Arnett Cobb with the Red Garland Trio • Sizzling & Blue And Sentimental

 

Shirley Scott-Don Patterson-Lockjaw Davis • Stompin'

 

Sonny Stitt With Hank Jones Trio • Good Life

 

Johnny Hodges • Previously Unreleased Recordings

Not much of a cover and title, but a great lost slice of Verve from the early 60s – with Hodges on alto, and Lalo Schifrin on piano and Barry Galbraith on guitar – a pretty groovy group!

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Traducción Automática:
No mucho de una portada y título, pero una gran rebanada perdida de Verve de los años 60 tempranos - con Hodges en alto, y Lalo Schifrin en el piano y Barry Galbraith en la guitarra - un grupo bastante maravilloso!

Sonny Clark Trio • The 1960 Time Sessions With George Duvivier and Max Roach

 

Sonny Clark's reputation as one of the finest jazz pianists of his era has grown in recent years, with many folks rediscovering his classic Blue Note recordings like 'Cool Struttin', 'Dial 'S' for Sonny', 'Leapin' and Lopin', as well as session work with Lee Morgan, Grant Green and others. Cut down by heroin addiction at age 31 in 1961, Clark's legacy continues to expand.

The Time sessions were produced by the late Bob Shad, owner of Time and Mainstream Records. The reissue includes the original Time album re-mastered from the original tapes by Dave Donnelly, plus an extra disc of alternate takes previously unavailable on vinyl. Nat Hentoff wrote the original liner notes, included in the reissue package, and former New York Times critic Ben Ratliff contributes a new 3500-word essay. The 2LP set was produced for reissue by Mia Apatow (Time Records) and Josh Rosenthal (Tompkins Square).

(This download contains the original album, Sonny Clark Trio - Time T-70010 (1960), remastered. 2CD and 2LP versions on Tompkins Square, both out of print, contain the original album plus previously unreleased alternate takes)

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La reputación de Sonny Clark como uno de los mejores pianistas de jazz de su época ha crecido en los últimos años, y mucha gente ha redescubierto sus grabaciones clásicas para Blue Note, como «Cool Struttin'», «Dial “S” for Sonny» y «Leapin' and Lopin'», así como su trabajo en sesiones con Lee Morgan, Grant Green y otros. Fallecido a los 31 años en 1961 a causa de su adicción a la heroína, el legado de Clark sigue creciendo.

Las sesiones de Time fueron producidas por el difunto Bob Shad, propietario de Time y Mainstream Records. La reedición incluye el álbum original de Time remasterizado a partir de las cintas originales por Dave Donnelly, además de un disco extra con tomas alternativas que no estaban disponibles anteriormente en vinilo. Nat Hentoff escribió las notas originales del libreto, incluidas en el paquete de la reedición, y el antiguo crítico del New York Times Ben Ratliff contribuye con un nuevo ensayo de 3500 palabras. El conjunto de 2 LP fue producido para su reedición por Mia Apatow (Time Records) y Josh Rosenthal (Tompkins Square).

(Esta descarga contiene el álbum original, Sonny Clark Trio - Time T-70010 (1960), remasterizado. Las versiones en 2 CD y 2 LP de Tompkins Square, ambas descatalogadas, contienen el álbum original más tomas alternativas inéditas).

Eddie 'Lockjaw' Davis • Jaws In Orbit ׀ The Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook

Edward Davis nació el 2 de marzo de 1922, en Nueva York. Músico autodidacta, comenzó su carrera profesional en Harlem ocho meses después de la compra de su primer saxofón y a finales de los años 30 ya trabajaba regularmente en la Clark Monroe's Uptown House. A pesar de la estrecha relación que mantendría con el bebop unos años más tarde, su estilo estaba firmemente arraigado en el blues y el swing. De hecho, sus primeras interpretaciones muestran una afinidad con el duro estilo de tocar el saxo tenor de la escuela tejana. A principios de los años 40, además de liderar sus propios pequeños grupos, Davis trabaja con grandes bandas lideradas por Cootie Williams, Lucky Millinder, Andy Kirk y Louis Armstrong.

En 1952, Davis comienza a trabajar con la banda de Count Basie, teniendo un papel protagonista en muchas de sus formaciones. "En un momento en que la banda de Basie necesitaba una enorme personalidad en sus filas", señala la Illustrated Encyclopedia of Jazz, "Jaws asumió ese papel, y los temas en los que aparecen sus solos, 'Flight of the Foo Birds' y 'After Supper' ( The Atomic Mr. Basie), resaltan por su vigor y entusiasmo ". Tal como comentaría el crítico Leonard Feather en Los Angeles Times, "La banda de Count Basie era virtualmente una escuela para solistas ... que produjo algunos de los sonidos individuales en el jazz más duraderos". Su relación con la banda de Count Basie se prolongaría a lo largo de los años, ya que volvería a incorporarse a la banda en los 60 y, más tarde, a principios de los 70. Con Basie, Davis muestra una amplia gama musical, lo que le permite salir de cualquier situación tocando a su aire. Además, su forma de interpretar las baladas, influenciada por Ben Webster, florece y desarrolla una inventiva y un tono inspirados por el legendario Coleman Hawkins. "Davis aporta a la banda de Basie vigor y tenacidad, un magnífico envoltorio para el mecanismo de precisión que es la sección rítmica de Basie".

