Return To Forever Feat. Chick Corea • No Mystery

 

Review
by Michael G. Nastos  
The fourth edition of Return to Forever was a band that emphasized the screaming wah-wah guitar of Al Di Meola and every electric keyboard Chick Corea could get his hands on to play furiously fast runs. Where the initial, airy Flora Purim/Airto/Joe Farrell edition gave way to the second undocumented group featuring Earl Klugh, and the third band with electric guitarist Bill Connors, this RTF was resplendently and unapologetically indulgent, ripping through riffs and charted, rehearsed melodies, and polyrhythms like a circular saw through a thin tree branch. Their immediacy and visceral power is why rock audiences were drawn to them, impressed by their speed-demon vagaries as much as their concern for musicality. Thank goodness No Mystery had more than its share of toned-down acoustic moments, as well as the powerhouse fighter jet stance that most of their fans craved. It's not nearly as balanced as the previous album Where Have I Known You Before?, but expounds on those themes -- inspired by Neville not Harry Potter -- in a more progressive though louder manner. The bold, dancing, and funky "Dayride" in a higher octave and vocal-type keyboard range perfectly identifies the group sound in a scant three-plus minutes. The two-part, 14-minute "Celebration Suite" gives you a larger view of the classical Bartok/Chopin influence of Corea, and the dramatic medieval or regal stance they alchemized with so many keyboard sounds. It's pseudo-funky, Spanish in a 6/8 rhythm, wailing with Di Meola leaping forth in true guitar hero form, with some group-oriented perfunctory subtleties and complex lines. The title track is the jewel, an acoustic romp through fields of flowers with Lenny White on marimba buoyed by a beautiful, lilting, memorable melody and shifting loud and soft dynamics -- a classic in the repertoire and a fan favorite. The tromping beat of "Jungle Waterfall" supersedes Stanley Clarke's lithe lines, while noise keyboards dominate the silly "Sofistifunk." Corea's acoustic piano is featured on the chordal, grandiose solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal," and in duet with Clarke. the improvised "Interplay" shows a more spontaneous rather than rehearsed side of these brilliant musicians. Over time, No Mystery yields mixed results, where initially they were viscerally driven and ultimately impressive. The next phase of the group, as indicated by this recording, would take them into even more technologically dominated music.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La cuarta edición de Return to Forever fue una banda que hizo hincapié en la chillona guitarra wah-wah de Al Di Meola y en todos los teclados eléctricos que Chick Corea pudo tener en sus manos para tocar carreras furiosamente rápidas. Mientras que la edición inicial de Flora Purim/Airto/Joe Farrell dio paso al segundo grupo indocumentado con Earl Klugh, y al tercero con el guitarrista eléctrico Bill Connors, este RTF era resplandeciente y descaradamente indulgente, arrasando riffs y melodías ensayadas y polirrítmicas como una sierra circular atraviesa una rama fina de árbol. Su inmediatez y poder visceral es la razón por la que el público del rock se sentía atraído por ellos, impresionado por sus caprichos de demonios de la velocidad tanto como por su preocupación por la musicalidad. Gracias a Dios, No Mystery tiene más que su parte de momentos acústicos atenuados, así como la poderosa postura de avión de combate que la mayoría de sus fans ansiaban. No es ni mucho menos tan equilibrado como el álbum anterior Where Have I Known You Before?, pero profundiza en esos temas -inspirados en Neville y no en Harry Potter- de una manera más progresiva aunque más ruidosa. La atrevida, bailable y funky "Dayride", en una octava más alta y con un teclado de tipo vocal, identifica a la perfección el sonido del grupo en apenas tres minutos y pico. La "Celebration Suite", en dos partes y de 14 minutos de duración, ofrece una visión más amplia de la influencia clásica Bartok/Chopin de Corea, y de la dramática postura medieval o regia que alquimizaron con tantos sonidos de teclado. Es pseudo-funky, español en un ritmo de 6/8, ululante con Di Meola saltando en verdadera forma de héroe de la guitarra, con algunas sutilezas perfunctorias orientadas al grupo y líneas complejas. La canción que da título al disco es la joya, un jugueteo acústico por campos de flores con Lenny White a la marimba, animado por una melodía hermosa, cadenciosa y memorable y una dinámica que cambia de alto a bajo: un clásico del repertorio y uno de los favoritos de los fans. El ritmo trompetero de "Jungle Waterfall" sustituye a las ágiles líneas de Stanley Clarke, mientras que los teclados ruidosos dominan la tonta "Sofistifunk". El piano acústico de Corea aparece en el acorde y grandioso solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal", y a dúo con Clarke, el improvisado "Interplay" muestra un lado más espontáneo que ensayado de estos brillantes músicos. Con el tiempo, No Mystery arroja resultados dispares, donde al principio eran visceralmente impulsados y, en última instancia, impresionantes. La siguiente fase del grupo, como indica esta grabación, les llevaría a una música aún más dominada por la tecnología.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394


