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Thursday, September 3, 2026

King Curtis • Live at Fillmore West

  

 
Biography

Curtis 'King Curtis' Ousley was already a well-respected Jazz tenor saxophonist in 1952 when he moved to New York, to concentrate on doing session work for the growing Pop and R&B markets. Over the next decade, saxophone became the pre-eminent lead instrument within Rhythm & Blues/Rock n' Roll, and King Curtis became its leading exponent, spicing up massive numbers of hits with ear catching solos, sealing his reputation as one of the leading instrumentalists of that era. Perhaps he'll be most remembered as blowing that solo on The Coasters 1958 smash “Yakety Yak.”

King Curtis was originally part of the late 40's honking Texas tenor sax brigade, counting Arnett Cobb, Earl Bostic, and Illinois Jacquet as influences. He played in bands of Lionel Hampton and Horace Silver. Upon moving to New York from Fort Worth TX (his 1934 birthplace), he was already well grounded in Jazz, R&B, and Pop. Curtis could play any style on a moment's notice. Curtis had also pursued a highly successful solo career, primarily in contemporary R&B. But he also stretched out with the best Jazzmen: about half of his Prestige output circa 1960-62 he's surrounded by top line players like Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, and Willie Rodriguez. On his classic “Soul Meeting,” the personnel includes: King Curtis (tenor saxophone); Nat Adderly (cornet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bass); Oliver Jackson, Belton Evans (drums)

Recording with Capitol, Epic, and Atlantic, he garnered instrumental hits like 1962's “Soul Twist,” and 1967's “Memphis Soul Stew,” . That same year he did a successful cover of “Ode To Billie Joe.”

He made a big impression in the late 60's, hooking up with artists like Eric Clapton who performed on King's “Teasin'” album in 1970. The saxophonist had meanwhile put together a superb studio group: The Kingpins, with Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott and Bernard Purdie, all of whom contributed to several of Aretha Franklin's finest records. King Curtis topped the R&B charts in 1971, handling the sax on Aretha Franklin's version of “Bridge Over Troubled Waters,” and played on several tracks on John Lennon's 'Imagine' album that same year.

When King Curtis departed this world in 1971 -the victim of a brutal stabbing outside his apartment- he wasn't yet 40, but was at the apex of his career. In 2000, King Curtis was inducted into the Rock&Roll Hall of Fame.

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Biografía
Curtis 'King Curtis' Ousley ya era un respetado saxofonista tenor de Jazz en 1952 cuando se mudó a Nueva York, para concentrarse en hacer trabajo de sesión para los crecientes mercados de Pop y R&B. Durante la siguiente década, el saxofón se convirtió en el principal instrumento del Rhythm & Blues/Rock n' Roll, y King Curtis se convirtió en su principal exponente, condimentando un gran número de éxitos con solos que atrapan las orejas, sellando su reputación como uno de los principales instrumentistas de esa época. Tal vez sea más recordado por soplar ese solo en Los Posavasos de 1958 y aplastar "Yakety Yak".

King Curtis fue originalmente parte de la brigada de saxos tenor de Texas a finales de los 40, contando a Arnett Cobb, Earl Bostic e Illinois Jacquet como influencias. Tocó en bandas de Lionel Hampton y Horace Silver. Al mudarse a Nueva York desde Fort Worth TX (su lugar de nacimiento en 1934), ya estaba bien arraigado en el Jazz, el R&B y el Pop. Curtis podía tocar cualquier estilo en un momento. Curtis también había desarrollado una exitosa carrera en solitario, principalmente en el R&B contemporáneo. Pero también se extendió con los mejores Jazzmen: alrededor de la mitad de su producción de Prestige alrededor de 1960-62 está rodeado de jugadores de primera línea como Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, y Willie Rodríguez. En su clásico "Soul Meeting", el personal incluye: King Curtis (saxo tenor); Nat Adderly (corneta); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bajo); Oliver Jackson, Belton Evans (batería)

Grabando con Capitol, Epic y Atlantic, obtuvo éxitos instrumentales como "Soul Twist" de 1962 y "Memphis Soul Stew" de 1967. Ese mismo año hizo una exitosa portada de "Oda a Billie Joe".

Causó una gran impresión a finales de los 60's, uniéndose a artistas como Eric Clapton, quien actuó en el álbum "Teasin'" de King en 1970. Mientras tanto, el saxofonista había formado un magnífico grupo de estudio: The Kingpins, con Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott y Bernard Purdie, todos los cuales contribuyeron a varios de los mejores discos de Aretha Franklin. King Curtis encabezó las listas de éxitos de R&B en 1971, manejando el saxo en la versión de "Bridge Over Troubled Waters" de Aretha Franklin, y tocó en varios temas del álbum'Imagine' de John Lennon ese mismo año.

Cuando el rey Curtis partió de este mundo en 1971 -víctima de una brutal puñalada fuera de su apartamento- aún no tenía 40 años, pero estaba en la cúspide de su carrera. En el año 2000, King Curtis fue admitido en el Rock&Roll Hall of Fame



Monday, August 31, 2026

Hugo Montenegro • Lady In Cement

  


Saturday, August 29, 2026

The Alan Parsons Project • Gold Collection

  



Biography
by Matt Collar
Best known as the leader of the progressive art and soft rock "project" that bears his name, Alan Parsons is also a highly regarded producer and engineer. Parsons initially established himself in the studio working on notable albums by the Beatles and Pink Floyd before co-founding the Alan Parsons Project with instrumentalist/composer Eric Woolfson. Borrowing conceptual sci-fi themes from writers like Isaac Asimov and exploring a hybridized blend of rock, classical, AM pop, and synth-based music, the Project helped define the sound of art and prog-rock with albums like 1977's I Robot, 1980's The Turn of a Friendly Card, and 1982's Eye in the Sky; the latter of which hit number seven on the Billboard 200. Parsons also continued to produce and engineer, contributing to albums by Pilot, Ambrosia, Paul McCartney, Al Stewart, and others. While the Project parted ways following 1987's Gaudi, Parsons continued to tour and release his own albums, including 1999's The Time Machine, 2004's A Valid Path, and 2019's The Secret. Along with his 13 Grammy nominations, Parsons took home his first award in 2019 for Best Immersive Audio Album for the 35th Anniversary Edition of Eye in the Sky.

Born in Britain on December 20, 1948, he began his musical career as a staff engineer at EMI Studios, and first garnered significant industry exposure via his work on the Beatles' 1969 masterpiece Abbey Road. Parsons subsequently worked with Paul McCartney on several of Wings' earliest albums; he also oversaw recordings from Al Stewart, Cockney Rebel, and Pilot, but solidified his reputation by working on Pink Floyd's Dark Side of the Moon.

Influenced by his work on Stewart's concept album Time Passages, Parsons decided to begin creating his own thematic records; along with songwriter Eric Woolfson, he soon founded the Alan Parsons Project. Although Parsons played keyboards and infrequently sang on his records, the Project was designed primarily as a forum for a revolving collection of vocalists and session players -- among them Arthur Brown, ex-Zombie Colin Blunstone, Cockney Rebel's Steve Harley, the Hollies' Allan Clarke, and guitarist Ian Bairnson -- to interpret and perform Parsons and Woolfson's conceptually linked, lushly synthesized music.

