Larry Goldings • Sweet Science

 

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The Joe Mcqueen Quartet • The Legendary Joe Mcqueen Quartet

Joe McQueen (aka Joe Lee McQueen; né Joe Leandrew McQueen; born 30 May 1919 Ponder, Texas) is an American jazz saxophonist.

He was raised in Ardmore, Oklahoma. He played tuba and then saxophone in the Ardmore High School band. He was also on the football squad.

McQueen began playing professional jazz at the age of sixteen. He was introduced to the saxophone a few years earlier by his cousin, Herschel Evans, who played in Count Basie's band in the mid-1930s.

In 1945, McQueen and his wife, Thelma, traveled to Ogden, Utah. He was at the time in a jazz band that dissolved when its leader gambled away the troupe's earnings en route from Las Vegas. McQueen reformed the band and stayed in Ogden.

Ogden, Utah, in the near post-WWII era was a hot spot for jazz music, as it was a major stop on the railroad route west to San Francisco, California from Kansas City and beyond. The city was mentioned in the beatnik writings of Jack Kerouac, and was the hometown of trumpeter Red Nichols.

During his life, McQueen has performed in Ogden with jazz luminaries such as Charlie Parker, Chet Baker (a fellow Oklahoman), Paul Gonsalves, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, and others. McQueen has toured as a musician in the Rocky Mountain West. He played in 1962 in Idaho Falls, Idaho with Hoagy Carmichael.

During his early years in Ogden, McQueen worked and played at the Porters and Waiters Club in Ogden. This was one of the few venues open to black Americans at the time. McQueen was the first African-American in Utah to play at previously white-only establishments and to have a mixed-race band.

McQueen has worked as a truck mechanic and automotive technology instructor at Weber State University. As of 2005, he works as a full-time volunteer elder care worker; in this capacity he assists infirm senior citizens.

In 2002, the Governor of Utah established April 18 as an official "Joe McQueen Day" for the State of Utah.

McQueen continues to perform live in clubs in Ogden and record at the age of 94.

McQueen was recently the subject of a documentary film: "King of O-Town." He was also featured in a July, 2005 feature article by the Associated Press.

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Joe McQueen (alias Joe Lee McQueen; né Joe Leandrew McQueen; nacido el 30 de mayo de 1919 en Ponder, Texas) es un saxofonista de jazz americano.

Se crió en Ardmore, Oklahoma. Tocaba la tuba y luego el saxofón en la banda de la secundaria de Ardmore. También estuvo en el equipo de fútbol americano.

McQueen empezó a tocar jazz profesional a los dieciséis años. Fue introducido al saxofón unos años antes por su primo, Herschel Evans, que tocó en la banda de Count Basie a mediados de los años 30.

En 1945, McQueen y su esposa, Thelma, viajaron a Ogden, Utah. En ese momento estaba en una banda de jazz que se disolvió cuando su líder se jugó las ganancias de la compañía en el camino desde Las Vegas. McQueen reformó la banda y se quedó en Ogden.

Ogden, Utah, en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial era un punto caliente para la música de jazz, ya que era una parada importante en la ruta del ferrocarril hacia el oeste a San Francisco, California desde Kansas City y más allá. La ciudad fue mencionada en los escritos beatnik de Jack Kerouac, y fue la ciudad natal del trompetista Red Nichols.

Durante su vida, McQueen ha actuado en Ogden con luminarias del jazz como Charlie Parker, Chet Baker (un colega de Oklahoma), Paul Gonsalves, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, y otros. McQueen ha hecho giras como músico en el oeste de las Montañas Rocosas. Tocó en 1962 en las Cataratas de Idaho, Idaho con Hoagy Carmichael.

Durante sus primeros años en Ogden, McQueen trabajó y tocó en el Club de Porteros y Camareros de Ogden. Era uno de los pocos locales abiertos a los negros americanos de la época. McQueen fue el primer afroamericano en Utah en tocar en establecimientos que antes eran sólo para blancos y en tener una banda de razas mixtas.

McQueen ha trabajado como mecánico de camiones e instructor de tecnología automotriz en la Universidad Estatal de Weber. A partir de 2005, trabaja como voluntario a tiempo completo en el cuidado de ancianos; en este puesto ayuda a los ancianos enfermos.

En 2002, el Gobernador de Utah estableció el 18 de abril como un "Día de Joe McQueen" oficial para el Estado de Utah.

McQueen sigue actuando en vivo en clubes de Ogden y graba a la edad de 94 años.

McQueen fue recientemente objeto de un documental: "King of O-Town". También apareció en un artículo de fondo de julio de 2005 de la Associated Press. 

Don Bagley • Basically Bagley

Donald Neff "Don" Bagley (July 18, 1927 – July 26, 2012) was an American jazz bassist.
Career

Bagley was born on July 18, 1927 in Salt Lake City, Utah. He received formal training on the double bass. He studied in Los Angeles and played in 1945 with Shorty Sherock and Wingy Manone, and in 1948 with Dick Pierce. From 1950 to 1953 and sporadically thereafter, Bagley played with Stan Kenton; during Bagley's time with Kenton, "A Study for Bass" by Bill Russo and "Bags" by Bill Holman were written to feature Bagley's playing; starting in 1954 he fronted his own ensembles. Between 1950 and 1952 he did extensive work as a session musician with Nat King Cole, Maynard Ferguson, and Dexter Gordon. In the middle of the 1950s he played in Europe with Zoot Sims, Lars Gullin, Frank Rosolino, and Ake Persson. Between 1956 and 1967 he again worked with Kenton and with Les Brown; toward the end of the 1950s he also played with Jimmie Rowles, Shelly Manne, and Phil Woods. In 1957 and 1958 he recorded three albums under his own name. In 1959 he played with Pete Fountain; in 1961 he did a session with Ben Webster. In 1964 he performed in Japan with Julie London. In the 1970s and '80s Bagley composed and arranged for film and television. Between 1976 and 1984 he worked with Burt Bacharach. wiki

Bagley died on July 26, 2012 at the age of 85.

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Donald Neff "Don" Bagley (18 de julio de 1927 - 26 de julio de 2012) fue un bajista de jazz estadounidense.
Carrera profesional
Bagley nació el 18 de julio de 1927 en Salt Lake City, Utah. Recibió formación formal en contrabajo. Estudió en Los Ángeles y tocó en 1945 con Shorty Sherock y Wingy Manone, y en 1948 con Dick Pierce. De 1950 a 1953 y esporádicamente después, Bagley tocó con Stan Kenton; durante el tiempo que Bagley estuvo con Kenton, "A Study for Bass" de Bill Russo y "Bags" de Bill Holman fueron escritos para presentar la forma de tocar de Bagley; a partir de 1954 dirigió sus propios conjuntos. Entre 1950 y 1952 trabajó mucho como músico de sesión con Nat King Cole, Maynard Ferguson y Dexter Gordon. A mediados de la década de 1950 tocó en Europa con Zoot Sims, Lars Gullin, Frank Rosolino y Ake Persson. Entre 1956 y 1967 volvió a trabajar con Kenton y con Les Brown; a finales de los años 50 también tocó con Jimmie Rowles, Shelly Manne y Phil Woods. En 1957 y 1958 grabó tres álbumes con su propio nombre. En 1959 tocó con Pete Fountain; en 1961 hizo una sesión con Ben Webster. En 1964 actuó en Japón con Julie London. En los años 70 y 80, Bagley compuso y arregló para el cine y la televisión. Entre 1976 y 1984 trabajó con Burt Bacharach. wiki
Bagley murió el 26 de julio de 2012 a la edad de 85 años.

Don Bagley (b)
Jimmy Rowles (p)
Shelly Manne (d)


Discogs ...

Don Bagley • The Soft Cell

Donald Neff "Don" Bagley (July 18, 1927 – July 26, 2012) was an American jazz bassist.

Bagley was born on July 18, 1927 in Salt Lake City, Utah. He received formal training on the double bass. He studied in Los Angeles and played in 1945 with Shorty Sherock and Wingy Manone, and in 1948 with Dick Pierce. From 1950 to 1953 and sporadically thereafter, Bagley played with Stan Kenton; during Bagley's time with Kenton, "A Study for Bass" by Bill Russo and "Bags" by Bill Holman were written to feature Bagley's playing; starting in 1954 he fronted his own ensembles. Between 1950 and 1952 he did extensive work as a session musician with Nat King Cole, Maynard Ferguson, and Dexter Gordon. In the middle of the 1950s he played in Europe with Zoot Sims, Lars Gullin, Frank Rosolino, and Ake Persson. Between 1956 and 1967 he again worked with Kenton and with Les Brown; toward the end of the 1950s he also played with Jimmie Rowles, Shelly Manne, and Phil Woods. In 1957 and 1958 he recorded three albums under his own name. In 1959 he played with Pete Fountain; in 1961 he did a session with Ben Webster. In 1964 he performed in Japan with Julie London. In the 1970s and '80s Bagley composed and arranged for film and television. Between 1976 and 1984 he worked with Burt Bacharach.

