VA • Blind Man Blues - Blues From Within

 

Tracks:
CD 1
1 - Ray Charles - Lonely Avenue (2:36)
2 - Rev - Gary Davis - I'm Gonna Meet You at the Station (2:40)
3 - Blind Boy Fuller - When You Are Gone (2:46)
4 - Sleepy John Estes - Working Man Blues (3:00)
5 - Blind Willie Johnson - Dark Was the Night - Cold Was the Ground (3:20)
6 - Blind Willie McTell - Death Cell Blues (3:09)
7 - Blind Willie Johnson - Nobody's Fault But Mine (3:10)
8 - Blind Joe Reynolds - Third Street Woman Blues (2:55)
9 - Blind Lemon Jefferson - Matchbox Blues (3:03)
10 - Blind Blake - Detroit Bound Blues (3:08)
11 - Blind Boy Fuller - My Brownskin Sugar Plum (3:01)
12 - Bo Carter - Who's Been Here? (2:37)
13 - Blind Roosevelt Graves - Barbecue Bust (2:41)
14 - Blind John Davis - Your Love Belongs to Me (2:59)
15 - Blind Willie McTell - Scarey Day Blues (3:01)
16 - Rev - Gary Davis - You Can Go Home (3:07)
17 - Blind Blake - One Time Blues (2:39)
18 - Bo Carter - Pussy Cat Blues (2:54)
19 - Sleepy John Estes - Special Agent Blues (2:51)
20 - Blind Blake - Doing a Stretch (2:39)
21 - Blind Roosevelt Graves - Hittin' the Bottle Stump (2:37)
22 - Blind Willie Johnson - If I Had My Way I'd Tear Thebuilding Down (3:09)
23 - Blind Boy Fuller - Catman Blues (3:04)
24 - Blind Willie McTell - It's a Good Little Thing (2:51)
25 - Ray Charles - Blackjack (2:19)

CD 2
1 - Ray Charles - Misery in My Heart (3:04)
2 - Blind John Davis - Magic Carpet (2:12)
3 - Sleepy John Estes - Time Is Drawing Near (2:22)
4 - Blind Boy Fuller - Lost Lover Blues (2:45)
5 - Rev - Gary Davis - Cross and Evil Woman Blues (3:03)
6 - Blind Roosevelt Graves - Dangerous Woman (2:44)
7 - Bo Carter - My Pencil Won't Write No More (2:56)
8 - Blind Lemon Jefferson - Got the Blues (2:58)
9 - Blind Joe Reynolds - Outside Woman Blues (2:56)
10 - Blind Willie Johnson - Soul of a Man (3:15)
11 - Blind Willie McTell - Statesboro Blues (2:34)
12 - Sleepy John Estes - Floating Bridge (3:11)
13 - Blind Lemon Jefferson - Long Lonesome Blues (3:00)
14 - Rev - Gary Davis - I Cannot Bear My Burden By Myself (2:51)
15 - Blind Boy Fuller - Rattlesnakin' Daddy (3:07)
16 - Blind Willie Johnson - Sweeter As the Years Roll By (2:48)
17 - Blind Joe Reynolds - Ninety Nine Blues (2:39)
18 - Blind Blake - One Time Blues (2:46)
19 - Bo Carter - Banana in Your Fruit Basket (3:08)
20 - Blind Willie Johnson - When the War Was On (3:02)
21 - Blind Lemon Jefferson - Bad Luck Blues (2:52)
22 - Sleepy John Estes - Poor John Blues (2:52)
23 - Blind Boy Fuller - Homesick and Lonesome Blues (3:09)
24 - Blind Roosevelt Graves - Skippy Whippy (2:48)
25 - Ray Charles - Late in the Evening Blues (3:05)

2011

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VA • Bottleneck Blues Anthology

 

J.B. Lenoir • Mojo Boogie - The Tay May Club

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Sabes, ellos asesinaron a mi hermana y a mi hermano

Y allá el mundo entero permitió a esa gente salir impune

 J.B Lenoir, “Alabama Blues”

En las décadas de 1950 y de 1960 se desarrolló en Estados Unidos el Movimiento de los Derechos Civiles que reivindicaba, entre otras cosas, el fin de la segregación racial contra los africano-americanos y el fin de leyes racistas que en la práctica impedían que la mayoría de los africano-americanos que vivían en estados sureños pudieran ejercer derechos fundamentales como el del voto y llevar una vida digna. Si hubo un bluesman que puso voz y música a estas reivindicaciones ese fue J.B. Lenoir.

J.B. Lenoir no es que fuera un desconocido por los aficionados al blues, pero no fue hasta la emisión en 2003 del documental de Wim Wenders “Soul of a Man, incluido en la serie de Martin Scorsese “The Blues”, que su nombre tuvo el reconocimiento que se merecía. Un hecho para constatar lo injustamente infravalorado que ha estado Lenoir es que no fue incluido en el Blues Hall of Fame hasta 2011, mientras que otros nombres con bastante menos talento lo fueron mucho antes. Puede que no haya un porqué para este olvido, o puede ser que las críticas contra el sistema de muchas de las canciones de Lenoir tuvieran algo que ver con ello, pero, hoy en día, y en parte gracias al mencionado documental, Lenoir tiene el reconocimiento que no pudo disfrutar en vida.

J.B. Lenoir nació el 5 de marzo de 1929 en Monticello, Mississippi. Las iniciales de su nombre no significan nada en particular, simplemente fue bautizado así. Su padre le introdujo en el blues cuando todavía era un niño. Así su primera influencia musical fue Blind Lemon Jefferson. Más adelante descubriría a Lightnin’ Hopkins y a Arthur Crudup, quienes tuvieron una gran influencia en su música. En la década de 1940 se mudó a Nueva Orleans donde tocó junto a Sonny Boy Williamson II y Elmore James. A finales de la década se fue a Chicago. Algunas peculiaridades de Lenoir, como llevar en sus conciertos una llamativa chaqueta con estampado de piel de zebra, la cual combinaba con una pajarita del mismo estampado, tocar acompañado por un saxo en vez de la habitual armónica, o una voz aguda, que en algunos momentos sembraba la duda sobre el género de quien cantaba, ayudaron, junto a su incuestionable calidad, a que se hiciera un nombre en la emergente escena blues de la ciudad del viento.

En 1951 grabó sus primeras canciones y ya desde sus inicios mostró sus inquietudes sociales. Títulos como “Korea Blues” dan fe de ello. Durante la década de 1950, grabaría temas para los sellos J.O.B, Chess, Checker y Parrot. En 1954 fue forzado por Parrot, su sello en ese momento, a regrabar su canción "Eisenhower Blues" y cambiar el título por uno menos comprometido como “Tax Paying Blues”. En esos años algunas de sus canciones disfrutaron de cierto éxito. Entre ellas, destaca "Mamma Talk to Your Daughter", que alcanzó el puesto 11 en las listas Billboard de rhythm & blues.

En la década de 1960, Lenoir, para poder subsistir, combinaba la música con otros trabajos menos gratificantes. En 1965 giraría junto a otras figuras del blues por Europa en el American Folk Blues Festival y ese mismo año y el siguiente grabaría dos elepés acústicos llamados “Alabama Blues” y “Down in Mississippi” para la discográfica L&R – el sello Evidence sacaría ambos álbumes juntos en 1995 bajo el título de “Vietnam Blues” –. Estos discos, grabados bajo la supervisión de Willie Dixon, nos muestran lo mejor de Lenoir. Para estas grabaciones Lenoir tuvo libertad absoluta para grabar lo que quisiera. Así, a una más que interesante relectura de canciones suyas más antiguas añadió mucho material nuevo donde sobresalen unas letras profundas llenas de críticas contra un sistema y una sociedad en la que todavía pervivían muchos prejuicios racistas. Respecto a la música, Lenoir, con la única ayuda en algunas canciones del baterista Fred Below y del propio Willie Dixon haciendo algunos coros, había consolidado un estilo propio y original con aires africanos al que llamó African Hunch. Estos dos álbumes incuestionables aúnan sabiamente canciones profundas, tristes y reivindicativas con boogies alegres y bailables.

