Saturday, January 27, 2024

Collection de meubles et objets de goût comprenant




Dibujos de muebles y otros objetos principios s.19, pdf
Son 8 tomos con más de 400 páginas de dibujos de muebles, carruajes, decoración y otros.

Formato pdf / 111 MB

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Drawings of furniture and other objects principles s.19, pdf
They are 8 volumes with more than 400 pages of drawings of furniture, carriages, decoration and others.
Format pdf / 111 MB

 

Friday, January 26, 2024

Sonny Rhodes • Blue Diamond

 


Artist Biography by Richard Skelly

Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.
Note: Sonny passed away on 14 December 2021.

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Biografía del artista por Richard Skelly
El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.

Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente. Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras graduarse en el instituto.

En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.

Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins. Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just Blues, en su propio sello Rhodesway.

Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).

Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido altas calificaciones de los críticos de blues. 
Nota: Sonny falleció el 14 de diciembre de 2021.


Thursday, January 25, 2024

The Betty Smith Quintet • EP 1957



Betty Smith
El saxo es uno de los instrumentos emblemáticos del jazz, tocado por una mujer por estos días no es más que un detalle, pero hace 50 años esta dama no sólo tocaba el saxo y cantaba sino que también tenía su quinteto y además en la escena de jazz inglés, años antes que los melenudos de Liverpool enfrentaran a la flema inglesa con sus irreverentes locuras, esta dama rompía los cánones no escritos del jazz.






De familia de músicos fue metiéndose poco a poco en el jazz, por la influencia proveniente de Estados Unidos más que por músicos locales, en tiempos de la preguerra, durante y en etapa posterior a la segunda guerra mundial, participando a veces en funciones para los soldados y en la radio también, donde adquirió notoriedad como cantante y saxofonista. Continuó su carrera en forma intermitente hasta los 90, falleciendo a principios de 2011.




Lamentablemente no hay bio en español, aquí pueden consultarla en inglés.
 
https://www.discogs.com/artist/1608803-Betty-Smith-2?opt=9ttQ




No he encontrado discografía en la red, más que este EP, que de todos modos da una una idea de lo que hacía esta chica a finales de los '50.

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Automatic translation:The sax is one of the emblematic instruments of jazz, played by a woman these days is just a detail, but 50 years ago this lady not only played sax and sang but also had her quintet and also in the scene English jazz, years before the hairy Liverpool met English phlegm with its irreverent follies, this lady broke the unspoken canons of jazz.As a family of musicians, he gradually became involved in jazz, influenced by the United States rather than by local musicians, in pre-war times, during and after the Second World War, sometimes performing duties for Soldiers and in the radio also, where it acquired notoriety like singer and saxophonist. He continued his career intermittently until the 1990s, dying in early 2011.I have not found discography on the net, more than this EP, which still gives an idea of ​​what this girl did in the late 50's.
 
http://www.independent.co.uk/news/obituaries/betty-smith-saxophonist-and-singer-hailed-for-her-improvisational-panache-2196497.html
 
 
 
 

Mark Hummel • Unplugged-Back Porch Music



Biography:
Harmonica player, songwriter, and singer Mark Hummel is a practitioner of the West Coast blues style, which typically includes elements of jazz and swing. A seasoned bandleader, Hummel achieved wider recognition through nearly constant touring. Hummel was born in New Haven, Connecticut but raised in Los Angeles, California. He became fascinated with the blues-rock of Cream, Jimi Hendrix, Big Brother and the Holding Company, and the Rolling Stones. After seeing songwriter credits on the albums, he began to dig further back into those bands' blues roots. He began playing harmonica in his teens in order to be different from the huge pack of guitar players in his high school. Hummel studied the styles of the Chicago-based players, including James Cotton, Sonny Boy Williamson, Big Walter "Shakey" Horton, and Little Walter Jacobs. Hummel moved to Berkeley, California in 1972 and played with local bluesmen there, including Boogie Jake, Cool Papa, Johnny Waters, and Sonny Lane. After graduating high school, he hitchhiked around the country for three years, making stops in New Orleans, Boston, and Chicago to learn from those cities' top players.

In 1980, he formed the Blues Survivors, subsequently performed at numerous blues festivals around the U.S., including the Chicago Blues Festival and the San Francisco Blues Festival. Hummel has released a number of self-produced albums around his Oakland, California home, including Playing in Your Town (1985, Rockinitis Records), Up & Jumpin' (with Canadian guitarist Sue Foley, 1989-1990), and Hard Lovin' (1992, Double Trouble Records). His widely available albums include Feel Like Rockin' (1994, Flying Fish Records), Married to the Blues (1995, Flying Fish), and Heart of Chicago (1997, Tone-Cool/Rounder), an album recorded in Chicago on which Hummel was accompanied by some veteran Chicago sidemen, including drummer Willie "Big Eyes" Smith, guitarist Dave Myers, and producer/guitarist Steve Freund. Considered one of the top harmonica players in the U.S., Hummel has also judged and played in the Hohner Harmonica World Championships, held in Germany; he issued Low Down to Uptown in 1998. Golden State Blues was next, released on new label Electro-Fi with support from Hummel's usual backing band, the Blues Survivors. Retro-Active followed early in 2010.
by Richard Skelly
https://www.allmusic.com/artist/mark-hummel-mn0000234508/biography

