in 2006. It featured trumpeter Eddie Henderson replacing the deceased Bowie, drummer Billy Hart, alto saxophonist Bobby Watson, and pianist Fred Harris; only McBee and Freeman remained from the original lineup. That year also saw the release of Out of Many Comes the One, with the saxophonist leading a post-bop-cum-world-jazz quintet that featured Russian pianist Misha Tsiganov.

Freeman spent the next several years wandering Europe and teaching. In 2010, Candid finally released Lord Riff and Me after 21 years in the vault. Originally recorded for WhyNot in 1989, it included Von and Chico on the front line with Hart, McBee, and Cables. Its issue was celebrated throughout the world's jazz community. That same year, David Murray & Chico Freeman with Ozay appeared from ITM. The Turkish vocalist was backed by the two saxophonists, drummer Pheeroan Ak Laff, Lightsey and D.D. Jackson on piano, Calvin Jones on bass, and Billy Bang on violin. In 2012, Elvin: The Elvin Jones Project appeared, upon which Freeman was joined by an A-list American rhythm section of Cables on piano, bassist Lonnie Plaxico, and Winard Harper on drums, with tenorist Joe Lovano guesting on two tracks.

In 2015, the saxophonist worked with the Austrian Jive Music label to release the widely acclaimed Spoken Into Existence, by the Chico Freeman 4-Tet. Produced by the saxophonist, the lineup included bassist Heiri Känzig, with whom Freeman formed a creative partnership; a few months later, the pair issued The Arrival, a duo offering on Switzerland's Intakt Records. Freeman and his uncle George Freeman collaborated on the acclaimed All in the Family for the Chicago-based Southport Records label with Hamid Drake, bassist Harrison Bankhead, and guitarist Mike Allemana.

In early 2016, Chico Freeman guested on Greek fusion guitarist Lefteris Christofis' ManTis as part of an international quartet. That same year, Dawid Kostka Quartet & Chico Freeman, Live at Aquanet Jazz Festival, Poznań was released on Poland's Era Jazzu label. In 2018, Freeman played in the large studio band that Kip Hanrahan assembled for the American Clave release Crescent Moon Waning.

In March 2020, Freeman caught the last flight out of Moscow before the borders closed due to COVID-19; however, he had no way of traveling to the U.S. Locked down in Europe and self-quarantined, he watched the pandemic's effects unfold across the globe. Desiring to contribute in some way, he reached out to his online musical family to do something to help heal and inspire. Freeman chose the Bill Withers' song "You Just Can't Smile It Away." He enlisted Texas gospel singer Yatron in Texas, keyboardist Jeremy Mage in Switzerland, and synthesist Jan Pulsford in London. After cutting the track, Merlyn Bruce mixed it at London's Mothership Studios for release by Efficacy Recordings. The label and Freeman designated all proceeds from the track be donated to the charity Chicago HOPES for Kids.
https://www.allmusic.com/artist/chico-freeman-mn0000110829#biography

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Biografía de Thom Jurek
Chico Freeman es compositor, director de orquesta, educador y reedista múltiple de Chicago. Descendiente del difunto saxofonista Von Freeman, ha publicado docenas de grabaciones como líder y ha tocado en cientos más. Mientras era miembro del grupo de Elvin Jones, lanzó su álbum debut, Morning Prayer, para el sello WhyNot de Japón, y luego firmó con India Navigation para Chico de 1977, el primero de un puñado de álbumes ahora clásicos para el sello. El tono tenor de Freeman es arenoso y exuberante, pero íntimo y resonante, capaz de gritos angustiados y tiernas afirmaciones en un momento. Su música ha sido informada por el blues de Chicago que tocó en clubes cuando era adolescente, el bop y el hard bop tocados por su padre y los directores de orquesta a los que sirvió, incluidos Charles Mingus y Dizzy Gillespie, los inventos modales de John Coltrane y las excursiones gratuitas de la AACM. Además, aprendió sobre la interacción de los ritmos afrolatinos de directores de orquesta latinos para los que trabajó, incluidos Tito Puente, Eddie Palmieri, Ray Barretto, Chucho Valdés y Celia Cruz, por nombrar algunos. La tradición seminal de Freeman en Transición se publicó en 1982, después de que desempeñara un papel importante en el famoso concierto y película de Central Park Young Lions. Más tarde tocó R & B con Michael Jackson y Earth, Wind & Fire, entre otros, y fundó the Leaders, un grupo de jazz de compositores y solistas de jazz de primer nivel. En 1990, cofundó Roots con Nathan Davis, Sam Rivers y Blythe, y tocó con smooth jazz, el colectivo mundial de fusión Brainstorm. En 1996, publicó el influyente The Emissary, una salida de jazz mundial posterior al bop. Freeman lanzó una serie de álbumes aclamados durante el siglo XXI, incluidos Out of Many Comes the One de 2002, Elvin de 2012 y Spoken Into Existence de 2015.

