Mongo Santamaría • Afro-American Latin

 

Review by Richie Unterberger
Santamaria recorded an entire album in March 1969 that was inspired by the Afro-Cuban religion Santeria with encouragement from producer David Rubinson. It was done, however, in an era when Santamaria was being marketed by Columbia as a jazz-pop-soul crossover artist. The label rejected the album and it was shelved until 2000, when it finally appeared as a CD. While it's a solid record, and certainly closer to Santamaria's roots than much of his Columbia work was, one would be hard-pressed to say that its failure to appear when it was first made was a tragedy. Really, it's not too much different than the less soul-pop-oriented Latin jazz Santamaria has done throughout his career. Perhaps it's at times a little looser and bolder than Santamaria was wont to be, as with Sonny Fortune's squealing alto sax lines on "Mambo Leah" or the ten-minute "Obatala," a rave-up that moves from an opening conga/bata duet through several sections into a hyper-tempo charanga. But it's not all along these lines: "Sheila" is just a mellow jazz ballad (not that there's anything wrong with that) while "Me and You Baby" and "Boogaloo Wow" are more in line with the boogaloo that was raking in the sales for Mongo and Columbia. It's nice that Mongo fans have an opportunity to hear it after the passage of 30 years, but it's difficult to say that it would have made any difference to the trajectory of his career had it appeared as Santamaria and Rubinson intended, although the success of Santana right after its cancellation might have helped draw attention to it. One of the songs, the aforementioned "Me and You Baby," did appear on the 1970 album All Strung Out; otherwise, everything else was previously unreleased. In addition, there are five bonus live tracks recorded in 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

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Reseña de Richie Unterberger
Santamaría grabó un álbum completo en marzo de 1969 que se inspiró en la religión afrocubana Santería con el estímulo del productor David Rubinson. Se hizo, sin embargo, en una época en que Santamaría estaba siendo comercializado por Columbia como un artista crossover de jazz-pop-soul. El sello rechazó el álbum y fue archivado hasta el año 2000, cuando finalmente apareció como un CD. Si bien es un disco sólido, y ciertamente más cercano a las raíces de Santamaría que gran parte de su trabajo en Columbia, sería difícil decir que su fracaso en aparecer cuando se hizo por primera vez fue una tragedia. En realidad, no es muy diferente del jazz latino menos orientado al soul-pop que Santamaría ha hecho a lo largo de su carrera. Tal vez sea a veces un poco más suelto y audaz de lo que Santamaría solía ser, como con las chirriantes líneas de saxo alto de Sonny Fortune en "Mambo Leah" o el "Obatala" de diez minutos, un delirio que se mueve de un dúo de conga/bata de apertura a través de varias secciones en una charanga hipertemporal. Pero no todo es en esta línea: "Sheila" es solo una suave balada de jazz (no es que haya nada de malo en eso), mientras que "Me and You Baby" y "Boogaloo Wow" están más en línea con el boogaloo que estaba acumulando ventas para Mongo y Columbia. Es bueno que los fanáticos de Mongo tengan la oportunidad de escucharlo después del paso de 30 años, pero es difícil decir que hubiera hecho alguna diferencia en la trayectoria de su carrera si hubiera aparecido como Santamaría y Rubinson pretendían, aunque el éxito de Santana justo después de su cancelación podría haber ayudado a llamar la atención sobre él. Una de las canciones, la mencionada "Me and You Baby", apareció en el álbum de 1970 All Strung Out; de lo contrario, todo lo demás era inédito. Además, hay cinco pistas extra en vivo grabadas en 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

Sabu Martinez • Safari With Sabu

 

The Kenny Clarke-Francy Boland Sextet • Calypso Blues

 

Afro Blues Quintet • Introducing the Afro Blues Quintet plus One

Review
by Ted Mills

An obscure album from an obscure L.A.-based jazz combo, the surprise is finding how much it swings. Possible reasons: the youthful exuberance of its then-22-year-old leader and vibesman Joe De Aguero, the clever arrangements of standards and pop tunes, the live recording (though no date or location is given). Some reasons why, on the other hand, it's not as good as it could be: a sameness to the arrangements (similar chord changes and runs in both "Liberation" and "Together" really stand out), soloing that never stakes its claim, missed opportunities to really add the "Afro" (read: African percussion) that makes up half of its name. The main ingredient here is a gospel swing that infects "Jericho" as well as an inventive take on "Walk On By." Long out of print, this album is worth hunting down. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

