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Wednesday, May 20, 2026

Pierre Van Dormael-Soriba Kouyate-Otti Van der Werf • Djigui

 

 



En 1997 en Belgique, Soriba Kouyaté (kora) forme un trio avec Pierre Van Dormael (guitare) et Otti Van der Werf (basse) avec lesquels il enregistre Djigui, un album afro-jazz de 8 titres bien accueilli par la critique, dont cinq composés par ses soins : “Djigui I & II”, “Mansané Cissé”, “Sakha Dougou” et “Kanaa Kassi”.

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Traducción Automática:
En 1997, Soriba Kouyaté (kora) formó un trío con Pierre Van Dormael (guitarra) y Otti Van der Werf (bajo) con el que grabó Djigui, un álbum de afro-jazz de 8 temas, cinco de los cuales fueron compuestos por él mismo: "Djigui I & II", "Mansané Cissé", "Sakha Dougou" y "Kanaa Kassi".

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Automatic Translation:
In 1997 in Belgium, Soriba Kouyaté (kora) formed a trio with Pierre Van Dormael (guitar) and Otti Van der Werf (bass) with whom he recorded Djigui, an 8-track afro-jazz album that was well received by the critics, five of which he composed himself: "Djigui I & II", "Mansané Cissé", "Sakha Dougou" and "Kanaa Kassi".

 

www.pierrevandormael.com ...

Soriba-Kouyate ...


Thursday, May 14, 2026

Nicolas Meier • From Istanbul To Ceuta With A Smile

 



Long ago, when the world was younger and far more innocent, a British TV commercial challenged its viewers. Take a particular brand of fruit pastille (Rowntree's, to be specific), place it in the mouth, resist the temptation to chew. So deliciously fruity was the pastille that such resistance would be futile. A similar challenge might be initiated for From Istanbul To Ceuta With A Smile, from the Swiss-born, UK-based guitarist Nicolas Meier. Take the album, press Play, listen, resist the temptation to smile.

Meier is a man of eclectic taste—a heavy metal guitarist with 7even, a master of acoustic steel and nylon strung guitars and a lover of Turkish music, he's even a member of a jazz-classical-pop fusion band called Eclectica!. His love of Turkish music has led Meier to produce a series of albums—including Yuz (Naim Records, 2007) and Journey (MGP Records, 2010)—on which he's fused this music with jazz and other styles. From Istanbul To Ceuta With A Smile is filled with inspiration from Turkey, but also from Spain, Argentina, the Middle East and the United States, forged skilfully into Meier's original compositions.

The center of this music is Meier's beautiful playing: precise intonation, fluid single note lines and strong rhythmic grooves burst out of his instruments. The fast-paced "To Ceuta" features Meier at his most breathtakingly swift; on the elegiac "Memories (in the memory of Peter)" he's at his most melancholy and considered, a mood matched by Gilad Atzmon's clarinet and Patrick Bettison's harmonica; on "The Wind" his playing is at its most forceful, underpinned by powerhouse drums and percussion from Asaf Sirkis and Demi Garcia.

Meier may be at the album's heart, but he not alone. In fact, he's put together a larger-than-usual ensemble for this album, mostly musicians who have worked with him on previous projects. While Atzmon and Bettison make the biggest contributions—Bettison's bass playing is also exemplary—no player underperforms. Violinist Lizzie Ball and cellist Bernard Gregor-Smith (both members of Eclectica!) add striking harmonies to "The Gate." James Pearson—musical director at the legendary Ronnie Scott's Club in London's Soho—adds a classically-flavored piano solo to "The Lightness" and an eloquent, jazzy one to "To Ceuta."

Meier's desire to mix musics from across Europe and the Middle East shows no sign of abating. As From Istanbul To Ceuta With A Smile demonstrates, it shows no sign of becoming stale or repetitive either. Meier uses his extended group to expand his musical range with great success—and with a smile.
By BRUCE LINDSAY
March 11, 2013
https://www.allaboutjazz.com/from-istanbul-to-ceuta-with-a-smile-nicolas-meier-mgp-records-review-by-bruce-lindsay.php

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Hace mucho tiempo, cuando el mundo era más joven y mucho más inocente, un anuncio de la televisión británica desafió a sus espectadores. Tome una marca particular de pastilla de fruta (Rowntree's, para ser específicos), colóquela en la boca, resista la tentación de masticar. La pastilla era tan deliciosamente afrutada que tal resistencia sería inútil. Un desafío similar podría iniciarse para From Istanbul To Ceuta With A Smile, del guitarrista Nicolas Meier, nacido en Suiza y residente en el Reino Unido. Coge el álbum, pulsa Play, escucha, resiste la tentación de sonreír.

Meier es un hombre de gusto ecléctico -un guitarrista de heavy metal con 7even, un maestro de las guitarras acústicas de acero y cuerdas de nylon y un amante de la música turca, incluso es miembro de una banda de fusión de jazz-clásico-pop llamada Ecléctica!. Su amor por la música turca ha llevado a Meier a producir una serie de álbumes, incluyendo Yuz (Naim Records, 2007) y Journey (MGP Records, 2010), en los que ha fusionado esta música con el jazz y otros estilos. From Istanbul To Ceuta With A Smile está lleno de inspiración de Turquía, pero también de España, Argentina, el Medio Oriente y los Estados Unidos, forjada hábilmente en las composiciones originales de Meier.

