Pee Wee Ellis • Sepia Tonality

 

Astrud Gilberto • Look To The Rainbow

 

Review from AllMusic (by Bob Rusch):
This was a beautiful bossa nova record of Astrud Gilberto's vocal stylings...All the material (32:13) here, with the exception of "Learn to Live Alone" and "Pretty Place," which were arranged by Al Cohn, were arranged by Gil Evans. With the exception of a Johnny Coles trumpet solo, the personnel was uncredited on this 1966 recording. Discographies have credited Bob Brookmeyer (valve trombone), Kenny Burrell (guitar), and Grady Tate (drums), but except for a few bars of sax, there was no solo individualism in this large Creed Taylor-produced orchestra.
https://www.allmusic.com/album/look-to-the-rainbow-mw0000188205

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Reseña de AllMusic (por Bob Rusch):
Este fue un hermoso disco de bossa nova con los estilos vocales de Astrud Gilberto... Todo el material (32:13) aquí, con excepción de "Learn to Live Alone" y "Pretty Place," que fueron arreglados por Al Cohn, fueron arreglados por Gil Evans. Con excepción de un solo de trompeta de Johnny Coles, el personal no fue acreditado en esta grabación de 1966. Las discografías han acreditado a Bob Brookmeyer (trombón de válvulas), Kenny Burrell (guitarra) y Grady Tate (batería), pero excepto por unos pocos compases de saxofón, no hubo individualismo solista en esta gran orquesta producida por Creed Taylor.
https://www.allmusic.com/album/look-to-the-rainbow-mw0000188205

 

www.astrudgilberto.com ...

Hubert Laws • Laws' Cause

 

 

Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

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El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

 

hubertlaws.com ... 

Donald Byrd • I'm Tryin' to Get Home

 

 

Review
by Scott Yanow
A follow-up to trumpeter Donald Byrd's hit A New Perspective, this LP also features an eight-voice choir conducted by Coleridge Perkinson and arrangements by Duke Pearson and the leader. The vocalists have a larger role than in the earlier date and Byrd's quintet (with tenor saxophonist Stanley Turrentine and pianist Herbie Hancock) is augmented by organist Freddie Roach, guitarist Grant Green and a dozen brass players. But despite some strong moments, the date (which resulted in no real hits) does not quite reach the heights of A New Perspective although it has plenty of interesting moments.
https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876

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Reseña
por Scott Yanow
Continuación del exitoso A New Perspective del trompetista Donald Byrd, este LP cuenta también con un coro a ocho voces dirigido por Coleridge Perkinson y arreglos de Duke Pearson y el líder. Los vocalistas tienen un papel más importante que en la primera fecha y el quinteto de Byrd (con el saxofonista tenor Stanley Turrentine y el pianista Herbie Hancock) se ve aumentado por el organista Freddie Roach, el guitarrista Grant Green y una docena de músicos de metal. Pero a pesar de algunos momentos fuertes, la fecha (que no dio lugar a ningún éxito real) no alcanza las alturas de A New Perspective, aunque tiene muchos momentos interesantes.
https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876

Willis Jackson - Nothing But...

 

 

Review:
Tenor saxophonist Willis Jackson got into a routine on his Muse albums, but never lost his enthusiasm and creativity within the genre. This album features Jackson on a current hit ("Just the Way You Are"), a couple of ballads, and three romps ("Nothing Butt," "Hittin' and Missin'," and "Move"). Guitarist Pat Martino is heard in excellent form just before a serious illness; organist Charles Earland is up to his usual groovin' form, and drummer Grady Tate and percussionist Buddy Caldwell keep the music moving. An excellent effort full of enjoyable and fairly accessible music. ~ by Scott Yanow, AMG.

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Revisión:
El saxofonista tenor Willis Jackson se metió en una rutina en sus álbumes de Muse, pero nunca perdió su entusiasmo y creatividad dentro del género. Este álbum presenta a Jackson en un éxito actual ("Just the Way You Are"), un par de baladas y tres retozos ("Nothing But", "Hitting' and Missin '" y "Move"). El guitarrista Pat Martino se escucha en excelente forma justo antes de una enfermedad grave; el organista Charles Earland está a la altura de su forma habitual de groovin, y el baterista Grady Tate y el percusionista Buddy Caldwell mantienen la música en movimiento. Un excelente esfuerzo lleno de música amena y bastante accesible. ~ por Scott Yanow, AMG.