Bagley died on July 26, 2012 at the age of 85. wiki

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Donald Neff "Don" Bagley (18 de julio de 1927 - 26 de julio de 2012) era un bajista de jazz americano.

Bagley nació el 18 de julio de 1927 en Salt Lake City, Utah. Recibió entrenamiento formal en el contrabajo. Estudió en Los Ángeles y tocó en 1945 con Shorty Sherock y Wingy Manone, y en 1948 con Dick Pierce. De 1950 a 1953 y esporádicamente a partir de entonces, Bagley tocó con Stan Kenton; durante la época en que Bagley estuvo con Kenton, se escribieron "A Study for Bass" de Bill Russo y "Bags" de Bill Holman para destacar la forma de tocar de Bagley; a partir de 1954 dirigió sus propios conjuntos. Entre 1950 y 1952 realizó un extenso trabajo como músico de sesión con Nat King Cole, Maynard Ferguson y Dexter Gordon. A mediados de los años 50 tocó en Europa con Zoot Sims, Lars Gullin, Frank Rosolino y Ake Persson. Entre 1956 y 1967 volvió a trabajar con Kenton y con Les Brown; hacia finales de los años 50 también tocó con Jimmie Rowles, Shelly Manne y Phil Woods. En 1957 y 1958 grabó tres álbumes con su propio nombre. En 1959 tocó con Pete Fountain; en 1961 hizo una sesión con Ben Webster. En 1964 actuó en Japón con Julie London. En los años 70 y 80 Bagley compuso y arregló para el cine y la televisión. Entre 1976 y 1984 trabajó con Burt Bacharach.

Bagley murió el 26 de julio de 2012 a la edad de 85 años. wiki

Harry 'Sweets' Edison-Barney Kessel-Jimmy Rowles • Something Bigger

 

"A lot of times, the older you get in music, the more you’ll find out that less is more. Leave spaces and don’t play everything you know. As a matter of fact, when I worked with „Sweets“, Harry Edison, a couple of weeks ago he was a lesson in that. He knows very well how to use a rhythm section."
- Benny Powell

"...a very interesting lineup of players ... the overall result is a recording highly recommended to fans of straight-ahead jazz."
- Scott Yanow

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"Muchas veces, cuanto más viejo te haces en la música, más te das cuenta de que menos es más. Deja espacios y no toques todo lo que sabes. De hecho, cuando trabajé con «Sweets», Harry Edison, hace un par de semanas, fue una lección de eso. Sabe muy bien cómo utilizar una sección rítmica".
- Benny Powell

"...una alineación de músicos muy interesante... el resultado global es una grabación muy recomendable para los aficionados al straight-ahead jazz."
- Scott Yanow

Charles McPherson • Con Alma!

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Larry Goldings • Intimacy Of The Blues (With David Newman)

Review by Scott Yanow

This well-rounded set was the first one on which Larry Goldings (formerly known as a pianist) exclusively played organ. His trio with Peter Bernstein (a fine bop guitarist) and drummer Bill Stewart (best known for his association with John Scofield) is tight in the Jimmy Smith tradition, although Goldings also displays his own musical personality. Veteran tenor saxophonist David "Fathead" Newman helps out on "Skylark" and "The Intimacy of the Blues." Other highlights include Goldings' memorable original "Pegasus," "Jive Coffee" (based on "Tea for Two"), a faster than usual version of "Wouldn't It Be Loverly," and a swinging "When Johnny Comes Marching Home."

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Revisión por Scott Yanow

Este conjunto completo fue el primero en el que Larry Goldings (anteriormente conocido como pianista) tocaba exclusivamente en el órgano. Su trío con Peter Bernstein (un guitarrista de bop fino) y el baterista Bill Stewart (mejor conocido por su asociación con John Scofield) es tímido en la tradición de Jimmy Smith, aunque Goldings también muestra su propia personalidad musical. El veterano saxofonista tenor David "Fathead" Newman ayuda en "Skylark" y "The Intimacy of the Blues". Otros aspectos destacados incluyen el memorable "Pegasus", "Jive Coffee" de Goldings (basado en "Tea for Two"), una versión más rápida de lo habitual de "Wouldn't It Be Loverly", y el columpio "When Johnny Comes Marching Home". "

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Red Garland • Red Garland's Piano

Red Garland's third session as a leader finds the distinctive pianist investigating eight standards (including "Please Send Me Someone to Love," "Stompin' at the Savoy," "If I Were a Bell," and "Almost Like Being in Love") with his distinctive chord voicings, melodic but creative ideas, and solid sense of swing. Joined by bassist Paul Chambers and drummer Art Taylor, Garland plays up to his usual consistent level, making this an easily recommended disc for straight-ahead fans.

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La tercera sesión de Red Garland como líder encuentra al pianista distintivo investigando ocho estándares (incluyendo "Please Send Me Someone to Love", "Stompin' at the Savoy", "If I Were a Bell" y "Almost Like Being in Love") con sus voces de acordes distintivas, ideas melódicas pero creativas y un sólido sentido del swing. Acompañado por el bajista Paul Chambers y el baterista Art Taylor, Garland toca a su nivel habitual y consistente, lo que lo convierte en un disco fácilmente recomendable para los fanáticos del directo.

Larry Goldings Trio • Moonbird

Review by Alex Henderson

Like Barbara Dennerlein, Larry Goldings was among the few organists who, in the 1980s and '90s, refused to stick to a grits-and-gravy approach to the instrument. This isn't to say that Goldings has escaped Jimmy Smith's influence altogether or that he lacks funk, blues, and soul-jazz credentials -- one of his employers, after all, was Maceo Parker, who spent many years in James Brown's band. But Goldings hasn't ignored the post-bop challenges that Larry Young presented, and Young's influence can be felt on Moonbird. Joined by drummer Bill Stewart and the Grant Green-influenced guitarist Peter Bernstein, Goldings delivers a rewarding post-bop date that will hardly be mistaken for Smith-minded soul-jazz. Goldings originals like the congenial "Christine," the intriguing "Empty Oceans," and the cerebal "Xoloft" aren't innovative -- 35 years earlier, Young was playing post-bop on the Hammond B-3. But Goldings nonetheless comes across as his own man, and his refusal to be yet another Jimmy Smith clone is commendable. The Bostonian also deserves applause for successfully transforming Randy Newman's "I Think It's Going to Rain Today" and Joni Mitchell's "Woodstock" into improvisatory jazz -- at a time when too many jazzmen were content to play the same old Cole Porter and Irving Berlin songs time and time again, Goldings had enough imagination to find the jazz potential in pop/rock songs that more myopic improvisers were ignoring. Not quite a gem but definitely solid, Moonbird is a CD that post-bop fans will enjoy.

https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403

 Artist Biography by Matt Collar

A highly regarded pianist, Larry Goldings is an in-demand sideman and bandleader known for his balance of hard-swinging, harmonically nuanced post-bop and funky organ jazz. Emerging in the early '90s, Goldings established himself as a premier soloist on the New York scene, playing often in his trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart. He has issued a stream of highly regarded albums, including 1995's Whatever It Takes, 2002's Sweet Science, and 2007's Grammy-nominated Saudades with drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield. He is a longtime touring member of James Taylor's band, and has been sought out by a wide array of performers, including Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, and others.

Born in Boston, Massachusetts in 1968, Goldings took classical piano lessons until age 12, encouraged by his father, a classical aficionado. It was while in high school at Concord Academy that he became interested in jazz. Around this time, a friend of his father's introduced him to pianist Dave McKenna, whose music had a profound influence on Goldings. From there, he embarked on a deeper study of jazz, listening to artists like Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland, and Bill Evans. He also sought out private lessons with pianists Ran Blake and Keith Jarrett.

After high school, he enrolled in the jazz program at New York's The New School, where he further honed his skills studying with Jaki Byard and Fred Hersch. It was during this period that he accompanied pianist Roland Hanna to Copenhagen for a three-day series of private concerts, where he performed with Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison, and Al Cohn. Also prior to graduating, Goldings toured with singer Jon Hendricks, an association that led to work with guitarist Jim Hall.

Graduating in 1988, he began leading his own trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart, playing regularly at Augie's Jazz Bar (later named Smoke). In 1991, he made his debut as a leader with Intimacy of the Blues, which featured his trio along with guest saxophonist David "Fathead" Newman. A second trio effort, Light Blue, appeared a year later, followed by the bossa nova-tinged organ session Caminhos Cruzados, which included several tracks with saxophonist Joshua Redman.