Freeman nació Earl Lavon Freeman, Jr., y su padre lo apodó "Chico". Comenzó a tocar el piano a los cinco años y comenzó a tocar la trompeta a los diez, inspirado por ver a su padre sentarse con el Quinteto Miles Davis en Chicago. Aunque estuvo expuesto al jazz desde el principio, muchos de los primeros conciertos profesionales de Freeman fueron en clubes de Chicago cuando era adolescente con artistas de blues como Memphis Slim y Lucky Carmichael. Cambió al saxo tenor mientras estaba en la Universidad Northwestern, donde estudió matemáticas, composición avanzada y teoría. Mientras estudiaba su maestría en composición y teoría en la Universidad Governor State con Muhal Richard Abrams, Freeman enseñó en la escuela de música de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos (AACM). También tocó y estudió con Fred Anderson, Adegoke Steve Colson y su tío, el guitarrista de jazz-funk George Freeman. Como estudiante de posgrado, fue el solista principal de la big band de la universidad y realizó una gira por Brasil con ellos durante los años 70. Ganó premios en el Festival de Jazz de Notre Dame en 1973.

Después de completar su maestría, Freeman se mudó a Nueva York, donde encontró trabajo con Elvin Jones, Sun Ra, Sam Rivers, Jack DeJohnette y Don Pullen. Comenzó a liderar sus propias bandas a mediados y finales de los 70. Freeman lanzó su debut, Morning Prayer, para Whynot de Japón en 1976, y un año después firmó un contrato de varios álbumes y no exclusivo con la independiente India Navigation. Chico apareció en 1977 con una banda que incluía al pianista Abrams, el baterista Steve McCall y el bajista Cecil McBee. Freeman también grabó para el sello contemporáneo de Les Koenig durante ese período, publicando Beyond the Rain en 1978. Este primer período fue prolífico. Entre 1977 y 1982, los dos sellos publicaron media docena de álbumes de notable y duradera consistencia e innovación: India Navigation lanzó Kings of Mali, Spirit Sensitive y The Outside Within, mientras que Contemporary lanzó Peaceful Heart, Gentle Spirit y Destiny's Dance. Freeman también logró emitir su debut como líder de Black Saint, No Time Left, y Freeman & Freeman con su papá.

El año 1982 resultó fundamental en la carrera del saxofonista. Formó parte del entonces controvertido álbum de Columbia Fathers & Sons; él y Von se exhibieron en un lado, mientras que Ellis y Wynton Marsalis dirigieron el otro. Freeman jugó un papel importante en la filmación del evento Young Lions ese año en Central Park, mostrando el talento de estrellas emergentes del jazz que incluían a Bobby McFerrin, Marsalis, Paquito D'Rivera, Kevin Eubanks y Anthony Davis en los albores de la era de los "nuevos tradicionalistas". Freeman, siempre influenciado por la historia del jazz, lo reflejó y sus nuevos descubrimientos en la aclamada Tradición en Transición para Elektra Musician y The Search, su última salida para Navegar por la India.

La relación de Freeman con Elektra continuó en Tangents, con McFerrin, en 1984. Cuando las bandas superestrellas estaban siendo organizadas por promotores en Europa, Freeman fundó the Leaders, un sexteto de estrellas de líderes de bandas reconocidos internacionalmente. La formación original incluía a Cecil McBee, Kirk Lightsey, Lester Bowie, Arthur Blythe y Famoudou Don Moye; establecieron el estándar para la música ecléctica e innovadora de una banda compuesta íntegramente por compositores. El grupo emitió Mudfoot para Blackhawk en 1986, el mismo año en que Freeman lanzó The Pied Piper para el sello, una salida de cuarteto con el exjefe Jones, McBee y el pianista Kenny Kirkland. Siguió un año después con Tales of Ellington, grabado en varias sesiones con una variedad de músicos de primer nivel, incluidos Jones, McBee, Herbie Lewis, Larry Willis, Cables y John Purcell. En 1988, los Líderes emitieron Aquí Así... en Black Saint, y siguió con Unforseen Blessings un año después, mientras que Freeman grabó Lord Riff and Me para WhyNot; este último permaneció inédito hasta 2010.

