Michel Camilo • Rhapsody In Blue

 

Artist Biography

Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.

Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.

Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.

November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.

Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.

Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.

He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.

In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.

At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.

In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.

In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.

2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.

In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.

August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

https://www.allmusic.com/artist/michel-camilo-mn0000889856/biography

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Biografía del artista

El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.

Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.

Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.

La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.

Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.

Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.

Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En 1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.

En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.

En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.

En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.

El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.

En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al baterista Horacio "El Negro" Hernández.

En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el "sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

https://www.allmusic.com/artist/michel-camilo-mn0000889856/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

www.michelcamilo.com ...

Frank Chacksfield • The Music Of George Gershwin

 

Biography
by Stephen Thomas Erlewine
Frank Chacksfield (b. May 9, 1914, Battle, Sussex, England; d. June 9, 1995) is a pianist and organist who had a series of hit singles in the '50s, most notably with "Ebb Tide."

Chacksfield learned how to play piano as a child. While he was a boy, he was the deputy organist for the local church. Though his parents discouraged him to pursue music as a career, he persevered. In the late '30s, when he was in his mid-20s, he was leading small musical bands in Britain. In 1940, he enlisted in the British army. During the war, he had his first radio broadcast, "Original Songs At the Piano," which orignated from Glasgow. Shortly after its broadcast, Chacksfield landed a job as the arranger for Stars In Battledress, a World War II entertainment troupe.

After the war, Chacksfield supported Charlie Chester's comedy group, Stand Easy. The connection with Chester led to Chacksfield's first recording, as the accompanist for Frederick Ferrari, one of Chester's lead singers. During this time, he was formed his own group, the Tunesmiths, and conducted orchestras for Henry Hall and Geraldo.

Frank Chacksfield signed with Decca and made his recorded solo debut in the early '50s. Soon, he scored a novelty hit single with "Little Red Monkey," which climbed to number three on the British charts in the spring of 1953. That summer, he had a Top 10 hit on both sides of the Atlantic with the "Theme from Limelight," which featured a lush, sweeping orchestra. The next year, Chacksfield followed with "Ebb Tide," which replicated the arrangement for "Limelight" and was equally successful. It was his first US hit single, peaking at number two.

For the rest of the '50s, Chacksfield released a series of popular instrumental singles, as well as accompanying albums. In the '60s, he had a weekly program on British radio; as he got older, he made the occasional appearance on UK radio shows.

Frank Chacksfield continued to record into the '90s; his last album was Thanks for the Memories (Academy Award Winners 1934-55), which was 1991.
https://www.allmusic.com/artist/frank-chacksfield-mn0000043647/biography

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Biografía
por Stephen Thomas Erlewine
Frank Chacksfield (nacido el 9 de mayo de 1914 en Battle, Sussex, Inglaterra; fallecido el 9 de junio de 1995) es un pianista y organista que tuvo una serie de éxitos en los años 50, sobre todo con "Ebb Tide".

Chacksfield aprendió a tocar el piano de niño. Cuando era un niño, era el organista suplente de la iglesia local. Aunque sus padres le desaconsejaron seguir la música como carrera, perseveró. A finales de los años 30, cuando tenía veinticinco años, dirigía pequeñas bandas musicales en Gran Bretaña. En 1940 se alistó en el ejército británico. Durante la guerra, realizó su primera emisión de radio, "Original Songs At the Piano", que se emitió desde Glasgow. Poco después de su emisión, Chacksfield consiguió un trabajo como arreglista de Stars In Battledress, una compañía de entretenimiento de la Segunda Guerra Mundial.

Después de la guerra, Chacksfield apoyó al grupo de comedia de Charlie Chester, Stand Easy. La conexión con Chester condujo a la primera grabación de Chacksfield, como acompañante de Frederick Ferrari, uno de los cantantes principales de Chester. Durante esta época, formó su propio grupo, los Tunesmiths, y dirigió orquestas para Henry Hall y Geraldo.

Frank Chacksfield firmó con Decca e hizo su debut en solitario a principios de los años 50. Pronto consiguió un éxito con "Little Red Monkey", que llegó al número tres de las listas británicas en la primavera de 1953. Ese verano, consiguió un éxito en el Top 10 en ambos lados del Atlántico con el "Theme from Limelight", que contaba con una orquesta exuberante y arrolladora. Al año siguiente, Chacksfield siguió con "Ebb Tide", que reproducía el arreglo de "Limelight" y tuvo el mismo éxito. Fue su primer éxito en Estados Unidos, llegando al número dos.

Durante el resto de la década de los 50, Chacksfield lanzó una serie de singles instrumentales populares, así como álbumes de acompañamiento. En los años 60, tenía un programa semanal en la radio británica; a medida que envejecía, aparecía ocasionalmente en programas de radio del Reino Unido.

Frank Chacksfield siguió grabando hasta los años 90; su último álbum fue Thanks for the Memories (Academy Award Winners 1934-55), de 1991.
https://www.allmusic.com/artist/frank-chacksfield-mn0000043647/biography

The Bassface Swing Trio • Plays Gershwin

Swing trio founded by bassist Jean-Philippe Wadle in 2003.