The Project debuted in 1975 with Tales of Mystery and Imagination, a collection inspired by the work of Edgar Allan Poe; similarly, the science fiction of Isaac Asimov served as the raw material for 1977's follow-up, I Robot. With 1980's The Turn of a Friendly Card, a meditation on gambling, the Alan Parsons Project scored a Top 20 hit with "Games People Play"; 1982's Eye in the Sky was the Project's most successful effort, and notched a Top Three hit with its title track. While 1984's Ammonia Avenue went gold, the Project's subsequent LPs earned little notice, although records like 1985's Vulture Culture, 1987's Gaudi, and 1996's On Air found favor with longtime fans. Time Machine followed in 1999.

After taking a five-year hiatus, Parsons returned in 2004 with A Valid Path. During the 2000s and 2010s, he toured with the Alan Parsons Live Project, and a 2013 concert in Medellín, Colombia by the Alan Parsons Symphonic Project was released as Live in Colombia in 2016. In 2019, Parsons issued The Secret, his first studio album since 2004. That same year, he took home his first-ever Grammy Award-winning Best Immersive Audio Album for Eye in the Sky (35 Anniversary Collector's Edition).
https://www.allmusic.com/artist/alan-parsons-mn0000031274/biography

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Biografía

por Matt Collar
Más conocido como líder del "proyecto" de arte progresivo y soft rock que lleva su nombre, Alan Parsons es también un productor e ingeniero muy reconocido. Parsons se estableció inicialmente en el estudio trabajando en notables álbumes de los Beatles y Pink Floyd antes de cofundar el Alan Parsons Project con el instrumentista y compositor Eric Woolfson. Tomando prestados temas conceptuales de ciencia ficción de escritores como Isaac Asimov y explorando una mezcla híbrida de rock, música clásica, pop AM y música basada en sintetizadores, el Proyecto ayudó a definir el sonido del arte y el prog-rock con álbumes como I Robot, de 1977, The Turn of a Friendly Card, de 1980, y Eye in the Sky, de 1982; este último alcanzó el número siete en el Billboard 200. Parsons también continuó produciendo e ingeniando, contribuyendo a álbumes de Pilot, Ambrosia, Paul McCartney, Al Stewart y otros. Aunque el proyecto se separó después de Gaudi, de 1987, Parsons continuó haciendo giras y publicando sus propios álbumes, como The Time Machine, de 1999, A Valid Path, de 2004, y The Secret, de 2019. Junto con sus 13 nominaciones a los Grammy, Parsons se llevó a casa su primer premio en 2019 por el Mejor Álbum de Audio Inmersivo por la Edición del 35º Aniversario de Eye in the Sky.

Nacido en Gran Bretaña el 20 de diciembre de 1948, comenzó su carrera musical como ingeniero de plantilla en los estudios EMI, y obtuvo por primera vez una importante exposición en la industria gracias a su trabajo en la obra maestra de los Beatles, Abbey Road, de 1969. Posteriormente, Parsons trabajó con Paul McCartney en varios de los primeros álbumes de Wings; también supervisó las grabaciones de Al Stewart, Cockney Rebel y Pilot, pero consolidó su reputación trabajando en el Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

Influido por su trabajo en el álbum conceptual Time Passages de Stewart, Parsons decidió empezar a crear sus propios discos temáticos; junto con el compositor Eric Woolfson, pronto fundó el Alan Parsons Project. Aunque Parsons tocaba los teclados y rara vez cantaba en sus discos, el proyecto se diseñó principalmente como un foro para una colección rotativa de vocalistas y músicos de sesión -entre ellos Arthur Brown, el ex-Zombie Colin Blunstone, Steve Harley de Cockney Rebel, Allan Clarke de los Hollies y el guitarrista Ian Bairnson- para interpretar y ejecutar la música conceptualmente vinculada y exuberantemente sintetizada de Parsons y Woolfson.

The Project debutó en 1975 con Tales of Mystery and Imagination, una colección inspirada en la obra de Edgar Allan Poe; asimismo, la ciencia ficción de Isaac Asimov sirvió de materia prima para la continuación de 1977, I Robot. Con The Turn of a Friendly Card, de 1980, una meditación sobre el juego, Alan Parsons Project consiguió un éxito en el Top 20 con "Games People Play"; Eye in the Sky, de 1982, fue el trabajo más exitoso del proyecto y consiguió un Top 3 con su tema principal. Mientras que Ammonia Avenue, de 1984, se convirtió en disco de oro, los siguientes LPs del proyecto no tuvieron mucha repercusión, aunque discos como Vulture Culture, de 1985, Gaudi, de 1987, y On Air, de 1996, encontraron el favor de los fans de siempre. Time Machine llegó en 1999.

Tras un paréntesis de cinco años, Parsons regresó en 2004 con A Valid Path. Durante las décadas de 2000 y 2010, realizó una gira con el Alan Parsons Live Project, y un concierto de 2013 en Medellín, Colombia, por el Alan Parsons Symphonic Project fue lanzado como Live in Colombia en 2016. En 2019, Parsons publicó The Secret, su primer álbum de estudio desde 2004. Ese mismo año, se llevó a casa su primer premio Grammy al mejor álbum de audio inmersivo por Eye in the Sky (35 Anniversary Collector's Edition).
https://www.allmusic.com/artist/alan-parsons-mn0000031274/biography

 

www.the-alan-parsons-project ...


Thursday, August 27, 2026

Shark Quest • Man on Stilts



Artist Biography by Richie Unterberger
Chapel Hill, NC, quintet Shark Quest plays eclectic instrumental rock geared toward the alternative market. Their music draws from atmospheric soundtrack music (Ennio Morricone being one likely overused reference point), folk music, desert twang, and bits of other genres. Although pretty guitar-oriented, they also employ banjo and mandolin (played by Sara Bell), as well as occasional cello, keyboards, and vibes. Their debut Battle of the Loons was released in 1998. Their second album, 2000's Man on Stilts, was produced by Brian Paulson who has worked with Wilco, Son Volt, Slint, and Squirrel Nut Zippers). www.allmusic.com

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Biografía del artista por Richie Unterberger
El quinteto Shark Quest de Chapel Hill, Carolina del Norte, toca rock instrumental ecléctico orientado al mercado alternativo. Su música se basa en bandas sonoras atmosféricas (Ennio Morricone es un punto de referencia muy utilizado), música folclórica, sonidos del desierto y otros géneros. Aunque bastante orientados a la guitarra, también emplean el banjo y la mandolina (interpretados por Sara Bell), así como ocasionalmente el violonchelo, los teclados y el vibráfono. Su debut en Battle of the Loons fue lanzado en 1998. Su segundo álbum, Man on Stilts del año 2000, fue producido por Brian Paulson que ha trabajado con Wilco, Son Volt, Slint, y Squirrel Nut Zippers). www.allmusic.com 
 

 
 




Wednesday, August 26, 2026

The Red Planets • Chases Lead To Crashes



A combination of vintage instrumental rock sounds reminiscent of teenage dance parties and movies soundtracks from the 1950s and early 1960s. This is the sound of beach parties, camping in the desert, and good guys fighting bad guys.
https://www.discogs.com/es/artist/2125550-The-Red-Planets

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Una combinación de sonidos de rock instrumental de época que recuerdan a las fiestas de baile de los adolescentes y a las bandas sonoras de películas de los años 50 y principios de los 60. Este es el sonido de las fiestas en la playa, acampando en el desierto, y los buenos luchando contra los malos.
https://www.discogs.com/es/artist/2125550-The-Red-Planets