En 1989, Freeman entró en una nueva fase de su carrera. Lanzó You'll Know When You Get There con Von en Black Saint, y formó la banda eléctrica Brainstorm compuesta por él mismo, el vocalista/tecladista Delmar Brown, el percusionista Norman Hedman, el baterista Archie Walker y el bajista Chris Walker. Produjo su álbum debut, The Mystical Dreamer, grabado en París para In + Out. Obtuvo críticas positivas en Europa por su mezcla de ritmos y armonías afrolatinas, energía funk y hip-hop, tradición post-bop y pulido tecnológico. Los críticos estadounidenses simplemente no lo entendieron. Sin desanimarse, Brainstorm lanzó el Sweet Explosion en vivo en 1990, con una nueva sección rítmica que incluía al baterista Tommy Campbell y al bajista Alex Blake. Ese mismo año, Freeman contribuyó a la ternura de Kip Hanrahan como parte de una alineación asombrosa. En 1991, Freeman interpretó al acompañante de la cantante pop británica Mari Wilson en The Rhythm Romance, y al vibrafonista Jay Hoggard en Days Like These. También codirigió y produjo Luminous con Blythe.

En 1992, Freeman formó otro colectivo basado en líderes llamado Roots con Blythe, Sam Rivers, Nathan Davis, Pullen, Santi Debriano y Campbell. Su álbum debut se tituló Roots Salutes the Saxophone en honor al centenario del instrumento de lengüeta de Adolphe Sax. También lanzó Up and Down, para Black Saint, una oferta de trío con la bajista Tiziana Ghiglioni y el pianista Mal Waldron. El héroe brasileño de percusión de jazz y ex baterista de Weather Report, Dom Um Romão, reclutó a Freeman para el álbum Saudades en Water Lily Acoustics. Freeman dirigió un par de salidas al año siguiente: Groovin ' Late con Kenny Barron, Freddie Waits y Debriano , y la tercera salida de Lluvia de ideas, Threshold, seguida del segundo álbum de Roots, Stablemates, con el baterista Idris Muhammad en la alineación.

The Leaders reanudaron la grabación en 1994 con Slipping and Sliding para Soundhill Records de Italia y continuaron recorriendo el mundo. El Quinteto Chico Freeman con Arthur Blythe lanzó un par de álbumes aclamados por la crítica durante los siguientes dos años: The Unspoken Word para el sello Jazz House de Ronnie Scott y Focus for Contemporary, mientras que Roots lanzó Saying Something en In + Out. Freeman lanzó The Emissary en 1996, una salida electroacústica que cruzó sonidos post-bop, africanos y latinos. Los críticos europeos voltearon por su perfecta fusión de sonidos y ritmos. Durante el resto de la década, Freeman trabajó como acompañante en el estudio y en el escenario. Tocó en fechas de Carmen Lundy y Blythe, en la Rivbea All-Star Orchestra de Sam Rivers, con DeJohnette en el Festival, y lanzó Von Freeman's 75th Birthday Celebration: Live at The Blue Note, con su padre como solista invitado.

Desde principios del nuevo siglo, Freeman era residente de la Unión Europea, aunque visitaba los Estados a menudo para hacer giras. Su primera cita como líder en el 21 fue Oh, By the Way de Chico Freeman y Guataca, un conjunto de jazz latino que armó con su viejo amigo Hilton Ruiz al piano. En 2003, Freeman le devolvió el favor; tocó en el aclamado Enchantment del pianista, mientras que el otro tenor en la sesión fue Joe Henderson. Una nueva encarnación de The Leaders lanzó los aclamados Spirits por igual para Double Moon Records en 2006. Contó con el trompetista Eddie Henderson reemplazando al difunto Bowie, el baterista Billy Hart, el saxofonista alto Bobby Watson y el pianista Fred Harris; solo McBee y Freeman permanecieron de la formación original. Ese año también vio el lanzamiento de Out of Many Comes the One, con el saxofonista liderando un quinteto de jazz post-bop-cum-world que contó con la pianista rusa Misha Tsiganov.