 

 

http://www.bassface.de

Massimo Farao • Plays the Great Jazz American Composers - George Gershwin

 

Renato Sellani • Thank You, George Gershwin

 

Review by Ken Dryden
One of the acid tests to evaluate jazz musicians is to put them into a duo setting. This all-Gershwin program, pairing veteran pianist Renato Sellani and a rising young star, Fabrizio Bosso, who doubles on trumpet and flugelhorn, succeeds with flying colors. Since most (if not all) of this music is already very well known to jazz fans, the duo has their work cut out for them to find new approaches to each song. "The Man I Love" combines Bosso's virtuoso flügelhorn (including an incredible unaccompanied coda) and Sellani's spacious, understated accompaniment to produce a masterful interpretation. "Oh, Lady be Good!" is one of the most familiar pieces in the jazz canon, but their marvelous, playful, and subtle introduction builds up the tension before they finally switch to a more typical tempo. "Soon" is not quite as well known as the remaining compositions on this CD, but their richly textured treatment of the lyrical ballad is a gem to behold. The two musicians are at their very best in the old warhorse "I Got Rhythm," which features Sellani at his most playful and some sassy muted work by Bosso. This is highly recommended. 
https://www.allmusic.com/album/thank-you-george-gershwin-mw0000434621

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Reseña de Ken Dryden
Una de las pruebas de fuego para evaluar a los músicos de jazz es ponerlos a dúo. Este programa de Gershwin, que combina al veterano pianista Renato Sellani y a una joven estrella en ascenso, Fabrizio Bosso, que toca la trompeta y el fliscorno, lo consigue con creces. Dado que la mayor parte de esta música (si no toda) es ya muy conocida por los aficionados al jazz, el dúo tiene mucho trabajo para encontrar nuevos enfoques a cada canción. «The Man I Love» combina el virtuoso flügelhorn de Bosso (incluyendo una increíble coda sin acompañamiento) y el espacioso y discreto acompañamiento de Sellani para producir una interpretación magistral. «Oh, Lady be Good!» es una de las piezas más conocidas del canon jazzístico, pero su maravillosa, juguetona y sutil introducción aumenta la tensión antes de que finalmente cambien a un tempo más típico. «Soon» no es tan conocida como el resto de composiciones de este CD, pero su tratamiento de la balada lírica, rico en texturas, es una joya digna de contemplar. Los dos músicos están en su mejor momento en el viejo caballo de batalla «I Got Rhythm», que presenta a Sellani en su momento más juguetón y un descarado trabajo de sordina por parte de Bosso. Muy recomendable. 
https://www.allmusic.com/album/thank-you-george-gershwin-mw0000434621

George Gershwin • Piano Rolls

Review by Scott Yanow
George Gershwin made 130 piano rolls between 1916-1927; 28 were recorded and released in 1998 on two Nonesuch CDs. This particular release has quite a few obscure Gershwin songs, including his very first tune, "When You Want 'Em, You Can't Get 'Em, When You've Got 'Em, You Don't Want 'Em." Certainly such tunes as "Novelette in Fourths," "So Am I," and "Idle Dreams" are long forgotten but worth reviving. Among the other highlights of the fascinating and highly enjoyable recital are "Sweet and Lowdown," "Swanee" and a 14-minute rendition of "Rhapsody in Blue." The 1933 item is a bit unusual, for it is a two-piano rendition of "An American in Paris" that lasts over 16 minutes and was arranged by Frank Milne. Well worth exploring.

 Editorial Reviews:
Imagine hearing George Gershwin play his own compositions in pristine sound! Pianist/scholar Artis Wodehouse transferred the rarest and most desirable of the over 130 piano rolls Gershwin made for player piano to the Yamaha Disklavier, which reproduced Gershwin's own performances on a 9-foot concert grand (or, in the case of American in Paris , two concert grands!).

 

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Reseña de Scott Yanow
George Gershwin hizo 130 rollos de piano entre 1916-1927; 28 fueron grabados y publicados en 1998 en dos CDs de Nonesuch. Este lanzamiento en particular tiene bastantes canciones oscuras de Gershwin, incluyendo su primera melodía, "When You Want 'Em, You Can't Get 'Em, When You've Got 'Em, You Don't Want 'Em". Ciertamente, melodías como "Novelette in Fourths", "So Am I" y "Idle Dreams" están olvidadas desde hace tiempo, pero merece la pena revivirlas. Entre los otros puntos destacados del fascinante y muy agradable recital están "Sweet and Lowdown", "Swanee" y una interpretación de 14 minutos de "Rhapsody in Blue". El tema de 1933 es un poco inusual, ya que se trata de una interpretación a dos pianos de "An American in Paris" que dura más de 16 minutos y fue arreglada por Frank Milne. Merece la pena explorarlo.

Reseñas editoriales:
Imagine escuchar a George Gershwin tocar sus propias composiciones con un sonido prístino. El pianista/estudioso Artis Wodehouse transfirió los más raros y deseables de los más de 130 rollos de piano que Gershwin hizo para el piano de cola al Yamaha Disklavier, que reproduce las propias interpretaciones de Gershwin en un piano de cola de 9 pies (o, en el caso de American in Paris , ¡dos pianos de cola!).

George Gershwin • The Essential George Gershwin

 

Review by Richie Unterberger
Although there are a couple of pieces performed by George Gershwin himself, the rest of this two-CD, 41-track compilation, The Essential George Gershwin, is devoted to interpretations of his works. It's impressive in its stylistic and chronological sprawl, though inconsistent. Spanning 1925-2002 (though most of it predates 1970), the performances include instrumental classical pieces; pop vocals by Frank Sinatra, Dinah Shore, Doris Day, Rosemary Clooney, Mel Torme, and Tony Bennett; and jazzier covers by Miles Davis, Ethel Waters, Billie Holiday, Benny Goodman, Harry James, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Alberta Hunter, and Cab Calloway. There are a number of cuts by artists more associated with the screen and stage than the recording studio, like Fred Astaire and Gene Kelly. And there are some rather unusual items here, like the 1960 cover of "It Ain't Necessarily So" by Aretha Franklin; the "Third Movement (Allegro Agitato)," from "Concerto in F," with Oscar Levant on piano (with the Philharmonic Symphony Orchestra of New York); and the whiter-than-white harmony pop of the Hi-Lo's on "Of Thee I Sing."