Jimmy McGriff • Cherry

 

 

Biography by Steve Huey
One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.

James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.

With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.

McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.

In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.

McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.

After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

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Biografía de Steve Huey
Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más, fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.

James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club local Pep's Showboat.

Con el órgano Hammond ganando popularidad en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due", grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.

McGriff estaba actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás ,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12 de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.

En 1966, McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie (más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.

McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans, que también se vendió respetablemente.

Después de Tailgunner de 1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990 (número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin' It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus éxitos de los 60.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

Jimmy McGriff • Funkiest Little Band In The Land / Tribute To Basie - 2 CDs

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Joe's Blues

 

Editorial Reviews

Second installment in this four volume series from the celebrated jazzmen with deep Blues roots, a prolific musical team with exquisite chemistry. Volume Two includes the two complete albums Joe's Blues and Wings & Things, in which guitarist Grant Green plays with the two masters. Lonehill.

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Reseñas editoriales

Segunda entrega de esta serie de cuatro volúmenes de los célebres jazzmen con profundas raíces Blues, un prolífico equipo musical con exquisita química. El volumen dos incluye los dos álbumes completos Joe's Blues y Wings & Things, en los que el guitarrista Grant Green toca con los dos maestros. Lonehill

 

Houston Person • Sentimental Journey

 

Houston Person: Sentimental Journey

Almost 70, Houston Person is still carrying on the great tenor saxophone tradition that combines breathy soulfulness with blues-drenched, stomping swing. The lush-toned tenorist’s latest release, Sentimental Journey, verifies his continuing command of the idiom. Ben Webster-like sultriness pervades ballads such as “Fools Rush In” and “I Love You, Yes I Do,” where he sticks close to the melody, as well as “A Sunday Kind of Love,” whose tune he slightly embellishes. But on the medium to up tunes, such as “It Had to Be You,” “Canadian Sunset,” “What’ll I Do,” Illinois Jacquet’s “Black Velvet” and the title song, Person swings forcefully, imbuing his lines with a gritty earthiness.

Person’s colleagues on the date constitute an all-star lineup. Pianist Richard Wyands, guitarist Russell Malone, bassist Peter Washington and drummer Grady Tate are all experienced, top-flight performers, as they prove throughout in their sensitive accompaniment for the tenorist as well as in their own plentiful solo spots.

It’s an increasingly rare pleasure to hear a sensitive player like Houston Person pay respect to great melodies, rendering them essentially as written. But it’s also good that his new record offers plenty of opportunities for straightahead blowing by some fine improvisers.

https://jazztimes.com/reviews/albums/houston-person-sentimental-journey/

Review by Scott Yanow

As the 21st century began, Houston Person was one of the last in a tradition of tough-toned but warm tenors able to straddle the boundaries between soul-jazz, hard bop, and soulful R&B. An expert at caressing and uplifting melodies, Person plays in the tradition of Gene Ammons. Person is in excellent form throughout this quartet/quintet date with pianist Richard Wyands, bassist Peter Washington, drummer Grady Tate, and, on four of the nine selections, guitarist Russell Malone. In fact, the combination of Person and Malone works so well that hopefully someday they will record a full album together. All of the tunes are veteran standards, with Person particularly digging into "A Sunday Kind of Love," "It Had to Be You," "Black Velvet," and "Canadian Sunset." Houston Person has recorded many fine albums for High Note and its predecessor, Muse, through the years. Sentimental Journey is a strong example of his talents.

https://www.allmusic.com/album/sentimental-journey-mw0000233195

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Persona de Houston: Viaje sentimental

Casi 70 años, Houston Person todavía continúa con la gran tradición de saxofón tenor que combina una gran emoción con el swing empapado de blues. El último lanzamiento del tenorista de tono exuberante, Sentimental Journey, verifica su continuo dominio del idioma. La sensualidad de Ben Webster impregna baladas como "Fools Rush In" y "I Love You, Yes I Do", donde se adhiere a la melodía, así como a "A Sunday Kind of Love", cuya canción embellece ligeramente. Pero en el medio para las melodías principales, como "Tenía que ser tú", "Canadian Sunset", "What'll I Do", "Black Velvet" de Illinois Jacquet y la canción del título, Person swings forzar, imbuyendo sus líneas con Una tierra terrosa.

