Jay McShann • Jumpin' The Blues

 

 Biography by Scott Yanow
The great veteran pianist Jay McShann (also known as Hootie) enjoyed a long career and it is unfair to primarily think of him as merely the leader of an orchestra that featured a young Charlie Parker. He was mostly self-taught as a pianist, worked with Don Byas as early as 1931 and played throughout the Midwest before settling in Kansas City in 1936. McShann formed his own sextet the following year and by 1939 had his own big band. In 1940 at a radio station in Wichita, KS, McShann and an octet out of his orchestra recorded eight songs that were not released commercially until the 1970s; those rank among the earliest of all Charlie Parker records (he is brilliant on "Honeysuckle Rose" and "Lady Be Good") and also feature the strong rhythm section team McShann had with bassist Gene Ramey and drummer Gus Johnson. The full orchestra recorded for Decca on two occasions during 1941-1942 but they were typecast as a blues band and did not get to record many of their more challenging charts (although very rare broadcasts have since surfaced and been released on CD by Vintage Jazz Classics). In addition to Bird (who had a few short solos), the main stars were trumpeter Bernard Anderson, the rhythm section, and singer Walter Brown. McShann and his band arrived in New York in February 1942 and made a strong impression, but World War II made it difficult for any new orchestras to catch on. There was a final session in December 1943 without Parker, but McShann was soon drafted and the band broke up. After being discharged later in 1944, McShann briefly re-formed his group but soon moved to Los Angeles, where he led combos for the next few years; his main attraction was the young singer Jimmy Witherspoon.

McShann was in obscurity for the next two decades, making few records and mostly playing in Kansas City. In 1969 he was rediscovered and McShann (who had first sung on records in 1966) was soon a popular pianist/vocalist. Sometimes featuring violinist Claude Williams, he toured constantly, recorded frequently, and appeared at many jazz festivals, being active into the mid-'90s. Jay McShann, who recorded through the years for Onyx (the 1940 radio transcriptions), Decca, Capitol, Aladdin, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime, and Music Masters among others, was a vital pianist and an effective blues vocalist who keept a classic style alive. A live album, Hootie Blues, recorded in 2001 in Toronto and released in 2006 by Stony Plain, showed that McShann could still bring it at the age of 85. He died at the age of 90 on December 7, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

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Biografía de Scott Yanow
El gran pianista veterano Jay McShann (también conocido como Hootie) disfrutó de una larga carrera y es injusto pensar en él principalmente como un simple líder de una orquesta en la que figuraba un joven Charlie Parker. Fue en su mayoría autodidacta como pianista, trabajó con Don Byas ya en 1931 y tocó en todo el Medio Oeste antes de establecerse en Kansas City en 1936. McShann formó su propio sexteto al año siguiente y en 1939 tenía su propia big band. En 1940, en una estación de radio de Wichita, KS, McShann y un octeto de su orquesta grabaron ocho canciones que no se publicaron comercialmente hasta la década de 1970; éstas se encuentran entre los primeros discos de Charlie Parker (es brillante en "Honeysuckle Rose" y "Lady Be Good") y también cuentan con el fuerte equipo de la sección rítmica que McShann tenía con el bajista Gene Ramey y el baterista Gus Johnson. La orquesta completa grabó para Decca en dos ocasiones durante 1941-1942, pero fueron encasillados como una banda de blues y no llegaron a grabar muchas de sus listas de éxitos más desafiantes (aunque desde entonces han surgido emisiones muy raras y han sido editadas en CD por Vintage Jazz Classics). Además de Bird (que tuvo algunos solos cortos), las principales estrellas fueron el trompetista Bernard Anderson, la sección rítmica, y el cantante Walter Brown. McShann y su banda llegaron a Nueva York en febrero de 1942 y causaron una gran impresión, pero la Segunda Guerra Mundial hizo difícil que las nuevas orquestas se pusieran de moda. Hubo una sesión final en diciembre de 1943 sin Parker, pero McShann pronto fue reclutado y la banda se separó. Después de ser dado de baja a finales de 1944, McShann volvió a formar brevemente su grupo, pero pronto se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió los combos durante los siguientes años; su principal atracción era el joven cantante Jimmy Witherspoon.

McShann estuvo en la oscuridad durante las dos décadas siguientes, haciendo pocos discos y tocando principalmente en Kansas City. En 1969 fue redescubierto y McShann (que había cantado por primera vez en discos en 1966) pronto fue un pianista/vocalista popular. A veces con el violinista Claude Williams, hacía giras constantemente, grababa con frecuencia y se presentaba en muchos festivales de jazz, estando activo hasta mediados de los 90. Jay McShann, que grabó a lo largo de los años para Onyx (las transcripciones de radio de 1940), Decca, Capitol, Aladino, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime y Music Masters entre otros, fue un pianista vital y un eficaz vocalista de blues que mantiene vivo un estilo clásico. Un álbum en vivo, Hootie Blues, grabado en 2001 en Toronto y publicado en 2006 por Stony Plain, demostró que McShann todavía podía llevarlo a la edad de 85 años. Murió a la edad de 90 años el 7 de diciembre de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

 

Jimmy Witherspoon • Goin' To Kansas City Blues

 

 

Artist Biography

One of the great post-war blues shouters, Jimmy Witherspoon, or 'Spoon, as he's known throughout the jazz and blues world, straddled the line between blues and jazz, becoming an integral participant in the history of both of these classic genres of American music.

Born August 8, 1923, in Gurdon, Arkansas, the young James Witherspoon sang in church choirs much like his railroad worker father. Confidence came early as he won first prize in a singing competition at the age of five. While in his teens, Witherspoon decided to try his luck pursuing a singing career and ran away to Los Angeles. It was there that he decided to become a blues singer after seeing a performance by Big Joe Turner.

Bouncing around from job to job and not having much success as a singer, Witherspoon joined the merchant marines in 1941. Moving to San Francisco in 1944, Witherspoon would sing on weekends at a club called The Waterfront in nearby Vallejo, California. Witherspoon got his big break when he was heard by bandleader Jay McShann, with whom he spent close to four years. Witherspoon eventually did go his own way with, leaving McShann's band to record as a soloist for the Supreme label. In 1949, after a few recordings that went nowhere, 'Spoon recorded a version of “Ain't Nobody's Business,” which would become his signature song and featured McShann and others from the old band, went to number one on the R&B charts and stayed on the charts for 34 months, longer than any previous R&B tune. Witherspoon's next release, “In the Evening When the Sun Goes Down,” reached the number five spot, following this, 'Spoon released a number of albums on a variety of labels including Modern, Federal, and the legendary Chess label.

