Willie Bobo • Talkin' Verve

 

Review by Richard S. Ginell
Whatever the meaning of the word "talkin," this is still a most valuable release because it succinctly sums up Willie Bobo's Verve recordings, most of which have yet to see the light of the laser. By this time, Bobo had followed Mongo Santamaria into the marketplace as an energetic exponent of the Latin boogaloo, even scoring a minor hit with "Spanish Grease."
But Bobo went even further than Mongo toward an accommodation with the '60s scene, adding the R&B-oriented electric rhythm guitar of Sonny Henry, dropping the piano, incorporating strings and even an occasional graceful vocal now and then. While there are a few covers of '60s standards here, like "The Look of Love" and "Grazing in the Grass" -- and he had the great sense to seek out and record a hip-shaking version of Eddie Harris' "Sham Time" -- Bobo's biggest contribution on these tracks was in providing the inspiration for the Latin rock boom to come. "Evil Ways" is almost an exact blueprint for Carlos Santana's career-launching hit version; "Spanish Grease" reappeared uncredited six years later as Santana's "No One to Depend On," and Santana also played Bobo's lowdown "Fried Neck Bones and Some Homefries" in the band's early days. With Bobo's galvanic congas and timbales swinging at all times, few CDs by a single artist capture the ambience of late-'60s jazz radio in the evening as well as this one.
https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497

///////

Reseña de Richard S. Ginell
Cualquiera que sea el significado de la palabra "talkin", este sigue siendo un lanzamiento muy valioso porque resume sucintamente las grabaciones en Verve de Willie Bobo, la mayoría de las cuales aún no han visto la luz del láser. Para entonces, Bobo había seguido a Mongo Santamaría al mercado como un enérgico exponente del boogaloo latino, incluso logrando un pequeño éxito con " Spanish Grease."
Pero Bobo fue aún más lejos que Mongo hacia un acomodo con la escena de los 60, agregando la guitarra rítmica eléctrica orientada al R&B de Sonny Henry, dejando caer el piano, incorporando cuerdas e incluso una elegante voz ocasional de vez en cuando. Si bien hay algunas versiones de los estándares de los 60 aquí, como "The Look of Love" y "Grazing in the Grass", y tuvo el gran sentido de buscar y grabar una versión de Eddie Harris "Sham Time", la mayor contribución de Bobo en estas pistas fue proporcionar la inspiración para el boom del rock latino por venir. "Evil Ways" es casi un plan exacto para la exitosa versión de lanzamiento de la carrera de Carlos Santana ;" Spanish Grease " reapareció sin acreditar seis años después como "No One to Depend On" de Santana, y Santana también tocó "Fried Neck Bones and Some Homefries" de Bobo en los primeros días de la banda. Con las congas galvánicas y los timbales de Bobo balanceándose en todo momento, pocos CD de un solo artista capturan el ambiente de la radio de jazz de finales de los 60 por la noche tan bien como este.
https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497

Willie Bobo • Do What You Want To Do

 

Willie Bobo was one of the key players who fused influences from Latin soul, rock, and jazz in the late 1960s and 1970s. Willie went on to become an important band leader, whose music reflected the traditions of Spanish and Black Harlem. Born William Correa of Puerto Rican parents, in 1934, Willie was raised in New York City. In 1947, he worked as a band boy for Machito’s Afro-Cubans, one of the most popular Latin music ensembles of the era. Late at night, during the last set, he was sometimes allowed to sit in on bongos, getting his first taste of performing on a bandstand in the company of world class musicians. Good fortune led him to the side of Cuban conga legend Ramon “Mongo” Santamaria, a recent arrival in the Big Apple from Havana. In exchange for his services as Mongo’s much needed translator, the fledgling percussionist received lessons in Afro-Cuban techniques from the master. It was jazz pianist Mary Lou Williams who gave Willie the distinctive nickname “Bobo,” which he would soon adopt for his stage name and use for the rest of his life. The Spanish word means, among other things, “clown” or “funny man,” and was perfect to sum up Willie’s lighthearted demeanor and fun-loving attitude. He worked with Williams as a trap drummer and as a percussionist with Cuban big band leader Pérez Prado before being invited to join Santamaria in the rhythm section of Ernest “Tito” Puente’s mambo orchestra. The five years alongside Mongo and Puente produced what many scholarly observers consider to have been some of the finest Afro-Cuban percussion performances in “Top Percussion and Cuban Carnival” -- ever captured on tape. Bobo’s rendezvous with destiny, however, was just beginning. While still with Puente, he recorded with pianist George Shearing, on the pianists first album for Capitol, “The Shearing Spell.” Shearing would be the first of many jazz luminaries who would call on Bobo’s talents over the years. Throughout the 1950s, he accompanied numerous jazz artists such as Stan Getz, particularly on studio sessions--especially when everyone had to record a mambo or cha-cha somewhere in the course of their contract. Both he and Santamaria left Puente in 1957 and soon had another opportunity to make more Latin jazz history, joining vibraphonist Cal Tjader’s ensemble from 1958 to 1961 and participating on such landmark Tjader sessions as “Latino” and “Monterey Concerts.” Bobo partnered with the vibraphonist again in 1964 to record the top Latin jazz hit “Soul Sauce.” He and his former teacher Santamaria reunited in 1960 to record “Sabroso!” for Fantasy.

Soon after that, he picked up a contract as a solo artist for Roulette Records, which was looking for another artist to ride on the coattails of Ray Barretto's hit instrumental, "El Watusi." Bobo's career with Roulette ended about as quickly as the Watusi craze. Verve signed Bobo and quickly released his album, “Spanish Grease,” soon thereafter. When he began to lead his own groups in the mid 1960s, Bobo was quick to look to the popular culture of the day for inspiration. He was one of the pioneers of the boogaloo (bugalú) or “Spanish Soul” movement, a style known for its jaunty blend of R&B influences and Afro- Cuban rhythms that became wildly popular. On such albums as “Spanish Grease,” “Juicy,” “Spanish Blues Band” and “Uno Dos Tres,” Bobo rendered rock, pop, soul, Cuban and Brazilian songs with equal panache, substituting an electric guitar for the customary piano and emphasizing a funky, urban side of the style that expanded his audience even further. His recording of “Evil Ways,” for example, foreshadowed the hit version of the tune recorded by Santana a few years later. Like many of Verve's jazz artists, Bobo covered current pop hits as often as more serious Latin and jazz material. At the time, this choice was pretty much a sure-fire way to get panned by jazz critics, but in recent years, Bobo's albums have been reissued to new acclaim and provided a rich sampling source for breakbeat artists. He always has a strong following within the Puerto Rican community where he is still revered as a percussion legend. In the late 1960s, he moved to Los Angeles, where he worked as a session musician with Carlos Santana and others after his Verve contract expired. He played with the studio band on "The Cosby Show," and did other recordings as; “Tomorrow is Here,” in ’77 for Blue Note, and “Bobo,” in ’79 for Columbia. He reunited with Santamaria in 1983 at the Playboy Jazz Festival, and died the same year. Bobo’s son Eric released “Lost and Found,” in 2006 for Concord, it is, for the most part, a fine collection of unreleased recordings dating from the early to mid-'70s, when the artist was still at the peak of his creativity. Discovered by his son in the family home, the dozen tracks assembled here showcase Bobo in a number of settings. It is more of a tribute from a son than a best of compilation. For the uninitiated into Willie Bobo, and interested readers alike, I recommend “Willie Bobo’s Finest Hour,” as a good introduction into this man’s music. In an excellent review of this reissue by Thom Jurek he states: “What comes across so forcefully on the Bobo collection is that his ideas about music were progressive to the point of being oversimplified by others; Bobo saw all music as pop music and treated it as such on his records. His wish to make corner-bending sides for his friends in Harlem actually translates to the entire American populace very well, so well in their directness and emotional honesty -- as well sweet-grooving simplicity -- that sophisticated statements on race and class are played out in his pop music. For those who don't give a damn about this kind of analysis, it's safe to say that this set -- all 18 tracks of it -- constitutes one hell of a driving, partying, dancing, or goofing record straight from the heart to the street corner. This is amazing stuff.” Right On Willie !!
https://www.allaboutjazz.com/musicians/willie-bobo/