Freeman pasó los siguientes años vagando por Europa y enseñando. En 2010, Candid finalmente lanzó Lord Riff and Me después de 21 años en The vault. Grabado originalmente para WhyNot en 1989, incluía a Von y Chico en primera línea con Hart, McBee y Cables. Su edición fue celebrada en toda la comunidad jazzística del mundo. Ese mismo año, David Murray y Chico Freeman con Ozay aparecieron en ITM. El vocalista turco fue respaldado por los dos saxofonistas, el baterista Pheeroan Ak Laff, Lightsey y D. D. Jackson al piano, Calvin Jones al bajo y Billy Bang al violín. En 2012, apareció Elvin: The Elvin Jones Project, al que se unió Freeman con una sección rítmica estadounidense de primera categoría de Cables al piano, el bajista Lonnie Plaxico y Winard Harper a la batería, con el tenor Joe Lovano como invitado en dos pistas.

En 2015, el saxofonista trabajó con el sello austriaco Jive Music para lanzar el aclamado Spoken Into Existence, de Chico Freeman 4-Tet. Producida por el saxofonista, la formación incluía al bajista Heiri Känzig, con quien Freeman formó una asociación creativa; unos meses más tarde, la pareja lanzó The Arrival, una oferta de dúo en Intakt Records de Suiza. Freeman y su tío George Freeman colaboraron en el aclamado All in the Family para el sello Southport Records, con sede en Chicago, con Hamid Drake, el bajista Harrison Bankhead y el guitarrista Mike Allemana.

A principios de 2016, Chico Freeman invitó al guitarrista de fusión griego Lefteris Christofis a ManTis como parte de un cuarteto internacional. Ese mismo año, Dawid Kostka Quartet & Chico Freeman, Live at Aquanet Jazz Festival, Poznań fue lanzado en el sello polaco Era Jazzu. En 2018, Freeman tocó en la gran banda de estudio que Kip Hanrahan reunió para el lanzamiento estadounidense de Clave Crescent Moon Waning.

En marzo de 2020, Freeman tomó el último vuelo fuera de Moscú antes de que se cerraran las fronteras debido al COVID-19; sin embargo, no tenía forma de viajar a EE.UU. Encerrado en Europa y en cuarentena automática, observó cómo se desarrollaban los efectos de la pandemia en todo el mundo. Deseando contribuir de alguna manera, se acercó a su familia musical en línea para hacer algo que lo ayudara a sanar e inspirar. Freeman eligió la canción de Bill Withers " You Just Can't Smile It Away."Reclutó al cantante de gospel de Texas Yatron en Texas, al tecladista Jeremy Mage en Suiza y al sintetizador Jan Pulsford en Londres. Después de cortar la pista, Merlyn Bruce la mezcló en los estudios Mothership de Londres para su lanzamiento por Efficacy Recordings. El sello y Freeman designaron que todas las ganancias de la pista fueran donadas a la organización benéfica Chicago HOPES for Kids.
https://www.allmusic.com/artist/chico-freeman-mn0000110829#biography

chicofreeman.com ...

Charles Lloyd • In The Soviet Union

 

Noah Preminger • Genuinity

 

Quite often when an über-talented musician records a disc under his own name, he uses sidemen of lesser talent so as not to detract from his moment in the limelight, or because his ego won't allow him to play nice. That has never been the case with saxophonist Noah Preminger. On Genuinity, his tenth disc released as a leader, Preminger employs partners of equal weight. Listening to the saxophonist and trumpeter Jason Palmer reminds you of the Sonny Rollins/Don Cherry Quartet circa 1962-63 and the early recordings of Wayne Shorter & Lee Morgan. The pair complement each other here and on his three previous recordings Meditations On Freedom (Dry Bridge, 2017), Dark Was The Night, Cold Was The Ground (Self Produced, 2016) and Pivot: Live At 55 Bar (Self Produced, 2015) with no apparent or stated chain of command.

Also heard on those three previous discs was bassist Kim Cass who recently worked on pianist Matt Mitchell's A Pouting Grimace (Pi Recordings, 2017), along with drummer Dan Weiss, a leader in his own right and a mainstay in groups led by Rudresh Mahanthappa, David Binney, and Miles Okazaki, to name just a few.

