Bruton Music Library • BRD6 Leisure

 

Bruton Music Library • BRP 06 Evolution

 

Alessandro Alessandroni • Afro Discoteca [12 inch]

Artist Biography by Bruce Eder

Alessandro Alessandroni isn't a household name in popular or film music, but his contributions to the two fields have made his work among the most familiar of any musician to emerge since the 1950s. Born in Soriano nel Cimino, north of Rome, in 1925, Alessandroni never aspired to formal music training -- he was entirely self-taught, and started learning the guitar and the mandolin by listening to and watching the men who made music at the family's barber shop. He listened to classical music on his own and bought his first mandolin at age 13. He also discovered as a boy that in addition to being proficient on a multitude of stringed and keyboard instruments, he had an uncanny ability to whistle. By his early thirties, he was making a living touring Germany as a singer, pianist, and guitarist, and he later formed a group in Rome called the Four Caravels whose sound was modeled on the work of the Four Freshmen, and served as their arranger as well as leader. The multi-talented Alessandroni was soon to become one of the busier session musicians in Italy, and achieve stardom in a wholy unexpected musical idiom.

During the early '60s, Alessandroni crossed paths professionally with a slightly younger former boyhood friend, Ennio Morricone, who, after a few years as a musician working in jazz clubs, had begun to emerge in the field of movie music. Morricone had just scored his first Western and was working on another, and wanted to add some new sounds to his work. Alessandroni's guitar and his abilities as a whistler came to the fore on the resulting score for Guns Don't Argue, within the framework of a traditional Western ballad. But that success was merely a toe in the water in terms of their collaboration -- Morricone had another project in the pipeline, called A Fistful of Dollars (1964), a Western that was anything but traditional, and it was here that Alessandroni began collaborating with him in the making of some much more important music, and utilizing far more of his range as a guitarist as well.

With a lonely, echo-drenched whistle over a repetitive guitar figure, with added flutes, whip-cracks, and Alessandroni's Duane Eddy-style electric guitar coming in along with a wordless male chorus -- courtesy of Alessandroni's vocal group, now expanded to a dozen or more members and renamed I Cantori Moderni -- the haunting title track redefined the sound of Western movie music. Ironically, Alessandroni could almost have been the Brian Wilson of Italy -- he certainly made use of some of the same sources of inspiration, including the Four Freshmen and the twangy guitar of Duane Eddy or Dick Dale, that had led Wilson and the Beach Boys to their brand of surf music, but simply utilized them in a different combination that seemed somehow uniquely suited to the Western. Alessandroni subsequently worked with Morricone on most of the latter's Western scores of the period, including the gorgeous theme for A Pistol for Ringo -- which was a dazzling showcase for Alessandroni as a guitarist and I Cantori Moderni, in a hauntingly lyrical mode, far from their usual rough vocal fills on the Sergio Leone Western scores. He was all over the main title theme for The Good, the Bad and the Ugly, and his guitar and vocal group were also featured prominently on Once Upon a Time in the West. He and Morricone also worked on such non-Leone Westerns as A Gun for Ringo -- which was a dazzling showcase for his guitar and I Cantori Moderni's singing in a much more lyrical mode, in place of their usual rough fills in the Leone movies -- The Big Gundown, Navajo Joe, and the non-Western Without Apparent Motive. By the end of the 1960s, as Hollywood began noting the success that Leone was achieving with his Italian-made horse operas, the production of Westerns began anew in earnest in the United States, and the brief given composers such as Dominic Frontiere and others on movies such as Hang 'Em High was to emulate Morricone, which was also meant to emulate Alessandroni. Thus, American session players such as Tommy Tedesco ended up paying homage to the Rome-based guitarist who'd started out a fan of the Four Freshmen, Duane Eddy, and Dick Dale. And thanks to the continued interest in Morricone's scores and their durability as music, as well as the critical attention accorded Leone's movies, Alessandroni remains one of the most prominent and influential musicians ever to play on film scores or, through that medium, to influence popular music around the world. Over the decades since his music was popularized in film music, Alessandroni has worked with dozens of star performers, including Americans such as Paul Anka, and most of Italy's top talent.

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Biografía del artista por Bruce Eder

Alessandro Alessandroni no es un nombre muy conocido en la música popular o de películas, pero sus contribuciones a los dos campos han hecho que su trabajo sea uno de los más familiares de cualquier músico que haya surgido desde los años 50. Nacido en Soriano nel Cimino, al norte de Roma, en 1925, Alessandroni nunca aspiró a una formación musical formal - fue completamente autodidacta, y comenzó a aprender la guitarra y la mandolina escuchando y viendo a los hombres que hacían música en la peluquería de la familia. Escuchó música clásica por su cuenta y compró su primera mandolina a los 13 años. También descubrió de niño que además de ser competente en una multitud de instrumentos de cuerda y de teclado, tenía una asombrosa habilidad para silbar. A los treinta y pocos años, se ganaba la vida haciendo giras por Alemania como cantante, pianista y guitarrista, y más tarde formó un grupo en Roma llamado "Las Cuatro Caravelas", cuyo sonido estaba basado en el trabajo de los Cuatro Novatos, y sirvió como su arreglista y líder. El polifacético Alessandroni pronto se convertiría en uno de los músicos de sesión más ocupados de Italia, y alcanzaría el estrellato en un inesperado e inusual lenguaje musical.