Los colegas de la persona en la fecha constituyen una alineación estelar. El pianista Richard Wyands, el guitarrista Russell Malone, el bajista Peter Washington y el baterista Grady Tate son todos experimentados y de alto rendimiento, como demuestran su delicado acompañamiento para el tenorista, así como en sus abundantes lugares como solistas.

Es un placer cada vez más raro escuchar a un jugador sensible como Houston Person que respeta las grandes melodías, haciéndolos esencialmente como están escritos. Pero también es bueno que su nuevo récord ofrezca muchas oportunidades para que los improvisadores finos puedan volar.

https://jazztimes.com/reviews/albums/houston-person-sentimental-journey/

Revisión por Scott Yanow

Cuando comenzó el siglo XXI, Houston Person fue uno de los últimos en una tradición de tenores duros pero cálidos, capaces de cruzar los límites entre el soul-jazz, el hard bop y el soul R&B. Una persona experta en acariciar y elevar melodías, Person juega en la tradición de Gene Ammons. La persona se encuentra en excelente forma a lo largo de este cuarteto / quinteto con el pianista Richard Wyands, el bajista Peter Washington, el baterista Grady Tate y, en cuatro de las nueve selecciones, el guitarrista Russell Malone. De hecho, la combinación de Person y Malone funciona tan bien que, con suerte, algún día grabarán un álbum completo juntos. Todas las melodías son estándares veteranos, con Person en particular buscando "A Sunday Kind of Love", "It Be To You You", "Black Velvet" y "Canadian Sunset". Houston Person ha grabado muchos buenos álbumes para High Note y su predecesor, Muse, a través de los años. El viaje sentimental es un fuerte ejemplo de su talento.

https://www.allmusic.com/album/sentimental-journey-mw0000233195

 

 

Quincy Jones • Quincy's Got A Brand New Bag

 

One of the most accomplished figures in modern music, crossing jazz, R&B, film music, and pop over a seven-decade career entailing 27 Grammy awards.

Biography by Mark Deming

In a career spanning over seven decades, Quincy Jones has earned his reputation as a renaissance man of American music. Since entering the industry as an arranger in the early 1950s, he has distinguished himself as a bandleader, solo artist, sideman, songwriter, producer, film composer, and record label executive. A quick look at a few of the artists he's worked with -- Miles Davis, Frank Sinatra, Count Basie, Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon, and Aretha Franklin -- reveals the remarkable diversity of his career. He has been nominated for a record 80 Grammy awards, and has won 27 in categories including Best Instrumental Jazz Performance for "Walking in Space" (1969), Producer of the Year (1981), and Album of the Year for Jackson's Thriller (1983) and his own Back on the Block (1990). Outside recording studios, he has produced major motion pictures, helped create television series, and written books, including Q: The Autobiography of Quincy Jones (2001). An inductee into the Rock and Roll Hall of Fame (2013), he has continued producing and recording, contributing the song "Keep Reachin'" for the documentary Quincy: A Life Beyond Measure (2018).

Quincy Delight Jones, Jr. was born in Chicago, Illinois on March 14, 1933. While still a youngster, his family moved to Seattle, Washington and he soon developed an interest in music. In his early teens, Jones began learning the trumpet and started singing with a local gospel group. By the time he graduated from high school in 1950, Jones had displayed enough promise to win a scholarship to Boston-based music school Schillinger House (which later became known as the Berklee School of Music). After a year at Schillinger, Jones relocated to New York City, where he found work as an arranger, writing charts for Count Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey, and Dinah Washington, among others. In 1953, Jones scored his first big break as a performer when he was added to the brass section of Lionel Hampton's orchestra alongside jazz legends Art Farmer and Clifford Brown. Three years later, Dizzy Gillespie tapped Jones to play in his band, and later in 1956, when Gillespie was invited to put together a big band of outstanding international musicians, Diz chose Quincy to lead the ensemble. Jones also released his first album under his own name that year, a set for ABC-Paramount titled This Is How I Feel About Jazz.