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Revisión

por Ted Mills

Un oscuro álbum de un oscuro combo de jazz con base en Los Ángeles, la sorpresa es descubrir cuánto se balancea. Posibles razones: la exuberancia juvenil de su entonces líder de 22 años y vibrante Joe De Aguero, los ingeniosos arreglos de estándares y melodías pop, la grabación en vivo (aunque no se da ninguna fecha ni lugar). Algunas de las razones por las que, por otro lado, no es tan bueno como podría ser: una uniformidad en los arreglos (un acorde similar cambia y se ejecuta tanto en "Liberation" como en "Together" realmente se destacan), un solo que nunca pone en juego su pretensión, oportunidades perdidas para realmente añadir el "Afro" (léase: percusión africana) que constituye la mitad de su nombre. El ingrediente principal aquí es un columpio evangélico que infecta a "Jericó", así como una versión inventiva de "Walk On By". Este álbum está agotado desde hace mucho tiempo y vale la pena buscarlo. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

Jackie Davis • Hammond Gone Cha-Cha

Jackie Davis (December 13, 1920 – November 2, 1999) was an American soul jazz singer, organist and bandleader. He is notable for his contributions in bringing the Hammond organ to the forefront of jazz and pop, preceding the better-known Jimmy Smith by several years.

Davis was born and grew up in Jacksonville, Florida, and started playing piano at the age of ten, before studying music at Florida A&M. He experimented with jazz on the pipe organ, before switching to the Hammond. He was influenced by Wild Bill Davis and Bill Doggett, and after a spell backing Louis Jordan, he started fronting his own jazz groups.

His solo career began in earnest after a residency at the Club Harlem in Philadelphia in 1951, and from there he began touring across the US, with the Hammond now being his trademark. He notably preceded Jimmy Smith in using the instrument in small jazz combos. Regular touring led to a recording contract with Capitol, with whom he recorded several albums. His initial sessions were on a Model B, but by the time he recorded Hi-Fi Hammond Vol.2, he had upgraded to the classic B-3.

In the 1960s, he signed to Warner Bros. Records, releasing Easy Does It as The Jackie Davis Quartet, following it up with Jackie Davis Plus Voices, which also featured the Sid Bass Chorus on backing vocals. For this album, Davis put more of an emphasis on his vocal skills, using the Hammond sparingly.

He made a brief comeback in 1980, recording a self-titled album for EMI, and making a cameo appearance in the film Caddyshack as the country club valet Porterhouse. He kept Jacksonville as his homebase and died on November 2, 1999 following a stroke.

While Davis is remembered mostly as a jazz organist, he was capable of a wide variety of styles, though he himself preferred to focus on jazz. In 1963, in an interview for the Hammond Times, he thought "the term 'jazz' is vastly overworked and misused ... Basically, jazz is a style of making music." He felt that the Hammond gave him the versatility he needed to emulate the sound of a big band in a small group. Author and Hammond enthusiast Scott Faragher feels that Davis' recorded output has been overlooked because it sounds dated, but stresses his importance in giving the Hammond recognition in the jazz and pop world should not be underestimated.

Shirley Scott stated her playing was influenced by Davis, claiming he knew "everything about the Hammond organ" and was impressed with his ability to manipulate the instrument.

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Jackie Davis (13 de diciembre de 1920 - 2 de noviembre de 1999) fue una cantante de soul jazz americana, organista y directora de banda. Es notable por sus contribuciones para llevar el órgano Hammond a la vanguardia del jazz y el pop, precediendo al más conocido Jimmy Smith por varios años.

Davis nació y creció en Jacksonville, Florida, y empezó a tocar el piano a los diez años, antes de estudiar música en Florida A&M. Experimentó con el jazz en el órgano de tubos, antes de cambiar al Hammond. Fue influenciado por Wild Bill Davis y Bill Doggett, y después de un tiempo apoyando a Louis Jordan, comenzó a liderar sus propios grupos de jazz.