In 1995, Goldings signed with Warner Bros. and released two highly regarded organ-centric albums, starting with Whatever It Takes. A funky, hard-bop-leaning date, it featured his trio with Bernstein and Stewart along with guest spots from saxophonists Maceo Parker, David Sanborn, and Redman, as well as trombonist Fred Wesley. Released in 1996, Big Stuff showcased a similar sound, and found the pianist joined by Bernstein, veteran drummer Idris Muhammad, and guitarist Kurt Rosenwinkel. For his final Warner Bros. album, 1997's Awareness, Goldings shifted back to piano, working with longtime Keith Jarrett associates bassist Larry Grenadier and drummer Paul Motian.

Goldings then moved to Palmetto, issuing the trio album As One with Bernstein and Stewart. Several more albums followed for the indie label, including the Hammond organ-soaked Sweet Science and 2006's aptly named Quartet with trumpeter/cornetist John Sneider, bassist Ben Allison, and drummer Matt Wilson.

Also during this period, he joined drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield for a live 2004 concert at London's Queen Elizabeth's Hall. Released as Saudades in 2006, it earned Goldings a Grammy nomination for Best Instrumental Jazz Album of the Year. In 2010, he joined the Dutch Metropole Orkest for two albums, When Larry Met Harry with saxophonist Harry Allen and Scenes from a Dream with Peter Erskine and Chris Minh Doky.

The solo piano album In My Room followed in 2011. That same year, he rejoined Bernstein and Stewart for the concert album Live at Smalls. The trio were also together for 2014's Ramshackle Serenade. He then guested with Ron Carter, Gerry Gibbs, and Kenny Barron on We're Back. In 2017, he joined John Mayer on the singer/songwriter's "The Search for Everything" tour, and returned a year later with his own trio album, Toy Tunes, with Bernstein and Stewart.

https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography

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Reseña de Alex Henderson

Al igual que Barbara Dennerlein, Larry Goldings fue uno de los pocos organistas que, en los años ochenta y noventa, se negó a seguir un enfoque de grano y salsa para el instrumento. Esto no quiere decir que Goldings haya escapado por completo a la influencia de Jimmy Smith o que carezca de credenciales de funk, blues y soul-jazz - uno de sus empleadores, después de todo, era Maceo Parker, que pasó muchos años en la banda de James Brown. Pero Goldings no ha ignorado los desafíos post-bop que Larry Young presentó, y la influencia de Young se puede sentir en Moonbird. Acompañado por el baterista Bill Stewart y el guitarrista influenciado por Grant Green Peter Bernstein, Goldings ofrece una gratificante cita post-bop que difícilmente se confundirá con el soul-jazz de Smith. Los originales de Goldings como el simpático "Christine", el intrigante "Empty Oceans" y el cerebal "Xoloft" no son innovadores: 35 años antes, Young jugaba al post-bop en el Hammond B-3. Sin embargo, Goldings parece ser su propio hombre, y su negativa a ser otro clon de Jimmy Smith es encomiable. El bostoniano también merece un aplauso por haber transformado con éxito "I Think It's Going to Rain Today" de Randy Newman y "Woodstock" de Joni Mitchell en jazz improvisado, en un momento en el que demasiados jazzistas se contentaron con tocar las mismas viejas canciones de Cole Porter e Irving Berlin una y otra vez, Goldings tuvo suficiente imaginación para encontrar el potencial del jazz en canciones de pop/rock que los improvisadores más miopes estaban ignorando. No es una joya, pero definitivamente sólido, Moonbird es un CD que los fans del post-bop disfrutarán.

https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403

 Biografía del artista por Matt Collar

Un pianista muy respetado, Larry Goldings es un sideman y director de orquesta muy solicitado, conocido por su equilibrio entre el swing duro, el post-bop con matices armónicos y el jazz funky de órgano. Surgido a principios de los años 90, Goldings se estableció como uno de los principales solistas de la escena neoyorquina, tocando a menudo en su trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. Ha publicado una serie de álbumes de gran prestigio, entre los que se incluyen Whatever It Takes (1995), Sweet Science (2002) y Saudades (2007), nominados al Grammy, con el baterista Jack DeJohnette y el guitarrista John Scofield. Es miembro de la banda de James Taylor desde hace mucho tiempo, y ha sido buscado por una amplia gama de intérpretes, incluyendo a Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, y otros.

Nacido en Boston, Massachusetts en 1968, Goldings tomó clases de piano clásico hasta los 12 años, alentado por su padre, un aficionado a la música clásica. Fue durante el bachillerato en la Academia Concord cuando se interesó por el jazz. Por esa época, un amigo de su padre le presentó al pianista Dave McKenna, cuya música tuvo una profunda influencia en Goldings. A partir de ahí, se embarcó en un estudio más profundo del jazz, escuchando a artistas como Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland y Bill Evans. También buscó clases particulares con los pianistas Ran Blake y Keith Jarrett.

Después de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de jazz de The New School de Nueva York, donde perfeccionó sus habilidades estudiando con Jaki Byard y Fred Hersch. Fue durante este período que acompañó al pianista Roland Hanna a Copenhague para una serie de conciertos privados de tres días, donde actuó con Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison y Al Cohn. También antes de graduarse, Goldings hizo una gira con el cantante Jon Hendricks, una asociación que llevó a trabajar con el guitarrista Jim Hall.

Graduado en 1988, comenzó a dirigir su propio trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, tocando regularmente en el Augie's Jazz Bar (más tarde llamado Smoke). En 1991, debutó como líder con Intimacy of the Blues, en el que participó su trío junto con el saxofonista invitado David "Fathead" Newman. Un año después apareció un segundo trío, Light Blue, seguido de la sesión de órgano de bossa nova, Caminhos Cruzados, que incluyó varios temas con el saxofonista Joshua Redman.

En 1995, Goldings firmó con Warner Bros. y lanzó dos álbumes muy respetados centrados en el órgano, comenzando con Whatever It Takes. Una cita funky y de tendencia hard-bop, que contó con su trío con Bernstein y Stewart junto a los saxofonistas Maceo Parker, David Sanborn y Redman, así como con el trombonista Fred Wesley. Lanzado en 1996, Big Stuff mostró un sonido similar, y encontró al pianista acompañado por Bernstein, el veterano baterista Idris Muhammad, y el guitarrista Kurt Rosenwinkel. Para su último álbum de Warner Bros., Awareness de 1997, Goldings regresó al piano, trabajando con el bajista Larry Grenadier y el baterista Paul Motian, asociados de Keith Jarrett desde hace mucho tiempo.

Luego, Goldings se trasladó a Palmetto, donde publicó el trío As One con Bernstein y Stewart. Varios álbumes más fueron seguidos por el sello independiente, incluyendo Sweet Science, empapado de órgano de Hammond, y el Cuarteto de 2006, acertadamente nombrado con el trompetista/cornetista John Sneider, el bajista Ben Allison, y el baterista Matt Wilson.

También durante este período, se unió al baterista Jack DeJohnette y al guitarrista John Scofield en un concierto en vivo en el Queen Elizabeth's Hall de Londres en 2004. Lanzado como Saudades en 2006, le valió a Goldings una nominación al Grammy como Mejor Álbum Instrumental de Jazz del Año. En 2010, se unió al Metropole Orkest holandés en dos álbumes, When Larry Met Harry con el saxofonista Harry Allen y Scenes from a Dream con Peter Erskine y Chris Minh Doky.

El álbum de piano en solitario In My Room le siguió en 2011. Ese mismo año, volvió a unirse a Bernstein y Stewart para el álbum de conciertos Live at Smalls. El trío también estuvieron juntos para la Serenata Destartalada de 2014. Luego invitó a Ron Carter, Gerry Gibbs y Kenny Barron en We're Back. En 2017, se unió a John Mayer en la gira del cantautor "The Search for Everything", y regresó un año después con su propio trío, Toy Tunes, con Bernstein y Stewart.

https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Charles McPherson • Live At The Cellar

 

Review
by Scott Yanow  
At the time of this live set, altoist Charles McPherson had been known for 40 years as a major interpreter of bebop/hard bop, featuring a sound influenced by Charlie Parker. Actually, during the previous decade, which is not documented extensively, McPherson had developed a more individual sound and his style continued to evolve. This CD, which features six lengthy performances, really gives the altoist plenty of room to stretch. The recording quality on the live set from Vancouver's Cellar Club is not state of the art, but is listenable. Joined by a top-notch local trio, McPherson digs into "Spring Is Here," his bluish modal original "Illusions in Blue" (which shows how he might have sounded if he had worked with McCoy Tyner and Elvin Jones), an uptempo "Blue & Boogie," an emotional "How Deep Is the Ocean," his worthy original "Manhattan Nocturne," and "Star Eyes." McPherson is in prime form throughout, showing that he had long since carved out his own voice in modern straight-ahead jazz.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-cellar-mw0001318268