///////

Willie Bobo fue uno de los músicos clave que fusionó influencias del soul latino, el rock y el jazz a fines de la década de 1960 y 1970. Willie se convirtió en un importante líder de banda, cuya música reflejaba las tradiciones del Harlem español y negro. Nacido William Correa de padres puertorriqueños, en 1934, Willie se crió en la ciudad de Nueva York. En 1947, trabajó como chico de banda para Machito's Afro-Cubans, uno de los conjuntos de música latina más populares de la época. A altas horas de la noche, durante el último set, a veces se le permitía sentarse en los bongos, probando por primera vez tocar en un quiosco de música en compañía de músicos de clase mundial. La buena fortuna lo llevó al lado de la leyenda cubana de la conga Ramón "Mongo" Santamaría, recién llegado a la Gran Manzana desde La Habana. A cambio de sus servicios como traductor muy necesario de Mongo, el percusionista novato recibió lecciones de técnicas afrocubanas del maestro. Fue la pianista de jazz Mary Lou Williams quien le dio a Willie el apodo distintivo de "Bobo", que pronto adoptaría como su nombre artístico y usaría por el resto de su vida. La palabra en español significa, entre otras cosas, "payaso" u "hombre divertido", y fue perfecta para resumir el comportamiento alegre y la actitud amante de la diversión de Willie. Trabajó con Williams como baterista de trap y como percusionista con el líder de la big band cubana Pérez Prado antes de ser invitado a unirse a Santamaría en la sección rítmica de la orquesta de mambo de Ernest "Tito" Puente. Los cinco años junto a Mongo y Puente produjeron lo que muchos observadores académicos consideran que han sido algunas de las mejores actuaciones de percusión afrocubana en "La Mejor Percusión y el Carnaval Cubano", jamás capturadas en cinta. La cita de Bobo con el destino, sin embargo, apenas comenzaba. Mientras aún estaba con Puente, grabó con el pianista George Shearing, en el primer álbum de pianists para Capitol, " The Shearing Spell."Shearing sería la primera de muchas luminarias del jazz que recurrirían al talento de Bobo a lo largo de los años. A lo largo de la década de 1950, acompañó a numerosos artistas de jazz como Stan Getz, particularmente en sesiones de estudio, especialmente cuando todos tenían que grabar un mambo o cha-cha en algún momento de su contrato. Tanto él como Santamaría dejaron Puente en 1957 y pronto tuvieron otra oportunidad de hacer más historia del jazz latino, uniéndose al conjunto del vibrafonista Cal Tjader de 1958 a 1961 y participando en sesiones históricas de Tjader como los conciertos "Latino" y "Monterey"."Bobo se asoció nuevamente con el vibrafonista en 1964 para grabar el éxito más importante del jazz latino" Soul Sauce. Él y su ex maestra Santamaría se reunieron en 1960 para grabar " Sabroso!"por Fantasía.

Poco después de eso, consiguió un contrato como solista para Roulette Records, que buscaba otro artista para subirse al faldón del exitoso instrumental de Ray Barretto, "El Watusi."La carrera de Bobo con la Ruleta terminó tan rápido como la locura de los Watusi. Verve contrató a Bobo y rápidamente lanzó su álbum, "Spanish Grease", poco después. Cuando comenzó a liderar sus propios grupos a mediados de la década de 1960, Bobo se apresuró a buscar inspiración en la cultura popular de la época. Fue uno de los pioneros del movimiento boogaloo (bugalú) o "Alma Española", un estilo conocido por su alegre mezcla de influencias de R&B y ritmos afrocubanos que se hizo tremendamente popular. En álbumes como "Spanish Grease", "Juicy", "Spanish Blues Band" y "Uno Dos Tres", Bobo interpretó canciones de rock, pop, soul, cubanas y brasileñas con igual garbo, sustituyendo el piano habitual por una guitarra eléctrica y enfatizando un lado funky y urbano del estilo que expandió aún más a su audiencia. Su grabación de "Evil Ways", por ejemplo, presagió la exitosa versión de la canción grabada por Santana unos años más tarde. Como muchos de los artistas de jazz de Verve, Bobo cubrió éxitos pop actuales con tanta frecuencia como material latino y de jazz más serio. En ese momento, esta elección era prácticamente una forma segura de ser criticada por los críticos de jazz, pero en los últimos años, los álbumes de Bobo se han reeditado con nuevos elogios y han proporcionado una rica fuente de muestreo para los artistas de breakbeat. Siempre tiene un gran número de seguidores dentro de la comunidad puertorriqueña, donde todavía es venerado como una leyenda de la percusión. A fines de la década de 1960, se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de sesión con Carlos Santana y otros después de que expirara su contrato con Verve. Tocó con la banda de estudio en "The Cosby Show" e hizo otras grabaciones como; "Tomorrow is Here", en el 77 para Blue Note, y "Bobo", en el 79 para Columbia. Se reunió con Santamaría en 1983 en el Festival de Jazz Playboy, y murió el mismo año. El hijo de Bobo, Eric, lanzó "Lost and Found" en 2006 para Concord, es, en su mayor parte, una excelente colección de grabaciones inéditas que datan de principios a mediados de los 70, cuando el artista aún estaba en la cima de su creatividad. Descubiertas por su hijo en la casa familiar, las doce pistas reunidas aquí muestran a Bobo en varios escenarios. Es más un tributo de un hijo que lo mejor de la compilación. Para los no iniciados en Willie Bobo, y para los lectores interesados por igual, recomiendo "Willie Bobo's Finest Hour", como una buena introducción a la música de este hombre. En una excelente reseña de esta reedición de Thom Jurek afirma: "Lo que se ve con tanta fuerza en The Bobo collection es que sus ideas sobre la música eran progresivas hasta el punto de ser simplificadas por otros; Bobo veía toda la música como música pop y la trataba como tal en sus discos. Su deseo de hacer lados que doblen las esquinas para sus amigos en Harlem en realidad se traduce muy bien en toda la población estadounidense, tan bien en su franqueza y honestidad emocional, así como en su simplicidad dulce, que las declaraciones sofisticadas sobre raza y clase se reproducen en su música pop. Para aquellos a quienes les importa un comino este tipo de análisis, es seguro decir que este set, las 18 pistas, constituye un disco infernal de conducción, fiesta, baile o tonterías directamente desde el corazón hasta la esquina de la calle. Esto es algo asombroso."¡Justo En Willie !!
https://www.allaboutjazz.com/musicians/willie-bobo/

Marc Ribot y Los cubanos postizos • Marc Ribot y Los cubanos postizos (The Prosthetic Cubans)

 

 

Marc Ribot (pronounced REE-bow) was born in Newark, New Jersey in 1954. As a teen, he played guitar in various garage bands while studying with his mentor, Haitian classical guitarist and composer Frantz Casseus. In 1978, Ribot crossed the river to New York City, where he served as sideman for such musicians as jazz organist Jack McDuff and legendary soul shouter Wilson Pickett. Ribot began his five-year stint as a member of the Lounge Lizards (John Lurie's innovative and influential Downtown jazz ensemble) in 1984. At the time Marc's playing, which blended elements of classic Blues guitar with the ironic No Wave/Knitting Factory aesthetic, caught the ear of a number of artists who were also interested in amalgamating and disrupting disparate musical traditions. Ribot performed on some of these singer/songwriter's finest records, including Elvis Costello's SPIKE, MIGHTY LIKE A ROSE, and KOJAK VARIETY; Marianne Faithful's BLAZING AWAY; and Tom Waits' RAIN DOGS, BIG TIME, FRANK'S WILD YEARS, MULE VARIATIONS, and REAL GONE.

All the while, the increasingly in-demand guitarist continues to explore the ever-changing terrain of New York's New Music scene, working with musicians such as Arto Lindsay, Don Byron, Anthony Coleman, T-Bone Burnett, the Jazz Passengers, Evan Lurie, the Sun Ra Arkestra, Chocolate Genius, Bill Frisell, Medeski Martin & Wood, and John Zorn in any number of incarnations.

Ribot also composed and recorded his own brand of Downtown soul music with his bands, Rootless Cosmopolitans and Shrek. In 1996 he recorded DON'T BLAME ME, which found a solo Ribot reinventing a number of American standards, which was hailed by The Village Voice as “a record filled with savory and unlikely amusements.” In 1998 Atlantic Records released the critically acclaimed Marc Ribot Y Los Cubanos Postizos, featuring Ribot's beautifully slanted interpretations of material by the great Cuban songwriter Arsenio Rodriguez.