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Biografía:
Armonicista, compositor y cantante Mark Hummel es un practicante del estilo blues de la Costa Oeste, que típicamente incluye elementos de jazz y swing. Como experimentado director de banda, Hummel logró un amplio reconocimiento a través de giras casi constantes. Hummel nació en New Haven, Connecticut, pero se crió en Los Ángeles, California. Se fascinó con el blues-rock de Cream, Jimi Hendrix, Big Brother and the Holding Company, y los Rolling Stones. Después de ver los créditos de los compositores en los álbumes, comenzó a profundizar en las raíces del blues de esas bandas. Empezó a tocar la armónica en su adolescencia para diferenciarse del gran grupo de guitarristas de su instituto. Hummel estudió los estilos de los guitarristas de Chicago, incluyendo a James Cotton, Sonny Boy Williamson, Big Walter "Shakey" Horton y Little Walter Jacobs. Hummel se mudó a Berkeley, California, en 1972 y tocó con los bluesmen locales allí, incluyendo Boogie Jake, Cool Papa, Johnny Waters, y Sonny Lane. Después de graduarse de la escuela secundaria, hizo autostop por todo el país durante tres años, haciendo paradas en Nueva Orleans, Boston y Chicago para aprender de los mejores jugadores de esas ciudades.

En 1980, formó el grupo Blues Survivors, y posteriormente actuó en numerosos festivales de blues en los Estados Unidos, incluyendo el Festival de Blues de Chicago y el Festival de Blues de San Francisco. Hummel ha publicado varios álbumes autoproducidos en su casa de Oakland, California, entre los que se encuentran Playing in Your Town (1985, Rockinitis Records), Up & Jumpin' (con la guitarrista canadiense Sue Foley, 1989-1990) y Hard Lovin' (1992, Double Trouble Records). Sus álbumes ampliamente disponibles incluyen Feel Like Rockin' (1994, Flying Fish Records), Married to the Blues (1995, Flying Fish), y Heart of Chicago (1997, Tone-Cool/Rounder), un álbum grabado en Chicago en el que Hummel fue acompañado por algunos veteranos de Chicago, incluyendo el baterista Willie "Big Eyes" Smith, el guitarrista Dave Myers, y el productor/guitarrista Steve Freund. Considerado uno de los mejores intérpretes de armónica de los Estados Unidos, Hummel también ha sido jurado y ha tocado en los Campeonatos Mundiales de Armónica de Hohner, celebrados en Alemania; publicó Low Down to Uptown en 1998. El siguiente paso fue el Golden State Blues, lanzado en el nuevo sello Electro-Fi con el apoyo de la banda de respaldo habitual de Hummel, los Blues Survivors. Retro-Active siguió a principios de 2010.
por Richard Skelly
https://www.allmusic.com/artist/mark-hummel-mn0000234508/biography


 




https://markhummel.com/
 
 
 

English stained glass #1 of 5



1200 images of stained glass from all over England, in high quality archives.
 

 

English stained glass #2 of 5



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English stained glass #3 of 5



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English stained glass #4 of 5



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English stained glass #5 of 5



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Wednesday, January 24, 2024

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 1 of 6



The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.





VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 2 of 6



The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.


VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 3 of 6



The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 4 of 6





The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 5 of 6



The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.


VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 6 of 6



The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:
Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.


 





Lonesome Sundown • Lonesome Whistler


 
Lonesome Sundown was given his Blues name by Jay Miller, the legendary producer at Excello Records who also gave new names to Lightnin’ Slim, Lazy Lester and many more. Lonesome’s particular brand of ‘swamp Blues’ had strong echoes of the hard-edged sound of Chicago Blues rather than the usual one-chord boogies or the more lyrical style of the Zydeco bands where he got started.

Cornelius Green was born near Donaldsville LA in 1928 and as a teenager he went to work in New Orleans. He learned to play guitar, and while working in the Gulf Coast oilfields, he began appearing at clubs in Port Arthur. He was spotted by Clifton Chenier, who offered him the gig as ‘second’ guitar with The Zydeco Ramblers. They went on tour to Chicago and the West-coast, where they cut some tracks in Los Angeles, but Cornelius soon left because he wanted to work on his own material. A demo tape found its way to Jay Miller, who got Cornelius into the studio, came up with the ‘Lonesome Sundown’ tag and leased the tapes to Excello. This began an eight year career with Jay and Excello which produced a string of good selling singles that never troubled the national charts. This may have been down to Excello’s marketing, which was largely done by mail-order and in ‘bundles’, which they promoted through a radio station that reached Canada and Mexico. All this made it difficult for Billboard to validate sales.

Lonesome’s strong, distinctive voice and powerful guitar style was often complimented by the bright harp sound of Lazy Lester, but he sometimes just sang with his guitar or a gentle piano. Lonesome wrote some great songs like ‘My Home is a Prison’, made up on the spot when his religious wife phoned the studio to ask him to come home. Other songs like ‘Gonna Stick to You Baby’, were covered by many later singers, and Excello released an album of Lonesome’s self-written music in 1965. Soon afterwards, a messy divorce and disillusionment with his lack of commercial success caused Lonesome to walk away from the business. He was eventually ordained as a Minister of an Apostolic Church, but after a decade away from music, Lonesome cut a great new album in 1977. ‘Been Gone Too Long’ had some fine, laid-back Blues, but it didn’t sell too well despite being re-issued by Alligator Records a couple of years later. Lonesome played at the New Orleans Heritage Festival in 1979, and toured Europe and Japan, but fell out of love with playing and retired again. He had a serious stroke in 1994, and passed away in Gonzales LA the following year.
https://www.allaboutbluesmusic.com/lonesome-sundown/

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Lonesome Sundown recibió el nombre de Blues de Jay Miller, el legendario productor de Excello Records que también dio nuevos nombres a Lightnin' Slim, Lazy Lester y muchos más. La particular marca de Lonesome,'swamp Blues', tenía fuertes ecos del sonido de borde duro de Chicago Blues en lugar de los habituales boogies de un solo acorde o el estilo más lírico de las bandas de Zydeco en las que empezó.