Wednesday, August 12, 2026

The Reverend Horton Heat • Discovery Vaults

 



Review from AllMusic (by Mark Deming):
In 2002, the Reverend Horton Heat partnered with ambitious indie label Artemis Records to release their seventh album, fittingly titled Lucky 7. By 2006, Artemis had ceased to exist, and in 2010, most of the label's catalog was purchased by an outfit called Entertainment One. eOne has since released a handful of compilations drawn from their masters under the uniform title Discovery Vaults, and they've found an ingenious way to make a Reverend Horton Heat collection out of the one disc they own on the group. For this album, they've knocked four songs off Lucky 7, changed the sequence, put it in a bland new sleeve, and voila! You get Heat's volume in the Discovery Vaults series! Lucky 7 wasn't the worst album from Jim Heath and his partners in psychobilly, but it wasn't their best, either, and it's a matter of debate if Lucky 7 is hurt or helped by the absence of four tunes. What's here is good stuff, for the most part, though "You've Got a Friend in Jimbo" and "Duel at the Two O'Clock Bell" are atypical numbers more interesting to fans than casual listeners, and the rest is stylistically familiar to anyone who knows this band: tales of cars, girls, and bad behavior scored by 100 mph guitar solos, frantic slap bass, and manic drumming. In short, Lucky 7 was a typical Reverend Horton Heat album, and Discovery Vaults is 71-percent of that typical album; since Lucky 7 is still in print, it's hard to say what purpose this "collection" is meant to serve.
https://www.allmusic.com/album/discovery-vaults-mw0002462694

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Reseña de AllMusic (por Mark Deming):
En 2002, The Reverend Horton Heat se asoció con el ambicioso sello independiente Artemis Records para lanzar su séptimo álbum, apropiadamente titulado Lucky 7. Para 2006, Artemis había dejado de existir, y en 2010, la mayor parte del catálogo del sello fue adquirida por una empresa llamada Entertainment One. Desde entonces, eOne ha lanzado un puñado de compilaciones extraídas de sus masters bajo el título uniforme Discovery Vaults, y han encontrado una forma ingeniosa de hacer una colección de Reverend Horton Heat con el único disco que poseen del grupo. Para este álbum, eliminaron cuatro canciones de Lucky 7, cambiaron la secuencia, lo pusieron en una nueva cubierta aburrida, ¡y voilà! ¡Obtenés el volumen de Heat en la serie Discovery Vaults! Lucky 7 no fue el peor álbum de Jim Heath y sus compañeros en psychobilly, pero tampoco fue el mejor, y es materia de debate si Lucky 7 sale perjudicado o beneficiado por la ausencia de cuatro temas. Lo que hay aquí es material bueno, en su mayor parte, aunque "You've Got a Friend in Jimbo" y "Duel at the Two O'Clock Bell" son números atípicos más interesantes para los fanáticos que para los oyentes casuales, y el resto es estilísticamente familiar para cualquiera que conozca a esta banda: historias de autos, chicas y mal comportamiento con solos de guitarra a 100 mph, bajo slap frenético y batería maníaca. En resumen, Lucky 7 fue un álbum típico de Reverend Horton Heat, y Discovery Vaults es el 71 por ciento de ese álbum típico; dado que Lucky 7 sigue en catálogo, es difícil decir qué propósito pretende cumplir esta "colección".
https://www.allmusic.com/album/discovery-vaults-mw0002462694


www.reverendhortonheat.com ...



Tuesday, August 11, 2026

Wynder K. Frog • Into The Fire

 



Mick Weaver (born 16 June 1944, Bolton, Lancashire, England) is an English session musician, best known for his playing of the Hammond B3 organ, and as an exponent of the blues and funk.Weaver's band performed as Wynder K. Frog and became popular on the student union and club circuit of the mid sixties. A brief merging of this band with Herbie Goins and the Night-Timers took his work to a higher level. Wynder K. Frogg—they are billed under this spelling—appeared on the bill at The Savile Theatre, London on 24 September 1967 supporting Traffic on their first U.K. presentation. Also on the bill were Jackie Edwards and Nirvana. The compere was David Symonds.
When Steve Winwood left Traffic to form Blind Faith, Weaver was recruited to replace him and Traffic became Mason, Capaldi, Wood and Frog, soon shortened to Wooden Frog. They played a few gigs before dissolving three months later when Traffic reformed. After this he recorded with solo artists such as Buddy Guy, Dave Gilmour, Joe Cocker, Eric Burdon, Frankie Miller, Roger Chapman Steve Marriott and Gary Moore as well as Taj Mahal and The Blues Band, also playing keyboards with Steve Marriott's Majik Mijits.

All tracks featured Mick Weaver as Wynder K. Frog, playing a Hammond B3 organ and were recorded in London playing over backing tapes by unnamed session musicians from New York. In the album liner notes Jimmy Miller noted that Weaver had "supplemented the band with trumpet, tenor sax, guitar, bass and drums, Wynder has transformed the organ into a highly enjoyable medium of sound, combining jazzy finesse with popular and commercial phrasing suitable for vast appeal".

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Mick Weaver (nacido el 16 de junio de 1944 en Bolton, Lancashire, Inglaterra) es un músico de sesión inglés, mejor conocido por su interpretación del órgano Hammond B3, y como exponente del blues y el funk. la banda de Weaver actuó como Wynder K. Frog y se hizo popular en la unión de estudiantes y el circuito de clubes de mediados de los sesenta. Una breve fusión de esta banda con Herbie Goins y los Night-Timers llevó su trabajo a un nivel superior. Wynder K. Frogg -se les factura bajo esta ortografía- apareció en el cartel del Teatro Savile de Londres el 24 de septiembre de 1967 apoyando a Traffic en su primera presentación en el Reino Unido. También estaban en la cuenta Jackie Edwards y Nirvana. El árbitro era David Symonds.

Cuando Steve Winwood dejó Traffic para formar Blind Faith, Weaver fue reclutado para reemplazarlo y Traffic se convirtió en Mason, Capaldi, Wood and Frog, y pronto se convirtió en Wooden Frog. Tocaron en algunos conciertos antes de disolverse tres meses después cuando Traffic se reformó. Después grabó con artistas solistas como Buddy Guy, Dave Gilmour, Joe Cocker, Eric Burdon, Frankie Miller, Roger Chapman Steve Marriott y Gary Moore, así como con Taj Mahal y The Blues Band, tocando también el teclado con Majik Mijits de Steve Marriott.

Todos los temas tenían a Mick Weaver como Wynder K. Frog, tocando un órgano Hammond B3 y fueron grabados en Londres tocando sobre cintas de acompañamiento por músicos de sesión anónimos de Nueva York. En las notas del disco Jimmy Miller señaló que Weaver había "complementado a la banda con trompeta, saxo tenor, guitarra, bajo y batería, Wynder ha transformado el órgano en un medio de sonido muy agradable, combinando la delicadeza del jazz con frases populares y comerciales adecuadas para un gran atractivo".


Saturday, August 8, 2026

Friday, August 7, 2026

The Madeira • Ancient Winds



The Madeira plays surf music born of screaming wind over the sand dunes of the Sahara Desert, deafening echoes of waves pounding the Gibraltar Rock, joyous late-night gypsy dances in the small towns of Andalucia, and exotic cacophony of the Marrakesh town square. It is the surf music of the millennia-old Mediterranean mysteries.