Virtually ignored by jazz and rock audiences and with financial hardships stalling large, swinging blues bands like McShann's, the rest of the 1950s found Witherspoon playing the chitlin circuit, a network of small black-owned clubs that played to mostly black audiences. For a while he played bass and sang at a club in Newport, Kentucky in a small band that also featured famed blues pianist Charles Brown. In 1959, however, 'Spoon was invited to appear at the Monterey Jazz Festival with an all-star group that included tenor saxophonist Ben Webster, trumpeter Roy Eldridge, alto saxophonist Coleman Hawkins, clarinetist Woody Herman, trombonist Urbie Green, and pianist Earl “Fatha” Hines. The electrifying performance, recorded and released as “Jimmy Witherspoon at Monterey,” propelled Witherspoon into the limelight as one of the leading singers of blues-laced jazz and put his career back on track. 'Spoon landed a recording contract with Atlantic, began to sing for larger crowds, and was featured in Jon Hendricks's historic program, “Evolution of the Blues,” at the 1960 Monterey Jazz Festival. These live recordings are available as “The Spoon Concerts.”

Like most jazz and blues performers, Witherspoon was especially successful in Europe and toured and recorded there many times since the early 1960s. Although he continued to record and tour, success on the record charts proved elusive for Witherspoon. In the 1970s, while hosting a late night radio blues program in Los Angeles, Witherspoon had his first chart success since 1960 with the song, “Love is a Five Letter Word” on Capitol Records. He continued, however, to record and perform for enthusiastic, albeit smaller, audiences.

In the late 1970s, Witherspoon was diagnosed with throat cancer and faced the possibility of never being able to sing again. For a while he couldn't even swallow. A throat operation and radiation treatment in England kept Witherspoon out of recording studios and clubs for a few years and took its toll on the veteran singer's dynamic style. After getting his singing back to where it was, Witherspoon noticed he could now reach a lower vocal register that before his operation was unattainable. Witherspoon forged ahead and went on to cut a remarkable 1986 album “Midnight Lady Called The Blues”, written and produced by Dr. John and Doc Pomus.

The1990s found Witherspoon at his most active, including touring with singer Van Morrison, in support of Morrison's “A Night in San Francisco,” album, on which Witherspoon appeared, as well as his own headlining gigs to promote reissues of earlier Witherspoon albums and recent releases. One such album, a live album with guitarist Robben Ford, entitled “Live at the Mint,” was the most welcome. A return to his roots but with a more upbeat feel, courtesy of Ford and his band, Witherspoon shouts through lively renditions of songs, some of which he'd been singing for more than 40 years. “`Spoon's swinging Jazz sensibilities are front and center on songs like Basie's `Goin' to Chicago” and his signature tune, `Ain't Nobody's Business,'” wrote DownBeat reviewer Michael Point, “but he's lost none of his ability to drop down into a convincing blues mood, as amply demonstrated by his powerful renditions of `Goin' Down Slow' and an assortment of Big Bill Broonzy classics.”

Live at the Mint went on to be nominated for a Grammy Award for Best Traditional Blues recording only to lose out to harmonica player Junior Wells. Still, the warm reception to the album and Grammy nomination did much to introduce- -or reintroduce-- Witherspoon to a group of fans.

. He re-teamed with guitarist Robben Ford for “Live At The Notodden Blues Festival”, and cut a 1992 album “The Blues, The Whole Blues and Nothin' But The Blues” for Indigo Records. Spoon's last recording “Spoon's Blues” for Stony Plain Records featured Duke Robillard and his band with special guest Long John Baldry.

Jimmy Witherspoon passed away in September of 1997 at the age of 74 an acknowledged giant in the fields of Rhythm & Blues and Jazz and a true American original. For more than a half century Jimmy Witherspoon graced the stages and recording studios of the country and showed the world that he was indeed a talent for the ages.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmywitherspoon

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Biografía del artista

Uno de los grandes gritones del blues de la posguerra, Jimmy Witherspoon, o'Spoon, como se le conoce en todo el mundo del jazz y el blues, se situó a caballo entre el blues y el jazz, convirtiéndose en un participante integral en la historia de estos dos géneros clásicos de la música estadounidense.

Nacido el 8 de agosto de 1923 en Gurdon, Arkansas, el joven James Witherspoon cantaba en los coros de la iglesia de manera muy parecida a su padre, un trabajador ferroviario. La confianza llegó pronto, ya que ganó el primer premio en un concurso de canto a la edad de cinco años. Durante su adolescencia, Witherspoon decidió probar suerte en su carrera de cantante y huyó a Los Ángeles. Fue allí donde decidió convertirse en cantante de blues después de ver una actuación de Big Joe Turner.

Saltando de un trabajo a otro y no teniendo mucho éxito como cantante, Witherspoon se unió a la marina mercante en 1941. Al mudarse a San Francisco en 1944, Witherspoon cantaba los fines de semana en un club llamado The Waterfront en el cercano Vallejo, California. Witherspoon tuvo su gran oportunidad cuando fue escuchado por el líder de la banda Jay McShann, con quien pasó cerca de cuatro años. Witherspoon finalmente siguió su propio camino, dejando que la banda de McShann grabara como solista para el sello Supreme. En 1949, después de unas cuantas grabaciones que no llegaron a ninguna parte, 'Spoon grabó una versión de "Ain't Nobody's Business", que se convertiría en su canción de autor e incluía a McShann y a otros de la vieja banda, llegó al número uno de las listas de éxitos de R&B y permaneció en las listas de éxitos durante 34 meses, más tiempo que cualquier canción de R&B anterior. El siguiente lanzamiento de Witherspoon, "In the Evening When the Sun Goes Down", alcanzó el quinto puesto, tras lo cual, `Spoon lanzó varios álbumes en una variedad de sellos, entre ellos Modern, Federal y el legendario sello Chess.

Virtualmente ignorados por las audiencias de jazz y rock y con dificultades financieras que paralizaban a las grandes bandas de blues como McShann's, el resto de la década de 1950 encontraron a Witherspoon tocando en el circuito de chitlin, una red de pequeños clubes de propiedad de negros que tocaban para audiencias mayoritariamente negras. Durante un tiempo tocó el bajo y cantó en un club de Newport, Kentucky, en una pequeña banda que también contaba con el famoso pianista de blues Charles Brown. En 1959, sin embargo, `Spoon fue invitado a aparecer en el Festival de Jazz de Monterey con un grupo de estrellas que incluía al saxofonista tenor Ben Webster, al trompetista Roy Eldridge, al saxofonista alto Coleman Hawkins, al clarinetista Woody Herman, al trombonista Urbie Green y al pianista Earl "Fatha" Hines. La electrizante actuación, grabada y editada como "Jimmy Witherspoon at Monterey", impulsó a Witherspoon a convertirse en uno de los principales cantantes de blues de jazz y a volver a encarrilar su carrera. Spoon consiguió un contrato discográfico con Atlantic, comenzó a cantar para grandes multitudes y fue presentado en el programa histórico de Jon Hendricks, "Evolution of the Blues", en el Festival de Jazz de Monterey de 1960. Estas grabaciones en vivo están disponibles como "The Spoon Concerts".

