Eddie 'Lockjaw' Davis • Complete Recordings

 

Eddie ''Lockjaw'' Davis & Shirley Scott • Bacalao

When it came to tenor saxophonists, the late organist Shirley Scott had excellent taste. One of the big-toned tenor men she worked with extensively was Stanley Turrentine, whom she married; another was Eddie "Lockjaw" Davis. Recorded in Rudy Van Gelder's New Jersey studio in 1959, Bacalao is among the many solid hard bop/soul-jazz albums that resulted from Davis' association with Scott. The two of them enjoyed an incredibly strong rapport in the late '50s and early '60s, and they are very much in sync on Bacalao (which unites them with bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill, and two Latin percussion men: Luis Perez and salsa giant Ray Barretto). The presence of Perez and Barretto gives the album some Afro-Cuban appeal, and both of them do well by Davis and Scott -- who are in fine form whether they turn their attention to two James Moody items ("Last Train From Overbrook" and "Dobbin' With Redd Foxx") or well-known pop standards (which include "That Old Black Magic," "Sometimes I'm Happy," "When Your Lover Has Gone," and "Come Rain or Come Shine"). In the liner notes that he wrote for Bacalao in 1959 or 1960, Amiri Baraka (formerly Leroi Jones) describes "Come Rain or Come Shine" and "That Old Black Magic" as "old beat-up tunes"; even back then, those Harold Arlen standards were considered warhorses. But Baraka also goes on to say that Davis and his colleagues revitalize the songs. Organ combo soul-jazz was still new and fresh in 1959, and Scott was helping Davis find new ways to interpret very familiar melodies. Although not quite essential, Bacalao is a rewarding example of Davis' ability to thrive in an organ/tenor setting.

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Cuando se trataba de saxofonistas tenores, la difunta organista Shirley Scott tenía un excelente gusto. Uno de los grandes tenores con los que trabajó extensamente fue Stanley Turrentine, con quien se casó; otro fue Eddie "Lockjaw" Davis. Grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey en 1959, Bacalao es uno de los muchos álbumes sólidos de hard bop/soul-jazz que resultaron de la asociación de Davis con Scott. Los dos disfrutaron de una relación increíblemente fuerte a finales de los 50 y principios de los 60, y están muy sincronizados en Bacalao (que los une con el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill, y dos hombres de percusión latina: Luis Pérez y el gigante de la salsa Ray Barretto). La presencia de Pérez y Barretto le da al disco un cierto atractivo afrocubano, y a ambos les va bien por parte de Davis y Scott - que están en buena forma ya sea que pongan su atención en dos temas de James Moody ("Last Train From Overbrook" y "Dobbin' With Redd Foxx") o en estándares pop muy conocidos (que incluyen "That Old Black Magic", "Sometimes I'm Happy", "When Your Lover Has Gone" y "Come Rain or Come Shine"). En las notas de línea que escribió para Bacalao en 1959 ó 1960, Amiri Baraka (antes Leroi Jones) describe "Come Rain or Come Shine" y "That Old Black Magic" como "viejas melodías desgastadas"; incluso en aquel entonces, esos estándares de Harold Arlen se consideraban caballos de guerra. Pero Baraka también dice que Davis y sus colegas revitalizan las canciones. El soul-jazz en combinación de órganos era todavía nuevo y fresco en 1959, y Scott ayudaba a Davis a encontrar nuevas formas de interpretar melodías muy familiares. Aunque no es esencial, Bacalao es un ejemplo gratificante de la capacidad de Davis para prosperar en un entorno de órgano/tenor.

Chico Hamilton • Chico Hamilton Trio

 

Review by Michael G. Nastos
Chico Hamilton's earliest bands in a trio setting featured two fine rising stars of jazz guitar in Howard Roberts and Jim Hall. With the always exceptional George Duvivier playing bass throughout, these three-piece bands laid a foundation for many of Hamilton's more famous groups in the '60s that sported sidemen Larry Coryell and Gabor Szabo. There are hints of the hardcore jazz swing and Latin boogaloo amalgam that Hamilton would perfect, but for this compilation of recordings originally for the Pacific Jazz label, you hear his immaculate work on brushes, more prevalent than his sticks, although many tunes combine the two as he switches off. The eight tracks with the refined playing of Roberts move from a delicate, tasteful version of "Broadway," through the slow, somewhat abstract "Street of Drums," and the ballad "What Is There to Say?" But then the pace picks up with the quick "Nuttye" reinforced by backdrop scat, and the bass-led bop-to-funk "Buddy Boo," where Hamilton's developing style is emerging. Rumbling and tribal drums for the late-night "Uganda" buoys the patient guitar of Roberts, while the two-minute shortie "Lollypop" is a delicious call and response bopper. As polished as the playing of Roberts is, the sessions with the brilliant Jim Hall are the gems of the set, with all of the compositions penned by Duvivier. "Autumn Landscape" is a bit somber and regretful, while "Porch Light" reads angular à la Thelonious Monk, with the guitarist stepping up. A unique, fluid, and dynamic voice at this stage of his career, Hall holds sway in a consistent mezzo piano volume for the bop-tinged "Blues on the Rocks" before Hamilton's deft solo on brushes, but with the wire flanges plays his tom-toms in ultra melodic and inventive fashion for "Skynned Strings." An entry point recording for Chico Hamilton, it displays his savory good common sense well before being more trend- and fashion-conscious, as psychedelia and fusion took over commercialized jazz. What needs to be recognized is that Hamilton did not so much assimilate the trends, but modified and adapted his music to the sign of the times and his own unique talents. This LP represents him at a more innocent time, when jazz was not so adulterated by more popular forms, and it's a fine West Coast-style time capsule for the era.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