return2forever.com ...

Rabih Abou-Khalil, Selim Kusur, Glen Velez & Setrak Sarkissian • Nafas

 

www.rabihaboukhalil.com ...

 

Colaborador / Contribuitor:  Mich58

The Royal High Jinx • Wheel of Poor Choices

 

The Royal High Jinx write, play & sing music inspired by European traditions, shaded with Gypsy Jazz, Klezmer & a pinch of Classical virtuosity.

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The Royal High Jinx escriben, tocan y cantan música inspirada en las tradiciones europeas, salpicada de Gypsy Jazz, Klezmer y una pizca de virtuosismo clásico.

The Lyman Woodard Trio • Live At the 1996 Ford Montreux Detroit Jazz Festival

 

Lyman Woodard was born March 3rd, 1942 in Owosso, Michigan and started his formal musical training at age four on the piano. In 1962, he attended the Oscar Peterson School of Contemporary Music in Toronto, Canada. After hearing a performance of the great Jimmy Smith in 1963, he was convinced that this was his future and he made the switch from piano to the Hammond B3 organ.

Lyman formed the first Lyman Woodard Trio in 1965 along with fellow musicians Melvin Davis on drums & vocals and Dennis Coffey on guitar.

Since the early 60s, the Detroit music scene has been largely defined by the music of Motown Records. The Motown “music machine” spawned many great R&B talents and from 1970 though 1973, Lyman got the opportunity to be a part of this heritage by landing the position of musical director for Martha and the Vandellas.

By 1974, he was anxious to have his own band again and reformed the Lyman Woodard Trio with fellow musicians Leonard King on drums and Ron English on guitar, thus beginning his long standing association with the percussionist who appears with Lyman on his latest release.

Later that year he expanded his band by adding alto saxophonist Norma Jean Bell and percussionist Lorenzo Brown, and changed the name to the Lyman Woodard Organization.

For the next 11 years, the “Organization” played the clubs and venues of the midwest, changing members occasionally and opening shows for artists such as: Billy Paul, MFSB, Bob James, the Jazz Crusaders, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente & his Latin Jazz Ensemble and James “Blood” Ulmer. The Lyman Woodard Organization disbanded in the late 1980s.

Most recently, Lyman has again reformed his “Trio”, consisting of long time friend Leonard King on drums & vocals and guitarist, Robert Tye. The trio has been a popular act at the 1994-98 Montreux Detroit Jazz Festivals, and has opened there for artists Bill Doggett and one of Lyman's early influences, Jimmy Smith. The Lyman Woodard/Jimmy Smith booking was part of a show billed as “The Battle of the B3s” which also included organists Charles Earland, Jack McDuff and Joey DeFrancesco.

The '96 Montreux festival performance has become Lyman's latest release on Corridor Records, “Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival”. The trio have since performed at the Frog Island Jazz and Blues Festival and opened for Booker T. & the MGs.

In 1998, Lyman again performed with long-time friend, electric violinist Regina Carter, who incidentally played on Lyman's 1985 album “Dedicacion”.