In 1957, Jones moved to Paris in order to study with Nadia Boulanger, an expatriate American composer with a stellar track record in educating composers and bandleaders. During his sojourn in France, Jones took a job with the French record label Barclay, where he produced and arranged sessions for Jacques Brel and Charles Aznavour, and traveling American artists like Billy Eckstine and Sarah Vaughan. Jones' work for Barclay impressed the management at Mercury Records, an American label affiliated with the French imprint, and in 1961 he was named a vice-president of Mercury, the first time an African-American had been hired as an upper-level executive by a major U.S. recording company. Jones scored one of his first major pop successes when he produced and arranged "It's My Party" for teenage vocalist Lesley Gore, which marked his first significant step away from jazz into the larger world of popular music. (Jones also freelanced for other labels on the side, including arranging a number of memorable Atlantic sides for Ray Charles.) In 1963, Jones began exploring what would become a fruitful medium when he composed his first film score for Sidney Lumet's controversial drama The Pawnbroker; he would go on to write music for 33 feature films.

In 1964 work with Count Basie led him to arrange and conduct sessions for Frank Sinatra's album It Might as Well Be Swing, in collaboration with Basie and his orchestra; he also worked with Sinatra and Basie again as an arranger for the award-winning Sinatra at the Sands set, and would produce and arrange one of Sinatra's last albums, L.A. Is My Lady, in 1984.

While Jones maintained a busy schedule as a composer, producer, and arranger throughout the '60s, he also re-emerged as a recording artist in 1969 with the album Walking in Space, which found him recasting his big-band influences within the framework of the budding fusion movement and the influences of contemporary rock, pop, and R&B sounds. The album was a commercial and critical success -- the title song won a Grammy award for Best Instrumental Jazz Performance, Large Group or Soloist with Large Group -- and kickstarted Jones' career as a recording artist. At the same time, he began working more closely with contemporary pop artists, producing sessions for Aretha Franklin and arranging strings for Paul Simon's There Goes Rhymin' Simon. While Jones continued to work with jazz artists, many hard-and-fast jazz fans accused him of turning his back on the genre, though Jones always contended his greatest allegiance was to African-American musical culture rather than any specific style. (Jones did, however, make one major jazz gesture in 1991 when he persuaded Miles Davis to revisit the classic Gil Evans arrangements from Miles Ahead, Sketches of Spain, and Porgy and Bess for that year's Montreux Jazz Festival; Jones coordinated the concert and led the orchestra, and it proved to be one of the last major events for the ailing Davis, who passed on a few months later.)

In 1974, Jones suffered a life-threatening brain aneurysm, and while he made a full recovery, he also made a decision to cut back on his schedule to spend more time with his family. While Jones may have had fewer projects on his plate in the late '70s and early '80s, they tended to be higher profile. He produced major chart hits for the Brothers Johnson and Rufus & Chaka Khan, and his own albums grew into all-star productions in which Jones orchestrated top players and singers in elaborate pop-R&B confections on sets like Body Heat, Sounds...And Stuff Like That!!, and The Dude, the last of which resulted in a Grammy for Producer of the Year. Jones' biggest mainstream success, however, came with his work with Michael Jackson. Jones produced his breakout solo album, Off the Wall, in 1979, and in 1982 they teamed up again for Thriller, which went on to become the biggest-selling album of all time. Jones was also on hand for Thriller's follow-up, 1987's Bad, and the celebrated USA for Africa session which produced the benefit single "We Are the World" (written by Jackson and Lionel Richie), and he produced a rare album in which Jackson narrated the story of the film E.T.: The Extra-Terrestrial. Jones' own Back on the Block, released in 1989, hit the pop Top Ten and led to five more Grammy awards, most prominently Album of the Year.

Having risen to the heights of the recording industry, Jones moved from scoring films to producing them in 1985. His first screen project was the screen adaptation of Alice Walker's novel The Color Purple, directed by Steven Spielberg. In 1991 he moved into television production with the situation comedy The Fresh Prince of Bel Air, which gave Will Smith his first starring role. Jones' production company also launched several other successful shows, including In the House and Mad TV. He produced a massive concert to help commemorate the 1993 inauguration of president Bill Clinton, and at the 1995 Academy Awards won the Jean Hersholt Humanitarian Award. In 1996 Jones performed at the Montreux Jazz Festival to celebrate his 50th anniversary in the music business. The concert was captured on video and released as a DVD.

