Horace Silver • In Pursuit Of The 27th Man

 

VA • Blue Note 101 Cocktail Jazz

 

VA • The Best Blue Note Album In The World Ever

 

The perfect introduction to jazz by the genre's most legendary record label! This album is a great introduction to the Blue Note label and their incredible library of music, in fact there are probably enough great Blue Note tunes for another equally good compilation - New jazz converts will appreciate being able to use this as an introduction to the various artists.

With 20 classic tracks included on the two discs there is plenty of music to keep your fingers tapping - The songs are thoughtfully chosen and ordered so that it feels less like a compilation album and more like a mix - This means that even more seasoned jazz listeners will appreciate being able to slip in a couple of discs and get a couple of hours of great music without having to try and create their own mix

www.bluenote.com ...

Clifford Jordan & John Gilmore • Blowing In From Chicago

 

Review
by Scott Yanow
Clifford Jordan's first date as a leader actually found him sharing a heated jam session with fellow tenor John Gilmore. Backed by pianist Horace Silver, bassist Curly Russell, and drummer Art Blakey, the two saxophonists square off mostly on obscurities (other than Gigi Gryce's "Blue Lights" and "Billie's Bounce"). This was one of Gilmore's few sessions outside of Sun Ra's orbit and, if anything, he slightly overshadows the cooler-toned Jordan. Recommended.

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Reseña
por Scott Yanow
La primera cita de Clifford Jordan como líder le encontró compartiendo una acalorada jam session con su compañero tenor John Gilmore. Respaldado por el pianista Horace Silver, el bajista Curly Russell y el baterista Art Blakey, los dos saxofonistas se enfrentaron en su mayor parte con obscuridades (aparte de "Blue Lights" y "Billie's Bounce" de Gigi Gryce). Esta fue una de las pocas sesiones de Gilmore fuera de la órbita de Sun Ra y, en todo caso, eclipsa ligeramente a Jordan, de tono más frío. Recomendado.

Horace Silver Trio • New Faces New Sounds (Original Album Plus Bonus Tracks 1952)

 

Horace Silver • The Stylings Of Silver

 

Review
by Scott Yanow
The 1957 Horace Silver Quintet (featuring trumpeter Art Farmer and tenor saxophonist Hank Mobley) is in top form on this date, particularly on "My One and Only Love" and their famous version of "Home Cookin'." All of Silver's Blue Note quintet recordings are consistently superb and swinging and, although not essential, this is a very enjoyable set.
https://www.allmusic.com/album/the-stylings-of-silver-mw0000223931

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Review
by Scott Yanow
The 1957 Horace Silver Quintet (featuring trumpeter Art Farmer and tenor saxophonist Hank Mobley) is in top form on this date, particularly on "My One and Only Love" and their famous version of "Home Cookin'." All of Silver's Blue Note quintet recordings are consistently superb and swinging and, although not essential, this is a very enjoyable set.
https://www.allmusic.com/album/the-stylings-of-silver-mw0000223931

Horace Silver • Live New York, Revisited

 

This fabulous album, recorded during three New York club engagements in 1964, 1965 and 1966, ranks among the finest in the pianist/composer's illustrious catalogue. There are several things going for it: the quality and shared intentionality of the two, slightly different, lineups; the choice of material and its careful sequencing; the vibrancy of the performances, which is enough to practically raise the dead; and the quality of the CD mastering by the ezz-thetics label's sonic jedi Michael Brändli, whose work in effect amounts to full-on audio restoration.

Three of the five tunes (the seven-track album contains two versions apiece of "Que Pasa" and "African Queen") are from Silver's exalted Song For My Father (Blue Note, 1964) and are performed by the band which played them on that album: Silver, tenor saxophonist Joe Henderson, trumpeter Carmell Jones, bassist Teddy Smith and drummer Roger Humphries. "Song For My Father," "The Natives Are Restless Tonight" and "Que Pasa" never sounded finer.

The same can be said for "Señor Blues" from 6 Pieces Of Silver (Blue Note, 1957), the title track from Tokyo Blues (Blue Note, 1962), and "African Queen" from The Cape Verdean Blues (Blue Note, 1965). The two versions of "African Queen," datewise the last tracks to have been recorded (at the Half Note on separate nights in February 1966), have Woody Shaw in place of Jones and Larry Ridley in place of Smith. The rest of the personnel is unchanged.