In addition to leading his own groups over the years, Lyman has performed with many distinguished artists including: Johnny Adams, Earl King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin, Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Jos�Feliciano, Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth and Eddie Jefferson.

https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard

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Lyman Woodard nació el 3 de marzo de 1942 en Owosso, Michigan, y comenzó su formación musical formal a los cuatro años de edad en el piano. En 1962, asistió a la Escuela de Música Contemporánea Oscar Peterson en Toronto, Canadá. Después de escuchar la interpretación del gran Jimmy Smith en 1963, se convenció de que ese era su futuro e hizo el cambio del piano al órgano Hammond B3.

Lyman formó el primer Lyman Woodard Trío en 1965 junto con sus compañeros Melvin Davis en la batería y la voz y Dennis Coffey en la guitarra.

Desde principios de los 60, la escena musical de Detroit se ha definido en gran medida por la música de Motown Records. La "máquina musical" de la Motown generó muchos grandes talentos del R&B y desde 1970 hasta 1973, Lyman tuvo la oportunidad de formar parte de esta herencia al conseguir el puesto de director musical de Martha and the Vandellas.

En 1974, estaba ansioso por volver a tener su propia banda y reformó el Lyman Woodard Trio con sus compañeros Leonard King en la batería y Ron English en la guitarra, comenzando así su larga asociación con el percusionista que aparece con Lyman en su último lanzamiento.

Más tarde ese año amplió su banda añadiendo al saxofonista alto Norma Jean Bell y al percusionista Lorenzo Brown, y cambió el nombre a la Organización Lyman Woodard.

Durante los siguientes 11 años, la "Organización" tocó en los clubes y locales del medio oeste, cambiando de miembros ocasionalmente y abriendo espectáculos para artistas como: Billy Paul, MFSB, Bob James, los Cruzados del Jazz, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente y su Conjunto de Jazz Latino y James "Blood" Ulmer. La Organización Lyman Woodard se disolvió a finales de los años 80.

Recientemente, Lyman ha reformado su "Trío", formado por su amigo de toda la vida Leonard King en batería y voz y el guitarrista Robert Tye. El trío ha sido un acto popular en los Festivales de Jazz de Montreux Detroit de 1994-98, y ha abierto allí para los artistas Bill Doggett y una de las primeras influencias de Lyman, Jimmy Smith. La contratación de Lyman Woodard/Jimmy Smith formó parte de un espectáculo titulado "La Batalla de los B3", en el que también participaron los organistas Charles Earland, Jack McDuff y Joey DeFrancesco.

La actuación en el festival de Montreux del 96 se ha convertido en el último lanzamiento de Lyman en Corridor Records, "Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival". Desde entonces, el trío ha actuado en el Festival de Jazz y Blues de Frog Island y ha abierto para Booker T. & the MGs.

En 1998, Lyman volvió a actuar con su vieja amiga, la violinista eléctrica Regina Carter, que por cierto tocó en el álbum de Lyman de 1985 "Dedicación".

Además de liderar sus propios grupos a lo largo de los años, Lyman ha actuado con muchos artistas distinguidos, incluyendo: Johnny Adams, Earl King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin, Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Josï¿?14, Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth y Eddie Jefferson.

https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard

Jennifer Leitham & Jimmy Bruno • Two For the Road

 

Recorded in 1999, Two for the Road features two of the most effective string jazz artists on the planet. As they remind us here, Jennifer Leitham and Jimmy Bruno share a love for the powerful release of expression through music. The blues comes through it. And yet both demonstrate superior technical proficiency on their instruments.

The session begins with reminiscences of Mingus. Cool and comfortable, the duo interprets "Nostalgia in Times Square with a swinging texture that emphasizes its melody. Both artists converse over the tune's chord structure and stretch out individually with a driving demeanor. From walking bass and singing strings to trading fours, they capture the mood accurately.