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Reseña
por Scott Yanow  
En la época de este directo, el contralto Charles McPherson era conocido desde hacía 40 años como uno de los principales intérpretes del bebop/hard bop, con un sonido influenciado por Charlie Parker. En realidad, durante la década anterior, que no está ampliamente documentada, McPherson había desarrollado un sonido más individual y su estilo seguía evolucionando. Este CD, que incluye seis largas interpretaciones, ofrece al contraltoista mucho espacio para explayarse. La calidad de la grabación en directo desde el Cellar Club de Vancouver no es la mejor, pero se deja escuchar. Acompañado por un trío local de primera categoría, McPherson profundiza en "Spring Is Here", su azulado original modal "Illusions in Blue" (que muestra cómo podría haber sonado si hubiera trabajado con McCoy Tyner y Elvin Jones), un uptempo "Blue & Boogie", un emotivo "How Deep Is the Ocean", su digno original "Manhattan Nocturne" y "Star Eyes". McPherson está en plena forma, demostrando que hace tiempo que se ha labrado su propia voz en el jazz moderno directo.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-cellar-mw0001318268

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David Hazeltine • Blues For Gerry

 

Editorial Review:
Pianist David Hazeltine has a history with Criss Cross. To be specific, between 1995 and 2010, Gerry Teekens, the label's founder, presented eight albums on which Hazeltine led trios, quartets and quintets featuring his impeccable, individualistic pianism, original compositions and arrangements; another five with the cooperative all-star sextet One For All (tenor saxophonist Eric Alexander, trombonist Steve Davis, trumpeter Jim Rotondi, bassists Peter Washington or John Webber, and drummer Joe Farnsworth), whose grooving, harmonically acute charts bear his stamp; and another 17 as a sideman with the aforementioned luminaries, trumpeter Brian Lynch, alto saxophonist Jim Snidero, and other high-level jazzfolk who now hold pride of place in the hardcore jazz ecosystem.
Hazeltine returns to the fold with Blues For Gerry, his first Criss Cross leader date since Inversions (2010, Criss 1326), a lovely quintet date that included Alexander and vibraphonist Steve Nelson. Recorded in a single six-hour session on December 1, 2022, it's his third state of the art trio recital for Criss Cross with modern masters Peter Washington and Joe Farnsworth, following the equally accomplished Perambulation (2005, Criss 1276) and Close To You (2003, Criss 1247).
The album was recorded December 1, 2022 at the Samurai Hotel Recording Studio in NY. Recording engineer Mike Marciano also did the editing, mixing and mastering at Systems Two in NY. Photography by Anna Yatskevich.
https://www.amazon.com/Blues-Gerry-David-Hazeltine-Trio/dp/B0C1HWV57X

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Revisión editorial:
El pianista David Hazeltine tiene una historia con Criss Cross. En concreto, entre 1995 y 2010, Gerry Teekens, fundador del sello, presentó ocho discos en los que Hazeltine lideró tríos, cuartetos y quintetos con su impecable pianismo individualista, originales composiciones y arreglos; otros cinco con el sexteto cooperativo de estrellas One For All (el saxofonista tenor Eric Alexander, el trombonista Steve Davis, el trompetista Jim Rotondi, los bajistas Peter Washington o John Webber, y el baterista Joe Farnsworth), cuyas tablas armónicamente agudas llevan su sello; y otros 17 como acompañante de las luminarias antes mencionadas, el trompetista Brian Lynch, el saxofonista alto Jim Snidero y otros jazzfolk de alto nivel que ahora ocupan un lugar de honor en el ecosistema del hardcore jazz.
Hazeltine regresa al redil con Blues For Gerry, su primera cita como líder de Criss Cross desde Inversions (2010, Criss 1326), una encantadora cita de quinteto que incluía a Alexander y al vibrafonista Steve Nelson. Grabado en una sola sesión de seis horas el 1 de diciembre de 2022, es su tercer recital de trío de última generación para Criss Cross con los maestros modernos Peter Washington y Joe Farnsworth, luego de Perambulation (2005, Criss 1276) y Close To You. (2003, Criss 1247).
El álbum fue grabado el 1 de diciembre de 2022 en el Samurai Hotel Recording Studio en Nueva York. El ingeniero de grabación Mike Marciano también realizó la edición, mezcla y masterización en Systems Two en Nueva York. Fotografía por Anna Yatskevich.
https://www.amazon.com/Blues-Gerry-David-Hazeltine-Trio/dp/B0C1HWV57X


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Charles McPherson • The Journey

 

Alto saxophonist Charles McPherson heard his first Charlie Parker recording in 1953, when he was 14. The song—“Tico Tico”—made a lasting impression. “I knew immediately that this is the way you’re supposed to play,” he recalled. In the decades since, McPherson has become one of the stalwarts of bebop saxophone, and Parker’s influence on him has been widely acknowledged. (In 1988, when Clint Eastwood needed a sax player to evoke the sounds of Parker’s horn in the biopic Bird, the director turned to McPherson.) But if previous albums proved why McPherson was qualified to carry Bird’s mantle, his latest, The Journey, proves why he’s now bop’s brightest star. The technical prowess he brings to bop standards like “Au Privave” and “Spring Is Here” is captivating, and the imagination he exhibits on originals like the title track and “Manhattan Nocturne” shows that the 75-year-old isn’t afraid to push at musical boundaries. Joined by a stellar rhythm section of pianist Chip Stephens, bassist Ken Walker and drummer Todd Reid, McPherson graciously shares the spotlight with Denver-based tenorist Keith Oxman. The reedists craft solos with equal poise, trading bluesy passages on Stephens’ original composition “The Decathexis From Youth (For Cole)” and burning through fast-fingered eighth-note licks on McPherson’s “Bud Like.” Each saxophonist even gets his own solo turn, McPherson on a poignant reading of “I Should Care” and Oxman on his bouncy “Tami’s Tune.” With The Journey, McPherson has put out a prodigious album, a fitting summary of his 60-plus year excursion from apprentice to bebop royalty. One listen is all it takes to know that this is the way you’re supposed to play.
https://downbeat.com/reviews/detail/the-journey

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El saxofonista alto Charles McPherson escuchó su primera grabación de Charlie Parker en 1953, cuando tenía 14 años. La canción, “Tico Tico”, causó una impresión duradera. “Supe de inmediato que esta es la forma en que se supone que debes tocar”, recordó. En las décadas posteriores, McPherson se ha convertido en uno de los incondicionales del saxofón bebop, y la influencia de Parker en él ha sido ampliamente reconocida. (En 1988, cuando Clint Eastwood necesitaba un saxofonista para evocar los sonidos del cuerno de Parker en la película biográfica Bird, el director recurrió a McPherson). Pero si los álbumes anteriores demostraron por qué McPherson estaba calificado para llevar el manto de Bird, su último, The Journey, demuestra por qué ahora es la estrella más brillante del bop. La destreza técnica que aporta a los estándares de bop como "Au Privave" y "Spring Is Here" es cautivadora, y la imaginación que exhibe en originales como la canción principal y "Manhattan Nocturne" muestra que el hombre de 75 años no tiene miedo. empujar los límites musicales. Acompañado por una sección rítmica estelar del pianista Chip Stephens, el bajista Ken Walker y el baterista Todd Reid, McPherson amablemente comparte el centro de atención con el tenor de Denver Keith Oxman. Los reedists elaboran solos con el mismo equilibrio, intercambiando pasajes de blues en la composición original de Stephens "The Decathexis From Youth (For Cole)" y grabando licks de corcheas de dedos rápidos en "Bud Like" de McPherson. Cada saxofonista incluso tiene su propio turno en solitario, McPherson en una lectura conmovedora de "I Should Care" y Oxman en su animada "Tami's Tune". Con The Journey, McPherson ha lanzado un álbum prodigioso, un resumen apropiado de su excursión de más de 60 años de aprendiz a la realeza del bebop. Una escucha es todo lo que se necesita para saber que esta es la forma en que se supone que debes tocar.
https://downbeat.com/reviews/detail/the-journey

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David Hazeltine • After Hours

 

David Hazeltine is one of a handful of contemporary pianists who has mastered all of the major musical skills, from improvisation and technique, to accompaniment, arranging, and composition. Even more impressive, David is the rare artist able to innovate in each category. Thus it’s no surprise that he’s the most recorded contemporary jazz pianist of our time, having recorded thirty five cd’s as a leader and hundreds more as a sideman, on various major labels globally. A Milwaukee native, David was playing the clubs as a preteen, and before he’d even come of age he was already grabbing the attention and respect of jazz legends like Sonny Stitt, and Chet Baker. They urged him to make the move to New York City, which he did in 1992.
Beautifully complex and memorable

The mark of a true artist, David’s style appeals to a wide range of musical tastes and levels of sophistication. His melodies and harmonies are beautifully complex and memorable. As a composer and instrumentalist, he has developed a signature style that is readily recognizable. His cooperative group “One For All” featuring tenor great Eric Alexander, has attained critical acclaim with their impressive 16 cd discography, and live concerts worldwide including appearances at the North Sea Jazz Festival and the Newport Jazz Festival.

