Paul Motian • Monk in Motian

 

Bill Frisell & Elvis Costello • The Sweetest Punch

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Elvis Costello's collaboration with Burt Bacharach produced the exquisite Painted From Memory, an unabashedly classicist pop album that recalled Bacharach's heyday with Hal David. It was such an individual album, unlike anything in Costello's catalog, that it's a wonder that the same batch of songs could produce another album as equally compelling and unique, which is exactly what Bill Frisell's The Sweetest Punch is. Costello sent Frisell demos of every song on Painted From Memory after they were completed. As Costello and Bacharach worked on their album, Frisell wrote his own arrangements of the songs, assembling a stellar band -- including Don Byron, Brian Blade, Billy Drewes, Curtis Fowlkes, Viktor Krauss, and Ron Miles -- to record an alternate album. Neither group of musicians heard the others work, which meant each record developed its own personality. Indeed, it's fascinating to hear The Sweetest Punch after living with Painted From Memory for a year -- it's like passing through the looking glass. Frisell stays true to his own music and the songs, crafting inspired, subtly challenging arrangements. They're a far cry from the lavish orchestrations of the Costello-Bacharach affair, but Frisell's mild dissonance and elegant flow feels equally luxurious. These versions emphasize the strength of the songs. The musicians on The Sweetest Punch open the songs up, just as numerous jazz artists have with pop standards, discovering new emotional and musical layers to the melodies. And that's the key to the record's success: Not only does it work as a companion piece to Painted From Memory, but it's a wonderful work in its own right that can be appreciated without knowledge of its predecessor. 
https://www.allmusic.com/album/the-sweetest-punch-the-songs-of-costello-and-bacharach-mw0000047290

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
La colaboración de Elvis Costello con Burt Bacharach dio como resultado el exquisito Painted From Memory, un álbum pop descaradamente clasicista que recordaba el apogeo de Bacharach con Hal David. Era un álbum tan personal, diferente a todo lo que había en el catálogo de Costello, que es sorprendente que el mismo conjunto de canciones pudiera dar lugar a otro álbum igual de atractivo y único, que es precisamente lo que es The Sweetest Punch, de Bill Frisell. Costello envió a Frisell maquetas de todas las canciones de Painted From Memory una vez terminadas. Mientras Costello y Bacharach trabajaban en su álbum, Frisell escribió sus propios arreglos de las canciones y reunió a una banda estelar, que incluía a Don Byron, Brian Blade, Billy Drewes, Curtis Fowlkes, Viktor Krauss y Ron Miles, para grabar un álbum alternativo. Ninguno de los dos grupos de músicos escuchó el trabajo del otro, lo que significó que cada disco desarrolló su propia personalidad. De hecho, es fascinante escuchar The Sweetest Punch después de haber convivido con Painted From Memory durante un año: es como atravesar el espejo. Frisell se mantiene fiel a su propia música y a las canciones, creando arreglos inspirados y sutilmente desafiantes. Están muy lejos de las lujosas orquestaciones de la colaboración entre Costello y Bacharach, pero la suave disonancia y el elegante flujo de Frisell resultan igualmente lujosos. Estas versiones enfatizan la fuerza de las canciones. Los músicos de The Sweetest Punch abren las canciones, al igual que han hecho numerosos artistas de jazz con los estándares del pop, descubriendo nuevas capas emocionales y musicales en las melodías. Y esa es la clave del éxito del disco: no solo funciona como complemento de Painted From Memory, sino que es una obra maravillosa por derecho propio que se puede apreciar sin conocer su predecesor. 
https://www.allmusic.com/album/the-sweetest-punch-the-songs-of-costello-and-bacharach-mw0000047290


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Charles Lloyd • Triosː Chapel

 

As a sound seeker, Lloyd’s restless creativity has perhaps found no greater manifestation than on his latest masterwork, an expansive project that encompasses three albums with an overarching theme, each presenting him in a different trio setting—a Trio of Trios. The first album, Trios: Chapel, features guitarist Bill Frisell and bassist Thomas Morgan.

Charles Lloyd has long been a free spirit, master musician, and visionary. For more than six decades the legendary saxophonist and composer has loomed large over the music world, and at 84 years old he remains at the height of his powers and as prolific as ever. Early on Lloyd saw how placing the improvised solo in interesting and original contexts could provoke greater freedom of expression and inspire creativity, and throughout his remarkable career he has searched for alternative ways to frame his improvisational skills.
https://classicsdirect.com.au/collections/pre-orders/products/charles-lloyd-trios-chapel-cd

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Como buscador de sonidos, la inquieta creatividad de Lloyd quizá no haya encontrado mayor manifestación que en su última obra maestra, un proyecto expansivo que abarca tres álbumes con un tema general, cada uno de los cuales le presenta en un entorno de trío diferente: un trío de tríos. El primer álbum, Trios: Chapel, cuenta con el guitarrista Bill Frisell y el bajista Thomas Morgan.

Charles Lloyd ha sido durante mucho tiempo un espíritu libre, un músico maestro y un visionario. Durante más de seis décadas, el legendario saxofonista y compositor ha dominado el mundo de la música, y a sus 84 años sigue estando en la cima de sus poderes y es tan prolífico como siempre. Desde el principio, Lloyd vio cómo colocar el solo improvisado en contextos interesantes y originales podía provocar una mayor libertad de expresión e inspirar la creatividad, y a lo largo de su notable carrera ha buscado formas alternativas de enmarcar sus habilidades de improvisación.
https://classicsdirect.com.au/collections/pre-orders/products/charles-lloyd-trios-chapel-cd


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Paul Motian • One Time Out

 

Este album del batería Paul Motian, está concebido en un formato inusual en el. Utiliza la guitarra electrica del magnifico, Bill Frisel y el poderoso saxo tenor de Joe Lovano para construir un discurso y una musica intensa. Un disco muy intesante de un musico que avanza en este disco por los caminos mas aventurados del jazz.
https://apoloybaco.com/jazz/paul-motian-one-time-out/

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Review by Scott Yanow
The key to this unusual trio is not the muscular tenor of Joe Lovano or the propulsive timekeeping of the drummer/leader but the remarkable guitarist Bill Frisell. Able to somehow produce sounds from this guitar that could be mistaken for a keyboard or a steel guitar, in styles ranging from heavy metal and avant-garde jazz to country music, Frisell is the reason that the trio can sound like a full band despite not having a keyboardist or a bassist. The music, which includes seven Motian originals along with "Monk's Mood" and "If You Could See Me Now," features both intense three-way free improvisations and introspective spacey ballads. Few of the tunes themselves will stick in one's mind (although "Morpion" could be an imaginary meeting betwee 1966 John Coltrane and Jimi Hendrix) but it is the basic sound of the unique group that makes the CD of great interest.
https://www.allmusic.com/album/one-time-out-mw0000316600

paulmotian.com ...

Bill Frisell • All We Are Saying

 

 If there's any sign that Bill Frisell's move to Savoy was a good one, it's the release of All We Are Saying..., which makes three albums from the veteran guitarist in just thirteen months. Frisell left two decades at Nonesuch to be able to release more than one album a year, in order to keep up with a still-growing myriad of projects, and with this John Lennon tribute not even in the plans when Beautiful Dreamers was released, in August, 2010, and yet to be recorded when Sign of Life came eight months later, Savoy has proven its ability to respond in ways that bigger labels simply cannot.

All We Are Saying... isn't without a precedent. Frisell first tackled an evening of Lennon songs, with violinist Jenny Scheinman and steel guitarist Greg Leisz, at an October, 2005 performance in Paris. A London show, a couple weeks later, was released as part of Frisell's ongoing Live Download Series, but it wasn't until Frisell's four-day residency at Oakland, CA's Yoshi's, in April, 2010, that he came back to the repertoire with a rockier complexion, longtime bassist Tony Scherr and drummer Kenny Wollesen fleshing the project out to the quintet that ultimately recorded this set of sixteen Lennon tunes during the last week of June, 2011.

All We Are Saying... is Frisell's closest thing to a rock record yet, though that doesn't mean it's lacking in the kind of in-the-moment arrangements and spontaneous orchestrations that defined Sign of Life. This is no "The Beatles-meets-jazz" record with copious soloing; Frisell's Lennon homage remains both reverent to these iconic melodies, and largely faithful to their basic structures. Digging back to the title track of the Fab Four's debut, Please Please Me (Parlophone, 1963), Wollesen channels his inner Ringo (but with a lazier backbeat), its familiar melody empathically and collectively implied more than overtly delivered. Rather than expanding on "Beautiful Boy," from Double Fantasy (Geffen, 1980), Frisell actually shortens the tune, evidence (as if any were needed) of the economical guitarist's enduring "say all that needs be said, and nothing more" approach.

Poignant readings of "Across the Universe" and "In My Life" contrast with the grungy rock and roll of "Revolution" and greasier "Come Together," while Wollesen's deep, behind-the-beat snare and Scherr's in-the-pocket support drives "Imagine," its original orchestration reduced to just three voices without missing a thing. Curious harmonics create an oblique opening to a slower-than-original "Mother," while Wollesen's tumultuous colorations on the powerfully rubato "Give Peace a Chance" combine with Frisell's heavily effected guitar and Leisz's swelling pedal steel to create a psychedelic tour de force even the acid-dropping Lennon could never have envisioned.