Recent musical scores by Marc Ribot include Yoshiko Chuma's ALTOGETHER DIFFERENT dance piece, a documentary film by Greg Feldman titled JOE SCHMOE, a feature film by director Joe Brewster titled THE KILLING ZONE, and IN AS MUCH AS LIFE IS BORROWED, a dance piece by famed Belgian choreographer, Wim Vanderkeybus.

Composer Stewart Wallace recently completed an electric guitar concerto with orchestra written for Marc. The piece was premiered by the National Symphony Orchestra in Washington DC in July of 2004.

Marc continues to write and perform and collaborate. He's currently working on a new, sonically dense, rock band called the Marc Ribot Mystery Trio. He's also producing a record of material by the great Haitian composer/guitar player, Frantz Casseus, and recording with a new project called Spiritual Unity based on the works of Albert Ayler, as well as recording with artists Elvis Costello, and T-Bone Burnett.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/marc-ribot

///////

Marc Ribot (pronunciado REE-bow) nació en Newark, Nueva Jersey, en 1954. De adolescente, tocó la guitarra en varias bandas de garaje mientras estudiaba con su mentor, el guitarrista y compositor clásico haitiano Frantz Casseus. En 1978, Ribot cruzó el río hasta la ciudad de Nueva York, donde trabajó como músico de acompañamiento para músicos como el organista de jazz Jack McDuff y el legendario cantante de soul Wilson Pickett. En 1984, Ribot comenzó su etapa de cinco años como miembro de los Lounge Lizards (el innovador e influyente conjunto de jazz del Downtown de John Lurie). Por aquel entonces, la forma de tocar de Marc, que mezclaba elementos de la guitarra clásica del blues con la estética irónica de la No Wave/Knitting Factory, llamó la atención de una serie de artistas que también estaban interesados en amalgamar y trastocar tradiciones musicales dispares. Ribot participó en algunos de los mejores discos de estos cantautores, como SPIKE, MIGHTY LIKE A ROSE y KOJAK VARIETY de Elvis Costello; BLAZING AWAY de Marianne Faithful; y RAIN DOGS, BIG TIME, FRANK'S WILD YEARS, MULE VARIATIONS y REAL GONE de Tom Waits.

Al mismo tiempo, el guitarrista, cada vez más solicitado, sigue explorando el terreno siempre cambiante de la escena de la nueva música de Nueva York, trabajando con músicos como Arto Lindsay, Don Byron, Anthony Coleman, T-Bone Burnett, los Jazz Passengers, Evan Lurie, la Sun Ra Arkestra, Chocolate Genius, Bill Frisell, Medeski Martin & Wood y John Zorn en un gran número de encarnaciones.

Ribot también compuso y grabó su propia marca de música soul del centro de la ciudad con sus bandas, Rootless Cosmopolitans y Shrek. En 1996 grabó DON'T BLAME, en el que un Ribot en solitario reinventaba una serie de estándares americanos, que fue aclamado por The Village Voice como "un disco lleno de sabrosas e improbables diversiones". En 1998, Atlantic Records publicó el aclamado Marc Ribot Y Los Cubanos Postizos, con interpretaciones de Ribot del material del gran cantautor cubano Arsenio Rodríguez.

Las partituras recientes de Marc Ribot incluyen la pieza de danza ALTOGETHER DIFFERENT de Yoshiko Chuma, un documental de Greg Feldman titulado JOE SCHMOE, un largometraje del director Joe Brewster titulado THE KILLING ZONE, y IN MUCH AS LIFE IS BORROWED, una pieza de danza del famoso coreógrafo belga Wim Vanderkeybus.

El compositor Stewart Wallace completó recientemente un concierto para guitarra eléctrica con orquesta escrito para Marc. La pieza fue estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington DC en julio de 2004.

Marc sigue escribiendo, actuando y colaborando. Actualmente está trabajando en una nueva banda de rock de gran densidad sonora llamada Marc Ribot Mystery Trio. También está produciendo un disco con material del gran compositor y guitarrista haitiano Frantz Casseus, y grabando con un nuevo proyecto llamado Spiritual Unity, basado en las obras de Albert Ayler, así como grabando con los artistas Elvis Costello y T-Bone Burnett.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/marc-ribot


www.marcribot.com ...

Barney Kessel • Workin' Out!

Review by Scott Yanow

For this lesser-known effort by Barney Kessel (reissued on a 1998 CD), the guitarist is heard shortly after he decided to forego his career in the studios and try to make a living playing jazz full-time. He formed a quartet that also included three now-obscure players: Marvin Jenkins on piano and occasional flute, bassist Jerry Good, and drummer Stan Popper. Kessel plays well during a program that is highlighted by Jenkins' "Good Li'l Man," "When Johnny Comes Marching Home," Ahmad Jamal's "New Rhumba," and the guitarist's own "Pedal Point." Nothing all that unusual occurs, but the music is fine modern mainstream jazz from the early '60s.

///////

Revisión por Scott Yanow

Para este esfuerzo menos conocido de Barney Kessel (reeditado en un CD de 1998), el guitarrista se escucha poco después de que él decidió renunciar a su carrera en los estudios y tratar de ganarse la vida tocando jazz a tiempo completo. Formó un cuarteto que también incluía tres jugadores ahora oscuros: Marvin Jenkins en el piano y flauta ocasional, el bajista Jerry Good y el baterista Stan Popper. Kessel juega bien durante un programa destacado por "Good Li'l Man" de Jenkins, "Cuando Johnny Comes Marching Home", "New Rhumba" de Ahmad Jamal y "Pedal Point" del guitarrista. No ocurre nada tan inusual, pero la música es un buen jazz moderno de principios de los 60.

VA • The Colors Of Latin Jazz Cubop

 

Cal Tjader Quintet • Latin + Jazz = Cal Tjader

 

Review from AllMusic:
Vibraphonist Cal Tjader is in typically fine form on this live set from 1968. His quintet at the time featured Armando Perazza on congas and pianist Joe Kloess, and his repertoire ranged from Afro-Cuban jazz to occasional straightahead tunes. Six of the eight selections on this date are originals by band members or Gary McFarland. Although Tjader had been playing this style of music for 15 years by this time, he still was quite creative and enthusiastic, and is heard throughout in excellent form.
https://www.allmusic.com/album/latin-jazz-cal-tjader-mw0000196457

///////

Resena de AllMusic:
El vibrafonista Cal Tjader esta en su forma habitualmente solida en esta grabacion en vivo de 1968. Su quinteto en ese momento contaba con Armando Perazza en congas y el pianista Joe Kloess, y su repertorio iba desde el jazz afrocubano hasta temas ocasionales mas directos. Seis de las ocho selecciones de esta fecha son originales de miembros de la banda o de Gary McFarland. Aunque Tjader llevaba ya 15 anos tocando este estilo de musica para ese entonces, seguia siendo muy creativo y entusiasta, y se lo escucha en excelente forma a lo largo de todo el disco.
https://www.allmusic.com/album/latin-jazz-cal-tjader-mw0000196457

Gerry Woo • Latin Percussion With Soul

 

Description from Dusty Groove (Amazon):
An obscure album from Jack "Mr Bongo" Costanzo -- his only entry into the Latin Soul genre, and a really nice batch of grooves! Jacko's working here with singer Gerry Woo, who sings in English on about half of the album's tracks, giving the set a nice pop-styled Latin groove that reminds us a lot of Willie Bobo's work for Verve, and some of the more unusual indie Latin albums of the time. The set's filled with loads of great numbers, including Hector Rivera compositions "Recuerdos," "Que Vengo Acabando," "Don't Squeeze the Peaches," and "Mambo Jack," plus covers of "Jive Samba," "Words," and "Green Onions."
https://www.amazon.com/Latin-Percussion-Soul-Costanzo-Jerry/dp/B000083ECU