Hazeltine is one of the most sought after pianists today. He has worked with some of the world’s most respected jazz legends including James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks, and Marlena Shaw. David is known for taking a familiar or unexpected song and making it new, making it his own. He effortlessly transfers this skill from song to stage. Whether he’s composing or interpreting, accompanying or leading, you are certain to end the set remembering the sounds of David Hazeltine.
Carrying the art forward

A brilliant teacher, David is also determined to carry the art forward to the next generation. Formerly an Associate Professor at Berklee, he currently teaches at SUNY-Purchase in New York. David is also a highly skilled clinician, and has served on the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp faculty for the past 15 years. His teaching has had a major impact on many of today’s young professional pianists including Ben Markley, who published his doctorate “The David Hazeltine Method” based on his lessons with Mr. Hazeltine. Hal Leonard has published the new “Real Book - Enhanced Edition”, featuring David’s own re-harmonizations of 200 well known standards. Lessons from David are also available on his online workshops; check out his sessions on harmony at www.jazzpianomastery.com, and on the essentials of bebop at www.mymusicmasterclass.com.

Check the itinerary for upcoming dates; don’t miss your chance to hear one of the most talented and accomplished jazz pianists of our time.
https://www.davidhazeltine.com/biography

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David Hazeltine es uno de los pocos pianistas contemporáneos que domina las principales habilidades musicales, desde la improvisación y la técnica hasta el acompañamiento, los arreglos y la composición. Aún más impresionante, David es el raro artista capaz de innovar en cada categoría. Por eso no es de extrañar que sea el pianista de jazz contemporáneo más grabado de nuestro tiempo, con treinta y cinco discos como líder y cientos más como acompañante, en varios de los principales sellos del mundo. Nacido en Milwaukee, David ya tocaba en los clubes cuando era un preadolescente, y antes de cumplir la mayoría de edad ya había captado la atención y el respeto de leyendas del jazz como Sonny Stitt y Chet Baker. Ellos le animaron a trasladarse a Nueva York, lo que hizo en 1992.
Bellamente complejo y memorable

La marca de un verdadero artista, el estilo de David atrae a una amplia gama de gustos musicales y niveles de sofisticación. Sus melodías y armonías son hermosamente complejas y memorables. Como compositor e instrumentista, ha desarrollado un estilo propio fácilmente reconocible. Su grupo cooperativo "One For All", en el que participa el gran tenor Eric Alexander, ha sido aclamado por la crítica gracias a su impresionante discografía de 16 CD y a sus conciertos en directo en todo el mundo, incluidas sus apariciones en el Festival de Jazz del Mar del Norte y en el Festival de Jazz de Newport.

Hazeltine es uno de los pianistas más solicitados de la actualidad. Ha trabajado con algunas de las leyendas del jazz más respetadas del mundo, como James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks y Marlena Shaw. David es conocido por tomar una canción conocida o inesperada y convertirla en algo nuevo, haciéndola suya. Transfiere sin esfuerzo esta habilidad de la canción al escenario. Ya sea componiendo o interpretando, acompañando o dirigiendo, seguro que acabas el concierto recordando los sonidos de David Hazeltine.
Llevar el arte adelante

David, un brillante profesor, también está decidido a transmitir el arte a la próxima generación. Fue profesor asociado en Berklee y actualmente enseña en SUNY-Purchase, en Nueva York. David es también un clínico altamente cualificado, y ha formado parte del profesorado del Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold durante los últimos 15 años. Su enseñanza ha tenido un gran impacto en muchos de los jóvenes pianistas profesionales de hoy en día, incluyendo a Ben Markley, quien publicó su doctorado "The David Hazeltine Method" basado en sus lecciones con el Sr. Hazeltine. Hal Leonard ha publicado el nuevo "Real Book - Enhanced Edition", que incluye las rearmonizaciones del propio David de 200 estándares muy conocidos. Las lecciones de David también están disponibles en sus talleres en línea; echa un vistazo a sus sesiones sobre armonía en www.jazzpianomastery.com, y sobre los fundamentos del bebop en www.mymusicmasterclass.com.

Consulte el itinerario para conocer las próximas fechas; no pierda la oportunidad de escuchar a uno de los pianistas de jazz con más talento y talento de nuestro tiempo.
https://www.davidhazeltine.com/biography 

www.davidhazeltine.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Charles McPherson • Horizons

 

Review
by Scott Yanow
Charles McPherson's fifth Prestige album (which was reissued in 1998 in the Original Jazz Classics series) differs from the first four in that McPherson contributed four of the six originals. Assisted by pianist Cedar Walton, the up-and-coming guitarist Pat Martino, bassist Walter Booker, drummer Billy Higgins and (on three of the songs) the obscure but fluent vibraphonist Nasir Hafiz, the altoist is in typically swinging and boppish form.
Best among his originals are the catchy "Ain't That Something" and "She Loves Me," while "Lush Life" is taken as an alto guitar duet. By playing bop-oriented music in 1968, Charles McPherson could have been considered behind the times, but he was never a fad chaser and he has long had a timeless style. This music still sounds viable and creative decades later.
https://www.allmusic.com/album/horizons-mw0000602135

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Reseña
por Scott Yanow
El quinto álbum Prestige de Charles McPherson (que se reeditó en 1998 en la serie Original Jazz Classics) difiere de los cuatro primeros en que McPherson aportó cuatro de los seis originales. Asistido por el pianista Cedar Walton, el prometedor guitarrista Pat Martino, el bajista Walter Booker, el batería Billy Higgins y (en tres de las canciones) el oscuro pero fluido vibrafonista Nasir Hafiz, el contralto está en su forma típica de swing y boppish.
Entre sus canciones originales destacan las pegadizas "Ain't That Something" y "She Loves Me", mientras que "Lush Life" se interpreta a dúo con la guitarra del contralto. Al tocar música orientada al bop en 1968, Charles McPherson podría haber sido considerado atrasado, pero nunca fue un cazador de modas y desde hace tiempo tiene un estilo atemporal. Esta música sigue sonando viable y creativa décadas después.
https://www.allmusic.com/album/horizons-mw0000602135

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Charles McPherson • What Is Love

 

Biography
For more than 60 years, saxophonist Charles McPherson has been one of the most expressive and highly regarded voices in jazz. His rich musical style, rooted in the blues and bebop, has influenced and inspired generations of musicians and listeners.

McPherson was born in Joplin, MO, on July 24, 1939, and he developed a love for music at a young age. As a child, he began experimenting at the piano whenever one was available. He also attended summer concerts in Joplin that featured territory bands from the Midwest and Southwest. These concerts made a strong impression on McPherson, who was particularly enamored with the sound and shape of the saxophone.

McPherson moved to Detroit in 1948 at age 9. At that time, Detroit was home to one of the most vibrant jazz communities in the country. His new home was in the same neighborhood as his future mentor, pianist Barry Harris, as well as his friend and future bandmate, trumpeter Lonnie Hillyer. Additionally, McPherson now lived within blocks of the famed Blue Bird Inn jazz club.

“The street that I lived on just happened to be a street where Barry Harris lived right around the corner, five minutes away. A trumpet player named Lonnie Hillyer, who worked with Mingus along with myself for a long time, lived right on my street. And there was a jazz club a few blocks down on my street called the Blue Bird, which was, at that time, probably the hippest jazz club in Detroit. So it was interesting that, of all places, as big as Detroit is, I ended up on the same street as a really great local jazz club. The house band at that time was Barry Harris on piano, Pepper Adams playing baritone sax, Paul Chambers or Beans Richardson (on bass), and Elvin Jones was the house drummer.”

NYC Aug1962 After beginning on flugelhorn and trumpet in his school band at age 12, McPherson switched to alto saxophone at 13. Much of his knowledge of jazz at that point was from an awareness of popular big bands of the Swing Era. He was also familiar with great soloists from that time, such as alto saxophonist Johnny Hodges. Based on the recommendation of a classmate, McPherson first heard the music of Charlie Parker in his early teens. Despite not having a strong theoretical knowledge of this new music, he knew immediately that bebop was the style he wanted to play.

“One day I was in a little candy store, and there was a jukebox with records in it, and I saw Charlie Parker. And I was like ‘Oh! Let me put my money in and hear this guy!’ And when I heard that (“Tico-Tico” from Charlie Parker South of the Border), I was completely floored. I was 13 or 14 years old, and from that point on, it was like ‘that’s it.’ And I knew nothing about changes or chords, and I’m just a kid. I knew immediately that this is the way you’re supposed to play.”

From then on, McPherson immersed himself in the jazz culture of Detroit, modeling his musical style and training after the great musicians in his midst. At age 15, he began to study with Barry Harris, in addition to briefly studying saxophone at the Larry Teal School of Music in Detroit. McPherson also started to practice and perform with other future jazz luminaries within his peer group, including Hillyer, Roy Brooks, Donald Walden, and Louis Hayes, as well as future Motown legends and members of the Motown house rhythm section, bassist James Jamerson and drummer Richard “Pistol” Allen.