The disc opens with a brief and decadent saxophone solo "Halfway To Hartford," only to detonate into a hyper-drive post-bop quartet high wire exercise. The music seems to fend off any musician that might consider sitting in with this quartet. That vigor is displayed throughout, as with "Walking On Eggshells," where a conversation between saxophone, trumpet, and drums has each player eager to remark and respond to the other's soloing. All the music on Genuinity was written by Preminger and wholly embraced by the quartet. "TS And Her Spirit" is powered by a funky drum line and interlaced horns, which allows Cass the freedom to interact with Preminger, preaching the gospel of his bass. This ongoing conversation is the foundation of Preminger's music, whether it is weaving a desolate web as on "Mad Town" or surrendering as on "My Blues For You," his tone is that of an old soul and his foundation in the blues is unassailable. He leaves us with "Acknowledgement," which travels from Lester Young to John Coltrane with acknowledgement to Joe Henderson and Joe Lovano. In short, Preminger continues to state the case that he belongs at the table with today's blue-chip tenor players.
Mark Corroto By MARK CORROTO
March 31, 2018
https://www.allaboutjazz.com/genuinity-noah-preminger-criss-cross-review-by-mark-corroto.php

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A menudo, cuando un músico de gran talento graba un disco con su propio nombre, recurre a acompañantes de menor talento para no restarle protagonismo, o porque su ego no le permite jugar limpio. Ese nunca ha sido el caso del saxofonista Noah Preminger. En Genuinity, su décimo disco publicado como líder, Preminger emplea a compañeros de igual peso. Escuchar al saxofonista y al trompetista Jason Palmer recuerda al Sonny Rollins/Don Cherry Quartet alrededor de 1962-63 y a las primeras grabaciones de Wayne Shorter & Lee Morgan. La pareja se complementa aquí y en sus tres grabaciones anteriores Meditations On Freedom (Dry Bridge, 2017), Dark Was The Night, Cold Was The Ground (Self Produced, 2016) y Pivot: Live At 55 Bar (Self Produced, 2015) sin una cadena de mando aparente o declarada.

En esos tres discos anteriores también se escuchó al bajista Kim Cass, quien recientemente trabajó en A Pouting Grimace (Pi Recordings, 2017) del pianista Matt Mitchell, junto con el baterista Dan Weiss, líder por derecho propio y pilar en grupos liderados por Rudresh Mahanthappa, David Binney y Miles Okazaki, por nombrar algunos.

El disco se abre con un breve y decadente solo de saxofón "Halfway To Hartford", para luego detonar en un ejercicio de cuerda floja de cuarteto post-bop. La música parece rechazar a cualquier músico que pueda considerar sentarse con este cuarteto. Ese vigor se muestra a lo largo de todo el disco, como en "Walking On Eggshells", donde una conversación entre el saxofón, la trompeta y la batería hace que cada músico esté ansioso por comentar y responder a los solos del otro. Toda la música de Genuinity ha sido escrita por Preminger y asumida por el cuarteto. "TS And Her Spirit" está impulsada por una línea de batería funky y vientos entrelazados, que permite a Cass la libertad de interactuar con Preminger, predicando el evangelio de su bajo. Esta conversación continua es la base de la música de Preminger, ya sea tejiendo una red desolada como en "Mad Town" o rindiéndose como en "My Blues For You", su tono es el de un alma vieja y su base en el blues es inexpugnable. Nos deja con "Acknowledgement", que viaja de Lester Young a John Coltrane con reconocimiento a Joe Henderson y Joe Lovano. En resumen, Preminger sigue demostrando que debe sentarse a la mesa con los tenores más importantes de la actualidad.
Mark Corroto Por MARK CORROTO
31 de marzo de 2018
https://www.allaboutjazz.com/genuinity-noah-preminger-criss-cross-review-by-mark-corroto.php


noahpreminger.com ...

Harold Vick • Straight Up

 

Review by Jason Ankeny
The superb Straight Up captures Harold Vick's shift away from the lithe tenor/organ sessions of his previous work toward the bold soul-jazz of his finest recordings. Supported by an unusual but effective lineup featuring guitarist Everett Barksdale, vibist Warren Chiasson, bassist Walter Booker, and drummer Hugh Walker, Vick alternates between tenor, soprano, and flute, greatly expanding the parameters of his sound while maintaining the simplicity that is his hallmark. Above all, he remains a remarkably expressive player, communicating more in one or two notes than most reedists say over the span of an entire song.
https://www.allmusic.com/album/straight-up-mw0000669985