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Reseña de Michael G. Nastos
Las primeras bandas de Chico Hamilton en un entorno de trío presentaban a dos excelentes estrellas emergentes de la guitarra de jazz en Howard Roberts y Jim Hall. Con el siempre excepcional George Duvivier tocando el bajo en todo momento, estas bandas de tres integrantes sentaron las bases para muchos de los grupos más famosos de Hamilton en los años 60 que contaban con los acompañantes Larry Coryell y Gabor Szabo. Hay indicios de la amalgama hardcore jazz swing y Latin boogaloo que Hamilton perfeccionaría, pero para esta compilación de grabaciones originalmente para el sello Pacific Jazz, escuchas su inmaculado trabajo en pinceles, más frecuente que sus baquetas, aunque muchas melodías combinan las dos mientras se apaga. Las ocho pistas con la interpretación refinada de Roberts pasan de una versión delicada y de buen gusto de "Broadway", a través de la lenta y algo abstracta "Street of Drums" y la balada " What Is There To Say?"Pero luego el ritmo se acelera con el rápido "Nuttye" reforzado por scat de fondo, y el bajo bop - to-funk "Buddy Boo", donde está surgiendo el estilo en desarrollo de Hamilton. Los tambores retumbantes y tribales de la "Uganda" nocturna hacen flotar la guitarra paciente de Roberts, mientras que la "Piruleta" de dos minutos es un delicioso bopper de llamada y respuesta. Tan pulida como es la interpretación de Roberts, las sesiones con el brillante Jim Hall son las gemas del set, con todas las composiciones escritas por Duvivier. "Autumn Landscape" es un poco sombrío y lamentable, mientras que" Porch Light " dice angular à la Thelonious Monk, con el guitarrista dando un paso al frente. Una voz única, fluida y dinámica en esta etapa de su carrera, Hall domina un volumen consistente de piano mezzo para el "Blues on the Rocks" teñido de bop antes del hábil solo de Hamilton con los pinceles, pero con las bridas de alambre toca sus tom-toms de manera ultra melódica e inventiva para "Skynned Strings."Una grabación de punto de entrada para Chico Hamilton, muestra su sabroso buen sentido común mucho antes de ser más consciente de las tendencias y la moda, ya que la psicodelia y la fusión se apoderaron del jazz comercializado. Lo que hay que reconocer es que Hamilton no asimiló tanto las tendencias, sino que modificó y adaptó su música al signo de los tiempos y a sus propios talentos únicos. Este LP lo representa en un momento más inocente, cuando el jazz no estaba tan adulterado por formas más populares, y es una excelente cápsula del tiempo al estilo de la Costa Oeste para la época.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

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Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

Bill Harris • The Soul Of Jazz

 

This a rare and dynamic session, recorded by Rudy van Gelder in 1958, features an amazing All Stars cast. Essentially, it showcases Bill Harris playing alongside Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier and Art Taylor. These musicians truly display the essence of jazz and hence the album’s title is so very appropriate. The sound even though ripped from a well-loved old vinyl still comes across ‘alive and fresh’ even by today’s standards. The concept of this LP is masterminded by the arrangements and conducting skills of Billy Ver Plank. The choices of tunes are very complimentary and blend well, all the while giving the players plenty of room to solo. Well Recommended.

Generally speaking, the men on the date fall into either a late swing or neo-modern period, as to their particular improvisatory allegiances. Yes, all bear the same "pure" approach to their performance of jazz. Bill Harris, veteran trombone star of the 1940's and the Woody Herman band has been a "preaching" jazzman of great fame for many years. Joe wilder, the early modern trumpet star, sparkles here with his growls, his various muses, and that unbelievably pure bell-tone while blowing a modern cascade of notes. Bobby Jaspar, Belgian import who has come to fame with J.J. Johnson and other combos on both tenor and flute, he is a "wailer" who plays in the Coltrane-Sims tradition these days. Pepper Adams, deserving of his nickname, bursts fierily throughout the proceedings. He is a Detroit export who rose to fame with Kenton, and has recently led his own combo in New York City. Eddie Costa, vibist and pianist once again proves his prowess as a tasty and ever-swinging keyboard man. George Duvivier can only be described as a "Rock" in a rhythm section ... with both beat, intonation, and "life" that are impeccable. Art Taylor, a usually intrepid bopper, illustrates his quieter moods here, lapsing into the more normal "popping" style he has become noted for on two tracks. Basically, the tunes are simple harmonic changes, with tried harmony, open voiced for the horns, and usually ending with the traditional "Amen" chord resolution. The solo-work, in almost every case stays fairly close to the simple diatonic harmonies, yet conveying a combined "preaching" and "funky blues" feel. ~ Extract from Liner Notes by H. Alan Stein.