Jumpin' at the Woodside burns hot and fast as bass and guitar hang this one out to dry. Like the wind blowing through on a rainy day, this piece lets them capture all the excitement in fast and furious bunches. While every note comes through in rapid-fire progression, the edges are rounded so that we're able to feel the soft touch from both bass and guitar.

Leitham's nine-year tenure with Mel Tormé may be partly responsible for the smooth texture of her play, but it seems as if she's always held a high regard for lyrical beauty in her performances. Her solo bass performance of "Out of This World contains double stops and graceful slides that allow the melody to linger. Following that, Tormé's "Born to be Blue ushers in bent notes and seamless phrases that give the duo's performance a vocal-like texture.

Bruno's clear articulation allows him to deliver blindingly fast arpeggios and blistering single-note runs that make the sparks fly. As he and Leitham trade "Ornithology with fingers flying, you can feel the heat wave moving through. Alone Together comes with a lovely samba framework that allows both artists to create a casual mood. "Three in One includes a section where Leitham walks the bass while Bruno tears up the strings with spirits soaring. "Bernie's Tune is presented extraordinarily fast; however, not one note is left behind.

"Isn't it Romantic changes the pace in an exceptionally beautiful affair that features Leitham's delicate bowed melody. Together, the two string jazz artists make this piece weep and cry. The intro to Henry Mancini's "Two for the Road also features Leitham's arco delivery. A classical guitar landscape surrounds the piece with pearly tones that ring true as both bass and guitar explore the lyrical nature of its theme. Through their interpretation of up-tempo burners and slow, romantic melodies, Leitham and Bruno have created a heartfelt session that comes highly recommended.
Jim Santella By Jim Santella
January 23, 2006
https://www.allaboutjazz.com/two-for-the-road-jennifer-leitham-azica-records-review-by-jim-santella

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Grabado en 1999, Two for the Road presenta a dos de los artistas de jazz de cuerda más eficaces del planeta. Como nos recuerdan aquí, Jennifer Leitham y Jimmy Bruno comparten el amor por la poderosa liberación de la expresión a través de la música. El blues pasa por ello. Y, sin embargo, ambos demuestran un dominio técnico superior en sus instrumentos.

La sesión comienza con reminiscencias de Mingus. Fresco y cómodo, el dúo interpreta "Nostalgia in Times Square" con una textura oscilante que enfatiza su melodía. Ambos artistas conversan sobre la estructura de acordes de la melodía y se extienden individualmente con una conducta impulsora. Desde el bajo que camina y las cuerdas que cantan hasta el intercambio de cuatros, capturan el estado de ánimo con precisión.

Jumpin' at the Woodside arde con fuerza y rapidez mientras el bajo y la guitarra la dejan en suspenso. Como el viento que sopla en un día lluvioso, esta pieza les permite capturar toda la emoción en racimos rápidos y furiosos. Si bien cada nota llega en una progresión rápida, los bordes se redondean para que podamos sentir el toque suave tanto del bajo como de la guitarra.

Los nueve años que lleva Leitham con Mel Tormé pueden ser en parte responsables de la suave textura de su interpretación, pero parece que siempre ha tenido una gran consideración por la belleza lírica en sus actuaciones. Su interpretación de "Out of This World" como bajo solista contiene dobles paradas y elegantes deslizamientos que permiten que la melodía perdure. A continuación, "Born to be Blue" de Tormé introduce notas dobladas y frases fluidas que dan a la interpretación del dúo una textura similar a la vocal.

La clara articulación de Bruno le permite ofrecer arpegios cegadoramente rápidos y carreras de una sola nota que hacen saltar las chispas. Cuando él y Leitham intercambian "Ornithology" con los dedos volando, puedes sentir la ola de calor que se mueve. Alone Together viene con un precioso marco de samba que permite a ambos artistas crear un ambiente desenfadado. "Three in One" incluye una sección en la que Leitham pasea el bajo mientras Bruno rasga las cuerdas con los ánimos por las nubes. "Bernie's Tune" se presenta extraordinariamente rápido; sin embargo, no se deja ni una sola nota.