Cornelius Green nació cerca de Donaldsville LA en 1928 y cuando era adolescente se fue a trabajar a Nueva Orleans. Aprendió a tocar la guitarra, y mientras trabajaba en los campos petroleros de la Costa del Golfo, comenzó a aparecer en clubes de Port Arthur. Fue visto por Clifton Chenier, quien le ofreció el concierto como segunda guitarra con The Zydeco Ramblers. Se fueron de gira a Chicago y a la costa oeste, donde cortaron algunas pistas en Los Ángeles, pero Cornelius pronto se fue porque quería trabajar en su propio material. Una cinta de demostración encontró su camino a Jay Miller, quien metió a Cornelius en el estudio, inventó la etiqueta'Lonesome Sundown' y le alquiló las cintas a Excello. Esto comenzó una carrera de ocho años con Jay y Excello, que produjo una serie de buenas ventas de singles que nunca afectaron las listas nacionales. Esto pudo deberse a la comercialización de Excello, que en gran medida se hizo por correo y en "paquetes", que promovieron a través de una estación de radio que llegó a Canadá y México. Todo esto dificultó la validación de las ventas de Billboard.

La voz fuerte y distintiva de Lonesome y su poderoso estilo de guitarra a menudo eran complementados por el brillante sonido del la armónica de Lazy Lester, pero a veces sólo cantaba con su guitarra o con un piano suave. Lonesome escribió algunas grandes canciones como "My Home is a Prison" (Mi casa es una prisión), inventada en el momento en que su esposa religiosa llamó al estudio para pedirle que volviera a casa. Otras canciones como'Gonna Stick to You Baby', fueron interpretadas por muchos cantantes posteriores, y Excello lanzó un álbum de música auto-escrita de Lonesome en 1965. Poco después, un divorcio desordenado y la desilusión por su falta de éxito comercial hicieron que Lonesome abandonara el negocio. Eventualmente fue ordenado como Ministro de una Iglesia Apostólica, pero después de una década lejos de la música, Lonesome grabó un gran álbum nuevo en 1977. Been Gone Too Long' tenía un buen Blues, pero no se vendió muy bien a pesar de haber sido reeditado por Alligator Records un par de años después. Lonesome tocó en el Festival de Herencia de Nueva Orleans en 1979, y viajó por Europa y Japón, pero se enamoró de tocar y se retiró de nuevo. Tuvo una apoplejía grave en 1994, y falleció en Gonzales LA al año siguiente.
https://www.allaboutbluesmusic.com/lonesome-sundown/



Reuben Wilson • Organ Donor

  
 
Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine
Reuben Wilson was one of many soul-jazz organists to emerge in the late '60s, but he was one of only a handful of new organists from that era to be signed to Blue Note. By that point in the label's history, most of their artists were concentrating on accessible soul-jazz, and while he occasionally strayed outside of the conventions of the genre, Wilson more or less followed their rule. Between 1968 and 1971, he recorded five sessions for the label. None of his records received much acknowledgment at the time, but they were later rediscovered by a new generation of soul-jazz fans, becoming collector's items within acid jazz and soul-jazz revivalist circles.
Wilson began performing professionally in 1962. A native of Mounds, OK, he moved to Pasadena, CA, as a child, where he attended school with such future jazz musicians as Bobby Hutcherson and Herb Lewis. As a teenager, Wilson began to teach himself to play piano, but his attention was diverted by boxing. When he was 17, he moved to Los Angeles and married a nightclub singer, through whom he met a number of professional musicians. Associating with musicians conviced Wilson to return to music. Instead of pursuing the piano, he decided to take up the organ, and it wasn't long before he became a regular at the Caribbean club, where he played with drummer Eddie Williams, guitarist George Freeman, and, eventually, Clifford Scott. He played the L.A. circuit for several years before deciding to try his luck in Las Vegas. That venture proved unsuccessful, so he moved back to L.A., where he struck up a friendship with Richard "Groove" Holmes, an organist who would greatly influence his own style.
In December 1966, Wilson relocated to New York, where he formed the soul-jazz trio the Wildare Express with drummer Tommy Derrick. The Wildare Express lasted about six months, playing venues throughout the East Coast and Detroit, and then Wilson decided to concentrate on more complex variations of hard bop and soul-jazz. Eventually, such respected musicians as Grant Green, Roy Haynes, and Sam Rivers began playing with Wilson. Around the same time, Blue Note offered the organist a contract based on a demo he had sent the label.
On Broadway, Wilson's first album for Blue Note, was a quartet session featuring his old bandmate Derrick and was recorded in October of 1968. It was followed in March of 1969 by Love Bug, which featured contributions from trumpeter Lee Morgan and guitarist Grant Green. His third album, Blue Mode, was cut in December 1969 and offered some of his hottest playing. With his fourth album, 1970's A Groovy Situation, Wilson moved in a commercial direction, much like many of his Blue Note peers. In July of 1971, he recorded Set Us Free, his final album for the label.
Wilson's contract with Blue Note expired after Set Us Free and he moved to Groove Merchant, where he released three albums -- Cisco Kid, Bad Stuff, and The Sweet Life -- during the mid-'70s. Throughout the decade, he also played on sessions by funk, soul, and jazz artists, including a record by the Fatback Band. During the late '70s, he recorded sporadically, eventually retiring from music in the early '80s.
By the late '80s, Wilson's music had been rediscovered by a new generation, listeners who didn't dismiss his records as commercial fluff. Like several of his peers, his late-'60s and '70s records, through sampling, became cornerstones in the newly emerging acid jazz and jazz-rap genres. Soon, his out of print records became collector's items, and his sampled licks were appearing on dancefloors throughout England and parts of New York. Eventually, samples of his records were included on hit albums by A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, and Nas. In light of all this new attention, Wilson decided to return to performing, and he toured with Guru's Jazzamatazz revue in 1995. He also began writing new material and performing in new groups, including combos he led himself. In 1996, he signed to Hip Bop and released two albums, Live at SOB's and Organ Donor. The following year, he recorded Organic Grooves with Dr. Lonnie Smith and Doug Carn.
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Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine
Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul-jazz que surgieron a finales de los años 60, pero fue uno de los pocos organistas nuevos de esa época que firmaron con Blue Note. En ese momento de la historia del sello, la mayoría de sus artistas se concentraban en el soul-jazz accesible, y mientras que ocasionalmente se alejaba de las convenciones del género, Wilson más o menos seguía su regla. Entre 1968 y 1971, grabó cinco sesiones para el sello. Ninguno de sus discos recibió mucho reconocimiento en ese momento, pero más tarde fueron redescubiertos por una nueva generación de fanáticos del soul-jazz, convirtiéndose en objetos de colección dentro de los círculos del jazz ácido y del soul-jazz revivalist.
Wilson comenzó a actuar profesionalmente en 1962. Nacido en Mounds, OK, se mudó a Pasadena, CA, cuando era niño, donde asistió a la escuela con futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. De adolescente, Wilson comenzó a aprender a tocar el piano, pero su atención se desvió por el boxeo. A los 17 años, se mudó a Los Ángeles y se casó con un cantante de un club nocturno, a través del cual conoció a varios músicos profesionales. La asociación con músicos convenció a Wilson para que volviera a la música. En lugar de dedicarse al piano, decidió tomar el órgano, y no pasó mucho tiempo antes de convertirse en un habitual en el club del Caribe, donde tocó con el baterista Eddie Williams, el guitarrista George Freeman y, finalmente, Clifford Scott. Jugó en el circuito de Los Ángeles durante varios años antes de decidir probar suerte en Las Vegas. Esa aventura no tuvo éxito, así que regresó a Los Ángeles, donde entabló una amistad con Richard "Groove" Holmes, un organista que influiría enormemente en su propio estilo.
En diciembre de 1966, Wilson se trasladó a Nueva York, donde formó el trío de soul-jazz Wildare Express con el baterista Tommy Derrick. El Wildare Express duró unos seis meses, tocando en lugares de la Costa Este y Detroit, y luego Wilson decidió concentrarse en variaciones más complejas de hard bop y soul-jazz. Eventualmente, músicos tan respetados como Grant Green, Roy Haynes y Sam Rivers comenzaron a tocar con Wilson. Más o menos al mismo tiempo, Blue Note le ofreció al organista un contrato basado en una maqueta que él mismo había enviado al sello.
En Broadway, el primer álbum de Wilson para Blue Note, fue una sesión de cuarteto con su antiguo compañero de banda Derrick y fue grabado en octubre de 1968. Fue seguido en marzo de 1969 por Love Bug, que contó con las contribuciones del trompetista Lee Morgan y el guitarrista Grant Green. Su tercer álbum, Blue Mode, se editó en diciembre de 1969 y ofreció algunas de sus mejores interpretaciones. Con su cuarto álbum, A Groovy Situation, de 1970, Wilson se movió en una dirección comercial, muy parecida a la de muchos de sus colegas de Blue Note. En julio de 1971, grabó Set Us Free, su último álbum para el sello.
El contrato de Wilson con Blue Note expiró después de Set Us Free y se mudó a Groove Merchant, donde lanzó tres álbumes: Cisco Kid, Bad Stuff y The Sweet Life, a mediados de los 70. A lo largo de la década, también tocó en sesiones de artistas de funk, soul y jazz, incluyendo un disco de Fatback Band. A finales de los 70, grabó esporádicamente, y finalmente se retiró de la música a principios de los 80.
A finales de los'80, la música de Wilson había sido redescubierta por una nueva generación, oyentes que no descartaron sus discos como una pelusa comercial. Como varios de sus compañeros, sus discos de finales de los 60 y 70, a través del sampling, se convirtieron en piedras angulares de los nuevos géneros acid jazz y jazz-rap. Pronto, sus discos agotados se convirtieron en objetos de colección, y sus lamidas de muestra aparecieron en pistas de baile por toda Inglaterra y partes de Nueva York. Eventualmente, muestras de sus discos fueron incluidas en álbumes de éxito por A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, y Nas. A la luz de toda esta nueva atención, Wilson decidió volver a actuar, y realizó una gira con la revista Jazzamatazz de Guru en 1995. También comenzó a escribir nuevo material y a tocar en nuevos grupos, incluyendo combos que él mismo dirigía. En 1996, firmó con Hip Bop y lanzó dos álbumes, Live at SOB's y Organ Donor. Al año siguiente, grabó Organic Grooves con el Dr. Lonnie Smith y Doug Carn.
 