Is releasing three back-to-back albums in the space of thirteen months a good thing? It is when you've Frisell's restless desire to explore the broadest possible musical spectrum. Once a jazzer but now beyond simple categorization, All We Are Saying... may be Frisell's closest thing to a rock record but, informed by years of improvisational experimentation—melodically, harmonically and texturally—it's an album that simply couldn't have been made by anyone else.
By John Kelman
September 20, 2011

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 Si hay alguna señal de que el fichaje de Bill Frisell por Savoy ha sido un acierto, es la publicación de All We Are Saying..., con el que ya son tres los álbumes del veterano guitarrista en sólo trece meses. Frisell dejó dos décadas en Nonesuch para poder publicar más de un álbum al año, con el fin de mantenerse al día con una miríada cada vez mayor de proyectos, y con este homenaje a John Lennon ni siquiera en los planes cuando Beautiful Dreamers fue lanzado, en agosto de 2010, y aún por grabar cuando Sign of Life llegó ocho meses más tarde, Savoy ha demostrado su capacidad para responder de maneras que los sellos más grandes simplemente no pueden.

All We Are Saying... no carece de precedentes. Frisell abordó por primera vez una velada de canciones de Lennon, con la violinista Jenny Scheinman y el steel guitarista Greg Leisz, en una actuación en París en octubre de 2005. Un espectáculo en Londres, un par de semanas más tarde, fue lanzado como parte de la serie Live Download de Frisell, pero no fue hasta la residencia de cuatro días de Frisell en Oakland, CA's Yoshi's, en abril de 2010, que volvió al repertorio con una complexión más rockera, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen dieron cuerpo al quinteto que finalmente grabó este conjunto de dieciséis canciones de Lennon durante la última semana de junio de 2011.

All We Are Saying... es el disco de Frisell más cercano al rock hasta la fecha, aunque eso no significa que carezca del tipo de arreglos del momento y orquestaciones espontáneas que definieron Sign of Life. No se trata de un disco «The Beatles-meets-jazz» con abundantes solos; el homenaje de Frisell a Lennon sigue siendo reverente a estas melodías icónicas y, en gran medida, fiel a sus estructuras básicas. Volviendo a la canción que da título al debut de los Fab Four, Please Please Me (Parlophone, 1963), Wollesen canaliza su Ringo interior (pero con un ritmo de fondo más perezoso), su melodía familiar empática y colectivamente implícita más que abiertamente entregada. En lugar de ampliar «Beautiful Boy», de Double Fantasy (Geffen, 1980), Frisell en realidad acorta la melodía, prueba (como si hiciera falta alguna) del duradero enfoque del guitarrista económico de «decir todo lo que hay que decir, y nada más».

Las conmovedoras lecturas de «Across the Universe» e «In My Life» contrastan con el rock and roll grunge de «Revolution» y la más grasienta «Come Together», mientras que la profunda caja de Wollesen y el apoyo de Scherr impulsan «Imagine», cuya orquestación original se reduce a tres voces sin que falte de nada. Curiosos armónicos crean una apertura oblicua a una más lenta que original «Mother», mientras que las tumultuosas coloraciones de Wollesen en la poderosamente rubato «Give Peace a Chance» se combinan con la guitarra fuertemente afectada de Frisell y el pedal steel hinchado de Leisz para crear un tour de force psicodélico que ni siquiera el Lennon del acid-dropping podría haber imaginado.

¿Es bueno publicar tres álbumes consecutivos en el espacio de trece meses? Lo es cuando se tiene el inquieto deseo de Frisell de explorar el espectro musical más amplio posible. All We Are Saying..., que en su día fue un jazzer pero que ahora está más allá de una simple categorización, puede que sea lo más parecido a un disco de rock de Frisell pero, informado por años de experimentación improvisatoria -melódica, armónica y texturalmente-, es un álbum que sencillamente no podría haber sido hecho por nadie más.
Por John Kelman
20 de septiembre de 2011 

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Bill Frisell • Music IS

 

The tradition of solo jazz guitar recordings is a long one, with guitarists like Johnny Smith, Al Viola, George Van Eps, Lenny Breau and Joe Pass demonstrating just how far a mere six (in some cases, seven) strings could be taken on their own as far back as the 1950s. Subsequent guitar soloists like John Abercrombie and Ralph Towner went even further by, at times, taking advantage of the recording studio's facility to overdub layers of guitar to create even broader expanses. But it's been during the past two decades or so that guitarists like Eivind Aarset and Stian Westerhus have explored extensive use of looping and other technological innovations, truly developing the orchestral potential of their instrument.

But before those two Norwegian innovators came Bill Frisell, at this point a living guitar legend already the subject of Emma Franz's compelling (and revealing) documentary, Bill Frisell: A Portrait (now available on home video). Having begun life largely in the jazz world as a member of groups led by, amongst others, Jan Garbarek, Arild Andersen, Eberhard Weber and Paul Motian, before moving more decidedly into a far-reaching and prolific solo career, Frisell's insatiable interest in all things music has led to a résumé that also includes Salif Keita, Rickie Lee Jones, Paul Simon, David Sylvian and Laurie Anderson amongst his many, many prestigious collaborators, both well-known and deserving of broader recognition.

If ever there was an album title to reflect the infinite potential of an art form that has occupied most of Frisell's life, it's Music IS.

Frisell's second solo guitar release of its kind (Silent Comedy (Tzadik, 2013) was an alternate approach to solo guitar, recorded in real time with no overdubs or other post-production), Music IS comes eighteen years after the similar approach of Ghost Town (Nonesuch, 2000), itself released seventeen years following his 1983 ECM Records leader debut, In Line (that album split, half and half, between occasionally overdubbed solo tracks and duets with bassist Andersen).

Ghost Town was an eclectic blend, reflecting Frisell's broad musical tastes through the inclusion, in addition to his own compositions, of music by writers ranging from jazz guitarist John McLaughlin and Great American Songbook scribes George Gershwin and Edward Heyman, to country icons A.P. Carter and Hank Williams. But irrespective of his musical sources, it was Frisell's unique voice on a variety of guitars, and his inimitable use of looping, reverse-attack, delay, compression, overdubbing and more that made Ghost Town such an unparalleled and quietly groundbreaking release.

Frisell returns to a similar approach on Music IS, but beyond the significant growth that might be expected, it differs from Ghost Town in other ways. It's also more than just an album title; it's a reduction of the phrase "Music is good," a simple but meaningful statement that Frisell attributes to banjo player (and collaborator on the guitarist's overlooked, 2002 bluegrass-informed The Willies) Danny Barnes. Still, with its intended emphasis, Music IS assumes an even broader meaning that reflects Frisell's career-long refusal to be pigeonholed, despite many attempts from critics and fans alike. Music isn't necessarily jazz, country, folk, roots or classical music, blues, or any of the multiplicity of genres that have been touchstones throughout Frisell's career. Music simply IS, indeed; and the guitarist's long overdue follow-up to Ghost Town reflects, in its often naked vulnerability (and, perhaps, more so than on his many albums released in the ensuing years), Frisell's startling evolution, as he enters the second half of his seventh decade on planet Earth.

Music IS differs from Ghost Town in that its 55-minute program (not including a bonus alternate and thoroughly different take of the title track to his 1984 sophomore ECM date, Rambler, tacked onto the album's end) consists entirely of Frisell compositions, his first recording to do so since Big Sur (Savoy Jazz, 2013). Unlike that group recording, however, Music IS combines music that Frisell has, in many cases, mined often since first appearing (in the case of In Line's title track) as much as 35 years ago, alongside half a dozen compositions making their first recorded appearances here.

Hopefully artists evolve over the course of their careers, but every now and then evolution becomes revolution, and Music IS is, indeed, revolutionary. Frisell has come a long way since his first major label appearance with Eberhard Weber, on the German bassist's Fluid Rustle (ECM, 1979), with every album reflecting some kind of development and, more importantly, musical assimilation. But Music IS represents a significant leap forward for Frisell as a guitarist, composer and conceptualist.

Frisell's style has always been predicated on a rare ability to sustain passing notes as he (often simultaneously) moves complex voicings and linear phrases up, down and across the neck of his instrument, but rarely has he done so with such seamless sophistication. Nor has he demonstrated such an organic infusion of a variety of electronic devices, which have become more like natural extensions of (and less like add-on effects to) his guitar, itself an intrinsic extension to his conscious and subconscious musical minds. And while he's already proven his acumen at writing for groups of various sizes, he's never realized the guitar as orchestra concept as fully as he does on Music IS.

Frisell bookends the main program with the layered and looped electric guitar opener, "Pretty Stars," and lone acoustic guitar reading of the closing "Made to Shine." Both are distillations of and extrapolations upon the more overtly countrified miniature, "Pretty Stars Were Made to Shine," from Blues Dreams (Nonesuch, 2001). Both versions demonstrate an ability to find new interpretive grist in older material that has rarely been so clear, so focused, so evocative. One, an ideal opener that sets the stage for music to come, the other a perfectly constructed program closer, together they demonstrate, with crystal clarity, Frisell's ability to extract seemingly infinite possibilities from every nook and cranny of even the simplest of songs.

Frisell begins his reinvention of "Winslow Homer" in a fashion similar to the trio version introduced on Beautiful Dreamers (Savoy Jazz, 2010), but this time with tapped chords defining the guitarist's harmonically skewed version of a standard blues. Initially a solo electric guitar look at Wynton Marsalis' commission for Jazz at Lincoln Center Orchestra, it's how Frisell manages to imply so much with so little that makes this the definitive version. For the first two-and a-half minutes Frisell moves from Thelonious Monk-informed idiosyncrasies to Jim Hall-inspired strumming, where the acoustic sound of his instrument is as dominant as its amplified tone (sometimes, more so). But it's when, with but a minute to spare, Frisell returns to the intro's tapping that the song really takes off. Looping those tapped changes, Frisell then introduces a repeated three-note phrase, layering more and more harmonies atop it that build to a climax...and suddenly cease, with "Winslow Homer" closing as it began: with the sound of a single electric guitar.