Desgraciadamente, cuando se hallaba en su mejor momento creativo, un infarto relacionado con unas heridas derivadas de un accidente de tráfico que había tenido tres semanas antes se llevó a Lenoir de este mundo a la pronta edad de 38 años. Pero su talento musical y su sensibilidad para escribir unas letras que en pocas palabras reflejaran la lucha y el sufrimiento de una raza oprimida permanecerán para siempre como fieles retratos musicales de un tiempo y un lugar, como un pedazo de historia del siglo XX.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

///////

Automatic translation:

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

You know, they murdered my sister and my brother

And there the whole world allowed those people to go unpunished

 J.B Lenoir, "Alabama Blues"

In the 1950s and 1960s, the Civil Rights Movement developed in the United States, which claimed, among other things, the end of racial segregation against African-Americans and the end of racist laws that in practice prevented the Most African-Americans living in southern states could exercise fundamental rights such as voting and leading a dignified life. If there was a bluesman who put voice and music to these claims that was J.B. Lenoir

J.B. Lenoir is not a stranger to blues fans, but it was not until the 2003 broadcast of Wim Wenders' documentary "Soul of a Man, included in the Martin Scorsese series" The Blues ", that his name was recognized what he deserved. A fact to confirm how unfairly undervalued Lenoir has been is that he was not included in the Blues Hall of Fame until 2011, while other names with much less talent were much earlier. There may not be a reason for this oblivion, or it may be that criticism against the system of many of Lenoir's songs had something to do with it, but, nowadays, and partly thanks to the aforementioned documentary, Lenoir has the recognition that he could not enjoy in life.

J.B. Lenoir was born on March 5, 1929 in Monticello, Mississippi. The initials of his name do not mean anything in particular, he was simply baptized that way. His father introduced him to the blues when he was still a child. Thus his first musical influence was Blind Lemon Jefferson. Later I would discover Lightnin 'Hopkins and Arthur Crudup, who had a great influence on his music. In the 1940s he moved to New Orleans where he played alongside Sonny Boy Williamson II and Elmore James. At the end of the decade he went to Chicago. Some peculiarities of Lenoir, such as wearing in his concerts a striking zebra-print jacket, which he combined with a bow tie of the same pattern, played accompanied by a saxophone instead of the usual harmonica, or a high-pitched voice, which in some moments sowed doubt about the genre of the singer, helped, along with its unquestionable quality, to make a name in the emerging blues scene of the city of the wind.

In 1951 he recorded his first songs and already from his beginnings he showed his social restlessness. Titles like "Korea Blues" attest to that. During the 1950s, he would record songs for the J.O.B, Chess, Checker and Parrot labels. In 1954 he was forced by Parrot, his label at that time, to re-record his song "Eisenhower Blues" and change the title to one less committed as "Tax Paying Blues". In those years some of his songs enjoyed some success. Among them, highlights "Mamma Talk to Your Daughter", which reached the 11th place in the Billboard charts of rhythm & blues.

In the decade of 1960, Lenoir, to be able to subsist, combined the music with other less rewarding works. In 1965 he would tour with other blues figures in Europe in the American Folk Blues Festival and that same year and the following year he would record two acoustic LPs called "Alabama Blues" and "Down in Mississippi" for the label L & R - the Evidence label would release both albums together in 1995 under the title of "Vietnam Blues" -. These records, recorded under the supervision of Willie Dixon, show us the best of Lenoir. For these recordings Lenoir had absolute freedom to record what he wanted. Thus, to a more than interesting rereading of his older songs he added a lot of new material where some deep lyrics stand out, full of criticism against a system and a society in which many racist prejudices still persisted. Regarding the music, Lenoir, with the only help in some songs of the drummer Fred Below and of Willie Dixon himself doing some choirs, had consolidated an own and original style with African airs which he called African Hunch. These two unquestionable albums wisely combine deep, sad and vindictive songs with cheerful and danceable boogies.

Unfortunately, when he was at his best creative moment, a heart attack related to injuries from a car accident that he had had three weeks earlier took Lenoir from this world at the early age of 38 years. But his musical talent and his sensitivity to write lyrics that in a few words will reflect the struggle and suffering of an oppressed race will remain forever as faithful musical portraits of a time and place, like a piece of twentieth century history.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

J.B. Lenoir • Fine Blues

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Sabes, ellos asesinaron a mi hermana y a mi hermano

Y allá el mundo entero permitió a esa gente salir impune

 J.B Lenoir, “Alabama Blues”

En las décadas de 1950 y de 1960 se desarrolló en Estados Unidos el Movimiento de los Derechos Civiles que reivindicaba, entre otras cosas, el fin de la segregación racial contra los africano-americanos y el fin de leyes racistas que en la práctica impedían que la mayoría de los africano-americanos que vivían en estados sureños pudieran ejercer derechos fundamentales como el del voto y llevar una vida digna. Si hubo un bluesman que puso voz y música a estas reivindicaciones ese fue J.B. Lenoir.

J.B. Lenoir no es que fuera un desconocido por los aficionados al blues, pero no fue hasta la emisión en 2003 del documental de Wim Wenders “Soul of a Man, incluido en la serie de Martin Scorsese “The Blues”, que su nombre tuvo el reconocimiento que se merecía. Un hecho para constatar lo injustamente infravalorado que ha estado Lenoir es que no fue incluido en el Blues Hall of Fame hasta 2011, mientras que otros nombres con bastante menos talento lo fueron mucho antes. Puede que no haya un porqué para este olvido, o puede ser que las críticas contra el sistema de muchas de las canciones de Lenoir tuvieran algo que ver con ello, pero, hoy en día, y en parte gracias al mencionado documental, Lenoir tiene el reconocimiento que no pudo disfrutar en vida.

J.B. Lenoir nació el 5 de marzo de 1929 en Monticello, Mississippi. Las iniciales de su nombre no significan nada en particular, simplemente fue bautizado así. Su padre le introdujo en el blues cuando todavía era un niño. Así su primera influencia musical fue Blind Lemon Jefferson. Más adelante descubriría a Lightnin’ Hopkins y a Arthur Crudup, quienes tuvieron una gran influencia en su música. En la década de 1940 se mudó a Nueva Orleans donde tocó junto a Sonny Boy Williamson II y Elmore James. A finales de la década se fue a Chicago. Algunas peculiaridades de Lenoir, como llevar en sus conciertos una llamativa chaqueta con estampado de piel de zebra, la cual combinaba con una pajarita del mismo estampado, tocar acompañado por un saxo en vez de la habitual armónica, o una voz aguda, que en algunos momentos sembraba la duda sobre el género de quien cantaba, ayudaron, junto a su incuestionable calidad, a que se hiciera un nombre en la emergente escena blues de la ciudad del viento.

En 1951 grabó sus primeras canciones y ya desde sus inicios mostró sus inquietudes sociales. Títulos como “Korea Blues” dan fe de ello. Durante la década de 1950, grabaría temas para los sellos J.O.B, Chess, Checker y Parrot. En 1954 fue forzado por Parrot, su sello en ese momento, a regrabar su canción "Eisenhower Blues" y cambiar el título por uno menos comprometido como “Tax Paying Blues”. En esos años algunas de sus canciones disfrutaron de cierto éxito. Entre ellas, destaca "Mamma Talk to Your Daughter", que alcanzó el puesto 11 en las listas Billboard de rhythm & blues.

En la década de 1960, Lenoir, para poder subsistir, combinaba la música con otros trabajos menos gratificantes. En 1965 giraría junto a otras figuras del blues por Europa en el American Folk Blues Festival y ese mismo año y el siguiente grabaría dos elepés acústicos llamados “Alabama Blues” y “Down in Mississippi” para la discográfica L&R – el sello Evidence sacaría ambos álbumes juntos en 1995 bajo el título de “Vietnam Blues” –. Estos discos, grabados bajo la supervisión de Willie Dixon, nos muestran lo mejor de Lenoir. Para estas grabaciones Lenoir tuvo libertad absoluta para grabar lo que quisiera. Así, a una más que interesante relectura de canciones suyas más antiguas añadió mucho material nuevo donde sobresalen unas letras profundas llenas de críticas contra un sistema y una sociedad en la que todavía pervivían muchos prejuicios racistas. Respecto a la música, Lenoir, con la única ayuda en algunas canciones del baterista Fred Below y del propio Willie Dixon haciendo algunos coros, había consolidado un estilo propio y original con aires africanos al que llamó African Hunch. Estos dos álbumes incuestionables aúnan sabiamente canciones profundas, tristes y reivindicativas con boogies alegres y bailables.