Su debut discográfico, Modern Jazz Expression, tiene lugar en 1955. Davis también obtuvo un alto reconocimiento en sus actuaciones como líder de un quinteto de jazz con raices en el blues, en el que la estructura típica de los grupos con órgano se veía modificada al prescindir de la guitarra y sustituirla por el bajo, lo que dotaba a su música de una mayor flexibilidad rítmica. El grupo lo componen Shirley Scott al órgano, George Duvivier al bajo, Arthur Edgehill a la batería y Jerome Richardson al saxo y la flauta. El debut discográfico del grupo, "Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook Volumen 1", fue seguido por "Smokin'", dos volúmenes más de la serie Cookbook, y "Jaws" (grabado sin Richardson), todos ellos grabados en 1958. "Jaws In Orbit", con el trombonista Steve Pulliam, aparece en 1959, el mismo año en que Davis grabó el aclamado "Gentle Jaws", un álbum que también incluye una sesión con el trío del pianista Red Garland, el bajista Sam Jones y el baterista Taylor Arthur.

La grabación de "Trane Whistle" en 1960, acompañado de una big band y con arreglos de Oliver Nelson y Ernie Wilkins, le permite obtener mayor reconocimiento. Un año más tarde publica "Afro-Jaws", una incursión en cuarteto en la música latina que cuenta con la presencia de Ray Barrtetto, así como con una sección de trompetas, con Clark Terry a la cabeza, en dos de los temas.

En la década de los 60 se produce su asociación con el saxofonista Johnny Griffin, dando lugar a una decena de excelentes discos donde se mezclan mainstream y bebop, y en los que, como combates de boxeo, ambos saxofonistas desarrollan incruentas batallas musicales. Ambos tenores eran de diferente temperamento, tanto musical como emocionalmente (Davis interpreta con el ardor que aprendió con Basie y era conocido por su carácter atento, irónico y reservado, mientras que Griffin, que había tocado con Lionel Hampton, Art Blakey y Thelonius Monk, era extrovertido y jovial), pero sus ideas se complementaban y hacía que ambos mejoraran. Como Davis explicaría a J. Robert Bragonier en su web 52 Street Jazz: "Lo que estamos haciendo es presentar, uno al lado del otro, dos estilos diferentes de tocar el tenor - una comparación, no un concurso". Entre sus grabaciones destacan "Tough Tenors", "Battle Stations" (1960), "Griff & Lock" y "Blues Up and Down" (1961).

Davis siguió grabando durante la década de los 70, realizando "Straight Ahead" en 1976 con el trío de Tommy Flanagan y "Montreux 77" grabado el año siguiente con un cuarteto en el que figuraban Oscar Peterson en el piano, Ray Brown en el bajo, y Jimmie Smith en la batería. Ambos álbumes recibieron elogios por parte de los críticos. En sus últimos años, Davis trabajó a menudo con el trompetista Harry 'Sweets' Edison. Además de realizar grabaciones en estudio, iban juntos de gira durante meses, cogiendo músicos locales para completar el grupo. Davis mantuvo su actividad musical hasta el momento de su muerte, acaecida como consecuencia de un cáncer el 3 de noviembre de 1986, en el hospital de Culver City, California.

Existen varias versiones sobre la forma en que Eddie "Lockjaw" Davis obtuvo su apodo. Algunos sostienen que adoptó el mote en una de sus primeras sesiones de grabación, mientras buscaba títulos para sus composiciones; "Lockjaw", en consecuencia, se convirtió no sólo en el nombre de un tema, sino también en una parte importante de sí mismo. Otros apuntan a la costumbre de Davis de apretar su saxo tenor con la boca como la razón por la cual surgió su apodo. Pero independientemente de la causa, Davis se convirtió para muchos en la quintaesencia del saxofonista de jazz straight-ahead. Su sonido (agresivo, con un gran tono y bluesístico, pero también capaz de una gran sensibilidad) hizo de él un músico muy imitado. Es uno de los pocos intérpretes que han desarrollado un sonido personal inconfundible. Eddie 'Lockjaw' Davis, fue uno de los grandes instrumentistas del saxo tenor en el jazz y poseía un sonido inconfundible amén de un espléndido dominio del blues.

Fuente: http://musicadesdelasantipodas.blogspot.com.ar/2009/07/eddie-lockjaw-davis.html

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Artist Biography by Scott Yanow

Possessor of a cutting and immediately identifiable tough tenor tone, Eddie "Lockjaw" Davis could hold his own in a saxophone battle with anyone. Early on, he picked up experience playing with the bands of Cootie Williams (1942-1944), Lucky Millinder, Andy Kirk (1945-1946), and Louis Armstrong. He began heading his own groups from 1946 and Davis' earliest recordings as a leader tended to be explosive R&B affairs with plenty of screaming from his horn; he matched wits successfully with Fats Navarro on one session. Davis was with Count Basie's Orchestra on several occasional (including 1952-1953, 1957, and 1964-1973) and teamed up with Shirley Scott's trio during 1955-1960. During 1960-1962, he collaborated in some exciting performances and recordings with Johnny Griffin, a fellow tenor who was just as combative as Davis. After temporarily retiring to become a booking agent (1963-1964), Davis rejoined Basie. In his later years, Lockjaw often recorded with Harry "Sweets" Edison and he remained a busy soloist up until his death. Through the decades, he recorded as a leader for many labels, including Savoy, Apollo, Roost, King, Roulette, Prestige/Jazzland/Moodsville, RCA, Storyville, MPS, Black & Blue, Spotlite, SteepleChase, Pablo, Muse, and Enja.