Band Biography
The Madeira began in 2004 in Indianapolis, IN. The band features Ivan Pongracic on lead guitar, the founder of the 1990s surf music icons the Space Cossacks; Patrick O'Connor on rhythm guitar, the founder of the Indy space-surf mavens Destination: Earth!; Dane Carter on drums; and Todd Fortier on bass. The Madeira have released five CDs: “Sandstorm” (2005), “Ruins” EP (2006), “Carpe Noctem” (2008), “Tribal Fires” (2012) and "Sonic Cataclysm - Live" (2014). They've played all around the US, including three California tours as well as shows on the East Coast and in the South, though they primarily play in the Indiana/Illinois/Ohio/Michigan/Wisconsin area. They headlined the third and final night of the 2009 Surfer Joe Festival in Livorno, Italy, followed by a 10-day Italian tour. UK's Pipeline magazine, the leading surf/instrumental-rock fanzine in the world, selected “Carpe Noctem” Album of the Year in 2008, and “Sandstorm” and “Tribal Fires” as runners-up for the Album of the Year in 2006 and 2012, respectively. NUVO Indianapolis Weekly paper included "Carpe Noctem" in their April 2014 article "100 Best Hoosier Albums Ever," among albums by music legends Wes Montgomery, the Jackson Five and John Mellencamp. The band was also featured in a full-page article in the March issue of the Guitar Player magazine in the column titled "Now Hear This - Snappy Profiles of Players You Should Know." http://themadeira.net/
 
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El Madeira interpreta la música de surf que nace del viento chillón sobre las dunas del desierto del Sáhara, de los ecos ensordecedores de las olas que golpean el Peñón de Gibraltar, de los alegres bailes nocturnos de los gitanos en los pequeños pueblos de Andalucía y de la exótica cacofonía de la plaza de Marrakech. Es la música de surf de los misterios milenarios del Mediterráneo.

Biografía de la banda
The Madeira comenzó en 2004 en Indianápolis, IN. La banda cuenta con Ivan Pongracic como guitarra principal, fundador de los iconos de la música surf de los años 90, los Space Cossacks; Patrick O'Connor como guitarra rítmica, fundador de los expertos en surf espacial de Indy, Destination: Earth!; Dane Carter a la batería; y Todd Fortier al bajo. Los Madeira han publicado cinco CDs: "Sandstorm" (2005), "Ruins" EP (2006), "Carpe Noctem" (2008), "Tribal Fires" (2012) y "Sonic Cataclysm - Live" (2014). Han tocado por todo Estados Unidos, incluyendo tres giras por California, así como shows en la Costa Este y en el Sur, aunque principalmente tocan en el área de Indiana/Illinois/Ohio/Michigan/Wisconsin. Encabezaron la tercera y última noche del Surfer Joe Festival 2009 en Livorno (Italia), al que siguió una gira italiana de 10 días. La revista Pipeline del Reino Unido, el principal fanzine de surf/rock instrumental del mundo, seleccionó "Carpe Noctem" como Álbum del Año en 2008, y "Sandstorm" y "Tribal Fires" como subcampeones del Álbum del Año en 2006 y 2012, respectivamente. El periódico NUVO Indianapolis Weekly incluyó "Carpe Noctem" en su artículo de abril de 2014 "100 Best Hoosier Albums Ever", entre los álbumes de las leyendas musicales Wes Montgomery, los Jackson Five y John Mellencamp. La banda también apareció en un artículo de página completa en el número de marzo de la revista Guitar Player en la columna titulada "Now Hear This - Snappy Profiles of Players You Should Know". http://themadeira.net/
 

Thursday, August 6, 2026

The Head Cat • The Independent, San Francisco - 10.01.2008

  



 





Steely Dan • Aja

 


Steely Dan has been more of a conceptual framework for inventive music-making than a typical rock band. Spearheaded by a pair of resourceful musical auteurs Donald Fagen and Walter Becker - they have done nothing by the books since launching Steely Dan in 1972. The band’s very name is a scatological reference from a novel by Beat Generation anti-hero William Burroughs. Though Steely Dan recorded prolifically for much of the Seventies, they toured for only a brief spell early in that decade, deciding they much preferred the studio to the road. This allowed them to craft a wry, nuanced and hyper-literate series of albums - seven in all, released from 1972 to 1980 - that are highly regarded by connoisseurs of pop hooks, jazz harmony and desiccating wit.

Beneath the highly polished surface of Steely Dan’s music, astute listeners could hear a visceral love of and identification with the very soul of jazz. Fagen and Becker referenced Duke Ellington, Stan Getz and Horace Silver at least as much as any rock-oriented source material. Even so, there was a certain accessible quality to songs like “Reelin’ in the Years,” “Do It Again” and “Rikki Don’t Lose That Number” that allowed Steely Dan to connect with rock fans, especially those who were college-aged and “educated.

Co-founders Donald Fagen and Walter Becker met in 1967 while attending Bard College in upstate New York. After serving as touring musicians with Jay and the Americans and trying their hand as staff songwriters, they formed Steely Dan in Los Angeles as an outlet for a growing backlog of offbeat, original material that no one else seemed inclined to record. In the beginning, Steely Dan was an actual band with a lineup of Fagen, Becker, guitarists Denny Dias and Jeff “Skunk” Baxter, and drummer Jim Hodder. This configuration cut the albums Can’t Buy a Thrill, Countdown to Ecstasy and Pretzel Logic. Though Dias remained on board through 1977’s Aja, Steely Dan were almost completely Fagen and Becker’s fiefdom by the time of Katy Lied, their fourth album.

On record, the duo recruited the cream of L.A.’s jazz-pop studio scene, including Michael McDonald, Victor Feldman, Jeff Porcaro, David Paich, and jazz stalwarts like David Sanborn, Tom Scott, Michael Brecker, Larry Carlton, Chuck Rainey, Bernard Purdie, Phil Woods and Wayne Shorter. Producer- engineer Gary Katz, who worked on every album through 1980’s Gaucho, was a vital member of the Steely Dan brain trust whose input was critical to the perfectionist, audiophile quality of the group’s recordings. The A-list musicians provided a glossy top coat to Steely Dan’s agreeably sleek music - an ironic vehicle for their cutting, urbane and often black-humored lyrics.

The group also had a serious side, too, that’s often been overlooked. “Deacon Blues” (from Aja) presented a moving portrait of a down-at-the-heels jazzman, “Kid Charlemagne” nervously surveyed a drug dealer’s netherworld, and there was much to suggest that Fagen and Becker weren’t just mocking the decadent affectations of the Seventies - though no one did that very thing better than they. Steely Dan hit a commercial and artistic peak in the late Seventies. The hugely popular Aja, released in the fall of 1977, had nothing to do with any musical currents that were popular at the time, but its jazz- inflected lushness and inscrutable intelligence appealed to listeners across the spectrum. Aja, which soared to #3, was soon certified platinum “ it was, in fact, one of the first albums to receive this newly created award, which recognized sales of one million copies. Within a year of its release, Steely Dan “ whose musical sophistication and sardonic outlook made them unlikely candidates for Top Forty success “ charted four hit singles: “Peg,” “Deacon Blues, “FM” and “Josie.” Rolling Stone dubbed them “the perfect musical antiheroes for the Seventies.”

Steely Dan’s long-delayed seventh album, Gaucho, appeared in 1980. A year later, they announced they were breaking up. Over the next two decades, relatively little new music surfaced from either of them. Fagen released a solo album, The Nightfly, in 1982, but would not be heard again until 1993, when his ambitious Kamakiriad “ produced by Becker, and representing the duo’s first real collaboration since Gaucho “ was released. That same year, they reincarnated Steely Dan as something it had rarely been in its previous lifetime: a touring entity. Fagen and Becker led the “All New Steely Dan Orchestra ‘93” on a national tour. A comprehensive box set, Citizen Steely Dan: 1972-1980, was released late in the year. Walter Becker issued his one and only solo album, 11 Tracks of Whack, in 1994 and Circus Money (2008). Steely Dan hit the road again with the “Citizen Steely Dan Orchestra ’94.” Highlights from the two tours were culled for Alive in America, a single CD released in 1995.

In February 2000, Steely Dan released Two Against Nature, their first album of all-new material in two decades. Later that year, Fagen and Becker compiled and annotated a two-CD best-of, Show Biz Kids: The Steely Dan Story. In 2001, Two Against Nature won a Grammy for Best Album and Steely Dan was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. It was an improbably successful year for a band that had been largely dormant for the previous 20. Chalk up one more ironic conquest for the unpredictable Steely Dan.
https://musicians.allaboutjazz.com/steelydan

Note: Walter Becker passed away in 2017.

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Steely Dan ha sido más un marco conceptual para la inventiva musical que una típica banda de rock. Encabezados por un par de ingeniosos autores musicales, Donald Fagen y Walter Becker, no han hecho nada desde el lanzamiento de Steely Dan en 1972. El nombre de la banda es una referencia escatológica de una novela del antihéroe de la generación Beat, William Burroughs. Aunque Steely Dan grabó mucho durante la mayor parte de los años 70, a principios de esa década sólo estuvieron de gira durante un breve período, decidiendo que preferían el estudio a la carretera. Esto les permitió crear una serie de álbumes irónicos, matizados e hiperliterarios -siete en total, publicados entre 1972 y 1980- que son muy apreciados por los conocedores del pop hooks, la armonía del jazz y el ingenio desecador.

Bajo la superficie altamente pulida de la música de Steely Dan, los astutos oyentes podían escuchar un amor visceral e identificación con el alma misma del jazz. Fagen y Becker se refirieron a Duke Ellington, Stan Getz y Horace Silver al menos tanto como a cualquier material de referencia orientado al rock. Aun así, había una cierta calidad accesible en canciones como "Reelin' in the Years", "Do It Again" y "Rikki Don't Lose That Number" que permitía a Steely Dan conectar con los fans del rock, especialmente con aquellos que eran de edad universitaria y "educados".

Los cofundadores Donald Fagen y Walter Becker se conocieron en 1967 mientras asistían al Bard College en el norte del estado de Nueva York. Después de servir como músicos de gira con Jay y los americanos y de probar su mano como compositores, formaron Steely Dan en Los Ángeles como una salida para un creciente atraso de material original fuera de ritmo que nadie más parecía inclinado a grabar. Al principio, Steely Dan era una banda real con una alineación de Fagen, Becker, los guitarristas Denny Dias y Jeff "Skunk" Baxter, y el baterista Jim Hodder. Esta configuración cortó los álbumes Can't Buy a Thrill, Countdown to Ecstasy y Pretzel Logic. Aunque Dias permaneció a bordo durante Aja de 1977, Steely Dan era casi completamente Fagen y el feudo de Becker en la época de Katy Lied, su cuarto álbum.

En el disco, el dúo reclutó a lo mejor de la escena de estudio de jazz-pop de Los Ángeles, incluyendo a Michael McDonald, Victor Feldman, Jeff Porcaro, David Paich, y a los estandartes del jazz como David Sanborn, Tom Scott, Michael Brecker, Larry Carlton, Chuck Rainey, Bernard Purdie, Phil Woods y Wayne Shorter. El productor e ingeniero Gary Katz, que trabajó en todos los álbumes hasta Gaucho en los años 80, fue un miembro vital del grupo Steely Dan, cuya aportación fue fundamental para la calidad perfeccionista y audiófila de las grabaciones del grupo. Los músicos de la lista A proporcionaron una capa superior brillante a la agradable y elegante música de Steely Dan - un vehículo irónico para sus letras cortantes, urbanas y a menudo de humor negro.

El grupo también tenía un lado serio, que a menudo se ha pasado por alto. "Deacon Blues" (de Aja) presentó un conmovedor retrato de un jazzista de poca monta, "Kid Charlemagne" estudió nerviosamente el mundo de los bajos fondos de un traficante de drogas, y había mucho que sugería que Fagen y Becker no sólo se burlaban de los decadentes efectos de los setenta - aunque nadie lo hacía mejor que ellos. Steely Dan alcanzó un pico comercial y artístico a finales de los setenta. El enormemente popular Aja, lanzado en el otoño de 1977, no tenía nada que ver con ninguna corriente musical que fuera popular en ese momento, pero su exuberancia inflexionada por el jazz y su inescrutable inteligencia atrajo a los oyentes de todo el espectro. Aja, que alcanzó el número 3, pronto fue certificado platino " fue, de hecho, uno de los primeros álbumes en recibir este premio recién creado, que reconoció las ventas de un millón de copias. A un año de su lanzamiento, Steely Dan " cuya sofisticación musical y perspectiva sarcástica los hacía improbables candidatos al éxito en los Top 40 " registró cuatro sencillos de éxito: "Peg", "Deacon Blues", "FM" y "Josie". Rolling Stone los llamó "los antihéroes musicales perfectos para los setenta".

El largamente demorado séptimo álbum de Steely Dan, Gaucho, apareció en 1980. Un año después, anunciaron que se separaban. Durante las dos décadas siguientes, relativamente poca música nueva surgió de cualquiera de ellos. Fagen lanzó un álbum en solitario, The Nightfly, en 1982, pero no se volvería a escuchar hasta 1993, cuando salió a la luz su ambicioso Kamakiriad " producido por Becker, y que representaba la primera colaboración real del dúo desde Gaucho ". Ese mismo año, reencarnaron a Steely Dan como algo que raramente había sido en su vida anterior: una entidad en gira. Fagen y Becker lideraron la "Orquesta de Steely Dan '93" en una gira nacional. Una caja completa, Citizen Steely Dan: 1972-1980, fue lanzada a finales de año. Walter Becker publicó su único álbum en solitario, 11 Tracks of Whack, en 1994 y Circus Money (2008). Steely Dan se puso en marcha de nuevo con la "Orquesta Citizen Steely Dan '94". Lo más destacado de las dos giras fue seleccionado para "Alive in America", un solo CD lanzado en 1995.

En febrero de 2000, Steely Dan lanzó Two Against Nature, su primer álbum de material totalmente nuevo en dos décadas. Más tarde ese año, Fagen y Becker compilaron y comentaron un best of de dos CDs, Show Biz Kids: The Steely Dan Story. En 2001, Two Against Nature ganó un Grammy al mejor álbum y Steely Dan fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Fue un año improbablemente exitoso para una banda que había estado inactiva durante los 20 años anteriores. Anota otra irónica conquista para el impredecible Steely Dan.
https://musicians.allaboutjazz.com/steelydan

Nota: Walter Becker falleció en 2017.


www.steelydan.com ...


Wednesday, August 5, 2026

The Rock Cover Song: Culture, History, Politics

 


Cover songs operate as a form of cultural discourse across various musical genres and different societal, historical and political conditions. Case studies include a comparative analysis of Jimi Hendrix's and Whitney Houston's versions of "The Star-Spangled Banner" as well as a mapping of the trajectory of "(I Can't Get No) Satisfaction" from the original version by the Rolling Stones through cover versions by Otis Redding, Devo, and Britney Spears. The radical deconstruction of pop and rock songs by the Residents and Laibach is also examined, with additional studies of cover songs by such as Van Halen, Kim Wilde, Rufus Harley, the Four Tops, Pat Boone and Johnny Cash. Rather than questions of quality or how a cover song measures up as "better or worse" than other versions, this book focuses on the ideological implications and social stakes of the "same old songs" as they are reconfigured to consider, comment on and confront political issues of gender, sexuality, race, the nation-state and the generation gap.

 

Doyle Greene (Autor) 

 

Monday, August 3, 2026

Dick Dale & His Del-Tones • Surfer's Choice

 



Artist Biography by Steve Huey
Dick Dale wasn't nicknamed "King of the Surf Guitar" for nothing: he pretty much invented the style single-handedly, and no matter who copied or expanded upon his blueprint, he remained the fieriest, most technically gifted musician the genre ever produced. Dale's pioneering use of Middle Eastern and Eastern European melodies (learned organically through his familial heritage) was among the first in any genre of American popular music, and predated the teaching of such "exotic" scales in guitar-shredder academies by two decades. The breakneck speed of his single-note staccato picking technique was unrivaled until it entered the repertoires of metal virtuosos like Eddie Van Halen, and his wild showmanship made an enormous impression on the young Jimi Hendrix. But those aren't the only reasons Dale was once called the father of heavy metal. Working closely with the Fender company, Dale continually pushed the limits of electric amplification technology, helping to develop new equipment that was capable of producing the thick, clearly defined tones he heard in his head, at the previously undreamed-of volumes he demanded. He also pioneered the use of portable reverb effects, creating a signature sonic texture for surf instrumentals. And, if all that weren't enough, Dale managed to redefine his instrument while essentially playing it upside-down and backwards -- he switched sides in order to play left-handed, but without re-stringing it (as Hendrix later did).

Dick Dale was born Richard Monsour in Boston in 1937; his father was Lebanese, his mother Polish. As a child, he was exposed to folk music from both cultures, which had an impact on his sense of melody and the ways string instruments could be picked. He also heard lots of big band swing, and found his first musical hero in drummer Gene Krupa, who later wound up influencing a percussive approach to guitar so intense that Dale regularly broke the heaviest-gauge strings available and ground his picks down to nothing several times in the same song. He taught himself to play country songs on the ukulele, and soon graduated to guitar, where he was also self-taught. His father encouraged him and offered career guidance, and in 1954, the family moved to Southern California.

At the suggestion of a country DJ, Monsour adopted the stage name Dick Dale, and he began performing in local talent shows, where his budding interest in rockabilly made him a popular act. He recorded a demo song, "Ooh-Whee Marie," for the local Del-Fi label, which was later released as a single on his father's new Deltone imprint and distributed locally. During the late '50s, Dale also became an avid surfer, and soon set about finding ways to mimic the surging sounds and feelings of the sport and the ocean on his guitar. He quickly developed a highly distinctive instrumental sound and found an enthusiastic, ready-made audience in his surfer friends. Dale began playing regular gigs at the Rendezvous Ballroom, a once-defunct concert venue near Newport Beach, with his backing band the Del-Tones; as word spread and gigs at other local halls followed, Dale became a wildly popular attraction, drawing thousands of fans to every performance. In September 1961, Deltone released Dale's single "Let's Go Trippin'," which is generally acknowledged to be the very first recorded surf instrumental.

Surfer's Choice
"Let's Go Trippin'" was a huge local hit, and even charted nationally. Dale released a few more local singles, including "Jungle Fever," "Miserlou," and "Surf Beat," and in 1962 issued his (and surf music's) first album, the groundbreaking Surfer's Choice, on Deltone. Surfer's Choice sold like hotcakes around Southern California, which earned Dale a contract with Capitol Records and national distribution for the album. Dale was featured in Life magazine in 1963, which led to appearances on The Ed Sullivan Show and the Frankie/Annette film Beach Party. He also released the follow-up LP King of the Surf Guitar and went on to issue three more albums on Capitol through 1965. During that time, he developed a close working relationship with Leo Fender, who kept engineering bigger and better sound systems in response to Dale's appetite for louder, more maniacally energetic live performances.

Surf music became a national fad, with groups like the Beach Boys and Jan & Dean offering a vocal variant to complement the wave of instrumental groups, all of which were indebted in some way to Dale. But in 1964, the British Invasion stole much of surf's thunder, and Dale was dropped by Capitol in 1965. He remained a wildly popular local act, but in 1966 he was diagnosed with rectal cancer, which forced him to temporarily retire from music. He beat the disease, however, and soon began pursuing other interests: owning and caring for a variety of endangered animals, studying martial arts, designing his parents' dream house, and learning to pilot planes. In 1979, a puncture wound suffered while surfing off Newport Beach led to a pollution-related infection that nearly cost him his leg; Dale soon added environmental activist to his resumé. In addition to all of that, he performed occasionally around Southern California throughout the '70s and '80s.

In 1986, Dale attempted to mount a comeback. He first recorded a benefit single for the UC-Irvine Medical Center's burn unit (which had helped him recuperate from potentially serious injuries), and the following year appeared in the beach movie send-up Back to the Beach. The soundtrack featured a duet between Dale and Stevie Ray Vaughan on the Chantays' surf staple "Pipeline," which was nominated for a Grammy for Best Rock Instrumental. In 1991, Dale did a guest spot on an album by the San Francisco-based Psychefunkapus, and a successful Bay Area gig got him signed with Hightone Records.

Tribal Thunder
The album Tribal Thunder was released in 1993, but Dale's comeback didn't get into full swing until "Miserlou" was chosen as the opening theme to Quentin Tarantino's blockbuster 1994 film Pulp Fiction. "Miserlou" became synonymous with Pulp Fiction's ultra-hip sense of style, and was soon licensed in countless commercials (as were several other Dale tracks). As a result, Tribal Thunder and its 1994 follow-up, Unknown Territory, attracted lots of attention, earning positive reviews and surprisingly strong sales. In 1996, he supported the Beggars Banquet album Calling Up Spirits by joining the normally punk- and ska-oriented Warped Tour.

Spacial Disorientation
Adding his wife and young drum-playing son to his band, Dale refocused on touring over the next few years. He finally returned with a new CD in 2001, Spacial Disorientation, issued on the small Sin-Drome label. Dale stepped away from his recording career after that release, but he continued to play out frequently, even as he struggled with myriad health problems, including diabetes, rectal cancer, and heart and kidney disease. Dale still had a busy schedule of concert dates on his schedule when he died on March 16, 2019, at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/dick-dale-mn0000820232/biography

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 Biografía del artista por Steve Huey
Dick Dale no fue apodado "King of the Surf Guitar" por nada: inventó el estilo por sí solo, y sin importar quién copiara o expandiera su proyecto, seguía siendo el músico más fogoso y técnicamente dotado que jamás haya producido el género. El uso pionero de Dale de las melodías de Oriente Medio y Europa del Este (aprendidas orgánicamente a través de su herencia familiar) fue uno de los primeros en cualquier género de la música popular americana, y fue anterior a la enseñanza de estas escalas "exóticas" en las academias de guitarra por dos décadas. La velocidad vertiginosa de su técnica de selección de staccato de una sola nota fue incomparable hasta que entró en los repertorios de virtuosos del metal como Eddie Van Halen, y su desenfrenada habilidad para el espectáculo causó una enorme impresión en el joven Jimi Hendrix. Pero esas no son las únicas razones por las que Dale fue llamado el padre del heavy metal. Trabajando estrechamente con la compañía Fender, Dale continuamente empujó los límites de la tecnología de amplificación eléctrica, ayudando a desarrollar nuevos equipos capaces de producir los tonos gruesos y claramente definidos que escuchaba en su cabeza, en los volúmenes nunca antes soñados que demandaba. También fue pionero en el uso de efectos de reverberación portátiles, creando una textura sónica característica para instrumentos de surf. Y, por si fuera poco, Dale logró redefinir su instrumento mientras lo tocaba esencialmente al revés y al revés - cambió de lado para tocar con la mano izquierda, pero sin volver a encordarlo (como lo hizo Hendrix más tarde).

Dick Dale nació como Richard Monsour en Boston en 1937; su padre era libanés y su madre polaca. De niño, estuvo expuesto a la música folclórica de ambas culturas, lo que tuvo un impacto en su sentido de la melodía y en las formas en que se podían elegir los instrumentos de cuerda. También escuchó mucho swing de big band, y encontró a su primer héroe musical en el baterista Gene Krupa, quien más tarde terminó influyendo en un enfoque percusivo de la guitarra tan intenso que Dale rompía regularmente las cuerdas de mayor calibre disponibles y reducía sus picos a nada varias veces en la misma canción. Aprendió a tocar canciones country en el ukelele, y pronto se graduó en guitarra, donde también fue autodidacta. Su padre lo animó y le ofreció orientación profesional, y en 1954, la familia se mudó al sur de California.

A sugerencia de un DJ country, Monsour adoptó el nombre artístico de Dick Dale, y comenzó a actuar en espectáculos de talento local, donde su creciente interés por el rockabilly lo convirtió en un acto popular. Grabó una canción de demostración, "Ooh-Whee Marie", para el sello local Del-Fi, que más tarde se editó como single en el nuevo sello de su padre Deltone y se distribuyó localmente. A finales de los años 50, Dale también se convirtió en un ávido surfista, y pronto se puso a buscar maneras de imitar los sonidos y sentimientos del deporte y el océano en su guitarra. Rápidamente desarrolló un sonido instrumental muy distintivo y encontró un público entusiasta y preparado entre sus amigos surfistas. Dale comenzó a tocar regularmente en el Rendezvous Ballroom, un lugar de conciertos que antes había desaparecido cerca de Newport Beach, con su banda de apoyo, los Del-Tones; a medida que se corrió la voz y se dieron conciertos en otros salones locales, Dale se convirtió en una atracción muy popular, atrayendo a miles de fans a cada actuación. En septiembre de 1961, Deltone lanzó el sencillo de Dale "Let's Go Trippin'", el cual es generalmente reconocido como el primer instrumento de surf grabado.

Elección del Surfista
"Let's Go Trippin'" fue un gran éxito local, e incluso a nivel nacional. Dale lanzó algunos sencillos locales más, incluyendo "Jungle Fever", "Miserlou" y "Surf Beat", y en 1962 publicó su primer álbum (y el de la música de surf), el innovador Surfer's Choice, en Deltone. Surfer's Choice se vendió como pan caliente en el sur de California, lo que le valió a Dale un contrato con Capitol Records y la distribución nacional del álbum. Dale apareció en la revista Life en 1963, lo que lo llevó a aparecer en The Ed Sullivan Show y en la película Frankie/Annette Beach Party. También lanzó el siguiente LP King of the Surf Guitar y publicó tres álbumes más en Capitol hasta 1965. Durante ese tiempo, desarrolló una estrecha relación de trabajo con Leo Fender, quien mantuvo la ingeniería de sistemas de sonido más grandes y mejores en respuesta al apetito de Dale por actuaciones en vivo más ruidosas y maníacamente enérgicas.

La música de surf se convirtió en una moda nacional, con grupos como los Beach Boys y Jan & Dean ofreciendo una variante vocal para complementar la ola de grupos instrumentales, todos los cuales estaban en deuda de alguna manera con Dale. Pero en 1964, la invasión británica robó gran parte del trueno del surf, y Dale fue abandonado por el Capitolio en 1965. Siguió siendo un acto local muy popular, pero en 1966 le diagnosticaron cáncer de recto, lo que le obligó a retirarse temporalmente de la música. Sin embargo, venció la enfermedad y pronto comenzó a perseguir otros intereses: poseer y cuidar una variedad de animales en peligro de extinción, estudiar artes marciales, diseñar la casa de ensueño de sus padres y aprender a pilotar aviones. En 1979, una herida punzante sufrida mientras surfeaba en la playa de Newport Beach lo llevó a una infección relacionada con la contaminación que casi le cuesta la pierna; Dale pronto agregó un activista ambiental a su currículum. Además de todo eso, actuó ocasionalmente en el sur de California durante los años 70 y 80.

En 1986, Dale intentó montar un regreso. Primero grabó un sencillo de beneficio para la unidad de quemados del Centro Médico UC-Irvine (que le había ayudado a recuperarse de lesiones potencialmente graves), y al año siguiente apareció en la película de playa "Back to the Beach". La banda sonora incluía un dúo entre Dale y Stevie Ray Vaughan en la canción de surf de los Chantays "Pipeline", que fue nominada al Grammy al Mejor Instrumental de Rock. En 1991, Dale hizo un anuncio como invitado en un álbum de Psychefunkapus, con sede en San Francisco, y un exitoso concierto en el Área de la Bahía lo hizo firmar con Hightone Records.

Trueno Tribal
El álbum Tribal Thunder fue lanzado en 1993, pero el regreso de Dale no llegó a su apogeo hasta que "Miserlou" fue elegido como tema de apertura de la exitosa película de Quentin Tarantino Pulp Fiction en 1994. "Miserlou" se convirtió en sinónimo del sentido de estilo ultra-hip de Pulp Fiction, y pronto fue licenciado en innumerables comerciales (al igual que varios otros temas de Dale). Como resultado, Tribal Thunder y su seguimiento de 1994, Territorio Desconocido, atrajo mucha atención, obteniendo críticas positivas y ventas sorprendentemente fuertes. En 1996, apoyó el álbum Calling Up Spirits de Beggars Banquet al unirse a la gira Warped Tour, normalmente orientada al punk y al ska.

Desorientación espacial
Añadiendo a su esposa y a su joven hijo que tocaba la batería a su banda, Dale se volvió a enfocar en las giras durante los próximos años. Finalmente regresó con un nuevo CD en 2001, Spacial Disorientation, publicado en el pequeño sello Sin-Drome. Dale se alejó de su carrera discográfica después de ese lanzamiento, pero continuó tocando con frecuencia, incluso mientras luchaba con una miríada de problemas de salud, incluyendo diabetes, cáncer rectal y enfermedades del corazón y los riñones. Dale todavía tenía una apretada agenda de conciertos cuando murió el 16 de marzo de 2019, a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/dick-dale-mn0000820232/biography
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


dickdale.net ...


Mustafa Özkent Ve Orkestrası • Gençlik İle Elele

  



Mustafa Özkent is a Turkish musician, composer and arranger. Best known for his 1973 album, Gençlik İle Elele, he also earned a reputation as an in-demand session player, arranger, and producer, "creating music that fused psychedelic and pop/rock influences with R&B grooves and jazz-influenced improvisations." He was referred by Andy Votel as the "Dr. Frankenstein of Anatolian pop".

Biography
Özkent started his professional career in the band the Teenagers in 1960. Embarking a career as a session musician and arranger, Özkent signed with Evren Records which was known for its high production standards and audiophile recording techniques. He started recording Gençlik İle Elele with a hand-picked team of musicians and released it 1973.[1] In 1975, he went to Belgium and the Netherlands to study music. Later, he stayed musically active in Turkey, releasing solo records and producing music.
In 2006, Gençlik İle Elele was reissued by British Finders Keepers record label, achieving rave reviews and commercial success. Following the success of the reissue, Özkent embarked a tour, performing the songs off the record on festivals such as Le Guess Who? and Europalia
https://en.wikipedia.org/wiki/Mustafa_%C3%96zkent

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Mustafa Özkent es un músico, compositor y arreglista turco. Conocido sobre todo por su álbum de 1973, Gençlik İle Elele, también se ganó una reputación como músico de sesión, arreglista y productor muy solicitado, "creando música que fusionaba influencias psicodélicas y pop/rock con surcos de R&B e improvisaciones influenciadas por el jazz". Andy Votel se refirió a él como el "Dr. Frankenstein del pop anatoliano".

Biografía
Özkent comenzó su carrera profesional en la banda The Teenagers en 1960. Emprendiendo una carrera como músico de sesión y arreglista, Özkent firmó con Evren Records, que era conocida por su alto nivel de producción y sus técnicas de grabación para audiófilos. Comenzó a grabar Gençlik İle Elele con un equipo de músicos seleccionados y lo publicó en 1973[1]. En 1975, se fue a Bélgica y a los Países Bajos para estudiar música. Más tarde, permaneció activo musicalmente en Turquía, publicando discos en solitario y produciendo música.
En 2006, Gençlik İle Elele fue reeditado por el sello discográfico británico Finders Keepers, logrando buenas críticas y éxito comercial. Tras el éxito de la reedición, Özkent se embarcó en una gira, interpretando las canciones del disco en festivales como Le Guess Who? y Europalia
https://en.wikipedia.org/wiki/Mustafa_%C3%96zkent


Saturday, August 1, 2026

The Madeira • Ruins [EP]



The Madeira plays surf music born of screaming wind over the sand dunes of the Sahara Desert, deafening echoes of waves pounding the Gibraltar Rock, joyous late-night gypsy dances in the small towns of Andalucia, and exotic cacophony of the Marrakesh town square. It is the surf music of the millennia-old Mediterranean mysteries.
Band Biography

The Madeira began in 2004 in Indianapolis, IN. The band features Ivan Pongracic on lead guitar, the founder of the 1990s surf music icons the Space Cossacks; Patrick O'Connor on rhythm guitar, the founder of the Indy space-surf mavens Destination: Earth!; Dane Carter on drums; and Todd Fortier on bass. We have released seven CDs: “Sandstorm” (2005), “Ruins” EP (2006), “Carpe Noctem” (2008), “Tribal Fires” (2012), "Sonic Cataclysm - Live" (2014), "Ancient Winds (2015) and "Center of the Surf - Live" (2018), all on Double Crown Records from Bellingham, WA. We've played all around the US, including four California tours as well as shows on the East Coast and in the South, though we primarily play in the Indiana/Illinois/Ohio/Michigan/Wisconsin area. We also headlined the third and final night of the 2009 Surfer Joe Festival in Livorno, Italy, followed by a 10-day Italian tour.

The Indianapolis weekly paper NUVO included "Carpe Noctem" in their April 2014 article "100 Best Hoosier Albums Ever," among albums by music legends Wes Montgomery, the Jackson Five and John Mellencamp. The band was also featured in a full-page article in the March 2014 issue of the Guitar Player magazine in the column titled "Now Hear This - Snappy Profiles of Players You Should Know." The May 2019 issue of the Vintage Guitar magazine featured the band in an article on the current surf music revival, referring to us as the "leading lights of the revival". UK's Pipeline magazine, the leading surf/instrumental-rock fanzine in the world, selected “Carpe Noctem” Album of the Year in 2008, "Sonic Cataclysm" Album of the Year in 2014, "Ancient Winds" Album of the Year in 2015, and “Sandstorm” and “Tribal Fires” as runners-up for the Album of the Year in 2006 and 2012, respectively.
https://themadeira.net/bio/

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La Madeira toca música de surf nacida de los gritos del viento sobre las dunas del desierto del Sahara, ecos ensordecedores de las olas golpeando el Peñón de Gibraltar, alegres bailes gitanos nocturnos en los pequeños pueblos de Andalucía, y la exótica cacofonía de la plaza del pueblo de Marrakech. Es la música de surf de los milenarios misterios mediterráneos.
Biografía de la banda

El Madeira comenzó en 2004 en Indianápolis, IN. La banda cuenta con Ivan Pongracic en la guitarra principal, el fundador de los iconos de la música surf de los 90, los Cosacos Espaciales; Patrick O'Connor en la guitarra rítmica, el fundador del Destino de los expertos en surf espacial de Indy: Tierra!; Dane Carter en la batería; y Todd Fortier en el bajo. Hemos lanzado siete CDs: "Sandstorm" (2005), "Ruins" EP (2006), "Carpe Noctem" (2008), "Tribal Fires" (2012), "Sonic Cataclysm - Live" (2014), "Ancient Winds" (2015) y "Center of the Surf - Live" (2018), todos en Double Crown Records de Bellingham, WA. Hemos tocado por todo EE.UU., incluyendo cuatro giras por California, así como espectáculos en la Costa Este y en el Sur, aunque principalmente tocamos en el área de Indiana/Illinois/Ohio/Michigan/Wisconsin. También encabezamos la tercera y última noche del Festival Surfer Joe 2009 en Livorno, Italia, seguido de una gira italiana de 10 días.

El semanario NUVO de Indianápolis incluyó "Carpe Noctem" en su artículo de abril de 2014 "100 Best Hoosier Albums Ever", entre los álbumes de las leyendas de la música Wes Montgomery, los Jackson Five y John Mellencamp. La banda también apareció en un artículo a toda página en la edición de marzo de 2014 de la revista Guitar Player en la columna titulada "Now Hear This - Snappy Profiles of Players You Should Know". En la edición de mayo de 2019 de la revista Vintage Guitar, la banda apareció en un artículo sobre el actual renacimiento de la música surf, refiriéndose a nosotros como los "líderes del renacimiento". La revista británica Pipeline, el principal fanzine de surf/instrumental-rock del mundo, seleccionó el Álbum del Año "Carpe Noctem" en 2008, el Álbum del Año "Sonic Cataclysm" en 2014, el Álbum del Año "Ancient Winds" en 2015, y "Sandstorm" y "Tribal Fires" como subcampeones del Álbum del Año en 2006 y 2012, respectivamente.
https://themadeira.net/bio/


https://themadeira.net/