Como la mayoría de los intérpretes de jazz y blues, Witherspoon tuvo un éxito especial en Europa y realizó giras y grabaciones allí muchas veces desde principios de la década de 1960. Aunque continuó grabando y haciendo giras, el éxito en las listas de éxitos le resultó difícil a Witherspoon. En la década de 1970, mientras era anfitrión de un programa de radio blues nocturno en Los Ángeles, Witherspoon tuvo su primer éxito en las listas de éxitos desde 1960 con la canción, "Love is a Five Letter Word" (El amor es una palabra de cinco letras) en Capitol Records. Sin embargo, continuó grabando y actuando para un público entusiasta, aunque más pequeño.

A finales de la década de 1970, a Witherspoon le diagnosticaron cáncer de garganta y se enfrentó a la posibilidad de no poder volver a cantar nunca más. Por un tiempo ni siquiera pudo tragar. Una operación de garganta y un tratamiento de radiación en Inglaterra mantuvieron a Witherspoon fuera de los estudios de grabación y clubes durante unos años y le hicieron mella en el estilo dinámico de la veterana cantante. Después de devolverle el canto a donde estaba, Witherspoon se dio cuenta de que ahora podía alcanzar un registro vocal más bajo que antes de su operación era inalcanzable. Witherspoon siguió adelante y grabó un notable álbum de 1986 "Midnight Lady Called The Blues", escrito y producido por Dr. John y Doc Pomus.

La década de los 90 encontró a Witherspoon en su momento más activo, incluyendo giras con el cantante Van Morrison, en apoyo al álbum "A Night in San Francisco" de Morrison, en el que apareció Witherspoon, así como sus propios conciertos de cabeza para promover reediciones de álbumes anteriores de Witherspoon y lanzamientos recientes. Uno de ellos, un álbum en vivo con el guitarrista Robben Ford, titulado "Live at the Mint", fue el más bienvenido. Un regreso a sus raíces pero con un aire más alegre, cortesía de Ford y su banda, Witherspoon grita a través de animadas interpretaciones de canciones, algunas de las cuales ha estado cantando durante más de 40 años. "La sensibilidad swing de `Spoon por el jazz está al frente y en el centro de canciones como `Goin' Goin' to Chicago" de Basie y su canción'Ain's Nobody's Business'", escribió el crítico de DownBeat Michael Point, "pero no ha perdido nada de su habilidad para caer en un estado de ánimo blues convincente, como lo demuestran sus poderosas interpretaciones de `Goin' Down Slow' y un surtido de clásicos de Big Bill Broonzy".

Live at the Mint fue nominado para un premio Grammy por la mejor grabación de Blues Tradicional, sólo para perder contra el jugador de armónica Junior Wells. Aún así, la cálida recepción del álbum y la nominación a los Grammy hicieron mucho para presentar -o reintroducir- a Witherspoon a un grupo de fans.

. Volvió a trabajar con el guitarrista Robben Ford para "Live At The Notodden Blues Festival", y grabó un álbum en 1992 "The Blues, The Whole Blues and Nothin' But The Blues" para Indigo Records. La última grabación de Spoon "Spoon's Blues" para Stony Plain Records incluyó a Duke Robillard y su banda con el invitado especial Long John Baldry.

Jimmy Witherspoon falleció en septiembre de 1997 a la edad de 74 años, un reconocido gigante en los campos del Rhythm & Blues y el Jazz y un verdadero original americano. Durante más de medio siglo, Jimmy Witherspoon adornó los escenarios y los estudios de grabación del país y mostró al mundo que era un talento para todas las edades.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmywitherspoon

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 


Tracks:

1 - The Jumpin' Blues - 3:03
2 - Until The Real Thing Comes Along - 2:47
3 - Hootie Blues - 3:20
4 - Rain Is Such A Lonesome Sound - 3:16
5 - Confessin' The Blues - 4:15
6 - Piney Brown Blues - 5:29
7 - Froggy Bottom - 2:36
8 - Gee Baby, Ain't I Good To You - 3:17
9 - Blue Monday - 3:40
10 - Ooh Wee, Then The Lights Go Out - 2:55
Bonus Tracks
11 - Cloudy - 3:15
12 - Fare Thee, Honey, Fare Thee Well - 3:33
13 - Ride On - 3:30


Credits:
Jimmy Witherspoon (vocals)
Jay McShann Band
- Jay McShann (piano)
- Ray Copeland (trumpet)
- J. C. Higginbotham (trombone)
- Hilton Jefferson (alto sax)
- Seldon Powell (tenor sax)
- Haywood Henry (baritone sax)
- Kenny Burrell (guitar)
- Gene Ramey (double bass)
- Mousey Alexander (drums)


Label: Mosaic Records ‎– MCD-1011
Series: Mosaic Singles
Released: 2007
Original Released: 1957
Genre: Jazz


Notes:
Tracks 1-10 originally released in 1957 on Goin' to Kansas City Blues (RCA Victor LPM-1639)

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VA • 100 Christmas Blues

 

Lightnin' Hopkins,Ray Charles,Mabel Scott,Christmas,Willie Dixon,Freddie King,Brownie McGhee,T-Bone Walker,John Lee Hooker,Junior Wells,Roosevelt Sykes,Lowell Fulson,Jay McShann,Jimmy Witherspoon ...

Jay McShann • The Man From Muskogee

Review by Scott Yanow

Pianist-vocalist Jay McShann was in the early part of his comeback when he recorded this superior quartet session with violinist Claude Williams (a veteran who was also on the verge of finally being discovered), bassist Don Thompson and drummer Paul Gunther in 1972. Reissued on CD, the fine swing date is so enjoyable that it makes one wonder how McShann and especially Williams had remained so obscure for the past 20 years. McShann (who takes four spirited vocals) leads the quartet through veteran standards and a few blues with the highlights including "After You've Gone," "Yardbird Suite," "Hootie Blues" and "Jumpin' at the Woodside." Recommended.