Su carrera en solitario comenzó en serio después de una residencia en el Club Harlem de Filadelfia en 1951, y desde allí comenzó a hacer giras por todo EE.UU., siendo el Hammond su marca registrada. Precedió notablemente a Jimmy Smith en el uso del instrumento en pequeños combos de jazz. Las giras regulares lo llevaron a un contrato de grabación con Capitol, con quien grabó varios álbumes. Sus primeras sesiones fueron en un Modelo B, pero para cuando grabó el Hammond Vol.2 Hi-Fi, había mejorado al clásico B-3.

En los años 60, firmó con Warner Bros. Records, lanzando Easy Does It como The Jackie Davis Quartet, seguido de Jackie Davis Plus Voices, que también contaba con el coro de Sid Bass como coros. Para este álbum, Davis puso más énfasis en sus habilidades vocales, usando el Hammond con moderación.

Regresó brevemente en 1980, grabando un álbum autotitulado para EMI, y apareciendo en la película Caddyshack como el valet del club de campo Porterhouse. Mantuvo Jacksonville como su base de operaciones y murió el 2 de noviembre de 1999 tras un derrame cerebral.

Aunque Davis es recordado principalmente como organista de jazz, era capaz de una gran variedad de estilos, aunque él mismo prefería centrarse en el jazz. En 1963, en una entrevista para el Hammond Times, pensó que "el término 'jazz' está muy sobrecargado de trabajo y mal utilizado ... Básicamente, el jazz es un estilo de hacer música". Sintió que el Hammond le dio la versatilidad que necesitaba para emular el sonido de una gran banda en un grupo pequeño. El autor y entusiasta de Hammond, Scott Faragher, cree que la producción de Davis ha sido pasada por alto porque suena anticuada, pero subraya que no se debe subestimar su importancia para que Hammond sea reconocido en el mundo del jazz y el pop.

Shirley Scott declaró que su forma de tocar estaba influenciada por Davis, afirmando que sabía "todo sobre el órgano de Hammond" y que estaba impresionado con su capacidad para manipular el instrumento. 

VA • Nu Yorica! Culture Clash In New York City Experiments In Latin Music 1970-77

 

Review from The Guardian (CD of the Week):
An inspired selection. Soul Jazz deserve credit for delving further into the murky background of popular dance and jazz music. If ever a CD was worth buying, this is it.
https://www.theguardian.com

Review from Record Collector:
Some compilations are so influential and universally loved that they become classic albums in their own right. Just as Harry Smith cemented forever the underground sound of the US between the wars, so did the then young Soul Jazz imprint immortalise the Latin music emerging from 1970s New York with Nu Yorica! This anniversary reissue retains what was always a sensational collection of almighty Latin grooves. Make no mistake, this album is extraordinary. Infectious, revolutionary, inspirational and funkier than a mosquito's tweeter, Nu Yorica! fuses jazz, soul, funk and every kind of Latin music, all the while infusing it with the energy and freedom of the Big Apple.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

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Resena de The Guardian (CD de la Semana):
Una seleccion inspirada. Soul Jazz merece credito por profundizar en los oscuros antecedentes de la musica popular de baile y el jazz. Si algun dia vale la pena comprar un CD, este es el caso.
https://www.theguardian.com

Resena de Record Collector:
Algunas compilaciones son tan influyentes y universalmente amadas que se convierten en albumes clasicos por derecho propio. Asi como Harry Smith cimento para siempre el sonido underground de los EE.UU. entre guerras, el entonces joven sello Soul Jazz inmortalizo la musica latina emergente del Nueva York de los anos 70 con Nu Yorica! Esta reedicion aniversario conserva lo que siempre fue una coleccion sensacional de poderosos grooves latinos. Sin lugar a dudas, este album es extraordinario. Infeccioso, revolucionario, inspirador y mas funky que nada, Nu Yorica! fusiona jazz, soul, funk y todo tipo de musica latina, impregnandola con la energia y la libertad de la Gran Manzana.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

VA • Nu Yorica 2! Further Adventures In Latin Music-Chango In The New World 1976-1985

 