Jones spent the rest of the '90s and first decade of the new century concentrating on his music publishing business, completing Q: The Autobiography of Quincy Jones, and being an "unofficial" cultural ambassador for the United States. In 2004 he helped to launch the We Are the Future (WAF) project, benefiting children in conflict-inhibited situations all over the globe. In 2010, Jones released Q: Soul Bossa Nostra, his first album in 15 years. As with many of his previous solo albums, the set featured appearances by popular vocalists like Amy Winehouse and Usher. Three years later, he was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame as a recipient of the Ahmet Ertegun Award. He continued working with artists including Emily Bear, Nikki Yanofsky, and Terrace Martin, and released the Chaka Khan collaboration "Keep Reachin'," recorded for Quincy: A Life Beyond Measure, a 2018 documentary about his illustrious career.

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Una de las figuras más destacadas de la música moderna, cruzando el jazz, el R&B, la música cinematográfica y el pop a lo largo de una carrera de siete décadas con 27 premios Grammy.

Biografía de Mark Deming

En una carrera que abarca más de siete décadas, Quincy Jones se ha ganado su reputación como un hombre renacentista de la música estadounidense. Desde que entró en la industria como arreglista a principios de la década de 1950, se ha distinguido como líder de banda, artista solista, sideman, compositor, productor, compositor de películas y ejecutivo de sello discográfico. Un vistazo rápido a algunos de los artistas con los que ha trabajado - Miles Davis, Frank Sinatra, Count Basie, Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon y Aretha Franklin - revela la notable diversidad de su carrera. Ha sido nominado para un récord de 80 premios Grammy, y ha ganado 27 en categorías incluyendo Mejor Interpretación Instrumental de Jazz por "Walking in Space" (1969), Productor del Año (1981), y Álbum del Año por Thriller de Jackson (1983) y su propio Back on the Block (1990). Fuera de los estudios de grabación, ha producido importantes películas, ayudado a crear series de televisión y escrito libros, incluyendo Q: The Autobiography of Quincy Jones (2001). Inducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll (2013), ha seguido produciendo y grabando, contribuyendo con la canción "Keep Reachin'" para el documental Quincy: Una vida sin medida (2018).

Quincy Delight Jones, Jr. nació en Chicago, Illinois el 14 de marzo de 1933. Cuando aún era joven, su familia se mudó a Seattle, Washington y pronto desarrolló un interés por la música. A principios de su adolescencia, Jones comenzó a aprender a tocar la trompeta y a cantar con un grupo local de gospel. Para cuando se graduó de la escuela secundaria en 1950, Jones había mostrado suficiente promesa como para ganar una beca para la escuela de música Schillinger House (que más tarde se conoció como la Escuela de Música de Berklee) con sede en Boston. Después de un año en Schillinger, Jones se mudó a la ciudad de Nueva York, donde encontró trabajo como arreglista, escribiendo cartas para Count Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey y Dinah Washington, entre otros. En 1953, Jones consiguió su primera gran oportunidad como intérprete cuando se incorporó a la sección de metales de la orquesta de Lionel Hampton junto a las leyendas del jazz Art Farmer y Clifford Brown. Tres años más tarde, Dizzy Gillespie le pidió a Jones que tocara en su banda, y más tarde, en 1956, cuando Gillespie fue invitado a formar una gran banda de destacados músicos internacionales, Diz eligió a Quincy para dirigir el conjunto. Jones también lanzó su primer álbum bajo su propio nombre ese año, un set para ABC-Paramount titulado This Is How I Feel About Jazz.