Many of Gershwin's major compositions are represented, including "I Got Rhythm," "Summertime," "Nice Work If You Can Get It," "Someone to Watch Over Me," "I've Got a Crush on You," "I Loves You Porgy" (seven of the selections are from Porgy and Bess), and "Rhapsody in Blue." If there are any drawbacks to this package, it's that with such a wide body of material that has been interpreted by so many artists in so many different ways, the final list is bound not to please everybody. As good as Aretha Franklin is, for instance, there have undoubtedly been better versions of "It Ain't Necessarily So," and as novel as the Hi-Lo's' arrangement of "Of Thee I Sing" is, it's so lightweight it treads the saccharine. Although the liner notes include a lot of original recording and release date information, it's unusually cagey in some respects. It doesn't include the label or format of release for numerous cuts. That leaves you to guess, though it's pretty obvious to many informed listeners, that much of this is, in fact, drawn from the Sony catalog: logical and convenient enough considering this is on Sony Classical/Legacy, but a condition that probably kept this retrospective from being as wide-ranging as it could have. Collectors might want to note the inclusion of four previously unreleased cuts: Benny Goodman's "Liza," Rosemary Clooney's "A Foggy Day," Fred Astaire's "They Can't Take That Away from Me," and Michael Feinstein's "Home Blues." It should be noted, though, that the version of "Rhapsody in Blue" with George Gershwin on piano combines his original 1925 recording with additional orchestration laid on in 1976, long after his death.
https://www.allmusic.com/album/the-essential-george-gershwin-mw0000592599

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Reseña de Richie Unterberger
Aunque hay un par de piezas interpretadas por el propio George Gershwin, el resto de esta recopilación de dos CD y 41 pistas, The Essential George Gershwin, está dedicado a interpretaciones de sus obras. Es impresionante en su extensión estilística y cronológica, aunque inconsistente. Las interpretaciones, que abarcan desde 1925 hasta 2002 (aunque la mayoría son anteriores a 1970), incluyen piezas clásicas instrumentales; voces pop de Frank Sinatra, Dinah Shore, Doris Day, Rosemary Clooney, Mel Torme y Tony Bennett; y versiones más jazzísticas de Miles Davis, Ethel Waters, Billie Holiday, Benny Goodman, Harry James, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Alberta Hunter y Cab Calloway. Hay varios cortes de artistas más asociados con la pantalla y el escenario que con el estudio de grabación, como Fred Astaire y Gene Kelly. Y hay algunos temas bastante inusuales aquí, como la versión de 1960 de «It Ain't Necessarily So» de Aretha Franklin; el «Tercer Movimiento (Allegro Agitato)», del «Concierto en Fa», con Oscar Levant al piano (con la Orquesta Sinfónica Filarmónica de Nueva York); y la armonía pop más blanca que blanca de los Hi-Lo's en «Of Thee I Sing».

Muchas de las principales composiciones de Gershwin están representadas, incluyendo «I Got Rhythm», «Summertime», «Nice Work If You Can Get It», «Someone to Watch Over Me», «I've Got a Crush on You», «I Loves You Porgy» (siete de las selecciones son de Porgy and Bess) y «Rhapsody in Blue». Si hay algún inconveniente en este paquete, es que con un corpus tan amplio de material que ha sido interpretado por tantos artistas de tantas maneras diferentes, la lista final no gustará a todo el mundo. Por muy buena que sea Aretha Franklin, por ejemplo, no cabe duda de que ha habido mejores versiones de «It Ain't Necessarily So», y por muy novedoso que sea el arreglo de Hi-Lo's de «Of Thee I Sing», es tan ligero que roza lo sacarino. Aunque las notas de presentación incluyen mucha información sobre la grabación original y la fecha de lanzamiento, son inusualmente cautelosas en algunos aspectos. No incluye la etiqueta ni el formato de edición de numerosos cortes. Esto deja al lector la tarea de adivinar, aunque es bastante obvio para muchos oyentes informados, que gran parte de este disco procede, de hecho, del catálogo de Sony: algo lógico y conveniente teniendo en cuenta que se trata de Sony Classical/Legacy, pero una condición que probablemente impidió que esta retrospectiva fuera todo lo amplia que podría haber sido. A los coleccionistas les interesará la inclusión de cuatro cortes inéditos: «Liza» de Benny Goodman, “A Foggy Day” de Rosemary Clooney, “They Can't Take That Away from Me” de Fred Astaire y “Home Blues” de Michael Feinstein. Cabe señalar, no obstante, que la versión de «Rhapsody in Blue» con George Gershwin al piano combina su grabación original de 1925 con una orquestación adicional realizada en 1976, mucho después de su muerte.
https://www.allmusic.com/album/the-essential-george-gershwin-mw0000592599

 

 

Winifred Atwell • Plays Gershwin

 

 

Biography
by Sharon Mawer
Winifred Atwell was one of the stars of the early British charts when they were introduced for the first time in the 1950s, playing an upright piano in a boogie-woogie style of ragtime. She was born on February 27, 1914, in Tunapuna on the island of Trinidad. Her father owned a pharmacy, and although the young Winifred was trained in chemistry and was expected to join the family business, she was always more interested in performing for U.S. servicemen either at the air base or a local club, Piarco. Having trained from a very early age on the piano, she was proficient enough to satisfy the troops stationed in the Caribbean, when someone asked her to play in the popular style of boogie-woogie. When she returned to the club, she had written the song "Piarco Boogie," which was later to be retitled "Five Finger Boogie." Atwell moved to America in the early '40s to study the piano with Alexander Borovsky and later to London, where she studied at the Royal Academy of Music and became the first female pianist to be awarded the highest grade for musicianship. Supplementing her income while studying, she played ragtime at various London clubs and was spotted at the Casino Theatre by entrepreneur Bernard Delfont, who signed her to a recording contract with Decca Records.