///////

Descripcion de Dusty Groove (Amazon):
Un album poco conocido de Jack "Mr Bongo" Costanzo -- su unica incursion en el genero Latin Soul, y una gran tanda de grooves! Jacko trabaja aqui con el cantante Gerry Woo, que canta en ingles en aproximadamente la mitad de los temas del album, dandole al disco un agradable groove latino de estilo pop que nos recuerda mucho al trabajo de Willie Bobo para Verve, y a algunos de los albumes latinos independientes mas inusuales de la epoca. El disco esta repleto de grandes temas, incluyendo las composiciones de Hector Rivera "Recuerdos," "Que Vengo Acabando," "Don't Squeeze the Peaches" y "Mambo Jack," ademas de versiones de "Jive Samba," "Words" y "Green Onions."
https://www.amazon.com/Latin-Percussion-Soul-Costanzo-Jerry/dp/B000083ECU

Tito Puente And His Orchestra • My Fair Lady Goes Latin

 

 

Ernest Anthony Puente, Jr., Tito Puente is internationally recognized for his enormous and significant contributions to Latin music as a bandleader, composer, arranger, percussionist, and mentor. Popularly known as the “El Rey del Timbal” and the “King of Mambo”, he recorded more than 100 albums, published more than 400 compositions, and won six Grammy awards. Although he played and recorded jazz and salsa, Puente is one of only a handful of musicians who deserve the title “legendary”, primarily for his mastery of the mambo. Puente has been credited with introducing the timbal and the vibraphone to Afro-Cuban music, Puente also played the trap drums, the conga drums, the claves, the piano, and occasionally, the saxophone and the clarinet. While Puente was perhaps best known for his all-time best- selling 1958 mambo album “Dance Mania”, his eclectic sound has continued to transcend cultural and generational boundaries. As a testament to his popularity with a younger audience, Puente has recorded with rocker Carlos Santana and has performed regularly at college concerts throughout the country. He has also appeared in several films, received a Star on the Hollywood Walk of Fame, and performed on television’s The David Letterman Show.

Born on 20 April 1923 in New York City, Puente’s artistic talents first developed in the field of dance. In 1935, his sister Anna and he became members of “Stars of the Future” a neighborhood artistic organization. On four occasions, Tito was honored for his exceptional dance ability.

After hearing a solo by Cuban pianist, Anselmo Sacassas Tito began his musical education on the piano. Occasional tutors were Victoria Hernandez, sister of Puerto Rico’s legendary composer Rafael Hernandez, and Luis Varona of the Machito orchestra who later would play with Tito’s orchestra. He also studied drums and idolized Gene Krupa. He later mastered the alto sax and was accomplished on the vibraphone.

Puente then went on to work with Cuban pianist and bandleader Jose Curbelo beginning in December of 1939. Curbelo became his first music mentor and perhaps more importantly taught Puente the fundamentals of the music business. He then played with Johnny Rodriguez, Anselmo Sacassas, the musician that had inspired his piano study, and the great Noro Morales.

In June 1942, he joined the Machito orchestra. Machito became Puente’s primary musical mentor. At one point Tito left Machito to play percussion for the Jack Cole dancers. Soon thereafter he was drafted into the Navy and served in World War II. He played saxophone and drums with the band on the ship. He learned how to arrange music from a pilot that played sax.

After his discharge from the Navy in 1945 with a presidential commendation, he returned to New York to work again with Curbello, Brazilian band leader Fernando Alvarez, featuring Charlie Palmieri on piano, and Pupi Campo. He then began study at the Julliard School of Music. There he studied orchestration, conducting and music theory. In 1949, Puente formed his own band the Piccadilly Boys.

In the 1950s during the Palladium era, Tito Puente’s band was one of the top three orchestras in New York City, along with the orchestras of Machito and Tito Rodriguez. Mambo and cha-cha-cha were the rage at the time. The music with its high energy became a catalyst for bringing together people of all races and ethnicities. Puente rode the wave of the mambo craze and went on to become a household name.

Puente had strong leanings toward jazz which he “Latinized”. Puente later led two groups; an orchestra and a jazz ensemble. He continued to record both Latin jazz and straight-ahead Latin music with many different artists and his own bands.

In 1970, Carlos Santana repopularized Tito Puente’s music with his rendition of Oye Como Va and in 1972, Para Los Rumberos. His last album: “Puente Caliente”, included classic Puente fare, such as the song partial Real Audio clip El Timbalón.

In 1979, he won the first of six Grammy Awards for his “Homenaje a Beny” album which was a tribute to the Cuban singer Beny More. Other Grammy awards came in 1983 for “On Broadway”; 1985 for “Mambo Diablo”; 1990 for “Gosa Mi Timbal”; 2000 for “Mambo Birdland”, and “Masterpiece” in 2001.

Puente was honored with a star on the Hollywood Walk of Fame in 1990 and was featured in the 1992 film “The Mambo Kings”. He was also given the National Medal of Arts by then President Clinton in 1997 and was honored by the Library of Congress in April of 2000 as a Living Legend. The New York Times chose Puente’s “Dancemania” as one of the 25 most influential albums of the 20th century. Other awards and honorary degrees are too numerous to list. In his lifetime, Puente recorded 120 albums, composed over 450 songs, and has over 2,000 arrangements to his credit. He had over 10,000 live performances around the world. Shortly before his death, he completed work on an album with Eddie Palmieri released 18 July 2000, which won Grammy for Best Latin Jazz. The legend died at age 77 on 31 May 2000 in New York City.
Source: http://www.musicofpuertorico.com/index.php
https://www.allaboutjazz.com/musicians/tito-puente

///////

Ernest Anthony Puente, Jr., Tito Puente es reconocido internacionalmente por sus enormes y significativas contribuciones a la música latina como líder de banda, compositor, arreglista, percusionista y mentor. Conocido popularmente como "El Rey del Timbal" y el "Rey del Mambo", grabó más de 100 álbumes, publicó más de 400 composiciones y ganó seis premios Grammy. Aunque tocó y grabó jazz y salsa, Puente es uno de los pocos músicos que merecen el título de "legendario", principalmente por su dominio del mambo. A Puente se le atribuye la introducción del timbal y el vibráfono en la música afrocubana, Puente también tocaba los tambores de trampa, los tambores de conga, las claves, el piano y, ocasionalmente, el saxofón y el clarinete. Aunque Puente fue quizás más conocido por su álbum de mambo más vendido de todos los tiempos, "Dance Mania", su sonido ecléctico ha seguido trascendiendo las fronteras culturales y generacionales. Como testimonio de su popularidad entre el público más joven, Puente ha grabado con el rockero Carlos Santana y ha actuado regularmente en conciertos universitarios por todo el país. También ha aparecido en varias películas, ha recibido una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y ha actuado en el programa de televisión The David Letterman Show.

Nacido el 20 de abril de 1923 en la ciudad de Nueva York, el talento artístico de Puente se desarrolló primero en el campo de la danza. En 1935, su hermana Anna y él se convirtieron en miembros de "Stars of the Future", una organización artística de barrio. En cuatro ocasiones, Tito fue galardonado por su excepcional habilidad para el baile.

Tras escuchar un solo del pianista cubano Anselmo Sacassas, Tito comenzó su educación musical en el piano. Tuvo como profesores ocasionales a Victoria Hernández, hermana del legendario compositor puertorriqueño Rafael Hernández, y a Luis Varona, de la orquesta de Machito, que más tarde tocaría con la orquesta de Tito. También estudió batería e idolatraba a Gene Krupa. Más tarde dominó el saxo alto y se hizo experto en el vibráfono.

Puente pasó a trabajar con el pianista y director de orquesta cubano José Curbelo a partir de diciembre de 1939. Curbelo se convirtió en su primer mentor musical y, quizás más importante, enseñó a Puente los fundamentos del negocio de la música. Luego tocó con Johnny Rodríguez, Anselmo Sacassas, el músico que había inspirado sus estudios de piano, y el gran Noro Morales.

En junio de 1942, se unió a la orquesta de Machito. Machito se convirtió en el principal mentor musical de Puente. En un momento dado, Tito dejó a Machito para tocar la percusión para los bailarines de Jack Cole. Poco después fue reclutado por la Marina y sirvió en la Segunda Guerra Mundial. Tocaba el saxofón y la batería con la banda del barco. Aprendió a arreglar la música de un piloto que tocaba el saxo.