Reviewers are not usually given to quoting the words of other writers, much less giving attribution to them when they do, but on occasion someone else makes an observation which is worth repeating verbatim. Brian Morton's sleeve note for Live New York Revisited is spot-on in its analysis of Silver's importance within the development of jazz. Here is Morton's general thesis: "Long before his death in 2014, Silver's reputation had become occluded, or tarnished with the notion that he was a relatively slight figure, more of an entertainer than an innovator." He goes on to discuss the various ways in which Silver was an innovatory figure, including this: "His habit of quoting other songs in his solos, often dismissed as a shallow, crowd-pleasing trick, is a forerunner of sampling culture and hip-hop. It's also an acknowledgement of [how] profoundly knowledgeable Silver was about the canon and its evolution. Here's a line of mine, he might say, and here's where it came from, but also here and here. His only mistake in this regard was to smile while he was playing.... a challenge to the really rather recent notion that jazz should be deadly serious and played with a pained rictus."

Joyous faces rather than pained rictuses should be the universal response to this album.
By Chris May
August 15, 2022
https://www.allaboutjazz.com/live-new-york-revisited-horace-silver-quintet-ezz-thetics

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Este fabuloso álbum, grabado durante tres compromisos en clubes de Nueva York en 1964, 1965 y 1966, se encuentra entre los mejores del ilustre catálogo del pianista y compositor. Hay varias cosas a su favor: la calidad y la intencionalidad compartida de las dos formaciones, ligeramente diferentes; la elección del material y su cuidadosa secuenciación; la vitalidad de las interpretaciones, que es suficiente para prácticamente resucitar a los muertos; y la calidad de la masterización del CD por el jedi sónico del sello ezz-thetics, Michael Brändli, cuyo trabajo equivale en efecto a una restauración de audio completa.

Tres de los cinco temas (el álbum de siete pistas contiene dos versiones cada una de "Que Pasa" y "African Queen") proceden del excelso Song For My Father (Blue Note, 1964) de Silver y son interpretados por la banda que los tocó en ese álbum: Silver, el saxofonista tenor Joe Henderson, el trompetista Carmell Jones, el bajista Teddy Smith y el batería Roger Humphries. "Song For My Father", "The Natives Are Restless Tonight" y "Que Pasa" nunca sonaron mejor.

Lo mismo puede decirse de "Señor Blues" de 6 Pieces Of Silver (Blue Note, 1957), el tema que da título a Tokyo Blues (Blue Note, 1962) y "African Queen" de The Cape Verdean Blues (Blue Note, 1965). Las dos versiones de "African Queen", los últimos temas grabados (en el Half Note en noches distintas de febrero de 1966), incluyen a Woody Shaw en lugar de Jones y a Larry Ridley en lugar de Smith. El resto del personal no ha cambiado.

Los críticos no suelen citar las palabras de otros escritores, y mucho menos atribuírselas cuando lo hacen, pero en ocasiones alguien hace una observación que vale la pena repetir textualmente. La nota de Brian Morton para Live New York Revisited es acertada en su análisis de la importancia de Silver en el desarrollo del jazz. Esta es la tesis general de Morton: "Mucho antes de su muerte en 2014, la reputación de Silver se había ocluido, o empañado con la noción de que era una figura relativamente ligera, más un artista que un innovador". Continúa hablando de las diversas formas en las que Silver era una figura innovadora, entre ellas esta: "Su costumbre de citar otras canciones en sus solos, a menudo tachada de truco superficial para agradar al público, es precursora de la cultura del sampling y el hip-hop. También es un reconocimiento de [lo] profundamente conocedor que era Silver del canon y su evolución". Aquí hay una frase mía, decía, y de aquí viene, pero también aquí y aquí". Su único error en este sentido fue sonreír mientras tocaba.... un desafío a la noción bastante reciente de que el jazz debe ser mortalmente serio y tocado con un rictus dolorido".

La respuesta universal a este álbum deberían ser las caras alegres y no los rictus doloridos.
Por Chris May
15 de agosto de 2022
https://www.allaboutjazz.com/live-new-york-revisited-horace-silver-quintet-ezz-thetics

Kenny Burrell • K.B. Blues

 

Horace Silver • Song For My Father

Art Farmer & Gigi Gryce • When Farmer Met Gryce

 

Review by Scott Yanow
When Farmer Met Gryce features trumpeter Art Farmer, altoist Gigi Gryce and two rhythm sections with either Horace Silver or Freddie Redd on piano, Percy Heath or Addison Farmer on bass, and Kenny Clarke or Art Taylor on drums. The early hard bop music is highlighted by "Social Call" (one of Gryce's best-known compositions), "Capri," "A Night at Tony's" and "Blue Concept" but all eight numbers will easily be enjoyed by straight-ahead jazz fans.
https://www.allmusic.com/album/when-farmer-met-gryce-mw0000234769