In 1946 Atwell met the comedian Lew Levisohn, who was to become her husband. Levinsohn suggested that an original sound and stage presentation might be achieved if Atwell first played a classical piece on a concert grand piano and then a ragtime on a battered upright, which they purchased in a junk shop for £2.50. This would become known as Atwell's "other piano," and would travel with her around the world, even to the Sydney Opera House. Both pianos would be very slightly detuned to give a faint off-key sound, and this originality was one of the stepping stones to her successful career. She also appeared cheerful with a dazzling smile and a warm personality, and in Britain during the late '40s, dominated by rationing after World War II, it was a welcome relief to be entertained by this very special lady. One of her recordings that became extremely popular in the early '50s was actually written in the 1920s by George Botsford and titled "Black and White Rag," which received an enormous amount of radio play and would later become famous as the signature tune for the BBC snooker series Pot Black.

When Britain introduced pop charts in November 1952, Atwell was one of the first black artists to hit the Top Ten and the first instrumentalist in the chart, with the song "Britannia Rag." The hits continued throughout the 1950s, including "Coronation Rag" in the summer of 1953 to celebrate Queen Elizabeth II's coronation, and at Christmas she recorded the first of her piano medleys of music hall songs under the title "Let's Have a Party," which included "If You Knew Susie," "The More We Are Together," "Knees Up Mother Brown," "Daisy Bell," "Boomps a Daisy," and "She Was One of the Early Birds." Setting a trend that would continue on all of her medleys, side one of the single was an uptempo rag while the B-side was a slightly slower medley. Reverting to her classical training, she hit the charts in 1954 with Rachmaninov's 18th Variation on a Theme by Paganini, and at Christmas she achieved her first number one hit with another medley, "Let's Have Another Party." The mid-'50s were a period of peak popularity for her in Britain, with Atwell playing at the Royal Variety Show and even at a private party for the Queen, where a personal encore of "Roll Out the Barrel" was requested.

Her breakthrough performance in the U.S.A. was due to have been as a guest on The Ed Sullivan Show in 1956, but she was confronted with racist opposition to the idea of a black woman appearing as a guest, and the show was never even recorded. She encountered no such problems in Australia, where she visited in 1956 and became equally as popular. Back in Britain in that year she enjoyed her second number one single, a version of the French song "Poor People of Paris." After this hit, her massive popularity diminished with the two-pronged attack from the rise of rock & roll and a new young British pianist, Russ Conway, who began to have hit records with the same style of honky tonk/ragtime playing, and she found the Top Ten of the singles chart a difficult goal to reach, apart from her subsequent Christmas season medleys "Let's Have a Ding Dong," "Make It a Party," and "Piano Party." She was also exceedingly popular in Australia and was an outspoken critic of the plight of the Aborigines, and eventually she and her husband settled in Sydney. When Lew Levisohn died in 1977, she considered relocating back to Trinidad but remained in Australia. Tragedy struck in the early '80s when a fire destroyed her home in Narrabeen and she suffered a heart attack shortly afterwards. She died on February 28, 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

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Biografía
por Sharon Mawer
Winifred Atwell fue una de las estrellas de las primeras listas británicas cuando se presentaron por primera vez en la década de 1950, tocando un piano vertical en un estilo boogie-woogie de ragtime. Nació el 27 de febrero de 1914 en Tunapuna en la isla de Trinidad. Su padre era dueño de una farmacia y, aunque la joven Winifred tenía formación en química y se esperaba que se uniera al negocio familiar, ella siempre estuvo más interesada en actuar para los Estados Unidos. militares ya sea en la base aérea o en un club local, Piarco. Tras aprender a tocar el piano desde muy temprana edad, logró satisfacer a las tropas estacionadas en el Caribe cuando alguien le pidió que tocara el popular estilo boogie-woogie. Cuando regresó al club, había escrito la canción "Piarco Boogie", que luego pasaría a llamarse "Five Finger Boogie". Atwell se mudó a Estados Unidos a principios de los años 40 para estudiar piano con Alexander Borovsky y más tarde a Londres, donde estudió en la Royal Academy of Music y se convirtió en la primera pianista en recibir la calificación más alta en musicalidad. Para complementar sus ingresos mientras estudiaba, tocó ragtime en varios clubes de Londres y fue descubierta en el Casino Theatre por el empresario Bernard Delfont, quien le firmó un contrato discográfico con Decca Records.