Después de ser licenciado de la Marina en 1945 con una recomendación presidencial, regresó a Nueva York para trabajar de nuevo con Curbello, el líder de la banda brasileña Fernando Álvarez, con Charlie Palmieri al piano, y Pupi Campo. A continuación, comenzó a estudiar en la Julliard School of Music. Allí estudió orquestación, dirección y teoría musical. En 1949, Puente formó su propia banda, los Piccadilly Boys.

En los años 50, durante la época del Palladium, la banda de Tito Puente era una de las tres mejores orquestas de la ciudad de Nueva York, junto con las orquestas de Machito y Tito Rodríguez. El mambo y el chachachá estaban de moda en aquella época. La música, con su gran energía, se convirtió en un catalizador para unir a personas de todas las razas y etnias. Puente se subió a la ola de la moda del mambo y se convirtió en un nombre muy conocido.

Puente tenía una fuerte inclinación hacia el jazz, que "latinizó". Posteriormente, Puente dirigió dos grupos: una orquesta y un conjunto de jazz. Siguió grabando tanto jazz latino como música latina directa con muchos artistas diferentes y con sus propias bandas.

En 1970, Carlos Santana reimpulsó la música de Tito Puente con su interpretación de Oye Como Va y en 1972, Para Los Rumberos. Su último álbum: "Puente Caliente", incluía clásicos de Puente, como el clip parcial de la canción Real Audio El Timbalón.

En 1979, ganó el primero de los seis premios Grammy por su álbum "Homenaje a Beny", que era un tributo al cantante cubano Beny More. Otros premios Grammy llegaron en 1983 por "On Broadway"; 1985 por "Mambo Diablo"; 1990 por "Gosa Mi Timbal"; 2000 por "Mambo Birdland", y "Masterpiece" en 2001.

Puente recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1990 y apareció en la película de 1992 "The Mambo Kings". También recibió la Medalla Nacional de las Artes de manos del entonces Presidente Clinton en 1997 y la Biblioteca del Congreso le rindió homenaje en abril de 2000 como Leyenda Viviente. El New York Times eligió "Dancemania" de Puente como uno de los 25 discos más influyentes del siglo XX. Otros premios y títulos honoríficos son demasiado numerosos para enumerarlos. A lo largo de su vida, Puente grabó 120 álbumes, compuso más de 450 canciones y tiene más de 2.000 arreglos en su haber. Realizó más de 10.000 actuaciones en directo en todo el mundo. Poco antes de su muerte, terminó de trabajar en un álbum con Eddie Palmieri publicado el 18 de julio de 2000, que ganó el Grammy al mejor jazz latino. La leyenda murió a los 77 años el 31 de mayo de 2000 en Nueva York.
Fuente: http://www.musicofpuertorico.com/index.php
https://www.allaboutjazz.com/musicians/tito-puente

Ray Barretto • Latino

 

Raymond Barretto Pagán (Nueva York, 29 de abril de 1929 - †Nueva Jersey, 17 de febrero de 2006), conocido como Ray Barretto, fue un percusionista estadounidense de origen puertorriqueño, y uno de los más destacados compositores e intérpretes de jazz latino. Sus congas se han podido escuchar en cientos de discos, tanto de Jazz como de música latina.

La trayectoria musical de Barretto muestra una gran inquietud y una amplia gama de influencias musicales, quizá en parte debido a que, al contrario que la mayor parte de los músicos de jazz latino, su aproximación a la música afro-caribeña y a la salsa fue a partir del jazz y no a la inversa. De hecho, en una ocasión afirmó que él aprendió a tocar al estilo swing antes de llegar a dominar los ritmos latinos.

Barretto empezó a tocar las congas mientras estaba en la marina en Alemania. Trabajó con músicos de jazz estadounidenses tras regresar a Nueva York, donde a finales de los 50 sustituyó a Mongo Santamaría en la banda de Tito Puente durante cuatro años. Barretto hizo su debut discográfico como líder de una banda en 1961 para Riverside, que fue un gran éxito no sólo dentro del campo del jazz (llegó a número 17 en las listas de música pop). Al año siguiente grabó para Tico "El Watusi", aprovechando la fiebre de este baile existente en el momento, que resultó un éxito fulgurante y suscitó decenas (sino cientos) de versiones y, más recientemente, de usos como samples por parte de raperos, como es el caso de la española Mala Rodríguez en su primer álbum.

Intentó modernizar el sonido de la charanga, dominante en la música latina de la época, reforzando la sección de viento y haciendo versiones de melodías provenientes del rock y del pop, como hicieron muchos otros artistas latinos.

Lo cierto es que Barretto logró sus mayores éxitos en los 60 como músico de sesión, acompañando a Gene Ammons, Cannonball Adderley, Kenny Burrell, Lou Donaldson, Red Garland, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Wes Montgomery, Cal Tjader y muchos otros artistas de jazz y pop.

Tras firmar con el sello Fania en 1967, Barretto comenzó a alcanzar reconocimiento como uno de los más importantes artistas de jazz latino y llegó a ser director musical de la Fania All-Stars. De esta época destaca su álbum Acid (1968). En los 70, siguió grabando álbumes bajo el sello Fania, cada vez con un éxito mayor. En 1973, varios de los músicos habituales de su orquesta deciden separase para conformar a Típica '73, lo cual hace que Ray Barretto decida producir el disco The Other Road, su primer acercamiento al Jazz. Continúa con la Fania hasta 1975, cuando firma un contrato con la Atlantic Records, donde graba discos de funk, música disco y rock sin mucho éxito. Sufrió un accidente que imposibilitó usar una de sus manos durante casi dos años, siguiente a la recuperación volvió a la Fania y lanzó Rican-Struction en 1979, como símbolo de la recuperación de ésta.

En 1980, grabó un muy aclamado álbum para CTI, La cuna, con Puente, Joe Farrell y Charlie Palmieri como intérpretes invitados. En 1991 estrenó un nuevo sexteto, New World Spirit, con él ha realizado al menos ocho discos de larga duración (sin contar recopilaciones) para distintos sellos discográficos. Curiosamente (y en contra del caso de otros artistas de música moderna), Barretto, ya en su etapa de madurez, llegó con este grupo a una plenitud creativa, alcanzando cotas nunca antes alcanzadas por él ni por ningún otro artista de jazz, latino o de cualquier otro tipo.

Como el mismo Barretto (que hasta poco antes de su muerte siguió actuando en directo) afirmaba, esta nueva etapa de su carrera no se basa en la fusión de elementos de música latina y jazz, sino en el empleo de instrumentos de origen afro-caribeño como la conga o, en raras ocasiones, temas de origen latino, pero con una concepción del jazz totalmente tradicional, lo que constituye una óptica probablemente nunca abordada por ningún otro músico ni grupo, quizá con la excepción del grupo cubano de jazz Columna B.

Barreto es conocido por los aficionados y coleccionistas de la salsa como uno de los más destacados ejecutores de la denominada salsa dura y por exponer uno de los sonidos más duros y clásicos dentro del género. Además destacó por atraer y presentar excelentes cantantes como Ruben Blades, Adalberto Santiago, Tito Allen y Tito Gómez.

https://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Barretto

///////

Ray Barretto (April 29, 1929 – February 17, 2006) was an American Grammy Award-winning Latin/Latin jazz musician of Puerto Rican ancestry.

Barretto (whose surname is really "Barreto"; a mistake at the time Ray's birth certificate was filed gave his last name its formal spelling) was born in New York City. His parents moved to New York from Puerto Rico in the early 1920s, looking for a better life. He was raised in Spanish Harlem and at a very young age was influenced by his mother's love of music and by the jazz music of musicians such as Duke Ellington and Count Basie.

In 1946, when Barretto was 17 years old, he joined the Army. While stationed in Germany, Barretto met Belgian vibist Fats Sadi, who was working there. However, it was when he heard Dizzy Gillespie's "Manteca" with Cuban composer/percussionist Chano Pozo that he realized his true calling in life.

Barretto plays for Charlie Parker

In 1949, when Barretto returned home from military service, he started to visit clubs and participated in jam sessions, where he perfected his conga playing. On one occasion Charlie Parker heard Barretto play and invited him to play in his band. Later, he was asked to play for José Curbelo and Tito Puente, for whom he played for four years. Barretto developed a unique style of playing the conga and soon he was sought by other jazz band leaders. Latin percussionists started to appear in jazz groups with frequency as a consequence of Barretto's musical influence.