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Reseña de Jason Ankeny
El magnífico Straight Up captura el cambio de Harold Vick de las ágiles sesiones de tenor / órgano de su trabajo anterior hacia el atrevido soul-jazz de sus mejores grabaciones. Apoyado por una formación inusual pero efectiva con el guitarrista Everett Barksdale, el vibista Warren Chiasson, el bajista Walter Booker y el baterista Hugh Walker, Vick alterna entre tenor, soprano y flauta, ampliando enormemente los parámetros de su sonido y manteniendo la simplicidad que es su sello distintivo. Por encima de todo, sigue siendo un intérprete notablemente expresivo, que se comunica más en una o dos notas de lo que la mayoría de los reedistas dicen en el lapso de una canción completa.
https://www.allmusic.com/album/straight-up-mw0000669985

Paul Horn • The Jazz Collection

 

Benny Golson • Turning Point

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Renamed Turning Point upon one of its reissues, this quartet set for tenor saxophonist Benny Golson was the beginning of the close of an era. Within a year, Golson would be working full-time as a writer in the studios, and he de-emphasized his playing until making a comeback in the late 1970s. Golson is heard on this LP for one of the last times playing in his original Don Byas/Lucky Thompson-influenced style. Joined by pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb, Golson performs two originals, plus five superior standards, including "How Am I To Know," "Three Little Words" and "Alone Together." A rewarding but sadly out-of-print set.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Renombrado Turning Point en una de sus reediciones, este set de cuarteto para el saxofonista tenor Benny Golson fue el comienzo del cierre de una era. En un año, Golson estaría trabajando a tiempo completo como escritor en los estudios, y minimizó su ejecución hasta hacer un regreso a finales de los años 70. Golson se escucha en este LP por una de las últimas veces tocando en su estilo original influenciado por Don Byas/Lucky Thompson. Acompañado por el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb, Golson interpreta dos originales, más cinco estándares superiores, incluyendo "How Am I To Know," "Three Little Words" y "Alone Together." Un set gratificante pero lamentablemente agotado.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

Clifford Jordan • Bearcat

 

 

Review by Scott Yanow
This CD is a straight reissue of the original Jazzland LP. Tenor saxophonist Clifford Jordan, who is joined by pianist Cedar Walton, bassist Teddy Smith and drummer J.C. Moses, is heard in his early prime and displays an original tone while playing in the hard bop style. He stretches out on five of his swinging and fairly advanced originals, "How Deep Is the Ocean," and Tom McIntosh's "Malice Towards None." It would be 1973 before Jordan had another opportunity to be showcased in a quartet format, making this formerly rare set one of his best all-around recordings.
https://www.allmusic.com/album/bearcat-mw0000312071

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Reseña de Scott Yanow
Este CD es una reedición directa del LP original de Jazzland. El saxofonista tenor Clifford Jordan, al que acompañan el pianista Cedar Walton, el bajista Teddy Smith y el baterista J.C. Moses, se escucha en su primera época y muestra un tono original mientras toca en el estilo hard bop. Se extiende en cinco de sus originales con swing y bastante avanzados, "How Deep Is the Ocean" y "Malice Towards None" de Tom McIntosh. Pasaría el año 1973 antes de que Jordan tuviera otra oportunidad de mostrarse en formato de cuarteto, lo que hace que este conjunto, antes raro, sea una de sus mejores grabaciones en general.
https://www.allmusic.com/album/bearcat-mw0000312071

Flying Horse Big Band • The Bat Swings!

 

Although The Bat Swings! could well be taken for a baseball analogy, the focus of this third CD by the University of Central Florida's high-powered Flying Horse Big Band is on music associated with the campy Batman TV series from the late 1960s that starred Adam West as the masked superhero and Burt Ward as his sidekick, Robin. The album embodies themes by the celebrated composers Nelson Riddle, Neal Hefti and Paul Francis Webster with arrangements by Michael Philip Mossman, Harry Allen and FHBB director Jeff Rupert (two each), Mark Taylor and UCF faculty member Per Danielsson. Mossman also arranged the five concise (four-second or less) "Bat-Spins" that separate a number of tracks.