Eric Dolphy • Out There

 

Review by Michael G. Nastos  
The follow-up album to Outward Bound, Eric Dolphy's second effort for the Prestige/New Jazz label (and later remastered by Rudy Van Gelder) was equally praised and vilified for many reasons. At a time when the "anti-jazz" tag was being tossed around, Dolphy's nonlinear, harshly harmonic music gave some critics grist for the grinding mill. A second or third listen to Dolphy's music reveals an unrepentant shadowy side, but also depth and purpose that were unprecedented and remain singularly unique. The usage of bassist George Duvivier and cellist Ron Carter (an idea borrowed from Dolphy's days with Chico Hamilton) gives the music its overcast color base, in many ways equally stunning and uninviting. Dolphy's ideas must be fully embraced, taken to heart, and accepted before listening. The music reveals the depth of his thought processes while also expressing his bare-bones sensitive and kind nature. The bluesy "Serene," led by Carter alongside Dolphy's bass clarinet, and the wondrous ballad "Sketch of Melba" provide the sweetest moments, the latter tune identified by the fluttery introspective flute of the leader, clearly indicating where latter-period musicians like James Newton initially heard what would form their concept. Three pieces owe alms to Charles Mingus: his dark, moody, doleful, melodic, and reluctant composition "Eclipse"; the co-written (with Dolphy) craggy and scattered title track featuring Dolphy's emblematic alto held together by the unflappable swing of drummer Roy Haynes; and "The Baron," the leader's dark and dirty, wise and willful tribute to his former boss, accented by a choppy and chatty solo from Carter. "17 West," almost a post-bop standard, is briefly tonal with a patented flute solo and questioning cello inserts, while the unexpected closer written by Hale Smith, "Feathers," is a haunting, soulful ballad of regret where Dolphy's alto is more immediately heard in the foreground. A somber and unusual album by the standards of any style of music, Out There explores Dolphy's vision in approaching the concept of tonality in a way few others -- before, concurrent, or after -- have ever envisioned.
https://www.allmusic.com/album/out-there-mw0002571715

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Reseña de Michael G. Nastos  
La continuación de Outward Bound, el segundo trabajo de Eric Dolphy para el sello Prestige/New Jazz (y posteriormente remasterizado por Rudy Van Gelder) fue alabado y vilipendiado a partes iguales por muchas razones. En una época en la que se lanzaba la etiqueta de "antijazz", la música no lineal y duramente armónica de Dolphy proporcionó a algunos críticos materia para el molino. Una segunda o tercera escucha de la música de Dolphy revela un lado sombrío impenitente, pero también una profundidad y un propósito que no tenían precedentes y siguen siendo singularmente únicos. El uso del bajista George Duvivier y del violonchelista Ron Carter (una idea tomada de los días de Dolphy con Chico Hamilton) da a la música su base de color nublado, en muchos sentidos igualmente impresionante y poco atractivo. Las ideas de Dolphy deben ser totalmente asumidas, tomadas en serio y aceptadas antes de escucharlas. La música revela la profundidad de sus procesos de pensamiento a la vez que expresa su naturaleza sensible y amable. El blues "Serene", dirigido por Carter junto al clarinete bajo de Dolphy, y la maravillosa balada "Sketch of Melba" proporcionan los momentos más dulces, esta última melodía identificada por la aleteante flauta introspectiva del líder, indicando claramente dónde músicos de la última época como James Newton escucharon inicialmente lo que formaría su concepto. Tres piezas deben una limosna a Charles Mingus: su oscura, malhumorada, lúgubre, melódica y reticente composición "Eclipse"; el escarpado y disperso tema que da título al disco, escrito conjuntamente con Dolphy, con el emblemático contralto de Dolphy sostenido por el imperturbable swing del batería Roy Haynes; y "The Baron", el oscuro y sucio, sabio y voluntarioso homenaje del líder a su antiguo jefe, acentuado por un solo entrecortado y parlanchín de Carter. "17 West", casi un estándar post-bop, es brevemente tonal, con un solo de flauta patentado e inserciones de violonchelo cuestionadoras, mientras que el inesperado cierre escrito por Hale Smith, "Feathers", es una inquietante y conmovedora balada de arrepentimiento en la que el alto de Dolphy se escucha más inmediatamente en primer plano. Un álbum sombrío e inusual para los estándares de cualquier estilo de música, Out There explora la visión de Dolphy al abordar el concepto de tonalidad de una manera que pocos otros -antes, concurrentes o después- han imaginado.
https://www.allmusic.com/album/out-there-mw0002571715

Gigi Gryce • Reminiscin'

 

Biography
Gigi Gryce was born George General Grice(sic) on 28th November, 1925 (not 1927) in Pensacola, Florida - although he was brought up in Hartford, Connecticut. He spent a short period in the Navy where he met musicians such as Clark Terry, Jimmy Nottingham and Willie Smith, who were to turn his thoughts from pursuing medicine to the possibility of making music for a living. In 1948 he began studying classical composition at the Boston Conservatory under Daniel Pinkham and Alan Hovhaness. It has been reported that he won a Fulbright scholarship and went to Paris to study under Nadia Boulanger and Arthur Honegger, although confirmation of this has been hard to establish. Although illness interrupted his studies abroad, the fruits of this immersion in classical modernism were the production of three symphonies, a ballet (The Dance of the Green Witches), a symphonic tone-poem (Gashiya-The Overwhelming Event) and chamber works, including various fugues and sonatas, piano works for two and four hands, and string quartets.

Gryce strictly separated his classical composing from his work in jazz and received inspiration and instruction from a number of 'unsung' jazz saxophonists. The first of these was alto player Ray Shep, also from Pensacola, who had played with Noble Sissle. Then there were three musicians Gryce had met whilst based in the Navy in North Carolina. Altoists, Andrew 'Goon' Gardner, who played with the Earl Hines Band and Harry Curtis, who performed with Cab Calloway, as did tenorman Julius Pogue, for whom Gryce reserved the highest accolade. As well as alto saxophone Gryce performed on tenor and baritone saxes, clarinet, flute and piccolo - a 1958 recording for the Metrojazz label saw him multitracking all these instruments over a conventionally- recorded rhythm section.