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Reseña de Scott Yanow

El pianista y vocalista Jay McShann estaba en la primera parte de su regreso cuando grabó esta sesión de cuarteto superior con el violinista Claude Williams (un veterano que también estaba a punto de ser descubierto), el bajista Don Thompson y el baterista Paul Gunther en 1972. Reeditada en CD, la fina fecha de swing es tan agradable que hace que uno se pregunte cómo McShann y especialmente Williams han permanecido tan oscuros durante los últimos 20 años. McShann (que lleva cuatro voces animadas) dirige el cuarteto a través de estándares veteranos y algunos blues con lo más destacado, incluyendo "After You've Gone", "Yardbird Suite", "Hootie Blues" y "Jumpin' at the Woodside". Recomendado.

 

Jay McShann & Milt Buckner • Kansas City Memories

Review by Ken Dryden:
Jay McShann and Milt Buckner join forces for this CD compilation of two earlier Black & Blue LPs recorded in the early 1970s. While McShann is indelibly associated with both blues and boogie-woogie, Buckner is better known as the swing pianist and organist who popularized the locked-hands style of playing adopted by many later keyboardists. Unfortunately, these sessions aren't nearly as successful, since the two players don't really complement one another's playing all that well. That's not to say the music (which primarily consists of originals by McShann) isn't enjoyable. Buckner seems more at home on organ in the up-tempo blues "My Chile," which also adds guitarist Clarence "Gatemouth" Brown, and tenor saxophonist Arnett Cobb. Buckner returns to piano for the soulful "T'ain't Nobody's Business If I Do," with Al Casey taking over on guitar. But the sessions clearly would have worked even better had McShann been the sole pianist.

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Revisión por Ken Dryden:

Jay McShann y Milt Buckner unen sus fuerzas para esta compilación de CD de dos LPs anteriores de Black & Blue grabados a principios de los 70. Mientras que McShann está indeleblemente asociado tanto con el blues como con el boogie-woogie, Buckner es más conocido como el pianista y organista de swing que popularizó el estilo de tocar a manos cerradas adoptado por muchos teclistas posteriores. Desafortunadamente, estas sesiones no son tan exitosas, ya que los dos músicos no se complementan tan bien al tocar. Eso no quiere decir que la música (que consiste principalmente en originales de McShann) no sea agradable. Buckner parece estar más a gusto en el órgano en el blues up-tempo "My Chile", que también añade al guitarrista Clarence "Gatemouth" Brown, y al saxofonista tenor Arnett Cobb. Buckner regresa al piano para el conmovedor "T'ain't Nobody's Business If I Do", con Al Casey como guitarrista. Pero las sesiones claramente habrían funcionado aún mejor si McShann hubiera sido el único pianista.

 

 

Jay McShann • After Hours

 

Review
by Scott Yanow
Other than the opening "Doo-Wah-Doo" and the closing "Cherry Red," both of which include guitarist Thomas Muller, bassist Ole Skipper Mosgard and drummer Thorkild Moller, this is a set of unaccompanied piano and vocals by the great veteran Jay McShann.
The music is typical for McShann, with veteran blues (such as "After Hours" and "How Long Blues"), the standard "Ace in the Hole," and some swinging boogie-based originals, plus "Yardbird Waltz."
https://www.allmusic.com/album/after-hours-mw0000777392

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Reseña
por Scott Yanow
Aparte de la apertura "Doo-Wah-Doo" y el cierre "Cherry Red", ambos de los cuales incluyen el guitarrista Thomas Muller, el bajista Ole Skipper Mosgard y el baterista Thorkild Moller, este es un conjunto de piano y voz sin acompañamiento por el gran veterano Jay McShann.
La música es típica de McShann, con blues veterano (como "After Hours" y "How Long Blues"), el estándar "Ace in the Hole" y algunos originales basados en el swing boogie, además de "Yardbird Waltz".
https://www.allmusic.com/album/after-hours-mw0000777392

VA • Drink Up - Light Up! - Jazz Noire Tales of Dope, Booze & Sleaze

 

 

VA • Jazz Noireː Darktown Sleaze Mean Streets of 1940's

 

 

Jay McShann • Need You Now

 

 

"The band easily swings through such tunes as 'Auld Lang Syne' and 'Rudolph, the Red-Nosed Reindeer'. A fine, swing-oriented mainstream set."
- Scott Yanow

Jay McShann • The Last Of The Blue Devils

 

 

Biography by Scott Yanow
The great veteran pianist Jay McShann (also known as Hootie) enjoyed a long career and it is unfair to primarily think of him as merely the leader of an orchestra that featured a young Charlie Parker. He was mostly self-taught as a pianist, worked with Don Byas as early as 1931 and played throughout the Midwest before settling in Kansas City in 1936. McShann formed his own sextet the following year and by 1939 had his own big band. In 1940 at a radio station in Wichita, KS, McShann and an octet out of his orchestra recorded eight songs that were not released commercially until the 1970s; those rank among the earliest of all Charlie Parker records (he is brilliant on "Honeysuckle Rose" and "Lady Be Good") and also feature the strong rhythm section team McShann had with bassist Gene Ramey and drummer Gus Johnson. The full orchestra recorded for Decca on two occasions during 1941-1942 but they were typecast as a blues band and did not get to record many of their more challenging charts (although very rare broadcasts have since surfaced and been released on CD by Vintage Jazz Classics). In addition to Bird (who had a few short solos), the main stars were trumpeter Bernard Anderson, the rhythm section, and singer Walter Brown. McShann and his band arrived in New York in February 1942 and made a strong impression, but World War II made it difficult for any new orchestras to catch on. There was a final session in December 1943 without Parker, but McShann was soon drafted and the band broke up. After being discharged later in 1944, McShann briefly re-formed his group but soon moved to Los Angeles, where he led combos for the next few years; his main attraction was the young singer Jimmy Witherspoon.