El centro de esta música es la hermosa interpretación de Meier: una entonación precisa, líneas fluidas de una sola nota y fuertes surcos rítmicos que salen de sus instrumentos. En el trepidante "To Ceuta", Meier se encuentra en su momento más ágil; en el elegíaco "Memories (in the memory of Peter)" está en su momento más melancólico y considerado, un estado de ánimo que se corresponde con el clarinete de Gilad Atzmon y la armónica de Patrick Bettison; en "The Wind" su interpretación es más contundente, apoyada por los poderosos tambores y percusiones de Asaf Sirkis y Demi García.

Meier puede estar en el corazón del álbum, pero no está solo. De hecho, ha reunido un conjunto más grande de lo habitual para este álbum, en su mayoría músicos que han trabajado con él en proyectos anteriores. Aunque Atzmon y Bettison son los que más contribuyen -el bajo de Bettison es también ejemplar- ningún músico se queda atrás. La violinista Lizzie Ball y el violonchelista Bernard Gregor-Smith (ambos miembros de Ecléctica!) añaden sorprendentes armonías a "The Gate". James Pearson, director musical del legendario Club Ronnie Scott en el Soho londinense, añade un solo de piano de sabor clásico a "The Lightness" y uno elocuente y jazzístico a "To Ceuta".

El deseo de Meier de mezclar músicas de toda Europa y el Medio Oriente no muestra signos de disminuir. Como demuestra "From Istanbul To Ceuta With A Smile", tampoco muestra signos de volverse rancio o repetitivo. Meier utiliza su grupo extendido para ampliar su gama musical con gran éxito y con una sonrisa.
Por BRUCE LINDSAY
11 de marzo de 2013
https://www.allaboutjazz.com/from-istanbul-to-ceuta-with-a-smile-nicolas-meier-mgp-records-review-by-bruce-lindsay.php
 
 

 

Colaborador / Contribuitor:  Michel
 
 

Monday, May 11, 2026

Trilok Gurtu-Arkè String Quartet ‎• Arkeology

 



Trilok Gurtu, the great Indian world-music percussionist, plays the Jazz Cafe in London on Monday with this lineup, and it will be interesting to see how he gets on in what can be a sonically competitive environment with a lot of quiet themes and four quiet partners. Gurtu is the only improvising soloist here (on staccato, percussion-mimicking vocals as well as a multiplicity of instruments), and contributes three out of 10 compositions - the others are by the chamber group members.
The Arke Quartet have shrewdly and musically lent an ear to a lot of world-music materials - from a softly singing microtonal quality reminiscent of Chinese violin music, to the rhythmic devices of Indian classical music and a Shakti-like Indo-jazz fusion, to a Celtic skip, an ambient tone-poetry sigh and much more. So, although perhaps the samplings from these different cultures don't entirely escape the local equivalents of hot licks, the programme is very varied, sensitively played and affectingly melodic - and Gurtu's famously tumultuous jamming against it is as inventive as ever.
https://www.theguardian.com/music/2007/feb/16/jazz.shopping1


 AllMusic Review by Chris Nickson
There's definitely something interesting going on here. Mix percussionist Trilok Gurtu with Italy's Arke String Quartet, whose instrumental arsenal extends a little beyond convention, and you have a marvellous blend of East and West, apparent from the outset with "Balahto," which just cracks out of the box. It really is a cultural blend, too, with everyone responsible for the compositions, such as Gurtu's "Folded Hands," which is extensive and exploratory, gorgeously melodic, and rhythmically inventive. Creatively, the musicians are real equals, all striving for something new and making connections. The fact that they're all virtuosos doesn't hurt, either, readily able to translate their ideas from the head to the fingers, and with a deep knowledge of global music and an obvious desire to learn more. It takes some unexpected turns, like the tabla that mixes with the music of Southern Italy on "Taranta Suite," but works perfectly. In its own quiet way, this is one of the great successes of the year.

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Trilok Gurtu, el gran percusionista de la música mundial de la India, toca el lunes en el Jazz Café de Londres con esta formación, y será interesante ver cómo le va en lo que puede ser un ambiente sónico competitivo con muchos temas tranquilos y cuatro compañeros tranquilos. Gurtu es el único solista que improvisa aquí (en staccato, voces que imitan la percusión, así como una multiplicidad de instrumentos), y contribuye con tres de cada 10 composiciones - las otras son de los miembros del grupo de cámara.
El Cuarteto Arke ha escuchado con astucia y musicalidad muchos de los materiales de la música del mundo - desde una calidad microtonal que canta suavemente y que recuerda a la música del violín chino, hasta los dispositivos rítmicos de la música clásica india y una fusión de indo-jazz similar a la Shakti, pasando por un saltito celta, un suspiro de poesía y tono ambiental y mucho más. Así que, aunque quizás las muestras de estas diferentes culturas no escapan del todo a los equivalentes locales de las lamidas calientes, el programa es muy variado, tocado con sensibilidad y afectuosamente melódico - y la famosa y tumultuosa interferencia de Gurtu contra él es tan inventiva como siempre.
https://www.theguardian.com/music/2007/feb/16/jazz.shopping1


 Reseña de AllMusic por Chris Nickson
Definitivamente está pasando algo interesante aquí. El percusionista Trilok Gurtu con el cuarteto italiano Arke String Quartet, cuyo arsenal instrumental se extiende un poco más allá de lo convencional, y tienes una mezcla maravillosa de Oriente y Occidente, evidente desde el principio con "Balahto", que simplemente se rompe al sacarlo de la caja. Realmente es una mezcla cultural, también, con todos los responsables de las composiciones, como "Folded Hands" de Gurtu, que es extensa y exploratoria, bellamente melódica y rítmicamente inventiva. Creativamente, los músicos son realmente iguales, todos luchando por algo nuevo y haciendo conexiones. El hecho de que todos ellos sean virtuosos tampoco hace daño, ya que son capaces de traducir sus ideas de la cabeza a los dedos, y con un profundo conocimiento de la música global y un obvio deseo de aprender más. Toma algunos giros inesperados, como la tabla que se mezcla con la música del sur de Italia en "Taranta Suite", pero funciona perfectamente. A su manera, este es uno de los grandes éxitos del año.