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Reseña de Scott Yanow
When Farmer Met Gryce cuenta con el trompetista Art Farmer, la contralto Gigi Gryce y dos secciones rítmicas con Horace Silver o Freddie Redd al piano, Percy Heath o Addison Farmer al bajo, y Kenny Clarke o Art Taylor a la batería. La música hard bop temprana se destaca por «Social Call» (una de las composiciones más conocidas de Gryce), «Capri», «A Night at Tony's» y «Blue Concept», pero los ocho números serán fácilmente disfrutados por los aficionados al jazz directo.
https://www.allmusic.com/album/when-farmer-met-gryce-mw0000234769


 

VA • High Fidelity Jazz-Blues Jazz

 

Baby Face Willette, Benny Green, Dexter Gordon, Freddie Hubbard, Grant Green, Hank Mobley, Horace Silver, Jimmy Smith, Lou Donaldson ...

 

 

 

Art Blakey & The Jazz Messengers • At The Cafe Bohemia

 

 

artblakey.com ...

Woody Shaw • Dark Journey

 

Review
by Scott Yanow  
Woody Shaw was one of the greatest jazz trumpeters of all time and all of his music deserves to be reissued and studied. This two-CD set is merely a sampling of his works, and despite some excellent liner notes from Michael Cuscuna, the programming is a bit odd. The second disc has the earliest recordings including two items ("Nutville" and "The Moontrane") that were leased and originally part of sessions led by pianist Horace Silver and organist Larry Young. In addition, there are four selections from the 1965 recording Cassandranite (which, like the rest of the material, was originally issued by Muse) and two numbers from 1974. The first disc has "Jitterbug Waltz" from the 1977 recording The Iron Men, and draws its six other selections (dating from 1983-87) from the Setting Standards, Imagination and Solid albums. The music is quite rewarding and the sidemen include Anthony Braxton on clarinet (for "Jitterbug Waltz"); pianists Cedar Walton, Kenny Barron and Herbie Hancock; trombonist Steve Turre; altoist Kenny Garrett; and tenor saxophonist Joe Henderson, among many others. But true Woody Shaw fans will prefer to get the original sessions in full, and fortunately 32 Jazz has also been gradually reissuing all of their Shaw Muse albums.
https://www.allmusic.com/album/dark-journey-mw0000232458

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Reseña
por Scott Yanow  
Woody Shaw fue uno de los mejores trompetistas de jazz de todos los tiempos y toda su música merece ser reeditada y estudiada. Este conjunto de dos CD es simplemente una muestra de sus obras, y a pesar de algunas excelentes notas de Michael Cuscuna, la programación es un poco extraña. El segundo disco contiene las primeras grabaciones, incluidos dos temas ("Nutville" y "The Moontrane") que fueron alquilados y que originalmente formaban parte de sesiones dirigidas por el pianista Horace Silver y el organista Larry Young. Además, hay cuatro selecciones de la grabación de 1965 Cassandranite (que, como el resto del material, fue publicado originalmente por Muse) y dos números de 1974. El primer disco contiene "Jitterbug Waltz" de la grabación de 1977 The Iron Men, y extrae sus otras seis selecciones (que datan de 1983-87) de los álbumes Setting Standards, Imagination y Solid. La música es muy gratificante y entre los acompañantes figuran Anthony Braxton al clarinete (para "Jitterbug Waltz"); los pianistas Cedar Walton, Kenny Barron y Herbie Hancock; el trombonista Steve Turre; el contralto Kenny Garrett; y el saxofonista tenor Joe Henderson, entre muchos otros. Pero los verdaderos fans de Woody Shaw preferirán conseguir las sesiones originales al completo y, afortunadamente, 32 Jazz también ha ido reeditando poco a poco todos sus discos Shaw Muse.
https://www.allmusic.com/album/dark-journey-mw0000232458


woodyshaw.com ...

Hank Mobley • Hank Mobley and His All Stars

 

Review
by Scott Yanow
This CD is a straight reissue of a Hank Mobley LP that features the "Who's Who" of late-'50s hard bop: the tenor-leader, vibraphonist Milt Jackson, pianist Horace Silver, bassist Doug Watkins and drummer Art Blakey. The quintet performs five Mobley compositions (best is the lyrical "Mobley's Musings"), songs that are generally more interesting for their chord changes than for their melodies, which is probably why none of them became standards. One's attention is constantly drawn to the inventive solos and Art Blakey's roaring "accompaniment." An above-average effort from some of the best.
https://www.allmusic.com/album/hank-mobley-his-all-stars-mw0000183567