Desgraciadamente, cuando se hallaba en su mejor momento creativo, un infarto relacionado con unas heridas derivadas de un accidente de tráfico que había tenido tres semanas antes se llevó a Lenoir de este mundo a la pronta edad de 38 años. Pero su talento musical y su sensibilidad para escribir unas letras que en pocas palabras reflejaran la lucha y el sufrimiento de una raza oprimida permanecerán para siempre como fieles retratos musicales de un tiempo y un lugar, como un pedazo de historia del siglo XX.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

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Automatic translation:

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

You know, they murdered my sister and my brother

And there the whole world allowed those people to go unpunished

 J.B Lenoir, "Alabama Blues"

In the 1950s and 1960s, the Civil Rights Movement developed in the United States, which claimed, among other things, the end of racial segregation against African-Americans and the end of racist laws that in practice prevented the Most African-Americans living in southern states could exercise fundamental rights such as voting and leading a dignified life. If there was a bluesman who put voice and music to these claims that was J.B. Lenoir

J.B. Lenoir is not a stranger to blues fans, but it was not until the 2003 broadcast of Wim Wenders' documentary "Soul of a Man, included in the Martin Scorsese series" The Blues ", that his name was recognized what he deserved. A fact to confirm how unfairly undervalued Lenoir has been is that he was not included in the Blues Hall of Fame until 2011, while other names with much less talent were much earlier. There may not be a reason for this oblivion, or it may be that criticism against the system of many of Lenoir's songs had something to do with it, but, nowadays, and partly thanks to the aforementioned documentary, Lenoir has the recognition that he could not enjoy in life.

J.B. Lenoir was born on March 5, 1929 in Monticello, Mississippi. The initials of his name do not mean anything in particular, he was simply baptized that way. His father introduced him to the blues when he was still a child. Thus his first musical influence was Blind Lemon Jefferson. Later I would discover Lightnin 'Hopkins and Arthur Crudup, who had a great influence on his music. In the 1940s he moved to New Orleans where he played alongside Sonny Boy Williamson II and Elmore James. At the end of the decade he went to Chicago. Some peculiarities of Lenoir, such as wearing in his concerts a striking zebra-print jacket, which he combined with a bow tie of the same pattern, played accompanied by a saxophone instead of the usual harmonica, or a high-pitched voice, which in some moments sowed doubt about the genre of the singer, helped, along with its unquestionable quality, to make a name in the emerging blues scene of the city of the wind.

In 1951 he recorded his first songs and already from his beginnings he showed his social restlessness. Titles like "Korea Blues" attest to that. During the 1950s, he would record songs for the J.O.B, Chess, Checker and Parrot labels. In 1954 he was forced by Parrot, his label at that time, to re-record his song "Eisenhower Blues" and change the title to one less committed as "Tax Paying Blues". In those years some of his songs enjoyed some success. Among them, highlights "Mamma Talk to Your Daughter", which reached the 11th place in the Billboard charts of rhythm & blues.

In the decade of 1960, Lenoir, to be able to subsist, combined the music with other less rewarding works. In 1965 he would tour with other blues figures in Europe in the American Folk Blues Festival and that same year and the following year he would record two acoustic LPs called "Alabama Blues" and "Down in Mississippi" for the label L & R - the Evidence label would release both albums together in 1995 under the title of "Vietnam Blues" -. These records, recorded under the supervision of Willie Dixon, show us the best of Lenoir. For these recordings Lenoir had absolute freedom to record what he wanted. Thus, to a more than interesting rereading of his older songs he added a lot of new material where some deep lyrics stand out, full of criticism against a system and a society in which many racist prejudices still persisted. Regarding the music, Lenoir, with the only help in some songs of the drummer Fred Below and of Willie Dixon himself doing some choirs, had consolidated an own and original style with African airs which he called African Hunch. These two unquestionable albums wisely combine deep, sad and vindictive songs with cheerful and danceable boogies.

Unfortunately, when he was at his best creative moment, a heart attack related to injuries from a car accident that he had had three weeks earlier took Lenoir from this world at the early age of 38 years. But his musical talent and his sensitivity to write lyrics that in a few words will reflect the struggle and suffering of an oppressed race will remain forever as faithful musical portraits of a time and place, like a piece of twentieth century history.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

J.B. Lenoir • Natural Man

Review by Cub Koda

This collection of J.B. Lenoir's mid-'50s tenure at the label -- originally issued in the '70s -- duplicates two songs from the Parrot collection (a label which Chess later acquired), but the rest of it is more than worth the effort to seek out. The rocking "Don't Touch My Head," the topical "Eisenhower Blues" and the sexually ambiguous, chaotic and cool title track are but a few of the magical highlights aboard. Either this or the Parrot sides will do in a pinch, but after hearing this, you won't be able to imagine being without either one.

Biography

J.B. Lenoir probably picked up his solid boogie woogie influence in New Orleans, where he spent some time performing before he settled into Chicago's blues scene during the fifties and sixties. Lenoir had one of the most beautiful voices in postwar blues, and on his recordings his musicians gave him sparse, skeletal accompaniment, which framed his vocals perfectly. He was certainly one of the most original sounding of the blues singers.

While in New Orleans he played with blues greats Sonny Boy Williamson II and Elmore James. Once Lenoir made it to Chicago, Big Bill Broonzy helped introduce him to the local blues community, and he became an important part of the city's blues scene.

He was a talented songwriter and bluesman with an obvious political awareness. Examples of his outspoken views can be found in “Korea Blues,” and “Eisenhower Blues,” the latter reportedly caused enough controversy that his record label forced him to remake the tune under the title “Tax Paying Blues.” His penchant for social commentary and his high-pitched vocals distinguish him from other bluesmen of that time.

Lenoir recorded his most enduring number, “Mama Talk to Your Daughter,” in 1954 for the Parrot label. He was quite prolific between ’54 and ’58 for both the Parrot and Chess labels. Lenoir's recordings are also distinctive for their excellent saxophone arrangements and unconventional drumming (Alex Atkins and Ernest Cotton were often on sax with Al Gavin on drums).

By 1965 and’ 66 he did two acoustic albums “Alabama Blues,” and “Down in Mississippi,” these were done in Chicago under Willie Dixon's supervision. These have been reissued jointly as “Vietnam Blues,” and are quite astonishing given the social turmoil of the period as racism, Civil Rights, poverty, and the war. Lenoir seemed to vocalize the intense situations. No blues singer had ever or since covered such poignant themes.

Lenoir had successfully toured Europe and was likely about to achieve greater fame when he died in 1966 due to complications from a car accident.

Source: James Nadal

https://www.allmusic.com/artist/jb-lenoir-mn0000115733/biography

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Reseña de Cub Koda

Esta colección de J.B. Lenoir de mediados de los años 50 en la discográfica -- originalmente publicada en los años 70 -- duplica dos canciones de la colección Parrot (una discográfica que Chess adquirió más tarde), pero el resto vale más que el esfuerzo de buscar. El rockero "Don't Touch My Head", el tópico "Eisenhower Blues" y el tema sexualmente ambiguo, caótico y fresco del título son sólo algunos de los momentos mágicos a bordo. O esto o los lados de Parrot lo harán en un apuro, pero después de escuchar esto, no podrás imaginarte estar sin ninguno de los dos.

Biografía

J.B. Lenoir probablemente adquirió su sólida influencia en el boogie woogie en Nueva Orleans, donde pasó algún tiempo actuando antes de establecerse en la escena blues de Chicago durante los años cincuenta y sesenta. Lenoir tenía una de las voces más bellas del blues de la posguerra, y en sus grabaciones sus músicos le daban un acompañamiento escaso y esquelético, que enmarcaba perfectamente su voz. Sin duda, fue uno de los cantantes de blues con un sonido más original.

Mientras estaba en Nueva Orleans tocó con los grandes del blues, Sonny Boy Williamson II y Elmore James. Una vez que Lenoir llegó a Chicago, Big Bill Broonzy ayudó a presentarlo a la comunidad local de blues, y se convirtió en una parte importante de la escena blues de la ciudad.