Whilst in Boston (from 1948) Gryce arranged for Sabby Lewis, and had working gigs with Howard McGhee and Thelonious Monk. When playing at the Symphony Hall he attracted the attention of Stan Getz who asked Gryce to arrange for him - Getz subsequently recorded three Gryce originals: Yvette, Wildwood and Mosquito Knees. Dissatisfied with these and other earlier compositions Gryce went on the Fulbright scholarship outlined previously. Returning to New York, Gryce arranged on record dates for Howard McGhee (Shabozz) and Max Roach (Glow Worm). In the summer of 1953 Gryce joined Tadd Dameron's band, and in the autumn of that year was with the Lionel Hampton band when they made their legendary European tour. Through Hampton's band Gryce met many musicians with which he was to collaborate with later, including Clifford Brown , Art Farmer, Quincy Jones and Benny Golson. Against Hampton's wishes this emerging nucleus of talent recorded a number of sessions in Paris for French Vogue in between Hampton gigs. There were many different permutations from quartets to a small big-band, interestingly labelled as an orchestra, alluding to Gryce's exploration of new orchestrations. Later that year Gryce married Eleanor Sears - they had three children together: Bashir, Laila and Lynette - before separating in 1964.

On returning to Manhattan after the Hampton tour, Gryce settled near to his former colleague Art Farmer, with whom he was to collaborate in a most productive quintet. In 1957 further memorable recordings were made with a group led by Thelonious Monk ('Monk's Music'), which Gryce described as one of the hardest and most humbling sessions he had known - in stark contrast with mostly first takes being used for an earlier 1955 session involving Monk. The Jazz Laboratory name, used previously for play- along records, was revived and shortened into the Jazz Lab Quintet, co-led by Gryce and trumpeter Donald Byrd. Oscar Pettiford made use of Gryce as player, composer and arranger for a couple of sessions which echoed the small orchestra Gryce had used for some French Vogue recordings. Some of the last jazz recordings Gryce made were in 1960, when he fronted a blues-oriented quintet which introduced the exuberant trumpet talent of Richard Williams.

After less than ten years in the jazz limelight Gryce decided to withdraw to the relative 'anonymity of the Long Island school system,' as jazz critic Ira Gitler critic put it. There has been much speculation as to the reasons for Gryce's sudden departure from the mainstream jazz scene, but it appears that a variety of influences and circumstances contributed to this: psychological pressures, business and publishing interests, and personal tragedy. It is often overlooked that Gryce was one of the first black musicians to form his own publishing company in order to have control over his and fellow musicians' creative output - many of the prominent black jazz musicians of the day were with Gryce's Melotone publishing company. It became clear, however, that Gryce couldn't buck the deeply ingrained system of record companies controlling (at least in part) music publishing rights as part of recording deals. Upon retiring from active involvement in the jazz scene suffering from a variety of psychological pressures, Gryce turned instead to music teaching (predominantly instrumental) - and such was his devotion that there exists a school in The Bronx named after him (PS53 Basheer Qusim School). He also married again and his second wife Ollie took his Muslim surname Qusim - it is believed that whilst in Paris, Gryce changed his name to Basheer Qusim on converting to Islam. He died of a massive heart attack upon recuperating in the town of his birth, Pensacola, on 17th March, 1983. The Jazz Society of Pensacola recently held a celebration of his music and life featuring a talk and performances and it is hoped to make this available on the website too.
Source: David Griffith
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gigi-gryce/

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Biografía
Gigi Gryce nació como George General Grice(sic) el 28 de noviembre de 1925 (no en 1927) en Pensacola, Florida, aunque se crió en Hartford, Connecticut. Pasó un breve periodo en la Marina, donde conoció a músicos como Clark Terry, Jimmy Nottingham y Willie Smith, que harían que dejara de pensar en la medicina para dedicarse a la música. En 1948 empezó a estudiar composición clásica en el Conservatorio de Boston con Daniel Pinkham y Alan Hovhaness. Se dice que ganó una beca Fulbright y fue a París a estudiar con Nadia Boulanger y Arthur Honegger, aunque es difícil confirmarlo. Aunque la enfermedad interrumpió sus estudios en el extranjero, los frutos de esta inmersión en el modernismo clásico fueron la producción de tres sinfonías, un ballet (The Dance of the Green Witches), un poema sinfónico (Gashiya-The Overwhelming Event) y obras de cámara, entre ellas varias fugas y sonatas, obras para piano a dos y cuatro manos y cuartetos de cuerda.

Gryce separó estrictamente la composición clásica de su trabajo en el jazz y recibió inspiración e instrucción de varios saxofonistas de jazz "desconocidos". El primero de ellos fue el contralto Ray Shep, también de Pensacola, que había tocado con Noble Sissle. Luego estaban tres músicos que Gryce había conocido durante su estancia en la Marina, en Carolina del Norte. Los contraltos Andrew 'Goon' Gardner, que tocaba con la Earl Hines Band, y Harry Curtis, que actuaba con Cab Calloway, al igual que el tenor Julius Pogue, para quien Gryce reservaba el máximo elogio. Además de saxofón alto, Gryce tocaba los saxos tenor y barítono, el clarinete, la flauta y el flautín; en una grabación de 1958 para el sello Metrojazz se le pudo ver tocando todos estos instrumentos en multipista sobre una sección rítmica grabada de forma convencional.