Success with "El

In 1960, Barretto was a house musician for the Prestige, Blue Note, and Riverside labels. He also recorded on Columbia Records with Jazz flautist Herbie Mann. New York had become the center of Latin music in the United States and a musical genre called "pachanga" was the Latin music craze of the time.

In 1961, Barretto recorded his first hit, "El Watusi." He was quite successful with the song and the genre, to the point of being typecast (something that he disliked).

After recording a number of albums for the United Artists label, Barretto joined the Fania record label in 1967, and his first recording for the new label was the 1968 album Acid, an experiment joining rhythm and blues with Latin music. The album contained the song "A Deeper Shade Of Soul", which was sampled for the 1991 Billboard Hot 100 #21 hit "Deeper Shade of Soul" by Dutch band Urban Dance Squad. During this period, Adalberto Santiago was the band's lead vocalist. In 1972 Barretto's Que viva la musica was released. "Cocinando," a track from the album, opened the soundtrack of the Fania All Stars film Our Latin Thing in which Barretto had a role.

In 1973, Barretto recorded the album Indestructible, in which he played "La Familia", a song written by José Curbelo in 1953 and recorded by the sonero Carlos Argentino with the Cuban band Sonora Matancera; Tito Allen joined as new vocalist. After a number of successful albums, and just as his Afro-Cuban band had attained a remarkable following, most of its members left it to form Típica 73, a multinational "salsa" conglomerate. This left Barretto depressed and disappointed with salsa; he then redirected his efforts to jazz, while remaining as musical director of the Fania All Stars. In 1975 he released Barretto, also referred to as the Guarare album, with new vocalists Ruben Blades and Tito Gomez.

Barretto played the conga in recording sessions for the Rolling Stones and the Bee Gees. In 1975, he was nominated for a Grammy Award for the song "Barretto". From 1976 to 1978, Barretto recorded three records for Atlantic Records, and was nominated for a Grammy for Barretto Live...Tomorrow. In 1979, he recorded La Cuna for CTI records and produced a salsa record for Fania, titled Ricanstruction, which was named 1980 "Best Album" by Latin N.Y. Magazine, with Barretto crowned as Conga Player of the Year.

In 1990, Barretto won his first Grammy for the album Ritmo en el Corazón ("Rhythm in the Heart"), which featured the vocals of Celia Cruz. Also in the 1990s, a Latin agent, Chino Rodríguez, approached Barretto with a concept he also pitched to Larry Harlow. The idea was "The Latin Legends of Fania", and Barretto, Harlow, Yomo Toro, Pete "el Conde" Rodrguez, Junior González, Ismael Miranda, and Adalberto Santiago came together and formed "The Latin Legends of Fania", booked by Chino Rodríguez of Latin Music Booking.com. In 1999, Barretto was inducted into the International Latin Music Hall of Fame.

Barretto lived in New York and was an active musical producer, as well as the leader of a touring band which embarked on tours of the United States, Europe, Israel and Latin America.

Barretto died of heart failure and complications of multiple health issues on February 17, 2006 at the Hackensack University Medical Center in New Jersey. His body was flown to Puerto Rico, where Barretto was given formal honors by the Institute of Puerto Rican Culture; his remains were eventually cremated.

https://en.wikipedia.org/wiki/Ray_Barretto

Xavier Cugat • Mambo Jambo

 

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

 

///////

 

Biografía del artista
Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat 

 

 

 

 

 

 

Xavier Cugat • Merengues por Cugat

Artist Biography

Xavier Cugat was the first bandleader to front a successful Latin orchestra in the United States. He was largely responsible for popularizing Latin music among North American audiences, paving the way for such future stars as Perez Prado, and Tito Puente.

Sources differ widely on Cugat's early life and career. It seems, though, that he was born on January 1, 1900, in the Catalonian region of Spain and moved to Cuba with his family when he was only a few years of age. A child prodigy on the violin, at age 12 he earned a seat as first violin with the orchestra of the Teatro Nacional in Havana. The young Cugat also apparently struck up a friendship with famed opera singer Enrico Caruso, who brought him to America near the end of the First World War. In New York Cugat met pianist and fellow Catalonian Agusto Borgunyó. Together they formed a classical duo.

In the early 1920s Cugat decided to abandon classical for popular music. His main interest lay in Latin rhythms, and picking up on the tango craze he formed a short-lived band called the Gigolos. He spent the next few years playing odd engagements and working with such popular orchestras as those of Vincent Lopez and Phil Harris. In the late 1920s he jumped on the sound movie bandwagon and formed a new version of the Gigolos. With this group he finally achieved a modicum of success, opening at the Los Angeles Coconut Grove in 1928 and appearing in the 1929 film Mexicana.

Cugat worked in Anson Weeks' orchestra during the early 1930s before forming a new outfit of his own. He continued to lead his band throughout the 1930s and into the 1940s, spending a great deal of time at the Waldorf- Astoria Hotel in New York. Cugat also had his own radio program. In the early 1930s he had a big hit with the song ''El Manicero'' (''The Peanut Vendor''), which started a rumba craze across America. His other hits were “Perfida” in 1940, and the original recording of “Babalu” in 1944. Cugat’s band always had very fine musicians and singers, and he put on a top notch performance on stage.

He was married five times, including to two of his vocalists, Abbe Lane and in the ‘60’s to Charo, who incidentally is still capitalizing on her association with him. He used his popularity in the music business to also have a very successful film career and made scores of film 1930 to 1960. During the ‘50’s and 60’s Cugat continued performing and recording, both on the Mercury and Decca labels. He left quite a recorded history and his music is still very popular today, and always sells. He briefly had his own television program in 1957 and also spent time in Europe directing Italian television. He was also quite a talented cartoonist and his caricatures are now valued by collectors. Cugat retired from show business in 1971 after suffering a stroke. In 1978 he settled in Barcelona.

Xavier Cugat died in 1990 from heart failure.

https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

///////

Biografía del artista

Xavier Cugat fue el primer director de orquesta en liderar una exitosa orquesta latina en Estados Unidos. Fue en gran parte responsable de popularizar la música latina entre el público norteamericano, allanando el camino para futuras estrellas como Pérez Prado y Tito Puente.

Las fuentes difieren ampliamente sobre los comienzos de la vida y la carrera de Cugat. Parece, sin embargo, que nació el 1 de enero de 1900 en la región catalana de España y se trasladó a Cuba con su familia cuando sólo tenía unos pocos años de edad. Niño prodigio del violín, a la edad de 12 años obtuvo un asiento como primer violín con la orquesta del Teatro Nacional de La Habana. Al parecer, el joven Cugat también entabló una amistad con el famoso cantante de ópera Enrico Caruso, que lo trajo a América cerca del final de la Primera Guerra Mundial. En Nueva York, Cugat conoció al pianista y compatriota catalán Agusto Borgunyó. Juntos formaron un dúo clásico.

A principios de la década de 1920, Cugat decidió abandonar la música clásica por la música popular. Su interés principal residía en los ritmos latinos, y recogiendo la moda del tango formó una banda de corta duración llamada The Gigolos. Pasó los siguientes años tocando en compromisos extraños y trabajando con orquestas tan populares como las de Vincent Lopez y Phil Harris. A finales de la década de 1920 se subió al tren de las películas de sonido y formó una nueva versión de los Gigolos. Con este grupo finalmente logró un mínimo éxito, abriendo en Los Angeles Coconut Grove en 1928 y apareciendo en la película Mexicana de 1929.

Cugat trabajó en la orquesta de Anson Weeks a principios de la década de 1930 antes de formar su propio equipo. Continuó dirigiendo su banda durante los años 30 y 40, pasando mucho tiempo en el Hotel Waldorf-Astoria de Nueva York. Cugat también tenía su propio programa de radio. A principios de la década de 1930 tuvo un gran éxito con la canción ''El Manicero'' (''El Manicero''), que inició una locura de rumba en toda América. Sus otros éxitos fueron "Perfida" en 1940 y la grabación original de "Babalu" en 1944. La banda de Cugat siempre tuvo músicos y cantantes muy buenos, y él hizo una actuación de primera clase en el escenario.