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Reseña
por Scott Yanow
Este CD es una reedición directa de un LP de Hank Mobley que cuenta con el "Quién es quién" del hard bop de finales de los 50: el tenor-líder, el vibrafonista Milt Jackson, el pianista Horace Silver, el bajista Doug Watkins y el batería Art Blakey. El quinteto interpreta cinco composiciones de Mobley (la mejor es la lírica "Mobley's Musings"), canciones que en general son más interesantes por sus cambios de acordes que por sus melodías, razón por la que probablemente ninguna de ellas se convirtió en estándar. La atención de uno se ve constantemente atraída por los inventivos solos y el rugiente "acompañamiento" de Art Blakey. Un esfuerzo por encima de la media de algunos de los mejores.
https://www.allmusic.com/album/hank-mobley-his-all-stars-mw0000183567

Horace Silver • Horace Silver And The Jazz Messengers

 

Review
by Rovi Staff
In 1954, pianist Horace Silver teamed with drummer Art Blakey to form a cooperative ensemble that would combine the dexterity and power of bebop with the midtempo, down-home grooves of blues and gospel music. The results are what would become known as hard bop, and the Jazz Messengers were one of the leading exponents of this significant era in jazz history. Before Silver's departure and Blakey's lifetime of leadership, this first major session by the original Jazz Messengers set the standard by which future incarnations of the group would be measured. The tunes here are all Silver's, save the bopping "Hankerin'" by tenor man Hank Mobley. Such cuts as the opening "Room 608," the bluesy "Creepin' In," and "Hippy" are excellent examples of both Silver's creative composing style and the Messengers' signature sound. Of course, the most remembered tunes from the session are the classic "The Preacher" and "Doodlin'," two quintessential hard bop standards. In all, this set is not only a stunning snapshot of one of the first groups of its kind, but the very definition of a style that dominated jazz in the 1950s and '60s.
https://www.allmusic.com/album/horace-silver-and-the-jazz-messengers-mw0000192509

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Reseña
por Rovi Staff
En 1954, el pianista Horace Silver se asoció con el batería Art Blakey para formar un conjunto cooperativo que combinara la destreza y la fuerza del bebop con los ritmos a medio tiempo y desenfadados del blues y la música gospel. El resultado es lo que se conocería como hard bop, y los Jazz Messengers fueron uno de los principales exponentes de esta importante época de la historia del jazz. Antes de la marcha de Silver y del liderazgo vitalicio de Blakey, esta primera gran sesión de los Jazz Messengers originales marcó la pauta por la que se medirían las futuras encarnaciones del grupo. Todas las melodías son de Silver, excepto el bopping "Hankerin'" del tenor Hank Mobley. Temas como el inicial "Room 608", el blues "Creepin' In" y "Hippy" son excelentes ejemplos tanto del creativo estilo compositivo de Silver como del característico sonido de los Messengers. Por supuesto, los temas más recordados de la sesión son los clásicos "The Preacher" y "Doodlin'", dos estándares del hard bop por excelencia. En conjunto, este conjunto no es sólo una impresionante instantánea de uno de los primeros grupos de su clase, sino la definición misma de un estilo que dominó el jazz en las décadas de 1950 y 1960.
https://www.allmusic.com/album/horace-silver-and-the-jazz-messengers-mw0000192509

Milt Jackson • Milt Jackson Quartet

 

Review
by Richard Mortifoglio
This 1955 date is an intriguing opportunity to hear Milt Jackson accompanied by the MJQ rhythm section, but with hard bopper Horace Silver substituting for John Lewis. Not only that, it's also a chance to hear a hitherto unknown, lushly romantic side of both Jackson and Silver, two blues-oriented players who rarely if ever recorded standards in this sort of style. With its excellent recording quality, it's a perfect album for intimate dinners and other late-night activities. Artie Shaw's exotic "Moonray" is rarely heard in any sort of context, while "My Funny Valentine" and "The Nearness of You" set the mood throughout.
https://www.allmusic.com/album/milt-jackson-quartet-mw0000188319

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Reseña
por Richard Mortifoglio
Esta fecha de 1955 es una intrigante oportunidad de escuchar a Milt Jackson acompañado por la sección rítmica MJQ, pero con el hard bopper Horace Silver sustituyendo a John Lewis. Y no sólo eso, también es una oportunidad de escuchar un lado hasta ahora desconocido, exuberantemente romántico, tanto de Jackson como de Silver, dos músicos orientados al blues que rara vez o nunca grabaron estándares en este tipo de estilo. Con su excelente calidad de grabación, es un álbum perfecto para cenas íntimas y otras actividades nocturnas. La exótica "Moonray" de Artie Shaw rara vez se escucha en este contexto, mientras que "My Funny Valentine" y "The Nearness of You" crean ambiente.
https://www.allmusic.com/album/milt-jackson-quartet-mw0000188319

Art Blakey Quintet • A Night At Birdland

 

artblakey.com ...