Weather Report • Mysterious Traveler

 

 



In 1974, three years after the band's inception, Weather Report became one of the world's most popular jazz groups due to their uncompromising originality and musicianship. This was the year that founding member Miroslav Vitous was replaced by Alphonso Johnson, who became a critical asset as both a fluid, creative bassist and a composer. Drummer Ishmael Wilburn and Brazilian percussionist Dom Um Romao, with a shifting cast of supporting players, laid the foundation for the band's most exciting incarnation yet. The overdue reissue of Mysterious Traveller is a welcome acknowledgement of this mid-period lineup's importance in the evolution of fusion.

This album contains some of the Report's most popular works, chiefly the long opener "Nubian Sundance." The sound of cheering crowds (apparently tacked on in the studio to simulate a live performance) still seems a bit presumptuous today, but the overall performance is certainly worth cheering. Zawinul's weirdly nonsensical vocals seem a precursor to Pat Metheny's wordless singing, and they add a witty flavor to the tune. "Cucumber Slumber" is another perennial favorite which gives Johnson the chance to work out the funk via slides and double-stops. The skulking title track brings much fun as well, with Shorter squeaking out alarums in the alley. The bass and sax take a coffee break on "Jungle Book," leaving Zawinul with two percussionists to carve out an inarguable masterpiece. His ability to program the synthesizers to suit his vision was always key to the WR sound, and this track was the ultimate realization of his artistry.

The disc is admittedly uneven at times, a risk run by any ensemble that chews at boundaries as much as the Report. "American Tango," for example, is rather inconsequential in the big picture despite its interesting textures. It's an ironic farewell for Vitous as his bandmates had bigger fish to fry. "Scarlet Woman" is disconcerting on the first few listens, as Shorter and Zawinul cough out sinuous lines sporadically over a net of near-silence. On the other hand, the sax/piano duet "Blackthorn Rose" is both gorgeous and rejuvenating as a change of pace from the electronic effluvium.

Zawinul's motto for the group was "We always solo, we never solo." The special combination of freedom and composition that Weather Report consistently achieved on record amply testifies to that philosophy, and Mysterious Traveller is a quintessential piece of evidence.
By TODD S. JENKINS
April 23, 2002
https://www.allaboutjazz.com/mysterious-traveller-weather-report-columbia-records-review-by-todd-s-jenkins.php

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En 1974, tres años después de su creación, Weather Report se convirtió en uno de los grupos de jazz más populares del mundo gracias a su originalidad y musicalidad sin concesiones. Este fue el año en el que el miembro fundador Miroslav Vitous fue sustituido por Alphonso Johnson, que se convirtió en un activo fundamental como bajista fluido y creativo y como compositor. El baterista Ishmael Wilburn y el percusionista brasileño Dom Um Romao, con un elenco cambiante de músicos de apoyo, sentaron las bases para la encarnación más emocionante de la banda hasta el momento. La reedición de Mysterious Traveller es un reconocimiento de la importancia de esta formación en la evolución de la fusión.

Este álbum contiene algunas de las obras más populares de Report, principalmente la larga apertura "Nubian Sundance". El sonido de las multitudes animando (aparentemente añadido en el estudio para simular una actuación en directo) todavía parece un poco presuntuoso hoy en día, pero la actuación en general es ciertamente digna de aplaudir. Las voces extrañamente disparatadas de Zawinul parecen un precursor del canto sin palabras de Pat Metheny, y añaden un sabor ingenioso a la melodía. "Cucumber Slumber" es otro de los favoritos de siempre que da a Johnson la oportunidad de trabajar el funk a través de deslizamientos y dobles paradas. El tema que da título al disco también es muy divertido, con Shorter chillando alarmas en el callejón. El bajo y el saxo se toman un descanso en "Jungle Book", dejando a Zawinul con dos percusionistas para esculpir una obra maestra indiscutible. Su habilidad para programar los sintetizadores para adaptarlos a su visión fue siempre la clave del sonido de WR, y este tema fue la realización definitiva de su arte.

Hay que reconocer que el disco es desigual en algunos momentos, un riesgo que corre cualquier conjunto que roza los límites tanto como el Report. "American Tango", por ejemplo, es bastante intrascendente en el conjunto, a pesar de sus interesantes texturas. Es una despedida irónica para Vitous, ya que sus compañeros de banda tenían peces más grandes que freír. "Scarlet Woman" es desconcertante en las primeras escuchas, ya que Shorter y Zawinul escupen esporádicamente líneas sinuosas sobre una red de casi silencio. Por otro lado, el dúo de saxo y piano "Blackthorn Rose" es precioso y rejuvenecedor como cambio de ritmo respecto a los efluvios electrónicos.

El lema de Zawinul para el grupo era "Siempre estamos solos, nunca estamos solos". La especial combinación de libertad y composición que Weather Report lograba sistemáticamente en los discos atestigua ampliamente esa filosofía, y Mysterious Traveller es una prueba por excelencia.
Por TODD S. JENKINS
23 de abril de 2002
https://www.allaboutjazz.com/mysterious-traveller-weather-report-columbia-records-review-by-todd-s-jenkins.php


weatherreportmusic.com ...