Never running the risk of excess, superfluous technical displays or musical gymnastics (despite being capable of all these things and more), Frisell has always been about saying all that needs be said, nothing more and nothing less, with Music IS' sixteen tracks running anywhere from less than a minute to over six. Frisell's grittily angular, jaggedly strummed and tapped "Think About It"—curiously, recorded with Frisell's amplifier placed inside an old upright piano first owned by The Who's Keith Moon, then by The Band's Richard Manuel, who played it on a number of the group's hits, and ultimately with Ian McLagan (The Small Faces, The The Rolling Stones)—builds to a reverse-attacked density of chords and otherworldly sonics in just 59 seconds. Frisell's first look at "Rambler," on the other hand, lasts for more than six-and-a-half minutes, its foundation of looped electronics a strange but ultimately astute choice for the clean-toned, suggestive electric guitar part that, as he stretches and compresses the song's familiar theme, makes unexpected leaps from low to high registers, curiously constructed voicings and on-the-go harmonic reinventions.

Never afraid to leave plenty of holes in the music, Frisell's twanging Fender (or Fender-like) guitar on "Rambler" is also like a guitar history lesson, from Wes Montgomery-informed octave passages and oblique yet somehow still melodic phrases to roots-driven, tremelo-infused chords. Like "Pretty Stars" and "Made to Shine," Music IS' two takes of "Rambler" clearly demonstrate the unfettered potential of Frisell's musical imagination. With but one guitar, one amplifier and no effects, Frisell blends surprising harmonies, perfectly situated harmonics and motif-driven improvisations on the main melody throughout the shorter, alternate version of "Rambler," only to conclude with the song's core changes simplified into a finger-picked series of simpler, folk-infused chords.

Given the song's long history (34 years), Music IS' two very different looks at "Rambler" defy those who feel the need to categorize Frisell's career into genre-specific boxes. The simple truth is: Frisell has always been the square peg in the round hole, reverent of the heart of everything he plays, yet able to blend a variety of stylistic touchstones into a unified whole, redolent of all but determined by none.

A simple, low register loop drives "Ron Carter," a moody Blues Dream piece driven, here, by a different bass ostinato. Frisell slowly, sparingly, builds this take, ultimately adding another simple, two-chord loop layer to create an even richer foundation for his carefully but spontaneously constructed explorations. By contrast, "The Pioneers," a poignantly pretty tune from Frisell's groove-heavy roots collaboration with Jim Keltner, Greg Leisz and Viktor Krauss on Good Dog, Happy Man (Nonesuch, 1999), becomes a four-minute rubato tone poem for solo acoustic guitar. It may be relatively simple in theme and structure, but in Frisell's hands it once again assumes no limitations, as the guitarist moves from explicit form to more implicit lines. The wonder, the marvel of it all is that even when he's delivering linear, single-note phrases, it's impossible not to feel the foundational structure of any song he plays.

"Monica Jane," first heard on Paul Bley's Fragments (ECM, 1986), unfolds slowly, Frisell's overdubbed electric guitar parts orbiting around each other but often intersecting in even richer harmonies as its memorable theme emerges with pointillistic care. Beyond the fashion in which he evolves this more harmonically complex chart (gradually adding bass to the picture), its closing minute is further demonstration of Frisell's tangential approach to music-making. A simple bass guitar pattern that appears to be closing the piece is looped to become a new foundation, leading to a passage of abstruse electronics that ultimately takes over and moves into even more stratospheric terrain before suddenly concluding with nothing but a simple, un-effected major chord.

Frisell, longtime producer Lee Townsend and engineer Tucker Martine—the three, along with drummer Matt Chamberlain, responsible for two records as Floratone—recorded each track, with the trio mixing it immediately afterward. Contrasting the norm of recording an album in its entirety, followed by separate mixing sessions (sometimes a long time) later, this was one of a number of ways that Frisell, Townsend and Martine helped bolster the guitarist's relentless spontaneity.

Playing for a week at New York's The Stone prior to the Music IS sessions, Frisell describes the process of preparing for the album in its press sheet: "Each night I attempted new music that I'd never played before. I was purposely trying to keep myself a little off balance. Uncomfortable. Unsure. I didn't want to fall back on things that I knew were safe. My hope was to continue this process right on into the studio. I didn't want to have things be all planned out beforehand." Of Townsend and Martine, who Frisell calls two of his "closest, most trusted musical brothers," Frisell characteristically gives plenty of credit: "They clear the way for me to just PLAY. When we got to the studio I brought a big pile of music and we went from there. Let one thing lead to the next."

Amongst that pile of music was a trifecta of recent Frisell compositions that suggest how he is able to build form in new and surprising ways. "Change in the Air" retains the haunting melody that underscores this piece written for Dianne Dreyer's upcoming film of the same name, combining loops and overdubbed layers of guitars and bass. A gradually accelerating, pulsing electronic drone both introduces and concludes the brooding "What Do You Want?," another miniature where Frisell, once again, brings together loops, layered guitars and bass as he moves from ethereal consonance to the kind of abstract melodism first explored on relatively early albums like Where in the World? (Elektra Nonesuch, 1991).

"Thankful" closes the triptych in more song-based fashion. Dedicated to his family and to the myriad of artists with whom he has collaborated, it's characteristic of this still-humble guitarist who still seems almost in awe of the lifetime of experiences that have come his way, and of those who still want to work with him. A series of descending chords (made increasingly rich as the composition develops) provide a main theme that contrasts with an alternate passage based upon a simple, three-note phrase, under which Frisell layers shifting harmonies. The piece builds sonically and dramatically from spare to dense, as Frisell layers more guitars, including one that's heavily distorted and filtered, along with bass and additional ethereal atmospherics, to shape one of Music IS' biggest-sounding tracks...even as it retains the sense of intimacy that pervades the entire recording.

There are those who want to constrain Frisell with reductionist categorizations. There are also those who accuse Frisell of, over the years, "losing his edge." Frisell lays waste to all such claims (and more) with Music IS, an album that breaks down boundaries even as the guitarist explores what's on either side and finds new ways to assimilate it all into his still-growing musical vernacular. More than many of his undeniably milestone recordings, the exceptional Music IS deserves consideration as both a career high point and a masterpiece of solo guitar. It's also proof that some artists can still, even forty years after their major label debut and with over 250 recorded appearances, release albums destined to become modern classics.
By John Kelman
March 9, 2018
https://www.allaboutjazz.com/music-is-bill-frisell-okeh-review-by-john-kelman

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La tradición de las grabaciones de guitarras de jazz en solitario es larga, con guitarristas como Johnny Smith, Al Viola, George Van Eps, Lenny Breau y Joe Pass demostrando hasta qué punto se podían llevar solas solo seis (en algunos casos, siete) cuerdas ya en la década de 1950. Solistas de guitarra posteriores como John Abercrombie y Ralph Towner fueron aún más lejos, a veces, aprovechando las instalaciones del estudio de grabación para sobregrabar capas de guitarra para crear extensiones aún más amplias. Pero ha sido durante las últimas dos décadas más o menos que guitarristas como Eivind Aarset y Stian Westerhus han explorado el uso extensivo de bucles y otras innovaciones tecnológicas, desarrollando realmente el potencial orquestal de su instrumento.

Pero antes de esos dos innovadores noruegos llegó Bill Frisell, en este momento una leyenda viva de la guitarra que ya es el tema del convincente (y revelador) documental de Emma Franz, Bill Frisell: A Portrait (ahora disponible en video casero). Habiendo comenzado su vida en gran parte en el mundo del jazz como miembro de grupos liderados por, entre otros, Jan Garbarek, Arild Andersen, Eberhard Weber y Paul Motian, antes de pasar decididamente a una prolífica y extensa carrera en solitario, el insaciable interés de Frisell por todo lo relacionado con la música ha llevado a un currículum que también incluye a Salif Keita, Rickie Lee Jones, Paul Simon, David Sylvian y Laurie Anderson entre sus muchos, muchos colaboradores prestigiosos, conocidos y merecedores de un reconocimiento más amplio.

Si alguna vez hubo un título de álbum que reflejara el potencial infinito de una forma de arte que ha ocupado la mayor parte de la vida de Frisell, es Music IS.

El segundo lanzamiento de guitarra solista de Frisell de este tipo (Silent Comedy (Tzadik, 2013) fue un enfoque alternativo a la guitarra solista, grabado en tiempo real sin sobregrabaciones u otra posproducción), Music IS llega dieciocho años después del enfoque similar de Ghost Town (Nonesuch, 2000), lanzado diecisiete años después de su debut como líder de ECM Records en 1983, In Line (ese álbum se dividió, mitad y mitad, entre pistas solistas ocasionalmente sobregrabadas y duetos con el bajista Andersen).

Ghost Town era una mezcla ecléctica, que reflejaba los amplios gustos musicales de Frisell a través de la inclusión, además de sus propias composiciones, de música de escritores que iban desde el guitarrista de jazz John McLaughlin y los escribas del Great American Songbook George Gershwin y Edward Heyman, hasta los íconos country A. P. Carter y Hank Williams. Pero independientemente de sus fuentes musicales, fue la voz única de Frisell en una variedad de guitarras, y su uso inimitable de bucles, ataque inverso, retardo, compresión, sobregrabación y más lo que hizo de Ghost Town un lanzamiento tan incomparable y silenciosamente innovador.