McShann was in obscurity for the next two decades, making few records and mostly playing in Kansas City. In 1969 he was rediscovered and McShann (who had first sung on records in 1966) was soon a popular pianist/vocalist. Sometimes featuring violinist Claude Williams, he toured constantly, recorded frequently, and appeared at many jazz festivals, being active into the mid-'90s. Jay McShann, who recorded through the years for Onyx (the 1940 radio transcriptions), Decca, Capitol, Aladdin, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime, and Music Masters among others, was a vital pianist and an effective blues vocalist who keept a classic style alive. A live album, Hootie Blues, recorded in 2001 in Toronto and released in 2006 by Stony Plain, showed that McShann could still bring it at the age of 85. He died at the age of 90 on December 7, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

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Biografía de Scott Yanow
El gran pianista veterano Jay McShann (también conocido como Hootie) disfrutó de una larga carrera y es injusto pensar en él principalmente como un simple líder de una orquesta en la que figuraba un joven Charlie Parker. Fue en su mayoría autodidacta como pianista, trabajó con Don Byas ya en 1931 y tocó en todo el Medio Oeste antes de establecerse en Kansas City en 1936. McShann formó su propio sexteto al año siguiente y en 1939 tenía su propia big band. En 1940, en una estación de radio de Wichita, KS, McShann y un octeto de su orquesta grabaron ocho canciones que no se publicaron comercialmente hasta la década de 1970; éstas se encuentran entre los primeros discos de Charlie Parker (es brillante en "Honeysuckle Rose" y "Lady Be Good") y también cuentan con el fuerte equipo de la sección rítmica que McShann tenía con el bajista Gene Ramey y el baterista Gus Johnson. La orquesta completa grabó para Decca en dos ocasiones durante 1941-1942, pero fueron encasillados como una banda de blues y no llegaron a grabar muchas de sus listas de éxitos más desafiantes (aunque desde entonces han surgido emisiones muy raras y han sido editadas en CD por Vintage Jazz Classics). Además de Bird (que tuvo algunos solos cortos), las principales estrellas fueron el trompetista Bernard Anderson, la sección rítmica, y el cantante Walter Brown. McShann y su banda llegaron a Nueva York en febrero de 1942 y causaron una gran impresión, pero la Segunda Guerra Mundial hizo difícil que las nuevas orquestas se pusieran de moda. Hubo una sesión final en diciembre de 1943 sin Parker, pero McShann pronto fue reclutado y la banda se separó. Después de ser dado de baja a finales de 1944, McShann volvió a formar brevemente su grupo, pero pronto se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió los combos durante los siguientes años; su principal atracción era el joven cantante Jimmy Witherspoon.

McShann estuvo en la oscuridad durante las dos décadas siguientes, haciendo pocos discos y tocando principalmente en Kansas City. En 1969 fue redescubierto y McShann (que había cantado por primera vez en discos en 1966) pronto fue un pianista/vocalista popular. A veces con el violinista Claude Williams, hacía giras constantemente, grababa con frecuencia y se presentaba en muchos festivales de jazz, estando activo hasta mediados de los 90. Jay McShann, que grabó a lo largo de los años para Onyx (las transcripciones de radio de 1940), Decca, Capitol, Aladino, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime y Music Masters entre otros, fue un pianista vital y un eficaz vocalista de blues que mantiene vivo un estilo clásico. Un álbum en vivo, Hootie Blues, grabado en 2001 en Toronto y publicado en 2006 por Stony Plain, demostró que McShann todavía podía llevarlo a la edad de 85 años. Murió a la edad de 90 años el 7 de diciembre de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

 

 

 

Al Casey • Buck Jumpin'

Review by Scott Yanow

Al Casey, who will always be best known as Fats Waller's guitarist, makes one of his few appearances as a bandleader on the CD reissue of his Swingville album. Casey, in a quintet with Rudy Powell (who doubles on alto and clarinet) and pianist Herman Foster, sticks to blues and standards, with several of the latter taken from Waller's songbook. The music consistently swings and it is a rare pleasure to hear Casey getting the opportunity to stretch out on acoustic guitar. Two previously unreleased numbers ("Gut Soul" and "I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter") augment the original program.

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Traducción Automática:

Revisión por Scott Yanow

Al Casey, quien siempre será mejor conocido como el guitarrista de Fats Waller, hace una de sus pocas apariciones como líder de banda en la reedición del CD de su álbum Swingville. Casey, en un quinteto con Rudy Powell (que se dobla en alto y clarinete) y el pianista Herman Foster, se apega al blues y los estándares, con algunos de estos últimos tomados del libro de canciones de Waller. La música cambia constantemente y es un raro placer escuchar a Casey tener la oportunidad de estirarse con la guitarra acústica. Dos números inéditos ("Gut Soul" y "Voy a sentarme y escribirme una letra") aumentan el programa original.

VA • Kansas City Swing, Blues, Jive & Boogie

 

Al Casey • A Tribute to Fats

Review by Scott Yanow

Guitarist Al Casey is still best-known for playing with pianist/composer Fats Waller on and off during 1934-42. Over a half-century later he recorded this CD which mixes together standards and original riff tunes with a couple of Waller compositions ("Squeeze Me" and "Honeysuckle Rose"). The 79-year old guitarist is assisted by pianist Red Richards (himself 82), bassist Jan Jankeje and drummer Imre Koszegi for this 1994 CD put out by the German Jazzpoint label. In addition to the Waller songs, highlights include "It Don't Mean a Thing," "After You've Gone" and "Cheek to Cheek."

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Reseña de Scott Yanow

El guitarrista Al Casey sigue siendo conocido por tocar con el pianista/compositor Fats Waller de vez en cuando durante 1934-42. Más de medio siglo después grabó este CD que mezcla estándares y riffs originales con un par de composiciones de Waller ("Squeeze Me" y "Honeysuckle Rose"). El guitarrista de 79 años es asistido por el pianista Red Richards (82 años), el bajista Jan Jankeje y el baterista Imre Koszegi para este CD de 1994 editado por el sello alemán Jazzpoint. Además de las canciones de Waller, destacan "It Don't Mean a Thing", "After You've Gone" y "Cheek to Cheek".

 

 

VA • Saga Blues Kansas City Jumping the Blues from 6 to 6

 

 

Jay McShann • The Band That Jumps The Blues!

 

 Biography by Scott Yanow
The great veteran pianist Jay McShann (also known as Hootie) enjoyed a long career and it is unfair to primarily think of him as merely the leader of an orchestra that featured a young Charlie Parker. He was mostly self-taught as a pianist, worked with Don Byas as early as 1931 and played throughout the Midwest before settling in Kansas City in 1936. McShann formed his own sextet the following year and by 1939 had his own big band. In 1940 at a radio station in Wichita, KS, McShann and an octet out of his orchestra recorded eight songs that were not released commercially until the 1970s; those rank among the earliest of all Charlie Parker records (he is brilliant on "Honeysuckle Rose" and "Lady Be Good") and also feature the strong rhythm section team McShann had with bassist Gene Ramey and drummer Gus Johnson. The full orchestra recorded for Decca on two occasions during 1941-1942 but they were typecast as a blues band and did not get to record many of their more challenging charts (although very rare broadcasts have since surfaced and been released on CD by Vintage Jazz Classics). In addition to Bird (who had a few short solos), the main stars were trumpeter Bernard Anderson, the rhythm section, and singer Walter Brown. McShann and his band arrived in New York in February 1942 and made a strong impression, but World War II made it difficult for any new orchestras to catch on. There was a final session in December 1943 without Parker, but McShann was soon drafted and the band broke up. After being discharged later in 1944, McShann briefly re-formed his group but soon moved to Los Angeles, where he led combos for the next few years; his main attraction was the young singer Jimmy Witherspoon.