 

Walt Dickerson • A Sense of Direction



Biography:
Dickerson made a fairly 'big splash' when his first recordings appeared in the early 60s (Down Beat Critics Poll “New Star”, 1962), but he's remained an enigmatic figure ever since. His early sides demonstrated a sure grasp of the Hampton/Jackson continuum in blazing through standards, but his original compositions on those dates reflected a spiritual, even mystical flavor that was expanded on in recordings into the early 80s.

Dickerson's distinctive melodic and rhythmic approach is complemented by his unique timbre on what is often a cold-sounding and unwieldly instrument - his use of rubber mallets specially-treated to produce a plush and very warm yet crisp sound, immediately recognizable. Of all his recordings, most are in the trio format, none larger than a quintet (with two drummers!), and no horn players appear. There is an underlying current of turbulence yet an overall air of serenity to his work.

Also curious (and frustrating to his small but devoted group of devotees) are Dickerson's long periods of inactivity; no recordings exist between 1966 and 1975, and his last released LP was in 1982. Word has it that he still performs sporadically around his native Philadelphia, even more rarely in New York and the west coast. (Anyone with more information is implored to contact the author!)

Among his more noted collaborators are Sun Ra (both in the 60s and 70s) and Andrew Cyrille, who performed on the great majority of Dickerson's recordings from 1961 (possibly Cyrille's first major recording?) through 1982.
Source: Damon Short
https://musicians.allaboutjazz.com/waltdickerson

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Biografía:
Dickerson causó un gran revuelo cuando sus primeras grabaciones aparecieron a principios de los 60 (Down Beat Critics Poll "New Star", 1962), pero sigue siendo una figura enigmática desde entonces. Sus primeros trabajos demostraron una comprensión segura de la continuidad Hampton/Jackson en el resplandor de los estándares, pero sus composiciones originales en esas fechas reflejaron un sabor espiritual, incluso místico, que se amplió en las grabaciones a principios de los 80.

El distintivo enfoque melódico y rítmico de Dickerson se complementa con su timbre único en lo que a menudo es un instrumento frío y poco manejable: su uso de mazos de goma especialmente tratados para producir un sonido afelpado y muy cálido pero nítido, inmediatamente reconocible. De todas sus grabaciones, la mayoría están en formato de trío, ninguna más grande que un quinteto (¡con dos bateristas!), y no aparecen trompetistas. Hay una corriente subyacente de turbulencia, pero un aire general de serenidad en su trabajo.

También son curiosos (y frustrantes para su pequeño pero devoto grupo de devotos) los largos períodos de inactividad de Dickerson; no existen grabaciones entre 1966 y 1975, y su último LP publicado fue en 1982. Se dice que todavía actúa esporádicamente alrededor de su Filadelfia natal, incluso más raramente en Nueva York y la costa oeste. (¡Se ruega a quien tenga más información que se ponga en contacto con el autor!)

Entre sus más notables colaboradores están Sun Ra (tanto en los 60 como en los 70) y Andrew Cyrille, que actuó en la gran mayoría de las grabaciones de Dickerson desde 1961 (¿posiblemente la primera grabación importante de Cyrille?) hasta 1982.
Fuente: Damon Short
https://musicians.allaboutjazz.com/waltdickerson
 
 
 

Tony Scott • Both Sides Of Tony Scott



Both Sides Of Tony Scott songs Records by clarinetist Tony Scott are mostly quite scarce, including this long out-of-print LP. Both Sides Of Tony Scott album Scott, whose cool tone and boppish solos made him a standout (and an alternative to the rapid playing of Buddy DeFranco) in the 1950s, was always an adventurous player, although his groundings were in bop. This particular album features him with two different pianoless rhythm sections (with Mundell Lowe or Dick Garcia on guitar, Teddy Kotick or Milt Hinton on bass, and Shadow Wilson or Osie Johnson on drums) performing six lyrical ballads (including "Cry Me a River," "Star Dust," and "More Than You Know" ), plus two lengthy originals. The latter were freely improvised at the studio, and they are quite unpredictable while being melodic and ultimately logical. An intriguing and well-rounded album, well worth searching for. Hopefully someday RCA will reissue this little-known but valuable music. ~ Scott Yanow

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Los discos de las canciones de Both Sides Of Tony Scott del clarinetista Tony Scott son en su mayoría bastante escasos, incluyendo este largo LP agotado. El álbum Both Sides Of Tony Scott Scott, cuyo tono fresco y solos boppish lo hicieron destacar (y una alternativa a la rápida interpretación de Buddy DeFranco) en la década de 1950, siempre fue un jugador aventurero, aunque su base era el bop. Este álbum en particular lo presenta con dos secciones rítmicas sin piano diferentes (con Mundell Lowe o Dick García en la guitarra, Teddy Kotick o Milt Hinton en el bajo, y Shadow Wilson u Osie Johnson en la batería) interpretando seis baladas líricas (incluyendo "Cry Me a River", "Star Dust" y "More Than You Know" ), además de dos largos originales. Estas últimas fueron improvisadas libremente en el estudio, y son bastante impredecibles mientras que son melódicas y finalmente lógicas. Un álbum intrigante y bien redondeado, que vale la pena buscar. Con suerte, algún día la RCA reeditará esta música poco conocida pero valiosa. ~ Scott Yanow
 