Durante su estancia en Boston (a partir de 1948), Gryce hizo arreglos para Sabby Lewis y trabajó con Howard McGhee y Thelonious Monk. Cuando tocaba en el Symphony Hall, atrajo la atención de Stan Getz, que le pidió que le hiciera arreglos; Getz grabó posteriormente tres originales de Gryce: Yvette, Wildwood y Mosquito Knees. Insatisfecho con éstas y otras composiciones anteriores, Gryce obtuvo la beca Fulbright mencionada anteriormente. De vuelta a Nueva York, Gryce hizo arreglos discográficos para Howard McGhee (Shabozz) y Max Roach (Glow Worm). En el verano de 1953 Gryce se unió a la banda de Tadd Dameron, y en otoño de ese año estuvo con la banda de Lionel Hampton cuando realizaron su legendaria gira europea. A través de la banda de Hampton, Gryce conoció a muchos músicos con los que colaboraría más tarde, entre ellos Clifford Brown , Art Farmer, Quincy Jones y Benny Golson. En contra de los deseos de Hampton, este núcleo emergente de talento grabó varias sesiones en París para French Vogue entre los conciertos de Hampton. Hubo muchas permutaciones diferentes, desde cuartetos hasta una pequeña big-band, curiosamente etiquetada como orquesta, en alusión a la exploración de nuevas orquestaciones por parte de Gryce. Ese mismo año, Gryce se casó con Eleanor Sears, con la que tuvo tres hijos: Bashir, Laila y Lynette- antes de separarse en 1964.

A su regreso a Manhattan tras la gira de Hampton, Gryce se instaló cerca de su antiguo colega Art Farmer, con quien colaboraría en un quinteto de lo más productivo. En 1957 se realizaron otras grabaciones memorables con un grupo liderado por Thelonious Monk ('Monk's Music'), que Gryce describió como una de las sesiones más duras y humillantes que había conocido, en marcado contraste con las primeras tomas que se utilizaron en su mayoría para una sesión anterior de 1955 en la que participó Monk. El nombre Jazz Laboratory, utilizado anteriormente para discos de play- along, se recuperó y acortó en Jazz Lab Quintet, codirigido por Gryce y el trompetista Donald Byrd. Oscar Pettiford recurrió a Gryce como intérprete, compositor y arreglista para un par de sesiones que recordaban a la pequeña orquesta que Gryce había utilizado para algunas grabaciones de French Vogue. Algunas de las últimas grabaciones de jazz que hizo Gryce fueron en 1960, cuando encabezó un quinteto orientado al blues que introdujo el exuberante talento trompetístico de Richard Williams.

Tras menos de diez años en el candelero del jazz, Gryce decidió retirarse al relativo "anonimato del sistema escolar de Long Island", en palabras del crítico de jazz Ira Gitler. Se ha especulado mucho sobre las razones del repentino alejamiento de Gryce de la escena principal del jazz, pero parece que contribuyeron a ello diversas influencias y circunstancias: presiones psicológicas, intereses comerciales y editoriales, y una tragedia personal. A menudo se pasa por alto que Gryce fue uno de los primeros músicos negros en crear su propia editorial para poder controlar su producción creativa y la de sus compañeros: muchos de los músicos de jazz negros más destacados de la época trabajaban en la editorial Melotone de Gryce. Sin embargo, quedó claro que Gryce no podía romper el arraigado sistema por el que las discográficas controlaban (al menos en parte) los derechos de edición musical como parte de los contratos de grabación. Al retirarse de la escena del jazz, aquejado de diversas presiones psicológicas, Gryce se dedicó a la enseñanza de la música (predominantemente instrumental), y tal fue su devoción que existe una escuela en el Bronx que lleva su nombre (PS53 Basheer Qusim School). También se casó de nuevo y su segunda esposa, Ollie, adoptó su apellido musulmán Qusim; se cree que durante su estancia en París, Gryce cambió su nombre por el de Basheer Qusim al convertirse al Islam. Murió el 17 de marzo de 1983 en Pensacola, su ciudad natal, de un infarto fulminante. La Jazz Society de Pensacola organizó recientemente una celebración de su música y su vida, con una charla y actuaciones, y se espera poder publicarla también en el sitio web.
Fuente: David Griffith
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gigi-gryce/

Bob Wilber • Blowin' The Blues Away

 

The Kansas City riff idea of Basie and Co. set the style for the 1930’s swing bands. Bird, Monk, and Diz enriched the harmonic patterns in the 40’s. In the last decade, the combination of elements of negro church music, blues, and so-called "hard bop" has produced the "soul" jazz of today.

In this collection, our purpose was to record a group of originals demonstrating the various directions the blues have taken over the years, from the simplest twelve-bar pattern to the 12/8 blues we hear today.
-Bob Wilber
*These are the liner notes from the original release of this album in 1961
https://www.jazzmessengers.com/es/7919/bob-wilber/blowin-the-blues-away

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La idea del riff de Kansas City de Basie y compañía marcó el estilo de las bandas de swing de los años 30. Bird, Monk y Diz enriquecieron los patrones armónicos en los años 40. En la última década, la combinación de elementos de la música religiosa negra, el blues y el llamado "hard bop" ha producido el jazz "soul" de hoy.