McShann was in obscurity for the next two decades, making few records and mostly playing in Kansas City. In 1969 he was rediscovered and McShann (who had first sung on records in 1966) was soon a popular pianist/vocalist. Sometimes featuring violinist Claude Williams, he toured constantly, recorded frequently, and appeared at many jazz festivals, being active into the mid-'90s. Jay McShann, who recorded through the years for Onyx (the 1940 radio transcriptions), Decca, Capitol, Aladdin, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime, and Music Masters among others, was a vital pianist and an effective blues vocalist who keept a classic style alive. A live album, Hootie Blues, recorded in 2001 in Toronto and released in 2006 by Stony Plain, showed that McShann could still bring it at the age of 85. He died at the age of 90 on December 7, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

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Biografía de Scott Yanow
El gran pianista veterano Jay McShann (también conocido como Hootie) disfrutó de una larga carrera y es injusto pensar en él principalmente como un simple líder de una orquesta en la que figuraba un joven Charlie Parker. Fue en su mayoría autodidacta como pianista, trabajó con Don Byas ya en 1931 y tocó en todo el Medio Oeste antes de establecerse en Kansas City en 1936. McShann formó su propio sexteto al año siguiente y en 1939 tenía su propia big band. En 1940, en una estación de radio de Wichita, KS, McShann y un octeto de su orquesta grabaron ocho canciones que no se publicaron comercialmente hasta la década de 1970; éstas se encuentran entre los primeros discos de Charlie Parker (es brillante en "Honeysuckle Rose" y "Lady Be Good") y también cuentan con el fuerte equipo de la sección rítmica que McShann tenía con el bajista Gene Ramey y el baterista Gus Johnson. La orquesta completa grabó para Decca en dos ocasiones durante 1941-1942, pero fueron encasillados como una banda de blues y no llegaron a grabar muchas de sus listas de éxitos más desafiantes (aunque desde entonces han surgido emisiones muy raras y han sido editadas en CD por Vintage Jazz Classics). Además de Bird (que tuvo algunos solos cortos), las principales estrellas fueron el trompetista Bernard Anderson, la sección rítmica, y el cantante Walter Brown. McShann y su banda llegaron a Nueva York en febrero de 1942 y causaron una gran impresión, pero la Segunda Guerra Mundial hizo difícil que las nuevas orquestas se pusieran de moda. Hubo una sesión final en diciembre de 1943 sin Parker, pero McShann pronto fue reclutado y la banda se separó. Después de ser dado de baja a finales de 1944, McShann volvió a formar brevemente su grupo, pero pronto se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió los combos durante los siguientes años; su principal atracción era el joven cantante Jimmy Witherspoon.

McShann estuvo en la oscuridad durante las dos décadas siguientes, haciendo pocos discos y tocando principalmente en Kansas City. En 1969 fue redescubierto y McShann (que había cantado por primera vez en discos en 1966) pronto fue un pianista/vocalista popular. A veces con el violinista Claude Williams, hacía giras constantemente, grababa con frecuencia y se presentaba en muchos festivales de jazz, estando activo hasta mediados de los 90. Jay McShann, que grabó a lo largo de los años para Onyx (las transcripciones de radio de 1940), Decca, Capitol, Aladino, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime y Music Masters entre otros, fue un pianista vital y un eficaz vocalista de blues que mantiene vivo un estilo clásico. Un álbum en vivo, Hootie Blues, grabado en 2001 en Toronto y publicado en 2006 por Stony Plain, demostró que McShann todavía podía llevarlo a la edad de 85 años. Murió a la edad de 90 años el 7 de diciembre de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

 

 

T-Bone Walker • Feelin' The Blues

Biography:
Aaron Thibeaux Walker was born in Linden, Texas on Amy 28. 1910, his parents were both musicians and he was an only child. His nickname T-Bone came from a twist on his middle name, as his mother used to call him Tebow. He was raised in Dallas, exposed to music as a youngster by his stepfather, who taught him guitar, as well as ukulele, banjo, violin, mandolin, and piano. The house was a constant source of music and inspiration, and he played locally with his stepfather as street musicians. He spent a lot of time listening to the radio and records of blues artists like Leroy Carr and his guitarist Scrapper Blackwell, and would go see bluesman Lonnie Johnson live in the Dallas area. His major influence would be close family friend Blind Lemon Jefferson, who was always at the house. The young T-Bone was his protégé and would guide him around town for his gigs.

By the 1920’s he had become proficient enough as an all around performer that he was playing talent shows, carnivals, street parties, local dances, and with touring shows that rolled through town. He hooked up with several of these and one had blues singer Ida Cox on the bill. By age sixteen he was a professional, and was making a decent living playing music. In 1929 he won a talent show under the auspice of Cab Calloway, and joined his band briefly. This led to enough local recognition, for Columbia to record his “Trinity River Blues” and “Wichita Falls Blues” under the name of Oak Cliff T-Bone. This was a spin on his Dallas neighborhood at the time. He started a band named Lawson Brooks, playing all over the Dallas area, and also had a little pick up band with friend Charlie Christian. By 1933 he was touring non stop with various bands and revues, and moved to California in 1934. He would go on to state that he was hearing about and got into amplified guitar in California around 1935 which is in line with the development of the same. T-Bone developed a unique method of playing, in that he would hold the guitar slanting it away from him. While a member of the Les Hite Orchestra in 1939 he developed his long hornlike guitar style, and had become quite an accomplished vocalist. It was while with Les Hite that he would record “T-Bone Blues”, the song that would catapult him into a major star of the 1940’s and change the course of popular music.

T-Bone Walker performed full time during the early ‘40’s and with many bands, in 1942 he recorded “Mean Ole World” for Capitol, which could very well be the first modern blues record. This he followed with “Call It Stormy Monday”. This is his signature tune and has become a durable blues standard. He went on to record for Capitol in the 1946-47 period, in what would be known as West Coast Blues, which was a cooler more sophisticated sound than was coming out of Chicago, which was still based on the rural and folk blues idiom. T-Bone had refined the blues and given it a more harmonious jazz sensibility. These are available as “The Complete Capitol/Black and White Recordings” and are essential in the documentation of post war blues.

By 1950 T-Bone Walker started a five year recording contract with the Imperial label, which would further establish the modern blues, and solidified his reputation as the most prolific bluesman of his era. “The Complete Imperial Recordings 1950-1954” are a perfect showcase of his dominance of the material at hand. These sessions included jazz musicians, the level of performance is unrivaled, and is still referred to today as the primer on the way this music should be played.

