Billy Taylor • Cross Section

Review by Scott Yanow

For this CD reissue, pianist Billy Taylor is features on eight songs with his trio of 1954 (which included bassist Earl May and drummer Percy Brice); the four originals (which alternate with standards) were all dedicated to disc jockeys of the time. The trio was pretty tight with Taylor in the lead and, although boppish, it also looked back toward the swing era. The remaining four numbers match Taylor and May with what was dubbed "Machito's Rhythm Section": Charlie Smith on conga, Joe Mangual on bongos, Uba Nieto playing timbales and Machito himself on maracas. The four mambos are ideal both for listening and for dance music. An enjoyable set.

Billy Taylor encompassed that rare combination of creativity, intelligence, vision, commitment and leadership, qualities that made him one of our most cherished national treasures.

The distinguished ambassador of the jazz community to the world-at-large, Dr. Billy Taylor's recording career spans nearly six decades. He has also composed over three hundred and fifty songs, including “I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free,” as well as works for theatre, dance and symphony orchestras.

Playing the piano professionally since 1944, he got his start with Ben Webster's Quartet on New York's famed 52nd Street. He then served as the house pianist at Birdland, the legendary jazz club where he performed with such celebrated masters as Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Miles Davis. Since the 1950s, Billy Taylor has been leading his own Trio, as well as performing with the most influential jazz musicians of the twentieth century.

Dr. Taylor has not only been an influential musician, but a highly regarded teacher as well, receiving his Masters and Doctorate in Music Education from the University of Massachusetts at Amherst and serving as a Duke Ellington Fellow at Yale University.

He has also hosted and programmed such radio stations WLIB and WNEW in New York, and award winning series for National Public Radio. In the early 1980s, Taylor became the arts correspondent for CBS Sunday Morning.

Dr. Billy Taylor is one of only three jazz musicians appointed to the National Council of the Arts, and also serves as the Artistic Advisor for Jazz to the Kennedy Center for the Performing Arts, where he has developed one acclaimed concert series after another including the Louis Armstrong Legacy series, and the annual Mary Lou Williams Women in Jazz Festival.

With over twenty three honorary doctoral degrees, Dr. Billy Taylor is also the recipient of two Peabody Awards, an Emmy, a Grammy and a host of prestigious and highly coveted prizes, such as the National Medal of Arts, the Tiffany Award, a Lifetime achievement Award from Downbeat Magazine, and, election to the Hall of Fame for the International Association for Jazz Education.

Dr. Billy Taylor passed on Dec. 28, 2010.

 

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Reseña de Scott Yanow
Para esta reedición del CD, el pianista Billy Taylor aparece en ocho canciones con su trío de 1954 (que incluía al bajista Earl May y al baterista Percy Brice); los cuatro originales (que se alternan con los estándares) estaban todos dedicados a los disc jockeys de la época. El trío estaba bastante unido con Taylor al frente y, aunque era un poco boppish, también miraba hacia atrás, hacia la era del swing. Los cuatro números restantes coinciden con Taylor y May con lo que se denominó "Sección Rítmica de Machito": Charlie Smith en la conga, Joe Mangual en los bongos, Uba Nieto tocando los timbales y el mismo Machito en las maracas. Los cuatro mambos son ideales tanto para escuchar como para bailar. Un conjunto agradable.  

Billy Taylor comprendía esa rara combinación de creatividad, inteligencia, visión, compromiso y liderazgo, cualidades que lo convirtieron en uno de nuestros tesoros nacionales más preciados.

El distinguido embajador de la comunidad de jazz ante el mundo en general, la carrera discográfica del Dr. Billy Taylor abarca casi seis décadas. También ha compuesto más de trescientas cincuenta canciones, entre ellas "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free", así como obras para teatro, danza y orquestas sinfónicas.

Tocando el piano profesionalmente desde 1944, comenzó con Ben Webster's Quartet en la famosa calle 52 de Nueva York. Luego se desempeñó como pianista en Birdland, el legendario club de jazz donde tocó con maestros tan famosos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Miles Davis. Desde los años 50, Billy Taylor ha estado dirigiendo su propio trío, así como tocando con los músicos de jazz más influyentes del siglo XX.

El Dr. Taylor no sólo ha sido un músico influyente, sino también un profesor muy respetado, recibiendo su Maestría y Doctorado en Educación Musical de la Universidad de Massachusetts en Amherst y sirviendo como Duke Ellington Fellow en la Universidad de Yale.