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Esta es una rara y dinámica sesión, grabada por Rudy van Gelder en 1958, con un asombroso elenco de All Stars. En esencia, muestra a Bill Harris tocando junto a Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier y Art Taylor. Estos músicos muestran la esencia del jazz y por eso el título del álbum es tan apropiado. El sonido, aunque arrancado de un viejo y querido vinilo, sigue siendo "vivo y fresco" incluso para los estándares de hoy en día. El concepto de este LP se basa en los arreglos y la dirección de Billy Ver Plank. La elección de los temas es muy complementaria y se mezclan bien, al tiempo que dan a los músicos mucho espacio para los solos. Bien recomendado.

En general, los hombres de la fecha caen en un período de swing tardío o neomoderno, en cuanto a sus lealtades particulares de improvisación. Sí, todos tienen el mismo enfoque "puro" en su interpretación del jazz. Bill Harris, veterano trombonista de los años 40 y la banda de Woody Herman ha sido un jazzista "predicador" de gran fama durante muchos años. Joe Wilder, la primera estrella de la trompeta moderna, brilla aquí con sus gruñidos, sus diversas musas y ese increíblemente puro tono de campana mientras sopla una moderna cascada de notas. Bobby Jaspar, importado de Bélgica que ha alcanzado la fama con J.J. Johnson y otros combos tanto en tenor como en flauta, es un "llorón" que toca en la tradición de Coltrane-Sims en estos días. Pepper Adams, merecedor de su apodo, irrumpe con fuerza en todo el proceso. Es un exportador de Detroit que saltó a la fama con Kenton, y recientemente ha dirigido su propio combo en la ciudad de Nueva York. Eddie Costa, vibrafonista y pianista demuestra una vez más su destreza como un sabroso teclista. George Duvivier sólo puede ser descrito como un "Rock" en una sección rítmica... con un ritmo, una entonación y una "vida" impecables. Art Taylor, un intrépido bopper, ilustra aquí sus estados de ánimo más tranquilos, cayendo en el estilo más normal de "popping" por el que se ha hecho famoso en dos temas. Básicamente, las melodías son simples cambios armónicos, con armonía probada, voz abierta para las trompas, y generalmente terminan con la tradicional resolución de acordes "Amen". El trabajo en solitario, en casi todos los casos se mantiene bastante cerca de las simples armonías diatónicas, pero transmitiendo una sensación combinada de "predicación" y "funky blues". ~ Extracto de Liner Notes de H. Alan Stein.

Joe Williams • American Blues Legends

 

 

Review
by Rovi Staff
Having the Blues Under a European Sky is a collection of some very engaging live performances Joe Williams gave in Europe in the early '70s -- a decade after embarking on a solo career. Williams had risen to fame as Count Basie's vocalist, and the first seven tracks (featuring small groups of varying personnel led by the wonderful pianist Ellis Larkins) show Williams' supreme artistry as a jazz singer. The arrangements are wide open and rich in vocal improvisation. Williams reunites with the Count Basie Orchestra on the last six tracks. These numbers find him in marvelous voice, at the top of his game, and still swinging his unique blend of sophisticated jazz blues at a time when most ears in the world were tuned to rock.
https://www.allmusic.com/album/having-the-blues-under-a-european-sky-mw0000192685

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Reseña
por Rovi Staff
Having the Blues Under a European Sky es una colección de algunas actuaciones en directo muy atractivas que Joe Williams ofreció en Europa a principios de los años 70, una década después de emprender su carrera en solitario. Williams había saltado a la fama como vocalista de Count Basie, y los primeros siete temas (con pequeños grupos de personal variable dirigidos por el maravilloso pianista Ellis Larkins) muestran el arte supremo de Williams como cantante de jazz. Los arreglos son muy abiertos y ricos en improvisación vocal. Williams se reúne con la Count Basie Orchestra en los últimos seis temas. En estos números se encuentra en una voz maravillosa, en la cima de su juego, y todavía balanceando su mezcla única de jazz blues sofisticado en un momento en que la mayoría de los oídos del mundo estaban sintonizados con el rock.
https://www.allmusic.com/album/having-the-blues-under-a-european-sky-mw0000192685

Gene Ammons • Up Tight

Artist Biography

Gene Ammons, who had a huge and immediately recognizable tone on tenor, was a very flexible player who could play bebop with the best (always battling his friend Sonny Stitt to a tie) yet was an influence on the R&B world. Some of his ballad renditions became hits and, despite two unfortunate interruptions in his career, Ammons remained a popular attraction for 25 years.

Son of the great boogie-woogie pianist Albert Ammons, Gene Ammons (who was nicknamed "Jug") left Chicago at age 18 to work with King Kolax's band. He originally came to fame as a key soloist with Billy Eckstine's orchestra during 1944-1947, trading off with Dexter Gordon on the famous Eckstine record Blowing the Blues Away. Other than a notable stint with Woody Herman's Third Herd in 1949 and an attempt at co-leading a two tenor group in the early '50s with Sonny Stitt, Ammons worked as a single throughout his career, recording frequently (most notably for Prestige) in settings ranging from quartets and organ combos to all-star jam sessions. Drug problems kept him in prison during much of 1958-1960 and, due to a particularly stiff sentence, 1962-1969. When Ammons returned to the scene in 1969, he opened up his style a bit, including some of the emotional cries of the avant-garde while utilizing funky rhythm sections, but he was still able to battle Sonny Stitt on his own terms. Ironically the last song that he ever recorded (just a short time before he was diagnosed with terminal cancer) was "Goodbye."

