Attila Zoller • Jazz Soundtracks

 

Description from Sonorama Records / Bandcamp (by Ekkehart Fleischhammer):
Collection of previously unreleased soundtrack recordings, produced 1962-67 in a Berlin studio. Soulful jazz from the arthouse films of Hansjürgen Pohland - "The Bread of Our Early Years", "Cat and Mouse", "Tamara" - improvised directly in front of the screen by Hungarian-born guitarist Attila Zoller (1927-1998) and his musicians. Lost treasure by "one of the 10 most underrated jazz guitarists of all time" (JazzTimes). "Attila is one of my heroes" (Pat Metheny).

"No other musician has given the German jazz scene this much soul - not in the sense of black, American soul, but in the sense of European romance - as the Hungarian Attila Zoller. (...) through his own sensitivity that has to do with the music of his homecountry Hungary." (Joachim Ernst Berendt in "A window of jazz", Fischer Publishing 1978)

Few Europeans have influenced the international jazz scene as impressive as the Hungarian-born guitarist Attila Zoller. Born on 13.06.1927 in Visegrad, he was four years old when he got his first music lessons. From 1948 to 1954 Zoller lived in Vienna and worked regularly in the local jazz scene. Then he moved to Germany, worked with Jutta Hipp, Albert and Emil Mangelsdorff, Oscar Pettiford, Kenny Clarke, Bud Shank, Bob Cooper and Lee Konitz.

In 1959 he moved to the United States, where he studied with Jim Hall and visited the Lenox School of Jazz with Ornette Coleman and Don Cherry. That is where Zoller first was exposed to freer jazz. 1960 Chico Hamilton took him into his band. Then he played on the international jazz scene as a sideman of Stan Getz, Benny Goodman, Herbie Mann, Herbie Hancock, Sonny Rollins and Ron Carter. His album "Beyond The Horizon", released in 1965, became a milestone between Cool and free jazz playing. This was followed by famous LPs like "Zoller Koller Solal" or "Zo-Ko-Ma" (1968).

Regularly Attila Zoller also appeared in Europe, especially in Germany, where he was awarded with the "Golden Bear" at the Berlin Film Festival for his lyrical soundtrack to Heinrich Böll's "The Bread of Our Early Years", together with Joachim-Ernst Berendt (Director: Herbert Vesely, 1962, production: Hansjürgen Pohland). In 1966 he wrote the sensitive music for the film version of Günter Grass's novel "Cat and Mouse", directed by Hansjürgen Pohland, 1967 also for the crime film "Tamara", directed by Hansjürgen Pohland and based on a novel by Hansjörg Martin.

The music for Pohland's movies was played by Zoller and his sidemen directly in front of the screen and recorded by technicians. Before the tapes should disappear for almost five decades, Pohland used them for post-production. It is thanks to Berlin-based photographer, actor and jazz lover Jan George that the recordings are not lost. Although Pohland archived the tapes at first, they were later left as garbage on the road by transporters who moved his stuff from Berlin to Munich. There the reels were discovered by Pohland's friend Jan George, who kept the treasure in his crates until the digital transfer in 2012.

In 1972, Attila Zoller founded the renowned jazz school in Vermont, which he directed personally until his death on January 25th, 1998. He was the first jazz guitarist who investigated the field of "free" or "avantgarde playing" in a serious way. As a teacher and mentor for many guitar students (including Pat Metheny), it was important to him to preserve the art form of jazz guitar. In 1995 he received a Lifetime Achievement Award from the New England Foundation for the Arts. In 2002, the magazine "JazzTimes" listed him among the "10 most underrated jazz guitarists of all time".
https://sonoramarecords.bandcamp.com/album/jazz-soundtracks

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Descripción de Sonorama Records / Bandcamp (por Ekkehart Fleischhammer):
Colección de grabaciones de bandas sonoras inéditas hasta entonces, producidas entre 1962 y 1967 en un estudio de Berlín. Jazz lleno de alma de las películas de arte y ensayo de Hansjürgen Pohland — "El pan de los primeros años", "Gato y ratón", "Tamara" — improvisadas directamente frente a la pantalla por el guitarrista húngaro Attila Zoller (1927-1998) y sus músicos. Un tesoro perdido de "uno de los 10 guitarristas de jazz más subestimados de todos los tiempos" (JazzTimes). "Attila es uno de mis héroes" (Pat Metheny).

