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Thursday, July 31, 2025
Friday, July 25, 2025
Sunday, February 9, 2025
Friday, January 31, 2025
Tom Scott • Great Scott!
Review
by Scott Yanow
This was one of Tom Scott's strongest albums of his career. Although there are commercial elements to the music, Scott is heard throughout in prime form, and several of the numbers are quite memorable. Scott roars on tenor during his catchy "Lookin' Out for Number Seven," and plays lyrical flute on Joni Mitchell's "Woodstock," and digs into John Coltrane's "Dahomey Dance." Among the notable sidemen are guitarist Howard Roberts, keyboardist Mike Wofford and guitarist Larry Carlton. On this album (which unfortunately is long out of print), Tom Scott for once perfectly balances the artistic and commercial aspects of his music and comes out with a near-classic offering.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450
///////
Reseña
por Scott Yanow
Este es uno de los discos más sólidos de la carrera de Tom Scott. Aunque hay elementos comerciales en la música, se escucha a Scott en plena forma, y varios de los números son bastante memorables. Scott ruge con el tenor en su pegadiza "Lookin' Out for Number Seven", toca la flauta lírica en "Woodstock" de Joni Mitchell y se adentra en "Dahomey Dance" de John Coltrane. Entre los músicos de acompañamiento destacan el guitarrista Howard Roberts, el teclista Mike Wofford y el guitarrista Larry Carlton. En este álbum (desgraciadamente descatalogado desde hace tiempo), Tom Scott logra por una vez un equilibrio perfecto entre los aspectos artísticos y comerciales de su música y presenta una obra casi clásica.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450
Wednesday, January 29, 2025
VA • This Is...Cult Fiction Royale
Review by James Christopher Monger
This
Is...Cult Fiction Royale collects 47 original television and film
themes from the '60s and '70s like "Theme from Space 1999," "Theme from
the Man from U.N.C.L.E.," "Theme from Dirty Harry" and "Theme from Get
Carter." Much of it is from the source material (directly from the films
and shows themselves), while others are from the original masters. Many
of these tracks are available elsewhere, but there are enough
obscurities to entice collectors of the genre.
https://www.allmusic.com/album/this-iscult-fiction-royale-mw0001272057
///////
Reseña de James Christopher Monger
This
Is...Cult Fiction Royale recopila 47 temas originales de televisión y
cine de los años 60 y 70 como "Theme from Space 1999", "Theme from the
Man from U.N.C.L.E.", "Theme from Dirty Harry" y "Theme from Get
Carter". Gran parte procede del material de origen (directamente de las
propias películas y series), mientras que otras son de los masters
originales. Muchos de estos temas están disponibles en otros lugares,
pero hay suficientes oscuridades para atraer a los coleccionistas del
género.
https://www.allmusic.com/album/this-iscult-fiction-royale-mw0001272057
Tuesday, January 21, 2025
Friday, December 13, 2024
Larry Carlton • Four Hands & A Heart Christmas
Using
the same technique and style from the Grammy nominated "Four Hands
& A Heart Volume One" Larry Carlton creates a unique composition of
classic Holiday songs that will put you in the Christmas spirit.
///////
Utilizando
la misma técnica y estilo del disco nominado al Grammy "Four Hands
& A Heart Volume One", Larry Carlton crea una composición única de
canciones navideñas clásicas que te contagiarán el espíritu navideño.
Thursday, December 5, 2024
Larry Carlton • At The Chestnut Cabaret
On August 30th, 1990, Larry Carlton performed at Chestnut Cabaret in Philadelphia, Pennsylvania. This performance was recorded from a live FM broadcast.
www.larrycarlton ...
Tuesday, October 1, 2024
Tuesday, September 17, 2024
T-Bone Walker • Very Rare
Biography:
Aaron Thibeaux Walker was born in Linden, Texas on Amy 28. 1910, his parents were both musicians and he was an only child. His nickname T-Bone came from a twist on his middle name, as his mother used to call him Tebow. He was raised in Dallas, exposed to music as a youngster by his stepfather, who taught him guitar, as well as ukulele, banjo, violin, mandolin, and piano. The house was a constant source of music and inspiration, and he played locally with his stepfather as street musicians. He spent a lot of time listening to the radio and records of blues artists like Leroy Carr and his guitarist Scrapper Blackwell, and would go see bluesman Lonnie Johnson live in the Dallas area. His major influence would be close family friend Blind Lemon Jefferson, who was always at the house. The young T-Bone was his protégé and would guide him around town for his gigs.
By the 1920’s he had become proficient enough as an all around performer that he was playing talent shows, carnivals, street parties, local dances, and with touring shows that rolled through town. He hooked up with several of these and one had blues singer Ida Cox on the bill. By age sixteen he was a professional, and was making a decent living playing music. In 1929 he won a talent show under the auspice of Cab Calloway, and joined his band briefly. This led to enough local recognition, for Columbia to record his “Trinity River Blues” and “Wichita Falls Blues” under the name of Oak Cliff T-Bone. This was a spin on his Dallas neighborhood at the time. He started a band named Lawson Brooks, playing all over the Dallas area, and also had a little pick up band with friend Charlie Christian. By 1933 he was touring non stop with various bands and revues, and moved to California in 1934. He would go on to state that he was hearing about and got into amplified guitar in California around 1935 which is in line with the development of the same. T-Bone developed a unique method of playing, in that he would hold the guitar slanting it away from him. While a member of the Les Hite Orchestra in 1939 he developed his long hornlike guitar style, and had become quite an accomplished vocalist. It was while with Les Hite that he would record “T-Bone Blues”, the song that would catapult him into a major star of the 1940’s and change the course of popular music.
T-Bone Walker performed full time during the early ‘40’s and with many bands, in 1942 he recorded “Mean Ole World” for Capitol, which could very well be the first modern blues record. This he followed with “Call It Stormy Monday”. This is his signature tune and has become a durable blues standard. He went on to record for Capitol in the 1946-47 period, in what would be known as West Coast Blues, which was a cooler more sophisticated sound than was coming out of Chicago, which was still based on the rural and folk blues idiom. T-Bone had refined the blues and given it a more harmonious jazz sensibility. These are available as “The Complete Capitol/Black and White Recordings” and are essential in the documentation of post war blues.