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Biografía del artista

Gene Ammons, que tenía un tono enorme e inmediatamente reconocible en el tenor, era un jugador muy flexible que podía tocar el bebop con los mejores (siempre luchando contra su amigo Sonny Stitt con un empate) y, sin embargo, era una influencia en el mundo del R&B. Algunas de sus interpretaciones de baladas se convirtieron en éxitos y, a pesar de dos desafortunadas interrupciones en su carrera, Ammons siguió siendo una atracción popular durante 25 años.

Hijo del gran pianista de boogie-woogie Albert Ammons, Gene Ammons (apodado "Jug") dejó Chicago a los 18 años para trabajar con la banda de King Kolax. Originalmente llegó a la fama como solista clave con la orquesta de Billy Eckstine durante 1944-1947, intercambiando con Dexter Gordon en el famoso disco de Eckstine Blowing the Blues Away. Aparte de una notable temporada con Woody Herman's Third Herd en 1949 y un intento de co-liderar un grupo de dos tenor a principios de los'50 con Sonny Stitt, Ammons trabajó como single a lo largo de su carrera, grabando frecuentemente (más notablemente para Prestige) en escenarios que iban desde cuartetos y combos de órgano hasta jam sessions de estrellas. Los problemas de drogas lo mantuvieron en prisión durante gran parte de 1958-1960 y, debido a una sentencia particularmente dura, de 1962-1969. Cuando Ammons regresó a la escena en 1969, abrió un poco su estilo, incluyendo algunos de los gritos emocionales de la vanguardia mientras utilizaba secciones rítmicas funky, pero aún así fue capaz de luchar contra Sonny Stitt en sus propios términos. Irónicamente, la última canción que grabó (poco antes de que le diagnosticaran un cáncer terminal) fue "Goodbye".

 

 

 

Tubby Hayes-Clark Terry • New York Sessions

 

Review by Scott Yanow
Tubby Hayes was a superior tenor saxophonist from England who played in the tradition of Zoot Sims and Al Cohn, with just a dash of Johnny Griffin and early John Coltrane. This CD finds Tubby holding his own with a top-notch swinging rhythm section (pianist Horace Parlan, bassist George Duvivier, and Dave Bailey) along with guests Clark Terry (on four of the ten selections) and vibraphonist Eddie Costa (on three songs). Whether it be an up-tempo rendition of "Airegin" or a tender "You're My Everything," Tubby Hayes shows that he is an underrated legend. The original six selections are joined by four equally rewarding unreleased performances.

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Reseña de Scott Yanow
Tubby Hayes era un saxofonista tenor superior de Inglaterra que tocaba en la tradición de Zoot Sims y Al Cohn, con una pizca de Johnny Griffin y el primer John Coltrane. En este CD, Tubby se defiende con una sección rítmica de primera categoría (el pianista Horace Parlan, el bajista George Duvivier y Dave Bailey) junto con los invitados Clark Terry (en cuatro de las diez selecciones) y el vibrafonista Eddie Costa (en tres canciones). Tubby Hayes demuestra que es una leyenda infravalorada, ya sea en una versión acelerada de "Airegin" o en la tierna "You're My Everything". A las seis selecciones originales se unen cuatro interpretaciones inéditas igualmente gratificantes.

Stan Getz • The Girl From Ipanema - The Bossa Nova Years 4 CDs

 

Review:

"This 4-CD box set contains nearly all of Stan Getz's classic bossa nova sessions, five wonderful yet diverse LPs (Jazz Samba, Big Band Bossa Nova, Jazz Samba Encore, Stan Getz/Laurindo Almeida, and Getz/Gilberto). The cool-toned tenor is heard on his groundbreaking collaboration with guitarist Charlie Byrd (which resulted in the best-selling "Desafinado"), is showcased with a big band arranged by Gary McFarland (introducing "No More Blues" and "One Note Samba"), stars in recordings with guitarists Laurindo Almeida and Luiz Bonfa, and is heard at the famous meeting with composer/pianist Antonio Carlos Jobim, guitarist João Gilberto, and singer Astrud Gilberto, which resulted in the major hit "The Girl From Ipanema." This essential set finishes off with three previously unissued performances from a 1964 Carnegie Hall Concert, concluding with a remake of "The Girl From Ipanema." These recordings stand as proof that it is possible for good music to sell."

Scott Yanow -All Music Guide

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Revisar:

"Este set de 4 CDs contiene casi todas las sesiones clásicas de bossa nova de Stan Getz, cinco maravillosos y diversos LPs (Jazz Samba, Big Band Bossa Nova, Jazz Samba Encore, Stan Getz/Laurindo Almeida, y Getz/Gilberto). El tenor de tono fresco se escucha en su innovadora colaboración con el guitarrista Charlie Byrd (que resultó en el éxito de ventas "Desafinado"), y se presenta con una gran banda arreglada por Gary McFarland (presentando "No More Blues" y "One Note Samba"), es protagonista en grabaciones con los guitarristas Laurindo Almeida y Luiz Bonfa, y se escucha en el famoso encuentro con el compositor y pianista Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y el cantante Astrud Gilberto, que dio como resultado el gran éxito "The Girl From Ipanema"." Este conjunto esencial se completa con tres actuaciones inéditas de un concierto en el Carnegie Hall de 1964, y concluye con un remake de "The Girl From Ipanema". Estas grabaciones son la prueba de que es posible que la buena música se venda".