En esta colección, nuestro propósito era grabar un grupo de originales que demostraran las distintas direcciones que ha tomado el blues a lo largo de los años, desde el patrón más sencillo de doce compases hasta el blues de 12/8 que escuchamos hoy en día.
-Bob Wilber
*Estas son las notas de la edición original de este álbum en 1961.
https://www.jazzmessengers.com/es/7919/bob-wilber/blowin-the-blues-away

Bobbi Humphrey • Flute-In

Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine
Bobbi Humphrey is a jazz flautist whose musical tastes lean toward fusion and smooth jazz-pop. From the outset of her career, Humphrey was quite popular, winning a large crossover audience with her pop-oriented jazz-fusion. Throughout her career, her popularity exceeded her critical acclaim, but she received high marks for her technique and showmanship. Audiences stayed with Humphrey for decades, buying her records and attending her concerts from the Montreux Festival to Carnegie Hall.
Although Bobbi Humphrey was born in Marlin, TX, she was raised in Dallas. She began playing flute in high school and continued her studies at Texas Southern University and Southern Methodist University. Dizzy Gillespie saw Humphrey play at a talent contest at Southern Methodist and, impressed with what he had heard, he urged her to pursue a musical career in New York City. She followed through on his advice, getting her first big break performing at the Apollo Theater on amateur night. Shortly afterward, she began playing regularly throughout the city, including a gig with Duke Ellington.
Humphrey signed with Blue Note in 1971. Her smooth blend of jazz, funk, pop, and R&B fit in well with the new sound of Blue Note, and her six albums for the label -- Flute In, Dig This, Blacks and Blues, Satin Doll, Live at Montreux, and Fancy Dancer -- were all successes. In particular, 1973's Blacks and Blues was a rousing success, earning her a crossover pop and R&B audience. That same year, she played the Montreux Festival in Switzerland. In 1976, she was named Best Female Instrumentalist by Billboard. The following year, she switched record labels, signing with Epic and releasing Tailor Made that same year. She also played on Stevie Wonder's platinum album Songs in the Key of Life in 1977.
Tailor Made was the first of three albums for Epic Records; Freestyle followed in 1978 and The Good Life appeared about a year afterward. During the '80s, Humphrey continued to perform regularly, even if she didn't record often. She returned to recording in 1989, releasing City Beat on Malaco Records. Five years later, Passion Flute appeared on her own Paradise Sounds label, where she is President and C.E.O.

 

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Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine
Bobbi Humphrey es una flautista de jazz cuyos gustos musicales se inclinan hacia la fusión y el jazz-pop suave. Desde el principio de su carrera, Humphrey fue bastante popular, ganando un gran público con su jazz-fusión orientado al pop. A lo largo de su carrera, su popularidad superó el reconocimiento de la crítica, pero recibió altas calificaciones por su técnica y espectáculo. El público siguió a Humphrey durante décadas, comprando sus discos y asistiendo a sus conciertos desde el Festival de Montreux hasta el Carnegie Hall.
Aunque Bobbi Humphrey nació en Marlin, Texas, se crió en Dallas. Empezó a tocar la flauta en el instituto y continuó sus estudios en la Texas Southern University y la Southern Methodist University. Dizzy Gillespie vio a Humphrey tocar en un concurso de talentos en la Southern Methodist e, impresionado por lo que había oído, la instó a seguir una carrera musical en Nueva York. Ella siguió su consejo y consiguió su primera gran oportunidad actuando en el Teatro Apollo en una noche de aficionados. Poco después, empezó a tocar con regularidad por toda la ciudad, incluida una actuación con Duke Ellington.

Humphrey firmó con Blue Note en 1971. Su suave mezcla de jazz, funk, pop y R&B encajaba bien con el nuevo sonido de Blue Note, y sus seis álbumes para el sello -Flute In, Dig This, Blacks and Blues, Satin Doll, Live at Montreux y Fancy Dancer- fueron todos un éxito. En particular, Blacks and Blues, de 1973, fue un éxito rotundo, que le valió una audiencia de pop y R&B transversal. Ese mismo año actuó en el Festival de Montreux, en Suiza. En 1976, fue nombrada mejor instrumentista femenina por Billboard. Al año siguiente, cambió de sello discográfico, firmando con Epic y publicando Tailor Made ese mismo año. También tocó en el álbum de platino de Stevie Wonder Songs in the Key of Life en 1977.

Tailor Made fue el primero de tres álbumes para Epic Records; Freestyle le siguió en 1978 y The Good Life apareció aproximadamente un año después. Durante los años 80, Humphrey siguió actuando con regularidad, aunque no grabara a menudo. Volvió a grabar en 1989, publicando City Beat en Malaco Records. Cinco años más tarde, Passion Flute apareció en su propio sello Paradise Sounds, del que es presidenta y consejera delegada.

 

Jimmy Smith • Bashin' The Unpredictable Jimmy Smith

Hank Jones • Satin Doll

 

Artist Biography by Ron Wynn

The oldest of the Jones brothers, Hank Jones has been a supreme accompanist and underrated soloist. He's among the most accomplished sight readers in jazz, and his flexibility and sensitive style have kept him extremely busy cutting sessions and working in various groups and styles ranging from swing to bebop. He's worked with vocalists, played in big bands and done many solo, trio, and combo dates.