“What we had to do was pool our money together…and we rented a loft. We had seven or eight keys, and at any time of night, anybody could go in and play. There was a drum set there and a piano there…and it was in a neighborhood that was a business district where, after hours, nobody was there. So we could go in at 2 o’clock in the morning and have a session. And this is what we had to do in order to play, because (otherwise) we couldn’t play with those (older) cats.”

By age 19, McPherson had advanced to the point where he was working regularly throughout Detroit. He soon joined a number of his contemporaries in moving from Detroit to New York in the late 1950s. After moving to New York in 1959, McPherson began his association with Charles Mingus, which lasted for the next 12 years.

In the mid-1960s, McPherson began to record more frequently with other musicians, including Harris and trumpeter Art Farmer. McPherson’s first recording as a leader, Bebop Revisited, was made in 1964 and featured Carmell Jones on trumpet, Barry Harris on piano, Nelson Boyd on bass, and Albert “Tootie” Heath on drums. Later in the decade, McPherson starting working more with his own groups, which also included Harris, as well as tenor saxophonist George Coleman, who had recently finished his tenure as a member of Miles Davis’s band.

By 1972, McPherson stopped playing with Mingus and continued to tour and record as a leader and as a sideman. He moved to San Diego in 1978, and since then he has maintained an active career as a performer and educator throughout the United States and abroad. In 1988, McPherson was featured in the soundtrack to the Clint Eastwood film Bird as the saxophone voice of Charlie Parker in several scenes. He has performed on over 70 recordings to date, both as a leader and as a sideman. One of his most recent recordings, Love Walked In, featuring Bruce Barth on piano, Jeremy Brown on bass, and Stephen Keogh on drums was released in February 2016. Additionally, in 2017, McPherson was interviewed for the upcoming documentary Artists of Jazz, featuring other legendary jazz musicians “whose careers played an integral part in the history of jazz.” In September 2020, his newest recording, Charles McPherson's Jazz Dance Suites will be released under his own label, ChazzMackMusic. A culmination of 5 years of commissioned work with the San Diego Ballet, it includes two full original suites: "Song of Songs" and "Sweet Synergy Suite", plus more. Recorded at Van Gelder Studio with Terell Stafford - trumpet, Randy Porter and Jeb Patton - piano, Lorraine Castellanos - voice, Billy Drummond - drums, Yotam Silberstein - guitar, and David Wong - bass. BebopSpokenHere (UK) says, "I doubt there will be a better album released this year.."

McPherson has toured throughout the United States, Europe, Africa, South America, and Japan. In addition to the artists mentioned above, McPherson has performed and/or recorded with many other jazz greats, including Pepper Adams, Nat Adderley, Toshiko Akiyoshi, Randy Brecker, Jaki Byard, the Carnegie Hall Jazz Band, Ron Carter, Paul Chambers, Alan Dawson, Kenny Dorham, Kenny Drew, Billy Eckstine, Tommy Flanagan, Lionel Hampton, Tom Harrell, Billy Higgins, Sam Jones, Clifford Jordan, Duke Jordan, Brian Lynch, Wynton Marsalis, and twice with the Lincoln Center Jazz Orchestra, Pat Martino, Cecil McBee, Jay McShann, Mulgrew Miller, James Moody, Dannie Richmond, Red Rodney, Cedar Walton, Phil Woods, Snooky Young, and many others.

McPherson is also an active composer. His most recent large-scale works, Sweet Synergy Suite, Song of Songs, Reflection Turmoil & Hope, plus two medleys, are the product of a grant from the San Diego Foundation’s Creative Catalyst Fund, and private donors. The works have created a new series for San Diego Ballet with ballet and modern dance styles, featuring music by McPherson and choreography by Javier Velasco. McPherson was named Resident Composer for the San Diego Ballet. In this position, he will continue to collaborate with Velasco in creating innovative new works for the company.

In addition to being a performer and composer, McPherson is a respected and in-demand educator. In 2014, he was a guest coach with the Juilliard Jazz Artist Diploma Ensemble. He has been a clinician at countless other high schools, colleges, and universities in the United States and throughout the world, including the Amsterdam Conservatory, California State University at Bakersfield, California State University at Northridge, California State University at San Marcos, The Hartt School at the University of Hartford, New Jersey State University, the New School, Northern Illinois University, the Royal Academy of Music (London), San Diego State University, Stanford University, SUNY Purchase, Temple University, the Thelonious Monk Institute at UCLA, the University of California at San Diego, the University of North Texas, the University of Northern Colorado, and the Wisconsin Conservatory of Music.

In May 2015, McPherson was awarded an honorary Doctor of Fine Arts degree from California State University at San Marcos for “his outstanding professional and creative accomplishments and his influential role in mentoring future generations of musical artists.” In June 2016, he was joined by drummer Albert “Tootie” Heath in receiving the Don Redman Jazz Heritage Award, which is given annually to “legends of jazz whose musicianship, humanity and dignity serve as an asset to jazz in the tradition of Don Redman, and whose work in music and education illuminates his spirit.” In 2017, McPherson was the recipient of “The Duke” Award from Soka University, recognizing his lifetime of achieving “longstanding artistic excellence, the victory of musical power and beauty fostered with the tenacity of intelligent endurance.” After a Jazz at Lincoln Center tribute featuring Charles' 80 birthday in 2019, Wynton Marsalis says of Charles, "Charles is the very definition of excellence in our music. He’s the definitive master on his instrument. He plays with exceptional harmonic accuracy and sophistication. He performs free-flowing, melodic, and thematically developed solos with unbelievable fire and an unparalleled depth of soul.”

McPherson currently lives in San Diego with his wife, Lynn, and he maintains an active schedule of performing, recording, composing, and teaching. He remains a respected and powerful force in jazz, and he is still “very much in love with the saxophone and music.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/charles-mcpherson

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Biografía
Durante más de 60 años, el saxofonista Charles McPherson ha sido una de las voces más expresivas y apreciadas del jazz. Su rico estilo musical, enraizado en el blues y el bebop, ha influido e inspirado a generaciones de músicos y oyentes.

McPherson nació en Joplin, MO, el 24 de julio de 1939, y desarrolló su amor por la música a una edad temprana. De niño, empezó a experimentar con el piano siempre que había uno disponible. También asistía a conciertos de verano en Joplin en los que se presentaban bandas del territorio del Medio Oeste y el Suroeste. Estos conciertos causaron una gran impresión en McPherson, que quedó especialmente enamorado del sonido y la forma del saxofón.

McPherson se trasladó a Detroit en 1948, a la edad de 9 años. En aquella época, Detroit albergaba una de las comunidades de jazz más vibrantes del país. Su nuevo hogar estaba en el mismo barrio que su futuro mentor, el pianista Barry Harris, así como su amigo y futuro compañero de banda, el trompetista Lonnie Hillyer. Además, McPherson vivía a pocas manzanas del famoso club de jazz Blue Bird Inn.

"La calle en la que vivía coincidía con una calle en la que Barry Harris vivía a la vuelta de la esquina, a cinco minutos. Un trompetista llamado Lonnie Hillyer, que trabajó con Mingus junto conmigo durante mucho tiempo, vivía justo en mi calle. Y había un club de jazz a unas manzanas de mi calle llamado Blue Bird, que era, en aquella época, probablemente el club de jazz más de moda de Detroit. Así que fue interesante que, con lo grande que es Detroit, yo acabara en la misma calle que un gran club de jazz local. La banda de la casa en aquella época era Barry Harris al piano, Pepper Adams tocando el saxo barítono, Paul Chambers o Beans Richardson (al bajo), y Elvin Jones era el batería de la casa."

NYC Ago1962 Después de empezar a tocar el fliscorno y la trompeta en la banda de su colegio a los 12 años, McPherson se pasó al saxofón alto a los 13 años. Gran parte de su conocimiento del jazz en ese momento provenía de su conocimiento de las grandes bandas populares de la Era del Swing. También conocía a grandes solistas de la época, como el saxofonista alto Johnny Hodges. Por recomendación de un compañero de clase, McPherson escuchó por primera vez la música de Charlie Parker al principio de su adolescencia. A pesar de no tener un gran conocimiento teórico de esta nueva música, supo inmediatamente que el bebop era el estilo que quería tocar.

"Un día estaba en una tienda de golosinas, había una gramola con discos y vi a Charlie Parker. Y me dije: '¡Oh, déjame poner mi dinero y escuchar a este tipo! Y cuando lo oí ("Tico-Tico" de Charlie Parker South of the Border), me quedé completamente anonadado. Tenía 13 o 14 años, y a partir de ese momento, fue como 'ya está'. No sabía nada de cambios ni de acordes, y eso que era un crío. Supe inmediatamente que así es como hay que tocar".
A partir de entonces, McPherson se sumergió en la cultura del jazz de Detroit, modelando su estilo musical y su formación a partir de los grandes músicos de su entorno. A los 15 años, empezó a estudiar con Barry Harris, además de estudiar brevemente saxofón en la Larry Teal School of Music de Detroit. McPherson también empezó a practicar y a tocar con otras futuras luminarias del jazz dentro de su grupo de compañeros, como Hillyer, Roy Brooks, Donald Walden y Louis Hayes, así como con futuras leyendas de la Motown y miembros de la sección rítmica de la casa Motown, el bajista James Jamerson y el batería Richard "Pistol" Allen.