Frisell vuelve a un enfoque similar sobre Music IS, pero más allá del crecimiento significativo que podría esperarse, difiere de Ghost Town en otros aspectos. También es más que el título de un álbum; es una reducción de la frase "La música es buena", una declaración simple pero significativa que Frisell atribuye al músico de banjo (y colaborador de overlooked, The Willies, informado por el guitarrista de bluegrass en 2002) Danny Barnes. Aún así, con su énfasis previsto, Music IS asume un significado aún más amplio que refleja la negativa de Frisell a ser encasillado durante toda su carrera, a pesar de muchos intentos de críticos y fanáticos por igual. La música no es necesariamente jazz, country, folk, raíces o música clásica, blues o cualquiera de la multiplicidad de géneros que han sido piedras de toque a lo largo de la carrera de Frisell. La música simplemente ES, de hecho; y el seguimiento largamente esperado del guitarrista de Ghost Town refleja, en su vulnerabilidad a menudo desnuda (y, quizás, más que en sus muchos álbumes lanzados en los años siguientes), la sorprendente evolución de Frisell, al entrar en la segunda mitad de su séptima década en el planeta Tierra.

Music IS difiere de Ghost Town en que su programa de 55 minutos (sin incluir una versión alternativa adicional y completamente diferente de la canción principal de su segunda cita ECM de 1984, Rambler, añadida al final del álbum) consiste completamente en composiciones de Frisell, su primera grabación en hacerlo desde Big Sur (Savoy Jazz, 2013). Sin embargo, a diferencia de esa grabación grupal, Music IS combina música que Frisell, en muchos casos, ha extraído a menudo desde que apareció por primera vez (en el caso de la canción principal de In Line) hace 35 años, junto con media docena de composiciones que hicieron sus primeras apariciones grabadas aquí.

Esperemos que los artistas evolucionen a lo largo de sus carreras, pero de vez en cuando la evolución se convierte en revolución, y la música es, de hecho, revolucionaria. Frisell ha recorrido un largo camino desde su primera aparición en un sello importante con Eberhard Weber, en Fluid Rustle del bajista alemán (ECM, 1979), y cada álbum refleja algún tipo de desarrollo y, lo que es más importante, asimilación musical. Pero la música representa un salto significativo para Frisell como guitarrista, compositor y conceptualista.

El estilo de Frisell siempre se ha basado en una rara habilidad para sostener notas pasajeras, ya que (a menudo simultáneamente) mueve voces complejas y frases lineales hacia arriba, hacia abajo y a través del mástil de su instrumento, pero rara vez lo ha hecho con tanta sofisticación perfecta. Tampoco ha demostrado una infusión tan orgánica de una variedad de dispositivos electrónicos, que se han convertido más en extensiones naturales (y menos en efectos adicionales) de su guitarra, en sí misma una extensión intrínseca de sus mentes musicales conscientes y subconscientes. Y aunque ya ha demostrado su perspicacia para escribir para grupos de varios tamaños, nunca se dio cuenta del concepto de guitarra como orquesta tan plenamente como lo hace en la Música.

Frisell cierra el programa principal con el abridor de guitarra eléctrica en capas y en bucle, "Pretty Stars", y la lectura solitaria de guitarra acústica del cierre " Made to Shine."Ambas son destilaciones y extrapolaciones sobre la miniatura más abiertamente rural, 'Pretty Stars Were Made to Shine', de Blues Dreams (Nonesuch, 2001). Ambas versiones demuestran la capacidad de encontrar un nuevo grano interpretativo en material antiguo que rara vez ha sido tan claro, tan enfocado, tan evocador. Uno, un abridor ideal que prepara el escenario para la música por venir, el otro un programa perfectamente construido más cerca, juntos demuestran, con claridad cristalina, la capacidad de Frisell de extraer posibilidades aparentemente infinitas de cada rincón y grieta, incluso de las canciones más simples.

Frisell comienza su reinvención de "Winslow Homer" de una manera similar a la versión en trío presentada en Beautiful Dreamers (Savoy Jazz, 2010), pero esta vez con acordes tocados que definen la versión armónicamente sesgada de un blues estándar del guitarrista. Inicialmente una mirada de guitarra eléctrica solista a la comisión de Jazz de Wynton Marsalis en la Orquesta del Lincoln Center, es cómo Frisell logra implicar tanto con tan poco lo que hace de esta la versión definitiva. Durante los primeros dos minutos y medio, Frisell pasa de las idiosincrasias informadas por Thelonious Monk a rasgueos inspirados en Jim Hall, donde el sonido acústico de su instrumento es tan dominante como su tono amplificado (a veces, más). Pero es cuando, con solo un minuto de sobra, Frisell vuelve a tocar la introducción que la canción realmente despega. Haciendo un bucle de esos cambios tocados, Frisell luego introduce una frase repetida de tres notas, superponiendo más y más armonías que se acumulan hasta el clímax...y de repente cesa, con" Winslow Homer " cerrando como empezó: con el sonido de una sola guitarra eléctrica.

Sin correr el riesgo de excesos, exhibiciones técnicas superfluas o gimnasia musical (a pesar de ser capaz de todas estas cosas y más), Frisell siempre ha tratado de decir todo lo que hay que decir, nada más y nada menos, con Music IS ' dieciséis pistas ejecutándose desde menos de un minuto hasta más de seisSin correr el riesgo de excesos, exhibiciones técnicas superfluas o gimnasia musical (a pesar de ser capaz de todas estas cosas y más), Frisell siempre ha tratado de decir todo lo que hay que decir, nada más y nada menos, con Music IS ' dieciséis pistas ejecutándose desde menos de un minuto hasta más de seis. "Think About It", de Frisell, arenosamente angular, rasgueado y tocado, curiosamente, grabado con el amplificador de Frisell colocado dentro de un viejo p"Think About It", de Frisell, arenosamente angular, rasgueado y tocado, curiosamente, grabado con el amplificador de Frisell colocado dentro de un viejo piano vertical propiedad primero de Keith Moon de The Who, luego de Richard Manuel de la Banda, quien lo tocó en varios de los éxitos del grupo, y finalmente con Ian McLagan (The Small Faces, The Rolling Stones), se construye a una densidad de acordes atacada al revés y sonidos de otro mundo en solo 59 segundos. La primera mirada de Frisell a "Rambler", por otro lado, dura más de seis minutos y medio, su base de electrónica en bucle es una elección extraña pero, en última instancia, astuta para la parte de guitarra eléctrica sugerente y de tono limpio que, a medida que estira y comprime el tema familiar de la canción, hace saltos inesperados de registros bajos a altos, voces curiosamente construidas y reinvenciones armónicas sobre la marcha.

Sin miedo a dejar muchos agujeros en la música, la guitarra Fender vibSin miedo a dejar muchos agujeros en la música, la guitarra Fender vibrante (o similar a una Fender) de Frisell en "Rambler" también es como una lección de historia de la guitarra, desde pasajes de octava informados por Wes Montgomery y frases oblicuas pero de alguna manera melódicas hasta acordes impulsados por raíces e infundidos de tremelo. Al igual que" Pretty Stars "y" Made to Shine", Music IS' dos tomas de" Rambler " demuestran claramente el potencial ilimitado de la imaginación musical de Frisell. Con solo una guitarra, un amplificador y sin efectos, Frisell combina armonías sorprendentes, armónicos perfectamente situados e improvisaciones impulsadas por motivos en la melodía principal a lo largo de la versión alternativa más corta de "Rambler", solo para concluir con los cambios centrales de la canción simplificados en una serie de acordes más simples e infundidos con folk.

Dada la larga historia de la canción (34 años), Music IS' dos miradas muy diferentes a "Rambler" desafían a aquellos que sienten la necesidad de clasificar la carrera de Frisell en cajas específicas de género. La simple verdad es: Frisell siempre ha sido la clavija cuadrada en el agujero redondo, reverente del corazón de todo lo que toca, pero capaz de combinar una variedad de piedras de toque estilísticas en un todo unificado, que recuerda a todos pero no determinado por ninguno.

Un simple bucle de registro bajo impulsa "Ron Carter", una pieza de ensueño de Blues temperamental impulsada, aquí, por un ostinato de bajo diferente. Frisell construye esta toma lentamente, con moderación, y finalmente agrega otra capa de bucle simple de dos acordes para crear una base aún más rica para sus exploraciones construidas de manera cuidadosa pero espontánea. Por el contrario, "The Pioneers", una melodía conmovedoramente bonita de la colaboración groove-heavy roots de Frisell con Jim Keltner, Greg Leisz y Viktor Krauss en Good Dog, Happy Man (Nonesuch, 1999), se convierte en un poema tonal rubato de cuatro minutos para guitarra acústica solista. Puede ser relativamente simple en tema y estructura, pero en manos de Frisell una vez más no asume limitaciones, ya que el guitarrista pasa de la forma explícita a líneas más implícitas. La maravilla, la maravilla de todo esto es que incluso cuando está entregando frases lineales de una sola nota, es imposible no sentir la estructura fundamental de cualquier canción que toque.

"Monica Jane", escuchada por primera vez en Fragments de Paul Bley (ECM, 1986), se desarrolla lentamente, las partes de guitarra eléctrica sobregrabadas de Frisell orbitan unas alrededor de otras, pero a menudo se cruzan en armonías aún más ricas a medida que su tema memorable emerge con cuidado puntillista. Más allá de la forma en que evoluciona esta tabla más compleja armónicamente (agregando gradualmente bajos a la imagen), su minuto final es una demostración más del enfoque tangencial de Frisell para hacer música. Un patrón simple de bajo que parece estar cerrando la pieza se repite para convertirse en una nueva base, lo que lleva a un pasaje de electrónica abstrusa que finalmente se hace cargo y se mueve a un terreno aún más estratosférico antes de concluir repentinamente con nada más que un acorde mayor simple y sin efectos.

Frisell, el productor Lee Townsend y el ingeniero Tucker Martine, los tres, junto con el baterista Matt Chamberlain, responsable de dos discos como Floratone, grabaron cada pista, y el trío la mezcló inmediatamente después. Contrastando la norma de grabar un álbum en su totalidad, seguido de sesiones de mezcla separadas (a veces mucho tiempo) más tarde, esta fue una de las varias formas en que Frisell, Townsend y Martine ayudaron a reforzar la implacable espontaneidad del guitarrista.