Born in 1918 in Vicksburg, Mississippi, Jones moved with his family to the Detroit area while still a child, and studied piano early, listening carefully to Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines, and Fats Waller. He began playing in the midwest at age 13, and worked in territory bands. Jones met Lucky Thompson in one of these groups, and Thompson invited him to New York in 1944 to work with Hot Lips Page at the Onyx Club. Jones worked for a while with John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, and Billy Eckstine, then began touring in 1947. He worked with Jazz at the Philharmonic, then accompanied Ella Fitzgerald from 1948 to 1953. Jones also cut many sessions for Norman Granz's labels in the late '40s and early '50s, many with Charlie Parker. He worked and recorded in the '50s with Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson, and Cannonball Adderley before joining CBS' staff in 1959. He worked on such programs as The Ed Sullivan Show and stayed with CBS until they disbanded the staff in 1976. He recorded several sessions with Savoy in the mid- and late '50s, playing with Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall, and Kenny Clarke, among others. He also recorded solo and quartet dates for Epic. His quartet with Osie Johnson, Barry Galbraith, and Milt Hinton became one of New York's busiest during the early '60s, sometimes doing three dates a day. They cut albums for Capitol and ABC in 1958, though Galbraith missed the ABC sessions. Jones continued recording at Capitol, Argo, and Impulse in the early '60s, at times working with his brother Elvin. He made a host of recordings in the '70s. There were solo dates for Trio and Galaxy, and trio sessions for Interface and Concord, among others in the '70s. There were duo dates with Flanagan for Verve and Galaxy in the late '70s. Jones served as pianist and conductor for the Broadway musical Ain't Misbehavin in the late '70s. He also played in the Great Jazz Trio, originally with Ron Carter and Tony Williams. (Buster Williams replaced Carter on the trio's first recording date.) Jones continued with the trio into the '80s, though Eddie Gomez and Al Foster later became his mates, and Jimmy Cobb replaced Foster in 1982. The trio also backed Art Farmer, Benny Golson, and Nancy Wilson. Jones was the resident pianist at the Cafe Ziegfeld in the early '80s, and toured Japan with George Duvivier and Sonny Stitt. He kept his recording blitz going into the digital era. In 1989, he was named a National Endowment for the Arts Jazz Master. In 2004, he was awarded as an ASCAP Jazz Living Legend; five years later, he received a National Medal of Arts; and in 2009, Jones earned a Lifetime Achievement award at the Grammys. One year later, he died in the Bronx while in hospice, just a few weeks after returning from performance dates in Japan.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn

El mayor de los hermanos Jones, Hank Jones, ha sido un acompañante supremo y un solista subestimado. Es uno de los más destacados lectores de jazz, y su flexibilidad y estilo sensible le han mantenido extremadamente ocupado cortando sesiones y trabajando en varios grupos y estilos que van desde el swing hasta el bebop. Ha trabajado con vocalistas, tocado en grandes bandas y ha hecho muchos solos, tríos y citas combinadas.

Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Jones se mudó con su familia al área de Detroit cuando aún era un niño, y estudió piano temprano, escuchando cuidadosamente a Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines y Fats Waller. Comenzó a tocar en el medio oeste a la edad de 13 años, y trabajó en bandas de territorio. Jones conoció a Lucky Thompson en uno de estos grupos, y Thompson lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar con Hot Lips Page en el Onyx Club. Jones trabajó durante un tiempo con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy Eckstine, y luego comenzó a hacer giras en 1947. Trabajó con Jazz en la Filarmónica, luego acompañó a Ella Fitzgerald de 1948 a 1953. Jones también cortó muchas sesiones para los sellos de Norman Granz a finales de los'40 y principios de los'50, muchos con Charlie Parker. Trabajó y grabó en los años 50 con Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson y Cannonball Adderley antes de unirse al personal de CBS en 1959. Trabajó en programas como The Ed Sullivan Show y se quedó con CBS hasta que se disolvió el personal en 1976. Grabó varias sesiones con Savoy a mediados y finales de los años 50, tocando con Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall y Kenny Clarke, entre otros. También grabó fechas como solista y cuarteto para Epic. Su cuarteto con Osie Johnson, Barry Galbraith y Milt Hinton se convirtió en uno de los más ocupados de Nueva York a principios de los años 60, a veces con tres citas al día. Recortaron álbumes para Capitol y ABC en 1958, aunque Galbraith se perdió las sesiones de ABC. Jones continuó grabando en Capitol, Argo e Impulse a principios de los 60, a veces trabajando con su hermano Elvin. Hizo un montón de grabaciones en los años 70. Hubo fechas en solitario para el Trío y la Galaxia, y sesiones de trío para Interface y Concord, entre otros en los años 70. Hubo citas a dúo con Flanagan para Verve y Galaxy a finales de los 70. Jones fue pianista y director del musical de Broadway Ain't Misbehavin a finales de los años 70. También tocó en el Great Jazz Trio, originalmente con Ron Carter y Tony Williams. (Buster Williams reemplazó a Carter en la primera fecha de grabación del trío.) Jones continuó con el trío en los años 80, aunque Eddie Gómez y Al Foster más tarde se convirtieron en sus amigos, y Jimmy Cobb reemplazó a Foster en 1982. El trío también apoyó a Art Farmer, Benny Golson y Nancy Wilson. Jones fue el pianista residente en el Café Ziegfeld a principios de los 80, y estuvo de gira por Japón con George Duvivier y Sonny Stitt. Siguió grabando y entrando en la era digital. En 1989, fue nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master. En 2004, fue galardonado como ASCAP Jazz Living Legend; cinco años más tarde, recibió una Medalla Nacional de las Artes; y en 2009, Jones ganó un premio Lifetime Achievement en los Grammys. Un año más tarde, murió en el Bronx mientras estaba en el hospicio, sólo unas semanas después de regresar de sus presentaciones en Japón.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

Stephane Grappelli • Sweet Chorus

Biography

Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.

Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.

Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).

Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.

When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.

During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.

In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).

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Biografía

Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una 'Y') se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz si sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el complemento perfecto para la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.

Destacados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a las grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estos tres últimos temas de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.

Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en el que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).

Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás regresaban a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y en el entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.

Durante los años 70, Grappelli ha tocado en toda Europa, en clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha visitado regularmente el estudio de grabación.

En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su compañero violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en vivo en el Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) lo encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).

Joe Wilder • The Pretty Sound + Jazz from 'Peter Gunn'

 

Shirley Scott Trio • Great Scott!!