En 1946, Atwell conoció al comediante Lew Levisohn, quien se convertiría en su marido. Levinsohn sugirió que se podría lograr un sonido y una presentación escénica originales si Atwell tocara primero una pieza clásica en un piano de cola de concierto y luego un ragtime en un vertical bateado, que compraron en una tienda de chatarra por £ 2,50. Este sería conocido como el "otro piano" de Atwell y viajaría con ella por todo el mundo, incluso hasta la Ópera de Sydney. Ambos pianos estaban ligeramente desafinados para dar un ligero sonido desafinado, y esta originalidad fue uno de los peldaños de su exitosa carrera. También parecía alegre, con una sonrisa deslumbrante y una personalidad cálida, y en Gran Bretaña a finales de los años 40, dominada por la racionalización después de la Segunda Guerra Mundial, era un alivio bienvenido ser entretenida por esta dama tan especial. Una de sus grabaciones que se hizo extremadamente popular a principios de los años 50 fue escrita en la década de 1920 por George Botsford y titulada "Black and White Rag", que recibió una enorme cantidad de reproducción en la radio y más tarde se haría famosa como la melodía característica de la Serie de billar de la BBC Pot Black.

Cuando Gran Bretaña introdujo las listas de éxitos pop en noviembre de 1952, Atwell fue uno de los primeros artistas negros en llegar al Top Ten y el primer instrumentista en la lista, con la canción "Britannia Rag". Los éxitos continuaron a lo largo de la década de 1950, incluido "Coronation Rag" en el verano de 1953 para celebrar la coronación de la reina Isabel II, y en Navidad grabó el primero de sus popurrís para piano de canciones de music hall bajo el título "Let's Have a Party", que incluyó "If You Knew Susie", "The More We Are Together", "Knees Up Mother Brown", "Daisy Bell", "Boomps a Daisy" y "She Was One of the Early Birds". Estableciendo una tendencia que continuaría en todos sus popurrís, la cara uno del sencillo era un trapo rápido mientras que la cara B era un popurrí un poco más lento. Volviendo a su formación clásica, llegó a las listas de éxitos en 1954 con la 18.ª variación de Rachmaninov sobre un tema de Paganini, y en Navidad logró su primer éxito número uno con otro popurrí, "Let's Have Another Party". A mediados de los años 50 fue un período de máxima popularidad para ella en Gran Bretaña, con Atwell tocando en el Royal Variety Show e incluso en una fiesta privada de la Reina, donde se solicitó un bis personal de "Roll Out the Barrel".

Su gran actuación en los EE.UU. Debía haber estado como invitada en The Ed Sullivan Show en 1956, pero se enfrentó a una oposición racista a la idea de que una mujer negra apareciera como invitada, y el programa ni siquiera fue grabado. No encontró tales problemas en Australia, donde visitó en 1956 y se hizo igualmente popular. De regreso a Gran Bretaña ese año, disfrutó de su segundo sencillo número uno, una versión de la canción francesa "Poor People of Paris". Después de este éxito, su popularidad masiva disminuyó con el ataque doble del ascenso del rock & roll y un nuevo joven pianista británico, Russ Conway, que comenzó a grabar discos con el mismo estilo de tocar honky tonk/ragtime, y ella Consideró que el Top Ten de la lista de sencillos era un objetivo difícil de alcanzar, aparte de sus popurrís posteriores de la temporada navideña "Let's Have a Ding Dong", "Make It a Party" y "Piano Party". También fue muy popular en Australia y criticó abiertamente la difícil situación de los aborígenes y, finalmente, ella y su marido se establecieron en Sydney. Cuando Lew Levisohn murió en 1977, consideró regresar a Trinidad, pero permaneció en Australia. La tragedia se produjo a principios de los años 80 cuando un incendio destruyó su casa en Narrabeen y poco después sufrió un ataque cardíaco. Murió el 28 de febrero de 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

Chick Corea • Sardinia

 

 

 Coming amid a flurry of Chick Corea titles set for release in 2023—Candid Records' 10-LP set, Chick Corea Electric Band: The Complete Studio Recordings 1986-1991; the previously unreleased, Corea curated, 2-CD live Electric Band The Future Is Now and ECM's re-release of the pianist's first session for the label as a leader with Dave Holland and Barry Altschul, A.R.C. (1971)—it could be easy to overlook the exquisite music heard on Sardinia.

But let's not. For there is something uniquely festive, uniquely Corea afoot. Much of it recorded live with Orchestra da Camera Della Sardegna in Mogoro, Sardinia, on November 29, 2018, as a special guest artist for the 11th Annual Cultural Festival, this beautiful, stand-alone concert brings Corea's depth as a performer and interpreter into sharp, shining focus. In collaboration with conductor Simone Pittau (founder of both the Culture Festival and the Orchestra) Corea exhibits a deep understanding and reverence for music both as old and new as the moment itself.

It's no secret Corea had a playful, almost impish sense of humor when it came to creation, and create he does with all the humor and passion he's deservedly noted for on. Taking on Beethoven and Brahm's favorite minor-key concerto by Mozart ("Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491") and George Gershwin's epic "Rhapsody In Blue" in one performance is no small feat. And Corea, as always, is up for challenge. He positively romps on the rhapsody with a youthful verve that belies his years.

Fanciful yet faithful, pianist and orchestra relish toying with the many structural inventions within Mozart's concerto. Trading themes and exposition, the "Allegro" casts wide and soars higher. Corea effortlessly proves Einstein's theory that the "Larghetto" section "moved in regions of the purest and most moving tranquility, and has a transcendent simplicity of expression." Check that Albert. Playing upon a series of thematic variations, the "Allegretto" features Corea enthralled, leading the orchestra to its powerful, memorable close. Add a wistful "Someone To Watch Over Me" and Sardinia stands as another triumph in a life full of them.
https://www.allaboutjazz.com/sardinia-candid-records
By Mike Jurkovic
September 2, 2023

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Viniendo en medio de una avalancha de títulos de Chick Corea que se lanzarán en 2023: el conjunto de 10 LP de Candid Records, Chick Corea Electric Band: The Complete Studio Recordings 1986-1991; la Banda Eléctrica en vivo inédita, curada por Corea, de 2 CD The Future Is Now y el relanzamiento de ECM de la primera sesión del pianista para el sello como líder con Dave Holland y Barry Altschul, A. R. C. (1971), podría ser fácil pasar por alto la exquisita música que se escucha en Cerdeña.