Scott Yanow -All Music Guide

freshsoundrecords.com ...  

Mundell Lowe • Themes From Mr. Lucky The Untouchables And Other TV Action Jazz

 

 

Born in Laurel, Mississippi, Mundell left home at the age of thirteen. After working in Nashville, he found his way to Bourbon Street in New Orleans and the beginning of his jazz career. While serving in World War Il, he met the influential John Hammond, who introduced him to Ray McKinley. Mundell worked with McKinley’s band for a year and a half, developing his distinctive instrumental style, and then moved on to work in New York at Café Society and stints at the Village Vanguard and The Embers, among others. Mundell worked with Billie Holiday, Lester Young, Charlie Parker, Helen Humes and Charles Mingus, to name but a few. These gigs overlapped with an early morning TV show at NBC with Cy Coleman, “A Date in Manhattan,” and later “The Kate Smith Hour” with Stan Getz, Doc Severinsen, and Kai Winding.

From the early fifties to the mid-Sixties, he was an active performer, working with George Duvivier on bass and Ed Shaughnessy on drums in Dave Garroway’s “Today Show” studio band. He also played with the extraordinary pianist Hank Jones when they both worked in the NBC and CBS orchestras of the early Fifties. After seventeen years at NBC as a guitarist and arranger, Lowe was transferred to the News and Special Events Department to work as a composer.

Mundell moved to Los Angeles, California, Christmas 1965 actually, he left to visit some friends, and never went back to New York! He met Jackie Cooper, then-head of Screen Gems, and began the West Coast phase of his career composing music for some of their television and film properties. Lowe augmented his TV and film work with making his own LPs as well as two successful projects with noted singers Sarah Vaughan (‘After Hours”) and Carmen McRae (‘Bittersweet”).

Even though he had made special appearances with Peggy Lee and the White House, toured Japan with Benny Carter several times, and was a regular performer at the Monterey Jazz Festival, Mundell found he was spending more time writing than playing, which he found frustrating. He made up his mind to turn that around and, during the 1980s, he stepped out of the studio world of film and television and returned to performing, the first love of his long and rich musical career.

Mundell's current schedule is no less active. In the last few years he has traveled the globe as a concert performer, worked the States with his own quintet, and has made several trips to New York to work with Ron Carter, Al Foster, Bill Mays, and Ray Drummond. He tours with the André Previn Trio (composed of Previn, the late Ray Brown, and Lowe), as well as the Great Guitars with the late Charlie Byrd, Herb Ellis, and Tal Farlow. Mundell also has been busy in recording studios lately, having recorded two albums for Telarc with the André Previn Trio, one for Phillips with Kiri Te Kanawa, and two albums for Fresh Sounds with Teté Montoliu.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mundell-lowe

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Nacido en Laurel, Mississippi, Mundell se fue de casa a los trece años. Después de trabajar en Nashville, encontró el camino hacia la calle Bourbon de Nueva Orleans y el comienzo de su carrera en el mundo del jazz. Mientras servía en la Segunda Guerra Mundial, conoció al influyente John Hammond, que le presentó a Ray McKinley. Mundell trabajó con la banda de McKinley durante un año y medio, desarrollando su distintivo estilo instrumental, y luego pasó a trabajar en Nueva York en el Café Society y a pasar por el Village Vanguard y The Embers, entre otros. Mundell trabajó con Billie Holiday, Lester Young, Charlie Parker, Helen Humes y Charles Mingus, entre otros. Estas actuaciones se solaparon con un programa de televisión matinal en la NBC con Cy Coleman, "A Date in Manhattan", y más tarde con "The Kate Smith Hour" con Stan Getz, Doc Severinsen y Kai Winding.

Desde principios de los cincuenta hasta mediados de los sesenta, fue un intérprete activo, trabajando con George Duvivier al bajo y Ed Shaughnessy a la batería en la banda de estudio del "Today Show" de Dave Garroway. También tocó con el extraordinario pianista Hank Jones cuando ambos trabajaban en las orquestas de la NBC y la CBS a principios de los cincuenta. Tras diecisiete años en la NBC como guitarrista y arreglista, Lowe fue trasladado al Departamento de Noticias y Eventos Especiales para trabajar como compositor.

Mundell se trasladó a Los Ángeles, California, en realidad en la Navidad de 1965, se fue a visitar a unos amigos y nunca volvió a Nueva York. Conoció a Jackie Cooper, entonces jefe de Screen Gems, y comenzó la fase de la Costa Oeste de su carrera componiendo música para algunas de sus propiedades televisivas y cinematográficas. Lowe complementó su trabajo en televisión y cine con la realización de sus propios LPs, así como con dos exitosos proyectos con las conocidas cantantes Sarah Vaughan ("After Hours") y Carmen McRae ("Bittersweet").

Aunque había hecho apariciones especiales con Peggy Lee y la Casa Blanca, había hecho varias giras por Japón con Benny Carter y era un intérprete habitual en el Festival de Jazz de Monterey, Mundell se dio cuenta de que pasaba más tiempo escribiendo que tocando, lo que le resultaba frustrante. Decidió dar un giro a la situación y, durante la década de 1980, abandonó el mundo de los estudios de cine y televisión y volvió a la interpretación, el primer amor de su larga y rica carrera musical.