Era un talentoso compositor y bluesista con una evidente conciencia política. Ejemplos de sus opiniones francas se pueden encontrar en "Korea Blues" y "Eisenhower Blues", este último supuestamente causó suficiente controversia como para que su sello discográfico le obligara a rehacer la melodía bajo el título "Tax Paying Blues". Su afición por el comentario social y su voz aguda lo distinguen de otros bluesistas de la época.

Lenoir grabó su número más perdurable, "Mama Talk to Your Daughter", en 1954 para el sello Parrot. Fue bastante prolífico entre `54 y `58 tanto para el sello Parrot como para el ajedrez. Las grabaciones de Lenoir también se distinguen por sus excelentes arreglos de saxofón y tambores poco convencionales (Alex Atkins y Ernest Cotton estuvieron a menudo en el saxo con Al Gavin a la batería).

Para 1965 y' 66 hizo dos álbumes acústicos "Alabama Blues" y "Down in Mississippi", estos se hicieron en Chicago bajo la supervisión de Willie Dixon. Estos han sido reeditados conjuntamente como "Vietnam Blues", y son bastante sorprendentes dada la agitación social del período como el racismo, los derechos civiles, la pobreza y la guerra. Lenoir parecía vocalizar las situaciones intensas. Ningún cantante de blues había cubierto nunca o desde entonces temas tan conmovedores.

Lenoir había viajado con éxito por Europa y estaba a punto de alcanzar mayor fama cuando murió en 1966 debido a las complicaciones de un accidente automovilístico.

Fuente: James Nadal

https://www.allmusic.com/artist/jb-lenoir-mn0000115733/biography

Discogs ... 

David Honeyboy Edwards • Don't Mistreat A Fool

David Honeyboy Edwards (Shaw, Misisipi, 28 de junio de 1915, 29 de agosto de 2011)1​ fue un guitarrista y cantante de delta blues.
Amigo del legendario guitarrista Robert Johnson, Edwards dice que estuvo presente la noche que Johnson tomó el whisky envenenado que acabó con su vida.
Escribió The World Don't Owe Me Nothin', publicado por la Chicago Review Press, donde contó su infancia y juventud en el Sur Profundo y su llegada a Chicago a principios de los años 50.

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David "Honeyboy" Edwards (June 28, 1915 – August 29, 2011) was a Delta blues guitarist and singer from Mississippi.
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David Honeyboy Edwards • The World Don't Owe Me Nothing

 

David Honeyboy Edwards (Shaw, Misisipi, 28 de junio de 1915, 29 de agosto de 2011)1​ fue un guitarrista y cantante de delta blues.
Amigo del legendario guitarrista Robert Johnson, Edwards dice que estuvo presente la noche que Johnson tomó el whisky envenenado que acabó con su vida.
Escribió The World Don't Owe Me Nothin', publicado por la Chicago Review Press, donde contó su infancia y juventud en el Sur Profundo y su llegada a Chicago a principios de los años 50.

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David "Honeyboy" Edwards (June 28, 1915 – August 29, 2011) was a Delta blues guitarist and singer from Mississippi.
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Billy Boy Arnold • Goin' To Chicago

 

J.B.Lenoir • Blues Classics

 

Biography

J.B. Lenoir probably picked up his solid boogie woogie influence in New Orleans, where he spent some time performing before he settled into Chicago's blues scene during the fifties and sixties. Lenoir had one of the most beautiful voices in postwar blues, and on his recordings his musicians gave him sparse, skeletal accompaniment, which framed his vocals perfectly. He was certainly one of the most original sounding of the blues singers.

While in New Orleans he played with blues greats Sonny Boy Williamson II and Elmore James. Once Lenoir made it to Chicago, Big Bill Broonzy helped introduce him to the local blues community, and he became an important part of the city's blues scene.

He was a talented songwriter and bluesman with an obvious political awareness. Examples of his outspoken views can be found in “Korea Blues,” and “Eisenhower Blues,” the latter reportedly caused enough controversy that his record label forced him to remake the tune under the title “Tax Paying Blues.” His penchant for social commentary and his high-pitched vocals distinguish him from other bluesmen of that time.

Lenoir recorded his most enduring number, “Mama Talk to Your Daughter,” in 1954 for the Parrot label. He was quite prolific between ’54 and ’58 for both the Parrot and Chess labels. Lenoir's recordings are also distinctive for their excellent saxophone arrangements and unconventional drumming (Alex Atkins and Ernest Cotton were often on sax with Al Gavin on drums).

By 1965 and’ 66 he did two acoustic albums “Alabama Blues,” and “Down in Mississippi,” these were done in Chicago under Willie Dixon's supervision. These have been reissued jointly as “Vietnam Blues,” and are quite astonishing given the social turmoil of the period as racism, Civil Rights, poverty, and the war. Lenoir seemed to vocalize the intense situations. No blues singer had ever or since covered such poignant themes.

Lenoir had successfully toured Europe and was likely about to achieve greater fame when he died in 1966 due to complications from a car accident.

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Biografía

J.B. Lenoir probablemente adquirió su sólida influencia en el boogie woogie en Nueva Orleans, donde pasó algún tiempo actuando antes de establecerse en la escena blues de Chicago durante los años cincuenta y sesenta. Lenoir tenía una de las voces más bellas del blues de la posguerra, y en sus grabaciones sus músicos le daban un acompañamiento escaso y esquelético, que enmarcaba perfectamente su voz. Sin duda, fue uno de los cantantes de blues con un sonido más original.

Mientras estaba en Nueva Orleans tocó con los grandes del blues, Sonny Boy Williamson II y Elmore James. Una vez que Lenoir llegó a Chicago, Big Bill Broonzy ayudó a presentarlo a la comunidad local de blues, y se convirtió en una parte importante de la escena blues de la ciudad.

Era un talentoso compositor y bluesista con una evidente conciencia política. Ejemplos de sus opiniones francas se pueden encontrar en "Korea Blues" y "Eisenhower Blues", este último supuestamente causó suficiente controversia como para que su sello discográfico le obligara a rehacer la melodía bajo el título "Tax Paying Blues". Su afición por el comentario social y su voz aguda lo distinguen de otros bluesistas de la época.

Lenoir grabó su número más perdurable, "Mama Talk to Your Daughter", en 1954 para el sello Parrot. Fue bastante prolífico entre `54 y `58 tanto para el sello Parrot como para el ajedrez. Las grabaciones de Lenoir también se distinguen por sus excelentes arreglos de saxofón y tambores poco convencionales (Alex Atkins y Ernest Cotton estuvieron a menudo en el saxo con Al Gavin a la batería).

Para 1965 y' 66 hizo dos álbumes acústicos "Alabama Blues" y "Down in Mississippi", estos se hicieron en Chicago bajo la supervisión de Willie Dixon. Estos han sido reeditados conjuntamente como "Vietnam Blues", y son bastante sorprendentes dada la agitación social del período como el racismo, los derechos civiles, la pobreza y la guerra. Lenoir parecía vocalizar las situaciones intensas. Ningún cantante de blues había cubierto nunca o desde entonces temas tan conmovedores.

Lenoir había viajado con éxito por Europa y estaba a punto de alcanzar mayor fama cuando murió en 1966 debido a las complicaciones de un accidente automovilístico.

 

J.B.Lenoir • I Wanna Play A Little While The Complete Singles Collection 1950-1960

Editotial Review:
One thing is certain about the idiosyncratic J. B. Lenoir, he was a true original. No one ever sounded quite like him and despite comparisons by some writers to Arthur Crudup his high pitched vocals were pretty much unique.
Although J. B. Lenoir only had one hit in the US with 'Mama Talk to Your Daughter' his influence over the British blues scene was immense. In fact John Mayall was a huge fan and he helped to get his 45s released in the UK.
Rocking R&B and topical social commentary all thrown in the mix. This is Chicago blues with a twist. Let's call it Chicago blues J.B. Lenoir style.