También ha sido anfitrión y programador de las estaciones de radio WLIB y WNEW en Nueva York, y de series premiadas para la Radio Pública Nacional. A principios de la década de 1980, Taylor se convirtió en corresponsal de arte de CBS Sunday Morning.

El Dr. Billy Taylor es uno de sólo tres músicos de jazz nombrados para el Consejo Nacional de las Artes, y también sirve como Asesor Artístico de Jazz para el Kennedy Center for the Performing Arts, donde ha desarrollado una aclamada serie de conciertos tras otra, incluyendo la serie Louis Armstrong Legacy, y el Festival anual Mary Lou Williams Women in Jazz.

Con más de veintitrés doctorados honorarios, el Dr. Billy Taylor también ha recibido dos premios Peabody, un Emmy, un Grammy y una serie de prestigiosos y muy codiciados premios, como la Medalla Nacional de las Artes, el Premio Tiffany, un premio de logros de toda una vida de la revista Downbeat y la elección al Salón de la Fama de la Asociación Internacional para la Educación en Jazz.

El Dr. Billy Taylor falleció el 28 de diciembre de 2010.

 

Machito • Machito Goes Memphis

Review by Tony Wilds

What? Machito playing SOUL? The bad news is that there is nothing much to it except the cover of "Green Onions." The good news is that this is a fantastic cover. Many have tried to do justice to the tune, but few if any have succeeded in matching the original. Machito's version does not bend to the visceral and funky style of the MG's but instead zaps it into high-1960s "mod" or "now sound" territory. It has snap, punch, power, and the period sound of such other "mod" monsters as "Soul Bossa Nova." DJs will love it, and the rest of the album will keep Machito fans scratching their heads in utter disbelief.

Artist Biography by Richard S. Ginell
Machito played a huge role in the history of Latin jazz, for his bands of the 1940s were probably the first to achieve a fusion of powerful Afro-Cuban rhythms and jazz improvisation. At its roaring best, the band had a hard-charging sound, loaded with jostling, hyperactive bongos and congas and razor-edged riffing brass. Machito was the front man, singing, conducting, shaking maracas, while his brother-in-law Mario Bauza was the innovator behind the scenes, getting Machito to hire jazz-oriented arrangers. The son of a cigar manufacturer, Machito became a professional musician in Cuba in his teens before he emigrated to America in 1937 as a vocalist with La Estrella Habanera. He worked with several Latin artists and orchestras in the late '30s, recording with the then-dominant Latin bandleader Xavier Cugat. After an earlier aborted attempt to launch a band with Bauza, Machito founded the Afro-Cubans in 1940, taking on Bauza the following year as music director where he remained for 35 years. After making some early 78s for Decca, the Afro-Cubans really began to catch on after the end of World War II, appearing with -- and no doubt influencing -- Stan Kenton's orchestra (Machito played maracas on Kenton's recordings of "The Peanut Vendor" and "Cuban Carnival") and recording some exciting sides for Mercury and Clef. Upon Bauza's urging, Machito's band featured a galaxy of American jazz soloists on its recordings from 1948 to 1960, including Charlie Parker (heard memorably on "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller and Johnny Griffin. Playing regularly at New York's Palladium, Machito's band reached its peak of popularity during the mambo craze of the 1950s, survived the upheavals of the '60s and despite the loss of Bauza in 1976, continued to work frequently in the '60s, '70s, and early '80s when the term "salsa" came into use. The band recorded for Pablo (in tandem with Gillespie) and Timeless in its later years, and was playing Ronnie Scott's club in London in 1984 when Machito suffered a fatal stroke. A documentary film by Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, was released in 1987.

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Revisión por Tony Wilds

¿Qué? ¿Machito tocando SOUL? La mala noticia es que no hay mucho más que la portada de "Green Onions". La buena noticia es que esta es una portada fantástica. Muchos han tratado de hacer justicia a la melodía, pero pocos han logrado igualar el original. La versión de Machito no se inclina por el estilo visceral y funky de los MG, sino que la convierte en un territorio de "mod" o "ahora suena" de los años sesenta. Tiene snap, punch, power y el sonido de la época de otros monstruos "mod" como "Soul Bossa Nova". A los DJs les encantará, y el resto del álbum mantendrá a los fanáticos de Machito rascándose la cabeza con absoluta incredulidad.