 
 

Scott Hamilton • Back In New York



Review by Matt Collar
Journeyman tenor saxophonist Scott Hamilton keeps things light and swinging on Back in New York. Bringing to mind a mix of Dexter Gordon and Ben Webster, Hamilton has always displayed an unerring classicist aesthetic, and this album is no exception. Featuring the deft rhythm section of pianist Bill Charlap, bassist Peter Washington, and drummer Kenny Washington, Back in New York is a template for what solid modern mainstream jazz should sound like. To these ends, Hamilton kicks things into gear with a sprightly take on "What Is This Thing Called Love," nudges his way through a tasty samba version of "Love Letters," and keeps thing warm and fuzzy on "This Is Always." https://www.allmusic.com/album/back-in-new-york-mw0000672219

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Traducción Automática:
Revisión por Matt Collar
El saxofonista tenor Scott Hamilton mantiene las cosas ligeras y en movimiento en Back in New York. Recordando una mezcla de Dexter Gordon y Ben Webster, Hamilton siempre ha mostrado una estética clasicista infalible, y este álbum no es una excepción. Con la sección de ritmo hábil del pianista Bill Charlap, el bajista Peter Washington y el baterista Kenny Washington, Back in New York es una plantilla de cómo debe sonar el sólido mainstream de jazz moderno. Para estos fines, Hamilton se inicia cosas en marcha con una toma alegre en "¿Qué es esta cosa llamada Love", codazos su camino a través de una versión de samba sabrosa de "Cartas de Amor", y mantiene cosa cálida y difusa en "Esto es siempre." https://www.allmusic.com/album/back-in-new-york-mw0000672219

Lonnie Smith • Turning Point




Review by Stephen Thomas Erlewine
Most Blue Note soul-jazz albums from the late '60s went one of three ways: it either was a straight-ahead commercial session, a slightly psychedelic outing, or a funky workout with a vague "Black Power" theme. Dr. Lonnie Smith had followed the latter path with Think!, the predecessor to Turning Point, and there are still remnants of that style on this session, particularly in the opening cover of Don Covay's "See Saw." Nevertheless, Turning Point is a more adventurous affair than Think!, finding Smith -- as well as trumpeter Lee Morgan, trombonist Julian Priester, guitarist Melvin Sparks, tenor saxophonist Bennie Maupin and drummer Leo Morris -- exploring territory that isn't quite free, but is certainly more "out there" than the average soul-jazz session. In particular, Smith's originals "Slow High" and "Turning Point" reach the outer edges of the style, playing with dissonance, complex melodies and expansive sound structures. Despite all these free flourishes, Turning Point remains a soul-jazz record and it has all the trappings of its era -- the take on "Eleanor Rigby" finds the group approximating psychedelia. While the more adventurous elements of Turning Point make for an intriguing listen, the album isn't quite as enjoyable as the harder grooving sessions or the spacier soul-jazz records from the same era. Nevertheless, it's a worthwhile listen.

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Álbum de antes que se diplomara de "Dr" :D

Traducción Automática:
Revisión por Stephen Thomas ErlewineLa mayoría de los álbumes de soul-jazz de Blue Note de finales de los años 60 fueron una de tres maneras: fue una sesión comercial directa, una salida un poco psicodélica o un ejercicio de moda con un vago tema "Black Power". El Dr. Lonnie Smith había seguido este último camino con Think !, el predecesor de Turning Point, y todavía hay restos de ese estilo en esta sesión, particularmente en la portada de apertura de "See Saw" de Don Covay. Sin embargo, Turning Point es un asunto más aventurero que Think !, el hallazgo de Smith, así como el trompetista Lee Morgan, el trombonista Julian Priester, el guitarrista Melvin Sparks, el saxofonista Bennie Maupin y el baterista Leo Morris, explorando un territorio que no es del todo libre. , pero ciertamente es más "por ahí" que la sesión promedio de soul-jazz. En particular, los originales de Smith "Slow High" y "Turning Point" alcanzan los bordes exteriores del estilo, tocando con disonancia, melodías complejas y estructuras de sonido expansivas. A pesar de todos estos éxitos libres, Turning Point sigue siendo un disco de soul-jazz y tiene todas las características de su época: la versión de "Eleanor Rigby" encuentra al grupo que se aproxima a la psicodelia. Mientras que los elementos más aventureros de Turning Point hacen una escucha intrigante, el álbum no es tan agradable como las sesiones de grooving más duras o los discos más espaciosos del soul-jazz de la misma época. Sin embargo, vale la pena escuchar.
 