Se casó cinco veces, incluyendo a dos de sus vocalistas, Abbe Lane y en los años 60 con Charo, quien por cierto sigue capitalizando su asociación con él. Utilizó su popularidad en el negocio de la música para tener también una carrera cinematográfica muy exitosa e hizo partituras de películas de 1930 a 1960. Durante los años'50 y'60 Cugat continuó tocando y grabando, tanto en los sellos Mercury como Decca. Dejó una historia bastante grabada y su música sigue siendo muy popular hoy en día, y siempre se vende. Tuvo brevemente su propio programa de televisión en 1957 y también pasó un tiempo en Europa dirigiendo la televisión italiana. También era un caricaturista con mucho talento y sus caricaturas son ahora muy apreciadas por los coleccionistas. Cugat se retiró del mundo del espectáculo en 1971 tras sufrir un derrame cerebral. En 1978 se instaló en Barcelona.

Xavier Cugat murió en 1990 de un paro cardíaco.
https://musicians.allaboutjazz.com/xaviercugat

 

 

Mongo Santamaría • Afro-American Latin

 

Review by Richie Unterberger
Santamaria recorded an entire album in March 1969 that was inspired by the Afro-Cuban religion Santeria with encouragement from producer David Rubinson. It was done, however, in an era when Santamaria was being marketed by Columbia as a jazz-pop-soul crossover artist. The label rejected the album and it was shelved until 2000, when it finally appeared as a CD. While it's a solid record, and certainly closer to Santamaria's roots than much of his Columbia work was, one would be hard-pressed to say that its failure to appear when it was first made was a tragedy. Really, it's not too much different than the less soul-pop-oriented Latin jazz Santamaria has done throughout his career. Perhaps it's at times a little looser and bolder than Santamaria was wont to be, as with Sonny Fortune's squealing alto sax lines on "Mambo Leah" or the ten-minute "Obatala," a rave-up that moves from an opening conga/bata duet through several sections into a hyper-tempo charanga. But it's not all along these lines: "Sheila" is just a mellow jazz ballad (not that there's anything wrong with that) while "Me and You Baby" and "Boogaloo Wow" are more in line with the boogaloo that was raking in the sales for Mongo and Columbia. It's nice that Mongo fans have an opportunity to hear it after the passage of 30 years, but it's difficult to say that it would have made any difference to the trajectory of his career had it appeared as Santamaria and Rubinson intended, although the success of Santana right after its cancellation might have helped draw attention to it. One of the songs, the aforementioned "Me and You Baby," did appear on the 1970 album All Strung Out; otherwise, everything else was previously unreleased. In addition, there are five bonus live tracks recorded in 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

///////

Reseña de Richie Unterberger
Santamaría grabó un álbum completo en marzo de 1969 que se inspiró en la religión afrocubana Santería con el estímulo del productor David Rubinson. Se hizo, sin embargo, en una época en que Santamaría estaba siendo comercializado por Columbia como un artista crossover de jazz-pop-soul. El sello rechazó el álbum y fue archivado hasta el año 2000, cuando finalmente apareció como un CD. Si bien es un disco sólido, y ciertamente más cercano a las raíces de Santamaría que gran parte de su trabajo en Columbia, sería difícil decir que su fracaso en aparecer cuando se hizo por primera vez fue una tragedia. En realidad, no es muy diferente del jazz latino menos orientado al soul-pop que Santamaría ha hecho a lo largo de su carrera. Tal vez sea a veces un poco más suelto y audaz de lo que Santamaría solía ser, como con las chirriantes líneas de saxo alto de Sonny Fortune en "Mambo Leah" o el "Obatala" de diez minutos, un delirio que se mueve de un dúo de conga/bata de apertura a través de varias secciones en una charanga hipertemporal. Pero no todo es en esta línea: "Sheila" es solo una suave balada de jazz (no es que haya nada de malo en eso), mientras que "Me and You Baby" y "Boogaloo Wow" están más en línea con el boogaloo que estaba acumulando ventas para Mongo y Columbia. Es bueno que los fanáticos de Mongo tengan la oportunidad de escucharlo después del paso de 30 años, pero es difícil decir que hubiera hecho alguna diferencia en la trayectoria de su carrera si hubiera aparecido como Santamaría y Rubinson pretendían, aunque el éxito de Santana justo después de su cancelación podría haber ayudado a llamar la atención sobre él. Una de las canciones, la mencionada "Me and You Baby", apareció en el álbum de 1970 All Strung Out; de lo contrario, todo lo demás era inédito. Además, hay cinco pistas extra en vivo grabadas en 1968.
https://www.allmusic.com/album/afro-american-latin-mw0000609382

Sabu Martinez • Safari With Sabu

 

The Kenny Clarke-Francy Boland Sextet • Calypso Blues

 

Afro Blues Quintet • Introducing the Afro Blues Quintet plus One

Review
by Ted Mills

An obscure album from an obscure L.A.-based jazz combo, the surprise is finding how much it swings. Possible reasons: the youthful exuberance of its then-22-year-old leader and vibesman Joe De Aguero, the clever arrangements of standards and pop tunes, the live recording (though no date or location is given). Some reasons why, on the other hand, it's not as good as it could be: a sameness to the arrangements (similar chord changes and runs in both "Liberation" and "Together" really stand out), soloing that never stakes its claim, missed opportunities to really add the "Afro" (read: African percussion) that makes up half of its name. The main ingredient here is a gospel swing that infects "Jericho" as well as an inventive take on "Walk On By." Long out of print, this album is worth hunting down. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

///////

Revisión

por Ted Mills

Un oscuro álbum de un oscuro combo de jazz con base en Los Ángeles, la sorpresa es descubrir cuánto se balancea. Posibles razones: la exuberancia juvenil de su entonces líder de 22 años y vibrante Joe De Aguero, los ingeniosos arreglos de estándares y melodías pop, la grabación en vivo (aunque no se da ninguna fecha ni lugar). Algunas de las razones por las que, por otro lado, no es tan bueno como podría ser: una uniformidad en los arreglos (un acorde similar cambia y se ejecuta tanto en "Liberation" como en "Together" realmente se destacan), un solo que nunca pone en juego su pretensión, oportunidades perdidas para realmente añadir el "Afro" (léase: percusión africana) que constituye la mitad de su nombre. El ingrediente principal aquí es un columpio evangélico que infecta a "Jericó", así como una versión inventiva de "Walk On By". Este álbum está agotado desde hace mucho tiempo y vale la pena buscarlo. http://www.allmusic.com/album/introducing-the-afro-blues-quintet-one-mw0000871970

Jackie Davis • Hammond Gone Cha-Cha

Jackie Davis (December 13, 1920 – November 2, 1999) was an American soul jazz singer, organist and bandleader. He is notable for his contributions in bringing the Hammond organ to the forefront of jazz and pop, preceding the better-known Jimmy Smith by several years.

Davis was born and grew up in Jacksonville, Florida, and started playing piano at the age of ten, before studying music at Florida A&M. He experimented with jazz on the pipe organ, before switching to the Hammond. He was influenced by Wild Bill Davis and Bill Doggett, and after a spell backing Louis Jordan, he started fronting his own jazz groups.

His solo career began in earnest after a residency at the Club Harlem in Philadelphia in 1951, and from there he began touring across the US, with the Hammond now being his trademark. He notably preceded Jimmy Smith in using the instrument in small jazz combos. Regular touring led to a recording contract with Capitol, with whom he recorded several albums. His initial sessions were on a Model B, but by the time he recorded Hi-Fi Hammond Vol.2, he had upgraded to the classic B-3.

In the 1960s, he signed to Warner Bros. Records, releasing Easy Does It as The Jackie Davis Quartet, following it up with Jackie Davis Plus Voices, which also featured the Sid Bass Chorus on backing vocals. For this album, Davis put more of an emphasis on his vocal skills, using the Hammond sparingly.

He made a brief comeback in 1980, recording a self-titled album for EMI, and making a cameo appearance in the film Caddyshack as the country club valet Porterhouse. He kept Jacksonville as his homebase and died on November 2, 1999 following a stroke.

While Davis is remembered mostly as a jazz organist, he was capable of a wide variety of styles, though he himself preferred to focus on jazz. In 1963, in an interview for the Hammond Times, he thought "the term 'jazz' is vastly overworked and misused ... Basically, jazz is a style of making music." He felt that the Hammond gave him the versatility he needed to emulate the sound of a big band in a small group. Author and Hammond enthusiast Scott Faragher feels that Davis' recorded output has been overlooked because it sounds dated, but stresses his importance in giving the Hammond recognition in the jazz and pop world should not be underestimated.