Biografía del artista por Richard S. Ginell
Machito jugó un papel muy importante en la historia del jazz latino, ya que sus bandas de la década de 1940 fueron probablemente los primeros en lograr una fusión de poderosos ritmos afrocubanos e improvisación de jazz. En su mejor momento, la banda tenía un sonido de carga dura, cargado con bongos y congas hiperactivos y empujones y riffs de bronce. Machito era el líder, cantaba, dirigía y agitaba a las maracas, mientras que su cuñado, Mario Bauza, era el innovador detrás de escena, logrando que Machito contratara a arreglistas orientados al jazz. Hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba en su adolescencia antes de emigrar a Estados Unidos en 1937 como vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas y orquestas latinas a finales de los años 30, grabando con el entonces líder de la banda latino Xavier Cugat. Luego de un intento abortado de lanzar una banda con Bauza, Machito fundó los afro-cubanos en 1940, y se convirtió en Bauza al año siguiente como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de llegar a los 78 años de edad para Decca, los afro-cubanos realmente comenzaron a mejorar después de la Segunda Guerra Mundial, apareciendo con, y sin duda influyendo, en la orquesta de Stan Kenton (Machito tocó maracas en las grabaciones de Kenton de "The Peanut Vendor" "y" Carnaval cubano ") y grabando algunos lados emocionantes para Mercury y Clef. A instancias de Bauza, la banda de Machito presentó una galaxia de solistas de jazz estadounidense en sus grabaciones de 1948 a 1960, incluyendo a Charlie Parker (escuchado memorablemente en "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller y Johnny Griffin. Tocando regularmente en el Palladium de Nueva York, la banda de Machito alcanzó su mayor popularidad durante la moda del mambo de la década de 1950, sobrevivió a los trastornos de los años 60 y, a pesar de la pérdida de Bauza en 1976, continuó trabajando con frecuencia en los años 60 y 70. y principios de los 80 cuando el término "salsa" entró en uso. La banda grabó para Pablo (junto con Gillespie) y Timeless en sus últimos años, y estaba tocando en el club de Ronnie Scott en Londres en 1984, cuando Machito sufrió un golpe fatal. Una película documental de Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, fue estrenada en 1987.

VA • Boogaloo Pow Wow; Dancefloor Rendez- Vous In Young Nuyorica

 

A scorching compilation which brings to the table the brilliant, hybrid, jostling array of styles which burnedup Latino dancefloors in Sixties New York. Sassy soundtrack from when salsa was cool and cutting-edge. There is no literal Spanish translation of "cool" but the sound of New York Latino dancefloor music from the 1960s is surely the original meaning of the word. Listen to hombres like Machito, Ray Barretto and Joe Loco and you can hear the Cuban vibe being reimagined and funked up for a new generation. Son, mambo, cha cha cha and jazz flirt with rhythm and blues and soul to get morphed into the explosive beat of boogaloo and shingaling. Spin this 17-track collection and you'll hear the wail of the big city and the hustle of Harlem's clubland in its heyday. Political protest was on fire, civil rights were on the agenda and cultural pots were melting and boiling over. This is the soundtrack of a moment when new energies burst forward and Latinos found their style.
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Una abrasadora recopilación que pone sobre la mesa la brillante, híbrida y agitada variedad de estilos que hicieron arder las pistas de baile latinas en el Nueva York de los años sesenta. Una banda sonora descarada de cuando la salsa era cool y vanguardista. No existe una traducción literal al español de la palabra "cool", pero el sonido de la música latina de las pistas de baile neoyorquinas de los años sesenta es sin duda el significado original de la palabra. Escuche a hombres como Machito, Ray Barretto y Joe Loco y oirá cómo el ambiente cubano se reinventa y se transforma para una nueva generación. El son, el mambo, el cha cha cha y el jazz coquetean con el rhythm and blues y el soul para transformarse en el ritmo explosivo del boogaloo y el shingaling. Gire esta colección de 17 pistas y escuchará el ulular de la gran ciudad y el ajetreo de los clubes de Harlem en su apogeo. La protesta política ardía, los derechos civiles estaban a la orden del día y las ollas culturales se derretían y hervían. Esta es la banda sonora de un momento en el que irrumpieron nuevas energías y los latinos encontraron su estilo.
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VA • Latin Jazz Classics

 

 

Charlie Parker & Machito And His Orchestra • The Latin Bird

 

 

VA • Rumba Jazz 1919-1945, The History Of Latin Jazz & Dance Music

 

VA • Five Star Latin Jazz

 

Machito, Kenny Dorham, Dave Pike, Count Basie, Horace Silver, Arturo Sandoval, Charlie Parker, Roy Hargrove, David Sanborn, Chico O'Farrill, Dizzy Gillespie, Gato Barbieri, Paul Desmond, Cal Tjader ...

Machito & His Orchestra • Soul Source

 

Artist Biography by Richard S. Ginell
Machito played a huge role in the history of Latin jazz, for his bands of the 1940s were probably the first to achieve a fusion of powerful Afro-Cuban rhythms and jazz improvisation. At its roaring best, the band had a hard-charging sound, loaded with jostling, hyperactive bongos and congas and razor-edged riffing brass. Machito was the front man, singing, conducting, shaking maracas, while his brother-in-law Mario Bauza was the innovator behind the scenes, getting Machito to hire jazz-oriented arrangers. The son of a cigar manufacturer, Machito became a professional musician in Cuba in his teens before he emigrated to America in 1937 as a vocalist with La Estrella Habanera. He worked with several Latin artists and orchestras in the late '30s, recording with the then-dominant Latin bandleader Xavier Cugat. After an earlier aborted attempt to launch a band with Bauza, Machito founded the Afro-Cubans in 1940, taking on Bauza the following year as music director where he remained for 35 years. After making some early 78s for Decca, the Afro-Cubans really began to catch on after the end of World War II, appearing with -- and no doubt influencing -- Stan Kenton's orchestra (Machito played maracas on Kenton's recordings of "The Peanut Vendor" and "Cuban Carnival") and recording some exciting sides for Mercury and Clef. Upon Bauza's urging, Machito's band featured a galaxy of American jazz soloists on its recordings from 1948 to 1960, including Charlie Parker (heard memorably on "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller and Johnny Griffin. Playing regularly at New York's Palladium, Machito's band reached its peak of popularity during the mambo craze of the 1950s, survived the upheavals of the '60s and despite the loss of Bauza in 1976, continued to work frequently in the '60s, '70s, and early '80s when the term "salsa" came into use. The band recorded for Pablo (in tandem with Gillespie) and Timeless in its later years, and was playing Ronnie Scott's club in London in 1984 when Machito suffered a fatal stroke. A documentary film by Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, was released in 1987.

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Biografía del artista por Richard S. Ginell
Machito jugó un papel muy importante en la historia del jazz latino, ya que sus bandas de la década de 1940 fueron probablemente los primeros en lograr una fusión de poderosos ritmos afrocubanos e improvisación de jazz. En su mejor momento, la banda tenía un sonido de carga dura, cargado con bongos y congas hiperactivos y empujones y riffs de bronce. Machito era el líder, cantaba, dirigía y agitaba a las maracas, mientras que su cuñado, Mario Bauza, era el innovador detrás de escena, logrando que Machito contratara a arreglistas orientados al jazz. Hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba en su adolescencia antes de emigrar a Estados Unidos en 1937 como vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas y orquestas latinas a finales de los años 30, grabando con el entonces líder de la banda latino Xavier Cugat. Luego de un intento abortado de lanzar una banda con Bauza, Machito fundó los afro-cubanos en 1940, y se convirtió en Bauza al año siguiente como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de llegar a los 78 años de edad para Decca, los afro-cubanos realmente comenzaron a mejorar después de la Segunda Guerra Mundial, apareciendo con, y sin duda influyendo, en la orquesta de Stan Kenton (Machito tocó maracas en las grabaciones de Kenton de "The Peanut Vendor" "y" Carnaval cubano ") y grabando algunos lados emocionantes para Mercury y Clef. A instancias de Bauza, la banda de Machito presentó una galaxia de solistas de jazz estadounidense en sus grabaciones de 1948 a 1960, incluyendo a Charlie Parker (escuchado memorablemente en "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller y Johnny Griffin. Tocando regularmente en el Palladium de Nueva York, la banda de Machito alcanzó su mayor popularidad durante la moda del mambo de la década de 1950, sobrevivió a los trastornos de los años 60 y, a pesar de la pérdida de Bauza en 1976, continuó trabajando con frecuencia en los años 60 y 70. y principios de los 80 cuando el término "salsa" entró en uso. La banda grabó para Pablo (junto con Gillespie) y Timeless en sus últimos años, y estaba tocando en el club de Ronnie Scott en Londres en 1984, cuando Machito sufrió un ataque al corazón fatal. Una película documental de Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, fue estrenada en 1987.

Charlie Parker • The Essential Charlie Parker

 

 

Biography by Scott Yanow
One of a handful of musicians who can be said to have permanently changed jazz, Charlie Parker was arguably the greatest saxophonist of all time. He could play remarkably fast lines that, if slowed down to half speed, would reveal that every note made sense. "Bird," along with his contemporaries Dizzy Gillespie and Bud Powell, is considered a founder of bebop; in reality he was an intuitive player who simply was expressing himself. Rather than basing his improvisations closely on the melody as was done in swing, he was a master of chordal improvising, creating new melodies that were based on the structure of a song. In fact, Bird wrote several future standards (such as "Anthropology," "Ornithology," "Scrapple from the Apple," and "Ko Ko," along with such blues numbers as "Now's the Time" and "Parker's Mood") that "borrowed" and modernized the chord structures of older tunes. Parker's remarkable technique, fairly original sound, and ability to come up with harmonically advanced phrases that could be both logical and whimsical were highly influential. By 1950, it was impossible to play "modern jazz" with credibility without closely studying Charlie Parker.

Born in Kansas City, KS, Charlie Parker grew up in Kansas City, MO. He first played baritone horn before switching to alto. Parker was so enamored of the rich Kansas City music scene that he dropped out of school when he was 14, even though his musicianship at that point was questionable (with his ideas coming out faster than his fingers could play them). After a few humiliations at jam sessions, Bird worked hard woodshedding over one summer, building up his technique and mastery of the fundamentals. By 1937, when he first joined Jay McShann's Orchestra, he was already a long way toward becoming a major player.

Charlie Parker, who was early on influenced by Lester Young and the sound of Buster Smith, visited New York for the first time in 1939, working as a dishwasher at one point so he could hear Art Tatum play on a nightly basis. He made his recording debut with Jay McShann in 1940, creating remarkable solos with a small group from McShann's orchestra on "Oh, Lady Be Good" and "Honeysuckle Rose." When the McShann big band arrived in New York in 1941, Parker had short solos on a few of their studio blues records, and his broadcasts with the orchestra greatly impressed (and sometimes scared) other musicians who had never heard his ideas before. Parker, who had met and jammed with Dizzy Gillespie for the first time in 1940, had a short stint with Noble Sissle's band in 1942, played tenor with Earl Hines' sadly unrecorded bop band of 1943, and spent a few months in 1944 with Billy Eckstine's orchestra, leaving before that group made their first records. Gillespie was also in the Hines and Eckstine big bands, and the duo became a team starting in late 1944.

Although Charlie Parker recorded with Tiny Grimes' combo in 1944, it was his collaborations with Dizzy Gillespie in 1945 that startled the jazz world. To hear the two virtuosos play rapid unisons on such new songs as "Groovin' High," "Dizzy Atmosphere," "Shaw 'Nuff," "Salt Peanuts," and "Hot House," and then launch into fiery and unpredictable solos could be an upsetting experience for listeners much more familiar with Glenn Miller and Benny Goodman. Although the new music was evolutionary rather than revolutionary, the recording strike of 1943-1944 resulted in bebop arriving fully formed on records, seemingly out of nowhere.

Unfortunately, Charlie Parker was a heroin addict ever since he was a teenager, and some other musicians who idolized Bird foolishly took up drugs in the hope that it would elevate their playing to his level. When Gillespie and Parker (known as "Diz and Bird") traveled to Los Angeles and were met with a mixture of hostility and indifference (except by younger musicians who listened closely), they decided to return to New York. Impulsively, Parker cashed in his ticket, ended up staying in L.A., and, after some recordings and performances (including a classic version of "Oh, Lady Be Good" with Jazz at the Philharmonic), the lack of drugs (which he combated by drinking an excess of liquor) resulted in a mental breakdown and six months of confinement at the Camarillo State Hospital. Released in January 1947, Parker soon headed back to New York and engaged in some of the most rewarding playing of his career, leading a quintet that included Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter, and Max Roach. Parker, who recorded simultaneously for the Savoy and Dial labels, was in peak form during the 1947-1951 period, visiting Europe in 1949 and 1950, and realizing a lifelong dream to record with strings starting in 1949 when he switched to Norman Granz's Verve label.

But Charlie Parker, due to his drug addiction and chance-taking personality, enjoyed playing with fire too much. In 1951, his cabaret license was revoked in New York (making it difficult for him to play in clubs) and he became increasingly unreliable. Although he could still play at his best when he was inspired (such as at the 1953 Massey Hall concert with Gillespie), Bird was heading downhill. In 1954, he twice attempted suicide before spending time in Bellevue. His health, shaken by a very full if brief life of excesses, gradually declined, and when he died in March 1955 at the age of 34, he could have passed for 64.

Charlie Parker, who was a legendary figure during his lifetime, has if anything grown in stature since his death. Virtually all of his studio recordings are available on CD along with a countless number of radio broadcasts and club appearances. Clint Eastwood put together a well-intentioned if simplified movie about aspects of his life (Bird). Parker's influence, after the rise of John Coltrane, has become more indirect than direct, but jazz would sound a great deal different if Charlie Parker had not existed. The phrase "Bird Lives" (which was scrawled as graffiti after his death) is still very true.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-parker-mn0000211758#biography

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Biografía de Scott Yanow
Charlie Parker, uno de los pocos músicos de los que se puede decir que cambió permanentemente el jazz, fue posiblemente el mejor saxofonista de todos los tiempos. Podía tocar líneas notablemente rápidas que, si se reducían a la mitad de velocidad, revelarían que cada nota tenía sentido. "Bird", junto con sus contemporáneos Dizzy Gillespie y Bud Powell, es considerado uno de los fundadores del bebop; en realidad era un jugador intuitivo que simplemente se estaba expresando. En lugar de basar sus improvisaciones estrechamente en la melodía como se hacía en el swing, era un maestro de la improvisación de acordes, creando nuevas melodías que se basaban en la estructura de una canción. De hecho, Bird escribió varios estándares futuros (como "Anthropology", "Ornithology", "Scrapple from the Apple" y "Ko Ko", junto con números de blues como "Now s the Time" y "Parker's Mood") que "tomaron prestado" y modernizaron las estructuras de acordes de melodías más antiguas. La notable técnica de Parker, su sonido bastante original y su capacidad para crear frases armónicamente avanzadas que pudieran ser tanto lógicas como caprichosas fueron muy influyentes. Para 1950, era imposible tocar "jazz moderno" con credibilidad sin estudiar de cerca a Charlie Parker.

Nacido en Kansas City, Kansas, Charlie Parker creció en Kansas City, Missouri. Primero tocó el cuerno de barítono antes de cambiarse al alto. Parker estaba tan enamorado de la rica escena musical de Kansas City que abandonó la escuela cuando tenía 14 años, a pesar de que su maestría musical en ese momento era cuestionable (con sus ideas surgiendo más rápido de lo que sus dedos podían tocarlas). Después de algunas humillaciones en sesiones improvisadas, Bird trabajó duro como leñador durante un verano, desarrollando su técnica y dominio de los fundamentos. Para 1937, cuando se unió por primera vez a la Orquesta de Jay McShann, ya estaba muy lejos de convertirse en un actor importante.

Charlie Parker, quien fue influenciado desde el principio por Lester Young y el sonido de Buster Smith, visitó Nueva York por primera vez en 1939, trabajando como lavaplatos en un momento dado para poder escuchar tocar a Art Tatum todas las noches. Hizo su debut discográfico con Jay McShann en 1940, creando solos notables con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose"."Cuando la McShann big band llegó a Nueva York en 1941, Parker tenía solos cortos en algunos de sus discos de blues de estudio, y sus transmisiones con la orquesta impresionaron mucho (y a veces asustaron) a otros músicos que nunca antes habían escuchado sus ideas. Parker, que había conocido y tocado con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo un breve período con la banda de Noble Sissle en 1942, tocó tenor con la bop band de Earl Hines, lamentablemente sin grabar, de 1943, y pasó unos meses en 1944 con la orquesta de Billy Eckstine, abandonando antes de que ese grupo hiciera sus primeros discos. Gillespie también estuvo en las big bands de Hines y Eckstine, y el dúo se convirtió en un equipo a partir de finales de 1944.

Aunque Charlie Parker grabó con el combo de Tiny Grimes en 1944, fueron sus colaboraciones con Dizzy Gillespie en 1945 las que sorprendieron al mundo del jazz. Escuchar a los dos virtuosos tocar rápidos unísonos en canciones nuevas como "Groovin ' High", "Dizzy Atmosphere", "Shaw ' Nuff"," Salt Peanuts " y "Hot House", y luego lanzarse a solos ardientes e impredecibles podría ser una experiencia perturbadora para los oyentes mucho más familiarizados con Glenn Miller y Benny Goodman. Aunque la nueva música fue evolutiva en lugar de revolucionaria, la huelga discográfica de 1943-1944 resultó en que bebop llegara completamente formado en discos, aparentemente de la nada.

Desafortunadamente, Charlie Parker era un adicto a la heroína desde que era un adolescente, y algunos otros músicos que idolatraban a Bird tontamente tomaron drogas con la esperanza de que elevara su forma de tocar a su nivel. Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz y Bird") viajaron a Los Ángeles y se encontraron con una mezcla de hostilidad e indiferencia (excepto por músicos más jóvenes que escuchaban atentamente), decidieron regresar a Nueva York. Impulsivamente, Parker cobró su boleto, terminó quedándose en Los Ángeles y, después de algunas grabaciones y presentaciones (incluida una versión clásica de "Oh, Lady Be Good" con Jazz en la Filarmónica), la falta de drogas (que combatió bebiendo un exceso de licor) resultó en un colapso mental y seis meses de confinamiento en el Hospital Estatal de Camarillo. Lanzado en enero de 1947, Parker pronto regresó a Nueva York y participó en algunas de las interpretaciones más gratificantes de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. Parker, que grabó simultáneamente para los sellos Savoy y Dial, estuvo en plena forma durante el período 1947-1951, visitó Europa en 1949 y 1950 y realizó el sueño de toda su vida de grabar con cuerdas a partir de 1949 cuando se cambió al sello Verve de Norman Granz.

Pero Charlie Parker, debido a su adicción a las drogas y su personalidad arriesgada, disfrutaba demasiado jugando con fuego. En 1951, su licencia de cabaret fue revocada en Nueva York (lo que le dificultaba tocar en clubes) y se volvió cada vez menos confiable. Aunque todavía podía tocar al máximo cuando estaba inspirado (como en el concierto de Massey Hall de 1953 con Gillespie), Bird se dirigía cuesta abajo. En 1954, intentó suicidarse dos veces antes de pasar un tiempo en Bellevue. Su salud, sacudida por una vida muy plena, aunque breve, de excesos, declinó gradualmente, y cuando murió en marzo de 1955 a la edad de 34 años, podría haber pasado por 64.

Charlie Parker, quien fue una figura legendaria durante su vida, ha crecido en estatura desde su muerte. Prácticamente todas sus grabaciones de estudio están disponibles en CD junto con un sinnúmero de transmisiones de radio y apariciones en clubes. Clint Eastwood armó una película bien intencionada, aunque simplificada, sobre aspectos de su vida (Bird). La influencia de Parker, tras el ascenso de John Coltrane, se ha vuelto más indirecta que directa, pero el jazz sonaría muy diferente si Charlie Parker no hubiera existido. La frase "Bird Lives" (que fue garabateada como graffiti después de su muerte) sigue siendo muy cierta.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-parker-mn0000211758#biography

charlieparkermusic.com ...

Charlie Parker • Afro Cuban Bop The Long Lost Bird Live Recordings

 

It’s kind of hard to appreciate it now, 70+ years later, but at one time the recordings on this single disc created a tectonic shift in modern music. Not only did the bebop of Dizzy Gillespie, Charlie Parker, ray Brown, Kenny Clarke and others change the direction of jazz with harmonic and rhythmic advances, but at the same time, rhythms, instruments and harmonies from Cuba converged with modern jazz to form Afro Cuban sounds that still resonate today.

This single disc, with recordings ranging from 1945-54, contains both small and big band versions of the music that still sounds fresh and exciting. The earliest, from December, 1945 has Charlie Parker/as, Dizzy Gillespie/tp, Al Haig/p, Milt Jackson/vib, Ray Brown/b and Stan Levey/dr searing through “Dizzy Atmosphere”, with a similar band with John Lewis/p is head spinning on “ A Night In Tunisia”, “Groovin’ High” and “Confirmation”.

There are some intriguing big band sessions as well, with a 1950 session with Parker, Howard McGhee/tp, sitting in on Frank Machito” Grillo’s band on “Mambo Fortunato”.  “Cherokee”” and a rollicking “Manteca” while a session that includes Parker with Woody Herman/s band of Bill Perkins/ts and Dick  Hafer/ts is a gas on “Lemon Drop” and “The Goof and I”. There’s even a 1954 outing with Parker and Gillespie sitting in with Stan Kenton’s big band with Charlie Mariano/as, Frank Rosolino/tb and conga man Candido” a searing “ Manteca” and “Cherokee”. The sound quality is better than you’d expect, and the music, WELL! Imagine having a record of Beethoveen playing on his own 5th Piano Concerto and you get the idea.
https://www.jazzweekly.com/2023/04/rare-bird-sightingcharlie-parker-afro-cuban-bop-the-long-lost-live-bird-recordings/