 

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Reseña editorial:
Una cosa es cierta sobre el idiosincrático J. B. Lenoir, era un verdadero original. Nadie sonó nunca como él y, a pesar de las comparaciones de algunos escritores con Arthur Crudup, su voz aguda era prácticamente única.
Aunque J. B. Lenoir sólo tuvo un éxito en Estados Unidos con "Mama Talk to Your Daughter", su influencia en la escena del blues británico fue inmensa. De hecho, John Mayall era un gran admirador y ayudó a que sus discos de 45 se publicaran en el Reino Unido.
Un R&B roquero y un comentario social de actualidad, todo ello mezclado. Esto es blues de Chicago con un toque. Llamémoslo Chicago blues al estilo de J.B. Lenoir.

J. B. Lenoir • Chronological Classics [1951 - 1954]

J. B. Lenoir (5 de marzo de 1929 – 29 de abril de 1967) fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues nacido en Monticello Mississippi. Durante los primeros años de la década de los 40, Lenoir trabajó con los ilustres bluesmen de la época Sonny Boy Williamson y Elmore James en Nueva Orleans. En 1949, Lenoir se tralasdó a Chicago y comenzó a tocar en grandes clubs de blues con Memphis Minnie, Big Maceo y Muddy Waters. Durante los 50, Lenoir grabó varios discos en Chicago con el sello Chess Records, J.O.B. Records, Parrot Records y Checker Records.
 J. B. Lenoir fue conocido por su estética cebra en camisas y chaquetas y por su característica voz afeminada. Pero, sobre todo, influyó a muchos guitarristas posteriores por sus composiciones de blues para la guitarra eléctrica. Su banda estaba compuesta por un piano (Sunnyland Slim), un saxofón (J. T. Brown) y una batería (Alfred Wallace). En ese período, escribió numerosas canciones blues entre las que destacan Don't Dog Your Woman, Mama Talk To Your Daughter, y Don't Touch My Head.
Más Info en español:  http://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

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J. B. Lenoir  (March 5, 1929 – April 29, 1967) was an American blues guitarist and singer-songwriter, active in the Chicago blues scene in the 1950s and 1960s.
His surname is sometimes pronounced as the French "L'n WAHR", but he pronounced it "La NOR". His given name simply was J. B.; the letters are not initials.
Complete Bio:  https://en.wikipedia.org/wiki/J._B._Lenoir

Brownie McGhee & Sonny Terry • At The 2nd Fret

 

Sonny Terry

Saunders Teddell, or Saunders Terrell (or other variants, sources differ) (October 24, 1911 – March 11, 1986), known as Sonny Terry, was an American Piedmont blues and folk musician, who was known for his energetic blues harmonica style, which frequently included vocal whoops and hollers and occasionally imitations of trains and fox hunts.

Terry was born in Greensboro, Georgia. His father, a farmer, taught him to play basic blues harp as a youth. He sustained injuries to his eyes and went blind by the time he was 16, which prevented him from doing farm work, and was forced to play music in order to earn a living. Terry played Campdown Races to the plow horses which improved the efficiency of farming in the area. He began playing blues in Shelby, North Carolina. After his father died, he began playing in the trio of Piedmont blues–style guitarist Blind Boy Fuller. When Fuller died in 1941, Terry established a long-standing musical relationship with Brownie McGhee, and they recorded numerous songs together. The duo became well known among white audiences during the folk music revival of the 1950s and 1960s. This included collaborations with Styve Homnick, Woody Guthrie and Moses Asch, producing classic recordings for Folkways Records (now Smithsonian/Folkways).

In 1938 Terry was invited to play at Carnegie Hall for the first From Spirituals to Swing concert, and later that year he recorded for the Library of Congress. He recorded his first commercial sides in 1940. Some of his most famous works include "Old Jabo", a song about a man bitten by a snake, and "Lost John", which demonstrates his amazing breath control.

Despite their fame as "pure" folk artists, in the 1940s Terry and McGhee fronted a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, which was variously billed as Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five.

Terry was also in the 1947 original cast of the Broadway musical comedy Finian's Rainbow. He also appeared in the film The Color Purple, directed by Steven Spielberg. With McGhee, he appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. Terry collaborated with Ry Cooder on "Walkin' Away Blues". He also performed a cover of Robert Johnson's "Crossroad Blues" for the 1986 film Crossroads.

Terry and McGhee were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

Terry died of natural causes in Mineola, New York in March 1986, three days before Crossroads was released in theaters. He was inducted into the Blues Hall of Fame in the same year.

Brownie McGhee

Walter Brown "Brownie" McGhee (November 30, 1915 – February 16, 1996) was an African-American folk music and Piedmont blues singer and guitarist, best known for his collaboration with the harmonica player Sonny Terry.

McGhee was born in Knoxville, Tennessee, and grew up in Kingsport, Tennessee. At about the age of four he contracted polio, which incapacitated his right leg. His brother Granville "Sticks"(or "Stick") McGhee, who also later became a musician and composed the famous song "Drinkin' Wine Spo-Dee-o-Dee," was nicknamed for pushing young Brownie around in a cart. Their father, George McGhee, was a factory worker, known around University Avenue for playing guitar and singing. Brownie's uncle made him a guitar from a tin marshmallow box and a piece of board.

McGhee spent much of his youth immersed in music, singing with a local harmony group, the Golden Voices Gospel Quartet, and teaching himself to play guitar. He also played the five-string banjo and ukulele and studied piano. Surgery funded by the March of Dimes enabled McGhee to walk.

At age 22, McGhee became a traveling musician, working in the Rabbit Foot Minstrels and befriending Blind Boy Fuller, whose guitar playing influenced him greatly. After Fuller's death in 1941, J. B. Long of Columbia Records promoted McGhee as "Blind Boy Fuller No. 2." By that time, McGhee was recording for Columbia's subsidiary Okeh Records in Chicago, but his real success came after he moved to New York in 1942, when he teamed up with Sonny Terry, whom he had known since 1939, when Terry was Fuller's harmonica player. The pairing was an overnight success. They recorded and toured together until around 1980. As a duo, Terry and McGhee did most of their work from 1958 until 1980, spending 11 months of each year touring and recording dozens of albums.

Despite their later fame as "pure" folk artists playing for white audiences, in the 1940s Terry and McGhee had attempted to be successful recording artists, fronting a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, variously calling themselves Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five, often with Champion Jack Dupree and Big Chief Ellis. They also appeared in the original Broadway productions of Finian's Rainbow and Cat on a Hot Tin Roof.

During the blues revival of the 1960s, Terry and McGhee were popular on the concert and music festival circuits, occasionally adding new material but usually remaining faithful to their roots and playing to the tastes of their audiences.

Late in his life, McGhee appeared in small roles in films and on television. He and Terry appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. In 1987, McGhee gave a small but memorable performance as the ill-fated blues singer Toots Sweet in the supernatural thriller movie Angel Heart. In his review of Angel Heart, the critic Roger Ebert singled out McGhee for praise, declaring that he delivered a "performance that proves [saxophonist] Dexter Gordon isn't the only old musician who can act." McGhee appeared in the television series Family Ties, in a 1988 episode entitled "The Blues, Brother", in which he played the fictional blues musician Eddie Dupre. He also appeared in the television series Matlock, in a 1989 episode entitled "The Blues Singer", playing a friend of an old blues musician (Joe Seneca) who is accused of murder. In the episode, McGhee, Seneca and star Andy Griffith perform a duet of "The Midnight Special".

Happy Traum, a former guitar student of McGhee's, edited a blues guitar instruction guide and songbook, Guitar Styles of Brownie McGhee, published in 1971, in which McGhee, between lessons, talked about his life and the blues. The autobiographical section features McGhee talking about growing up, his musical beginnings, and a history of the blues from the 1930s onward.

McGhee and Terry were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

One of McGhee's last concert appearances was at the 1995 Chicago Blues Festival.

McGhee died of stomach cancer in February 1996 in Oakland, California, at age 80.

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Sonny Terry

Saunders Teddell, o Saunders Terrell (u otras variantes, las fuentes difieren) (24 de octubre de 1911 - 11 de marzo de 1986), conocido como Sonny Terry, fue un músico de blues y folk del Piamonte americano, conocido por su enérgico estilo de armónica de blues, que frecuentemente incluía gritos y chillidos vocales y ocasionalmente imitaciones de trenes y cacerías de zorros.

Terry nació en Greensboro, Georgia. Su padre, un granjero, le enseñó a tocar arpa básica de blues cuando era joven. Sufrió lesiones en los ojos y quedó ciego a los 16 años, lo que le impidió hacer el trabajo de la granja, y se vio obligado a tocar música para ganarse la vida. Terry tocó en Campdown Races con los caballos del arado, lo que mejoró la eficiencia de la agricultura en la zona. Empezó a tocar blues en Shelby, Carolina del Norte. Después de su padre murió, comenzó a jugar en el trío de Piamonte estilo blues guitarrista Blind Boy Fuller. Cuando Fuller murió en 1941, Terry estableció una larga relación musical con Brownie McGhee, y grabaron numerosas canciones juntos. El dúo se hizo muy conocido entre el público blanco durante el resurgimiento de la música folclórica de los años 50 y 60. Esto incluyó colaboraciones con Styve Homnick, Woody Guthrie y Moses Asch, produciendo grabaciones clásicas para Folkways Records (ahora Smithsonian/Folkways).

En 1938 Terry fue invitado a tocar en el Carnegie Hall para el primer concierto de From Spirituals to Swing, y más tarde ese año grabó para la Biblioteca del Congreso. Grabó sus primeros lados comerciales en 1940. Algunas de sus obras más famosas incluyen "Old Jabo", una canción sobre un hombre mordido por una serpiente, y "Lost John", que demuestra su asombroso control de la respiración.

A pesar de su fama de "puros" artistas folclóricos, en la década de 1940 Terry y McGhee encabezaron un combo de jump blues con saxofón y piano, que fue presentado como Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five.

Terry también formó parte del elenco original de 1947 de la comedia musical de Broadway Finian's Rainbow. También apareció en la película El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg. Con McGhee, apareció en la comedia de Steve Martin de 1979, The Jerk. Terry colaboró con Ry Cooder en "Walkin' Away Blues". También interpretó una versión de "Crossroad Blues" de Robert Johnson para la película Crossroads de 1986.

Terry y McGhee recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional otorgada por el National Endowment for the Arts, el más alto honor del gobierno de los Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por el NEA.

Terry murió por causas naturales en Mineola, Nueva York, en marzo de 1986, tres días antes de que Crossroads se estrenara en los cines. Fue admitido en el Salón de la Fama del Blues ese mismo año.

Brownie McGhee

Walter Brown "Brownie" McGhee (30 de noviembre de 1915 - 16 de febrero de 1996) fue un cantante y guitarrista de música folclórica afroamericana y blues piamontés, más conocido por su colaboración con el armonicista Sonny Terry.

McGhee nació en Knoxville, Tennessee, y creció en Kingsport, Tennessee. Alrededor de los cuatro años de edad contrajo la polio, que le incapacitó la pierna derecha. Su hermano Granville "Sticks"(o "Stick") McGhee, que también se convirtió más tarde en músico y compuso la famosa canción "Drinkin' Wine Spo-Dee-o-Dee", fue apodado por empujar al joven Brownie en un carro. Su padre, George McGhee, era un obrero de fábrica, conocido en la Avenida de la Universidad por tocar la guitarra y cantar. El tío de Brownie le hizo una guitarra con una caja de malvaviscos de lata y un trozo de tabla.

McGhee pasó gran parte de su juventud inmerso en la música, cantando con un grupo de armonía local, el Golden Voices Gospel Quartet, y enseñándose a sí mismo a tocar la guitarra. También tocó el banjo de cinco cuerdas y el ukelele y estudió piano. La cirugía financiada por March of Dimes le permitió a McGhee caminar.

A la edad de 22 años, McGhee se convirtió en un músico itinerante, trabajando en los Rabbit Foot Minstrels y trabando amistad con Blind Boy Fuller, cuyo toque de guitarra le influyó mucho. Después de la muerte de Fuller en 1941, J. B. Long de Columbia Records promovió a McGhee como "Blind Boy Fuller No. 2". Por aquel entonces, McGhee estaba grabando para la filial de Columbia, Okeh Records, en Chicago, pero su verdadero éxito llegó después de que se mudara a Nueva York en 1942, cuando se asoció con Sonny Terry, a quien conocía desde 1939, cuando Terry tocaba la armónica de Fuller. El emparejamiento fue un éxito de la noche a la mañana. Grabaron y giraron juntos hasta alrededor de 1980. Como dúo, Terry y McGhee hicieron la mayor parte de su trabajo desde 1958 hasta 1980, pasando 11 meses de cada año de gira y grabando docenas de álbumes.

A pesar de su fama posterior como artistas folclóricos "puros" que tocaban para el público blanco, en la década de 1940 Terry y McGhee habían intentado ser exitosos artistas de grabación, encabezando un combo de jump blues con saxofón y piano, llamándose a sí mismos Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five, a menudo con el campeón Jack Dupree y Big Chief Ellis. También aparecieron en las producciones originales de Broadway de Finian's Rainbow y Cat on a Hot Tin Roof.

Durante el resurgimiento del blues de los años 60, Terry y McGhee fueron populares en los circuitos de conciertos y festivales de música, añadiendo ocasionalmente nuevo material pero generalmente permaneciendo fieles a sus raíces y tocando al gusto de su público.

Más tarde en su vida, McGhee apareció en pequeños papeles en películas y en la televisión. Él y Terry aparecieron en la comedia de Steve Martin de 1979 The Jerk. En 1987, McGhee dio una pequeña pero memorable actuación como el desafortunado cantante de blues Toots Sweet en la película de suspenso sobrenatural Angel Heart. En su reseña de Angel Heart, el crítico Roger Ebert elogió a McGhee, declarando que ofreció una "actuación que demuestra que [el saxofonista] Dexter Gordon no es el único músico antiguo que puede actuar". McGhee apareció en la serie de televisión Family Ties, en un episodio de 1988 titulado "The Blues, Brother", en el que interpretó al músico de blues ficticio Eddie Dupre. También apareció en la serie de televisión Matlock, en un episodio de 1989 titulado "The Blues Singer", interpretando a un amigo de un viejo músico de blues (Joe Séneca) que está acusado de asesinato. En el episodio, McGhee, Séneca y la estrella Andy Griffith interpretan un dúo de "The Midnight Special".

Happy Traum, un antiguo estudiante de guitarra de McGhee's, editó una guía de instrucciones de guitarra de blues y un cancionero, Guitar Styles of Brownie McGhee, publicado en 1971, en el que McGhee, entre lecciones, hablaba de su vida y del blues. La sección autobiográfica presenta a McGhee hablando sobre su crecimiento, sus comienzos musicales y una historia del blues desde los años 30 en adelante.

McGhee y Terry recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes, que es el más alto honor del gobierno de Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por la NEA.

Una de las últimas apariciones de McGhee en un concierto fue en el Festival de Blues de Chicago en 1995.

McGhee murió de cáncer de estómago en febrero de 1996 en Oakland, California, a la edad de 80 años.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Roosevelt Sykes • The Return of

Roosevelt Sykes
From Wikipedia, the free encyclopedia
Roosevelt Sykes (January 31, 1906 – July 17, 1983) was an American blues musician, also known as "The Honeydripper".

Born in Elmar, Arkansas, Sykes grew up near Helena but at age 15, went on the road playing piano with a barrelhouse style of blues. Like many bluesmen of his time, he travelled around playing to all-male audiences in sawmill, turpentine and levee camps along the Mississippi River, gathering a repertoire of raw, sexually explicit material. His wanderings eventually brought him to St. Louis, Missouri, where he met St. Louis Jimmy Oden., author of the blues standard "Goin' Down Slow".

In 1929 he was spotted by a talent scout and sent to New York City to record for Okeh Records. His first release was "'44' Blues" which became a blues standard and his trademark. He quickly began recording for multiple labels under various names including Easy Papa Johnson, Dobby Bragg and Willie Kelly. After he and Oden moved to Chicago he found his first period of fame when he signed with Decca Records in 1934. In 1943, he signed with Bluebird Records and recorded with The Honeydrippers. Sykes and Oden continued their musical friendship well into the 60s.

In Chicago, Sykes began to display an increasing urbanity in his lyric-writing, using an eight-bar blues pop gospel structure instead of the traditional twelve-bar blues. However, despite the growing urbanity of his outlook, he gradually became less competitive in the post-World War II music scene. After his RCA Victor contract expired, he continued to record for smaller labels, such as United, until his opportunities ran out in the mid-1950s.

Roosevelt left Chicago in 1954 for New Orleans as electric blues was taking over the Chicago blues clubs. When he returned to recording in the 1960s it was for labels such as Delmark, Bluesville, Storyville and Folkways that were documenting the quickly passing blues history. He lived out his final years in New Orleans, where he died from a heart attack on July 17, 1983.

Sykes had a long career spanning the pre-war and postwar eras. His pounding piano boogies and risqué lyrics characterize his contributions to the blues. He was responsible for influential blues songs such as "44 Blues", "Driving Wheel", and "Night Time Is the Right Time".

He was inducted into the Blues Hall of Fame in 1999 and the Gennett Records Walk of Fame in 2011.



Review by Bill Dahl
Sykes's lyrical images are as vivid and amusing as ever on this 1960 set, with titles like "Set the Meat Outdoors" and "Hangover" among its standouts. Other than drummer Jump Jackson, the quartet behind the pianist is pretty obscure, but they rock his boogies with a vengeance. Contains a nice remake of his classic "Drivin' Wheel."

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Roosevelt Sykes
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Roosevelt Sykes (31 de enero de 1906 - 17 de julio de 1983) fue un músico de blues estadounidense, también conocido como "The Honeydripper".

Nacido en Elmar, Arkansas, Sykes se crió cerca de Helena, pero a los 15 años salió a la carretera tocando el piano con un estilo de blues "barrelhouse". Al igual que muchos bluesmen de su época, viajó tocando para audiencias exclusivamente masculinas en aserraderos, trementina y campamentos de diques a lo largo del río Misisipi, reuniendo un repertorio de material crudo y sexualmente explícito. Sus andanzas le llevaron finalmente a San Luis, Missouri, donde conoció a Jimmy Oden, autor del estándar de blues "Goin' Down Slow".

En 1929 fue descubierto por un cazatalentos y enviado a Nueva York para grabar para Okeh Records. Su primer lanzamiento fue "'44' Blues", que se convirtió en un estándar de blues y en su marca registrada. Rápidamente empezó a grabar para varios sellos con distintos nombres, como Easy Papa Johnson, Dobby Bragg y Willie Kelly. Después de que él y Oden se trasladaran a Chicago, encontró su primer periodo de fama cuando firmó con Decca Records en 1934. En 1943, firmó con Bluebird Records y grabó con The Honeydrippers. Sykes y Oden continuaron su amistad musical hasta los años 60.

En Chicago, Sykes empezó a dar muestras de una creciente urbanidad en sus letras, utilizando una estructura de blues pop gospel de ocho compases en lugar del tradicional blues de doce compases. Sin embargo, a pesar de la creciente urbanidad de su perspectiva, fue perdiendo competitividad en la escena musical posterior a la Segunda Guerra Mundial. Tras la expiración de su contrato con RCA Victor, siguió grabando para sellos más pequeños, como United, hasta que se le acabaron las oportunidades a mediados de la década de 1950.

Roosevelt abandonó Chicago en 1954 y se fue a Nueva Orleans cuando el blues eléctrico se apoderaba de los clubes de blues de Chicago. Cuando volvió a grabar en la década de 1960, lo hizo para sellos como Delmark, Bluesville, Storyville y Folkways, que documentaban la historia del blues que pasaba rápidamente. Vivió sus últimos años en Nueva Orleans, donde murió de un ataque al corazón el 17 de julio de 1983.

Sykes tuvo una larga carrera que abarcó las épocas de preguerra y posguerra. Sus potentes boogies al piano y sus letras atrevidas caracterizan su contribución al blues. Fue responsable de influyentes canciones de blues como "44 Blues", "Driving Wheel" y "Night Time Is the Right Time".

Fue incluido en el Salón de la Fama del Blues en 1999 y en el Paseo de la Fama de Gennett Records en 2011.



Reseña de Bill Dahl
Las imágenes líricas de Sykes son tan vívidas y divertidas como siempre en este conjunto de 1960, con títulos como "Set the Meat Outdoors" y "Hangover" entre los más destacados. Aparte del baterista Jump Jackson, el cuarteto detrás del pianista es bastante oscuro, pero rockean sus boogies con intensidad. Contiene un bonito remake de su clásico "Drivin' Wheel".

Roosevelt Sykes • Honeydripper

Review by Ron Wynn

Roosevelt Sykes expertly fit his classic, down-home piano riffs and style into a fabric that also contained elements of soul, funk, and R&B. The nine-cut date, recently reissued by Original Blues Classics, included such laments as "I Hate to Be Alone," "Lonely Day," and "She Ain't for Nobody," as well as the poignant "Yes Lawd," and less weighty "Satellite Baby" and "Jailbait." Besides Sykes' alternately bemused, ironic, and inviting vocals, there's superb tenor sax support from King Curtis, Robert Banks' tasty organ, and steady, nimble bass and drum assistance by Leonard Gaskin and drummer Belton Evans.
Roosevelt Sykes (January 31, 1906 – July 17, 1983) was an American blues musician, also known as "The Honeydripper". He was a successful and prolific cigar-chomping blues piano player, whose rollicking thundering boogie-woogie was highly influential.

http://en.wikipedia.org/wiki/Roosevelt_Sykes

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Traducción Automática:
Revisión por Ron Wynn

Roosevelt Sykes adaptó de forma experta sus clásicos riffs y estilo de piano en un tejido que también contenía elementos de soul, funk y R&B. La fecha de nueve cortes, recientemente reeditada por Original Blues Classics, incluyó lamentos como "Odio estar solo", "Lonely Day" y "Ella no está para nadie", así como la conmovedora "Sí Lawd". y menos pesado "Satellite Baby" y "Jailbait". Además de las voces alternativamente desconcertantes, irónicas e invitadoras de Sykes, hay un excelente soporte de saxo tenor de King Curtis, el sabroso órgano de Robert Banks, y la asistencia constante y ágil de los bajos y el tambor de Leonard Gaskin y el batería Belton Evans.
Roosevelt Sykes (31 de enero de 1906 - 17 de julio de 1983) fue un músico estadounidense de blues, también conocido como "The Honeydripper". Era un exitoso y prolífico pianista de blues que fumaba puros puros, cuyo trémico boogie-woogie era altamente influyente. 

 

Jesse Fuller • Move On Down The Line

 

Editorial Reviews
Jesse Fuller, “The Lone Cat” (1896 – 1976) was one of the great blues troubadours. A remarkably expressive singer and fine 12-string guitarist, Fuller developed his unique one-man-band style around his fotdella (foot-operated bass) and harmonica/kazoo-rig. 'Move On Down The Line' collects his earliest recordings, including the original version of his classic San Francisco Bay Blues, together with a splendid session taped in London in 1965 for Topic Records. One track – John Henry – has been unavailable since the early 1960s. The CD package includes extensive sleevenotes by Joe Boyd and Val Wilmer and a selection of very rare photographs by Val Wilmer.
https://www.amazon.com/-/es/Jesse-Fuller/dp/B002C6VM7K

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Reseña editorial
Jesse Fuller, "The Lone Cat" (1896 - 1976) fue uno de los grandes trovadores del blues. Fuller, un cantante extraordinariamente expresivo y un excelente guitarrista de 12 cuerdas, desarrolló su estilo único de one-man-band en torno a su fotdella (bajo accionado con el pie) y su armónica/kazoo-rig. Move On Down The Line" recoge sus primeras grabaciones, incluida la versión original de su clásico San Francisco Bay Blues, junto con una espléndida sesión grabada en Londres en 1965 para Topic Records. Un tema, John Henry, no estaba disponible desde principios de los años sesenta. El CD incluye extensas notas de Joe Boyd y Val Wilmer y una selección de fotografías muy poco comunes de Val Wilmer.
https://www.amazon.com/-/es/Jesse-Fuller/dp/B002C6VM7K

VA • Juke Joint Essentials

 

 

Bo Diddley, Muddy Waters, John Lee Hooker, Howlin' Wolf, Slim Harpo, Jimmy Rogers, J.B. Lenoir, Little Walter, Chuck Berry …

Memphis Slim • Songs Of Memphis Slim & Willie Dixon

 

Reverend Gary Davis • The Guitar & Banjo Of Reverend Gary Davis

 

Review
by Richie Unterberger  
Because this is an all-instrumental recording, it's an offbeat entry into the catalog of a performer known both as an important guitarist and as a singer. Some might miss Davis' vocals on this 1964 recording, but on the other hand there are plenty of records with him singing around. This gives listeners a chance to hone in on his dexterous guitar skills, blending ragtime, folk, and blues, usually on guitar (though he plays banjo on a couple of songs, and harmonica on one). "Maple Leaf Rag" is a natural showcase for Davis' talents, and "Candy Man," which may be his most well-known song, is here presented without words, making for an interesting juxtaposition with more commonly heard versions on which he (or others) sings. As further evidence of his eclecticism, there's a version of "United States March aka Soldier's Drill" -- not the best format for his strengths, certainly, but an illustration of his ability to adapt his style to unexpected material.
https://www.allmusic.com/album/the-guitar-banjo-of-reverend-gary-davis-mw0000012363

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Reseña
por Richie Unterberger  
Dado que se trata de una grabación totalmente instrumental, es una entrada poco convencional en el catálogo de un intérprete conocido tanto como importante guitarrista como cantante. Algunos pueden echar de menos la voz de Davis en esta grabación de 1964, pero por otro lado hay muchos discos en los que canta. Esto da a los oyentes la oportunidad de perfeccionar sus diestras habilidades con la guitarra, mezclando ragtime, folk y blues, normalmente con la guitarra (aunque toca el banjo en un par de canciones y la armónica en una). "Maple Leaf Rag" es un escaparate natural para el talento de Davis, y "Candy Man", que puede ser su canción más conocida, se presenta aquí sin letra, lo que supone una interesante yuxtaposición con versiones más comúnmente escuchadas en las que él (u otros) cantan. Como prueba adicional de su eclecticismo, hay una versión de "United States March aka Soldier's Drill", que no es el mejor formato para sus puntos fuertes, ciertamente, pero que ilustra su habilidad para adaptar su estilo a material inesperado.
https://www.allmusic.com/album/the-guitar-banjo-of-reverend-gary-davis-mw0000012363

VA • The Rough Guide To Hokum Blues

 

Hokum was a style showing a completely different side to the blues that was upbeat, salacious and light hearted. With its use of clever and suggestive innuendo, this risqué style was extremely popular in the late 1920s and early 1930s and its influence has remained part of the blues ever since.

With its early minstrel show origins, hokum was a novelty style that showed a completely different side to the blues that was upbeat, salacious and light hearted. Its spicy style often made repeated and continual sexual references by using clever and subtle (but not always) innuendo. Its popularity would last through the 1930s and its influence has remained part of the blues ever since.

A true unsung hero, and one of the first and most successful of the solo blues singers to record was the banjo player Papa Charlie Jackson who helped popularise hokum with tracks such as the featured 'Shake That Thing'. Likewise, the light-hearted and humorous jug bands from Memphis were early pioneers of the genre and used a lot of suggestive material, demonstrated by the brilliant harmonica played Noah Lewis who leads his own jug band for 'Selling The Jelly'.

Perhaps the most famous of tracks in the hokum cannon is 'Its Tight Like That' a 1928 recording featuring pianist Thomas A. Dorsey aka Georgia Tom and bottleneck guitar wizard Tampa Red who aptly became known as the Hokum Boys. This risqué number was a huge seller, and one of the seminal songs of the period that ushered in the hokum trend of loose rhythms and cleverly penned, ribald lyrics. Both had previously performed with the &;ldquoMother Of The Blues&;rdquo, Ma Rainey, who also took up the trend when recording 'Ma Rainey's Black Bottom'. Bessie Smithwas another blues diva who tackled cheeky double-entendre with an unmistakably mischievous tone, as can be heard on 'I Need A Little Sugar In My Bowl'.

Rather than just coming out and saying it, artists would use silly innuendo as part of the fun of writing and performing these songs. There were however exceptions like Lucille Bogan who didn't write the music to be cute and clever, but instead downright stimulating and arousing. Her featured song 'Barbecue Bess' shows her tamer side, unlike some of her X-rated numbers which completely threw innuendo out of the window.

The influence of hokum also crossed over into early country music as demonstrated by the Chattanooga-based Allen Brothers whose hilarious 'Bow Wow Blues' includes the classic line 'She's got more ways of lovin' than Wrigley's got gum'. The Dallas String Band had a foot in both early country music and blues camps and recorded the instrumental 'Hokum Blues' with its wonderful mandolin instrumentation. Fellow Texan Blind Lemon Jeffersonhad links with the band at various times and was amongst the first of the recorded bluesmen to use subversive 'double-meanings' such as the 'black snake'. Another towering figure of the blues, Charlie Patton, delivers a seemingly never-ending supply of happily lewd lyrics on the raggy 'Shake It And Break It'.

Like many bluesmen of the late 1920s, Barbecue Bob jumped into the hokum craze with tracks such as 'Honey You're Going Too Fast', which had a chugging strumming technique unlike anything he'd recorded before. Other East coast favourites such as Blind Willie McTell, Blind Blake and Blind Boy Fullerall did the same with upbeat numbers of their own. However, it's Bo Carter who can be considered as the true lyrical master of the dirty blues with his often-hilarious content, usually steering clear of any subtlety in numbers such as 'Please Warm My Weiner', 'Banana In Your Fruit Basket', and the featured 'Cigarette Blues'. Bo Carter produces a wonderful guitar accompaniment, showing that there was a lot more to his music than suggestive wordplay, which is the case for so many of the featured performers helping serve up this fun and racy take on the blues.
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El Hokum era un estilo que mostraba un lado completamente diferente del blues, alegre, salaz y desenfadado. Con su uso de insinuaciones ingeniosas y sugerentes, este estilo atrevido fue muy popular a finales de los años veinte y principios de los treinta, y su influencia ha formado parte del blues desde entonces.

Con sus orígenes en los primeros espectáculos de juglares, el hokum era un estilo novedoso que mostraba un lado completamente diferente del blues, alegre, salaz y desenfadado. Su estilo picante a menudo hacía repetidas y continuas referencias sexuales mediante el uso de insinuaciones inteligentes y sutiles (aunque no siempre). Su popularidad se prolongaría hasta los años 30 y su influencia ha seguido formando parte del blues desde entonces.

Un auténtico héroe anónimo, y uno de los primeros y más exitosos cantantes solistas de blues en grabar, fue el banjista Papa Charlie Jackson, que contribuyó a popularizar el hokum con temas como el destacado "Shake That Thing". Del mismo modo, las desenfadadas y humorísticas jug bands de Memphis fueron pioneras del género y utilizaron mucho material sugerente, como demuestra la brillante armónica de Noah Lewis, que lidera su propia jug band en "Selling The Jelly".

Quizá el tema más famoso del hokum sea "Its Tight Like That", una grabación de 1928 en la que participaron el pianista Thomas A. Dorsey, alias Georgia Tom, y el mago de la guitarra Tampa Red, que acertadamente pasaron a ser conocidos como los Hokum Boys. Este arriesgado tema fue un éxito de ventas y una de las canciones fundamentales de la época que marcó el comienzo de la moda del hokum, con ritmos sueltos y letras ingeniosamente escritas. Ambas habían actuado anteriormente con la &;ldquoMadre del Blues&;rdquo, Ma Rainey, que también se apuntó a la moda al grabar 'Ma Rainey's Black Bottom'. Bessie Smith fue otra diva del blues que abordó el doble sentido con un tono inconfundiblemente pícaro, como se puede escuchar en "I Need A Little Sugar In My Bowl".

En lugar de decirlo abiertamente, los artistas utilizaban insinuaciones tontas como parte de la diversión de escribir e interpretar estas canciones. Sin embargo, había excepciones, como Lucille Bogan, que no escribía la música para ser simpática e ingeniosa, sino francamente estimulante y excitante. Su canción "Barbecue Bess" muestra su lado más tímido, a diferencia de algunos de sus números clasificados X, en los que la insinuación se tiraba por la ventana.