Wednesday, May 6, 2026

Prague Cello Quartet • Top Secret



Group of young professional musicians bring you their original versions of not only the most famous classics, but also film scores and jazz, rock and pop hits. Their goal is to entertain the audience with their adaptations of well-known compositions and intelligent sense of humour, breaking the boundaries between fun and classical music. Come and see for yourself during one of their concerts in Czechia or abroad.
https://pcq.cz/en/about-us/

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Un grupo de jóvenes músicos profesionales le ofrece sus originales versiones no sólo de los clásicos más famosos, sino también de partituras cinematográficas y éxitos del jazz, el rock y el pop. Su objetivo es entretener al público con sus adaptaciones de composiciones conocidas y su inteligente sentido del humor, rompiendo las fronteras entre la diversión y la música clásica. Venga y compruébelo usted mismo durante uno de sus conciertos en Chequia o en el extranjero.
https://pcq.cz/en/about-us/

 

pcq.cz/en ...



Thursday, April 9, 2026

Naya Baaz • Charm

 



Charm is the inaugural venture from Naya Baaz, an innovative alliance between two musicians known for their musical skills in contrasting global musical traditions. Rez Abbasi, a recent Guggenheim Fellow who migrated from Karachi to California in his early years, has earned recognition as a guitarist merging his passion for Jazz (manifested in his previous notable release, ‘Django-Shift’) with a plethora of influences from South Asia and beyond. In contrast, Josh Feinberg is among the few Western musicians to excel in the intricate tradition of the Hindustani sitar, specializing in the Maihar Gharana style from North India, while also boasting a background as a jazz bassist trained by Paul Bley and Dave Holland. “Josh seamlessly integrates jazz harmony and chromaticism with Indian musical traditions,” remarks Rez, “That’s an unusual blend indeed.” The ensemble is rounded out by Jennifer Vincent’s unique five-string cello, offering both basslines and melodies and Satoshi Takeishi’s specially augmented drum set.

When Abbasi and Feinberg began to exchange musical concepts, they quickly identified they were venturing into unexplored territory. Rez explains, “No one has ever incorporated these kinds of chromatic melodies and harmonies on sitar, but Josh had a luthier construct a unique sitar that allowed us to actualize the band’s vision.” The duo engaged in a genuinely collaborative songwriting process as they navigated emerging opportunities.  Charm is the culmination – a musical suite naturally segmented into three parts, each introduced briefly.

The dynamic “Bekhayal” was Rez’s first composition that ignited the project. “This was the piece that ignited the energy for the remaining music as initially, we doubted it could be rendered on sitar, but when Josh succeeded, we realized the project’s potential,” says Rez. Again, the influence of traditional Indian music can be heard and felts. The guitar and sitar form a magical sound as the two manipulate the melody. For Jennifer’s cello solo, the ensemble slows the tempo to allow for the subtle textures of the cello to emerge. Rez generates a jazz-inspired cycle of tension and resolution through his musical solo. The textural element of this performance is unusual and enjoyable.

The album concludes with “Peony,” a light classical melody composed by Josh, performed in a duet with Rez.  This duet allows us to hear and appreciate the charismatic and abundant ideas the two musicians generate together.  Josh’s sitar playing is robust as he builds captivating ideas with Rez. When the two play chords together, it is surprisingly clear and harmonious.  The tones of the two instruments combine in an unexpected yet fantastic way, morphing into something sonically different and musically delightful. This is a standout collaborative moment on the album.

Charm is an album that confirms the creativity of two talents, culminating in a genuinely distinctive narrative. The album strikes a balance between innovative exploration and a profound understanding of musical traditions, making it a significant milestone in cross-cultural music and an exceedingly engaging and delightful listening experience. The ensemble all speaks the same musical language and performs beautifully. Once again, showing the Charm of musical synthesis and is highly recommended for those in search of a unique sonic journey.
https://thejazzword.com/2023/05/naya-baaz-charm-review/

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La edición del álbum Charm es el debut discográfico del cuarteto Naya Baaz, agrupación encabezada por el sobresaliente guitarrista Rez Abbasi y el experimentado ejecutante de sitar Josh Feinberg y que completan Jennifer Vincent en cello de cinco cuerdas y Satoshi Takeishi en batería.

En el extenso cuerpo de trabajo encarnado por Rez Abbasi asoman el Rez Abbasi Film Quintet que alinea con Pawan Benjamin, Jennifer Vincent, Jake Goldbas y Rohan Krsihnamurthy (proyecto documentado en el álbum de 2019 A Throw of Dice). Rez Abbasi & Junction (cuarteto integrado por Mark Shim, Marko Churnchetz y Kenny Grohowski con el que publica Behind the Vibration en 2016) y Rez Abbasi & Invocation, banda donde participan Vijay Iyer, Johannes Weindenmueller, Dan Weiss y Kiran Ahluwalia cuya discografía comprende a los álbumes Things to Come de 2009, Suno Suno en 2012 y Unfiltered Universe de 2017.

Además lidera Rez Abbasi Acoustic Quartet (grupo con Bill Ware, Stephan Crump y Eric McPherson materializado en Natural Selection de 2011 e Intents & Purposes en 2015) y Rez Abbasi Trio (con el cual edita Continuous Beat en 2018 acompañado por John Hébert y Satoshi Takeishi), rinde homenaje al legendario guitarrista Django Reinhardt en el álbum Django-shift de 2020 y trabaja a dúo con la arpista Isabelle Olivier en el disco Oasis de 2019.