Tocando durante una semana en The Stone de Nueva York antes de las sesiones de Music IS, Frisell describe el proceso de preparación del álbum en su hoja de prensa: "Cada noche intentaba nueva música que nunca antes había tocado. Estaba tratando deliberadamente de mantenerme un poco desequilibrado. Incómodo. Inseguro. No quería recurrir a cosas que sabía que eran seguras. Mi esperanza era continuar este proceso directamente en el estudio. No quería que todo estuviera planeado de antemano. De Townsend y Martine, a quienes Frisell llama dos de sus "hermanos musicales más cercanos y confiables", Frisell característicamente da mucho crédito: "Me despejan el camino para que simplemente TOQUE. Cuando llegamos al estudio traje una gran pila de música y nos fuimos de allí. Deja que una cosa lleve a la siguiente."

Entre ese montón de música había una trifecta de composiciones recientes de Frisell que sugieren cómo es capaz de construir la forma de formas nuevas y sorprendentes. "Change in the Air" conserva la melodía inquietante que subraya esta pieza escrita para la próxima película de Dianne Dreyer del mismo nombre, combinando bucles y capas sobregrabadas de guitarras y bajo. Un dron electrónico pulsante que se acelera gradualmente presenta y concluye el melancólico "¿Qué quieres?, "otra miniatura donde Frisell, una vez más, reúne bucles, guitarras en capas y bajo mientras pasa de la consonancia etérea al tipo de melodismo abstracto explorado por primera vez en álbumes relativamente tempranos como Where in the World? (Elektra Nonesuch, 1991).

"Thankful" cierra el tríptico de una manera más basada en canciones. Dedicado a su familia y a la gran cantidad de artistas con los que ha colaborado, es característico de este guitarrista aún humilde que todavía parece casi asombrado por la vida de experiencias que se le han presentado y de aquellos que aún quieren trabajar con él. Una serie de acordes descendentes (que se enriquecen cada vez más a medida que se desarrolla la composición) proporcionan un tema principal que contrasta con un pasaje alternativo basado en una frase simple de tres notas, bajo la cual Frisell superpone armonías cambiantes. La pieza se construye sonora y dramáticamente de sobria a densa, a medida que Frisell coloca más guitarras, incluida una que está muy distorsionada y filtrada, junto con bajos y atmósferas etéreas adicionales, para dar forma a una de las pistas con mayor sonido de Music IS...incluso conserva la sensación de intimidad que impregna toda la grabación.

Hay quienes quieren restringir a Frisell con categorizaciones reduccionistas. También hay quienes acusan a Frisell de, a lo largo de los años, "perder su ventaja."Frisell desperdicia todas esas afirmaciones ( y más) con Music IS, un álbum que rompe fronteras incluso cuando el guitarrista explora lo que hay a cada lado y encuentra nuevas formas de asimilarlo todo en su lengua vernácula musical aún en crecimiento. Más que muchas de sus grabaciones innegablemente históricas, la Música excepcional merece consideración como un punto culminante de su carrera y una obra maestra de la guitarra solista. También es una prueba de que algunos artistas aún pueden, incluso cuarenta años después de su debut en un sello importante y con más de 250 apariciones grabadas, lanzar álbumes destinados a convertirse en clásicos modernos.
Por John Kelman
9 de marzo de 2018
https://www.allaboutjazz.com/music-is-bill-frisell-okeh-review-by-john-kelman


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Bill Frisell • Big Sur

 

Review by Thom Jurek
Bill Frisell's Big Sur, on Sony's resurrected Okeh imprint, collects 19 individual pieces in a suite commissioned by the Monterey Jazz Festival. He spent ten days in retreat at Big Sur's Glen Deven Ranch, where he composed most of it. His band on this date includes his 858 Quartet -- Jenny Scheinman: violin; Eyvind Kang: viola; Hank Roberts: cello-- and his drummer Rudy Royston; Kang and Royston are from his Beautiful Dreamers group, making this an unorthodox string quartet with drums. Those drums not only keep things grounded and earthy, they add force, dimension, and dynamics even on the ballads. As is typical for Frisell's ensembles, it's not about soloing so much for these players -- though all are given opportunities -- as the strength of the work through the voice of the group, with Frisell's guitar as the unifying factor, whether it's in the opening waltz "The Music of Glen Deven Ranch," the slowly unfurling, darkly tinged ballad "Going to California," or "The Big One," which references surf rock. There is a five-note vamp the guitarist uses in several pieces here as a way of bringing the listener back to the fact that despite the varying nature of these pieces, they make up a significant whole. "We All Love Neil Young" is a duet for Frisell and Kang with the violist taking up the "vocal" part as the guitarist fills and weaves through his lines. The gradually unfolding nature of "Highway 1" is an excellent and wonderfully quirky showcase for Scheinman and Kang in dialogue, and for the staggered use of dissonant harmony as Frisell's effects. The title track is a wonderful showcase for Roberts, while "The Animals," though brief, offers fine interplay between the violinist and violist as they weave through Frisell and Roberts with a Celtic-tinged folk music. "Hawks" is the most driven thing on the record, though it flirts with classical and folk music by turns, and in and out statements by all group members, driven by Royston, offer a deft quickness that gives the impression of flight. While the aforementioned tracks are noteworthy examples, this hour-long work is at its absolute best when taken as a whole. On Big Sur, Frisell delivers an inspired musical portrayal of the land, sky, sea, and wildlife of the region with majesty, humor, and true sophistication.
https://www.allmusic.com/album/big-sur-mw0002538213

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Reseña de Thom Jurek
Big Sur de Bill Frisell, en el sello Okeh resucitado de Sony, recopila 19 piezas individuales en una suite encargada por el Festival de Jazz de Monterrey. Pasó diez días en retiro en el rancho Glen Deven de Big Sur, donde compuso la mayor parte. Su banda en esta fecha incluye su Cuarteto 858-Jenny Scheinman: violín; Eyvind Kang: viola; Hank Roberts: violonchelo-y su baterista Rudy Royston; Kang y Royston son de su grupo Beautiful Dreamers, lo que hace de este un cuarteto de cuerdas poco ortodoxo con batería. Esos tambores no solo mantienen las cosas conectadas a tierra y terrenales, sino que agregan fuerza, dimensión y dinámica incluso en las baladas. Como es típico en los conjuntos de Frisell, no se trata tanto de tocar solos para estos músicos, aunque a todos se les dan oportunidades, como de la fuerza del trabajo a través de la voz del grupo, con la guitarra de Frisell como factor unificador, ya sea en el vals de apertura "The Music of Glen Deven Ranch", la balada de lento despliegue y tintes oscuros "Going to California" o "The Big One", que hace referencia al surf rock. Hay un empeine de cinco notas que el guitarrista usa en varias piezas aquí como una forma de devolver al oyente al hecho de que, a pesar de la naturaleza variable de estas piezas, forman un todo significativo. "We All Love Neil Young" es un dueto de Frisell y Kang con el violista asumiendo la parte" vocal " mientras el guitarrista llena y teje sus líneas. La naturaleza que se desarrolla gradualmente de "Highway 1" es un escaparate excelente y maravillosamente peculiar para Scheinman y Kang en el diálogo, y para el uso escalonado de la armonía disonante como efectos de Frisell. La canción principal es un escaparate maravilloso para Roberts, mientras que "The Animals", aunque breve, ofrece una excelente interacción entre el violinista y el violista mientras atraviesan a Frisell y Roberts con una música folclórica con tintes celtas. "Hawks" es lo más impulsado del disco, aunque coquetea con la música clásica y folclórica por turnos, y las declaraciones internas y externas de todos los miembros del grupo, impulsadas por Royston, ofrecen una hábil rapidez que da la impresión de volar. Si bien las pistas mencionadas anteriormente son ejemplos dignos de mención, este trabajo de una hora está en su mejor momento cuando se toma en conjunto. En Big Sur, Frisell ofrece una representación musical inspirada de la tierra, el cielo, el mar y la vida silvestre de la región con majestuosidad, humor y verdadera sofisticación.
https://www.allmusic.com/album/big-sur-mw0002538213


https://www.youtube.com/watch?v=EcBervKDkus


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Jakob Bro • Taking Turns

 

 

Danish guitarist Jakob Bro creates magical music, impossible to categorize or capture. His songs are best described as jewels revolving in mid-air, reflecting and refracting light — Downbeat
 
Jakob Bro, born in Denmark in 1978, switched from trumpet to guitar after discovering the music of Jimi Hendrix. He went on to study at Denmark’s Royal Academy of Music, Boston’s Berklee School and the New School in New York.
 
Bro first appeared on ECM as a member of Paul Motian’s Band and Tomasz Stanko’s Quintet, on 2006’s Garden of Eden and 2009’s Dark Eyes respectively, before making his label-leader-debut alongside bassist Thomas Morgan and the legendary Jon Christensen on drums with Gefion (2015). A second trio date followed a year later on Streams, this time with Joey Baron replacing Christensen on drums. The same group was captured live at the Jazz Standard, NY in 2017, released on Bay Of Rainbows a year later.
 
Jon Christensen and Thomas Morgan returned for 2018’s quartet recording Returnings, with Palle Mikkelborg joining in on trumpet. The Danish trumpeter would reappear several years later, accompanying Bro and percussionist Marilyn Mazur on the 2023 live recording Strands, captured at the Danish Concert Hall — „an exquisite performance,“ according to the Making A Scene.
 