Willie Bobo • Juicy

Biography by Richard S. Ginell
Willie Bobo was one of the great Latin percussionists of his time, a relentless swinger on the congas and timbales, a flamboyant showman onstage, and an engaging if modestly endowed singer. He also made serious inroads into the pop, R&B and straight jazz worlds, and he always said that his favorite song was Antonio Carlos Jobim's "Dindi." Growing up in Spanish Harlem, Bobo began on the bongos at age 14, only to find himself performing with Perez Prado a year later, studying with Mongo Santamaria while serving as his translator, and joining Tito Puente for a four-year stint at age 19. Mary Lou Williams gave Correa his nickname Bobo when they recorded together in the early '50s. After working with Cal Tjader, Herbie Mann and Santamaria with whom he recorded the evergreen Latin standard "Afro-Blue" -- Bobo stepped forward in 1963 with his first recording as a leader, with Clark Terry and Joe Farrell as sidemen. Recording for Verve in the mid-'60s, Bobo achieved his highest solo visibility with albums that enlivened pop hits of the day with Latin rhythms, spelled by sauntering originals like "Spanish Grease" and "Fried Neck Bones and Some Home Fries." In addition, Bobo played on innumerable sessions in New York, recording with artists like Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton and Sonny Stitt. In 1969, he moved to Los Angeles where he led jazz and Latin jazz combos, appeared on Bill Cosby's first comedy series (1969-1971) and short-lived 1976 variety show, and recorded on his own for Sussex, Blue Note and Columbia. One of Bobo's last appearances, only three months before his death from cancer, was at the 1983 Playboy Jazz Festival where he reunited with Santamaria for the first time in 15 years.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un incesante bailarín de congas y timbales, un extravagante showman en el escenario, y un atractivo aunque modesto cantante. También hizo serias incursiones en el mundo del pop, R&B y el jazz hetero, y siempre dijo que su canción favorita era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim. Creciendo en el Spanish Harlem, Bobo comenzó con los bongos a los 14 años, sólo para encontrarse actuando con Pérez Prado un año más tarde, estudiando con Mongo Santamaría mientras servía como su traductor, y uniéndose a Tito Puente por un período de cuatro años a la edad de 19 años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grabaron juntos a principios de los 50. Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría con quienes grabó el estándar latino siempre verde "Afro-Blue" -- Bobo dio un paso adelante en 1963 con su primera grabación como líder, con Clark Terry y Joe Farrell como acompañantes. Grabando para Verve a mediados de los 60, Bobo alcanzó su mayor visibilidad como solista con álbumes que animaron los éxitos pop del día con ritmos latinos, deletreados por originales como "Spanish Grease" y "Fried Neck Bones and Some Home Fries". Además, Bobo tocó en innumerables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se trasladó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de comedia de Bill Cosby (1969-1971) y en el efímero espectáculo de variedades de 1976, y grabó por su cuenta para Sussex, Blue Note y Columbia. Una de las últimas apariciones de Bobo, sólo tres meses antes de su muerte por cáncer, fue en el Festival de Jazz de Playboy de 1983 donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

  

Cuba and Its Music From the First Drums to the Mambo

 

This entertaining history of Cuba and its music begins with the collision of Spain and Africa and continues through the era of Miguelito Valdés, Arsenio Rodríguez, Benny Moré, and Pérez Prado. It offers a behind-the-scenes examination of music from a Cuban point of view, unearthing surprising, provocative connections and making the case that Cuba was fundamental to the evolution of music in the New World. The ways in which the music of black slaves transformed 16th-century Europe, how the claves appeared, and how Cuban music influenced ragtime, jazz, and rhythm and blues are revealed. Music lovers will follow this journey from Andalucía, the Congo, the Calabar, Dahomey, and Yorubaland via Cuba to Mexico, Puerto Rico, Saint-Domingue, New Orleans, New York, and Miami. The music is placed in a historical context that considers the complexities of the slave trade; Cuba's relationship to the United States; its revolutionary political traditions; the music of Santería, Palo, Abakuá, and Vodú; and much more.