La agenda actual de Mundell no es menos activa. En los últimos años ha viajado por todo el mundo como concertista, ha trabajado en Estados Unidos con su propio quinteto y ha realizado varios viajes a Nueva York para trabajar con Ron Carter, Al Foster, Bill Mays y Ray Drummond. Realiza giras con el André Previn Trio (compuesto por Previn, el difunto Ray Brown y Lowe), así como con el Great Guitars con el difunto Charlie Byrd, Herb Ellis y Tal Farlow. Mundell también ha estado ocupado en los estudios de grabación últimamente, habiendo grabado dos álbumes para Telarc con el André Previn Trio, uno para Phillips con Kiri Te Kanawa, y dos álbumes para Fresh Sounds con Teté Montoliu.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mundell-lowe

Clark Terry • It's What's Happenin' - The Varitone Sound Of Clark Terry

 

Shirley Scott • Soul Sister

 

 Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Eddie ''Lockjaw Davis'' - Buddy Tate - Coleman Hawkins - Arnett Cobb • Very Saxy

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis and his quartet (which includes organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill) welcome three immortal tenors (Coleman Hawkins, Arnett Cobb and Buddy Tate) to what became a historic and hard-swinging jam session. On three blues, an original based on the chord changes of "Sweet Georgia Brown" and "Lester Leaps In," the four tenors battle it out and the results are quite exciting. The spirited music on this memorable LP will hopefully be reissued on CD eventually, for the performances live up to their great potential.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Eddie "Lockjaw" Davis y su cuarteto (que incluye a la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill) dan la bienvenida a tres tenores inmortales (Coleman Hawkins, Arnett Cobb y Buddy Tate) en lo que se convirtió en una jam session histórica y llena de fuerza. En tres blues, uno original basado en los cambios de acordes de "Sweet Georgia Brown" y "Lester Leaps In", los cuatro tenores se enfrentan y los resultados son bastante emocionantes. Es de esperar que la animada música de este memorable LP se reedite en CD, ya que las interpretaciones están a la altura de su gran potencial.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

Vic Dickenson • Ding Dong

 

Review by Scott Yanow
This 1999 CD reissue brings back an earlier LP (simply titled Vic Dickenson Quintet), adding three previously unheard alternate takes to the original eight-song program. A sideman during most of his career, the great trombonist Dickenson had several opportunities to record as a leader during 1974-76. Dickenson, tenor-saxophonist Buddy Tate (who plays baritone on "Penthouse Serenade"), pianist Red Richards, bassist George Duvivier and drummer Oliver Jackson perform seven standards (which include such offbeat choices as "Isle of Golden Dreams," "Black Bottom" and "Five O'Clock Whistle") plus Vic's "Ding Dong." Dickenson's sly wit is very much in evidence on this strong set, the trombone/tenor blend is quite appealing and the date is easily recommended to small group swing collectors.
https://www.allmusic.com/album/ding-dong-mw0000033777

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Reseña de Scott Yanow
Esta reedición en CD de 1999 recupera un LP anterior (titulado simplemente Vic Dickenson Quintet), añadiendo tres tomas alternativas inéditas al programa original de ocho canciones. Acompañante durante la mayor parte de su carrera, el gran trombonista Dickenson tuvo varias oportunidades de grabar como líder durante 1974-76. Dickenson, el tenor-saxofonista Buddy Tate (que toca el barítono en "Penthouse Serenade"), el pianista Red Richards, el bajista George Duvivier y el baterista Oliver Jackson interpretan siete estándares (que incluyen opciones tan poco convencionales como "Isle of Golden Dreams", "Black Bottom" y "Five O'Clock Whistle") más "Ding Dong" de Vic. El ingenio astuto de Dickenson está muy presente en este sólido conjunto, la mezcla de trombón y tenor es bastante atractiva y la fecha es fácilmente recomendable para los coleccionistas de swing de grupos pequeños.
https://www.allmusic.com/album/ding-dong-mw0000033777

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist

The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.

In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.

Press reviews

"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

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El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.

En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.

Reseñas de prensa

"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow

 

  

Bud Powell • Piano Interpretations

Artist Biography

One of the giants of the jazz piano, Bud Powell changed the way that virtually all post-swing pianists play their instruments. He did away with the left-hand striding that had been considered essential earlier and used his left hand to state chords on an irregular basis. His right often played speedy single-note lines, essentially transforming Charlie Parker's vocabulary to the piano (although he developed parallel to "Bird").

Tragically, Bud Powell was a seriously ill genius. After being encouraged and tutored to an extent by his friend Thelonious Monk at jam sessions in the early '40s, Powell was with Cootie Williams' orchestra during 1943-1945. In a racial incident, he was beaten on the head by police; Powell never fully recovered and would suffer from bad headaches and mental breakdowns throughout the remainder of his life. Despite this, he recorded some true gems during 1947-1951 for Roost, Blue Note, and Verve, composing such major works as "Dance of the Infidels," "Hallucinations" (also known as "Budo"), "Un Poco Loco," "Bouncing with Bud," and "Tempus Fugit." Even early on, his erratic behavior resulted in lost opportunities (Charlie Parker supposedly told Miles Davis that he would not hire Powell because "he's even crazier than me!"), but Powell's playing during this period was often miraculous.