La sólida formación académica desarrollada por Josh Feinberg da inicio con estudios de piano y contrabajo en música clásica occidental y jazz junto a Dave Holland, Kenny Wheeler, Paul Bley, Drew Gress, Dan Weiss y Jacob Sacks, entre otros. En la adolescencia se aboca exclusivamente al estudio de sitar y música indostaní junto a Ust. Aashish Khan, Sri Alam Khan, Pt. Tejendra Majumdar, Dr. Peter Row, Dr. George Ruckert, Sri James Pomerantz, Sri Warren Senders y Smt. Vijaya Sundaram.

Feinberg obtuvo una licenciatura en música en el New England Conservatory y también una maestría en Bellas Artes otorgada por el Goddard College. Actualmente se desempeña como profesor en el Lewis and Clark College y el Reed College de Portland y dicta cursos en las universidades de Oregón y Maryhurst.

Su extensa trayectoria musical incluye la edición de cuatro álbumes para dueto de sitar y tabla: One Evening in Spring de 2013 y A Fallen Blossom in the Thorns de 2017 (ambos con Anindo Chatterjee), Homage de 2013 (compartiendo créditos con Swapan Chaudhuri) y Times Does Not Exist For Light junto a Shahbaz Hussain en 2020.

En Charm, la agrupación que lideran Abbasi y Feinberg ofrenda una singular convergencia de jazz y música tradicional de la India a través de composiciones originales interpretadas por Rez Abbasi en guitarras, Josh Feinberg en sitar, Jennifer Vincent en cello de cinco cuerdas y Satoshi Takeishi en batería.

El material contenido en el debut discográfico del cuarteto Naya Baaz abarca a las piezas de Rez Abbasi Behhayal y Chick’s Magnet en tributo a Chick Corea, Make it So, Emancipation y Peony pertenecientes a Josh Feinberg y composiciones con la firma de ambos como Bhairavi (escrita en un modo raga de la música carnática denominado Sindhi Bhairawim), No Lack Thereof (inspirada en el concepto de abundancia interior pergeñado por el escritor alemán Eckhard Tolle), Charm y Reaching.https://elintruso.com/2023/03/05/charm-el-debut-discografico-de-naya-baaz/



www.naya-baaz-charm ...


Friday, March 27, 2026

Adam Baldych,Leszek Możdżer • Passacaglia

 



Description from ACT Music (actmusic.com):
Passacaglia is a multi-colored musical dialogue between two unique characters who are leading figures in European jazz and contemporary music, Adam Baldych and Leszek Możdżer. The repertoire ranges from free improvisations over works co-written by the musicians themselves to their very personal interpretations of themes by Erik Satie, Josquin des Prez and others. The album features a highly unusual combination of instruments: a Renaissance violin, two grand pianos - one tuned to 442 Hz and the other 432 Hz - and a prepared upright piano. This setup allows an infinitely varied palette of musical expression, which defies styles, genres and even tonal and harmonic convention. The world that Baldych and Możdżer create is one of well-balanced beauty, expressed in the noble form of chamber music, but it is also one of turbulent and intensely emotional improvisation. Like all great art, it draws you in and leaves you intrigued at the same time - and also makes you want to come back and explore it all over again.
https://www.actmusic.com/en/passacaglia/ACT-9057

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Descripcion de ACT Music (actmusic.com):
Passacaglia es un dialogo musical multicolor entre dos personalidades unicas que son figuras lideres del jazz europeo y la musica contemporanea, Adam Baldych y Leszek Możdżer. El repertorio va desde improvisaciones libres sobre obras coescritas por los propios musicos hasta sus interpretaciones muy personales de temas de Erik Satie, Josquin des Prez y otros. El album presenta una combinacion de instrumentos altamente inusual: un violin renacentista, dos pianos de cola (uno afinado a 442 Hz y el otro a 432 Hz) y un piano vertical preparado. Esta configuracion permite una paleta de expresion musical infinitamente variada, que desafia estilos, generos e incluso la convencion tonal y armonica. El mundo que crean Baldych y Możdżer es uno de belleza equilibrada, expresada en la noble forma de la musica de camara, pero tambien uno de improvisacion turbulenta e intensamente emocional. Como todo gran arte, te atrapa y te deja intrigado al mismo tiempo, y ademas te hace querer volver a explorarlo una y otra vez.
https://www.actmusic.com/en/passacaglia/ACT-9057

www.adambaldych.com ...

Saturday, March 21, 2026

Renaud Garcia-Fons ‎• Alboreá

 



The most virtuosic bass player to come up in many years, Frenchman Renaud Garcia-Fons has been impressing listeners and musicians alike. German reed player Michael Riessler and Lebanese oud player Rabih Abou-Khalil repeatedly called for his services. An outstanding con-arco player, Renaud is also a member of French Orchestre de Contrebasses and recorded two albums in solo and duet settings that raised enormous attention among connoisseurs.
"Alboreá" (the title refers to Andalusian wedding-music) is the debut disc of Renaud's newly formed quartet. It features Parisian accordion master Jean-Louis Matinier (who recorded with Michael Riessler a.o.), Yves Torchinsky (Renaud's colleague in the Orchestre de Contrebasses), and extraordinary drummer (and singer) Jacques Mahieux (who even recorded with blues legend Champion Jack Dupree). The quartet's music is primarily inspired by the Mediterranean area which is a melting-pot for diverse cultural influences. In Renaud's tunes you can hear traces of flamenco, new musette, Greek, Spanish and African music, but also allusions to Latin America, India and the American Indians. The quartet's approach is light and subtle, yet at the same time highly virtuosic. Rooted in European folk traditions, this thrilling music displays the improvisational depth and swinging vitality of jazz.