 

Ned Sublette (Autor)  

 

Al McKibbon • Tumbao para Los Congueros di Mi Vida

 

Review from JazzTimes (by Owen Cordle):
McKibbon's Latin recording career goes back to "Manteca" with Dizzy in 1948. He has also worked throughout the jazz and entertainment spectrum. This album finds him primarily in a supportive role, providing strong-toned, elastic Latin rhythms on "Off Minor", "Tin Tin Deo", "I Mean You", "Cubano Chant", et al. Reedmen Charles Owen and Justo Almario, pianist Phil Wright, and percussionists José "Papo" Rodríguez and Ramon Banda handle their duties with a pleasing sense of melody and a contagious sense of rhythm. A very enjoyable and well-balanced album.
https://chumanceralatinjazz.blogspot.com/2008/04/al-mckibbon-tumbao-para-los-congueros.html

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La carrera discográfica latina de McKibbon se remonta a "Manteca" con Dizzy en 1948. También ha trabajado en todo el ámbito del jazz y el espectáculo. Este álbum lo encuentra principalmente en un papel de apoyo, proporcionando ritmos latinos de tonos fuertes y elásticos en "Off Minor", "Tin Tin Deo", "I Mean You", "Cubano Chant", et al. Los músicos de viento Charles Owen y Justo Almario, el pianista Phil Wright y los percusionistas José "Papo" Rodríguez y Ramón Banda manejan sus deberes con un agradable sentido de la melodía y un sentido del ritmo contagioso. Un álbum muy agradable y bien equilibrado.
https://chumanceralatinjazz.blogspot.com/2008/04/al-mckibbon-tumbao-para-los-congueros.html

Herbie Mann & Joao Gilberto • Live In Rio De Janeiro

Herbie Mann • Glory Of Love

This LP by flautist Herbie Mann was released in 1967 on A&M Records, it was produced by Creed Taylor and recorded by Rudy Van Gelder, the line-up includes Herbie Mann on flute, Roy Glover, Roland Hanna and Paul Griffin on piano & organ, Ron Carter and Earl May on bass, Grady Tate and Herb Lovelle on drums, Roy Ayers and Ted Sommers on vibes, Ray Barretto and Johnny Pacheo on percussion, Eric Gale, Jay Berliner and Sunny Sharrock on guitar, Hubert Laws on flute, plus a horn section.

Eddie Palmieri • Essentials

 

2025 compilation gathering essential tracks from Eddie Palmieri’s catalog, covering salsa, Latin jazz, boogaloo, and classic repertoire. The collection spans Palmieri’s career and includes well-known compositions such as Vámonos Pa’l Monte, Ay Qué Rico and Azúcar, featuring collaborations with vocalists like Ismael Quintana. 

palmierimusic.com ...

Al McKibbon • Black Orchid

Artist Biography by Jason Ankeny 

Noted for his rich, resonant tone and metronomic precision, Al McKibbon was one of the premier bassists of the early bebop era, supporting giants like Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, and Thelonious Monk in addition to collaborating with percussionist Chano Pozo to forge the sound of Afro-Cuban jazz. Born January 1, 1919, in Chicago, McKibbon was the son of a minister who played tuba and guitar, often with Al's mother on piano accompaniment. The family relocated to Detroit in 1921, where McKibbon's older brother later played with the Midwest Territorial Orchestra and recommended that his younger sibling adopt the bass. While a student at Detroit's Cass Tech, McKibbon studied bass and piano, and by 17 was gigging steadily at the local nightclub the B&C. Later, he backed Kelly Martin at the Conga Club, followed by a stint with Jimmie Lunceford's former saxophonist Ted Bruckner. In 1943, Lucky Millinder headlined Detroit's Paradise Theater, and when Millinder and band left town for a date in New York City, they took McKibbon with them. The bassist eventually settled in the Big Apple, making his first studio recordings with Millinder before signing on with Tab Smith.

In October 1945 McKibbon joined Hawkins, whose band included Monk on piano. Via Hawkins, the bassist also landed a spot on Norman Granz's first Jazz at the Philharmonic tour, which also featured Lester Young and Buck Clayton. Although McKibbon's tenure with Hawkins was relatively brief, his collaboration with Monk spanned decades -- he played on some of the legendary pianist's earliest headlining recordings, and was featured during his landmark run at Minton's Playhouse. In 1946, McKibbon joined J.C. Heard's band during its stint at New York's Café Society, and the following year he was hired by Dizzy Gillespie to replace bassist Ray Brown, who'd alienated his bandmates by beginning a romance with singer Ella Fitzgerald. McKibbon roomed on tour with Cuban-born percussionist Pozo, and despite their language barrier, the two men created the rhythmic template that would become the foundation for Afro-Cuban jazz, beginning with their work on Gillespie's seminal "Manteca" and continuing across Latin-inspired sessions including "Cubano Be," "Cubano Bop," and "Guarichi Guaro."