VA • Classic Blue Note

 

 

Bud Powell, Miles Davis, John Coltrane, Johnny Griffin, Art Blakey, Hank Mobley, Stanley Turrentine, Dexter Gordon, Herbie Hancock, Jimmy Smith, Wayne Shorter, Horace Silver, Freddie Hubbard ...
 

 

www.bluenote.com ... 

Lee Morgan • Indeed!

 

 

Biography by Steve Huey
A cornerstone of the Blue Note label roster prior to his tragic demise, Lee Morgan was one of hard bop's greatest trumpeters, and indeed one of the finest players of the '60s. An all-around master of his instrument modeled after Clifford Brown, Morgan boasted an effortless, virtuosic technique and a full, supple, muscular tone that was just as powerful in the high register. His playing was always emotionally charged, regardless of the specific mood: cocky and exuberant on uptempo groovers, blistering on bop-oriented technical showcases, sweet and sensitive on ballads. In his early days as a teen prodigy, Morgan was a busy soloist with a taste for long, graceful lines, and honed his personal style while serving an apprenticeship in both Dizzy Gillespie's big band and Art Blakey's Jazz Messengers. As his original compositions began to take in elements of blues and R&B, he made greater use of space and developed an infectiously funky rhythmic sense. He also found ways to mimic human vocal inflections by stuttering, slurring his articulations, and employing half-valved sound effects. Morgan led his first Blue Note session in 1956 and he would record his first two classic albums for the label during 1957 and 1958: The Cooker and Candy. He broke through to a wider audience with his classic 1963 album Sidewinder, whose club-friendly title track introduced the soulful, boogaloo jazz sound. Toward the end of his career, Morgan was increasingly moving into modal music and free bop, hinting at the avant-garde but remaining grounded in tradition; a sound showcased on his 1970 concert album Live at the Lighthouse. He had already overcome a severe drug addiction, but sadly, he would not live to continue his musical growth; he was shot to death by his common-law wife in 1972.

Edward Lee Morgan was born in Philadelphia on July 10, 1938. He grew up a jazz lover, and his sister apparently gave him his first trumpet at age 14. He took private lessons, developing rapidly, and continued his studies at Mastbaum High School. By the time he was 15, he was already performing professionally on the weekends, co-leading a group with bassist Spanky DeBrest. Morgan also participated in weekly workshops that gave him the chance to meet the likes of Miles Davis, Dizzy Gillespie, and his idol Clifford Brown. After graduating from high school in 1956, Morgan -- along with DeBrest -- got the chance to perform with Art Blakey's Jazz Messengers when they swung through Philadelphia. Not long after, Dizzy Gillespie hired Morgan to replace Joe Gordon in his big band, and afforded the talented youngster plenty of opportunities to solo, often spotlighting him on the Gillespie signature piece "A Night in Tunisia." Clifford Brown's death in a car crash in June 1956 sparked a search for his heir apparent, and the precocious Morgan seemed a likely candidate to many; accordingly, he soon found himself in great demand as a recording artist. His first session as a leader was cut for Blue Note in November 1956, and over the next few months he recorded for Savoy and Specialty as well, often working closely with Hank Mobley or Benny Golson. Later in 1957, he performed as a sideman on John Coltrane's classic Blue Train, as well as with Jimmy Smith.

Moanin'
Morgan's early sessions showed him to be a gifted technician who had his influences down pat, but subsequent dates found him coming into his own as a distinctive, original stylist. That was most apparent on the Blue Note classic Candy, a warm standards album completed in 1958 and released to great acclaim. Still only 19, Morgan's playing was imbued with youthful enthusiasm, but he was also synthesizing his influences into an original sound of his own. Also in 1958, Gillespie's big band broke up, and Morgan soon joined the third version of Art Blakey's Jazz Messengers, which debuted on the classic Moanin' album later that year. As a leader, Morgan recorded a pair of albums for Vee Jay in 1960, Here's Lee Morgan and Expoobident, and cut another for Blue Note that year, Lee-Way, with backing by many of the Jazz Messengers. None managed to measure up to Candy, and Morgan, grappling with heroin addiction, wound up leaving the Jazz Messengers in 1961. He returned to his hometown of Philadelphia to kick the habit, and spent most of the next two years away from music, working occasionally with saxophonist Jimmy Heath on a local basis. His replacement in the Jazz Messengers was Freddie Hubbard, who would also become one of the top hard bop trumpeters of the '60s.