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El bajista más virtuoso que ha surgido en muchos años, el francés Renaud Garcia-Fons, ha impresionado a oyentes y músicos por igual. El músico de lengüeta alemán Michael Riessler y el oudista libanés Rabih Abou-Khalil han recurrido a sus servicios en repetidas ocasiones. Destacado intérprete de con-arco, Renaud es también miembro de la Orchestre de Contrebasses francesa y ha grabado dos discos en solitario y a dúo que han suscitado una enorme atención entre los entendidos.
"Alboreá" (el título hace referencia a la música nupcial andaluza) es el disco de debut del recién formado cuarteto de Renaud. Cuenta con el maestro parisino del acordeón Jean-Louis Matinier (que grabó con Michael Riessler entre otros), Yves Torchinsky (colega de Renaud en la Orchestre de Contrebasses) y el extraordinario baterista (y cantante) Jacques Mahieux (que incluso grabó con la leyenda del blues Champion Jack Dupree). La música del cuarteto se inspira principalmente en la zona mediterránea, que es un crisol de diversas influencias culturales. En las melodías de Renaud se pueden escuchar rastros de flamenco, nueva musette, música griega, española y africana, pero también alusiones a América Latina, la India y los indios americanos. El enfoque del cuarteto es ligero y sutil, pero al mismo tiempo muy virtuoso. Enraizada en las tradiciones folclóricas europeas, esta música emocionante muestra la profundidad de la improvisación y la vitalidad del jazz.


www.renaudgarciafons.com ...




Adam Baldych • Portraits

 



Description from ACT Music:
In Portraits, Polish violinist and composer Adam Bałdych crafts an extraordinary musical journey, blending lamentation, jubilation and prayer to reflect on the fragility of life and a call for peace. Inspired by historical accounts and today's conflicts, Bałdych's virtuosic violin - both standard and Renaissance - leads his Polish quintet in a seamless interplay of improvisation and precision. This meticulously crafted album transcends words, offering a powerful narrative of hope, beauty, and resilience that resonates deeply.
https://www.actmusic.com/en/portraits/ACT-9062-2

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Descripción de ACT Music:
En Portraits, el violinista y compositor polaco Adam Bałdych crea un extraordinario viaje musical, mezclando lamento, júbilo y oración para reflejar la fragilidad de la vida y un llamado a la paz. Inspirado en relatos históricos y conflictos actuales, el virtuoso violín de Bałdych, tanto estándar como renacentista, lidera su quinteto polaco en una interacción fluida de improvisación y precisión. Este álbum meticulosamente elaborado trasciende las palabras, ofreciendo una poderosa narrativa de esperanza, belleza y resiliencia que resuena profundamente.
https://www.actmusic.com/en/portraits/ACT-9062-2

www.adambaldych.com ...

Sunday, February 22, 2026

Herbie Mann & Joao Gilberto • Live In Rio De Janeiro




Thursday, February 19, 2026

Herbie Mann • Glory Of Love




This LP by flautist Herbie Mann was released in 1967 on A&M Records, it was produced by Creed Taylor and recorded by Rudy Van Gelder, the line-up includes Herbie Mann on flute, Roy Glover, Roland Hanna and Paul Griffin on piano & organ, Ron Carter and Earl May on bass, Grady Tate and Herb Lovelle on drums, Roy Ayers and Ted Sommers on vibes, Ray Barretto and Johnny Pacheo on percussion, Eric Gale, Jay Berliner and Sunny Sharrock on guitar, Hubert Laws on flute, plus a horn section.




Saturday, February 7, 2026

Herbie Mann • Live at the Bottom Line



Rabih Abou-Khalil • The Sultan's Picnic

 

 




Friday, January 30, 2026

Rabih Abou-Khalil • Hungry People

 



Thursday, January 29, 2026

Al McKibbon • Black Orchid



Artist Biography by Jason Ankeny 

Noted for his rich, resonant tone and metronomic precision, Al McKibbon was one of the premier bassists of the early bebop era, supporting giants like Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, and Thelonious Monk in addition to collaborating with percussionist Chano Pozo to forge the sound of Afro-Cuban jazz. Born January 1, 1919, in Chicago, McKibbon was the son of a minister who played tuba and guitar, often with Al's mother on piano accompaniment. The family relocated to Detroit in 1921, where McKibbon's older brother later played with the Midwest Territorial Orchestra and recommended that his younger sibling adopt the bass. While a student at Detroit's Cass Tech, McKibbon studied bass and piano, and by 17 was gigging steadily at the local nightclub the B&C. Later, he backed Kelly Martin at the Conga Club, followed by a stint with Jimmie Lunceford's former saxophonist Ted Bruckner. In 1943, Lucky Millinder headlined Detroit's Paradise Theater, and when Millinder and band left town for a date in New York City, they took McKibbon with them. The bassist eventually settled in the Big Apple, making his first studio recordings with Millinder before signing on with Tab Smith.

In October 1945 McKibbon joined Hawkins, whose band included Monk on piano. Via Hawkins, the bassist also landed a spot on Norman Granz's first Jazz at the Philharmonic tour, which also featured Lester Young and Buck Clayton. Although McKibbon's tenure with Hawkins was relatively brief, his collaboration with Monk spanned decades -- he played on some of the legendary pianist's earliest headlining recordings, and was featured during his landmark run at Minton's Playhouse. In 1946, McKibbon joined J.C. Heard's band during its stint at New York's Café Society, and the following year he was hired by Dizzy Gillespie to replace bassist Ray Brown, who'd alienated his bandmates by beginning a romance with singer Ella Fitzgerald. McKibbon roomed on tour with Cuban-born percussionist Pozo, and despite their language barrier, the two men created the rhythmic template that would become the foundation for Afro-Cuban jazz, beginning with their work on Gillespie's seminal "Manteca" and continuing across Latin-inspired sessions including "Cubano Be," "Cubano Bop," and "Guarichi Guaro."