 




Modern Jazz Quartet • Plastic Dreams



Review by Uncle Dave Lewis
Christmas came early in 1971; in May, Atlantic released Plastic Dreams, the penultimate studio album from the Modern Jazz Quartet during their main, 22-year run as an ensemble. Of the MJQ's albums, Plastic Dreams has never been a critic's favorite, and was an album that mystified many of the group's longtime followers. First was the gatefold front cover, which featured a "plastic" image of a nude woman that was really pushing the envelope by 1971 standards; it was almost "indecent." Second, the liner notes by arch-New York jazz critic Martin Williams, while appreciative, really made you wonder if Williams was listening to the same album you were. Third was the inclusion of two Christmas selections on an album that didn't otherwise have anything to do with Christmas -- indeed, what was going on here? The answer, quite simply, was that Plastic Dreams was as close as the MJQ ever got to making a pop album, and the production work of Arif Mardin reflects that idea -- it utilizes a "hot" pop production rather than the dry-as-a-bone-styled mix that typifies the MJQ's recordings up to that time. The opener, "Walkin' Stomp," reasserts this concept in a big way; it is as far into playing pure funk that the MJQ ever got, with Percy Heath laying down a solid groove and Milt Jackson contributing a brilliant, blazing solo. "Trav'lin" is a strong point of departure also, a minimalist time-keeping exercise that contrasts rapid, repetitive figurations coordinated between John Lewis' left hand and Heath's bass with a very slowly evolving melody. Mardin further highlighted this by adding a subtle delay to the whole recording and sinking it slowly into the track, the only time the MJQ ever embraced the assistance of electronic technology into their work aside from participating in Gunther Schuller's "Conversation" (1957). While there is nothing else in the MJQ's book like "Trav'lin," Williams stated that it was "another one reminiscent of their early pieces." The title track, "Plastic Dreams," is a reflective and relaxed tune that benefits from Lewis' employment of the harpsichord over the piano, as does "England's Carol," a fresh spin on "God Rest Ye Merry Gentlemen." The version of "Piazza Navona" here utilizes five horns and is like an entirely different composition from the one that appeared on The Comedy and Lewis' album The Golden Striker in 1960. It has an irresistibly catchy, entirely new introductory figure that winds its way through the piece, and once you hear it on Plastic Dreams, you'll miss it when you listen to the older versions. Indeed, as a whole, Plastic Dreams does seem like a final refinement of several idealistic threads found throughout the MJQ's studio work stretching back to about 1960, with generous room made for new directions. By contrast, the album that followed -- Blues on Bach (1973) -- is more readily recognizable as belonging to the Third Stream context already established for the group. Despite the lukewarm criticism that has attended it, Plastic Dreams is one of the MJQ's most exploratory efforts, though in the opposite direction from albums like Third Stream Music. As such, Plastic Dreams deserves pride of place as one of the late, and last, high-water marks to be found among their studio work during their regular period of activity, and it remains one of the most hip sounding and easily enjoyed of the MJQ's albums decades on.

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Reseña de Uncle Dave Lewis
La Navidad llegó a principios de 1971; en mayo, Atlantic lanzó Plastic Dreams, el penúltimo álbum de estudio del Modern Jazz Quartet durante sus 22 años de carrera como conjunto. De los álbumes de MJQ, Plastic Dreams nunca ha sido el favorito de la crítica, y fue un álbum que desconcertó a muchos de los seguidores del grupo durante mucho tiempo. El primero fue la imagen de la portada, que mostraba una imagen "plástica" de una mujer desnuda que realmente estaba empujando el sobre para los estándares de 1971; era casi "indecente". En segundo lugar, las notas del crítico de jazz del archi-Nueva York, Martin Williams, aunque apreciativas, realmente te hicieron preguntarte si Williams estaba escuchando el mismo álbum que tú. La tercera fue la inclusión de dos selecciones navideñas en un álbum que no tenía nada que ver con la Navidad - de hecho, ¿qué estaba pasando aquí? La respuesta, simplemente, fue que Plastic Dreams estuvo tan cerca como el MJQ llegó a hacer un álbum pop, y el trabajo de producción de Arif Mardin refleja esa idea - utiliza una producción pop "caliente" en lugar de la mezcla seca como un hueso que tipifica las grabaciones del MJQ hasta ese momento. El primer disco, "Walkin' Stomp", reafirma este concepto a lo grande; el MJQ ha llegado hasta el punto de tocar el funk puro, con Percy Heath marcando un ritmo sólido y Milt Jackson aportando un brillante y ardiente solo. "Trav'lin" es también un fuerte punto de partida, un ejercicio de cronometraje minimalista que contrasta las figuraciones rápidas y repetitivas coordinadas entre la mano izquierda de John Lewis y el bajo de Heath con una melodía de evolución muy lenta. Mardin resaltó esto añadiendo un sutil retraso a toda la grabación y hundiéndola lentamente en la pista, la única vez que el MJQ acogió la asistencia de la tecnología electrónica en su trabajo, aparte de participar en la "Conversación" de Gunther Schuller (1957). Aunque no hay nada más en el libro de MJQ como "Trav'lin", Williams declaró que era "otro que recuerda a sus primeras piezas". El tema del título, "Plastic Dreams", es una melodía reflexiva y relajada que se beneficia del empleo de Lewis del clavicémbalo sobre el piano, al igual que "England's Carol", un nuevo giro de "God Rest Ye Merry Gentlemen". La versión de "Piazza Navona" utiliza aquí cinco trompas y es como una composición totalmente diferente de la que apareció en The Comedy y en el álbum de Lewis The Golden Striker en 1960. Tiene una figura introductoria irresistiblemente pegajosa y completamente nueva que se abre paso a través de la pieza, y una vez que la escuches en Plastic Dreams, te la perderás cuando escuches las versiones anteriores. De hecho, en su conjunto, Plastic Dreams parece un refinamiento final de varios hilos idealistas que se encuentran a lo largo de la obra del estudio de MJQ, que se remonta aproximadamente a 1960, con un generoso espacio para nuevas direcciones. Por el contrario, el álbum que siguió, Blues on Bach (1973), es más fácilmente reconocible como perteneciente al contexto de Third Stream ya establecido para el grupo. A pesar de las tibias críticas que ha recibido, Plastic Dreams es uno de los esfuerzos más exploratorios del MJQ, aunque en la dirección opuesta a álbumes como Third Stream Music. Como tal, Plastic Dreams merece un lugar de honor como una de las últimas y últimas marcas que se encuentran entre sus trabajos de estudio durante su periodo regular de actividad, y sigue siendo uno de los álbumes más modernos y fáciles de disfrutar de las décadas de los álbumes de MJQ.
https://www.allmusic.com/album/plastic-dreams-mw0000591138