A breakdown in 1951 and hospitalization that resulted in electroshock treatments weakened him, but Powell was still capable of playing at his best now and then, most notably at the 1953 Massey Hall Concert. Generally in the 1950s his Blue Notes find him in excellent form, while he is much more erratic on his Verve recordings. His warm welcome and lengthy stay in Paris (1959-1964) extended his life a bit, but even here Powell spent part of 1962-1963 in the hospital. He returned to New York in 1964, disappeared after a few concerts, and did not live through 1966.

In later years, Bud Powell's recordings and performances could be so intense as to be scary, but other times he sounded quite sad. However, his influence on jazz (particularly up until the rise of McCoy Tyner and Bill Evans in the 1960s) was very strong and he remains one of the greatest jazz pianists of all time.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/bud-powell-mn0000640675/biography

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Biografía del artista

Uno de los gigantes del piano de jazz, Bud Powell cambió la forma en que prácticamente todos los pianistas de post-swing tocan sus instrumentos. Eliminó la zancada de la mano izquierda que antes se consideraba esencial y usó su mano izquierda para establecer acordes de forma irregular. Su mano derecha tocaba a menudo rápidas líneas de una sola nota, transformando esencialmente el vocabulario de Charlie Parker al piano (aunque se desarrolló en paralelo a "Bird").

Trágicamente, Bud Powell era un genio gravemente enfermo. Después de haber sido alentado y tutelado hasta cierto punto por su amigo Thelonious Monk en las jam sessions a principios de los 40, Powell estuvo con la orquesta de Cootie Williams durante 1943-1945. En un incidente racial, fue golpeado en la cabeza por la policía; Powell nunca se recuperó del todo y sufriría de fuertes dolores de cabeza y crisis mentales durante el resto de su vida. A pesar de esto, grabó algunas verdaderas joyas durante 1947-1951 para Roost, Blue Note y Verve, componiendo obras importantes como "Danza de los infieles", "Alucinaciones" (también conocida como "Budo"), "Un Poco Loco", "Rebotando con brote" y "Tempus Fugit". Incluso al principio, su comportamiento errático resultó en oportunidades perdidas (Charlie Parker supuestamente le dijo a Miles Davis que no contrataría a Powell porque "¡está aún más loco que yo!"), pero la actuación de Powell durante este período fue a menudo milagrosa.

Una crisis nerviosa en 1951 y una hospitalización que resultó en tratamientos de electrochoque lo debilitaron, pero Powell todavía era capaz de tocar en su mejor momento de vez en cuando, sobre todo en el concierto de Massey Hall de 1953. Generalmente en la década de 1950 sus Blue Notes lo encuentran en excelente forma, mientras que es mucho más errático en sus grabaciones de Verve. Su cálida bienvenida y su larga estancia en París (1959-1964) alargó un poco su vida, pero incluso aquí Powell pasó parte de 1962-1963 en el hospital. Regresó a Nueva York en 1964, desapareció después de algunos conciertos, y no vivió hasta 1966.

En años posteriores, las grabaciones y actuaciones de Bud Powell podían ser tan intensas que daban miedo, pero otras veces sonaba bastante triste. Sin embargo, su influencia en el jazz (sobre todo hasta el ascenso de McCoy Tyner y Bill Evans en la década de 1960) fue muy fuerte y sigue siendo uno de los más grandes pianistas de jazz de todos los tiempos.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/bud-powell-mn0000640675/biography

Nat Adderley • Sayin' Somethin'

 

Review
by Scott Yanow
Cornetist Nat Adderley was at the peak of his powers in the mid-1960's. This Atlantic issue has four quintet numbers with tenor-saxophonist Joe Henderson (three also feature pianist Herbie Hancock) plus four tunes in which Nat is part of an 11-piece group. He plays quite well on such songs as "Cantaloupe Island," "Hippodelphia," "Gospellete" and even the then-current pop tune "Call Me," making this set one to search for.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948

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Revisión
por Scott Yanow
El cornetista Nat Adderley estaba en la cima de sus poderes a mediados de los años 60. Esta edición de Atlantic tiene cuatro números de quinteto con el tenor-saxofonista Joe Henderson (tres también cuentan con el pianista Herbie Hancock) más cuatro melodías en las que Nat es parte de un grupo de 11 piezas. Toca muy bien canciones como "Cantaloupe Island", "Hippodelphia", "Gospellete" e incluso el tema pop de entonces "Call Me", lo que hace que este conjunto sea uno de los que hay que buscar.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948

Paul Desmond • Take Ten

Review by Richard S. Ginell

Now listeners enter the heart of the Paul Desmond/Jim Hall sessions, a great quartet date with Gene Cherico manning the bass (Gene Wright deputizes on the title track) and MJQ drummer Connie Kay displaying other sides of his personality. Everyone wanted Desmond to come up with a sequel to the monster hit "Take Five"; and so he did, reworking the tune and playfully designating the meter as 10/8. Hence "Take Ten," a worthy sequel with a solo that has a Middle-Eastern feeling akin to Desmond's famous extemporaneous excursion with Brubeck in "Le Souk" back in 1954. It was here that Desmond also unveiled a spin-off of the then-red-hot bossa nova groove that he called "bossa antigua" (a sardonic play-on-words meaning "old thing", which laid the ground for Desmond's next album and a few more later in the decade. Two of the best examples are his own tunes, the samba-like "El Prince" (named after arranger Bob Prince), an infectious number with on-the-wing solo flights that you can't get out of your head, and the haunting "Embarcadero." Hall now gets plenty of room to stretch out, supported by Kay's gently dropped bombs, and he is the perfect understated swinging foil for the wistful altoist. There is not a single track here that isn't loaded with ingeniously worked out, always melodic ideas.