In spite of the inescapable variations in technique and tempo, the one constant is swing as the arrangers splice together essential themes and incidental music from the series to sparkle in a big-band format and the ensemble digs in hard to make it happen. The session is all Batman all the way save for Rupert's walking arrangement of the "Spider-Man Theme" and the gospel-leaning finale, "Amazing Grace," dedicated to frequent UCF guest artist and acclaimed multi-instrumentalist Ira Sullivan. Speaking of guest artists, the band welcomes four of them but only one, organist Richard Drexler, solos (on "Spider-Man" and "Amazing Grace"). The others are trumpeter Justin Diaz, percussionist Jeff Moore and vibraphonist / percussionist Marty Morell.

The album opens with Mossman's sassy "Batmobile to Airport" and continues apace with "Batman Riddles the Riddler" and the easygoing "Batman Blues" before digressing to "Spider-Man." The colorful, time-shifting "Kitka" salutes Batman's nemesis / love interest Catwoman, the mid-tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" Robin's off-the-wall declamations such as "holy flypaper" and "leaping lumbago." Mossman appends an Afro-Cuban luster to "Murcielago en la Cueva" (A Bat in the Cave) before "Amazing Grace" and guitarist Ryan Waszmer ring down the curtain. There are other enticing solos along the way by Waszmer, alto saxophonist Dylan Young, tenors Andy Garcia and Dylan Hannon, trombonist Christian Herrera, trumpeter Aidan Lakshman, pianist Mudel Honore and especially baritone Saul Dautsch ("Airport," "Batman Blues").

While it may not quite keep pace with the swagger or bombast of its iconic namesake, The Bat Swings! does what it set out to do, which is to swing with the sort of POW! that Batman (and Robin) would have applauded.
Jack Bowers BY JACK BOWERS
July 17, 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers

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Aunque The Bat Swings! bien podría tomarse por una analogía con el béisbol, el enfoque de este tercer CD de la potente Flying Horse Big Band de la Universidad de Florida se centra en la música asociada a la campechana serie de televisión de Batman de finales de los años 60, protagonizada por Adam West como el superhéroe enmascarado y Burt Ward como su compañero, Robin. El álbum incorpora temas de los célebres compositores Nelson Riddle, Neal Hefti y Paul Francis Webster con arreglos de Michael Philip Mossman, Harry Allen y el director de la FHBB Jeff Rupert (dos cada uno), Mark Taylor y el miembro de la facultad de la UCF Per Danielsson. Mossman también arregló los cinco concisos (cuatro segundos o menos) "Bat-Spins" que separan varias pistas.

A pesar de las ineludibles variaciones en la técnica y el tempo, la única constante es el swing, ya que los arreglistas empalman los temas esenciales y la música incidental de la serie para que brillen en un formato de big-band y el conjunto se esfuerza por conseguirlo. La sesión es todo Batman hasta el final, salvo el arreglo de Rupert del "Tema de Spiderman" y el final con tintes gospel, "Amazing Grace", dedicado al frecuente artista invitado de la UCF y aclamado multiinstrumentista Ira Sullivan. Hablando de artistas invitados, la banda da la bienvenida a cuatro de ellos, pero sólo uno, el organista Richard Drexler, hace un solo (en "Spider-Man" y "Amazing Grace"). Los otros son el trompetista Justin Díaz, el percusionista Jeff Moore y el vibrafonista/percusionista Marty Morell.

El álbum se abre con la atrevida "Batmobile to Airport" de Mossman y continúa con "Batman Riddles the Riddler" y la desenfadada "Batman Blues" antes de hacer una digresión con "Spider-Man". El colorido y cambiante "Kitka" saluda a la némesis/interés amoroso de Batman, Catwoman, el medio tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" las declamaciones fuera de lo común de Robin como "holy flypaper" y "leaping lumbago". Mossman añade un lustre afrocubano a "Murciélago en la Cueva" antes de que "Amazing Grace" y el guitarrista Ryan Waszmer bajen el telón. Hay otros solos atractivos en el camino por Waszmer, el saxofonista alto Dylan Young, los tenores Andy García y Dylan Hannon, el trombonista Christian Herrera, el trompetista Aidan Lakshman, el pianista Mudel Honore y especialmente el barítono Saul Dautsch ("Airport", "Batman Blues").

Aunque no se mantiene al ritmo de la fanfarronería o el bombardeo de su icónico homónimo, The Bat Swings! hace lo que se propone, que es balancearse con el tipo de POW! que Batman (y Robin) habrían aplaudido.
Jack Bowers POR JACK BOWERS
17 de julio de 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers

flyinghorserecords.com/thebatswings ...