As if that wasn’t enough, he was on a constant touring schedule, and was the most popular artist on the Rhythm and Blues circuit. He was a consummate showman and would put on a display of guitar gyrations and positions, and was the first guitar slinger. His stage antics would be imitated by many especially Chuck Berry.

It was in 1955 he went over to the Atlantic label and recorded for them for two years, going between LA and Chicago for the sessions. In the LA sides he was accompanied by Barney Kessel on guitar and his constant piano player Lloyd Glenn. The Chicago sessions are with some of Muddy Waters band members, and they didn’t really fit in with T-Bone’s style, as he was far more advanced musically. These are available as “T-Bone Blues”, and are lot of remakes of his earlier work.

T-Bone kept up his performing regimen throughout the ‘50’s and into the ‘60’s. By 1962 he was touring Europe as part of a Blues Festival and recorded with pianist Memphis Slim in Germany. He was back in Europe from ’64 to ’72 and was prominent in the Blues Revival of the late ‘60’s, so he was able to benefit from this new audience, but then again he was always in demand, and never had a problem with gigs.He performed and was recorded at the 1972 Montreaux Jazz festival. He played at the top clubs in the US and across Europe. There are also recordings for a variety of labels in this period, some are better than others. His work for the Black and Blue label in France is well recorded, but he was starting to slow down, and it was starting to show.He was awarded a Grammy in 1970 for his record “Good Feelin'”(Polydor). He did some final sessions around 1973 for Reprise called “Very Rare” with an all star lineup of musicians, which was in part a tribute album. He suffered in an automobile accident, and began bouts with illness in 1974 and was in and out of hospitals. He died of bronchial pneumonia on March 16, 1975.

T-Bone walker is a giant of the blues. His influence on guitar players as B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence “Gatemouth” Brown, Albert Collins, and then the whole generation that followed those, is his testament and legacy. He took the rural blues of Texas in the 1920’s amplified and electrified it, and nurtured it into a major musical genre. Along the way he further fused blues into jazz, and was a principal in the conception of rock and roll. He has been inducted into the Blues and also the Rock and Roll Halls of Fame. He is also in Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participated in and contributed to every development in American popular music in the last half of the twentieth century.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker

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Biografía:
Aaron Thibeaux Walker nació en Linden, Texas, el 28 de abril. 1910, sus padres eran ambos músicos y él era hijo único. Su apodo T-Bone proviene de un giro en su segundo nombre, ya que su madre lo llamaba Tebow. Fue criado en Dallas, expuesto a la música de joven por su padrastro, quien le enseñó guitarra, así como ukelele, banjo, violín, mandolina y piano. La casa era una fuente constante de música e inspiración, y tocaba localmente con su padrastro como músicos callejeros. Pasaba mucho tiempo escuchando la radio y los discos de artistas de blues como Leroy Carr y su guitarrista Scrapper Blackwell, e iba a ver al bluesman Lonnie Johnson en vivo en el área de Dallas. Su mayor influencia sería el amigo cercano de la familia, Blind Lemon Jefferson, que siempre estaba en la casa. El joven T-Bone era su protegido y lo guiaba por la ciudad en sus actuaciones.

En la década de 1920 se había convertido en un intérprete lo suficientemente competente como para tocar en espectáculos de talentos, carnavales, fiestas callejeras, bailes locales, y con espectáculos en gira que se desarrollaban por toda la ciudad. Se enganchó con varios de estos y uno de ellos tenía a la cantante de blues Ida Cox en el programa. A los dieciséis años ya era un profesional, y se ganaba la vida decentemente tocando música. En 1929 ganó un concurso de talentos bajo el auspicio de Cab Calloway, y se unió brevemente a su banda. Esto condujo a suficiente reconocimiento local, para que Columbia grabara su "Trinity River Blues" y "Wichita Falls Blues" bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone. Esto fue un giro en su vecindario de Dallas en ese momento. Empezó una banda llamada Lawson Brooks, que tocaba por todo el área de Dallas, y también tenía una pequeña banda con su amigo Charlie Christian. En 1933 estaba de gira sin parar con varias bandas y revistas, y se mudó a California en 1934. Continuaría con la declaración que estaba escuchando y se metió en la guitarra amplificada en California alrededor de 1935, lo que está en línea con el desarrollo de la misma. T-Bone desarrolló un método único de tocar, en el que sostenía la guitarra inclinándola lejos de él. Mientras era miembro de la Orquesta Les Hite en 1939 desarrolló su estilo de guitarra de trompa larga, y se había convertido en un vocalista bastante consumado. Fue mientras estaba con Les Hite que grabó "T-Bone Blues", la canción que lo catapultó a una estrella de los años 40 y cambió el curso de la música popular.

T-Bone Walker actuó a tiempo completo a principios de los 40 y con muchas bandas, en 1942 grabó "Mean Ole World" para Capitol, que bien podría ser el primer disco de blues moderno. A esto le siguió "Call It Stormy Monday". Esta es su melodía característica y se ha convertido en un estándar de blues duradero. Siguió grabando para Capitol en el período 1946-47, en lo que se conocería como West Coast Blues, que era un sonido más fresco y sofisticado que el que salía de Chicago, que todavía se basaba en el lenguaje del blues rural y folclórico. T-Bone había refinado el blues y le había dado una sensibilidad de jazz más armoniosa. Estas están disponibles como "The Complete Capitol/Black and White Recordings" y son esenciales en la documentación del blues de la posguerra.

En 1950 T-Bone Walker comenzó un contrato de grabación de cinco años con el sello Imperial, que establecería aún más el blues moderno, y solidificó su reputación como el bluesman más prolífico de su época. "The Complete Imperial Recordings 1950-1954" son una muestra perfecta de su dominio del material a mano. Estas sesiones incluían a músicos de jazz, el nivel de ejecución es inigualable, y aún hoy en día se le llama la introducción a la forma en que esta música debe ser tocada.

Como si eso no fuera suficiente, estaba en una constante agenda de giras, y era el artista más popular en el circuito de Rhythm and Blues. Era un consumado showman y ponía una muestra de giros y posiciones de guitarra, y fue el primer guitarrista. Sus payasadas en el escenario serían imitadas por muchos, especialmente por Chuck Berry.

Fue en 1955 cuando fue a la discográfica Atlantic y grabó para ellos durante dos años, yendo entre Los Ángeles y Chicago para las sesiones. En los lados de Los Ángeles le acompañaban Barney Kessel en la guitarra y su constante pianista Lloyd Glenn. Las sesiones de Chicago son con algunos de los miembros de la banda de Muddy Waters, y no encajaban con el estilo de T-Bone, ya que él estaba mucho más avanzado musicalmente. Estas están disponibles como "T-Bone Blues", y son un montón de remakes de su trabajo anterior.

T-Bone mantuvo su régimen de actuación a lo largo de los años 50 y 60. En 1962 estaba de gira por Europa como parte de un Festival de Blues y grabó con el pianista Memphis Slim en Alemania. Regresó a Europa del 64 al 72 y participó en el Blues Revival de finales de los años 60, por lo que pudo beneficiarse de este nuevo público, pero siempre fue muy solicitado y nunca tuvo problemas con los conciertos. Tocó en los principales clubes de los EE.UU. y en toda Europa. También hay grabaciones para una variedad de sellos en este período, algunas son mejores que otras. Su trabajo para el sello Black and Blue en Francia está bien grabado, pero estaba empezando a bajar el ritmo y se estaba empezando a notar. Fue galardonado con un Grammy en 1970 por su disco "Good Feelin'" (Polydor). Hizo algunas sesiones finales alrededor de 1973 para Reprise llamadas "Very Rare" con una alineación de estrellas de la música, que fue en parte un álbum tributo. Sufrió un accidente automovilístico, y empezó a tener brotes de enfermedad en 1974, entrando y saliendo de los hospitales. Murió de neumonía bronquial el 16 de marzo de 1975.

T-Bone Walker es un gigante del blues. Su influencia en guitarristas como B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence "Gatemouth" Brown, Albert Collins, y luego en toda la generación que los siguió, es su testamento y legado. Tomó el blues rural de Texas en los años 20, lo amplificó y electrificó, y lo nutrió para convertirlo en un género musical importante. A lo largo del camino fusionó aún más el blues con el jazz, y fue uno de los principales en la concepción del rock and roll. Fue introducido en el Blues y también en el Rock and Roll Halls of Fame. También está en el Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participó y contribuyó a todos los desarrollos de la música popular americana en la última mitad del siglo XX.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker

 

 

Clarence "Gatemouth" Brown • The Blues Ain't Nothing

 

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.

VA • Jazz Classic

 

Miles Davis, Herbie Hancock, Dave Brubeck, Bud Powell, Jimmy Giuffre, Ben Webster, Lee Konitz, Philly Joe Jones, Paul Desmond, Shorty Rogers, Paul Desmond, Jay McShann, Lennie Tristano, Phineas Newborn, Randy Weston, Shelly Manne, Shirley Scott ...

VA • Be-Bop Masters

Clarence "Gatemouth" Brown • Blackjack

Multi-instrumentalist, multi-directional genius Clarence Gatemouth Brown flaunts his natural gifts on Blackjack (Sugar Hill 3891; 44:26). The jazziest of all the great, old school bluesman, Gatemouth fingerpicks his way through the instrumental “Tippin’ In” with typical elan and burns a blue streak on two fiercely swinging uptempo jump blues workouts-“Pressure Cooker,” title track from a great mid-’80s album on Alligator, and Billy Butler’s “Honey Boy.” Pedal steel ace Don Buzard (the album is dedicated to his memory) turns heads on those three instrumental tracks with his idiosyncratic virtuosity. Buzard switches to dobro on the Grand Ol’ Opry-styled offering “Dark End of the Hallway,” which features some lyrical turns by Gate on viola. Brown picks up his fiddle and deals in inimitable fashion on the country flavored instrumental “Song for Renee,” throwing in a comical quote from “Love in Bloom” (Jack Benny’s old theme) before launching into some bluesy abandon. The revved up instrumental closer “Up Jumped the Devil” is proving ground for every bluegrass fiddler, and Gate passes with flying colors. His instrumental version of Wiley Walker’s “When My Blue Moon Turns to Gold Again,” another fiddle showcase, is straight from the country (cajun country, that is). The energized, hilarious shuffle “Street Corner” is Gate’s chance to wail on harmonica and he struts his stuff on mandolin on the bluegrassy instrumental romp “Take Me Back to Tulsa.” On “Here Am I,” his lament about love lost and lonliness, Rev. Gate speaks with the knowing of a blues preacher while on the menacing title track he sings about “cuttin’ yo’ doggone head.” A complex man of many moods and varied talents, the one and onliest Gatemouth delivers all the goods on this excellent sampler.

By Bill Milkowski

Originally Published July 1, 1999

https://jazztimes.com/archives/clarence-gatemouth-brown-black-jack/

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El genio multiinstrumentista y multidireccional Clarence Gatemouth Brown hace alarde de sus dotes naturales en el Blackjack (Sugar Hill 3891; 44:26). El más jazzista de todos los grandes bluesman de la vieja escuela, Gatemouth se abre camino a través del instrumental "Tippin' In" con el típico elan y quema una racha azul en dos feroces entrenamientos de jump blues con swing uptempo: "Pressure Cooker", tema del título de un gran álbum de mediados de los 80 en Alligator, y "Honey Boy" de Billy Butler. El as del acero de pedales Don Buzard (el álbum está dedicado a su memoria) hace girar las cabezas en esos tres temas instrumentales con su idiosincrática virtuosidad. Buzard cambia al dobro en el Grand Ol' Opry que ofrece "Dark End of the Hallway", que presenta algunos giros líricos de Gate en la viola. Brown coge su violín y se dedica de forma inimitable al instrumental de sabor country "Song for Renee", añadiendo una cita cómica de "Love in Bloom" (el viejo tema de Jack Benny) antes de lanzarse a un abandono del blues. El acelerado cierre instrumental "Up Jumped the Devil" está demostrando ser un terreno para cada violinista de bluegrass, y Gate pasa con gran éxito. Su versión instrumental de "When My Blue Moon Turns to Gold Again" de Wiley Walker, otra muestra de violín, viene directamente del país (país cajún, eso es). El enérgico e hilarante baile "Street Corner" es la oportunidad de Gate para lamentarse en la armónica y se pavonea con la mandolina en el juego instrumental bluegrassy "Take Me Back to Tulsa". En "Here Am I", su lamento sobre el amor perdido y la soledad, el reverendo Gate habla con el conocimiento de un predicador del blues mientras en el amenazante tema del título canta sobre "Cuttin' yo' doggone head". Un hombre complejo de muchos humores y talentos variados, el único Gatemouth entrega todos los bienes en este excelente muestrario.

Por Bill Milkowski

Publicado originalmente el 1 de julio de 1999

https://jazztimes.com/archives/clarence-gatemouth-brown-black-jack/