A principios de los años 60, Alessandroni se cruzó profesionalmente con un antiguo amigo de la infancia un poco más joven, Ennio Morricone, quien, después de unos años como músico que trabajaba en clubes de jazz, había empezado a emerger en el campo de la música para películas. Morricone acababa de componer su primer western y estaba trabajando en otro, y quería añadir algunos sonidos nuevos a su trabajo. La guitarra de Alessandroni y sus habilidades como silbador salieron a relucir en la partitura resultante para Guns Don't Argue, en el marco de una balada tradicional del Western. Pero ese éxito fue sólo un dedo del pie en términos de su colaboración - Morricone tenía otro proyecto en marcha, llamado A Fistful of Dollars (1964), un western que era todo menos tradicional, y fue aquí donde Alessandroni comenzó a colaborar con él en la creación de una música mucho más importante, y utilizando mucho más de su rango como guitarrista también.

Con un silbido solitario y lleno de eco sobre una figura de guitarra repetitiva, con flautas añadidas, chasquidos de látigo y la guitarra eléctrica estilo Duane Eddy de Alessandroni entrando junto con un coro masculino sin palabras -cortesía del grupo vocal de Alessandroni, ahora ampliado a una docena o más miembros y rebautizado como I Cantori Moderni- la inquietante pista del título redefinió el sonido de la música de las películas occidentales. Irónicamente, Alessandroni casi podría haber sido el Brian Wilson de Italia - ciertamente hizo uso de algunas de las mismas fuentes de inspiración, incluyendo a los cuatro novatos y la guitarra de Duane Eddy o Dick Dale, que había llevado a Wilson y a los Beach Boys a su marca de música surf, pero simplemente los utilizó en una combinación diferente que parecía de alguna manera única para el Oeste. Alessandroni trabajó posteriormente con Morricone en la mayoría de las partituras occidentales de este último en el período, incluyendo el magnífico tema de Una Pistola para Ringo - que fue un deslumbrante escaparate para Alessandroni como guitarrista y yo Cantori Moderni, en un modo lírico inolvidable, lejos de sus habituales y ásperos rellenos vocales en las partituras occidentales de Sergio Leone. El tema principal de The Good, the Bad and the Ugly (El bueno, el malo y el feo), y su guitarra y su grupo vocal también fueron destacados en Once Upon a Time in the West (Érase una vez en el Oeste). Él y Morricone también trabajaron en westerns no solitarios como A Gun for Ringo - que fue un deslumbrante escaparate para su guitarra y el canto de I Cantori Moderni en un modo mucho más lírico, en lugar de sus habituales rellenos en las películas de Leone - The Big Gundown, Navajo Joe, y el no occidental Without Apparent Motive. A finales de los años 60, cuando Hollywood empezó a notar el éxito que Leone estaba logrando con sus óperas de caballos hechas en Italia, la producción de Westerns empezó de nuevo en serio en los Estados Unidos, y el mandato dado a compositores como Dominic Frontiere y otros en películas como Hang 'Em High era emular a Morricone, que también debía emular a Alessandroni. Así, los músicos de sesión americanos como Tommy Tedesco acabaron rindiendo homenaje al guitarrista romano que había empezado como fan de los Four Freshmen, Duane Eddy y Dick Dale. Y gracias al continuo interés en las partituras de Morricone y su durabilidad como música, así como a la atención crítica que se presta a las películas de Leone, Alessandroni sigue siendo uno de los músicos más prominentes e influyentes que jamás haya tocado en partituras de películas o, a través de ese medio, ha influido en la música popular de todo el mundo. Durante los decenios transcurridos desde que su música se popularizó en la música de las películas, Alessandroni ha trabajado con docenas de intérpretes estrella, incluidos estadounidenses como Paul Anka, y la mayoría de los principales talentos de Italia.

Más información en español aquí ... http://themoviescores.com/biografia-alessandroni-alessandro/

Herbie Mann • Bird In A Silver Cage

Review by Jim Newsom

Another example of Herbie Mann's quest for new playing environments leading him to follow another trend, in this case the disco music coming out of Germany in the mid-to-late seventies. Co-producer and arranger Sylvester Levay had been behind the dance-floor success of Silver Convention, including their big hit, "Fly, Robin, Fly," and was involved with the German electronic and techno genres. On Bird in a Silver Cage, he surrounds Mann with a string ensemble from the Munich Philharmonic Orchestra, provides an insistent disco beat, tacks on some inane background vocals and lets the flute master fly over top. This works fine on the title track and on "Birdwalk," a classic of the Mann repertoire of this era, but "Aria" is awful, and "The Piper" is a piece of generic disco in search of John Travolta and the spinning mirror ball.

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Reseña de Jim Newsom

Otro ejemplo de la búsqueda de Herbie Mann de nuevos entornos de juego que le llevó a seguir otra tendencia, en este caso la música disco que salió de Alemania a mediados y finales de los setenta. El coproductor y arreglista Sylvester Levay estuvo detrás del éxito en la pista de baile de Silver Convention, incluyendo su gran éxito, "Fly, Robin, Fly", y estuvo involucrado con los géneros electrónicos y tecno alemanes. En "Bird in a Silver Cage", rodea a Mann con un conjunto de cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Múnich, le da un insistente ritmo de discoteca, toca algunas voces de fondo insustanciales y deja que el maestro de la flauta vuele por encima de todo. Esto funciona bien en la pista del título y en "Birdwalk", un clásico del repertorio de Mann de esta época, pero "Aria" es horrible, y "The Piper" es una pieza de discoteca genérica en busca de John Travolta y la bola de espejos giratoria.

Turn the Beat Around: The Secret History of Disco

 

Disco may be the most universally derided musical form to come about in the past forty years. Yet, like its pop cultural peers punk and hip hop, it was born of a period of profound social and economic upheaval. In Turn the Beat Around, critic and journalist Peter Shapiro traces the history of disco music and culture. From the outset, disco was essentially a shotgun marriage between a newly out and proud gay sexuality and the first generation of post-civil rights African Americans, all to the serenade of the recently developed synthesizer. Shapiro maps out these converging influences, as well as disco's cultural antecedents in Europe, looks at the history of DJing, explores the mainstream disco craze at it's apex, and details the long shadow cast by disco's performers and devotees on today's musical landscape.

One part cultural study, one part urban history, and one part glitter-pop confection, Turn the Beat Around is the most comprehensive study of the Me Generation to date.

 

 Peter Shapiro (Author)

 

Disco, Punk, New Wave, Heavy Metal, and More Music in the 1970s and 1980s

 

Although rock music continued to dominate the music scene, the sounds of the 197s and ‘8s differed greatly from the music of the preceding decades, reflecting newer social realities. The aggressive sounds of punk music began to appeal to youth, while disco reached across cultures and brought diverse crowds together in dance clubs. New Wave had a playful, chill feel, while the electronic guitar-laden sounds heavy metal were anything but. Readers examine the various styles of music that defined the 197s and ‘8s, profiling the artists who captured the spirit of rapid social and cultural change.

 

Bruton Music Library • BRH12 Sparkle

 

Disco Days: A Social History of the 1970's

 

Richard T. Stanley (Autor)

VA • Jon Savage's The Secret Public: How The LGBTQ+ Aesthetic Shaped Pop Culture 1955 - 1979

 

Homosexuality has been a part of post-war popular music since its very inception. Until the early 70s, however, it wasn’t talked about openly in that world: it was coded, hidden, secret. This of course mirrored society - during the 50s and 60s, the gay community felt like outcasts: harassed by the police, demonised by the media and politicians, imprisoned simply for being who they were.

This compilation spans the time before and after Bowie, reflecting both the coded nature about the topic in the 50s and 60s and the greater openness that occurred in the early 70s. It begins in late 1955, with the extraordinary success of Little Richard; continues through early-60s pop and pop art; Tamla and Soul, Glam Rock, the early 70’s funk and disco that was played in the underground New York clubs, and then moves on to the omnipresence of Disco, in the late seventies.

This double CD compilation is about freedom - and freedom for all. Whilst some of the artists identify as LGBTQ+, then or now, some are included simply because they were played in gay or lesbian clubs — where their lyric or sound proved useful and enjoyable to the patrons - or because they were shaped in some way by the gay aesthetic or gay managers. It’s a love letter to the entwined world of music and sexuality in all its many guises and we hope you enjoy the ride.

This compilation will coincide with "The Secret Public: How LGBTQ Resistance Shaped Popular Culture (1955-1979)"  a monumental history of the LGBTQ influence on popular culture from the award-winning Sunday Times bestselling author Jon Savage which will be published by Faber: 06.06.2024.

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La homosexualidad ha formado parte de la música popular de posguerra desde sus inicios. Sin embargo, hasta principios de los 70, no se hablaba abiertamente de ella en ese mundo: era algo codificado, oculto, secreto. Esto, por supuesto, reflejaba la sociedad: durante los años 50 y 60, la comunidad gay se sentía marginada: acosada por la policía, demonizada por los medios y los políticos, encarcelada simplemente por ser quien era.

Esta recopilación abarca el período anterior y posterior a Bowie, reflejando tanto la naturaleza codificada del tema en los años 50 y 60 como la mayor apertura que se produjo a principios de los 70. Comienza a finales de 1955, con el extraordinario éxito de Little Richard; continúa con el pop y el arte pop de principios de los 60; el Tamla y el Soul, el Glam Rock, el funk y la música disco de principios de los 70 que se escuchaban en los clubes underground de Nueva York, y luego pasa a la omnipresencia de la música disco a finales de los 70.

Esta recopilación de dos CDs trata sobre la libertad, y la libertad para todos. Si bien algunos artistas se identifican como LGBTQ+, entonces o ahora, otros están incluidos simplemente porque tocaron en clubes gay o lésbicos —donde sus letras o sonido resultaron útiles y agradables para los asistentes— o porque fueron influenciados de alguna manera por la estética gay o los representantes gays. Es una carta de amor al mundo entrelazado de la música y la sexualidad en todas sus múltiples facetas, y esperamos que disfruten del viaje.

Esta recopilación coincidirá con "The Secret Public: How LGBTQ Resistance Shaped Popular Culture (1955-1979)", una historia monumental sobre la influencia LGBTQ en la cultura popular del galardonado autor superventas del Sunday Times, Jon Savage, que será publicada por Faber el 6 de junio de 2024.


 

acerecords.co.uk ...

Janko Nilovic & The Soul Surfers • Maze Of Sounds

 

Janko Nilović (born 20 May 1941 in Istanbul) is a Montenegrin pianist, poet, and composer, who has lived in France since 1960.
He has published many works, most of them on library labels not available for sale to the public. His oeuvre stretches from classical, jazz, and funk to pop, psyche, and easy listening.
He arranged the songs of Michel Jonasz and Gérard Lenorman.
Nilović creates poetic musical images by bending the edges of styles, cross-pollinating them. He recorded many albums for the Montparnasse 2000 library label which specializes in music for radio and television, musical illustrators, and film music clubs.

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Traducción Automática:
Janko Nilović (nacido el 20 de mayo de 1941 en Estambul) es un pianista, poeta y compositor montenegrino que ha vivido en Francia desde 1960.
Ha publicado muchos trabajos, la mayoría de ellos en etiquetas de bibliotecas que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde música clásica, jazz y funk hasta pop, psyche y fácil escucha.
Organizó las canciones de Michel Jonasz y Gérard Lenorman.
Nilović crea imágenes musicales poéticas doblando los bordes de los estilos y haciendo una polinización cruzada. Grabó muchos álbumes para el sello de la biblioteca Montparnasse 2000 que se especializa en música para radio y televisión, ilustradores musicales y clubes de música de cine.



www.jankonilovic.com ...

Bruton Music Library • BRJ 14 Spectrum

 

Bruton Music Library • BRL1 Auturbine

 

Bruton Music Library • BRH 02 Heavy Rock

 

Bruton Music Library • BRG15 Spectacle

 

Earth Wind & Fire • The Very Best Of

www.earthwindandfire.com ...

Bruton Music Library • BRL02 Industrial Power

 

Bruton Music Library • BRE 3 Kids And Cartoons

 

Bruton Music Library • BRH 16 City Limits

 

Janko Nilovic • Soul Impressions

 

Janko Nilović (born 20 May 1941 in Istanbul) is a Montenegrin pianist, poet, and composer, who has lived in France since 1960.
He has published many works, most of them on library labels not available for sale to the public. His oeuvre stretches from classical, jazz, and funk to pop, psyche, and easy listening.
He arranged the songs of Michel Jonasz and Gérard Lenorman.
Nilović creates poetic musical images by bending the edges of styles, cross-pollinating them. He recorded many albums for the Montparnasse 2000 library label which specializes in music for radio and television, musical illustrators, and film music clubs.

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Traducción Automática:
Janko Nilović (nacido el 20 de mayo de 1941 en Estambul) es un pianista, poeta y compositor montenegrino que ha vivido en Francia desde 1960.
Ha publicado muchos trabajos, la mayoría de ellos en etiquetas de bibliotecas que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde música clásica, jazz y funk hasta pop, psyche y fácil escucha.
Organizó las canciones de Michel Jonasz y Gérard Lenorman.
Nilović crea imágenes musicales poéticas doblando los bordes de los estilos y haciendo una polinización cruzada. Grabó muchos álbumes para el sello de la biblioteca Montparnasse 2000 que se especializa en música para radio y televisión, ilustradores musicales y clubes de música de cine.

 
www.jankonilovic.com ...

Rob Franken • I’m Gonna Love You