"Lo que tuvimos que hacer fue reunir nuestro dinero... y alquilamos un loft. Teníamos siete u ocho llaves y, a cualquier hora de la noche, cualquiera podía entrar y tocar. Había una batería y un piano... y estaba en un barrio comercial donde no había nadie a altas horas de la noche. Así que podíamos ir a las 2 de la mañana y tener una sesión. Y eso es lo que teníamos que hacer para jugar, porque (de lo contrario) no podíamos jugar con esos gatos (mayores)".

A los 19 años, McPherson había avanzado hasta el punto de trabajar regularmente por todo Detroit. Pronto se unió a varios de sus contemporáneos para trasladarse de Detroit a Nueva York a finales de la década de 1950. Tras mudarse a Nueva York en 1959, McPherson comenzó su asociación con Charles Mingus, que duró los 12 años siguientes.

A mediados de la década de 1960, McPherson empezó a grabar con más frecuencia con otros músicos, entre ellos Harris y el trompetista Art Farmer. La primera grabación de McPherson como líder, Bebop Revisited, se realizó en 1964 y contó con Carmell Jones a la trompeta, Barry Harris al piano, Nelson Boyd al bajo y Albert "Tootie" Heath a la batería. A finales de la década, McPherson empezó a trabajar más con sus propios grupos, que también incluían a Harris, así como al saxofonista tenor George Coleman, que acababa de terminar su etapa como miembro de la banda de Miles Davis.

En 1972, McPherson dejó de tocar con Mingus y siguió haciendo giras y grabando como líder y como músico de acompañamiento. En 1978 se trasladó a San Diego, y desde entonces ha mantenido una activa carrera como intérprete y profesor por todo Estados Unidos y el extranjero. En 1988, McPherson apareció en la banda sonora de la película Bird de Clint Eastwood como la voz del saxofón de Charlie Parker en varias escenas. Ha participado en más de 70 grabaciones hasta la fecha, como líder y como acompañante. Una de sus grabaciones más recientes, Love Walked In, con Bruce Barth al piano, Jeremy Brown al bajo y Stephen Keogh a la batería, se publicó en febrero de 2016. Además, en 2017, McPherson fue entrevistado para el próximo documental Artists of Jazz, que presenta a otros legendarios músicos de jazz "cuyas carreras jugaron un papel integral en la historia del jazz." En septiembre de 2020, su más reciente grabación, Charles McPherson's Jazz Dance Suites será lanzada bajo su propio sello, ChazzMackMusic. Culminación de 5 años de trabajo por encargo con el Ballet de San Diego, incluye dos suites originales completas: "Song of Songs" y "Sweet Synergy Suite", además de otras. Grabado en Van Gelder Studio con Terell Stafford - trompeta, Randy Porter y Jeb Patton - piano, Lorraine Castellanos - voz, Billy Drummond - batería, Yotam Silberstein - guitarra, y David Wong - bajo. BebopSpokenHere (Reino Unido) dice: "Dudo que se publique un álbum mejor este año".

McPherson ha realizado giras por Estados Unidos, Europa, África, Sudamérica y Japón. Además de los artistas mencionados, McPherson ha tocado y/o grabado con muchos otros grandes del jazz, como Pepper Adams, Nat Adderley, Toshiko Akiyoshi, Randy Brecker, Jaki Byard, la Carnegie Hall Jazz Band, Ron Carter, Paul Chambers, Alan Dawson, Kenny Dorham, Kenny Drew, Billy Eckstine, Tommy Flanagan, Lionel Hampton, Tom Harrell, Billy Higgins, Sam Jones, Clifford Jordan, Duke Jordan, Brian Lynch, Wynton Marsalis, y dos veces con la Lincoln Center Jazz Orchestra, Pat Martino, Cecil McBee, Jay McShann, Mulgrew Miller, James Moody, Dannie Richmond, Red Rodney, Cedar Walton, Phil Woods, Snooky Young, y muchos otros.

McPherson es también un activo compositor. Sus obras más recientes a gran escala, Sweet Synergy Suite, Song of Songs, Reflection Turmoil & Hope, además de dos medleys, son producto de una subvención del Creative Catalyst Fund de la San Diego Foundation y de donantes privados. Las obras han creado una nueva serie para el Ballet de San Diego con estilos de ballet y danza moderna, con música de McPherson y coreografía de Javier Velasco. McPherson ha sido nombrado compositor residente del Ballet de San Diego. En este puesto, seguirá colaborando con Velasco en la creación de nuevas e innovadoras obras para la compañía.

Además de intérprete y compositor, McPherson es un respetado y solicitado educador. En 2014, fue profesor invitado del Juilliard Jazz Artist Diploma Ensemble. Ha sido profesor en innumerables institutos, colegios y universidades de Estados Unidos y de todo el mundo, como el Conservatorio de Ámsterdam, la Universidad Estatal de California en Bakersfield, la Universidad Estatal de California en Northridge, la Universidad Estatal de California en San Marcos, The Hartt School de la Universidad de Hartford, la Universidad Estatal de Nueva Jersey, la New School, la Universidad del Norte de Illinois, la Real Academia de Música (Londres), la Universidad Estatal de San Diego, la Universidad de Stanford, SUNY Purchase, la Universidad de Temple, el Instituto Thelonious Monk de UCLA, la Universidad de California en San Diego, la Universidad del Norte de Texas, la Universidad del Norte de Colorado y el Conservatorio de Música de Wisconsin.

En mayo de 2015, McPherson recibió el título honorífico de Doctor en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California en San Marcos por "sus destacados logros profesionales y creativos y su influyente papel como mentor de futuras generaciones de artistas musicales." En junio de 2016, se le unió el baterista Albert "Tootie" Heath para recibir el Don Redman Jazz Heritage Award, que se otorga anualmente a "leyendas del jazz cuya musicalidad, humanidad y dignidad sirven como un activo para el jazz en la tradición de Don Redman, y cuyo trabajo en la música y la educación ilumina su espíritu." En 2017, McPherson recibió el premio "The Duke" de la Universidad Soka, en reconocimiento a toda una vida dedicada a alcanzar "la excelencia artística a largo plazo, la victoria del poder musical y la belleza fomentada con la tenacidad de la resistencia inteligente." Tras un homenaje del Jazz at Lincoln Center con motivo del 80 cumpleaños de Charles en 2019, Wynton Marsalis dice de Charles: "Charles es la definición misma de la excelencia en nuestra música. Es el maestro definitivo en su instrumento. Toca con una precisión armónica y una sofisticación excepcionales. Interpreta solos fluidos, melódicos y desarrollados temáticamente con un fuego increíble y una profundidad de alma sin parangón."

McPherson vive actualmente en San Diego con su esposa, Lynn, y mantiene una activa agenda de actuaciones, grabaciones, composición y enseñanza. Sigue siendo una fuerza respetada y poderosa en el jazz, y sigue "muy enamorado del saxofón y de la música."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/charles-mcpherson

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David Hazeltine • Blues Quarters Vol. 1

 

Review
by David R. Adler  
David Hazeltine's third Criss Cross release features him in the company of tenor saxophonist Eric Alexander, bassist Dwayne Burno, and drummer Joe Farnsworth. The pianist contributes three originals, two of which, "Naccara" and "A Touch of Green," share a similarly spacious, hard bop-oriented harmonic layout. The third, "Blues Quarters," is a 16-bar minor blues. Its form can be divided into quarters (hence the title), a fact that becomes especially interesting during the "trading fours" rounds with the drummer. On this tune and on Charlie Parker's "Cheryl," Alexander's and Hazeltine's mastery of the bop-blues idiom is astonishing. The lightning-quick closing track, "What Are You Doing?," also highlights Alexander's talent as a writer.

Of the standards on the record, the bright Latin rendition of "Cry Me a River" is novel, but "Milestones" and "Spring Is Here" don't really rise above the ordinary. On the whole, however, this is a strong offering from one of the most consistent straight-ahead pianists on the jazz scene.
https://www.allmusic.com/album/blues-quarters-vol-1-mw0000100481

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Reseña
por David R. Adler  
El tercer lanzamiento de Criss Cross de David Hazeltine le presenta en compañía del saxofonista tenor Eric Alexander, el bajista Dwayne Burno, y el batería Joe Farnsworth. El pianista contribuye con tres originales, dos de los cuales, "Naccara" y "A Touch of Green", comparten una disposición armónica similar, espaciosa y orientada al hard bop. El tercero, "Blues Quarters", es un blues menor de 16 compases. Su forma puede dividirse en cuartos (de ahí el título), un hecho que resulta especialmente interesante durante las rondas de "intercambio de cuatros" con el batería. En este tema y en "Cheryl" de Charlie Parker, el dominio de Alexander y Hazeltine del lenguaje del bop-blues es asombroso. El rapidísimo tema que cierra el disco, "What Are You Doing?", también pone de relieve el talento de Alexander como escritor.