Although the Gillespie band splintered in 1949, McKibbon remained immersed in Latin music for the duration of his career. After playing on Miles Davis' groundbreaking Birth of the Cool sessions, he worked briefly with Count Basie, Earl Hines, and Johnny Hodges before settling in with the George Shearing Quartet in 1951, the beginning of the pianist's own exploration of Afro-Cuban music. McKibbon spent seven years behind Shearing, followed by a year with Cal Tjader, another bandleader who grabbed the Latin baton. The bassist relocated to Los Angeles in 1958, working for over a decade as a session player and also recording for film and television. In the early '70s he returned to the road alongside Gillespie and Monk on the Giants of Jazz tour -- in 1971, he also played on Monk's final recording date. Sometime later McKibbon acquired a bass created by Jacob Steiner, "the German Stradivarius," in 1650 -- his tone grew even richer and more robust in turn, and in time he moved into classical performance, in 1992 traveling to the Mojave Desert to play with a symphony orchestra recording Beethoven's Ninth amid the sandy desolation. Only in 1999 did McKibbon finally release his first LP as a leader, Tumbao Para los Congueros de Mi Vida. He died July 29, 2005, at age 86.

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Biografía del artista por Jason Ankeny

Conocido por su tono rico y resonante y por su precisión metronómica, Al McKibbon fue uno de los principales bajistas de la primera época del bebop, y colaboró con gigantes como Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Thelonious Monk, además de colaborar con el percusionista Chano Pozo para forjar el sonido del jazz afrocubano. Nacido el 1 de enero de 1919 en Chicago, McKibbon era hijo de un ministro que tocaba la tuba y la guitarra, a menudo con el acompañamiento al piano de la madre de Al. La familia se trasladó a Detroit en 1921, donde el hermano mayor de McKibbon tocó más tarde con la Midwest Territorial Orchestra y recomendó a su hermano pequeño que adoptara el bajo. Mientras estudiaba en la Cass Tech de Detroit, McKibbon estudió bajo y piano, y a los 17 años ya actuaba con regularidad en el club nocturno local B&C. Más tarde, acompañó a Kelly Martin en la orquesta de Detroit. Más tarde, fue telonero de Kelly Martin en el Conga Club, y después trabajó con Ted Bruckner, antiguo saxofonista de Jimmie Lunceford. En 1943, Lucky Millinder actuó como cabeza de cartel en el Paradise Theater de Detroit, y cuando Millinder y su banda abandonaron la ciudad para una cita en Nueva York, se llevaron a McKibbon con ellos. El bajista acabó estableciéndose en la Gran Manzana y realizó sus primeras grabaciones de estudio con Millinder antes de fichar por Tab Smith.

En octubre de 1945 McKibbon se unió a Hawkins, cuya banda incluía a Monk al piano. A través de Hawkins, el bajista también consiguió un puesto en la primera gira Jazz at the Philharmonic de Norman Granz, en la que también participaron Lester Young y Buck Clayton. Aunque la permanencia de McKibbon con Hawkins fue relativamente breve, su colaboración con Monk se prolongó durante décadas: tocó en algunas de las primeras grabaciones del legendario pianista como cabeza de cartel y participó en su histórica actuación en el Minton's Playhouse. En 1946, McKibbon se unió a la banda de J.C. Heard durante su estancia en el Café Society de Nueva York, y al año siguiente fue contratado por Dizzy Gillespie para sustituir al bajista Ray Brown, que se había distanciado de sus compañeros de banda al iniciar un romance con la cantante Ella Fitzgerald. McKibbon compartió habitación durante la gira con el percusionista de origen cubano Pozo y, a pesar de la barrera del idioma, los dos hombres crearon la plantilla rítmica que se convertiría en la base del jazz afrocubano, comenzando con su trabajo en la seminal "Manteca" de Gillespie y continuando en sesiones de inspiración latina como "Cubano Be", "Cubano Bop" y "Guarichi Guaro".

Aunque la banda de Gillespie se separó en 1949, McKibbon siguió inmerso en la música latina durante toda su carrera. Después de tocar en las revolucionarias sesiones Birth of the Cool de Miles Davis, trabajó brevemente con Count Basie, Earl Hines y Johnny Hodges antes de establecerse con el George Shearing Quartet en 1951, el comienzo de la propia exploración del pianista de la música afrocubana. McKibbon pasó siete años detrás de Shearing, seguidos de un año con Cal Tjader, otro director de orquesta que tomó la batuta latina. El bajista se trasladó a Los Ángeles en 1958, donde trabajó durante más de una década como músico de sesión y también grabando para el cine y la televisión. A principios de los 70, volvió a la carretera junto a Gillespie y Monk en la gira Giants of Jazz (Gigantes del jazz); en 1971, también tocó en la última grabación de Monk. Algún tiempo después, McKibbon adquirió un bajo creado por Jacob Steiner, "el Stradivarius alemán", en 1650; su tono se hizo aún más rico y robusto y, con el tiempo, se pasó a la interpretación clásica; en 1992 viajó al desierto de Mojave para tocar con una orquesta sinfónica que grababa la Novena de Beethoven en medio de la desolación arenosa. No fue hasta 1999 cuando McKibbon publicó por fin su primer LP como líder, Tumbao Para los Congueros de Mi Vida. Murió el 29 de julio de 2005, a los 86 años.
 