En 1957, Jones se mudó a París para estudiar con Nadia Boulanger, una compositora estadounidense expatriada con una trayectoria estelar en la formación de compositores y directores de orquesta. Durante su estancia en Francia, Jones trabajó en el sello discográfico francés Barclay, donde produjo y arregló sesiones para Jacques Brel y Charles Aznavour, así como para artistas estadounidenses itinerantes como Billy Eckstine y Sarah Vaughan. El trabajo de Jones para Barclay impresionó a la dirección de Mercury Records, un sello estadounidense afiliado a la imprenta francesa, y en 1961 fue nombrado vicepresidente de Mercury, la primera vez que un afroamericano había sido contratado como ejecutivo de alto nivel por una importante compañía discográfica estadounidense. Jones obtuvo uno de sus primeros éxitos pop cuando produjo y arregló "It's My Party" para la vocalista adolescente Lesley Gore, lo que marcó su primer paso significativo para alejarse del jazz y entrar en el mundo más amplio de la música popular. (Jones también trabajó como freelance para otros sellos, incluyendo el arreglo de varios lados memorables del Atlántico para Ray Charles). En 1963, Jones comenzó a explorar lo que se convertiría en un medio fructífero cuando compuso su primera banda sonora para el polémico drama de Sidney Lumet, The Pawnbroker; luego escribió música para 33 largometrajes.

En 1964, el trabajo con Count Basie lo llevó a organizar y dirigir las sesiones del álbum de Frank Sinatra It Might as well be Swing, en colaboración con Basie y su orquesta; también trabajó con Sinatra y Basie de nuevo como arreglador del galardonado Sinatra at the Sands set, y produjo y arregló uno de los últimos álbumes de Sinatra, L.A. Is My Lady, en 1984.

Si bien Jones mantuvo una apretada agenda como compositor, productor y arreglista a lo largo de los años 60, también resurgió como artista de grabación en 1969 con el álbum Walking in Space, que lo encontró refundiendo sus influencias de big-band dentro del marco del incipiente movimiento de fusión y las influencias de los sonidos contemporáneos del rock, el pop y el R&B. El álbum fue un éxito comercial y de crítica -- la canción del título ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación Instrumental de Jazz, Grupo Grande o Solista con Grupo Grande -- y dio inicio a la carrera de Jones como artista de grabación. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar más estrechamente con artistas pop contemporáneos, produciendo sesiones para Aretha Franklin y arreglando cuerdas para There Goes Rhymin' Simon de Paul Simon. Mientras Jones seguía trabajando con artistas de jazz, muchos fanáticos del jazz le acusaban de darle la espalda al género, aunque Jones siempre sostuvo que su mayor lealtad era a la cultura musical afroamericana más que a un estilo específico. (Jones, sin embargo, hizo un gran gesto de jazz en 1991 cuando persuadió a Miles Davis para que revisara los arreglos clásicos de Gil Evans de Miles Ahead, Sketches of Spain, y Porgy and Bess para el Festival de Jazz de Montreux de ese año; Jones coordinó el concierto y dirigió la orquesta, y resultó ser uno de los últimos eventos importantes para el enfermo Davis, que falleció unos meses después).

En 1974, Jones sufrió un aneurisma cerebral que puso en peligro su vida, y aunque se recuperó completamente, también tomó la decisión de reducir su horario para pasar más tiempo con su familia. Si bien Jones pudo haber tenido menos proyectos en su haber a finales de los'70 y principios de los'80, tendían a tener un perfil más alto. Produjo grandes éxitos para los hermanos Johnson y Rufus & Chaka Khan, y sus propios álbumes se convirtieron en producciones estelares en las que Jones orquestó a los mejores músicos y cantantes en elaboradas confecciones pop-R&B en sets como Body Heat, Sounds....And Stuff Like That! y The Dude, el último de los cuales dio como resultado un Grammy al Productor del Año. El mayor éxito de Jones, sin embargo, vino con su trabajo con Michael Jackson. Jones produjo su álbum en solitario, Off the Wall, en 1979, y en 1982 se unieron de nuevo para Thriller, que se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Jones también estuvo presente en el seguimiento de Thriller, Bad de 1987, y en la célebre sesión de USA for Africa que produjo el single benéfico "We Are the World" (escrito por Jackson y Lionel Richie), y produjo un álbum raro en el que Jackson narraba la historia de la película E.T.: The Extra-Terrestrial. El propio Back on the Block de Jones, publicado en 1989, alcanzó el Top Ten de pop y fue galardonado con cinco premios Grammy más, siendo el más destacado el Álbum del Año.