"Isn't it Romantic" cambia el ritmo en un asunto excepcionalmente bello que cuenta con la delicada melodía de arco de Leitham. Juntos, los dos artistas de jazz de cuerda hacen llorar esta pieza. La introducción de "Two for the Road" de Henry Mancini también cuenta con el arco de Leitham. Un paisaje de guitarra clásica rodea la pieza con tonos nacarados que suenan a la perfección mientras tanto el bajo como la guitarra exploran la naturaleza lírica de su tema. A través de su interpretación de los quemadores up-tempo y las melodías lentas y románticas, Leitham y Bruno han creado una sesión sentida que es muy recomendable.
Jim Santella Por Jim Santella
23 de enero de 2006
https://www.allaboutjazz.com/two-for-the-road-jennifer-leitham-azica-records-review-by-jim-santella


https://www.jenniferleitham.com/
https://www.jimmybruno.com/

The Steve Howe Trio • New Frontier

Celebrated Rock guitarist performs Jazz.

Not a shock at all really, nor can I say that I am surprised at the quality of the material. Some might say it’s routine, but I find the nature of the performances, and in most cases here the paring down to simplest of arrangements, is great. You can hear from this how (no pun) Steve and his music contribute to the final sound in the progressive rock environment.

The trio combines Steve Howe’s guitars with Dylan Howe on drums and Ross Stanley on keyboards. This, I understand, is their second album following on from 2008’s The Haunted Melody. I have always had a fondness for jazz since my introduction to it in my mid-twenties, and for someone looking for a broad-spectrum introduction, I would happily recommend this. With elements of tradition as well as some interesting contemporary takes, there is some great music here.

by Tony Colvill

https://theprogressiveaspect.net/blog/2019/11/12/the-steve-howe-trio-new-frontier-plus-brief-steve-howe-interview/

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The Steve Howe Trio es un proyecto en clave de jazz del guitarrista de Yes, Steve Howe, en el que se rinden homenaje a iconos del género como Kenny Burrell y Miles Davis.

Steve cuenta con su hijo Dylan como batería y con el organista Ross Stanley. El 27 de septiembre llega New Frontier (a través de Esoteric Antenna) y por primera vez con material original (no tributos). En tres de las piezas ha colaborado el mítico batería Bill Bruford, que desde hace años se había retirado de la música.

 

stevehowe.com ... 

  

Kayhan Kalhor & Rembrandt Frerichs Trio ‎• It's Still Autumn

 

During the fall of 2013, they first met at November Music Festival and since then there has been a successful collaboration and a deep friendship between the Iranian kamancheh grand master Kayhan Kalhor and the three Dutch jazz musicians of the Rembrandt Frerichs Trio.

The musicians

Kamancheh player Kayhan Kalhor, known for his successful albums for ECM and his participation in Yo-Yo Ma's Silk Road Ensemble, finds the ideal travel companions in pianist / composer Rembrandt Frerichs, bass player and Boy Edgar prize winner Tony Overwater and drummer Vinsent Planjer. Together they travel through contrasting cultures and styles and their remarkable instruments merge into an absolutely unique sound that transcends all boundaries and gets an international audience deeply involved.

The music

After a large number of sold-out concerts at festivals, concert halls and TV shows in the Netherlands, Iran (3 evenings 3000 people per concert) and Great Britain (Barbican Hall), the long awaited album It's still Autumn has finally arrived. The album is arranged in two parts, Dawn and Dusk. Both parts, consisting of several compositions that are woven together through improvisation, are a musical journey through an imaginary autumn landscape. It is music best enjoyed while listening attentively, to be carried along in an initial stillness that slowly develops into a swirling river, only then to calm down again or end in a nightly thunderstorm.