 
 

Wednesday, January 28, 2026

Al Di Meola • Opus



Artist Biography by Greg Prato
Guitarist Al Di Meola first rose to prominence as a blazing jazz fusion artist before his playing matured and he began to conquer other styles, such as acoustic Latin music. Born on July 22, 1954 in Jersey City, New Jersey, Di Meola briefly studied at the Berklee College of Music in Boston during the early '70s before accepting a job replacing guitarist Bill Connors in fusion trailblazers Return to Forever (a group that also included monster instrumentalists keyboardist Chick Corea, bassist Stanley Clarke, and drummer Lenny White) in 1974. It was with Di Meola that Return to Forever enjoyed their greatest commercial success, as such releases as 1974's Where Have I Known Before, 1975's No Mystery, and 1976's Romantic Warrior cracked the U.S. Top 40 before Di Meola jumped ship to launch a solo career.
What followed remains some of the finest jazz fusion guitar-based recordings ever: 1976's Land of the Midnight Sun, 1977's Elegant Gypsy (which would eventually earn gold certification in the U.S.), and Casino, plus 1979's Splendido Hotel. Di Meola then united with fellow guitar greats John McLaughlin and Paco de Lucía for 1980's Friday Night in San Francisco. Throughout the '80s and '90s, he racked up numerous accolades (including earning yearly top honors in Guitar Player magazine polls), kept on issuing solo releases on a regular basis, and played with others, including releases by Stomu Yamashta, Paul Simon, Stanley Jordan, and David Matthews, as well as further work with such former bandmates as Corea, Clarke, de Lucía, and McLaughlin.
During the '90s, Di Meola turned his back almost entirely on fusion to concentrate more on acoustic-based world music, as evidenced by such releases as World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and Heart of the Immigrants, among others. During the 2000s, Di Meola continued this eclectic approach with releases like 2003's Revisited, 2006's Consequence of Chaos, 2007's Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla, and 2008's live album He and Carmen with flutist Eszter Horgas. In 2011, Di Meola delivered the Latin and world music-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba.

The lushly textured fusion effort Elysium followed in 2015. Two years later, Di Meola delivered the concert album Morocco Fantasia, recorded live at the Mawazine Festival in Rabat, Morocco. Along with Di Meola's band, the show featured guest appearances by Moroccan musicians oud player Said Chraibi, violinist Abdellah Meri, and percussionist Tarik Ben Ali. In 2018, he delivered Opus, which featured contributions from Cuban-born pianist Kemuel Roig.

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Biografía del artista por Greg Prato
El guitarrista Al Di Meola se destacó por primera vez como un ardiente artista de jazz fusión antes de que su interpretación madurara y comenzó a conquistar otros estilos, como la música acústica latina. Nacido el 22 de julio de 1954 en Jersey City, Nueva Jersey, Di Meola estudió brevemente en el Berklee College of Music de Boston a principios de los años 70 antes de aceptar un trabajo sustituyendo al guitarrista Bill Connors en el grupo pionero de la fusión Return to Forever (un grupo que también incluía al monstruoso instrumentista Chick Corea, al bajista Stanley Clarke y al baterista Lenny White) en 1974. Fue con Di Meola que Return to Forever disfrutó de su mayor éxito comercial, ya que lanzamientos como Where Have I Known Before (1974), No Mystery (1975) y Romantic Warrior (1976) descifraron el Top 40 de los EE.UU. antes de que Di Meola saltara del barco para lanzar una carrera en solitario.
Lo que siguió sigue siendo algunas de las mejores grabaciones basadas en guitarras de fusión de jazz de todos los tiempos: 1976's Land of the Midnight Sun, 1977's Elegant Gypsy (que con el tiempo obtendría la certificación de oro en los EE.UU.), y Casino, además de 1979's Splendido Hotel. Di Meola luego se unió con sus compañeros grandes de la guitarra John McLaughlin y Paco de Lucía para la Friday Night de 1980 en San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, acumuló numerosos elogios (incluyendo la obtención de los máximos honores anuales en las encuestas de la revista Guitar Player), siguió publicando en solitario regularmente, y tocó con otros, incluyendo los lanzamientos de Stomu Yamashta, Paul Simon, Stanley Jordan y David Matthews, así como otros trabajos con ex-compañeros de banda como Corea, Clarke, de Lucía, y McLaughlin.
Durante los años 90, Di Meola dio la espalda casi por completo a la fusión para concentrarse más en la música del mundo basada en la acústica, como lo evidencian ediciones como World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla y Heart of the Immigrants, entre otras. Durante la década del 2000, Di Meola continuó este enfoque ecléctico con lanzamientos como Revisited de 2003, Consecuencia del Caos de 2006, Invenciones Diabólicas y Seducción para Guitarra Solista de 2007, Vol. 1: Música de Astor Piazzolla, y el álbum en vivo He and Carmen de 2008 con el flautista Eszter Horgas. En 2011, Di Meola presentó el álbum de estudio de música latina y mundial Pursuit of Radical Rhapsody, con el bajista Charlie Haden y el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba.

El esfuerzo de fusión de exuberante textura de Elysium le siguió en 2015. Dos años más tarde, Di Meola entregó el álbum de concierto Morocco Fantasia, grabado en directo en el Mawazine Festival de Rabat, Marruecos. Junto con la banda de Di Meola, el espectáculo contó con la participación de músicos marroquíes, entre los que se encontraban el músico Said Chraibi, el violinista Abdellah Meri y el percusionista Tarik Ben Ali. En 2018, entregó Opus, que contó con la colaboración del pianista cubano Kemuel Roig. 


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