Habiendo llegado a la cima de la industria discográfica, Jones pasó de la banda sonora a la producción de películas en 1985. Su primer proyecto en la pantalla fue la adaptación de la novela de Alice Walker The Color Purple, dirigida por Steven Spielberg. En 1991 pasó a la producción televisiva con la comedia de situación The Fresh Prince of Bel Air, que le dio a Will Smith su primer papel protagonista. La compañía de producción de Jones también lanzó varios otros programas exitosos, incluyendo In the House y Mad TV. Produjo un concierto masivo para ayudar a conmemorar la toma de posesión del presidente Bill Clinton en 1993, y en los Premios de la Academia de 1995 ganó el Premio Humanitario Jean Hersholt. En 1996 Jones actuó en el Festival de Jazz de Montreux para celebrar su 50 aniversario en el negocio de la música. El concierto fue grabado en video y publicado en DVD.

Jones pasó el resto de los años 90 y la primera década del nuevo siglo concentrándose en su negocio de publicación de música, completando Q: The Autobiography of Quincy Jones, y siendo un embajador cultural "no oficial" para Estados Unidos. En 2004 ayudó a lanzar el proyecto We Are the Future (WAF), que beneficia a los niños en situaciones de conflicto en todo el mundo. En 2010, Jones lanzó Q: Soul Bossa Nostra, su primer álbum en 15 años. Al igual que muchos de sus álbumes anteriores en solitario, el conjunto contó con la participación de cantantes populares como Amy Winehouse y Usher. Tres años más tarde, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock & Roll como ganador del Premio Ahmet Ertegun. Continuó trabajando con artistas como Emily Bear, Nikki Yanofsky y Terrace Martin, y publicó la colaboración de Chaka Khan "Keep Reachin'", grabada para Quincy: A Life Beyond Measure, un documental de 2018 sobre su ilustre carrera.

Duke Pearson • The Right Touch

 

Review by Scott Yanow
Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

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Crítica de Scott Yanow
Duke Pearson se enfrenta al reto de escribir para un octeto de estrellas (con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Garnett Brown, el contralto James Spaulding, Jerry Dodgion en el contralto y la flauta, Stanley Turrentine en el tenor, el bajista Gene Taylor, el baterista Grady Tate, y el líder/pianista), aportando coloridos marcos y composiciones consistentemente desafiantes. El conjunto está lleno de melodías diversas (la reedición en CD contiene una toma inédita de "Los Malos Hombres") interpretadas por una variedad de solistas distintivos; muchas de estas canciones merecen ser revividas. Se trata de una de las mejores grabaciones de la carrera de Duke Pearson.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

Kenny Burrell • A Generation Ago Today

 

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

Johnny Hodges & Wild Bill Davis ‎• Joe's Blues

Ben Webster • Valentines Day 1964! Live

 

Dot Records presents a previously unheard live show featuring the great Ben Webster in a quartet format performing at the Half Note, in New York, on February 14, 1964, backed by Dave Frishberg on piano, Richard Davis on bass, and Grady Tate on drums. This is the only known recording of Webster playing with Frishberg, also vocalist and composer who has collaborated with such other stars as vocalist, composer, and lyricist born in Saint Paul, Minnesota. His songs have been performed by Blossom Dearie, Rosemary Clooney, Shirley Horn, Anita O'Day, Michael Feinstein, Irene Kral, Diana Krall, Stacey Kent, John Pizzarelli and Mel Tormé. Richard Davis worked regularly with the saxophonist in 1963-64 and during that period recording with him the studio albums Soulmates and See You at the Fair. Webster's only other recordings with Grady Tate are one of the sessions for a 1966 Oliver Nelson LP and a guest appearance of the tenor player with the Duke Ellington orchestra in Antibes that same year.