Different accomplished projects were released in the meantime. Uma Elmo (2021), recorded at the Auditorio Stelio Molo in Lugano, presents the guitarist in deep trio conversations with trumpeter Arve Henriksen and Jorge Rossy on drums (BBC Music Magazine: „quintessential ECM: a small group of intensely talented individuals making rarefied music in the moment, captured by superb production values“), while Once More Around The Room (2022) celebrated the musical legacy of drum icon Paul Motian. On the album, Bro is joined by a cast of key improvisers, with Larry Grenadier, Thomas Morgan and Anders Christensen on bass, Joe Lovano on sax and Joey Baron and Jorge Rossy on drums. The Guardian called it „a variously raw and delicate balance of collective improvisation, quirky themes and haunting harmonies.“
 
Taking Turns, released in 2024, is another star-studded affair that was recorded in 2014. Joined by pianist Jason Moran, late great alto saxophonist Lee Konitz, Bill Frisell on guitar, Thomas Morgan on bass and Andrew Cyrille on drums, on the album Bro presents a lusciously harmonious set of tunes that depend on subtle collective improvisation.
 
Jakob: “Much of my music is constructed around melodies. My compositions are almost like a song. But within the frame I set up with a melody, a lot of things can happen. New layers of music are constantly added to the vocabulary, and when you play, you unconsciously get to a new place.”
https://ecmrecords.com/artists/jakob-bro/

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El guitarrista danés Jakob Bro crea música mágica, imposible de categorizar o capturar. Sus canciones se describen mejor como joyas que giran en el aire, reflejando y refractando la luz-Ritmo lento
 
Jakob Bro, nacido en Dinamarca en 1978, pasó de la trompeta a la guitarra tras descubrir la música de Jimi Hendrix. Luego estudió en la Real Academia de Música de Dinamarca, en la Berklee School de Boston y en la New School de Nueva York.
 
Bro apareció por primera vez en ECM como miembro de la banda de Paul Motian y del Quinteto de Tomasz Stanko, en Garden of Eden de 2006 y Dark Eyes de 2009, respectivamente, antes de debutar como líder de su sello junto al bajista Thomas Morgan y el legendario Jon Christensen a la batería con Gefion (2015). Un segundo trío siguió un año después en Streams, esta vez con Joey Baron reemplazando a Christensen en la batería. El mismo grupo fue capturado en vivo en Jazz Standard, NY en 2017, lanzado en Bay Of Rainbows un año después.
 
Jon Christensen y Thomas Morgan regresaron para la grabación del cuarteto Returnings de 2018, con Palle Mikkelborg uniéndose a la trompeta. El trompetista danés reaparecería varios años después, acompañando al hermano y percusionista Marilyn Mazur en la grabación en vivo de Strands de 2023, capturada en la Sala de Conciertos Danesa, "una actuación exquisita", según Making A Scene.
 
Mientras tanto, se lanzaron diferentes proyectos realizados. Uma Elmo (2021), grabado en el Auditorio Stelio Molo de Lugano, presenta al guitarrista en profundas conversaciones en trío con el trompetista Arve Henriksen y Jorge Rossy a la batería (BBC Music Magazine: "quintessential ECM: un pequeño grupo de personas intensamente talentosas que hacen música enrarecida en el momento, capturada por excelentes valores de producción"), mientras que Once More Around The Room (2022) celebró el legado musical del ícono de la batería Paul Motian. En el álbum, Bro se une a un elenco de improvisadores clave, con Larry Grenadier, Thomas Morgan y Anders Christensen al bajo, Joe Lovano al saxo y Joey Baron y Jorge Rossy a la batería. The Guardian lo llamó "un equilibrio diversamente crudo y delicado de improvisación colectiva, temas extravagantes y armonías inquietantes.“
 
Taking Turns, lanzado en 2024, es otro asunto repleto de estrellas que se grabó en 2014. Acompañado por el pianista Jason Moran, el difunto gran saxofonista alto Lee Konitz, Bill Frisell a la guitarra, Thomas Morgan al bajo y Andrew Cyrille a la batería, en el álbum Bro presenta un conjunto de melodías deliciosamente armoniosas que dependen de una sutil improvisación colectiva.
 
Jakob: "Gran parte de mi música está construida en torno a melodías. Mis composiciones son casi como una canción. Pero dentro del marco que configuré con una melodía, pueden suceder muchas cosas. Constantemente se agregan nuevas capas de música al vocabulario, y cuando tocas, inconscientemente llegas a un nuevo lugar.”
https://ecmrecords.com/artists/jakob-bro/

jakobbro.com ...

Marc Johnson's Bass Desires • Second Sight

 

Review by Scott Yanow
The second release by Bass Desires (a quartet consisting of leader/bassist Marc Johnson, drummer Peter Erskine, and the guitars of Bill Frisell and John Scofield) is almost the equal of the first. This advanced unit performs eight group originals that cover a wide variety of moods, from introspective, spacy pieces to ones emphasizing fire and passion.
https://www.allmusic.com/album/second-sight-mw0000194111

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Crítica de Scott Yanow
El segundo lanzamiento de Bass Desires (un cuarteto formado por el líder/bajista Marc Johnson, el batería Peter Erskine, y las guitarras de Bill Frisell y John Scofield) es casi igual al primero. Esta avanzada unidad interpreta ocho originales del grupo que abarcan una amplia variedad de estados de ánimo, desde piezas introspectivas y espaciadas hasta otras que enfatizan el fuego y la pasión.
https://www.allmusic.com/album/second-sight-mw0000194111


 

www.marcjohnson.net ...

Bill Frisell • The Intercontinentals

 

Bill Frisell’s career as a guitarist and composer has spanned more than 40 years and many celebrated recordings, whose catalog has been cited by Downbeat as "the best recorded output of the decade."

In recent years, Frisell has forged a distinctive and fruitful collaboration with the Blue Note label, releasing HARMONY, Valentine and FOUR to great acclaim.

"Frisell has had a lot of practice putting high concept into a humble package. Long hailed as one of the most distinctive and original improvising guitarists of our time, he has also earned a reputation for teasing out thematic connections with his music... There’s a reason that Jazz at Lincoln Center had him program a series called Roots of Americana."  - New York Times

Recognized as one of America’s 21 most vital and productive performing artists, Frisell was named an inaugural Doris Duke Artist in 2012.  He is also a recipient of grants from United States Artists, Meet the Composer among others.  In 2016, he was a beneficiary of the first FreshGrass Composition commission to preserve and support innovative grassroots music.  Upon San Francisco Jazz opening their doors in 2013, he served as one of their Resident Artistic Directors.  Bill is the subject of a documentary film by director Emma Franz, entitled Bill Frisell: A Portrait, which examines his creative process in depth, as well as an extensive biography by Philip Watson, Beautiful Dreamer: The Guitarist Who Changed The Sound of American Music.
https://www.billfrisell.com/biography

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La carrera de Bill Frisell como guitarrista y compositor ha abarcado más de 40 años y muchas grabaciones celebradas, cuyo catálogo ha sido citado por Downbeat como "la mejor producción grabada de la década."

En los últimos años, Frisell ha forjado una colaboración distintiva y fructífera con el sello Blue Note, lanzando HARMONY, Valentine y FOUR con gran éxito.

"Frisell ha tenido mucha práctica poniendo un alto concepto en un paquete humilde. Aclamado durante mucho tiempo como uno de los guitarristas improvisadores más distintivos y originales de nuestro tiempo, también se ha ganado la reputación de desentrañar las conexiones temáticas con su música... Hay una razón por la que Jazz at Lincoln Center lo hizo programar una serie llamada Roots of Americana."- New York Times

Reconocida como una de las 21 artistas escénicas más vitales y productivas de Estados Unidos, Frisell fue nombrada Artista inaugural de Doris Duke en 2012.  También es beneficiario de becas de Artistas de Estados Unidos, Conoce al Compositor entre otros.  En 2016, fue beneficiario de la primera comisión de Composición de FreshGrass para preservar y apoyar la música innovadora de base.  Cuando San Francisco Jazz abrió sus puertas en 2013, se desempeñó como uno de sus Directores Artísticos Residentes.  Bill es el tema de un documental de la directora Emma Franz, titulado Bill Frisell: A Portrait, que examina en profundidad su proceso creativo, así como una extensa biografía de Philip Watson, Beautiful Dreamer: The Guitarist Who Changed The Sound of American Music.
https://www.billfrisell.com/biography

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Bill Frisell, Beautiful Dreamer: The Guitarist Who Changed the Sound of American Music

 

Philip Watson (Author), Bill Frisell (Contributor)

Paul Bley • The Paul Bley Quartet

 

John Surman, Bill Frisell, and Paul Motian again join Paul Bley for a follow-up to the quartet’s stunning debut, Fragments. This self-titled record is another awe-inspiring session and chronicles some of ECM’s most beautiful tales. The slow, 20-minute first chapter, “Interplay,” frees each musician to make careful melodic choices. Motian’s sibilant cymbals are immediately recognizable, grounding Bley’s punctilious chording as Surman paints the night sky with his soprano. Bill Frisell’s rubbery playing proves complimentary in this yielding nexus. Then something happens: the effervescence curls in on itself and Frisell’s ghosted lines blossom from the stem of a bass clarinet before Bley flies away in a pollinated liberation. Configurations shift. Motian shares a masterful exchange with Bley, the former’s brushes skittering over the latter’s pianistic landscape like a field mouse without a predator in sight, for even the graceful hawk of Surman’s soprano cares not for hunting but rather knows it is already the prey of something sonorous, invisible. Frisell undulates like a dark veil between us and Bley’s stars, each lit by a nebulous match. Surman trembles, seeming to chase after his own echoes, as if losing them might spell certain death. And so, he takes solace again in the bass clarinet, making these switches so effortless that one hardly notices them until they peek above the horizon. His soprano treads more cautiously in “Heat,” which continues the chemical reaction. Bley provides the keystone, Frisell the mountain to be split by the unity of their harmonic registers, running like a crack in a windshield that wanders when you aren’t looking. “After Dark” is where the real flames start burning. Surman scampers through a host of constellations, looking for “One In Four,” finding in it a delicate rush of cascading pianism. This superbly erratic flight dips into the final vestiges of “Triste,” a powdery and effervescent solo from Bley that pulls the heart into a self-defeating smile, where the only comfort is the assurance that within music there is validation of our solemnity.