Morgan returned to New York in late 1963, and recorded with Blue Note avant-gardist Grachan Moncur on the trombonist's debut Evolution. He then recorded a comeback LP for Blue Note called The Sidewinder, prominently featuring the up-and-coming Joe Henderson. The Morgan-composed title track was a funky, danceable groover that drew from soul-jazz, Latin boogaloo, blues, and R&B in addition to Morgan's trademark hard bop. It was rather unlike anything else he'd cut, and it became a left-field hit in 1964; edited down to a 45 RPM single, it inched into the lower reaches of the pop charts and was licensed for use in a high-profile automobile ad campaign. Its success helped push The Sidewinder into the Top 25 of the pop LP charts, and the Top Ten on the R&B listing. Sales were brisk enough to revive the financially struggling Blue Note label, and likely kept it from bankruptcy; it also led to numerous "Sidewinder"-style grooves popping up on other Blue Note artists' albums. By the time "The Sidewinder" became a phenomenon, Morgan had rejoined the Jazz Messengers, where he would remain until 1965; there he solidified a long-standing partnership with saxophonist Wayne Shorter.

Morgan followed the most crucial recording of his career with the excellent, more abstract Search for the New Land, which was cut in early 1964, before "The Sidewinder" hit. An advanced modal bop session called Tom Cat was also recorded shortly thereafter, but both were shelved in hopes of scoring another "Sidewinder." Accordingly, Morgan re-entered the studio in early 1965 to cut The Rumproller, whose Andrew Hill-penned title cut worked territory that was highly similar to Morgan's breakout hit. Commercial lightning didn't strike twice, but Morgan continued to record prolifically through 1965, cutting excellent sessions like The Gigolo, Cornbread, and the unissued Infinity. The Gigolo introduced one of Morgan's best-known originals, the bluesy "Speedball," while the classic Cornbread featured his ballad masterpiece "Ceora." Search for the New Land was finally issued in 1966, and it achieved highly respectable sales, reaching the Top 20 of the R&B album charts; both Cornbread and The Gigolo would sell well among jazz audiences when they were released in 1967 and 1968, respectively.

By the time Morgan completed those albums, he had left the Jazz Messengers to begin leading his own groups outside the studio. He was also appearing frequently as a sideman on other Blue Note releases, working most often with tenorman Hank Mobley. Morgan was extraordinarily prolific between 1966 and 1968, cutting around eight albums' worth of material (though not all of it was released at the time). Highlights included Delightfulee, The Procrastinator, and the decent-selling Caramba!, which nearly made the Top 40 of the R&B album chart. His compositions were increasingly modal and free-form, stretching the boundaries of hard bop; however, his funkier instincts were still evident as well, shifting gradually from boogaloo to early electrified fusion. Morgan's recording pace tailed off at the end of the '60s, but he continued to tour with a regular working group that prominently featured saxophonist Bennie Maupin. This band's lengthy modal explorations were documented on the double-LP Live at the Lighthouse, recorded in Los Angeles in July 1970; it was reissued in 2021 as The Complete Live at the Lighthouse.

Morgan led what turned out to be the last session of his life in September 1971. On February 19, 1972, he was performing at the New York club Slug's when he was shot and killed by his common-law wife, Helen More (aka Helen Morgan). Accounts of exactly what happened vary; whether they argued over drugs or Morgan's fidelity, whether she shot him outside the club or up on the bandstand in front of the audience, jazz lost a major talent. The events of the night and More's relationship with Morgan were later the subject of Kasper Collin's acclaimed 2016 documentary film I Called Him Morgan. Despite his extensive recorded legacy, Morgan was only 33 years old. While The Last Session arrived posthumously in 1972, many of the trumpeter's unreleased Blue Note sessions began to appear in the early '80s, and his critical standing has hardly diminished a whit.
https://www.allmusic.com/artist/lee-morgan-mn0000226380#biography