De los estándares del disco, la brillante versión latina de "Cry Me a River" es novedosa, pero "Milestones" y "Spring Is Here" no superan lo ordinario. En conjunto, sin embargo, se trata de una sólida propuesta de uno de los pianistas más consistentes de la escena jazzística.
https://www.allmusic.com/album/blues-quarters-vol-1-mw0000100481


www.davidhazeltine.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

David Hazeltine • Blues Quarters Vol. 2

 

Among an already fine set of originals are outstanding updates to classics with a Latin groove adding some extra spice.


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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Charles McPherson & Steve Kuhn • But Beautiful

 

Review
by Ken Dryden
Charles McPherson delves into a number of standards in this collection of timeless ballads, well accompanied by pianist Steve Kuhn, bassist David Williams, and drummer Leroy Williams. The alto saxophonist's tone has a bit of a bluesy edge throughout the sessions, as if he is reminiscing about a past love. His heartfelt rendition of "My Ideal" stands out, as do his two interpretations of songs by Nicholas Brodszky, "Be My Love" and "Love Letters." McPherson picks up the tempo with "I Didn't Know What Time It Was," though his tone doesn't shift to a lighter mood. The relaxed mood makes this release perfect for late-night listening. The only drawback with this CD is the ugly cover photo, which McPherson denounced as very tasteless during a 2007 interview.
https://www.allmusic.com/album/but-beautiful-mw0000351771

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Reseña
por Ken Dryden
Charles McPherson se adentra en una serie de estándares en esta colección de baladas atemporales, bien acompañado por el pianista Steve Kuhn, el bajista David Williams y el batería Leroy Williams. El tono del saxofonista alto tiene un toque de blues a lo largo de las sesiones, como si recordara un amor del pasado. Destaca su sentida interpretación de "My Ideal", así como sus dos interpretaciones de canciones de Nicholas Brodszky, "Be My Love" y "Love Letters". McPherson sube el ritmo con "I Didn't Know What Time It Was", aunque su tono no cambia a un estado de ánimo más ligero. El ambiente relajado hace que este disco sea perfecto para escuchar a altas horas de la noche. El único inconveniente de este CD es la fea foto de la portada, que McPherson denunció como de muy mal gusto durante una entrevista en 2007.
https://www.allmusic.com/album/but-beautiful-mw0000351771

Charles McPherson • Manhattan Nocturne

 

Charles McPherson was born in Joplin, Missouri and moved to Detroit at age nine. After growing up in Detroit, he studied with the renowned pianist Barry Harris and started playing jazz professionally at age 19. He moved from Detroit to New York in 1959 and performed with Charles Mingus from 1960 to 1972. While performing with Mingus, he collaborated frequently with Harris, Lonnie Hillyer (trumpet), and George Coleman (tenor sax).

Mr. McPherson has performed at concerts and festivals with his own variety of groups, consisting of quartets, quintets to full orchestras. Charles was featured at Lincoln Center showcasing his original compositions 15 years ago, and once again joined Wynton Marsalis and J@LC Orchestra in April, 2019 honoring his 80th Birthday where they arranged and performed 7 of Charles’ iconic original compositions.  Charles has toured the U.S., Europe, Japan, Africa and South America with his own group, as well as with jazz greats Barry Harris, Billy Eckstine, Lionel Hampton, Nat Adderly, Jay McShann, Phil Woods, Wynton Marsalis, Tom Harrell, Randy Brecker, James Moody, Dizzy Gillespie, and others.

McPherson has recorded as guest artist with Charlie Mingus, Barry Harris, Art Farmer, Kenny Drew, Toshiko Akiyoshi, the Carnegie Hall Jazz Orchestra, and the Lincoln Center Jazz Orchestra with Wynton Marsalis. He has recorded as a leader on Prestige, Fantasy, Mainstream, Discovery, Xanadu, Arabesque, Capri and several smaller labels in Europe and Japan.

Charles was the featured alto saxophonist in the Clint Eastwood film “Bird,” a biopic about Charlie Parker. Charles has received numerous awards, including the prestigious Don Redman Lifetime Achievement Award and an Honorary Doctor of Fine Arts from California State University San Marcos. Charles performed this past April at the NEA Jazz Master’s 2019 performance during Stanley Crouch’s tribute.  Widely recognized as a prolific composer, Charles is now Resident Composer for the San Diego Ballet, where he has written three original suites for chamber music and jazz combos.  In the summer of 2019, Dr. Donnie Norton will compile the entire book of Charles’ compositions for publication.

McPherson remains a strong, viable force on the jazz scene today. Throughout his six decades of being an integral performer of the music, Charles has not merely remained true to his Be Bop origins but has expanded on them. Stanley Crouch says in his New York Times article on Charles, “he is a singular voice who has never sacrificed the fluidity of his melody making and is held in high esteem by musicians both long seasoned and young.” Charles is a frequent guest at universities all over the world and also teaches privately.  Many of his former students have gone on to have careers of their own in jazz, and have earned National Jazz Student Awards. Charles had the honor of being the subject of the Ph.D. candidate Dr. Donnie Norton’s Doctoral Dissertation: “The Jazz Saxophone Style of Charles McPherson: An Analysis through Biographical Examination and Solo Transcription.”
https://charlesmcpherson.com/bio/

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Charles McPherson nació en Joplin, Missouri y se mudó a Detroit a los nueve años. Después de crecer en Detroit, estudió con el renombrado pianista Barry Harris y comenzó a tocar jazz profesionalmente a los 19 años. Se mudó de Detroit a Nueva York en 1959 y actuó con Charles Mingus de 1960 a 1972. Mientras actuaba con Mingus, colaboró frecuentemente con Harris, Lonnie Hillyer (trompeta) y George Coleman (saxo tenor).

McPherson ha actuado en conciertos y festivales con su propia variedad de grupos, que consisten en cuartetos, quintetos y orquestas completas. Charles apareció en el Lincoln Center mostrando sus composiciones originales hace 15 años, y una vez más se unió a Wynton Marsalis y J@LC Orchestra en abril de 2019 en honor a su 80 cumpleaños, donde arreglaron e interpretaron 7 de las icónicas composiciones originales de Charles.  Charles ha realizado giras por Estados Unidos, Europa, Japón, África y Sudamérica con su propio grupo, así como con grandes del jazz Barry Harris, Billy Eckstine, Lionel Hampton, Nat Adderly, Jay McShann, Phil Woods, Wynton Marsalis, Tom Harrell, Randy Brecker, James Moody, Dizzy Gillespie y otros.

McPherson ha grabado como artista invitado con Charlie Mingus, Barry Harris, Art Farmer, Kenny Drew, Toshiko Akiyoshi, la Carnegie Hall Jazz Orchestra y la Lincoln Center Jazz Orchestra con Wynton Marsalis. Ha grabado como líder en Prestige, Fantasy, Mainstream, Discovery, Xanadu, Arabesque, Capri y varios sellos más pequeños en Europa y Japón.

Charles fue el saxofonista alto destacado en la película de Clint Eastwood "Bird", una película biográfica sobre Charlie Parker. Charles ha recibido numerosos premios, incluido el prestigioso premio Don Redman Lifetime Achievement Award y un Doctorado Honorario en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California en San Marcos. Charles actuó en abril pasado en la presentación de NEA Jazz Master 2019 durante el tributo de Stanley Crouch.  Ampliamente reconocido como un compositor prolífico, Charles es ahora compositor residente del Ballet de San Diego, donde ha escrito tres suites originales para música de cámara y combos de jazz.  En el verano de 2019, el Dr. Donnie Norton compilará el libro completo de las composiciones de Charles para su publicación.

McPherson sigue siendo una fuerza fuerte y viable en la escena del jazz de hoy. A lo largo de sus seis décadas de ser un intérprete integral de la música, Charles no solo se ha mantenido fiel a sus orígenes Be Bop, sino que se ha expandido sobre ellos. Stanley Crouch dice en su artículo del New York Times sobre Charles: "Es una voz singular que nunca ha sacrificado la fluidez de su melodía y es muy apreciada por músicos jóvenes y experimentados."Charles es un invitado frecuente en universidades de todo el mundo y también enseña en privado .   Muchos de sus antiguos alumnos han tenido carreras propias en el jazz y han ganado Premios Nacionales de Estudiantes de Jazz. Charles tuvo el honor de ser el tema de la Tesis Doctoral del candidato a doctorado Dr. Donnie Norton: "El Estilo de Saxofón de Jazz de Charles McPherson: Un Análisis a través del Examen Biográfico y la Transcripción Solista.”

https://charlesmcpherson.com/bio/

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