Like an eclipsed sun yawning into the brightness after its respite, the light of this enigma speaks to us quietly, having traveled unfathomable distances to warm our weary minds. It may be a challenge for some, but for those willing to fall without a safety net, it promises flight, flowering and nocturnal.
https://ecmreviews.com/2012/01/21/the-paul-bley-quartet/

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John Surman, Bill Frisell y Paul Motian se unen de nuevo a Paul Bley para la continuación del impresionante debut del cuarteto, Fragments. Este disco autotitulado es otra sesión asombrosa y narra algunas de las historias más bellas de ECM. El lento primer capítulo de 20 minutos, "Interplay", libera a cada músico para que tome cuidadosas decisiones melódicas. Los platillos sibilantes de Motian son inmediatamente reconocibles, y dan base a los punzantes acordes de Bley mientras Surman pinta el cielo nocturno con su soprano. El toque gomoso de Bill Frisell resulta complementario en este nexo de unión. Entonces sucede algo: la efervescencia se enrosca sobre sí misma y las líneas fantasma de Frisell florecen desde el tallo de un clarinete bajo antes de que Bley vuele en una liberación polinizada. Las configuraciones cambian. Motian comparte un intercambio magistral con Bley, los pinceles del primero patinan sobre el paisaje pianístico del segundo como un ratón de campo sin un depredador a la vista, ya que incluso el elegante halcón de la soprano de Surman no se preocupa por cazar sino que sabe que ya es la presa de algo sonoro, invisible. Frisell ondula como un velo oscuro entre nosotros y las estrellas de Bley, cada una iluminada por una nebulosa. Surman tiembla, parece perseguir sus propios ecos, como si perderlos pudiera significar una muerte segura. Y así, se consuela de nuevo con el clarinete bajo, haciendo estos cambios con tan poco esfuerzo que uno apenas los nota hasta que asoman por encima del horizonte. Su soprano es más cautelosa en "Heat", que continúa la reacción química. Bley proporciona la piedra angular, Frisell la montaña que se divide por la unidad de sus registros armónicos, corriendo como una grieta en un parabrisas que se desplaza cuando no estás mirando. En "After Dark" es donde empiezan a arder las verdaderas llamas. Surman recorre un sinfín de constelaciones en busca de "One In Four", encontrando en ella un delicado torrente de pianismo en cascada. Este vuelo magníficamente errático se sumerge en los vestigios finales de "Triste", un solo polvoriento y efervescente de Bley que arrastra el corazón hacia una sonrisa autodestructiva, donde el único consuelo es la seguridad de que dentro de la música hay una validación de nuestra solemnidad.

Como un sol eclipsado que bosteza en la claridad después de su respiro, la luz de este enigma nos habla en silencio, habiendo viajado distancias insondables para calentar nuestras mentes cansadas. Puede ser un reto para algunos, pero para los que estén dispuestos a caer sin red de seguridad, promete vuelo, florecimiento y nocturnidad.
https://ecmreviews.com/2012/01/21/the-paul-bley-quartet/

Bill Frisell • Gone, Just Like a Train

 

Review by Richard S. Ginell
Drawing from all over the musical spectrum, Frisell selects drummer Jim Keltner (best known for his records with George Harrison, Eric Clapton and other rock stars) and bassist Viktor Krauss (a fixture in Lyle Lovett's country band), and comes up with an immensely likable, easy-grooving CD that defies one to put a label on it. If anything, Frisell leans toward a drawling country twang heavily indebted to Chet Atkins in his guitar work here, but there is a freewheeling jazz sensibility at work on every track. Keltner contributes the heavy rock element with his emphatic strokes, occasionally pushing Frisell in that direction on the title track and the lengthy "Lookout for Hope." Yet Keltner is also capable of surprising subtlety, and Krauss provides firm, unflashy underpinning. Above all, this is thoughtful, free-thinking, ear-friendly jamming that was recorded in bustling Burbank, CA. but sounds as if it was laid down in a relaxed cabin in the hills.
https://www.allmusic.com/album/gone-just-like-a-train-mw0000031842

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Reseña de Richard S. Ginell
Recurriendo a todo el espectro musical, Frisell selecciona al batería Jim Keltner (más conocido por sus discos con George Harrison, Eric Clapton y otras estrellas del rock) y al bajista Viktor Krauss (un fijo en la banda country de Lyle Lovett), y consigue un CD inmensamente agradable y fácil de roer que desafía a uno a ponerle una etiqueta. En todo caso, Frisell se inclina hacia un acento country muy deudor de Chet Atkins en su trabajo de guitarra, pero hay una sensibilidad jazzística libre en cada tema. Keltner aporta el elemento de rock pesado con sus golpes enfáticos, empujando ocasionalmente a Frisell en esa dirección en la canción que da título al disco y en la larga «Lookout for Hope». Sin embargo, Keltner también es capaz de una sutileza sorprendente, y Krauss proporciona un apoyo firme y sin estridencias. Por encima de todo, se trata de un jamming reflexivo, de pensamiento libre y agradable al oído que se grabó en el bullicioso Burbank, California, pero que suena como si se hubiera grabado en una relajada cabaña en las colinas.
https://www.allmusic.com/album/gone-just-like-a-train-mw0000031842


 

 

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Ron Carter • Orfeu

 

Review
by David R. Adler
The great Ron Carter continues his intermittent love affair with Brazilian music, joined by a somewhat unlikely cast of characters. Guitarist Bill Frisell delivers yet another of his superb sideman performances, including a pinpoint harmonic dissection of "Goin' Home," Carter's bossa nova adaptation of Dvorak's "New World Symphony." The sonic blend of Frisell's guitar, Houston Person's tenor saxophone, and Stephen Scott's piano is consistently delightful, especially on the melody of Carter's "Por-Do-Sol." All three soloists turn in excellent performances on the three remaining Carter originals, "Saudade," "Obrigado," and "1:17 Special," as well as two Luiz Bonfa tunes from the film Black Orpheus, "Manha de Carnaval" and "Samba de Orfeu." Carter's melody statement and solo on the latter are his only steps into the spotlight; otherwise, he remains in a rhythmic support role, along with drummer Payton Crossley and percussionist Steve Kroon.

This record could have been merely one more Latin-themed album by an American jazz musician. But creative production choices and fantastic musicianship make it artistically solid and uncommonly beautiful.
https://www.allmusic.com/album/orfeu-mw0000253347

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Reseña
por David R. Adler
El gran Ron Carter continúa su intermitente historia de amor con la música brasileña, acompañado por un elenco de personajes un tanto improbable. El guitarrista Bill Frisell ofrece otra de sus magníficas actuaciones como músico de acompañamiento, incluyendo una precisa disección armónica de "Goin' Home", la adaptación bossa nova de Carter de la "Sinfonía del Nuevo Mundo" de Dvorak. La mezcla sonora de la guitarra de Frisell, el saxo tenor de Houston Person y el piano de Stephen Scott es constantemente deliciosa, especialmente en la melodía de "Por-Do-Sol" de Carter. Los tres solistas realizan excelentes interpretaciones en los tres originales restantes de Carter, "Saudade", "Obrigado" y "1:17 Special", así como en dos temas de Luiz Bonfa de la película Black Orpheus, "Manha de Carnaval" y "Samba de Orfeu". La declaración de la melodía y el solo de Carter en esta última son sus únicos pasos en el centro de atención; por lo demás, permanece en un papel de apoyo rítmico, junto con el baterista Payton Crossley y el percusionista Steve Kroon.

Este disco podría haber sido simplemente un álbum más de temática latina de un músico de jazz estadounidense. Pero las creativas elecciones de producción y la fantástica musicalidad lo hacen artísticamente sólido y extraordinariamente bello.
https://www.allmusic.com/album/orfeu-mw0000253347

John Zorn │Bill Frisell│Julian Lage│Gyan Riley • Parables

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

John Zorn │Bill Frisell│Julian Lage│Gyan Riley • Teresa De Avila

 

 

The third and final CD in composer John Zorn's trilogy inspired by historic figures of Christian mysticism, following works for Francesco d'Assisi and Julian of Norwich, these 10 pieces are conducted by Zorn and written specifically for the acoustic guitar trio of Bill Frisell, Julian Lage and Gyan Riley; an album of breathtaking character and inspired playing.
https://www.jazzmessengers.com/es/85980/john-zorn/teresadeavila

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El tercer y último CD de la trilogía del compositor John Zorn inspirada en figuras históricas del misticismo cristiano, tras las obras para Francesco d'Assisi y Julian of Norwich, estas 10 piezas están dirigidas por Zorn y escritas específicamente para el trío de guitarra acústica de Bill Frisell, Julian Lage y Gyan Riley; un álbum de carácter impresionante e interpretación inspirada.
https://www.jazzmessengers.com/es/85980/john-zorn/teresadeavila

Colaborador / Contributor:  Mich58

Bill Frisell • Guitar in the Space Age!