Larry Garner • Once Upon The Blues



Biography by Bill Dahl
You Need to Live a Little
Folks in Europe were hip to Larry Garner long before most blues fans in the states. The Baton Rouge guitarist had already toured extensively overseas, with two British albums to his credit, before Verve issued his stunning domestic debut, You Need to Live a Little, in 1995. Rooted in the swamp blues tradition indigenous to his Baton Rouge environs, Garner brings a laudable contemporary sensibility and witty composing skills to his craft.

Inspired by local swamp bluesmen Silas Hogan and Clarence Edwards, Garner learned how to play guitar from his uncle and a couple of gospel-playing elders. After completing his military service in Korea, he returned to Baton Rouge and embarked on a part-time musical career (he worked at a Dow chemical plant for almost two decades until his recent retirement).

Double Dues
The British JSP label released Garner's first two albums: Double Dues and Too Blues (the latter an ironic slap at an unidentified tin-eared U.S. blues label boss who deemed Garner's demo tape "too blues"). For You Need to Live a Little, Garner delivers creative originals detailing the difficulty of keeping "Four Cars Running" and the universal pain of suffering through "Another Bad Day." He is poised for 21st century blues stardom. Subsequent efforts include 1998's Standing Room Only, 1999's Baton Rouge, and 2000's Once Upon the Blues.

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Biografía de Bill Dahl
Necesitas vivir un poco
La gente en Europa fue muy popular con Larry Garner mucho antes que la mayoría de los fanáticos del blues en los Estados Unidos. El guitarrista de Baton Rouge ya había realizado numerosas giras en el extranjero, con dos álbumes británicos en su haber, antes de que Verve hiciera su sorprendente debut en el hogar, You Need to Live a Little, en 1995. Enraizado en la tradición de blues de los pantanos de sus alrededores en Baton Rouge, Garner trae una sensibilidad contemporánea loable y habilidades ingeniosas de composición a su oficio.

Inspirado por los músicos locales de blues de pantanos Silas Hogan y Clarence Edwards, Garner aprendió a tocar la guitarra con su tío y un par de ancianos que tocan el evangelio. Después de completar su servicio militar en Corea, regresó a Baton Rouge y se embarcó en una carrera musical a tiempo parcial (trabajó en una planta química de Dow durante casi dos décadas hasta su reciente retiro).

Doble cuota
El sello británico JSP lanzó los dos primeros álbumes de Garner: Double Dues y Too Blues (este último fue una bofetada irónica a un jefe de la etiqueta de blues de Estados Unidos sin identificar, que consideraba la cinta de demostración de Garner "demasiado azul"). Para que necesites vivir un poco, Garner ofrece originales creativos que detallan la dificultad de mantener "Four Cars Running" y el dolor universal de sufrir a través de "Another Bad Day". Él está preparado para el estrellato de los azules del siglo XXI. Los esfuerzos subsiguientes incluyen 1998 Standing Room Only, 1999's Baton Rouge y 2000's Once Upon the Blues.


larrygarnerbluesman.com ...


Herbie Mann & Phil Woods • Beyond Brooklyn



Review by Scott Yanow
Flutist Herbie Mann's last record date brought him back to his roots, playing bop-oriented jazz. Actually, he co-led the session with an old friend, altoist Phil Woods, who he did not have many opportunities to play with after the 1950s. The results are delightful, with some bop standards, a few Latin tunes, and some basic originals comprising the program. The instrumentation changes from track to track, with two different rhythm sections being used and guest appearances from Gil Goldstein on accordion and trombonist Jay Ashby. Mann, who spontaneously recorded the closing "Time After Time" at a slightly later date when he was already seriously ill, sounds in prime form throughout this happy set. His final musical chapter is well worth savoring.

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Revisión por Scott Yanow
La última fecha de la grabación del flautista Herbie Mann lo devolvió a sus raíces, tocando jazz orientado a bop. En realidad, co-dirigió la sesión con un viejo amigo, el altoista Phil Woods, con quien no tuvo muchas oportunidades de jugar después de los años cincuenta. Los resultados son deliciosos, con algunos estándares de bop, algunas melodías latinas y algunos originales básicos que comprenden el programa. La instrumentación cambia de pista a pista, con dos secciones de ritmo diferentes que se utilizan y apariciones como invitado de Gil Goldstein en el acordeón y trombonista Jay Ashby. Mann, quien grabó espontáneamente el "Tiempo después del Tiempo" de cierre en una fecha un poco más tarde cuando ya estaba gravemente enfermo, suena en forma privilegiada a lo largo de este conjunto feliz. Su último capítulo musical merece la pena saborearlo.