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Es un poco difícil apreciarlo ahora, más de 70 años después, pero en un momento las grabaciones de este único disco crearon un cambio tectónico en la música moderna. No solo el bebop de Dizzy Gillespie, Charlie Parker, ray Brown, Kenny Clarke y otros cambiaron la dirección del jazz con avances armónicos y rítmicos, sino que al mismo tiempo, ritmos, instrumentos y armonías de Cuba convergieron con el jazz moderno para formar sonidos afrocubanos que aún resuenan en la actualidad.

Este sencillo disco, con grabaciones que van desde 1945-54, contiene versiones de la música para pequeñas y grandes bandas que aún suenan frescas y emocionantes. El primero, de diciembre de 1945, tiene a Charlie Parker / as, Dizzy Gillespie / tp, Al Haig / p,Milt Jackson/ vib, Ray Brown / b y Stan Levey / dr recorriendo "Dizzy Atmosphere", con una banda similar con John Lewis / p está dando vueltas en "A Night In Tunisia", "Groovin' High "y " Confirmation".

También hay algunas sesiones intrigantes de big band, con una sesión de 1950 con Parker, Howard McGhee / tp, acompañando a la banda de Frank Machito" Grillo en "Mambo Fortunato".  "Cherokee ""y una alegre "Manteca", mientras que una sesión que incluye a Parker con Woody Herman / la banda de Bill Perkins / ts y Dick Hafer / ts es un gas en "Lemon Drop" y "The Goof and I". Incluso hay una salida de 1954 con Parker y Gillespie sentados con la big band de Stan Kenton con Charlie Mariano / as, Frank Rosolino / tb y el conguero Candido "a searing" Manteca " y "Cherokee". La calidad del sonido es mejor de lo que cabría esperar, ¡y la música, BUENO! Imagina tener un disco de Beethoveen tocando su propio quinto Concierto para Piano y entiendes la idea.
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VA • Afro-Cuban Jazz

 

Machito, Eddie Palmieri, Michel Camilo, Candido, Arturo Sandoval, Herbie Mann, Willie Bobo, Roy Hargrove, Tito Puente, Chico O'Farrill, Dizzy Gillespie, Dave Valentin, Cal Tjader …

VA • Verve JazzClub - Latin Jazz

 

 

 

Sarah Vaughan, Oscar Peterson, Clark Terry, Chico O'Farrill, Quincy Jones, Machito, Cal Tjader, Les McCann, Ramsey Lewis, Willie Bobo, Xavier Cugat, Dizzy Gillespie, Dave Pike ...

 

Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra • Super Mann

La grabación original aparecida en 1958 como disco de "Machito & his Jazz Orchestra" en donde si bien Herbie tiene una importante participación aparece como músico invitado de Francisco Raúl Gutiérrez Grillo también conocido como "Machito", músico y director de orquesta desde finales de los '30 del estilo latin-jazz, o sea por aquel entonces (1958) "Machito" era mucho más importante que Herbie por lo cual se entiende que no aparezca como co-autor del disco. Años más tarde en 1978 ante la creciente fama de Herbie y las ansias por más dinero de la grabadora reciclan esta grabación bajo el título de "Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra - Super Mann".

"Machito"

Como sospecharán este es un disco bastante distinto de otros de Herbie, el cual a lo largo de su carrera no ha disimulado su gusto por los sonidos latinos, en el cual hay que valorar tanto a Herbie por su visión adelantada a su época de la interpretación de la flauta, como también a “Machito” por unos excelentes arreglos y ensamble orquestal.

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The original recording appeared in 1958 as an album by Machito & his Jazz Orchestra where, although Herbie has an important participation, he appears as a guest musician of Francisco Raúl Gutiérrez Grillo also known as "Machito", musician and orchestra conductor since the end of the '30 of the latin-jazz style, or at that time (1958) "Machito" was much more important than Herbie so it is understood that not appear as a co-author of the album. Years later in 1978 before the increasing fame of Herbie and the hunger for more money of the recorder recycle this recording under the title that of "Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra - Super Mann".As they suspect this is a record quite different from others by Herbie, who throughout his career has not disguised his taste for Latin sounds, in which we must value so much Herbie for his vision ahead of his time of interpretation Of the flute, as well as "Machito" by excellent arrangements and orchestral ensemble.