 

For his new album, guitarist and composer Bill Frisell mines the catalog of guitar-based music from the 1950s and 1960s that first inspired him to pick up the instrument. Joining Frisell for this album of musical memories are the members of his working trio, bassist Tony Scherr and drummer Kenny Wollesen, along with frequent collaborator Greg Leisz, a master of the lap and pedal steel guitars. This superb quartet explores the music of Pete Seeger, The Byrds, Junior Wells, Dick Dale, The Ventures, The Astronauts, Chet Atkins, Merle Travis and others with Frisell's own compositions sprinkled in. "Guitar in the Space Age!" offers a rare look into Bill Frisell's formative influences, from a time when the electric guitar was in its infancy and creating a startlingly new sound, pushing popular music into the future.
https://www.jazzmessengers.com/es/68298/bill-frisell/guitar-in-the-space-age

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Para su nuevo álbum, el guitarrista y compositor Bill Frisell explora el catálogo de música para guitarra de los años 50 y 60 que le inspiró a coger el instrumento. En este álbum de recuerdos musicales se unen a Frisell los miembros de su trío de trabajo, el bajista Tony Scherr y el batería Kenny Wollesen, junto con su colaborador habitual Greg Leisz, un maestro de las guitarras lap y pedal steel. Este magnífico cuarteto explora la música de Pete Seeger, The Byrds, Junior Wells, Dick Dale, The Ventures, The Astronauts, Chet Atkins, Merle Travis y otros, con composiciones propias de Frisell salpicadas. «Guitar in the Space Age!» ofrece una rara mirada a las influencias formativas de Bill Frisell, de una época en la que la guitarra eléctrica estaba en pañales y creaba un sonido asombrosamente nuevo, empujando la música popular hacia el futuro.
https://www.jazzmessengers.com/es/68298/bill-frisell/guitar-in-the-space-age


 

www.billfrisell.com ...

Bill Frisell - Guitar In The Space Age - Maison de la Culture 2014 [video]

 

Paul Motian • The Story Of Maryam

 

Biography by Matt Collar
A masterfully subtle drummer and a superb colorist, Paul Motian was also an advanced improviser and a bandleader with a taste for challenging post-bop. Playing with some of the most unique pianists in jazz -- including Thelonious Monk, Paul Bley, and Lennie Tristano -- must have rubbed off on the drummer. Throughout the 1960s and '70s, he was a regular in the trios (and quartets) of Bill Evans, Bley, Mose Allison, and Keith Jarrett. With a style influenced by the impressionistic flair of many of these pianists, he began releasing his own albums like 1974's Tribute on ECM. From the '80s until his death in 2011, Motian led one of the longest-lasting trios in jazz with saxophonist Joe Lovano and guitarist Bill Frisell, the celebrated Paul Motian Trio (collected on 2013's Old & New Masters), as well as another "downtown" ensemble, Paul Motian & the Electric Bebop Band. His own eclectic compositional style drew from bebop, fusion, and free jazz without being limited to any one of these genres.

Born Stephen Paul Motian in Philadelphia on March 25, 1931, he grew up in Providence, Rhode Island, and began playing the drums at age 12, eventually touring New England in a swing band. He moved to New York in 1955 and played with numerous musicians -- including Thelonious Monk, Lennie Tristano, Coleman Hawkins, Tony Scott, and George Russell -- before settling into a regular role as part of Bill Evans' most famous trio (with bassist Scott LaFaro), appearing on his classics Sunday at the Village Vanguard and Waltz for Debby.

In 1963, Motian left Evans' group to join up with Paul Bley for a year or so, and he began a long association with Keith Jarrett in 1966, appearing with the pianist's American-based quartet through 1977. In addition, Motian freelanced for artists like Mose Allison, Charles Lloyd, Carla Bley, and Charlie Haden's Liberation Music Ensemble, and turned down the chance to be John Coltrane's second drummer.

In 1972, Motian recorded his first session as a leader, Conception Vessel, for ECM; he followed in 1974 with Tribute. He formed a regular working group in 1977 (which featured tenor Joe Lovano) and recorded several more dates for ECM, then revamped the ensemble to include guitarist Bill Frisell in 1980. Additional dates for ECM and Soul Note followed, and in 1988 Motian moved to JMT, where he recorded a long string of fine albums beginning with Monk in Motian. During the '90s, he also led an ensemble called the Electric Bebop Band, which featured saxophonist Joshua Redman, guitarists Kurt Rosenwinkel and Brad Shepik, and bassist Stomu Takeishi. In 1998, Motian signed on with the Winter & Winter label, where he began recording another steady stream of albums, including 2000 + One in 1999, Europe in 2001, and Holiday for Strings in 2002.

In 2005, Motian moved to the ECM label, releasing I Have the Room Above Her that same year, followed by Garden of Eden in 2006 and Time and Time Again in 2007. In 2009, he released his fifth in his series of standards albums with On Broadway, Vol. 5 and returned in 2010 with the trio date Lost in a Dream on ECM. The following year, Motian released several albums including Consort in Motion (his exploration of Renaissance and Baroque composers), the concert album Live at Birdland on ECM, and Windmills of Your Mind, featuring guitarist Bill Frisell, on Winter & Winter.

A hugely influential figure on the creative music scene, Motian died from complications of myelodysplastic syndrome, a bone marrow disorder, early in the morning on November 22, 2011, in New York City. He was 80 years old. The album Further Explorations featuring pianist Chick Corea and bassist Eddie Gomez appeared posthumously on Concord in January 2012. Two years later, ECM issued the archival recording Hamburg '72, of a trio performance with Keith Jarrett and Charlie Haden. Appearing in 2019, When Will the Blues Leave presented a Swiss performance with Paul Bley's trio (that also included bassist Gary Peacock) from 1999.
https://www.allmusic.com/artist/paul-motian-mn0000018137#biography

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Biografía de Matt Collar
Paul Motian, un baterista magistralmente sutil y un excelente colorista, también era un improvisador avanzado y un líder de banda con un gusto por desafiar el post-bop. Tocar con algunos de los pianistas más singulares del jazz, incluidos Thelonious Monk, Paul Bley y Lennie Tristano, debe haberse contagiado al baterista. A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, fue un habitual en los tríos (y cuartetos) de Bill Evans, Bley, Mose Allison y Keith Jarrett. Con un estilo influenciado por el estilo impresionista de muchos de estos pianistas, comenzó a lanzar sus propios álbumes como Tribute on ECM de 1974. Desde los años 80 hasta su muerte en 2011, Motian dirigió uno de los tríos más duraderos del jazz con el saxofonista Joe Lovano y el guitarrista Bill Frisell, el célebre Paul Motian Trio (recopilado en Old & New Masters de 2013), así como otro conjunto "céntrico", Paul Motian & the Electric Bebop Band. Su propio estilo compositivo ecléctico se basó en el bebop, la fusión y el free jazz sin limitarse a ninguno de estos géneros.

Stephen Paul Motian, nacido en Filadelfia el 25 de marzo de 1931, creció en Providence, Rhode Island, y comenzó a tocar la batería a los 12 años, y eventualmente realizó una gira por Nueva Inglaterra en una banda de swing. Se mudó a Nueva York en 1955 y tocó con numerosos músicos, incluidos Thelonious Monk, Lennie Tristano, Coleman Hawkins, Tony Scott y George Russell, antes de establecerse en un papel habitual como parte del trío más famoso de Bill Evans( con el bajista Scott LaFaro), apareciendo en sus clásicos Sunday en Village Vanguard y Waltz for Debby.

En 1963, Motian dejó el grupo de Evans para unirse a Paul Bley durante aproximadamente un año, y comenzó una larga asociación con Keith Jarrett en 1966, apareciendo con el cuarteto estadounidense del pianista hasta 1977. Además, Motian trabajó como freelance para artistas como Mose Allison, Charles Lloyd, Carla Bley y Liberation Music Ensemble de Charlie Haden, y rechazó la oportunidad de ser el segundo baterista de John Coltrane.

En 1972, Motian grabó su primera sesión como líder, Conception Vessel, para ECM; le siguió en 1974 con Tribute. Formó un grupo de trabajo regular en 1977 (que incluía al tenor Joe Lovano) y grabó varias fechas más para ECM, luego renovó el conjunto para incluir al guitarrista Bill Frisell en 1980. Siguieron fechas adicionales para ECM y Soul Note, y en 1988 Motian se mudó a JMT, donde grabó una larga serie de excelentes álbumes comenzando con Monk en Motian. Durante los años 90, también dirigió un conjunto llamado Electric Bebop Band, que contó con el saxofonista Joshua Redman, los guitarristas Kurt Rosenwinkel y Brad Shepik, y el bajista Stomu Takeishi. En 1998, Motian firmó con el sello Winter & Winter, donde comenzó a grabar otro flujo constante de álbumes, incluidos 2000 + One en 1999, Europe en 2001 y Holiday for Strings en 2002.

En 2005, Motian se mudó al sello ECM, lanzando I Have the Room Above Her ese mismo año, seguido de Garden of Eden en 2006 y Time and Time Again en 2007. En el 2009, lanzó su quinto álbum de su serie de álbumes estándar con On Broadway, Vol. 5 y regresó en 2010 con la cita del trío Lost in a Dream en ECM. Al año siguiente, Motian lanzó varios álbumes, incluido Consort in Motion (su exploración de compositores renacentistas y barrocos), el álbum de conciertos Live at Birdland en ECM y Windmills of Your Mind, con el guitarrista Bill Frisell, en Winter & Winter.

Una figura enormemente influyente en la escena musical creativa, Motian murió a causa de complicaciones del síndrome mielodisplásico, un trastorno de la médula ósea, temprano en la mañana del 22 de noviembre de 2011 en la ciudad de Nueva York. Tenía 80 años. El álbum Further Explorations con el pianista Chick Corea y el bajista Eddie Gomez apareció póstumamente en Concord en enero de 2012. Dos años más tarde, ECM publicó la grabación de archivo Hamburg '72, de una actuación en trío con Keith Jarrett y Charlie Haden. Apareciendo en 2019, When Will the Blues Leave presentó una actuación suiza con el trío de Paul Bley (que también incluía al bajista Gary Peacock) de 1999.
https://www.allmusic.com/artist/paul-motian-mn0000018137#biography