By 1950 T-Bone Walker started a five year recording contract with the Imperial label, which would further establish the modern blues, and solidified his reputation as the most prolific bluesman of his era. “The Complete Imperial Recordings 1950-1954” are a perfect showcase of his dominance of the material at hand. These sessions included jazz musicians, the level of performance is unrivaled, and is still referred to today as the primer on the way this music should be played.
As if that wasn’t enough, he was on a constant touring schedule, and was the most popular artist on the Rhythm and Blues circuit. He was a consummate showman and would put on a display of guitar gyrations and positions, and was the first guitar slinger. His stage antics would be imitated by many especially Chuck Berry.
It was in 1955 he went over to the Atlantic label and recorded for them for two years, going between LA and Chicago for the sessions. In the LA sides he was accompanied by Barney Kessel on guitar and his constant piano player Lloyd Glenn. The Chicago sessions are with some of Muddy Waters band members, and they didn’t really fit in with T-Bone’s style, as he was far more advanced musically. These are available as “T-Bone Blues”, and are lot of remakes of his earlier work.
T-Bone kept up his performing regimen throughout the ‘50’s and into the ‘60’s. By 1962 he was touring Europe as part of a Blues Festival and recorded with pianist Memphis Slim in Germany. He was back in Europe from ’64 to ’72 and was prominent in the Blues Revival of the late ‘60’s, so he was able to benefit from this new audience, but then again he was always in demand, and never had a problem with gigs.He performed and was recorded at the 1972 Montreaux Jazz festival. He played at the top clubs in the US and across Europe. There are also recordings for a variety of labels in this period, some are better than others. His work for the Black and Blue label in France is well recorded, but he was starting to slow down, and it was starting to show.He was awarded a Grammy in 1970 for his record “Good Feelin'”(Polydor). He did some final sessions around 1973 for Reprise called “Very Rare” with an all star lineup of musicians, which was in part a tribute album. He suffered in an automobile accident, and began bouts with illness in 1974 and was in and out of hospitals. He died of bronchial pneumonia on March 16, 1975.
T-Bone walker is a giant of the blues. His influence on guitar players as B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence “Gatemouth” Brown, Albert Collins, and then the whole generation that followed those, is his testament and legacy. He took the rural blues of Texas in the 1920’s amplified and electrified it, and nurtured it into a major musical genre. Along the way he further fused blues into jazz, and was a principal in the conception of rock and roll. He has been inducted into the Blues and also the Rock and Roll Halls of Fame. He is also in Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participated in and contributed to every development in American popular music in the last half of the twentieth century.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker
Aaron Thibeaux Walker was born in Linden, Texas on Amy 28. 1910, his parents were both musicians and he was an only child. His nickname T-Bone came from a twist on his middle name, as his mother used to call him Tebow. He was raised in Dallas, exposed to music as a youngster by his stepfather, who taught him guitar, as well as ukulele, banjo, violin, mandolin, and piano. The house was a constant source of music and inspiration, and he played locally with his stepfather as street musicians. He spent a lot of time listening to the radio and records of blues artists like Leroy Carr and his guitarist Scrapper Blackwell, and would go see bluesman Lonnie Johnson live in the Dallas area. His major influence would be close family friend Blind Lemon Jefferson, who was always at the house. The young T-Bone was his protégé and would guide him around town for his gigs.
By the 1920’s he had become proficient enough as an all around performer that he was playing talent shows, carnivals, street parties, local dances, and with touring shows that rolled through town. He hooked up with several of these and one had blues singer Ida Cox on the bill. By age sixteen he was a professional, and was making a decent living playing music. In 1929 he won a talent show under the auspice of Cab Calloway, and joined his band briefly. This led to enough local recognition, for Columbia to record his “Trinity River Blues” and “Wichita Falls Blues” under the name of Oak Cliff T-Bone. This was a spin on his Dallas neighborhood at the time. He started a band named Lawson Brooks, playing all over the Dallas area, and also had a little pick up band with friend Charlie Christian. By 1933 he was touring non stop with various bands and revues, and moved to California in 1934. He would go on to state that he was hearing about and got into amplified guitar in California around 1935 which is in line with the development of the same. T-Bone developed a unique method of playing, in that he would hold the guitar slanting it away from him. While a member of the Les Hite Orchestra in 1939 he developed his long hornlike guitar style, and had become quite an accomplished vocalist. It was while with Les Hite that he would record “T-Bone Blues”, the song that would catapult him into a major star of the 1940’s and change the course of popular music.
T-Bone Walker performed full time during the early ‘40’s and with many bands, in 1942 he recorded “Mean Ole World” for Capitol, which could very well be the first modern blues record. This he followed with “Call It Stormy Monday”. This is his signature tune and has become a durable blues standard. He went on to record for Capitol in the 1946-47 period, in what would be known as West Coast Blues, which was a cooler more sophisticated sound than was coming out of Chicago, which was still based on the rural and folk blues idiom. T-Bone had refined the blues and given it a more harmonious jazz sensibility. These are available as “The Complete Capitol/Black and White Recordings” and are essential in the documentation of post war blues.
By 1950 T-Bone Walker started a five year recording contract with the Imperial label, which would further establish the modern blues, and solidified his reputation as the most prolific bluesman of his era. “The Complete Imperial Recordings 1950-1954” are a perfect showcase of his dominance of the material at hand. These sessions included jazz musicians, the level of performance is unrivaled, and is still referred to today as the primer on the way this music should be played.
As if that wasn’t enough, he was on a constant touring schedule, and was the most popular artist on the Rhythm and Blues circuit. He was a consummate showman and would put on a display of guitar gyrations and positions, and was the first guitar slinger. His stage antics would be imitated by many especially Chuck Berry.
It was in 1955 he went over to the Atlantic label and recorded for them for two years, going between LA and Chicago for the sessions. In the LA sides he was accompanied by Barney Kessel on guitar and his constant piano player Lloyd Glenn. The Chicago sessions are with some of Muddy Waters band members, and they didn’t really fit in with T-Bone’s style, as he was far more advanced musically. These are available as “T-Bone Blues”, and are lot of remakes of his earlier work.
T-Bone kept up his performing regimen throughout the ‘50’s and into the ‘60’s. By 1962 he was touring Europe as part of a Blues Festival and recorded with pianist Memphis Slim in Germany. He was back in Europe from ’64 to ’72 and was prominent in the Blues Revival of the late ‘60’s, so he was able to benefit from this new audience, but then again he was always in demand, and never had a problem with gigs.He performed and was recorded at the 1972 Montreaux Jazz festival. He played at the top clubs in the US and across Europe. There are also recordings for a variety of labels in this period, some are better than others. His work for the Black and Blue label in France is well recorded, but he was starting to slow down, and it was starting to show.He was awarded a Grammy in 1970 for his record “Good Feelin'”(Polydor). He did some final sessions around 1973 for Reprise called “Very Rare” with an all star lineup of musicians, which was in part a tribute album. He suffered in an automobile accident, and began bouts with illness in 1974 and was in and out of hospitals. He died of bronchial pneumonia on March 16, 1975.
T-Bone walker is a giant of the blues. His influence on guitar players as B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence “Gatemouth” Brown, Albert Collins, and then the whole generation that followed those, is his testament and legacy. He took the rural blues of Texas in the 1920’s amplified and electrified it, and nurtured it into a major musical genre. Along the way he further fused blues into jazz, and was a principal in the conception of rock and roll. He has been inducted into the Blues and also the Rock and Roll Halls of Fame. He is also in Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participated in and contributed to every development in American popular music in the last half of the twentieth century.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker
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Biografía:
Aaron Thibeaux Walker nació en Linden, Texas, el 28 de abril. 1910, sus padres eran ambos músicos y él era hijo único. Su apodo T-Bone proviene de un giro en su segundo nombre, ya que su madre lo llamaba Tebow. Fue criado en Dallas, expuesto a la música de joven por su padrastro, quien le enseñó guitarra, así como ukelele, banjo, violín, mandolina y piano. La casa era una fuente constante de música e inspiración, y tocaba localmente con su padrastro como músicos callejeros. Pasaba mucho tiempo escuchando la radio y los discos de artistas de blues como Leroy Carr y su guitarrista Scrapper Blackwell, e iba a ver al bluesman Lonnie Johnson en vivo en el área de Dallas. Su mayor influencia sería el amigo cercano de la familia, Blind Lemon Jefferson, que siempre estaba en la casa. El joven T-Bone era su protegido y lo guiaba por la ciudad en sus actuaciones.
En la década de 1920 se había convertido en un intérprete lo suficientemente competente como para tocar en espectáculos de talentos, carnavales, fiestas callejeras, bailes locales, y con espectáculos en gira que se desarrollaban por toda la ciudad. Se enganchó con varios de estos y uno de ellos tenía a la cantante de blues Ida Cox en el programa. A los dieciséis años ya era un profesional, y se ganaba la vida decentemente tocando música. En 1929 ganó un concurso de talentos bajo el auspicio de Cab Calloway, y se unió brevemente a su banda. Esto condujo a suficiente reconocimiento local, para que Columbia grabara su "Trinity River Blues" y "Wichita Falls Blues" bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone. Esto fue un giro en su vecindario de Dallas en ese momento. Empezó una banda llamada Lawson Brooks, que tocaba por todo el área de Dallas, y también tenía una pequeña banda con su amigo Charlie Christian. En 1933 estaba de gira sin parar con varias bandas y revistas, y se mudó a California en 1934. Continuaría con la declaración que estaba escuchando y se metió en la guitarra amplificada en California alrededor de 1935, lo que está en línea con el desarrollo de la misma. T-Bone desarrolló un método único de tocar, en el que sostenía la guitarra inclinándola lejos de él. Mientras era miembro de la Orquesta Les Hite en 1939 desarrolló su estilo de guitarra de trompa larga, y se había convertido en un vocalista bastante consumado. Fue mientras estaba con Les Hite que grabó "T-Bone Blues", la canción que lo catapultó a una estrella de los años 40 y cambió el curso de la música popular.
T-Bone Walker actuó a tiempo completo a principios de los 40 y con muchas bandas, en 1942 grabó "Mean Ole World" para Capitol, que bien podría ser el primer disco de blues moderno. A esto le siguió "Call It Stormy Monday". Esta es su melodía característica y se ha convertido en un estándar de blues duradero. Siguió grabando para Capitol en el período 1946-47, en lo que se conocería como West Coast Blues, que era un sonido más fresco y sofisticado que el que salía de Chicago, que todavía se basaba en el lenguaje del blues rural y folclórico. T-Bone había refinado el blues y le había dado una sensibilidad de jazz más armoniosa. Estas están disponibles como "The Complete Capitol/Black and White Recordings" y son esenciales en la documentación del blues de la posguerra.
En 1950 T-Bone Walker comenzó un contrato de grabación de cinco años con el sello Imperial, que establecería aún más el blues moderno, y solidificó su reputación como el bluesman más prolífico de su época. "The Complete Imperial Recordings 1950-1954" son una muestra perfecta de su dominio del material a mano. Estas sesiones incluían a músicos de jazz, el nivel de ejecución es inigualable, y aún hoy en día se le llama la introducción a la forma en que esta música debe ser tocada.
Como si eso no fuera suficiente, estaba en una constante agenda de giras, y era el artista más popular en el circuito de Rhythm and Blues. Era un consumado showman y ponía una muestra de giros y posiciones de guitarra, y fue el primer guitarrista. Sus payasadas en el escenario serían imitadas por muchos, especialmente por Chuck Berry.
Fue en 1955 cuando fue a la discográfica Atlantic y grabó para ellos durante dos años, yendo entre Los Ángeles y Chicago para las sesiones. En los lados de Los Ángeles le acompañaban Barney Kessel en la guitarra y su constante pianista Lloyd Glenn. Las sesiones de Chicago son con algunos de los miembros de la banda de Muddy Waters, y no encajaban con el estilo de T-Bone, ya que él estaba mucho más avanzado musicalmente. Estas están disponibles como "T-Bone Blues", y son un montón de remakes de su trabajo anterior.
T-Bone mantuvo su régimen de actuación a lo largo de los años 50 y 60. En 1962 estaba de gira por Europa como parte de un Festival de Blues y grabó con el pianista Memphis Slim en Alemania. Regresó a Europa del 64 al 72 y participó en el Blues Revival de finales de los años 60, por lo que pudo beneficiarse de este nuevo público, pero siempre fue muy solicitado y nunca tuvo problemas con los conciertos. Tocó en los principales clubes de los EE.UU. y en toda Europa. También hay grabaciones para una variedad de sellos en este período, algunas son mejores que otras. Su trabajo para el sello Black and Blue en Francia está bien grabado, pero estaba empezando a bajar el ritmo y se estaba empezando a notar. Fue galardonado con un Grammy en 1970 por su disco "Good Feelin'" (Polydor). Hizo algunas sesiones finales alrededor de 1973 para Reprise llamadas "Very Rare" con una alineación de estrellas de la música, que fue en parte un álbum tributo. Sufrió un accidente automovilístico, y empezó a tener brotes de enfermedad en 1974, entrando y saliendo de los hospitales. Murió de neumonía bronquial el 16 de marzo de 1975.
T-Bone Walker es un gigante del blues. Su influencia en guitarristas como B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence "Gatemouth" Brown, Albert Collins, y luego en toda la generación que los siguió, es su testamento y legado. Tomó el blues rural de Texas en los años 20, lo amplificó y electrificó, y lo nutrió para convertirlo en un género musical importante. A lo largo del camino fusionó aún más el blues con el jazz, y fue uno de los principales en la concepción del rock and roll. Fue introducido en el Blues y también en el Rock and Roll Halls of Fame. También está en el Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participó y contribuyó a todos los desarrollos de la música popular americana en la última mitad del siglo XX.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker
Aaron Thibeaux Walker nació en Linden, Texas, el 28 de abril. 1910, sus padres eran ambos músicos y él era hijo único. Su apodo T-Bone proviene de un giro en su segundo nombre, ya que su madre lo llamaba Tebow. Fue criado en Dallas, expuesto a la música de joven por su padrastro, quien le enseñó guitarra, así como ukelele, banjo, violín, mandolina y piano. La casa era una fuente constante de música e inspiración, y tocaba localmente con su padrastro como músicos callejeros. Pasaba mucho tiempo escuchando la radio y los discos de artistas de blues como Leroy Carr y su guitarrista Scrapper Blackwell, e iba a ver al bluesman Lonnie Johnson en vivo en el área de Dallas. Su mayor influencia sería el amigo cercano de la familia, Blind Lemon Jefferson, que siempre estaba en la casa. El joven T-Bone era su protegido y lo guiaba por la ciudad en sus actuaciones.
En la década de 1920 se había convertido en un intérprete lo suficientemente competente como para tocar en espectáculos de talentos, carnavales, fiestas callejeras, bailes locales, y con espectáculos en gira que se desarrollaban por toda la ciudad. Se enganchó con varios de estos y uno de ellos tenía a la cantante de blues Ida Cox en el programa. A los dieciséis años ya era un profesional, y se ganaba la vida decentemente tocando música. En 1929 ganó un concurso de talentos bajo el auspicio de Cab Calloway, y se unió brevemente a su banda. Esto condujo a suficiente reconocimiento local, para que Columbia grabara su "Trinity River Blues" y "Wichita Falls Blues" bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone. Esto fue un giro en su vecindario de Dallas en ese momento. Empezó una banda llamada Lawson Brooks, que tocaba por todo el área de Dallas, y también tenía una pequeña banda con su amigo Charlie Christian. En 1933 estaba de gira sin parar con varias bandas y revistas, y se mudó a California en 1934. Continuaría con la declaración que estaba escuchando y se metió en la guitarra amplificada en California alrededor de 1935, lo que está en línea con el desarrollo de la misma. T-Bone desarrolló un método único de tocar, en el que sostenía la guitarra inclinándola lejos de él. Mientras era miembro de la Orquesta Les Hite en 1939 desarrolló su estilo de guitarra de trompa larga, y se había convertido en un vocalista bastante consumado. Fue mientras estaba con Les Hite que grabó "T-Bone Blues", la canción que lo catapultó a una estrella de los años 40 y cambió el curso de la música popular.
T-Bone Walker actuó a tiempo completo a principios de los 40 y con muchas bandas, en 1942 grabó "Mean Ole World" para Capitol, que bien podría ser el primer disco de blues moderno. A esto le siguió "Call It Stormy Monday". Esta es su melodía característica y se ha convertido en un estándar de blues duradero. Siguió grabando para Capitol en el período 1946-47, en lo que se conocería como West Coast Blues, que era un sonido más fresco y sofisticado que el que salía de Chicago, que todavía se basaba en el lenguaje del blues rural y folclórico. T-Bone había refinado el blues y le había dado una sensibilidad de jazz más armoniosa. Estas están disponibles como "The Complete Capitol/Black and White Recordings" y son esenciales en la documentación del blues de la posguerra.
En 1950 T-Bone Walker comenzó un contrato de grabación de cinco años con el sello Imperial, que establecería aún más el blues moderno, y solidificó su reputación como el bluesman más prolífico de su época. "The Complete Imperial Recordings 1950-1954" son una muestra perfecta de su dominio del material a mano. Estas sesiones incluían a músicos de jazz, el nivel de ejecución es inigualable, y aún hoy en día se le llama la introducción a la forma en que esta música debe ser tocada.
Como si eso no fuera suficiente, estaba en una constante agenda de giras, y era el artista más popular en el circuito de Rhythm and Blues. Era un consumado showman y ponía una muestra de giros y posiciones de guitarra, y fue el primer guitarrista. Sus payasadas en el escenario serían imitadas por muchos, especialmente por Chuck Berry.
Fue en 1955 cuando fue a la discográfica Atlantic y grabó para ellos durante dos años, yendo entre Los Ángeles y Chicago para las sesiones. En los lados de Los Ángeles le acompañaban Barney Kessel en la guitarra y su constante pianista Lloyd Glenn. Las sesiones de Chicago son con algunos de los miembros de la banda de Muddy Waters, y no encajaban con el estilo de T-Bone, ya que él estaba mucho más avanzado musicalmente. Estas están disponibles como "T-Bone Blues", y son un montón de remakes de su trabajo anterior.
T-Bone mantuvo su régimen de actuación a lo largo de los años 50 y 60. En 1962 estaba de gira por Europa como parte de un Festival de Blues y grabó con el pianista Memphis Slim en Alemania. Regresó a Europa del 64 al 72 y participó en el Blues Revival de finales de los años 60, por lo que pudo beneficiarse de este nuevo público, pero siempre fue muy solicitado y nunca tuvo problemas con los conciertos. Tocó en los principales clubes de los EE.UU. y en toda Europa. También hay grabaciones para una variedad de sellos en este período, algunas son mejores que otras. Su trabajo para el sello Black and Blue en Francia está bien grabado, pero estaba empezando a bajar el ritmo y se estaba empezando a notar. Fue galardonado con un Grammy en 1970 por su disco "Good Feelin'" (Polydor). Hizo algunas sesiones finales alrededor de 1973 para Reprise llamadas "Very Rare" con una alineación de estrellas de la música, que fue en parte un álbum tributo. Sufrió un accidente automovilístico, y empezó a tener brotes de enfermedad en 1974, entrando y saliendo de los hospitales. Murió de neumonía bronquial el 16 de marzo de 1975.
T-Bone Walker es un gigante del blues. Su influencia en guitarristas como B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence "Gatemouth" Brown, Albert Collins, y luego en toda la generación que los siguió, es su testamento y legado. Tomó el blues rural de Texas en los años 20, lo amplificó y electrificó, y lo nutrió para convertirlo en un género musical importante. A lo largo del camino fusionó aún más el blues con el jazz, y fue uno de los principales en la concepción del rock and roll. Fue introducido en el Blues y también en el Rock and Roll Halls of Fame. También está en el Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participó y contribuyó a todos los desarrollos de la música popular americana en la última mitad del siglo XX.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker
Friday, September 13, 2024
Saturday, August 10, 2024
VA • Verve Jazzclub - Jazz For The Road
Ramsey Lewis, Jeff Golub, Roy Ayers, Wes Montgomery, Lee Ritenour, Kenny Burrell, Quincy Jones, eorge Benson, Larry Carlton ...
Wednesday, August 7, 2024
Larry Carlton & Robben Ford • Unplugged
The
New Morning club in Paris presents the incredible – and long awaited –
pairing of two guitar giants for their first Unplugged show. Imagine:
Larry Carlton and Special Guest Robben Ford, two legendary guitarists…
one stage unplugged… a guitar lover’s dream! This unique pairing of two
all-time great guitar legends delivers an unforgettable evening of
dueling guitar solos and an uncompromising evening of The Blues
performed the way it was meant to be.
https://www.jazzmessengers.com/es/17303/larry-carlton/unplugged-the-paris-concert
///////
El
club New Morning de París presenta la increíble -y largamente esperada-
pareja de dos gigantes de la guitarra para su primer espectáculo
Unplugged. Imagínatelo: Larry Carlton y su invitado especial Robben
Ford, dos guitarristas legendarios... un escenario desenchufado... ¡el
sueño de cualquier amante de la guitarra! Este emparejamiento único de
dos grandes leyendas de la guitarra de todos los tiempos ofrece una
velada inolvidable de duelos de solos de guitarra y una noche sin
concesiones de Blues interpretado como debe ser.
https://www.jazzmessengers.com/es/17303/larry-carlton/unplugged-the-paris-concert
www.larrycarlton ...
www.robbenford.com ...
Sunday, August 4, 2024
Larry Carlton • Sleepwalk
Review
by Robert Taylor
Sleepwalk
is slightly better than Strikes Twice thanks in part to the absence of
Larry Carlton's toneless singing. "Last Nite" and "10:00 P.M." have
become staples in Carlton's live set. The legendary Carlton feel is
evident throughout this session, but "Blues Bird" stands as the
high-water mark. "Sleepwalk" is played beautifully, almost preventing
the listener from noticing the sap-heavy strings in the background.
Carlton's faceless rhythm section does little to enhance the music (as
is usually the case with his solo efforts), but his playing more than
makes up for this. Despite sounding a bit dated, this is still worth
exploring, especially for guitarists.
https://www.allmusic.com/album/sleepwalk-mw0000652918
///////
Reseña
por Robert Taylor
Sleepwalk
es ligeramente mejor que Strikes Twice gracias, en parte, a la ausencia
de la tonalidad de Larry Carlton al cantar. "Last Nite" y "10:00 P.M."
se han convertido en elementos básicos del directo de Carlton. El
legendario sentimiento de Carlton es evidente a lo largo de esta sesión,
pero "Blues Bird" es el punto culminante. "Sleepwalk" se interpreta
maravillosamente, casi impidiendo que el oyente se percate de las
cuerdas de fondo. La sección rítmica sin rostro de Carlton hace poco
para mejorar la música (como suele ser el caso de sus esfuerzos en
solitario), pero su forma de tocar lo compensa con creces. A pesar de
sonar un poco anticuado, sigue mereciendo la pena explorarlo,
especialmente para los guitarristas.
https://www.allmusic.com/album/sleepwalk-mw0000652918
Thursday, August 1, 2024
Thursday, July 11, 2024
The Jazz Crusaders • The 2nd Crusade
In 1961, four fellows from Houston transplanted themselves to Los Angeles and added more distinctly bluesy elements to the soul jazz style with an ear-grabbing album called “The Freedom Sound,” on the Pacific Jazz label. Its four co-leaders were trombonist Wayne Henderson, tenor saxophonist (and occasional bassist) Wilton Felder, pianist Joe Sample, and drummer Nesbert “Stix” Hooper.
They first joined together in Houston in the fifties with the formation of The Swingsters, the group’s embracing of many different musical styles starts where it normally does, at the beginning. “Because we came up on the streets and not in the studios,” says Felder, “our music was live. The Texas streets were rich with the blues of Lightnin’ Hopkins. We grew up on all the deep country sounds. At the same time, we had ears for modern jazz”Miles and Monk”and never saw a contradiction between the old and new.” It’s no surprise, then, that once in senior high, The Swingsters became The Modern Jazz Sextet, a group that continued through their college years at Texas Southern University. Before graduation, though, the call of the road was irresistible, and they were off to L.A.
Two years later, in 1960, the group was signed to Pacific Jazz Records and re-christened The Jazz Crusaders. Their trombone/sax frontline sound was unique, their bop chops impeccable. In a series of superlative albums, The Jazz Crusaders built a national reputation, surviving a decade in which the popularity of jazz was in extreme decline. On one hand, the British Invasion and Motown dominated the youth market; on the other, the jazz avant-garde alienated scores of fans.
The Jazz Crusaders sound caught on big time, and their subsequent Pacific Jazz albums rewarded them with a good deal of exposure. The band performed regularly and got plenty of airplay. But as times changed, so did the Jazz Crusaders. In the late Sixties, they placed popular songs in their repertoire, and firm backbeats began to bolster many a selection. By 1971, they decided that the word “jazz” kept them from attracting a wider listener base, and so they emerged anew with “The Crusaders, Vol. 1,” (Chisa), an album that openly infused jazz with pop, soul, and R&B elements.
If the Jazz Crusaders had achieved some degree of popularity, it was nothing like the crossover success that greeted the Crusaders. Such albums as “Scratch,” “Southern Comfort,” “Chain Reaction,” “Those Southern Knights,” “Free as the Wind,” “Images, Street Life,” and “Royal Jam” (recorded variously for the Chisa, ABC Blue Thumb, and MCA labels) sold well and brought in a deluge of new fans. Street Life’s title track, with Randy Crawford on vocals, provided the Crusaders with a major crossover hit in 1979.
The Crusaders’ popularity started to fade in the early Eighties, prompted by Henderson’s departure. Hooper then left as well, and by the early ‘90’s, Sample and Felder had disbanded the group.
A few years later, Henderson and Felder began performing together, first as the New Crusaders and then, as the Jazz Crusaders. Henderson was able to hold on to the name Jazz Crusaders and is still touring under that name.
They reunited after a 20-year absence, and in 2003, Verve Records released “Rural Renewal.” This record featured the heart of the original Crusaders lineup;Joe Sample on keys, Wilton Felder on saxophone, and Stix Hooper on drums, along with trombonist Steve Baxter, in Wayne Henderson’s former spot. Also on board was Stewart Levine, the producer credited for The Crusaders’ major successes in the 1960s and 1970s.
Henderson and Felder both went on to have solid solo careers both as performers and producers. Hooper likewise remained active though not as visible as the others.Joe Sample of course has gone on to become a first call pianist and has produced a score of fine albums as leader as well.
Even during the days of commercial success, the Crusaders had at their core a note of integrity. Though many will judge them for their latter more popular period, they are recognized by jazz aficionados for their work in the early ‘60’s as the Jazz Crusaders.
The young musicians performed their own mix of the sounds that came out of their culture and their experiences. It was only when they were signed to Pacific Jazz that they adopted the name that would remain unchanged for a decade.
From their first recordings, The Jazz Crusaders proved they sounded like no one else. They took as their foundation what Sample called the three pillars of African American music: jazz, blues and gospel. In fact, part of what makes The Jazz Crusaders' music through the decade of the 1960s so appealing is that their background and musical influences seemed to put them on a course of musical discovery, seeking ways to apply the art of self expression and improvisation to their own compositions and to a wide repertoire from the jazz and pop worlds.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders
They first joined together in Houston in the fifties with the formation of The Swingsters, the group’s embracing of many different musical styles starts where it normally does, at the beginning. “Because we came up on the streets and not in the studios,” says Felder, “our music was live. The Texas streets were rich with the blues of Lightnin’ Hopkins. We grew up on all the deep country sounds. At the same time, we had ears for modern jazz”Miles and Monk”and never saw a contradiction between the old and new.” It’s no surprise, then, that once in senior high, The Swingsters became The Modern Jazz Sextet, a group that continued through their college years at Texas Southern University. Before graduation, though, the call of the road was irresistible, and they were off to L.A.
Two years later, in 1960, the group was signed to Pacific Jazz Records and re-christened The Jazz Crusaders. Their trombone/sax frontline sound was unique, their bop chops impeccable. In a series of superlative albums, The Jazz Crusaders built a national reputation, surviving a decade in which the popularity of jazz was in extreme decline. On one hand, the British Invasion and Motown dominated the youth market; on the other, the jazz avant-garde alienated scores of fans.
The Jazz Crusaders sound caught on big time, and their subsequent Pacific Jazz albums rewarded them with a good deal of exposure. The band performed regularly and got plenty of airplay. But as times changed, so did the Jazz Crusaders. In the late Sixties, they placed popular songs in their repertoire, and firm backbeats began to bolster many a selection. By 1971, they decided that the word “jazz” kept them from attracting a wider listener base, and so they emerged anew with “The Crusaders, Vol. 1,” (Chisa), an album that openly infused jazz with pop, soul, and R&B elements.
If the Jazz Crusaders had achieved some degree of popularity, it was nothing like the crossover success that greeted the Crusaders. Such albums as “Scratch,” “Southern Comfort,” “Chain Reaction,” “Those Southern Knights,” “Free as the Wind,” “Images, Street Life,” and “Royal Jam” (recorded variously for the Chisa, ABC Blue Thumb, and MCA labels) sold well and brought in a deluge of new fans. Street Life’s title track, with Randy Crawford on vocals, provided the Crusaders with a major crossover hit in 1979.
The Crusaders’ popularity started to fade in the early Eighties, prompted by Henderson’s departure. Hooper then left as well, and by the early ‘90’s, Sample and Felder had disbanded the group.
A few years later, Henderson and Felder began performing together, first as the New Crusaders and then, as the Jazz Crusaders. Henderson was able to hold on to the name Jazz Crusaders and is still touring under that name.
They reunited after a 20-year absence, and in 2003, Verve Records released “Rural Renewal.” This record featured the heart of the original Crusaders lineup;Joe Sample on keys, Wilton Felder on saxophone, and Stix Hooper on drums, along with trombonist Steve Baxter, in Wayne Henderson’s former spot. Also on board was Stewart Levine, the producer credited for The Crusaders’ major successes in the 1960s and 1970s.
Henderson and Felder both went on to have solid solo careers both as performers and producers. Hooper likewise remained active though not as visible as the others.Joe Sample of course has gone on to become a first call pianist and has produced a score of fine albums as leader as well.
Even during the days of commercial success, the Crusaders had at their core a note of integrity. Though many will judge them for their latter more popular period, they are recognized by jazz aficionados for their work in the early ‘60’s as the Jazz Crusaders.
The young musicians performed their own mix of the sounds that came out of their culture and their experiences. It was only when they were signed to Pacific Jazz that they adopted the name that would remain unchanged for a decade.
From their first recordings, The Jazz Crusaders proved they sounded like no one else. They took as their foundation what Sample called the three pillars of African American music: jazz, blues and gospel. In fact, part of what makes The Jazz Crusaders' music through the decade of the 1960s so appealing is that their background and musical influences seemed to put them on a course of musical discovery, seeking ways to apply the art of self expression and improvisation to their own compositions and to a wide repertoire from the jazz and pop worlds.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders
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En 1961, cuatro compañeros de Houston se trasladaron a Los Ángeles y añadieron elementos más claramente blueseros al estilo del soul jazz con un álbum muy atractivo llamado "The Freedom Sound", en el sello Pacific Jazz. Sus cuatro colíderes eran el trombonista Wayne Henderson, el saxofonista tenor (y bajista ocasional) Wilton Felder, el pianista Joe Sample y el baterista Nesbert "Stix" Hooper.
Se juntaron por primera vez en Houston en los años cincuenta con la formación de The Swingsters, y el hecho de que el grupo abarcara muchos estilos musicales diferentes comienza donde normalmente lo hace, al principio. "Como surgimos en las calles y no en los estudios", dice Felder, "nuestra música era en vivo. En las calles de Texas abundaba el blues de Lightnin' Hopkins. Crecimos con todos los sonidos profundos del country. Al mismo tiempo, teníamos oídos para el jazz moderno "Miles y Monk"y nunca vimos una contradicción entre lo viejo y lo nuevo." No es de extrañar, por tanto, que una vez en el último año de instituto, The Swingsters se convirtieran en The Modern Jazz Sextet, grupo que continuó durante sus años universitarios en la Texas Southern University. Sin embargo, antes de graduarse, la llamada de la carretera fue irresistible y se fueron a Los Ángeles.
Dos años más tarde, en 1960, el grupo fue contratado por Pacific Jazz Records y rebautizado como The Jazz Crusaders. Su sonido de trombón y saxo en primera línea era único, y sus habilidades de bop, impecables. En una serie de álbumes superlativos, The Jazz Crusaders se forjó una reputación nacional, sobreviviendo a una década en la que la popularidad del jazz estaba en extremo declive. Por un lado, la Invasión Británica y la Motown dominaban el mercado juvenil; por otro, la vanguardia del jazz alejaba a decenas de aficionados.
El sonido de The Jazz Crusaders caló hondo, y sus siguientes álbumes de Pacific Jazz les recompensaron con una buena exposición. El grupo actuaba con regularidad y tenía mucha difusión. Pero a medida que los tiempos cambiaban, también lo hacían los Jazz Crusaders. A finales de los años sesenta, incluyeron canciones populares en su repertorio, y los firmes ritmos de fondo comenzaron a reforzar muchas selecciones. En 1971, decidieron que la palabra "jazz" les impedía atraer a una base de oyentes más amplia, por lo que surgieron de nuevo con "The Crusaders, Vol. 1" (Chisa), un álbum que infundía abiertamente el jazz con elementos de pop, soul y R&B.
Si los Jazz Crusaders alcanzaron cierto grado de popularidad, no fue nada parecido al éxito transversal que recibieron los Crusaders. Álbumes como "Scratch", "Southern Comfort", "Chain Reaction", "Those Southern Knights", "Free as the Wind", "Images, Street Life" y "Royal Jam" (grabados para los sellos Chisa, ABC Blue Thumb y MCA) se vendieron bien y atrajeron a un aluvión de nuevos fans. El tema que da título a Street Life, con Randy Crawford a la voz, proporcionó a los Crusaders un gran éxito de difusión en 1979.
La popularidad de los Crusaders empezó a desvanecerse a principios de los ochenta, provocada por la marcha de Henderson. Hooper también se marchó, y a principios de los 90, Sample y Felder habían disuelto el grupo.
Unos años más tarde, Henderson y Felder empezaron a actuar juntos, primero como los New Crusaders y luego como los Jazz Crusaders. Henderson consiguió mantener el nombre de Jazz Crusaders y sigue haciendo giras con ese nombre.
Se reunieron después de 20 años de ausencia, y en 2003, Verve Records publicó "Rural Renewal". Este disco contó con el corazón de la formación original de los Crusaders; Joe Sample a las teclas, Wilton Felder al saxofón y Stix Hooper a la batería, junto con el trombonista Steve Baxter, en el antiguo lugar de Wayne Henderson. También se incorporó Stewart Levine, el productor al que se atribuyen los grandes éxitos de The Crusaders en los años 60 y 70.
Henderson y Felder siguieron una sólida carrera en solitario, tanto como intérpretes como productores. Joe Sample, por supuesto, se ha convertido en un pianista de primera fila y ha producido una veintena de buenos álbumes como líder.
Incluso durante los días de éxito comercial, los Crusaders tenían en su núcleo una nota de integridad. Aunque muchos los juzgarán por su último periodo más popular, los aficionados al jazz los reconocen por su trabajo a principios de los 60 como los Jazz Crusaders.
Los jóvenes músicos interpretaban su propia mezcla de los sonidos que surgían de su cultura y sus experiencias. Sólo cuando fueron contratados por Pacific Jazz adoptaron el nombre que permanecería inalterado durante una década.
Desde sus primeras grabaciones, The Jazz Crusaders demostraron que sonaban como nadie. Tomaron como base lo que Sample denominó los tres pilares de la música afroamericana: el jazz, el blues y el gospel. De hecho, parte de lo que hace que la música de The Jazz Crusaders a lo largo de la década de los 60 sea tan atractiva es que sus antecedentes e influencias musicales parecían ponerles en un camino de descubrimiento musical, buscando formas de aplicar el arte de la autoexpresión y la improvisación a sus propias composiciones y a un amplio repertorio del mundo del jazz y el pop.
https://musicians.allaboutjazz.com/jazzcrusaders
Se juntaron por primera vez en Houston en los años cincuenta con la formación de The Swingsters, y el hecho de que el grupo abarcara muchos estilos musicales diferentes comienza donde normalmente lo hace, al principio. "Como surgimos en las calles y no en los estudios", dice Felder, "nuestra música era en vivo. En las calles de Texas abundaba el blues de Lightnin' Hopkins. Crecimos con todos los sonidos profundos del country. Al mismo tiempo, teníamos oídos para el jazz moderno "Miles y Monk"y nunca vimos una contradicción entre lo viejo y lo nuevo." No es de extrañar, por tanto, que una vez en el último año de instituto, The Swingsters se convirtieran en The Modern Jazz Sextet, grupo que continuó durante sus años universitarios en la Texas Southern University. Sin embargo, antes de graduarse, la llamada de la carretera fue irresistible y se fueron a Los Ángeles.
Dos años más tarde, en 1960, el grupo fue contratado por Pacific Jazz Records y rebautizado como The Jazz Crusaders. Su sonido de trombón y saxo en primera línea era único, y sus habilidades de bop, impecables. En una serie de álbumes superlativos, The Jazz Crusaders se forjó una reputación nacional, sobreviviendo a una década en la que la popularidad del jazz estaba en extremo declive. Por un lado, la Invasión Británica y la Motown dominaban el mercado juvenil; por otro, la vanguardia del jazz alejaba a decenas de aficionados.
El sonido de The Jazz Crusaders caló hondo, y sus siguientes álbumes de Pacific Jazz les recompensaron con una buena exposición. El grupo actuaba con regularidad y tenía mucha difusión. Pero a medida que los tiempos cambiaban, también lo hacían los Jazz Crusaders. A finales de los años sesenta, incluyeron canciones populares en su repertorio, y los firmes ritmos de fondo comenzaron a reforzar muchas selecciones. En 1971, decidieron que la palabra "jazz" les impedía atraer a una base de oyentes más amplia, por lo que surgieron de nuevo con "The Crusaders, Vol. 1" (Chisa), un álbum que infundía abiertamente el jazz con elementos de pop, soul y R&B.
Si los Jazz Crusaders alcanzaron cierto grado de popularidad, no fue nada parecido al éxito transversal que recibieron los Crusaders. Álbumes como "Scratch", "Southern Comfort", "Chain Reaction", "Those Southern Knights", "Free as the Wind", "Images, Street Life" y "Royal Jam" (grabados para los sellos Chisa, ABC Blue Thumb y MCA) se vendieron bien y atrajeron a un aluvión de nuevos fans. El tema que da título a Street Life, con Randy Crawford a la voz, proporcionó a los Crusaders un gran éxito de difusión en 1979.
La popularidad de los Crusaders empezó a desvanecerse a principios de los ochenta, provocada por la marcha de Henderson. Hooper también se marchó, y a principios de los 90, Sample y Felder habían disuelto el grupo.
Unos años más tarde, Henderson y Felder empezaron a actuar juntos, primero como los New Crusaders y luego como los Jazz Crusaders. Henderson consiguió mantener el nombre de Jazz Crusaders y sigue haciendo giras con ese nombre.
Se reunieron después de 20 años de ausencia, y en 2003, Verve Records publicó "Rural Renewal". Este disco contó con el corazón de la formación original de los Crusaders; Joe Sample a las teclas, Wilton Felder al saxofón y Stix Hooper a la batería, junto con el trombonista Steve Baxter, en el antiguo lugar de Wayne Henderson. También se incorporó Stewart Levine, el productor al que se atribuyen los grandes éxitos de The Crusaders en los años 60 y 70.
Henderson y Felder siguieron una sólida carrera en solitario, tanto como intérpretes como productores. Joe Sample, por supuesto, se ha convertido en un pianista de primera fila y ha producido una veintena de buenos álbumes como líder.
Incluso durante los días de éxito comercial, los Crusaders tenían en su núcleo una nota de integridad. Aunque muchos los juzgarán por su último periodo más popular, los aficionados al jazz los reconocen por su trabajo a principios de los 60 como los Jazz Crusaders.
Los jóvenes músicos interpretaban su propia mezcla de los sonidos que surgían de su cultura y sus experiencias. Sólo cuando fueron contratados por Pacific Jazz adoptaron el nombre que permanecería inalterado durante una década.
Desde sus primeras grabaciones, The Jazz Crusaders demostraron que sonaban como nadie. Tomaron como base lo que Sample denominó los tres pilares de la música afroamericana: el jazz, el blues y el gospel. De hecho, parte de lo que hace que la música de The Jazz Crusaders a lo largo de la década de los 60 sea tan atractiva es que sus antecedentes e influencias musicales parecían ponerles en un camino de descubrimiento musical, buscando formas de aplicar el arte de la autoexpresión y la improvisación a sus propias composiciones y a un amplio repertorio del mundo del jazz y el pop.
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Friday, July 5, 2024
VA • Most Romantic Jazz Guitar
Larry Carlton, Lee Ritenour, George Benson, John Scofield, Pat Martino, Pat Metheny, Russell Malone, Rodney Jones, Herb Ellis, Jim Hall, Jimmy Raney, Wes Montgomery ...
Friday, June 28, 2024
Tuesday, June 11, 2024
Tal Farlow-John Abercrombie-Larry Carlton-Larry Coryell-John Scofield-John Patitucci-Billy Hart • All Strings Attached
This mid-'80s concert is unusual in that it mixes five guitarists from diverse backgrounds onto the same stage. Tal Farlow, a bop master is the senior player, with post-bopper John Abercrombie, Larry Carlton (fusion), plus Larry Coryell and John Scofield (who straddle both post-bop and fusion), bassist John Patitucci, and drummer Billy Hart. Although such a collection of musicians has the potential to cause a train wreck, the musicians share the spotlight generously, complementing one another's solos brilliantly throughout a set mixing standards and classic jazz compositions plus a bossa nova. Best are the extended workouts of "Autumn Leaves" and "All Blues." The major bones to pick with this release include its unimaginative packaging and the lack of liner notes, as only seasoned jazz listeners will be able to identify each guitarist in turn. This release was only available for a relatively short time before being dropped from the Verve catalog.
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Este concierto de mediados de los 80 es inusual, ya que mezcla en el mismo escenario a cinco guitarristas de diversas procedencias. Tal Farlow, un maestro del bop, es el guitarrista principal, con el post-bop John Abercrombie, Larry Carlton (fusión), además de Larry Coryell y John Scofield (que se sitúan a caballo entre el post-bop y la fusión), el bajista John Patitucci y el batería Billy Hart. Aunque tal colección de músicos tiene el potencial de causar un choque de trenes, los músicos se reparten el protagonismo generosamente, complementando brillantemente los solos de unos y otros a lo largo de un conjunto que mezcla estándares y composiciones clásicas de jazz más una bossa nova. Lo mejor son los extensos ejercicios de "Autumn Leaves" y "All Blues". Los principales problemas de esta edición son su embalaje poco imaginativo y la falta de notas de presentación, ya que sólo los oyentes de jazz experimentados podrán identificar a cada uno de los guitarristas. Este disco sólo estuvo disponible durante un tiempo relativamente corto antes de ser eliminado del catálogo de Verve.
Wednesday, May 29, 2024
Cal Tjader • Last Bolero In Berkeley
Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.
Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.
Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography
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Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.
Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.
Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
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