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Biografía de Steve Huey
Piedra angular del sello Blue Note antes de su trágica desaparición, Lee Morgan fue uno de los mejores trompetistas del hard bop y, de hecho, uno de los mejores intérpretes de los años sesenta. Todo un maestro de su instrumento, inspirado en Clifford Brown, Morgan poseía una técnica virtuosa y sin esfuerzo y un tono lleno, flexible y musculoso que era igual de poderoso en el registro agudo. Su forma de tocar siempre estaba cargada de emoción, independientemente del estado de ánimo: arrogante y exuberante en los ritmos acelerados, explosivo en las exhibiciones técnicas orientadas al bop, dulce y sensible en las baladas. En sus primeros días como adolescente prodigio, Morgan era un solista ocupado con un gusto por las líneas largas y elegantes, y perfeccionó su estilo personal mientras servía como aprendiz tanto en la big band de Dizzy Gillespie como en los Jazz Messengers de Art Blakey. Cuando sus composiciones originales empezaron a incorporar elementos de blues y R&B, hizo un mayor uso del espacio y desarrolló un sentido rítmico contagiosamente funky. También encontró formas de imitar las inflexiones vocales humanas tartamudeando, arrastrando las articulaciones y empleando efectos sonoros a media voz. Morgan dirigió su primera sesión para Blue Note en 1956 y grabaría sus dos primeros álbumes clásicos para el sello durante 1957 y 1958: The Cooker y Candy. Se dio a conocer a un público más amplio con su álbum clásico de 1963 Sidewinder, cuyo tema principal, apto para discotecas, introdujo el sonido conmovedor del boogaloo jazz. Hacia el final de su carrera, Morgan se adentró cada vez más en la música modal y el free bop, con guiños a la vanguardia, pero sin abandonar la tradición; un sonido que quedó patente en su álbum de conciertos Live at the Lighthouse (1970). Ya había superado una grave adicción a las drogas, pero lamentablemente no viviría para continuar su crecimiento musical; fue asesinado a tiros por su concubina en 1972.

Edward Lee Morgan nació en Filadelfia el 10 de julio de 1938. Creció como un amante del jazz y, al parecer, su hermana le regaló su primera trompeta a los 14 años. Tomó clases particulares, desarrollándose rápidamente, y continuó sus estudios en el Mastbaum High School. A los 15 años ya actuaba profesionalmente los fines de semana, codirigiendo un grupo con el bajista Spanky DeBrest. Morgan también participaba en talleres semanales que le dieron la oportunidad de conocer a artistas de la talla de Miles Davis, Dizzy Gillespie y su ídolo Clifford Brown. Tras graduarse en el instituto en 1956, Morgan -junto con DeBrest- tuvo la oportunidad de tocar con los Jazz Messengers de Art Blakey cuando pasaron por Filadelfia. Poco después, Dizzy Gillespie contrató a Morgan para sustituir a Joe Gordon en su big band, y brindó al joven talento numerosas oportunidades para tocar en solitario, a menudo destacando en la pieza emblemática de Gillespie "A Night in Tunisia". La muerte de Clifford Brown en un accidente de coche en junio de 1956 desencadenó la búsqueda de su heredero, y el precoz Morgan parecía un candidato probable para muchos; en consecuencia, pronto se encontró en gran demanda como artista de grabación. Su primera sesión como líder se grabó para Blue Note en noviembre de 1956, y en los meses siguientes grabó también para Savoy y Specialty, a menudo en estrecha colaboración con Hank Mobley o Benny Golson. Más tarde, en 1957, actuó como músico de acompañamiento en el clásico Blue Train de John Coltrane, así como con Jimmy Smith.

Gimiendo
Las primeras sesiones de Morgan mostraron que era un técnico dotado que tenía sus influencias bajo control, pero las siguientes fechas le descubrieron como un estilista distintivo y original. Esto quedó patente en el clásico de Blue Note Candy, un cálido álbum de standards terminado en 1958 y publicado con gran éxito. Con sólo 19 años, Morgan tocaba con entusiasmo juvenil, pero también sintetizaba sus influencias en un sonido propio y original. También en 1958, la big band de Gillespie se disolvió, y Morgan pronto se unió a la tercera versión de Art Blakey's Jazz Messengers, que debutó en el clásico álbum Moanin' ese mismo año. Como líder, Morgan grabó un par de álbumes para Vee Jay en 1960, Here's Lee Morgan y Expoobident, y otro para Blue Note ese mismo año, Lee-Way, con el respaldo de muchos de los Jazz Messengers. Ninguno consiguió estar a la altura de Candy y Morgan, aquejado de adicción a la heroína, acabó abandonando los Jazz Messengers en 1961. Regresó a su ciudad natal, Filadelfia, para dejar el hábito, y pasó la mayor parte de los dos años siguientes alejado de la música, trabajando ocasionalmente con el saxofonista Jimmy Heath a nivel local. Su sustituto en los Jazz Messengers fue Freddie Hubbard, que también se convertiría en uno de los mejores trompetistas de hard bop de los años 60.