Although the Gillespie band splintered in 1949, McKibbon remained immersed in Latin music for the duration of his career. After playing on Miles Davis' groundbreaking Birth of the Cool sessions, he worked briefly with Count Basie, Earl Hines, and Johnny Hodges before settling in with the George Shearing Quartet in 1951, the beginning of the pianist's own exploration of Afro-Cuban music. McKibbon spent seven years behind Shearing, followed by a year with Cal Tjader, another bandleader who grabbed the Latin baton. The bassist relocated to Los Angeles in 1958, working for over a decade as a session player and also recording for film and television. In the early '70s he returned to the road alongside Gillespie and Monk on the Giants of Jazz tour -- in 1971, he also played on Monk's final recording date. Sometime later McKibbon acquired a bass created by Jacob Steiner, "the German Stradivarius," in 1650 -- his tone grew even richer and more robust in turn, and in time he moved into classical performance, in 1992 traveling to the Mojave Desert to play with a symphony orchestra recording Beethoven's Ninth amid the sandy desolation. Only in 1999 did McKibbon finally release his first LP as a leader, Tumbao Para los Congueros de Mi Vida. He died July 29, 2005, at age 86.

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Biografía del artista por Jason Ankeny

Conocido por su tono rico y resonante y por su precisión metronómica, Al McKibbon fue uno de los principales bajistas de la primera época del bebop, y colaboró con gigantes como Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Thelonious Monk, además de colaborar con el percusionista Chano Pozo para forjar el sonido del jazz afrocubano. Nacido el 1 de enero de 1919 en Chicago, McKibbon era hijo de un ministro que tocaba la tuba y la guitarra, a menudo con el acompañamiento al piano de la madre de Al. La familia se trasladó a Detroit en 1921, donde el hermano mayor de McKibbon tocó más tarde con la Midwest Territorial Orchestra y recomendó a su hermano pequeño que adoptara el bajo. Mientras estudiaba en la Cass Tech de Detroit, McKibbon estudió bajo y piano, y a los 17 años ya actuaba con regularidad en el club nocturno local B&C. Más tarde, acompañó a Kelly Martin en la orquesta de Detroit. Más tarde, fue telonero de Kelly Martin en el Conga Club, y después trabajó con Ted Bruckner, antiguo saxofonista de Jimmie Lunceford. En 1943, Lucky Millinder actuó como cabeza de cartel en el Paradise Theater de Detroit, y cuando Millinder y su banda abandonaron la ciudad para una cita en Nueva York, se llevaron a McKibbon con ellos. El bajista acabó estableciéndose en la Gran Manzana y realizó sus primeras grabaciones de estudio con Millinder antes de fichar por Tab Smith.

En octubre de 1945 McKibbon se unió a Hawkins, cuya banda incluía a Monk al piano. A través de Hawkins, el bajista también consiguió un puesto en la primera gira Jazz at the Philharmonic de Norman Granz, en la que también participaron Lester Young y Buck Clayton. Aunque la permanencia de McKibbon con Hawkins fue relativamente breve, su colaboración con Monk se prolongó durante décadas: tocó en algunas de las primeras grabaciones del legendario pianista como cabeza de cartel y participó en su histórica actuación en el Minton's Playhouse. En 1946, McKibbon se unió a la banda de J.C. Heard durante su estancia en el Café Society de Nueva York, y al año siguiente fue contratado por Dizzy Gillespie para sustituir al bajista Ray Brown, que se había distanciado de sus compañeros de banda al iniciar un romance con la cantante Ella Fitzgerald. McKibbon compartió habitación durante la gira con el percusionista de origen cubano Pozo y, a pesar de la barrera del idioma, los dos hombres crearon la plantilla rítmica que se convertiría en la base del jazz afrocubano, comenzando con su trabajo en la seminal "Manteca" de Gillespie y continuando en sesiones de inspiración latina como "Cubano Be", "Cubano Bop" y "Guarichi Guaro".