Pero no lo hagamos. Porque hay algo singularmente festivo, singularmente Corea en marcha. Gran parte de ella grabada en vivo con la Orchestra da Camera Della Sardegna en Mogoro, Cerdeña, el 29 de noviembre de 2018, como artista invitado especial para el undécimo Festival Cultural Anual, este hermoso concierto independiente trae la profundidad de Corea como intérprete e intérprete a un enfoque nítido y brillante. En colaboración con la directora Simone Pittau (fundadora tanto del Festival de Cultura como de la Orquesta) Corea exhibe una profunda comprensión y reverencia por la música, tanto antigua como nueva, como el momento mismo.

No es ningún secreto que Corea tenía un sentido del humor juguetón, casi travieso, en lo que respecta a la creación, y crea con todo el humor y la pasión por los que se destaca merecidamente. Interpretar el concierto favorito en tonalidad menor de Beethoven y Brahm de Mozart ("Concierto para piano n. ° 24 en Do menor, Kv 491") y la épica "Rapsodia en azul" de George Gershwin en una sola interpretación no es poca cosa. Y Corea, como siempre, está preparada para el desafío. Juega positivamente con la rapsodia con un brío juvenil que contradice sus años.

Fantasiosos pero fieles, el pianista y la orquesta disfrutan jugando con las muchas invenciones estructurales del concierto de Mozart. Intercambiando temas y exposiciones, el "Allegro" se abre de par en par y se eleva más alto. Corea prueba sin esfuerzo la teoría de Einstein de que la sección" Larghetto "" se movió en regiones de la tranquilidad más pura y conmovedora, y tiene una simplicidad de expresión trascendente."Fíjate en ese Albert. Tocando una serie de variaciones temáticas, el" Allegretto " presenta a Corea cautivado, llevando a la orquesta a su cierre poderoso y memorable. Agregue un melancólico "Alguien que Me Cuide" y Cerdeña se erige como otro triunfo en una vida llena de ellos.
Por Mike Jurkovic
2 de septiembre de 2023
https://www.allaboutjazz.com/sardinia-candid-records

chickcorea.com ...

Elaine Delmar • Strike Up The Bandː Elaine Delmar Sings George Gershwin

Note from egroj: The version of "Summertime" is worth the record.

Artist Biography by Craig Harris

The daughter of late Jamaica-born jazz pianist Leslie "Jiver" Hutchinson, Elaine Delmar is one of England's truly loved entertainers.

Having made her debut as a pianist on BBC radio show The Children's Hour at the age of 13, Hutchinson has gone on to balance a career as a solo performer on England's club circuit and appearances in musical theater productions. She appeared in a 1962 revival of Finian's Rainbow in Liverpool and has appeared in such London productions as No Strings, Cowardly Custard, Bubbling Brown Sugar, and The Wiz. She made her Broadway debut in the 1985 production Goes to Hollywood, featuring music by Jerome Kern. She toured with actor/singer Paul Jones in Let's Do It, celebrating the 100th birthday of Cole Porter, in 1991. Reuniting with Jones two years later, she appeared in a series of concerts, Hooray for Hollywood, that featured songs from Porgy & Bess, Annie Get Your Gun, and Top Hat.

Delmar appeared as a princess in Ken Russell's 1974 biopic Mahler, based on the life of Austrian conductor/composer Gustav Mahler.

A member of her father's band, while still in high school Delmar performed at United States Air Force bases in England throughout the late '50s. She was touring with the group when her father died in a fatal auto accident in 1959.

https://www.allmusic.com/artist/elaine-delmar-mn0000795869/biography

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Nota de egroj: La sola versión de "Summertime" vale el disco.

Artist Biography by Craig Harris

The daughter of late Jamaica-born jazz pianist Leslie "Jiver" Hutchinson, Elaine Delmar is one of England's truly loved entertainers.

Having made her debut as a pianist on BBC radio show The Children's Hour at the age of 13, Hutchinson has gone on to balance a career as a solo performer on England's club circuit and appearances in musical theater productions. She appeared in a 1962 revival of Finian's Rainbow in Liverpool and has appeared in such London productions as No Strings, Cowardly Custard, Bubbling Brown Sugar, and The Wiz. She made her Broadway debut in the 1985 production Goes to Hollywood, featuring music by Jerome Kern. She toured with actor/singer Paul Jones in Let's Do It, celebrating the 100th birthday of Cole Porter, in 1991. Reuniting with Jones two years later, she appeared in a series of concerts, Hooray for Hollywood, that featured songs from Porgy & Bess, Annie Get Your Gun, and Top Hat.

Delmar appeared as a princess in Ken Russell's 1974 biopic Mahler, based on the life of Austrian conductor/composer Gustav Mahler.

A member of her father's band, while still in high school Delmar performed at United States Air Force bases in England throughout the late '50s. She was touring with the group when her father died in a fatal auto accident in 1959.

https://www.allmusic.com/artist/elaine-delmar-mn0000795869/biography

www.elainedelmar.com ...

 

Oscar Peterson • Plays the George Gershwin Song Book

 

One of the most admired pianists in jazz, Oscar Peterson has rightfully claimed the same sort of status as earlier greats such as James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson, Fats Waller, Thelonious Monk, Bud Powell, and Bill Evans. Possibly the most successful artist produced by Canada, he appeared on well over 200 albums spanning six decades and won numerous awards, including eight Grammys. During his career he performed and recorded with, among others, Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Duke Ellington, and Charlie Parker. He was beyond doubt an authentic jazz piano virtuoso, with a remarkable and prolific legacy of recordings and performances.

Oscar Emmanuel Peterson, CC, CQ, O.Ont was born on August 15, 1925 in Montreal, Quebec.He began learning trumpet and piano from his father at the age of five, but by the age of seven, after a bout of tuberculosis, he concentrated on the piano. Some of the artists who influenced Peterson during the early years were Teddy Wilson, Nat "King" Cole, James P. Johnson and the legendary Art Tatum, to whom many have tried to compare Peterson in later years. In fact, one of his first exposures to the musical talents of Tatum came early in his teen years when his father played a Tatum record to him and Peterson was so intimidated by what he heard that he did not touch the piano for over a week.

Peterson has also credited his sister Daisy, a noted piano teacher in Montreal who also taught several other noted Canadian jazz musicians, with being an important teacher and influence on his career.

He soon developed a reputation as a technically brilliant and melodically inventive jazz pianist, and became a regular on Canadian radio. His United States introduction was at Carnegie Hall, New York City in 1949 by Norman Granz; owing to union restrictions his appearance could not be billed.

An important step in his career was joining impresario Norman Granz's labels (especially Verve records) and Granz's Jazz at the Philharmonic package. Granz discovered Peterson in a peculiar manner: as the impresario was being taken to the Montreal airport by cab, the radio was playing a live broadcast of Peterson at a local night club. He was so smitten by what he heard that he ordered the driver to take him to the club so he could meet the pianist. So was born a lasting relationship, and Granz remained Peterson's manager for most of the latter's career. Through Granz's Jazz at the Philarmonic he was able to play with the major jazz artists of the time: some of his musical associates have included Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie, and Stan Getz.

Some cognoscenti assert that Peterson's best recordings were made for the MPS label in the late '60s and early '70s. For some years subsequently he recorded for Granz's Pablo Records after the label was founded in 1973 and in more recent years for the Telarc label.

In 1993, Peterson suffered a serious stroke that weakened his left side and sidelined him for two years. However he has overcome this setback and is today still working on a limited basis. In 1997 he received a Grammy for Lifetime Achievement and an International Jazz Hall of Fame Award, proof that Oscar Peterson is still regarded as one of the greatest jazz musicians ever to play.

In 2003, Peterson recorded a DVD A Night in Vienna for the Verve label, which clearly shows that Peterson's age limits his technical powers. Even so, his playing has lost but little of its charm, and he still tours the US and Europe, though maximally one month a year, with a couple of days rest between concerts to recover his strength. His accompaniment consists of Ulf Wakenius (guitar), David Young (bass) and Alvin Queen (drums), all leaders of their own groups.

His work has earned him seven Grammy awards over the years and he was elected to the Canadian Music Hall of Fame in 1978. He also belongs to the Juno Awards Hall of Fame and the Canadian Jazz and Blues Hall of Fame.

He was made an Officer of the Order of Canada in 1972, and promoted to Companion, its highest rank, in 1984. He is also a member of the Order of Ontario, a Chevalier of the National Order of Quebec, and an officer of the French Ordre des Arts et des Lettres.

He has received the Roy Thomson Award, a Toronto Arts Award for lifetime achievement, the Governor General's Performing Arts Award, the Glenn Gould Prize, the award of the International Society for Performing Artists, the Loyola Medal of Concordia University, the Praemium Imperiale World Art Award, the UNESCO Music Prize, and the Toronto Musicians' Association Musician of the Year award.

In 1999, Concordia University in Montreal renamed their Loyola-campus concert hall Oscar Peterson Concert Hall in his honor.

From 1991 to 1994 he was chancellor of York University in Toronto.

In 2004 the City of Toronto named the courtyard of the Toronto-Dominion Centre Oscar Peterson Square.

On August 15, 2005 Peterson celebrated his 80th birthday at the HMV flagship store in Toronto. A crowd of about 200 gathered to celebrate with him there. Diana Krall sang happy birthday to him and also performed a vocal version of one of Peterson's songs When Summer Comes. The lyrics for this version were written by Elvis Costello, Krall's husband. Canada Post unveiled a commemorative postage stamp in his honor. This marked the first time that a Canadian postage stamp was created celebrating an individual who was still alive other than members of the British Royal Family. The event was covered by a live radio broadcast by Toronto jazz station, jazz.fm.

Oscar Peterson, who sat atop the world of jazz piano for decades with his driving two-handed swing, technical wizardry and rapid-fire solos, died on Dec. 23, 2007, he was 82.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/oscar-peterson/

 

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Oscar Peterson, uno de los pianistas más admirados del jazz, ha reclamado legítimamente el mismo tipo de estatus que los grandes anteriores como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson, Fats Waller, Thelonious Monk, Bud Powell y Bill Evans. Posiblemente el artista más exitoso producido por Canadá, apareció en más de 200 álbumes que abarcaron seis décadas y ganó numerosos premios, incluidos ocho Grammys. Durante su carrera actuó y grabó con, entre otros, Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Duke Ellington y Charlie Parker. Era sin duda un auténtico virtuoso del piano de jazz, con un notable y prolífico legado de grabaciones e interpretaciones.

Oscar Emmanuel Peterson, CC, CQ, O. Ont nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal, Quebec.Comenzó a aprender trompeta y piano de su padre a los cinco años, pero a los siete, después de un ataque de tuberculosis, se concentró en el piano. Algunos de los artistas que influyeron en Peterson durante los primeros años fueron Teddy Wilson, Nat "King" Cole, James P. Johnson y el legendario Art Tatum, con quien muchos han tratado de comparar a Peterson en años posteriores. De hecho, una de sus primeras exposiciones al talento musical de Tatum se produjo a principios de su adolescencia, cuando su padre le tocó un disco de Tatum y Peterson se sintió tan intimidado por lo que escuchó que no tocó el piano durante más de una semana.

Peterson también le ha dado crédito a su hermana Daisy, una destacada profesora de piano en Montreal que también enseñó a varios otros destacados músicos de jazz canadienses, por ser una maestra importante e influencia en su carrera.

Pronto desarrolló una reputación como pianista de jazz técnicamente brillante y melódicamente inventivo, y se convirtió en un habitual de la radio canadiense. Su presentación en los Estados Unidos fue en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York en 1949 por Norman Granz; debido a restricciones sindicales, su aparición no pudo ser facturada.

Un paso importante en su carrera fue unirse a los sellos del empresario Norman Granz (especialmente Verve records) y al paquete Jazz at the Philharmonic de Granz. Granz descubrió a Peterson de una manera peculiar: mientras el empresario era llevado al aeropuerto de Montreal en taxi, la radio transmitía en vivo a Peterson en un club nocturno local. Quedó tan impresionado por lo que escuchó que ordenó al conductor que lo llevara al club para que pudiera conocer al pianista. Así nació una relación duradera, y Granz siguió siendo el manager de Peterson durante la mayor parte de la carrera de este último. A través del Jazz de Granz en la Filarmónica, pudo tocar con los principales artistas de jazz de la época: algunos de sus asociados musicales han incluido a Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie y Stan Getz.


Algunos conocedores afirman que las mejores grabaciones de Peterson se realizaron para el sello MPS a fines de los 60 y principios de los 70. Durante algunos años posteriormente grabó para Pablo Records de Granz después de que se fundara el sello en 1973 y en años más recientes para el sello Telarc.

En 1993, Peterson sufrió un derrame cerebral grave que debilitó su lado izquierdo y lo dejó de lado durante dos años. Sin embargo, ha superado este revés y hoy en día sigue trabajando de forma limitada. En 1997 recibió un Grammy por su Trayectoria y un Premio del Salón de la Fama del Jazz Internacional, prueba de que Oscar Peterson todavía es considerado como uno de los mejores músicos de jazz que jamás haya tocado.

En 2003, Peterson grabó un DVD A Night in Vienna para el sello Verve, que muestra claramente que la edad de Peterson limita sus poderes técnicos. Aun así, su forma de tocar ha perdido muy poco de su encanto, y todavía realiza giras por EE.UU. y Europa, aunque como máximo un mes al año, con un par de días de descanso entre conciertos para recuperar fuerzas. Su acompañamiento está formado por Ulf Wakenius (guitarra), David Young (bajo) y Alvin Queen (batería), todos líderes de sus propios grupos.

Su trabajo le ha valido siete premios Grammy a lo largo de los años y fue elegido miembro del Salón de la Fama de la Música Canadiense en 1978. También pertenece al Salón de la Fama de los Premios Juno y al Salón de la Fama del Jazz y Blues Canadiense.

Fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá en 1972 y ascendido a Compañero, su rango más alto, en 1984. También es miembro de la Orden de Ontario, Caballero de la Orden Nacional de Quebec y oficial de la Orden Francesa de las Artes y las Letras.

Ha recibido el Premio Roy Thomson, un Premio de las Artes de Toronto por logros de por vida, el Premio de Artes Escénicas del Gobernador General, el Premio Glenn Gould, el premio de la Sociedad Internacional de Artistas Escénicos, la Medalla Loyola de la Universidad de Concordia, el Premio Praemium Imperiale World Art, el Premio de Música de la UNESCO y el premio Músico del Año de la Asociación de Músicos de Toronto.

En 1999, la Universidad de Concordia en Montreal renombró su sala de conciertos Oscar Peterson Concert Hall del campus de Loyola en su honor.

De 1991 a 1994 fue rector de la Universidad de York en Toronto.

En 2004, la ciudad de Toronto nombró al patio del Toronto-Dominion Centre Oscar Peterson Square.

El 15 de agosto de 2005 Peterson celebró su 80 cumpleaños en la tienda insignia de HMV en Toronto. Una multitud de unos 200 se reunió para celebrar con él allí. Diana Krall le cantó feliz cumpleaños y también interpretó una versión vocal de una de las canciones de Peterson Cuando llega el verano. La letra de esta versión fue escrita por Elvis Costello, el esposo de Krall. Canada Post dio a conocer un sello postal conmemorativo en su honor. Esta fue la primera vez que se creó un sello postal canadiense para celebrar a una persona que aún estaba viva, aparte de los miembros de la Familia Real Británica. El evento fue cubierto por una transmisión de radio en vivo por Toronto jazz station, jazz.fm.

Oscar Peterson, quien se sentó en la cima del mundo del piano de jazz durante décadas con su swing a dos manos, su magia técnica y sus solos rápidos, murió el 2 de diciembre. El 23 de septiembre de 2007, tenía 82 años.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/oscar-peterson/

 

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