Among the highlights of this set, which is released in a digipack format with special annotations by celebrated jazz producer Michael Cuscuna, are an improvised blues, two versions of "Caravan" (a tune Ben only rarely recorded after leaving the Ellington band) and delightful renderings of Billy Strayhorn's "Chelsea Bridge" and George Gershwin's "How Long Has This Been Going On". Sound quality is pretty good for a live performance of that period.
https://www.jazzmessengers.com/en/74979/ben-webster/valentines-day-1964-live

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Dot Records presenta un espectáculo en vivo inédito con el gran Ben Webster en formato de cuarteto actuando en Half Note, en Nueva York, el 14 de febrero de 1964, respaldado por Dave Frishberg al piano, Richard Davis al bajo y Grady Tate a la batería. Esta es la única grabación conocida de Webster tocando con Frishberg, también vocalista y compositor que ha colaborado con otras estrellas como vocalista, compositor y letrista nacido en Saint Paul, Minnesota. Sus canciones han sido interpretadas por Blossom Dearie, Rosemary Clooney, Shirley Horn, Anita O'Day, Michael Feinstein, Irene Kral, Diana Krall, Stacey Kent, John Pizzarelli y Mel Tormé. Richard Davis trabajó regularmente con el saxofonista en 1963-64 y durante ese período grabó con él los álbumes de estudio Soulmates y See You at the Fair. Las únicas otras grabaciones de Webster con Grady Tate son una de las sesiones de un LP de Oliver Nelson de 1966 y una aparición especial del tenor con la orquesta Duke Ellington en Antibes ese mismo año.

Entre los aspectos más destacados de este set, que se lanza en formato digipack con anotaciones especiales del célebre productor de jazz Michael Cuscuna, se encuentran un blues improvisado, dos versiones de" Caravan "(una melodía que Ben rara vez grabó después de dejar the Ellington band) y deliciosas interpretaciones de" Chelsea Bridge "de Billy Strayhorn y"How Long Has This Been Going On" de George Gershwin. La calidad del sonido es bastante buena para una actuación en vivo de ese período.
https://www.jazzmessengers.com/en/74979/ben-webster/valentines-day-1964-live

Joe Beck • Relaxin

 Artist Biography

Studio and session guitarist Joe Beck was well known for hits when backing vocalist Esther Phillips on Kudu in the '70s, although his session credentials over the years also included the likes of Miles Davis, James Brown, Paul Simon, Frank Sinatra, and Gil Evans. During the '80s he made a series of competent fusion and pop-jazz recordings for DMP and had a big hit recording with Dave Sanborn on CTI in 1975. His career continued into the '90s and beyond with albums like 1991's Relaxin', 1997's Alto, and his 2000 collaboration with Jimmy Bruno, Polarity. Beck was active throughout most of the new millennium’s first decade with recordings on a variety of labels, including a number of CDs on Whaling City Sound, such as 2002's Just Friends, 2007's Tri07, 2008's Coincidence (a duo recording with John Abercrombie), and 2009's Golden Earrings. The latter album, featuring Beck and singer Laura Theodore performing music made famous by singer Peggy Lee, proved to be Beck’s final recording -- the guitarist was diagnosed with lung cancer soon after work on Golden Earrings had been completed and died from complications of the disease in July 2008 at age 62.

by Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/joe-beck-mn0000140752/biography

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 Biografía del artista

El guitarrista de estudio y de sesión Joe Beck era bien conocido por sus éxitos cuando apoyaba a la vocalista Esther Phillips en Kudu en los años 70, aunque sus credenciales de sesión a lo largo de los años también incluían a gente como Miles Davis, James Brown, Paul Simon, Frank Sinatra y Gil Evans. Durante los 80 hizo una serie de competentes grabaciones de fusión y pop-jazz para DMP y tuvo un gran éxito con Dave Sanborn en CTI en 1975. Su carrera continuó en los 90 y más allá con álbumes como Relaxin' de 1991, Alto de 1997, y su colaboración en el 2000 con Jimmy Bruno, Polarity. Beck estuvo activo durante la mayor parte de la primera década del nuevo milenio con grabaciones en una variedad de sellos, incluyendo varios CDs en Whaling City Sound, como Just Friends de 2002, Tri07 de 2007, Coincidence de 2008 (una grabación a dúo con John Abercrombie), y Golden Earrings de 2009. Este último álbum, en el que Beck y la cantante Laura Theodore interpretan música hecha famosa por la cantante Peggy Lee, resultó ser la última grabación de Beck: al guitarrista se le diagnosticó cáncer de pulmón poco después de terminar el trabajo de los Golden Earrings y murió por complicaciones de la enfermedad en julio de 2008 a la edad de 62 años.

por Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/joe-beck-mn0000140752/biography

Contributors: Michel & Ketmokin