"Ningún otro músico ha dado a la escena de jazz alemana tanta alma — no en el sentido del soul negro americano, sino en el sentido del romanticismo europeo — como el húngaro Attila Zoller. (...) a través de su propia sensibilidad, que tiene que ver con la música de su país natal, Hungría." (Joachim Ernst Berendt en "Una ventana al jazz", Fischer Publishing 1978)

Pocos europeos han influenciado la escena internacional del jazz de manera tan impresionante como el guitarrista de origen húngaro Attila Zoller. Nacido el 13.06.1927 en Visegrád, tuvo sus primeras lecciones de música a los cuatro años. Desde 1948 hasta 1954 Zoller vivió en Viena y trabajó regularmente en la escena jazz local. Luego se trasladó a Alemania, donde trabajó con Jutta Hipp, Albert y Emil Mangelsdorff, Oscar Pettiford, Kenny Clarke, Bud Shank, Bob Cooper y Lee Konitz.

En 1959 se trasladó a Estados Unidos, donde estudió con Jim Hall y visitó la Lenox School of Jazz junto a Ornette Coleman y Don Cherry. Allí fue donde Zoller tuvo su primer contacto con el jazz más libre. En 1960 Chico Hamilton lo incorporó a su banda. Luego tocó en la escena internacional del jazz como sideman de Stan Getz, Benny Goodman, Herbie Mann, Herbie Hancock, Sonny Rollins y Ron Carter. Su álbum "Beyond The Horizon", publicado en 1965, se convirtió en un hito entre el Cool y el free jazz. Le siguieron famosos LPs como "Zoller Koller Solal" o "Zo-Ko-Ma" (1968).

Attila Zoller aparecía regularmente también en Europa, especialmente en Alemania, donde fue galardonado con el "Oso de Oro" del Festival de Cine de Berlín por su lírica banda sonora para "El pan de los primeros años" de Heinrich Böll, junto a Joachim-Ernst Berendt (Director: Herbert Vesely, 1962, producción: Hansjürgen Pohland). En 1966 escribió la sensible música para la adaptación cinematográfica de la novela de Günter Grass "Gato y ratón", dirigida por Hansjürgen Pohland, y en 1967 también para el thriller "Tamara", igualmente dirigido por Pohland.

La música para las películas de Pohland fue interpretada por Zoller y sus sidemen directamente frente a la pantalla, y grabada por técnicos. Antes de que las cintas estuvieran a punto de desaparecer durante casi cinco décadas, Pohland las utilizó para la posproducción. Es gracias al fotógrafo, actor y amante del jazz berlinés Jan George que las grabaciones no se perdieron. Aunque Pohland archivó las cintas en un primer momento, más tarde fueron abandonadas como basura en la carretera por los transportistas que trasladaban sus cosas de Berlín a Múnich. Allí los carretes fueron descubiertos por el amigo de Pohland, Jan George, quien guardó el tesoro en sus cajas hasta la transferencia digital en 2012.

En 1972, Attila Zoller fundó la reconocida escuela de jazz en Vermont, que dirigió personalmente hasta su muerte el 25 de enero de 1998. Fue el primer guitarrista de jazz que investigó el campo del "free" o "avantgarde playing" de manera seria. Como maestro y mentor de muchos estudiantes de guitarra (incluyendo a Pat Metheny), le importaba preservar el arte del jazz guitar. En 1995 recibió un Premio a la Trayectoria de la New England Foundation for the Arts. En 2002, la revista "JazzTimes" lo incluyó entre los "10 guitarristas de jazz más subestimados de todos los tiempos".
https://sonoramarecords.bandcamp.com/album/jazz-soundtracks

Attila Zoller • When It's Time

 

Larry Willis • My Funny Valentine

 

Review
by Alex Henderson  
Although Larry Willis had played fusion and electric jazz-rock in the 1970s, the Willis heard on 1988's enjoyable, if conventional, My Funny Valentine is a more conservative post-bopper/hard bopper whose main reference points include McCoy Tyner, Tommy Flanagan, Wynton Kelly and Bill Evans. Willis plays the acoustic piano exclusively on this CD, and standards are a high priority. Nothing cutting-edge occurs, just straight-ahead jazz that's honest, warm and melodic. Most of the selections are trio numbers with bassist George Mraz and drummer Al Foster, although the pianist is joined by the passionate alto saxman Kenny Garrett on Thelonious Monk's "Rhythm-A-Ning," Garrett's insistent "For Openers" and Willis' haunting "Ethiopia." As a trio pianist, Willis is in good form on such often recorded standards as "My Funny Valentine," "Lazy Afternoon" and Billy Strayhorn's "Bloodcount" -- all of which demonstrate how sensitive a ballad player he can be. Initially released only in Japan by the Jazz City label, My Funny Valentine came out in the U.S. when the Philadelphia-based Evidence Music reissued it in 1998.
https://www.allmusic.com/album/my-funny-valentine-mw0000198066

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Reseña
por Alex Henderson  
Aunque Larry Willis había tocado fusión y jazz-rock eléctrico en los años 70, el Willis que se escucha en el agradable, aunque convencional, My Funny Valentine de 1988 es un post-bopper/hard bopper más conservador cuyos principales puntos de referencia incluyen a McCoy Tyner, Tommy Flanagan, Wynton Kelly y Bill Evans. Willis toca el piano acústico exclusivamente en este CD, y los estándares son una gran prioridad. No hay nada de vanguardia, sólo jazz directo, honesto, cálido y melódico. La mayoría de las selecciones son números a trío con el bajista George Mraz y el batería Al Foster, aunque al pianista se le une el apasionado saxo alto Kenny Garrett en "Rhythm-A-Ning" de Thelonious Monk, la insistente "For Openers" de Garrett y la inquietante "Ethiopia" de Willis. Como pianista de trío, Willis está en buena forma en estándares tan a menudo grabados como "My Funny Valentine", "Lazy Afternoon" y "Bloodcount" de Billy Strayhorn, todos los cuales demuestran lo sensible que puede llegar a ser como intérprete de baladas. Publicado inicialmente sólo en Japón por el sello Jazz City, My Funny Valentine llegó a los EE.UU. cuando Evidence Music, con sede en Filadelfia, lo reeditó en 1998.
https://www.allmusic.com/album/my-funny-valentine-mw0000198066

Steve Davis Quartet • Alone Together

 

stevedavismusic.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Jackie McLean • Right Now!

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/ 

Woody Shaw • For Sure!

 

Review
by Scott Yanow
One of five Woody Shaw albums on Columbia, this fine set finds the trumpeter's regular quartet (with pianist Larry Willis, bassist Stafford James, and drummer Victor Lewis) augmented by several horn players (Carter Jefferson on tenor and soprano, trombonists Curtis Fuller and Steve Turre, altoist Gary Bartz, and flutist James Spaulding), the percussion of Naná Vasconcelos, and, on two tracks, up to six strings. In addition, Judi Singh adds eerie vocals to "Time Is Right" and "Why?" Six separate sessions were needed to complete the LP, and the personnel varies on each track. There are originals performed by Shaw, Singh, Willis, and Lewis, but it is the trumpeter's feature on "We'll Be Together Again" with the strings that ends up being most memorable.
https://www.allmusic.com/album/for-sure%21-mw0000950895

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Reseña
por Scott Yanow
Uno de los cinco álbumes de Woody Shaw en Columbia, este buen conjunto encuentra el cuarteto habitual del trompetista (con el pianista Larry Willis, el bajista Stafford James y el baterista Victor Lewis) aumentado por varios trompistas (Carter Jefferson en tenor y soprano, los trombonistas Curtis Fuller y Steve Turre, el contralto Gary Bartz y el flautista James Spaulding), la percusión de Naná Vasconcelos y, en dos temas, hasta seis cuerdas. Además, Judi Singh añade una voz inquietante a "Time Is Right" y "Why?". Se necesitaron seis sesiones distintas para completar el LP, y el personal varía en cada tema. Hay temas originales interpretados por Shaw, Singh, Willis y Lewis, pero es la participación del trompetista en "We'll Be Together Again" con las cuerdas la que acaba siendo más memorable.
https://www.allmusic.com/album/for-sure%21-mw0000950895

Jackie McLean • The Complete Blue Note 1964-66 Jackie Mclean Sessions

 

Review by Scott Yanow
Altoist Jackie McLean has recorded so many fine albums throughout his career, particularly in the '60s for Blue Note, that Mosaic could have reissued his complete output without any loss of quality. This four-CD limited-edition box set contains six complete LPs worth of material plus one "new" alternate take. The music (which also features trumpeters Charles Tolliver and Lee Morgan; pianists Herbie Hancock, Larry Willis, and Harold Mabern, vibraphonist Bobby Hutcherson, bassists Cecil McBee, Bob Cranshaw, Larry Ridley, Herbie Lewis, and Don Moore, drummers Roy Haynes, Billy Higgins, Clifford Jarvis, Jack DeJohnette, and Billy Higgins) is explorative (showing the influence of Ornette Coleman) but without totally disregarding McLean's bebop roots. The performances straddle the boundaries between advanced hard, post and free bop jazz with Jackie McLean consistently emerging as the main star. His solos are consistently exciting, full of unexpected twists and turns.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-blue-note-1964-1966-sessions-mw0000951478

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Reseña de Scott Yanow                  
El contralto Jackie McLean ha grabado tantos buenos álbumes a lo largo de su carrera, especialmente en los años 60 para Blue Note, que Mosaic podría haber reeditado toda su producción sin pérdida de calidad. Esta caja de edición limitada de cuatro CD contiene seis LPs completos de material más una «nueva» toma alternativa. La música (en la que también participan los trompetistas Charles Tolliver y Lee Morgan; los pianistas Herbie Hancock, Larry Willis y Harold Mabern, el vibrafonista Bobby Hutcherson, los bajistas Cecil McBee, Bob Cranshaw, Larry Ridley, Herbie Lewis y Don Moore, y los baterías Roy Haynes, Billy Higgins, Clifford Jarvis, Jack DeJohnette y Billy Higgins) es explorativa (mostrando la influencia de Ornette Coleman) pero sin olvidar totalmente las raíces bebop de McLean. Las interpretaciones están a caballo entre el hard jazz avanzado, el post bop y el free bop jazz, con Jackie McLean como estrella principal. Sus solos son siempre emocionantes, llenos de giros inesperados.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-blue-note-1964-1966-sessions-mw0000951478

Larry Willis • Inner Crisis

 

Review by Thom Jurek
Inner Crisis by Larry Willis is one of the very finest examples of electric jazz-funk from the mid-'70s. With sidemen who included guitarist Roland Prince, drummer Al Foster, tenor saxophonist Harold Vick, and trombonist Dave Bargeron, as well as bassists Eddie Gomez (acoustic) and Roderick Gaskin (electric), Willis assembled a session that was long on composition and tight on the big groove. Willis' long front lines accentuated deep soul and blues' cadences that were hallmarks of music that walked the line between tough lean groove and the pulsating rhythm of disco without losing its jazz roots to sterile fusion tropes, thanks in large part to his willingness as a pianist to play as part of an ensemble rather than as a soloist. Tracks such as "153rd Street Theme," with its loping saxophone lines juxtaposed against deep groove basslines, offer a deeper perspective on the funk; the shimmering modal intensity of the title cut nods to the expansiveness of Miles Davis' "In a Silent Way,"and the blissed-out soul of "Journey's End," accentuates the wide-open engagement with lyricism that was frequently left out of the electric jazz equation during the period. Along with the other tracks here, they offer a moving, wonderfully conceived and articulated aspect of the music that has been sadly overlooked by all but the most devoted fans of the genre.
https://www.allmusic.com/album/inner-crisis-mw0000361184


Biography by Ron Wynn
Once identified with on-the-edge free music, keyboardist Larry Willis had a profitable flirtation with fusion in the '70s, then moved to hard bop in the '80s and '90s. Willis' playing has been frenetic, ambitious, and interesting, but during his jazz-rock and fusion days it was funky but greatly restrained and simplistic. A devotee of Herbie Hancock, Willis has found a good balance, with expertly constructed modal solos and also lyrical, relaxed statements. Willis graduated from the Manhattan School of Music in the early '60s, then played with Jackie McLean and Hugh Masekela. He recorded with Lee Morgan and McLean in the mid-'60s, and worked with Kai Winding and Stan Getz, as well as recording with Robin Kenyatta in 1969. Willis turned to synthesizer and electric piano in the '70s, doing sessions with Cannonball Adderley, Earl May, Joe Henderson, Richard "Groove" Holmes, and Masekela again. He joined Blood, Sweat & Tears in 1972, recorded with Alphonse Mouzon in both 1972 and 1973, and did dates as a leader and freelance session musician. Willis also recorded with Ryo Kawasaki and Sonny Fortune in the late '70s, and with David "Fathead" Newman and Carla Bley in the '80s. Willis toured and recorded with Nat Adderley in the '80s and joined Woody Shaw's quintet in 1986. He's done sessions as a leader for Groove Merchant, Steeplechase, Audioquest, Brunswick, and Mapleshade, among others, including Blue Fable and Offering on Highnote in 2007 and 2008, respectively.
https://www.allmusic.com/artist/larry-willis-mn0000114935/biography

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Reseña de Thom Jurek
Inner Crisis de Larry Willis es uno de los mejores ejemplos de jazz-funk eléctrico de mediados de los 70. Con los acompañantes que incluían al guitarrista Roland Prince, el baterista Al Foster, el saxofonista tenor Harold Vick y el trombonista Dave Bargeron, así como los bajistas Eddie Gómez (acústico) y Roderick Gaskin (eléctrico), Willis montó una sesión que era larga en la composición y apretada en el gran groove. Las largas líneas frontales de Willis acentuaban las cadencias profundas del soul y el blues, que eran el sello de una música que caminaba por la línea entre el groove duro y magro y el ritmo palpitante de la música disco sin perder sus raíces jazzísticas en tropos de fusión estériles, gracias en gran parte a su voluntad como pianista de tocar como parte de un conjunto en lugar de como solista. Temas como "153rd Street Theme", con sus líneas de saxofón yuxtapuestas a las líneas de bajo del deep groove, ofrecen una perspectiva más profunda del funk; la brillante intensidad modal del corte que da título al disco hace referencia a la expansión de "In a Silent Way" de Miles Davis, y el soul exaltado de "Journey's End" acentúa el compromiso abierto con el lirismo que a menudo se dejaba de lado en la ecuación del jazz eléctrico durante ese periodo. Junto con los demás temas aquí, ofrecen un aspecto conmovedor, maravillosamente concebido y articulado de la música que ha sido tristemente pasado por alto por todos, excepto por los más devotos fans del género.
https://www.allmusic.com/album/inner-crisis-mw0000361184


Biografía de Ron Wynn
Identificado en su día con la música libre de vanguardia, el teclista Larry Willis tuvo un provechoso coqueteo con la fusión en los años 70, y luego se pasó al hard bop en los 80 y 90. La forma de tocar de Willis ha sido frenética, ambiciosa e interesante, pero durante sus días de jazz-rock y fusión era funky pero muy contenida y simplista. Devoto de Herbie Hancock, Willis ha encontrado un buen equilibrio, con solos modales construidos por expertos y también declaraciones líricas y relajadas. Willis se graduó en la Manhattan School of Music a principios de los 60, y luego tocó con Jackie McLean y Hugh Masekela. Grabó con Lee Morgan y McLean a mediados de los 60, y trabajó con Kai Winding y Stan Getz, además de grabar con Robin Kenyatta en 1969. Willis se pasó al sintetizador y al piano eléctrico en los años 70 y realizó sesiones con Cannonball Adderley, Earl May, Joe Henderson, Richard "Groove" Holmes y Masekela de nuevo. Se unió a Blood, Sweat & Tears en 1972, grabó con Alphonse Mouzon tanto en 1972 como en 1973, e hizo fechas como líder y músico de sesión independiente. Willis también grabó con Ryo Kawasaki y Sonny Fortune a finales de los 70, y con David "Fathead" Newman y Carla Bley en los 80. Willis estuvo de gira y grabó con Nat Adderley en los 80 y se unió al quinteto de Woody Shaw en 1986. Ha realizado sesiones como líder para Groove Merchant, Steeplechase, Audioquest, Brunswick y Mapleshade, entre otros, incluyendo Blue Fable y Offering en Highnote en 2007 y 2008, respectivamente.
https://www.allmusic.com/artist/larry-willis-mn0000114935/biography

Jackie McLean • Jacknife

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/ 

Larry Willis • Steal Away

 

 

Biography by Ron Wynn
Once identified with on-the-edge free music, keyboardist Larry Willis had a profitable flirtation with fusion in the '70s, then moved to hard bop in the '80s and '90s. Willis' playing has been frenetic, ambitious, and interesting, but during his jazz-rock and fusion days it was funky but greatly restrained and simplistic. A devotee of Herbie Hancock, Willis has found a good balance, with expertly constructed modal solos and also lyrical, relaxed statements. Willis graduated from the Manhattan School of Music in the early '60s, then played with Jackie McLean and Hugh Masekela. He recorded with Lee Morgan and McLean in the mid-'60s, and worked with Kai Winding and Stan Getz, as well as recording with Robin Kenyatta in 1969. Willis turned to synthesizer and electric piano in the '70s, doing sessions with Cannonball Adderley, Earl May, Joe Henderson, Richard "Groove" Holmes, and Masekela again. He joined Blood, Sweat & Tears in 1972, recorded with Alphonse Mouzon in both 1972 and 1973, and did dates as a leader and freelance session musician. Willis also recorded with Ryo Kawasaki and Sonny Fortune in the late '70s, and with David "Fathead" Newman and Carla Bley in the '80s. Willis toured and recorded with Nat Adderley in the '80s and joined Woody Shaw's quintet in 1986. He's done sessions as a leader for Groove Merchant, Steeplechase, Audioquest, Brunswick, and Mapleshade, among others, including Blue Fable and Offering on Highnote in 2007 and 2008, respectively.
https://www.allmusic.com/artist/larry-willis-mn0000114935/biography

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Biografía de Ron Wynn
Identificado en su día con la música libre de vanguardia, el teclista Larry Willis tuvo un provechoso coqueteo con la fusión en los años 70, y luego se pasó al hard bop en los 80 y 90. La forma de tocar de Willis ha sido frenética, ambiciosa e interesante, pero durante sus días de jazz-rock y fusión era funky pero muy contenida y simplista. Devoto de Herbie Hancock, Willis ha encontrado un buen equilibrio, con solos modales construidos por expertos y también declaraciones líricas y relajadas. Willis se graduó en la Manhattan School of Music a principios de los 60, y luego tocó con Jackie McLean y Hugh Masekela. Grabó con Lee Morgan y McLean a mediados de los 60, y trabajó con Kai Winding y Stan Getz, además de grabar con Robin Kenyatta en 1969. Willis se pasó al sintetizador y al piano eléctrico en los años 70 y realizó sesiones con Cannonball Adderley, Earl May, Joe Henderson, Richard "Groove" Holmes y Masekela de nuevo. Se unió a Blood, Sweat & Tears en 1972, grabó con Alphonse Mouzon tanto en 1972 como en 1973, e hizo fechas como líder y músico de sesión independiente. Willis también grabó con Ryo Kawasaki y Sonny Fortune a finales de los 70, y con David "Fathead" Newman y Carla Bley en los 80. Willis estuvo de gira y grabó con Nat Adderley en los 80 y se unió al quinteto de Woody Shaw en 1986. Ha realizado sesiones como líder para Groove Merchant, Steeplechase, Audioquest, Brunswick y Mapleshade, entre otros, incluyendo Blue Fable y Offering en Highnote en 2007 y 2008, respectivamente.
https://www.allmusic.com/artist/larry-willis-mn0000114935/biography

 

Sonny Fortune • With Sound Reason

 

Biography by Matt Collar
Saxophonist, flutist, and multi-reed player Sonny Fortune was a progressive musician with a harmonically aggressive style who came to prominence as a member of trumpeter Miles Davis' fusion groups of the '70s. Born in Philadelphia in 1939, Fortune attended the Wurlitzer and Granoff music schools and performed with local R&B bands in his teens. Influenced early on by such players as Charlie Parker, Sonny Rollins, and John Coltrane, Fortune was 18 before he decided to pursue a career in music exclusively. In 1967 he moved to New York City and quickly found work with several name artists, including drummer Elvin Jones and percussionist Mongo Santamaria, with whom he would play for two years.

Around 1970 Fortune was asked join McCoy Tyner's group and ended up performing with the legendary pianist from 1971 to 1973. During this time, Fortune also recorded with drummer Buddy Rich and even turned down an invitation to join Miles Davis' fusion ensemble, choosing to stick with Tyner. However, in 1974 Fortune finally accepted and replaced saxophonist David Liebman in Davis' group. Although he was only with Davis for a year, it was a fruitful time and Fortune appeared on several albums including Big Fun, Get Up with It, Agharta, and Pangaea.

In 1975 Fortune formed his own group, and during the remainder of the decade released several albums including 1975's Awakening, 1977's Serengeti Minstrel with trumpeter Woody Shaw, and 1977's Waves of Dreams. Also during the '70s, he worked with cornetist Nat Adderley as well as the Elvin Jones Jazz Machine. Although his own discography was sparse throughout the '80s, Fortune continued to perform, joining the Coltrane Legacy Band in 1987 along with Tyner, Jones, and bassist Reggie Workman.

In the '90s Fortune's solo work kicked into high gear and he released several acclaimed records for Blue Note, including 1994's Four in One, 1995's A Better Understanding, and 1996's From Now On. During the following years Fortune continued to perform around the world and released a steady stream of albums, including his 2000 tribute album In the Spirit of John Coltrane, 2003's Continuum, 2007's standards album You and the Night and the Music, and 2009's live album Last Night at Sweet Rhythm. Fortune died in Manhattan on October 25, 2018 due to complications of a stroke. He was 79 years old.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269#biography

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Biografía de Matt Collar
Sonny Fortune, saxofonista, flautista e intérprete de varias cañas, fue un músico progresivo con un estilo armónicamente agresivo que saltó a la fama como miembro de los grupos de fusión del trompetista Miles Davis en los años setenta. Nacido en Filadelfia en 1939, Fortune asistió a las escuelas de música Wurlitzer y Granoff y actuó con bandas locales de R&B en su adolescencia. Influido muy pronto por músicos como Charlie Parker, Sonny Rollins y John Coltrane, Fortune tenía 18 años cuando decidió dedicarse exclusivamente a la música. En 1967 se trasladó a Nueva York y enseguida encontró trabajo con varios artistas de renombre, entre ellos el batería Elvin Jones y el percusionista Mongo Santamaria, con quien tocaría durante dos años.

Alrededor de 1970, Fortune fue invitado a unirse al grupo de McCoy Tyner y acabó tocando con el legendario pianista de 1971 a 1973. Durante este tiempo, Fortune también grabó con el batería Buddy Rich e incluso rechazó una invitación para unirse al conjunto de fusión de Miles Davis, optando por seguir con Tyner. Sin embargo, en 1974 Fortune aceptó finalmente y sustituyó al saxofonista David Liebman en el grupo de Davis. Aunque sólo estuvo un año con Davis, fue una época fructífera y Fortune apareció en varios álbumes, como Big Fun, Get Up with It, Agharta y Pangaea.

En 1975 Fortune formó su propio grupo y durante el resto de la década publicó varios álbumes, entre ellos Awakening, de 1975, Serengeti Minstrel, de 1977, con el trompetista Woody Shaw, y Waves of Dreams, de 1977. También durante los años 70, trabajó con el cornetista Nat Adderley y con la Elvin Jones Jazz Machine. Aunque su propia discografía fue escasa durante los años 80, Fortune siguió actuando, uniéndose a la Coltrane Legacy Band en 1987 junto a Tyner, Jones y el bajista Reggie Workman.

En los años 90, Fortune empezó a trabajar en solitario y publicó varios discos aclamados para Blue Note, como Four in One (1994), A Better Understanding (1995) y From Now On (1996). Durante los años siguientes, Fortune siguió actuando por todo el mundo y publicando un flujo constante de álbumes, entre los que se incluyen su álbum homenaje de 2000 In the Spirit of John Coltrane, Continuum de 2003, el álbum de estándares de 2007 You and the Night and the Music y el álbum en directo de 2009 Last Night at Sweet Rhythm. Fortune falleció en Manhattan el 25 de octubre de 2018 debido a complicaciones de un derrame cerebral. Tenía 79 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269#biography


 

Larry Willis • The Offering

Biography by Ron Wynn
Once identified with on-the-edge free music, keyboardist Larry Willis had a profitable flirtation with fusion in the '70s, then moved to hard bop in the '80s and '90s. Willis' playing has been frenetic, ambitious, and interesting, but during his jazz-rock and fusion days it was funky but greatly restrained and simplistic. A devotee of Herbie Hancock, Willis has found a good balance, with expertly constructed modal solos and also lyrical, relaxed statements. Willis graduated from the Manhattan School of Music in the early '60s, then played with Jackie McLean and Hugh Masekela. He recorded with Lee Morgan and McLean in the mid-'60s, and worked with Kai Winding and Stan Getz, as well as recording with Robin Kenyatta in 1969. Willis turned to synthesizer and electric piano in the '70s, doing sessions with Cannonball Adderley, Earl May, Joe Henderson, Richard "Groove" Holmes, and Masekela again. He joined Blood, Sweat & Tears in 1972, recorded with Alphonse Mouzon in both 1972 and 1973, and did dates as a leader and freelance session musician. Willis also recorded with Ryo Kawasaki and Sonny Fortune in the late '70s, and with David "Fathead" Newman and Carla Bley in the '80s. Willis toured and recorded with Nat Adderley in the '80s and joined Woody Shaw's quintet in 1986. He's done sessions as a leader for Groove Merchant, Steeplechase, Audioquest, Brunswick, and Mapleshade, among others, including Blue Fable and Offering on Highnote in 2007 and 2008, respectively.
https://www.allmusic.com/artist/larry-willis-mn0000114935/biography

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Biografía de Ron Wynn
Identificado en su día con la música libre de vanguardia, el teclista Larry Willis tuvo un provechoso coqueteo con la fusión en los años 70, y luego se pasó al hard bop en los 80 y 90. La forma de tocar de Willis ha sido frenética, ambiciosa e interesante, pero durante sus días de jazz-rock y fusión era funky pero muy contenida y simplista. Devoto de Herbie Hancock, Willis ha encontrado un buen equilibrio, con solos modales construidos por expertos y también declaraciones líricas y relajadas. Willis se graduó en la Manhattan School of Music a principios de los 60, y luego tocó con Jackie McLean y Hugh Masekela. Grabó con Lee Morgan y McLean a mediados de los 60, y trabajó con Kai Winding y Stan Getz, además de grabar con Robin Kenyatta en 1969. Willis se pasó al sintetizador y al piano eléctrico en los años 70 y realizó sesiones con Cannonball Adderley, Earl May, Joe Henderson, Richard "Groove" Holmes y Masekela de nuevo. Se unió a Blood, Sweat & Tears en 1972, grabó con Alphonse Mouzon tanto en 1972 como en 1973, e hizo fechas como líder y músico de sesión independiente. Willis también grabó con Ryo Kawasaki y Sonny Fortune a finales de los 70, y con David "Fathead" Newman y Carla Bley en los 80. Willis estuvo de gira y grabó con Nat Adderley en los 80 y se unió al quinteto de Woody Shaw en 1986. Ha realizado sesiones como líder para Groove Merchant, Steeplechase, Audioquest, Brunswick y Mapleshade, entre otros, incluyendo Blue Fable y Offering en Highnote en 2007 y 2008, respectivamente.
https://www.allmusic.com/artist/larry-willis-mn0000114935/biography