Shirley Scott stated her playing was influenced by Davis, claiming he knew "everything about the Hammond organ" and was impressed with his ability to manipulate the instrument.

///////

Jackie Davis (13 de diciembre de 1920 - 2 de noviembre de 1999) fue una cantante de soul jazz americana, organista y directora de banda. Es notable por sus contribuciones para llevar el órgano Hammond a la vanguardia del jazz y el pop, precediendo al más conocido Jimmy Smith por varios años.

Davis nació y creció en Jacksonville, Florida, y empezó a tocar el piano a los diez años, antes de estudiar música en Florida A&M. Experimentó con el jazz en el órgano de tubos, antes de cambiar al Hammond. Fue influenciado por Wild Bill Davis y Bill Doggett, y después de un tiempo apoyando a Louis Jordan, comenzó a liderar sus propios grupos de jazz.

Su carrera en solitario comenzó en serio después de una residencia en el Club Harlem de Filadelfia en 1951, y desde allí comenzó a hacer giras por todo EE.UU., siendo el Hammond su marca registrada. Precedió notablemente a Jimmy Smith en el uso del instrumento en pequeños combos de jazz. Las giras regulares lo llevaron a un contrato de grabación con Capitol, con quien grabó varios álbumes. Sus primeras sesiones fueron en un Modelo B, pero para cuando grabó el Hammond Vol.2 Hi-Fi, había mejorado al clásico B-3.

En los años 60, firmó con Warner Bros. Records, lanzando Easy Does It como The Jackie Davis Quartet, seguido de Jackie Davis Plus Voices, que también contaba con el coro de Sid Bass como coros. Para este álbum, Davis puso más énfasis en sus habilidades vocales, usando el Hammond con moderación.

Regresó brevemente en 1980, grabando un álbum autotitulado para EMI, y apareciendo en la película Caddyshack como el valet del club de campo Porterhouse. Mantuvo Jacksonville como su base de operaciones y murió el 2 de noviembre de 1999 tras un derrame cerebral.

Aunque Davis es recordado principalmente como organista de jazz, era capaz de una gran variedad de estilos, aunque él mismo prefería centrarse en el jazz. En 1963, en una entrevista para el Hammond Times, pensó que "el término 'jazz' está muy sobrecargado de trabajo y mal utilizado ... Básicamente, el jazz es un estilo de hacer música". Sintió que el Hammond le dio la versatilidad que necesitaba para emular el sonido de una gran banda en un grupo pequeño. El autor y entusiasta de Hammond, Scott Faragher, cree que la producción de Davis ha sido pasada por alto porque suena anticuada, pero subraya que no se debe subestimar su importancia para que Hammond sea reconocido en el mundo del jazz y el pop.

Shirley Scott declaró que su forma de tocar estaba influenciada por Davis, afirmando que sabía "todo sobre el órgano de Hammond" y que estaba impresionado con su capacidad para manipular el instrumento. 

VA • Nu Yorica! Culture Clash In New York City Experiments In Latin Music 1970-77

 

Review from The Guardian (CD of the Week):
An inspired selection. Soul Jazz deserve credit for delving further into the murky background of popular dance and jazz music. If ever a CD was worth buying, this is it.
https://www.theguardian.com

Review from Record Collector:
Some compilations are so influential and universally loved that they become classic albums in their own right. Just as Harry Smith cemented forever the underground sound of the US between the wars, so did the then young Soul Jazz imprint immortalise the Latin music emerging from 1970s New York with Nu Yorica! This anniversary reissue retains what was always a sensational collection of almighty Latin grooves. Make no mistake, this album is extraordinary. Infectious, revolutionary, inspirational and funkier than a mosquito's tweeter, Nu Yorica! fuses jazz, soul, funk and every kind of Latin music, all the while infusing it with the energy and freedom of the Big Apple.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

///////

Resena de The Guardian (CD de la Semana):
Una seleccion inspirada. Soul Jazz merece credito por profundizar en los oscuros antecedentes de la musica popular de baile y el jazz. Si algun dia vale la pena comprar un CD, este es el caso.
https://www.theguardian.com

Resena de Record Collector:
Algunas compilaciones son tan influyentes y universalmente amadas que se convierten en albumes clasicos por derecho propio. Asi como Harry Smith cimento para siempre el sonido underground de los EE.UU. entre guerras, el entonces joven sello Soul Jazz inmortalizo la musica latina emergente del Nueva York de los anos 70 con Nu Yorica! Esta reedicion aniversario conserva lo que siempre fue una coleccion sensacional de poderosos grooves latinos. Sin lugar a dudas, este album es extraordinario. Infeccioso, revolucionario, inspirador y mas funky que nada, Nu Yorica! fusiona jazz, soul, funk y todo tipo de musica latina, impregnandola con la energia y la libertad de la Gran Manzana.
https://recordcollectormag.com/reviews/album/nu-yorica-culture-clash-new-york-city-experiments-latin-music-1970-77

VA • Nu Yorica 2! Further Adventures In Latin Music-Chango In The New World 1976-1985

 

Willie Bobo • Juicy

Biography by Richard S. Ginell
Willie Bobo was one of the great Latin percussionists of his time, a relentless swinger on the congas and timbales, a flamboyant showman onstage, and an engaging if modestly endowed singer. He also made serious inroads into the pop, R&B and straight jazz worlds, and he always said that his favorite song was Antonio Carlos Jobim's "Dindi." Growing up in Spanish Harlem, Bobo began on the bongos at age 14, only to find himself performing with Perez Prado a year later, studying with Mongo Santamaria while serving as his translator, and joining Tito Puente for a four-year stint at age 19. Mary Lou Williams gave Correa his nickname Bobo when they recorded together in the early '50s. After working with Cal Tjader, Herbie Mann and Santamaria with whom he recorded the evergreen Latin standard "Afro-Blue" -- Bobo stepped forward in 1963 with his first recording as a leader, with Clark Terry and Joe Farrell as sidemen. Recording for Verve in the mid-'60s, Bobo achieved his highest solo visibility with albums that enlivened pop hits of the day with Latin rhythms, spelled by sauntering originals like "Spanish Grease" and "Fried Neck Bones and Some Home Fries." In addition, Bobo played on innumerable sessions in New York, recording with artists like Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton and Sonny Stitt. In 1969, he moved to Los Angeles where he led jazz and Latin jazz combos, appeared on Bill Cosby's first comedy series (1969-1971) and short-lived 1976 variety show, and recorded on his own for Sussex, Blue Note and Columbia. One of Bobo's last appearances, only three months before his death from cancer, was at the 1983 Playboy Jazz Festival where he reunited with Santamaria for the first time in 15 years.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

///////

Biografía de Richard S. Ginell
Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un incesante bailarín de congas y timbales, un extravagante showman en el escenario, y un atractivo aunque modesto cantante. También hizo serias incursiones en el mundo del pop, R&B y el jazz hetero, y siempre dijo que su canción favorita era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim. Creciendo en el Spanish Harlem, Bobo comenzó con los bongos a los 14 años, sólo para encontrarse actuando con Pérez Prado un año más tarde, estudiando con Mongo Santamaría mientras servía como su traductor, y uniéndose a Tito Puente por un período de cuatro años a la edad de 19 años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grabaron juntos a principios de los 50. Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría con quienes grabó el estándar latino siempre verde "Afro-Blue" -- Bobo dio un paso adelante en 1963 con su primera grabación como líder, con Clark Terry y Joe Farrell como acompañantes. Grabando para Verve a mediados de los 60, Bobo alcanzó su mayor visibilidad como solista con álbumes que animaron los éxitos pop del día con ritmos latinos, deletreados por originales como "Spanish Grease" y "Fried Neck Bones and Some Home Fries". Además, Bobo tocó en innumerables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se trasladó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de comedia de Bill Cosby (1969-1971) y en el efímero espectáculo de variedades de 1976, y grabó por su cuenta para Sussex, Blue Note y Columbia. Una de las últimas apariciones de Bobo, sólo tres meses antes de su muerte por cáncer, fue en el Festival de Jazz de Playboy de 1983 donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography