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Saturday, May 16, 2026

Massimo Faraò • Estate Ancora Una Volta

 


Massimo Farao' was born in Genoa in 1965, studied piano with Flavio Crivelli, a local jazz piano player, who also learned Dado Moroni to play, and played in as a young adult with the Nat Adderley Quintet. He moved to the States two years later and became the musical director of the Shawnn Monteiro Quartet with Keter Betts and Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm

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Massimo Farao' nació en Génova en 1965, estudió piano con Flavio Crivelli, un pianista de jazz local, que también aprendió Dado Moroni a tocar, y tocó de joven con el Nat Adderley Quintet. Se mudó a los Estados Unidos dos años después y se convirtió en el director musical del Cuarteto Shawnn Monteiro con Keter Betts y Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm


 

Tuesday, May 12, 2026

Kevin Coelho • Turn It Up



At only eighteen years old, Hammond B3 specialist Kevin Coelho has already released two albums. His first Funkengruven in 2012 and his brand new disc Turn It Up.

On Turn It Up Coelho is helped out by Derek DiCenzo (guitar) and Reggie Jackson (drums). The trio add their jazzy soul inflected touches to famous standards like "When Johnny Comes Marching Home" and "Georgia On My Mind" and even tackle some pop rock classics like the Beatles' "Come Together". Although it may not have the same energy as the original, maybe it's the lack of vocals, there is some excellent B3 work here and they really give this one a jazz rave up. The opening track "Root Down" is another good one featuring bubbling Hammond fills and a funky rhythmic groove. Prince's "Soft And Wet" is given that extra soul with some scintillating Hammond and lead guitar while the Coelho penned "Zig Zag" is an upbeat R&B rocker featuring Jackson's excellent work on the skins. Not sure how necessary the bonus tracks are but this is still a fine jazz/R&B album.

Kevin Coelho plays the Hammond well beyond his years. He is already an excellent improviser and arranger and will only get better over time. There is no telling how bright his star will shine.

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Con sólo dieciocho años, el especialista en B3 de Hammond, Kevin Coelho, ya ha publicado dos álbumes. Su primer Funkengruven en 2012 y su nuevo disco Turn It Up.

En Turn It Up Coelho cuenta con la ayuda de Derek DiCenzo (guitarra) y Reggie Jackson (batería). El trío añade sus toques de inflexión de alma jazzística a estándares famosos como "When Johnny Comes Marching Home" y "Georgia On My Mind" e incluso abordan algunos clásicos del pop rock como "Come Together" de los Beatles. Aunque no tenga la misma energía que el original, tal vez sea por la falta de voces, hay algunos excelentes trabajos de B3 aquí y realmente le dan a este un delirio de jazz. El tema de apertura "Root Down" es otro buen tema con burbujeantes rellenos de Hammond y un ritmo funky. "Soft And Wet" de Prince tiene un alma extra con Hammond y la guitarra principal, mientras que "Zig Zag" de Coelho es un rockero de R&B con un excelente trabajo de Jackson en los skins. No estoy seguro de la necesidad de los bonus tracks pero este es un buen álbum de jazz/R&B.

Kevin Coelho toca el Hammond mucho más allá de sus años. Ya es un excelente improvisador y arreglista y sólo mejorará con el tiempo. No se sabe cuán brillante será su estrella. 
 

 
  

Tuesday, May 5, 2026

Eddie Higgins • Zoot's Hymns



Biography
Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.
During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.
In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.
In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:
To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.
https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Biografía
Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.
Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.
En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.
En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:
A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.
https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins


Sunday, April 19, 2026

Shelly Manne & His Friends • Bells Are Ringing



Review by Scott Yanow
When Shelly Manne and His Friends (a trio starring pianist André Previn) had a surprise hit with their interpretations of melodies from My Fair Lady, it started a trend toward recording jazz versions of scores from plays. For this LP, Manne's trio (with Previn and bassist Red Mitchell) perform nine songs from the play Bells Are Ringing. Although seven of the pieces remained obscure, "The Party's Over" (which is heard twice) and particularly "Just in Time" caught on. As is always the case with this group, Previn's piano is the lead voice and his virtuosity, good taste, melodic improvising, and solid sense of swing are chiefly responsible for the music's success.
https://www.allmusic.com/album/bells-are-ringing-mw0000615741

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Reseña de Scott Yanow
Cuando Shelly Manne y sus amigos (un trío protagonizado por el pianista André Previn) tuvieron un éxito sorprendente con sus interpretaciones de melodías de My Fair Lady, se inició una tendencia hacia la grabación de versiones de jazz de partituras de obras de teatro. Para este LP, el trío de Manne (con Previn y el bajista Red Mitchell) interpretan nueve canciones de la obra Bells Are Ringing. Aunque siete de las piezas permanecieron oscuras, "The Party's Over" (que se oye dos veces) y particularmente "Just in Time" (Justo a tiempo) se hizo popular. Como siempre es el caso de este grupo, el piano de Previn es la voz principal y su virtuosismo, buen gusto, improvisación melódica y sólido sentido del swing son los principales responsables del éxito de la música.
https://www.allmusic.com/album/bells-are-ringing-mw0000615741



Wednesday, April 15, 2026

Wes Montgomery • Fusion!

 



Artist Biography
Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

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Biografía del artista
Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson.


Sunday, April 12, 2026

The Beegie Adair Trio • Love, Elvis

 



Beegie Adair (December 11, 1937 – January 23, 2022) is a prolific, award-winning jazz pianist and arranger known for her interpretations of jazz and popular standards and show tunes. She has sold over two million recordings globally. Her melodic, fleet-fingered style reflects the sounds of her major influences, including George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson, and Erroll Garner.
Adair grew up in Cave City, Kentucky, where she began taking piano lessons at age five. She continued to study piano throughout college, earning a B.S. in music education at Western Kentucky University in Bowling Green. During and after college, she played in jazz bands, and spent three years teaching music to children before moving to Nashville, where she became a session musician, working at WSM-TV and on The Johnny Cash Show (1969-1971). She and her husband also started a jingle company to write music for commercials.
In 1982, she and saxophonist Denis Solee formed the Adair-Solee Quartet, which evolved into the Be-Bop Co-Op, a jazz sextet. In 1998, she released Escape to New York, her first trio-led date with a rhythm section consisting of Bob Cranshaw and Gregory Hutchinson. She signed to the fledgling Hillsboro label for 2001's Dream Dancing: The Songs of Cole Porter; bassist Roger Spencer and drummer Chris Brown joined her. Dream Dancing was the first of dozens of themed albums devoted to songwriters and singers. In 2002, she was named a Steinway Artist.
Most of Adair's recordings have been issued by the independent jazz label Green Hill Productions. They include 2008's Yesterday: A Solo Piano Tribute to the Music of the Beatles, 2010's Swingin' with Sinatra, and 2012's The Real Thing (which spent 20 weeks on the jazz charts and was chosen one of the year's best 100 jazz albums). In 2015, her trio collaborated with saxophonist Don Aliquo on Too Marvelous for Words.
Since 2011, Adair and her trio have played Birdland in New York. While visiting, they have often collaborated with vocalist Monica Ramey. In the spring of 2016, that partnership bore fruit on the album Some Enchanted Evening. The following year saw Adair issue the compilation By Request, which featured her most requested and personal favorites.
Once in a while a musician comes along with impeccable technique, deep understanding of the jazz repertoire, an innate tendency to swing and the rare ability to communicate the heart and soul of a tune to listeners. That musician is Beegie Adair.
About her music Adair says, “Falling in love with jazz is like falling in love with a person, except with jazz you never get over it.” About Beegie (say B-G) Adair, what do others say?
Jazz great Helen Merrill salutes her “inventive jazz sense, her wonderful sense of time and improvised melody.”
Christopher Louden of Jazz Times magazine says Adair is “an accomplished artist with a delicate touch.”
The Los Angeles Times calls her music “Elegant.”
Entertainment News writes, “Beegie Adair is one of the finest piano players in the world.”
Intrigued? So are thousands of jazz fans, who agree with critics about Adair’s sophisticated and listenable jazz performances, and who have made her recordings among the biggest sellers in the jazz world.
Citing George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson and Erroll Garner among her influences, Adair has recorded 24 CDs, ranging from Cole Porter standards to Frank Sinatra classics to romantic World War II ballads. Her 6-CD Centennial Composers Collection of tunes by Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael and Berlin became an instant collectible classic when it was released in 2002.
Kentucky born and raised, Adair lives and records in Nashville ” something of a surprise to people who associate the city solely with country music. In fact Nashville lives up to its “Music City” nickname by hosting a vibrant jazz scene, in which she has been a leading light for decades. A sought-after studio musician in her early days there, Adair accompanied such legendary performers as Chet Atkins, Dolly Parton and Johnny Cash ” and also worked with Lucille Ball, Dinah Shore, Mama Cass Elliott and Peggy Lee.
Her guests on Improvised Thoughts, Beegie’s radio talk/music show on the local NPR affiliate, included such greats as Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson and Helen Merrill. She has guested on McPartland’s Piano Jazz show and has performed with Nat Adderley, Bill Watrous, Lew Tabackin, Terry Clarke, Urbie Green and Jim Ferguson, among many others.
When she’s not in the studio or appearing in clubs and concert halls around the country, Adair wears a variety of hats, from adjunct professor at Vanderbilt University to teacher and mentor at the Nashville Jazz Workshop. Recently she co-wrote and scored an innovative theatrical production, Betsy, which in April 2006 premiered off-Broadway in New York.
She has recorded eight projects for Village Square Records in Nashville; her most recent CDs are Sentimental Journey, a popular collection of World War II-era songs, and a solo piano recording, Quiet Romance.
She performs solo and with the Beegie Adair Trio, whose members include drummer Chris Brown, a veteran of the Maynard Ferguson ensemble, and bassist Roger Spencer, who has played with the Les Brown Band, Ray Conniff, the Page Cavanaugh Trio and Pete Jolly. They are, she says, “my main guys. They’re so tuned into the way I visualize music that it’s effortless to play with them.”
In clubs and concert venues from Los Angeles to New York, Beegie and her “main guys” win kudos from audiences and critics alike who appreciate her unique take on classic jazz. She fell in love with the music a long time ago, and indeed she’s never gotten over it — a love affair the jazz world is much the better for.

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Beegie Adair (11 de diciembre de 1937 - 23 de enero de 2022) es una pianista y arreglista de jazz prolífica y galardonada, conocida por sus interpretaciones del jazz y los estándares populares y las melodías de espectáculo. Ha vendido más de dos millones de grabaciones en todo el mundo. Su estilo melódico, de dedos cortos, refleja los sonidos de sus principales influencias, incluyendo a George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson y Erroll Garner.
 
Adair creció en Cave City, Kentucky, donde comenzó a tomar clases de piano a los cinco años. Continuó estudiando piano en la universidad, donde obtuvo una licenciatura en educación musical en la Universidad de Western Kentucky en Bowling Green. Durante y después de la universidad, tocó en bandas de jazz y pasó tres años enseñando música a niños antes de mudarse a Nashville, donde se convirtió en músico de sesión, trabajando en WSM-TV y en The Johnny Cash Show (1969-1971). Ella y su esposo también iniciaron una compañía de jingles para escribir música para comerciales.
En 1982, ella y el saxofonista Denis Solee formaron el Cuarteto Adair-Solee, que se convirtió en el Be-Bop Co-Op, un sexteto de jazz. En 1998, lanzó Escape to New York, su primera cita en trío con una sección rítmica compuesta por Bob Cranshaw y Gregory Hutchinson. Ella firmó con la incipiente disquera de Hillsboro para el Dream Dancing del 2001: The Songs of Cole Porter; el bajista Roger Spencer y el baterista Chris Brown se unieron a ella. Dream Dancing fue el primero de las docenas de álbumes temáticos dedicados a compositores y cantantes. En 2002, fue nombrada Artista Steinway.
La mayoría de las grabaciones de Adair han sido emitidas por el sello independiente de jazz Green Hill Productions. Entre ellos, el de ayer de 2008: A Solo Piano Tribute to the Music of the Beatles, 2010's Swingin' with Sinatra, y 2012's The Real Thing (que pasó 20 semanas en las listas de jazz y fue elegido uno de los 100 mejores álbumes de jazz del año). En 2015, su trío colaboró con el saxofonista Don Aliquo en Too Marvelous for Words.
Desde 2011, Adair y su trío han tocado en Birdland en Nueva York. Durante su visita, han colaborado a menudo con la vocalista Monica Ramey. En la primavera de 2016, esa asociación dio sus frutos en el álbum Some Enchanted Evening. Al año siguiente, Adair publicó la compilación By Request, que incluía sus favoritos más solicitados y personales.
De vez en cuando un músico llega con una técnica impecable, un profundo conocimiento del repertorio de jazz, una tendencia innata al swing y la rara habilidad de comunicar el corazón y el alma de una melodía a los oyentes. Ese músico es Beegie Adair.
Sobre su música, Adair dice: "Enamorarse del jazz es como enamorarse de una persona, excepto que con el jazz nunca se supera". Acerca de Beegie Adair, ¿qué dicen los demás?
La gran Helen Merrill del jazz saluda su "inventivo sentido del jazz, su maravilloso sentido del tiempo y su improvisada melodía".
Christopher Louden de la revista Jazz Times dice que Adair es "un artista consumado con un toque delicado".
El Los Angeles Times llama a su música "Elegante".
"Beegie Adair es una de las mejores pianistas del mundo".
¿Intrigado? También lo son los miles de fans del jazz, que están de acuerdo con los críticos sobre las sofisticadas y escuchables actuaciones de jazz de Adair, y que han hecho de sus grabaciones uno de los más vendidos en el mundo del jazz.
Citando a George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson y Erroll Garner entre sus influencias, Adair ha grabado 24 CDs, desde los estándares de Cole Porter hasta los clásicos de Frank Sinatra y las románticas baladas de la Segunda Guerra Mundial. Su colección de canciones de Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael y Berlín de 6 CD Centennial Composers se convirtió en un clásico coleccionable instantáneo cuando fue lanzado en 2002.
Nacido y criado en Kentucky, Adair vive y graba en Nashville " algo así como una sorpresa para la gente que asocia la ciudad únicamente con la música country. De hecho, Nashville hace honor a su apodo de "Music City" al albergar una vibrante escena de jazz, en la que ha sido una de las principales figuras durante décadas. Adair acompañó a artistas legendarios como Chet Atkins, Dolly Parton y Johnny Cash" y también trabajó con Lucille Ball, Dinah Shore, Mama Cass Elliott y Peggy Lee.
Sus invitados en Improvised Thoughts, el programa de radio de Beegie sobre la filial local de NPR, incluyó a grandes como Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson y Helen Merrill. Ha sido invitada en el espectáculo de Piano Jazz de McPartland y ha actuado con Nat Adderley, Bill Watrous, Lew Tabackin, Terry Clarke, Urbie Green y Jim Ferguson, entre muchos otros.
Cuando no está en el estudio o en clubes y salas de conciertos en todo el país, Adair usa una variedad de sombreros, desde profesor adjunto en la Universidad de Vanderbilt hasta profesor y mentor en el Taller de Jazz de Nashville. Recientemente co-escribió una innovadora producción teatral, Betsy, que en abril de 2006 se estrenó fuera de Broadway en Nueva York.
Ha grabado ocho proyectos para Village Square Records en Nashville; sus CDs más recientes son Sentimental Journey, una colección popular de canciones de la era de la Segunda Guerra Mundial, y una grabación de piano en solitario, Quiet Romance.
Actúa en solitario y con el Beegie Adair Trio, entre cuyos miembros se encuentran el baterista Chris Brown, un veterano del conjunto Maynard Ferguson, y el bajista Roger Spencer, que ha tocado con la Les Brown Band, Ray Conniff, el Page Cavanaugh Trio y Pete Jolly. Ellos son, dice ella, "mis principales hombres. Están tan sintonizados en la forma en que visualizo la música que es fácil tocar con ellos".

En clubes y salas de conciertos desde Los Ángeles hasta Nueva York, Beegie y sus "principales muchachos" ganan elogios tanto del público como de la crítica, que aprecian su visión única del jazz clásico. Ella se enamoró de la música hace mucho tiempo, y de hecho nunca la ha superado - una historia de amor para la que el mundo del jazz es mucho mejor.




 

Friday, April 10, 2026

Tony Rice & John Carlini • River Suite For Two Guitars

  



Tony Rice and John Carlini, friends and colleagues, weave acoustic guitar duet interpretations of standards and original music.






Thursday, April 9, 2026

Eddie Higgins Trio • Secret Love



Biography
Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.
During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.















Wednesday, April 1, 2026

Charles Mingus • Debut Rarities, Vol.2

 



Review from AllMusic (by Scott Yanow):
These are early Mingus recordings that emphasize his talents as a bassist. Tracks one through nine match Mingus with pianist Spaulding Givens in a duo setting from 1951, while tracks 10-15 add the drums of Max Roach for trio performances from 1953. The music is tasteful chamber jazz featuring mostly standards plus some originals. Of greatest interest are the two versions of Jeepers Creepers and three interpretations of Gershwin material. Mingus already had a beautiful tone and would evolve greatly during the next decade.
https://www.allmusic.com/album/debut-rarities-vol-2-mw0000617314

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Estas son grabaciones tempranas de Mingus que enfatizan sus talentos como bajista. Las pistas uno a nueve emparejan a Mingus con el pianista Spaulding Givens en un formato de dúo de 1951, mientras que las pistas 10-15 agregan la batería de Max Roach para interpretaciones en trío de 1953. La música es jazz de cámara de buen gusto con principalmente estándares más algunos originales. De mayor interés son las dos versiones de Jeepers Creepers y tres interpretaciones de material de Gershwin. Mingus ya tenía un tono hermoso y evolucionaría enormemente durante la próxima década.
https://www.allmusic.com/album/debut-rarities-vol-2-mw0000617314


www.charlesmingus.com ...


Saturday, March 21, 2026

Massimo Farao • The Music That Reminds You

 



Massimo Farao' was born in Genoa in 1965, studied piano with Flavio Crivelli, a local jazz piano player, who also learned Dado Moroni to play, and played in as a young adult with the Nat Adderley Quintet. He moved to the States two years later and became the musical director of the Shawnn Monteiro Quartet with Keter Betts and Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm

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Massimo Farao' nació en Génova en 1965, estudió piano con Flavio Crivelli, un pianista de jazz local, que también aprendió Dado Moroni a tocar, y tocó de joven con el Nat Adderley Quintet. Se mudó a los Estados Unidos dos años después y se convirtió en el director musical del Cuarteto Shawnn Monteiro con Keter Betts y Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm


Massimo Farao  ...  
The Music That Reminds You ... 

 

Wednesday, February 18, 2026

Steve Kuhn • Plays Standards

 


Veteran jazz pianist Steve Kuhn has proved to be a popular artist in Japan, recording a series of CDs for the Japanese label Venus. On these 2006 sessions, Kuhn is joined by bassist Buster Williams and drummer Al Foster, two artists who also have extensive resumes. While the CD is titled Plays Standards, Kuhn doesn't stick exclusively to well-known works. In addition to Victor Young's widely recognized "Beautiful Love" (a favorite of pianist Bill Evans), the pianist offers a seductive take of the composer's "Golden Earrings" and a lighthearted, breezy setting of "Love Letters" as well. Kuhn's intense workout of "Alone Together" includes an amusing detour into Thelonious Monk's "Locomotive," while his revamping of "Softly, as in a Morning Sunrise" disguises the tune rather well. Kuhn also revisits his original "Oceans in the Sky," a brilliant piece evocative of a coming storm. Highly recommended.  
Ken Dryden, All Music Guide
https://www.allmusic.com/album/plays-standards-mw0001918823

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El veterano pianista de jazz Steve Kuhn ha demostrado ser un artista popular en Japón, grabando una serie de CDs para el sello japonés Venus. En estas sesiones de 2006, Kuhn está acompañado por el bajista Buster Williams y el baterista Al Foster, dos artistas que también tienen un amplio currículum. Aunque el CD se titula Plays Standards, Kuhn no se ciñe exclusivamente a obras conocidas. Además de la reconocida "Beautiful Love" de Victor Young (una de las favoritas del pianista Bill Evans), el pianista ofrece una seductora versión de "Golden Earrings" del compositor y una desenfadada versión de "Love Letters". El intenso ejercicio de Kuhn de "Alone Together" incluye un divertido desvío hacia "Locomotive" de Thelonious Monk, mientras que su renovación de "Softly, as in a Morning Sunrise" disimula bastante bien la melodía. Kuhn también revisa su original "Oceans in the Sky", una brillante pieza que evoca una tormenta que se avecina. Muy recomendable.  
Ken Dryden, All Music Guide
https://www.allmusic.com/album/plays-standards-mw0001918823


ecmrecords.com/steve-kuhn ...

Saturday, December 6, 2025

Beegie Adair • The Ultimate Christmas Playlist



Beegie Adair is a prolific, award-winning jazz pianist and arranger known for her interpretations of jazz and popular standards and show tunes. She has sold over two-million recordings globally. Her melodic, fleet-fingered style reflects the sounds of her major influences, including George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson, and Erroll Garner.
Adair grew up in Cave City, Kentucky, where she began taking piano lessons at age five. She continued to study piano throughout college, earning a B.S. in Music Education at Western Kentucky University in Bowling Green. During and after college, she played in jazz bands, and spent three years teaching music to children before moving to Nashville, where she became a session musician, working at WSM-TV and on The Johnny Cash Show (1969-1971). She and her husband also started a jingle company to write music for commercials.
In 1982, she and saxophonist Denis Solee formed the Adair-Solee Quartet, which evolved into the Be-Bop Co-Op, a jazz sextet. In 1998, she released Escape to New York, her first trio-led date with a rhythm section consisting of Bob Cranshaw and Gregory Hutchinson.
She signed to the fledgling Hillsboro label for 2001's Dream Dancing: The Songs of Cole Porter; bassist Roger Spencer and drummer Chris Brown joined her. Dream Dancing was the first of dozens of themed albums devoted to songwriters and singers. In 2002, she was named a Steinway Artist.
Most of Adair's recordings have been issued by the independent jazz label Green Hill Productions. They include 2008's Yesterday: A Solo Piano Tribute to the Music of the Beatles, 2010's Swingin' with Sinatra, and 2012's The Real Thing (which spent 20 weeks on the jazz charts and was chosen one of the year's best 100 jazz albums). In 2015, her trio collaborated with saxophonist Don Aliquo on Too Marvelous for Words.
Since 2011, Adair and her trio have played Birdland in New York. While visiting, they have often collaborated with vocalist Monica Ramey. In the spring of 2016, that partnership bore fruit on the album Some Enchanted Evening. ~by William Ruhlmann
 
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Beegie Adair es una prolífica y premiada pianista y arreglista de jazz conocida por sus interpretaciones de jazz y de estándares populares y melodías de espectáculos. Ha vendido más de dos millones de grabaciones en todo el mundo. Su estilo melódico y de dedos veloces refleja los sonidos de sus principales influencias, como George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson y Erroll Garner.
Adair creció en Cave City, Kentucky, donde comenzó a tomar clases de piano a los cinco años. Continuó estudiando piano durante toda la universidad, obteniendo una licenciatura en Educación Musical en la Western Kentucky University en Bowling Green. Durante y después de la universidad, tocó en bandas de jazz y pasó tres años enseñando música a niños antes de mudarse a Nashville, donde se convirtió en músico de sesión, trabajando en WSM-TV y en The Johnny Cash Show (1969-1971). Ella y su esposo también iniciaron una compañía de jingle para escribir música para comerciales.
En 1982, ella y el saxofonista Denis Solee formaron el cuarteto Adair-Solee, que se convirtió en el Be-Bop Co-Op, un sexteto de jazz. En 1998, lanzó Escape to New York, su primera cita en trío con una sección rítmica compuesta por Bob Cranshaw y Gregory Hutchinson.
Firmó con la incipiente discográfica de Hillsboro para el Dream Dancing de 2001: The Songs of Cole Porter; el bajista Roger Spencer y el baterista Chris Brown se unieron a ella. Dream Dancing fue el primero de docenas de álbumes temáticos dedicados a compositores y cantantes. En 2002, fue nombrada Artista Steinway.
La mayoría de las grabaciones de Adair han sido editadas por el sello de jazz independiente Green Hill Productions. Incluyen Yesterday de 2008: A Solo Piano Tribute to the Music of the Beatles, Swingin' with Sinatra de 2010, y The Real Thing de 2012 (que pasó 20 semanas en las listas de jazz y fue elegido uno de los 100 mejores álbumes de jazz del año). En 2015, su trío colaboró con el saxofonista Don Aliquo en Too Marvelous for Words.
Desde 2011, Adair y su trío han tocado en Birdland en Nueva York. Durante sus visitas, han colaborado a menudo con la vocalista Mónica Ramey. En la primavera de 2016, esa colaboración dio sus frutos en el álbum Some Enchanted Evening. ~por William Ruhlmann
 
 

Sunday, November 9, 2025

Humphrey Lyttelton • Humph Plays Standards

 