Morgan regresó a Nueva York a finales de 1963 y grabó con el vanguardista de Blue Note Grachan Moncur en el debut del trombonista, Evolution. Después grabó un LP de regreso para Blue Note llamado The Sidewinder, en el que aparecía el prometedor Joe Henderson. La canción que daba título al disco, compuesta por Morgan, era un tema funky y bailable que bebía del soul-jazz, el boogaloo latino, el blues y el R&B, además del hard bop característico de Morgan. No se parecía a nada de lo que había hecho hasta entonces, y se convirtió en un éxito inesperado en 1964; editada en un single de 45 RPM, se coló en la parte baja de las listas de éxitos pop y se autorizó su uso en una campaña publicitaria de automóviles de gran repercusión. Su éxito ayudó a que The Sidewinder entrara en el Top 25 de las listas de LP pop y en el Top Ten de la lista de R&B. Las ventas fueron lo suficientemente rápidas como para revivir el éxito. Las ventas fueron lo suficientemente rápidas como para reanimar a la discográfica Blue Note, que se encontraba en apuros económicos, y probablemente la alejaron de la bancarrota; también dio lugar a la aparición de numerosos ritmos al estilo "Sidewinder" en álbumes de otros artistas de Blue Note. Cuando "The Sidewinder" se convirtió en un fenómeno, Morgan había vuelto a unirse a los Jazz Messengers, donde permanecería hasta 1965; allí consolidó una larga colaboración con el saxofonista Wayne Shorter.

Morgan realizó la grabación más crucial de su carrera con el excelente y más abstracto Search for the New Land, que se grabó a principios de 1964, antes de que "The Sidewinder" llegara al mercado. Poco después también se grabó una sesión de bop modal avanzado llamada Tom Cat, pero ambas se archivaron con la esperanza de conseguir otro "Sidewinder". En consecuencia, Morgan volvió a entrar en el estudio a principios de 1965 para grabar "The Rumproller", cuya canción principal, escrita por Andrew Hill, trabajaba en un terreno muy similar al del éxito de Morgan. El rayo comercial no cayó dos veces, pero Morgan continuó grabando prolíficamente a lo largo de 1965, grabando excelentes sesiones como The Gigolo, Cornbread y la inédita Infinity. The Gigolo presentó uno de los temas originales más conocidos de Morgan, el blues "Speedball", mientras que el clásico Cornbread incluyó su balada maestra "Ceora". Search for the New Land se publicó finalmente en 1966, y logró unas ventas muy respetables, alcanzando el Top 20 de las listas de álbumes de R&B; tanto Cornbread como The Gigolo se venderían bien entre el público de jazz cuando se publicaron en 1967 y 1968, respectivamente.

Cuando Morgan terminó esos álbumes, había abandonado los Jazz Messengers para empezar a dirigir sus propios grupos fuera del estudio. También aparecía con frecuencia como acompañante en otros discos de Blue Note, sobre todo con el tenor Hank Mobley. Morgan fue extraordinariamente prolífico entre 1966 y 1968, grabando alrededor de ocho álbumes (aunque no todos se publicaron en su momento). Entre los más destacados se encuentran Delightfulee, The Procrastinator y el decente Caramba!, que estuvo a punto de entrar en el Top 40 de la lista de álbumes de R&B. Sus composiciones eran cada vez más modales y libres. Sus composiciones eran cada vez más modales y libres, ampliando los límites del hard bop; sin embargo, sus instintos más funk seguían siendo evidentes, pasando gradualmente del boogaloo a la primera fusión electrificada. El ritmo de grabación de Morgan disminuyó a finales de los 60, pero continuó de gira con un grupo de trabajo regular en el que destacaba el saxofonista Bennie Maupin. Las largas exploraciones modales de esta banda quedaron documentadas en el doble LP Live at the Lighthouse, grabado en Los Ángeles en julio de 1970; se reeditó en 2021 como The Complete Live at the Lighthouse.

Morgan dirigió la que resultó ser la última sesión de su vida en septiembre de 1971. El 19 de febrero de 1972, estaba actuando en el club neoyorquino Slug's cuando fue asesinado a tiros por su pareja de hecho, Helen More (también conocida como Helen Morgan). Los relatos de lo que ocurrió varían; si discutieron por drogas o por la fidelidad de Morgan, si ella le disparó fuera del club o en el escenario delante del público, el jazz perdió un gran talento. Los acontecimientos de la noche y la relación de More con Morgan fueron posteriormente objeto del aclamado documental de Kasper Collin de 2016 I Called Him Morgan. A pesar de su extenso legado discográfico, Morgan solo tenía 33 años. Aunque The Last Session llegó póstumamente en 1972, muchas de las sesiones inéditas del trompetista en Blue Note comenzaron a aparecer a principios de los 80, y su prestigio crítico apenas ha disminuido un ápice.
https://www.allmusic.com/artist/lee-morgan-mn0000226380#biography

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