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Traducción Automática:

Revisión por Richard S. Ginell
Ahora los oyentes entran en el corazón de las sesiones de Paul Desmond / Jim Hall, una gran cita con Gene Cherico manejando el bajo (Gene Wright actúa en la pista del título) y la baterista de MJQ, Connie Kay, muestra otros aspectos de su personalidad. Todos querían que Desmond propusiera una secuela del monstruo "Take Five"; y así lo hizo, reelaborando la melodía y designando juguetonamente el medidor como 10/8. De ahí "Take Ten", una digna secuela con un solo que tiene un sentimiento de Medio Oriente similar a la famosa excursión extemporánea de Desmond con Brubeck en "Le Souk" en 1954. Fue aquí donde Desmond también dio a conocer un spin-off del entonces -dirigió el ritmo de bossa nova que él llamó "bossa antigua" (una sardónica palabra de juego que significa "cosa antigua", que sentó las bases para el próximo álbum de Desmond y algunos más más adelante en la década. Dos de los mejores ejemplos son sus propias melodías, el samba "El Prince" (llamado así por el arreglista Bob Prince), un número contagioso con vuelos en solitario en el ala que no puedes salir de tu cabeza, y el inquietante "Embarcadero". Hall ahora tiene un montón de espacio para estirarse, apoyado por las bombas caídas de Kay, y es el perfecto y discreto balanceo para el nostálgico altoista. No hay una sola pista aquí que no esté cargada de ideas ingeniosas, siempre melódicas. .

Clark Terry & Chico O'Farrill ‎• Spanish Rice

Review by Ken Dryden

Clark Terry joined forces with Cuban bandleader Chico O'Farrill for these 1966 studio session, which consist almost exclusively of Latin tunes. Although there are a number of all-stars present in addition to Terry, including trumpeters Joe Newman, Ernie Royal, and Snooky Young, along with guitarists Everett Barksdale and Barry Galbraith, the solos are all by Terry, so there is little interaction in these brief charts. Terry is in top form, as always, with his rich flügelhorn in "Angelitos Negros" and his fat-toned trumpet in an original blues called "Joonji." Terry and O'Farrill collaborated on the narrative comic original "Spanish Rice," though it isn't particularly memorable. Terry's modification of the lyrics to "Happiness Is" salutes a number of fellow jazz greats (particularly his impression of Louis Armstrong's singing), though the anonymous vocal group that accompanies him is quite forgettable. This is a fun recording that had the potential to be a memorable one, but it falls a bit short.

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Reseña de Ken Dryden

Clark Terry unió fuerzas con el director de la banda cubana Chico O'Farrill para estas sesiones de estudio de 1966, que consisten casi exclusivamente en melodías latinas. Aunque hay un número de estrellas presentes además de Terry, incluyendo a los trompetistas Joe Newman, Ernie Royal y Snooky Young, junto con los guitarristas Everett Barksdale y Barry Galbraith, los solos son todos de Terry, por lo que hay poca interacción en estas breves listas. Terry está en plena forma, como siempre, con su rico flügelhorn en "Angelitos Negros" y su trompeta de tono gordo en un blues original llamado "Joonji". Terry y O'Farrill colaboraron en el cómic narrativo original "Arroz español", aunque no es particularmente memorable. La modificación que Terry hizo de la letra de "La felicidad es" saluda a varios compañeros grandes del jazz (particularmente su impresión del canto de Louis Armstrong), aunque el grupo vocal anónimo que lo acompaña es bastante olvidable. Esta es una grabación divertida que tenía el potencial de ser memorable, pero se queda corta.

Gene Ammons • Night Lights

 

Review
by Scott Yanow
One of his first recording sessions after he returned to the scene following a rather severe jail sentence was this tribute to Nat King Cole. As it turned out, the quartet date with pianist Wynton Kelly, bassist George Duvivier and drummer Rudy Collins was quickly forgotten as Ammons recorded some more commercial material and this set was not released for the first time until 1985. Ammons is in excellent form on such ballads as "Nature Boy," "Lush Life," "Sweet Lorraine" and "The Christmas Song," making one wish that the contents of this LP were available on CD.
https://www.allmusic.com/album/night-lights-mw0000902109

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Revisión
por Scott Yanow
Una de sus primeras sesiones de grabación después de volver a la escena tras una condena de cárcel bastante severa fue este homenaje a Nat King Cole. Resultó que la cita del cuarteto con el pianista Wynton Kelly, el bajista George Duvivier y el baterista Rudy Collins fue rápidamente olvidada ya que Ammons grabó material más comercial y este set no se publicó por primera vez hasta 1985. Ammons está en excelente forma en baladas como "Nature Boy", "Lush Life", "Sweet Lorraine" y "The Christmas Song", haciendo que uno desee que el contenido de este LP esté disponible en CD.
https://www.allmusic.com/album/night-lights-mw0000902109