Biography
by Jason Ankeny
The grand old man of British jazz, trumpeter and bandleader Humphrey Lyttelton spearheaded the postwar trad jazz revival before renouncing the movement in favor of more contemporary and restless creative vision. A larger-than-life figure, he also excelled as a writer and cartoonist, and for decades was a fixture of radio, serving as the hilariously deadpan host of the long-running I'm Sorry, I Haven't a Clue. Born in Eton on May 23, 1921, Lyttelton was the product of a distinguished and wealthy family -- a lifelong jazz enthusiast, he received his first trumpet at age 15 and formed a band with some Eton College classmates. He also studied military drumming under a former Coldstream Guards drum major and joined the school band as a percussionist. Lyttelton enlisted in the British Army on D-Day and saw combat in Italy -- on leave in London he sat in with local jazz bands, and upon returning to civilian life in 1945 he enrolled at the Camberwell School of Art. In March 1947, he signed on with semi-professional trad jazz combo George Webb's Dixielanders; when Dixielanders clarinetist and professional cartoonist Wally Fawkes was promoted to write and illustrate a full-fledged daily strip for The Daily Mail, Lyttelton was tapped to fill Fawkes' previous position sketching "column-breakers" -- i.e., humorous or decorative drawings inserted into the text. He also reviewed jazz and classical recordings for the newspaper, and later scripted the Fawkes-drawn strip Flook as well.

In early 1948 Lyttelton resigned from the Dixielanders to found his own group, bringing Fawkes and later pianist Webb with him -- with the subsequent additions of Blackpool-born brothers Keith (trombone) and Ian Christie (clarinet), the group emerged at the forefront of the trad jazz renaissance. With Lyttelton's declamatory trumpet out front, the group's reverential, New Orleans-inspired sound proved a commercial juggernaut -- in late 1949, they signed to Parlophone, and their 78-rpm efforts sold so consistently that the label issued a new release each month until introducing the LP format several years later. However, Lyttelton quickly felt smothered within the narrow creative confines of the trad jazz sound and began embracing Latin and African rhythms as early as 1951 -- he also exploited new technologies, employing multi-track recording techniques to play trumpet, clarinet, piano, and washboard on "One Man Went to Blow." Most notably -- and to the endless chagrin of purists -- Lyttelton soon abandoned the accepted trumpet-clarinet-trombone format to introduce saxophones into the equation, and as his musical aspirations evolved, so did the lineup of his support staff: the Lyttelton band was the launching pad for a multitude of fledgling jazz greats, among them saxophonists Tony Coe, Danny Moss, Alan Barnes, Joe Temperley, John Barnes, and Karen Sharp as well as trombonists Roy Williams, Pete Strange, and John Picard. The group also backed visiting American giants like Sidney Bechet, Jimmy Rushing, and Buck Clayton.

With 1956's self-penned "Bad Penny Blues," Lyttelton scored British jazz's first-ever Top 20 U.K. pop hit -- the group went on to tour Europe and the Middle East, and in 1959 joined Thelonious Monk and Anita O'Day on a trek across the U.S. As the trad jazz vogue gave way to rock & roll, Lyttelton continued performing, but he also launched a secondary career as a broadcaster -- his witty and informal presence made him a natural for radio, and in 1966 he was awarded his own BBC series, The Best of Jazz, which he helmed for over four decades. Six years later, he was also appointed host of the spoof panel game I'm Sorry, I Haven't a Clue, a program notorious for its abundance of double entendres. He also continued his writing, over the course of his lifetime publishing a series of books including I Play as I Please, Second Course, Take It from the Top, Why No Beethoven, and It Just Occurred to Me..., and for a time he even served as a restaurant critic. Another hobby was calligraphy: Lyttelton received a set of calligraphic pens upon his father's death, and proved so adept that he was elected president of the Society for Italic Handwriting. The craft even lent its name to his own label, Calligraph Records, which served to re-release his classic recordings on CD. A new generation of listeners was exposed to Lyttelton's work in 2001 when he guested on the Radiohead album Amnesiac. On March 11, 2008, he announced his retirement from The Best of Jazz. Weeks later, he died following heart surgery on April 25.
https://www.allmusic.com/artist/humphrey-lyttelton-mn0000638075/biography

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Biografía
por Jason Ankeny
El trompetista y director de orquesta Humphrey Lyttelton, el gran veterano del jazz británico, encabezó el renacimiento del jazz tradicional de la posguerra antes de renunciar al movimiento en favor de una visión creativa más contemporánea e inquieta. También destacó como escritor y caricaturista, y durante décadas fue un fijo de la radio como presentador del programa I'm Sorry, I Haven't a Clue (Lo siento, no tengo ni idea). Nacido en Eton el 23 de mayo de 1921, Lyttelton era hijo de una familia distinguida y adinerada. Entusiasta del jazz de toda la vida, recibió su primera trompeta a los 15 años y formó una banda con algunos compañeros del Eton College. También estudió batería militar con un antiguo tambor mayor de los Coldstream Guards y se unió a la banda del colegio como percusionista. Lyttelton se alistó en el ejército británico el Día D y combatió en Italia; de permiso en Londres, participó en bandas de jazz locales y, al volver a la vida civil en 1945, se matriculó en la Camberwell School of Art. En marzo de 1947, fichó por el grupo semiprofesional de jazz tradicional George Webb's Dixielanders; cuando el clarinetista y dibujante profesional de los Dixielanders, Wally Fawkes, fue ascendido para escribir e ilustrar una tira diaria completa para The Daily Mail, Lyttelton fue contratado para ocupar el puesto que ocupaba Fawkes dibujando "rompecolumnas", es decir, dibujos humorísticos o decorativos insertados en el texto. También hizo reseñas de grabaciones de jazz y música clásica para el periódico, y más tarde guionizó también la tira Flook, dibujada por Fawkes.

A principios de 1948, Lyttelton dimitió de los Dixielanders para fundar su propio grupo, llevando con él a Fawkes y más tarde al pianista Webb; con las posteriores incorporaciones de los hermanos Keith (trombón) e Ian Christie (clarinete), nacidos en Blackpool, el grupo emergió a la vanguardia del renacimiento del trad jazz. Con la trompeta declamatoria de Lyttelton al frente, el sonido reverencial del grupo, inspirado en Nueva Orleans, demostró ser un monstruo comercial: a finales de 1949, firmaron con Parlophone, y sus discos de 78 rpm se vendieron con tanta regularidad que el sello publicó un nuevo lanzamiento cada mes hasta que introdujo el formato LP varios años después. Sin embargo, Lyttelton no tardó en sentirse asfixiado dentro de los estrechos límites creativos del sonido del jazz tradicional y comenzó a adoptar ritmos latinos y africanos ya en 1951; también explotó las nuevas tecnologías, empleando técnicas de grabación multipista para tocar la trompeta, el clarinete, el piano y la tabla de lavar en "One Man Went to Blow". Lo más notable -y para disgusto de los puristas- es que Lyttelton pronto abandonó el formato aceptado de trompeta-clarinete-trombón para introducir saxofones en la ecuación, y a medida que sus aspiraciones musicales evolucionaban, también lo hacía la alineación de su personal de apoyo: La banda de Lyttelton fue la plataforma de lanzamiento de multitud de grandes del jazz en ciernes, entre ellos los saxofonistas Tony Coe, Danny Moss, Alan Barnes, Joe Temperley, John Barnes y Karen Sharp, así como los trombonistas Roy Williams, Pete Strange y John Picard. El grupo también acompañó a gigantes americanos como Sidney Bechet, Jimmy Rushing y Buck Clayton.

Con "Bad Penny Blues", de 1956, Lyttelton consiguió el primer éxito pop británico en el Top 20. El grupo realizó una gira por Europa y Oriente Medio, y en 1959 se unió a Thelonious Monk y Anita O'Day en un viaje por Estados Unidos. Cuando la moda del jazz tradicional dio paso al rock & roll, Lyttelton siguió actuando, pero también emprendió una carrera secundaria como locutor: su presencia ingeniosa e informal le hizo natural para la radio, y en 1966 se le concedió su propia serie de la BBC, The Best of Jazz (Lo mejor del jazz), que dirigió durante más de cuatro décadas. Seis años más tarde, también fue nombrado presentador de la parodia del juego de mesa redonda I'm Sorry, I Haven't a Clue (Lo siento, no tengo ni idea), un programa famoso por su abundancia de dobles sentidos. También siguió escribiendo, y a lo largo de su vida publicó una serie de libros, entre ellos I Play as I Please, Second Course, Take It from the Top, Why No Beethoven y It Just Occurred to Me..., e incluso durante un tiempo ejerció de crítico gastronómico. Otra de sus aficiones era la caligrafía: A la muerte de su padre, Lyttelton recibió un juego de plumas caligráficas, y demostró tal habilidad que fue elegido presidente de la Sociedad de Caligrafía Itálica. El oficio incluso dio nombre a su propio sello, Calligraph Records, que reeditó sus grabaciones clásicas en CD. Una nueva generación de oyentes conoció la obra de Lyttelton en 2001, cuando participó como invitado en el álbum Amnesiac de Radiohead. El 11 de marzo de 2008 anunció su retirada de The Best of Jazz. Semanas después, falleció tras una operación de corazón el 25 de abril.
https://www.allmusic.com/artist/humphrey-lyttelton-mn0000638075/biography