Aunque la banda de Gillespie se separó en 1949, McKibbon siguió inmerso en la música latina durante toda su carrera. Después de tocar en las revolucionarias sesiones Birth of the Cool de Miles Davis, trabajó brevemente con Count Basie, Earl Hines y Johnny Hodges antes de establecerse con el George Shearing Quartet en 1951, el comienzo de la propia exploración del pianista de la música afrocubana. McKibbon pasó siete años detrás de Shearing, seguidos de un año con Cal Tjader, otro director de orquesta que tomó la batuta latina. El bajista se trasladó a Los Ángeles en 1958, donde trabajó durante más de una década como músico de sesión y también grabando para el cine y la televisión. A principios de los 70, volvió a la carretera junto a Gillespie y Monk en la gira Giants of Jazz (Gigantes del jazz); en 1971, también tocó en la última grabación de Monk. Algún tiempo después, McKibbon adquirió un bajo creado por Jacob Steiner, "el Stradivarius alemán", en 1650; su tono se hizo aún más rico y robusto y, con el tiempo, se pasó a la interpretación clásica; en 1992 viajó al desierto de Mojave para tocar con una orquesta sinfónica que grababa la Novena de Beethoven en medio de la desolación arenosa. No fue hasta 1999 cuando McKibbon publicó por fin su primer LP como líder, Tumbao Para los Congueros de Mi Vida. Murió el 29 de julio de 2005, a los 86 años.

 

 

 

Gary McFarland & Co. Clark Terry • Tijuana Jazz

 

Herbie Mann • My Kinda Groove

Ray Barretto • On Fire Again

 

Cal Tjader • Plays Afro-Cuban Ritmo Caliente

 

Arturo O'Farrill & The Afro-Latin Jazz Orchestra • Song For ''Chico''

 

www.arturoofarrill.com ...

Cal Tjader • Grace Cathedral Concert

 

 About Cal Tjader

Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.
Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death. ~ Richard S. Ginell


Review by Scott Yanow
Unlike Vince Guaraldi's Grace Cathedral concert, vibraphonist Cal Tjader's was not a religious event. In fact, this quintet outing (which includes Lonnie Hewitt on electric piano and the young Poncho Sanchez on congas) is a fairly typical concert for the era, despite the location. As it turned out, Tjader was a replacement for Guaraldi, who had originally been scheduled but had recently passed away. The vibist's Latin jazz group performs the leader's "I Showed Them," Milt Jackson's swinging "Bluesology," a medley from Black Orpheus, and "Body and Soul."

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Acerca de Cal TjaderCal Tjader fue, sin lugar a dudas, el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde la década de 1950 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre clave entre los mundos del jazz latino y el bop principal; Su estilo vibráfono ligero, rítmico y alegre podría abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el Área de la Bahía de San Francisco eventualmente tuvieron una profunda influencia sobre Carlos Santana y, por lo tanto, sobre el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último sobre todo en el puckishly titulado "Rap Your Troubles in Drums" de George Shearing Quintet, y ocasionalmente también participaba en el piano.Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de relacionarse con el también residente del Área de la Bahía Dave Brubeck como baterista en el Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo y, en 1953, se unió a George. El entonces quinteto enormemente popular de Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing que comenzó la historia de amor de Tjader con la música latina, iniciada por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentada por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaria y Armando Peraza, y galvanizada por la locura del mambo de los '50. Cuando se fue de Shearing al año siguiente, Tjader formó rápidamente su propia banda que enfatizaba el elemento latino, pero que también tocaba el jazz principal. Bobo y Santamaria finalmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del cancionero de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, desde mediados de los cincuenta hasta principios de los sesenta, pasando a Verve en 1961, donde bajo la égida de Creed Taylor expandió su paleta estilística y formó equipo con artistas como Lalo Schifrin, Anita. O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró marcar un golpe menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie / Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasy. Tjader regresó a Fantasy en la década de 1970, luego en 1979 se trasladó al nuevo sello Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte. ~ Richard S. Ginell