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacida en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Benny Goodman • Happy Session

 

bennygoodman.com ...

 

Gene Ammons • The Gene Ammons Story Gentle Jug

Review by Scott Yanow

This single CD reissues the two-LP set of the same name. Included are two sessions originally cut for Prestige's subsidiary Moodsville (Nice an' Cool and The Soulful Mood of Gene Ammons), which are purposely relaxed and strictly at ballad tempos. Fortunately, Ammons (who had a distinctive, huge tone) was long a master at interpreting ballads, and although these performances do not quite reach the heights of his greatest recordings, the lyrical music is quite enjoyable. Accompanied by either Richard Wyands or Patti Bown on piano, Doug Watkins or George Duvivier on bass, and J.C. Heard or Ed Shaughnessy on drums, Ammons is tasteful and creative in a subtle way throughout these successful dates.

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Traducción Automática:

Revisión por Scott Yanow

Este único CD vuelve a emitir el conjunto de dos LP del mismo nombre. Se incluyen dos sesiones originalmente cortadas para la subsidiaria de Prestige, Moodsville (Nice and 'Cool and The Soulful Mood of Gene Ammons), que son deliberadamente relajadas y estrictamente a ritmo de balada. Afortunadamente, Ammons (que tenía un tono enorme y distintivo) fue durante mucho tiempo un maestro en la interpretación de baladas, y aunque estas actuaciones no llegan a las alturas de sus mejores grabaciones, la música lírica es bastante agradable. Acompañado por Richard Wyands o Patti Bown en el piano, Doug Watkins o George Duvivier en el bajo, y J.C. Heard o Ed Shaughnessy en la batería, Ammons es de buen gusto y creativo de una manera sutil a lo largo de estas exitosas citas.

Eddie “Lockjaw” Davis Quintet With Shirley Scott • Jaws In Orbit

Review by Scott Yanow

The group that Eddie "Lockjaw" Davis led with organist Shirley Scott during the latter half of the 1950s was quite accessible and did a great deal to popularize the organ band in jazz. This CD reissue features the duo joined by bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill and the obscure trombonist Steve Pulliam for a typically swinging set of basic originals and standards. Highlights include a hard-swinging "Intermission Riff" and "Our Delight."

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Reseña de Scott Yanow

El grupo que Eddie "Lockjaw" Davis dirigió con la organista Shirley Scott durante la segunda mitad de la década de 1950 era bastante accesible e hizo mucho para popularizar la banda de órgano en el jazz. Esta reedición del CD presenta al dúo formado por el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill y el oscuro trombonista Steve Pulliam para un conjunto de originales y estándares básicos típicos. Los puntos culminantes incluyen un "Riff de Intermedio" y "Nuestra Delicia".

 

Shirley Scott • Like Cozy

Review by Thom Jurek:
The groove of the recordings heard on Like Cozy is what we've come to expect from Ms. Scott, late-night smooth groove that was heavy on ballads, medium bounce standards, and melodic interplay between leader and sidemen -- a trademark specialty of the label. Scott's piano playing is elegant and reminiscent of both Errol Garner's and Billy Taylor's. She has Garner's ornate sense of style, and Taylor's medium touch and sparse phrasing. A listen to the ballads and bounces here offers Scott's dimensions and inventions as a pianist. The rest of the disc, where Scott resumes her organist's duties, is a pretty and restrained affair, with just enough funk to keep the listener in the groove -- and it's all groove: smooth, slow, and slippery. Tracks such as "'Deed I Do" holds the blues firmly in its grasp as Scott extrapolates on the changes with a subtle but defined harmonic invention. There are no stunners here, but there weren't meant to be. These records were designed for the late-night-after-the-club feel, and they work that way. Like Ben Webster's Ballads or With Strings, these recordings are soundtracks for midnight rendezvous or early in the morning trysts with a loved one. [A Fantasy "two-fer" reissue added another LP from 1960, The Shirley Scott Trio, issued as Moodsville 5. It too features the talents of bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill, plus two cuts with Scott playing piano.]

 

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Reseña de Thom Jurek:
El ritmo de las grabaciones que se escuchan en Like Cozy es lo que hemos llegado a esperar de la Sra. Scott, un ritmo suave nocturno con mucho peso de las baladas, los estándares de rebote medio y la interacción melódica entre el líder y los acompañantes, una especialidad de la marca. La forma de tocar el piano de Scott es elegante y recuerda tanto a la de Errol Garner como a la de Billy Taylor. Tiene el sentido ornamentado del estilo de Garner, y el toque medio y el fraseo escaso de Taylor. Una escucha de las baladas y rebotes aquí ofrece las dimensiones e invenciones de Scott como pianista. El resto del disco, en el que Scott retoma sus funciones de organista, es un asunto bonito y comedido, con el funk justo para mantener al oyente en la onda - y es todo onda: suave, lento y resbaladizo. Temas como "'Deed I Do" mantiene el blues firmemente agarrado mientras Scott extrapola los cambios con una sutil pero definida invención armónica. No hay nada sorprendente aquí, pero no se pretendía que lo hubiera. Estos discos fueron diseñados para la sensación de la noche después del club, y funcionan de esa manera. Al igual que las baladas de Ben Webster o With Strings, estas grabaciones son bandas sonoras para las citas de medianoche o para los encuentros con la persona amada a primera hora de la mañana. Una reedición de Fantasy "two-fer" añadió otro LP de 1960, The Shirley Scott Trio, publicado como Moodsville 5. También cuenta con el talento del bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill, además de dos cortes con Scott tocando el piano].

Frank Wess • Southern Comfort