The instruments

The kamancheh is the Iranian knee violin known for its heartrending, melodious sound. The fortepiano, the forerunner of the modern grand piano, comes from Mozart's time and is reminiscent of the santur, the Persian cimbalom. The violone comes from the early Renaissance; it is the forerunner of the double bass and can fulfil a melodic, harmonic as well as a bass function with its 6 strings and lighter timbre. The Whisper Kit, an invention by Vinsent Planjer, brings together percussion instruments from various cultures and periods that create a rich rhythmic basis.

http://www.challengerecords.com/external/store/index.php?p=detail&s=15500476870923

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Durante el otoño de 2013, se reunieron por primera vez en el Festival de Música de noviembre y desde entonces ha habido una colaboración exitosa y una profunda amistad entre el gran maestro kamancheh iraní, Kayhan Kalhor, y los tres músicos de jazz holandeses del Rembrandt Frerichs Trio.

Los musicos

El jugador de Kamancheh, Kayhan Kalhor, conocido por sus exitosos álbumes para ECM y su participación en Silk Road Ensemble de Yo-Yo Ma, encuentra a los compañeros de viaje ideales en el pianista / compositor Rembrandt Frerichs, el bajista y ganador del premio Boy Edgar Tony Overwater y el baterista Vinsent Planjer. Juntos viajan a través de culturas y estilos contrastantes y sus extraordinarios instrumentos se funden en un sonido absolutamente único que trasciende todos los límites y hace que una audiencia internacional se involucre profundamente.

La música

Después de un gran número de conciertos agotados en festivales, salas de conciertos y programas de televisión en los Países Bajos, Irán (3 tardes, 3000 personas por concierto) y Gran Bretaña (Barbican Hall), el esperado álbum Todavía está llegando el otoño. El álbum está organizado en dos partes, Dawn y Dusk. Ambas partes, que consta de varias composiciones que se entrelazan a través de la improvisación, son un viaje musical a través de un paisaje de otoño imaginario. Es la música que se disfruta mejor mientras se escucha con atención, llevada en una quietud inicial que lentamente se convierte en un río en remolino, solo entonces para calmarse de nuevo o terminar en una tormenta nocturna.

Los instrumentos

El kamancheh es el violín iraní de rodilla conocido por su sonido melodioso y desgarrador. El fortepiano, el precursor del piano de cola moderno, proviene de la época de Mozart y recuerda al santur, el cimbalom persa. El violone proviene de principios del Renacimiento; Es el precursor de los contrabajos y puede cumplir una función melódica, armónica y de bajos con sus 6 cuerdas y un timbre más ligero. El Whisper Kit, un invento de Vinsent Planjer, reúne instrumentos de percusión de varias culturas y períodos que crean una base rítmica rica.

http://www.challengerecords.com/external/store/index.php?p=detail&s=15500476870923

kayhankalhor.net ...

www.rembrandtfrerichs.nl ...

 

Jan Akkerman • From The Basement

 

For over fifty years, Jan Akkerman (b. 1946) has been one of Holland’s most respected guitarists. In addition to his leading role in the globally acclaimed bands like The Hunters, Brainbox, Focus and collaborated with many local and international artists, in his solo projects, Akkerman has combined rock, jazz, blues, classical music and dance in his own distinctive style.

Throughout his respected career, Akkerman has appeared on worldwide stages. Besides several gigs at the Montreux Jazz Festival, the North Sea Jazz Festival, he has played on countless tours around theatres and various stages, also performing far beyond Europe in countries/comtinents like Japan, Russia, Syria, North & South America and Australia.

Since early 2012, Jan has revived his old Brainbox times with the start of My Brainbox, featuring ex-Vandenberg singer Bert Heerink. This project was in celebration of Akkerman's 50 years of activity on worldwide stages.

Jan also continues to design his own guitars. In 2013, he drew out the new J.A. Personal II for the Dutch company, Brandin Guitars.

In 2005, Akkerman received the prestigious Golden Harp Award for his complete oeuvre and, again, garnered recognition and support for his distinctive role in guitar music by many people.

At the end of 2012, Akkerman was knighted in the Order of Oranje Nassau, in recognition of his influential contribution to Dutch music.

Since 1968, Akkerman has released many solo records, on which he has let his creativity run free. Fifty years later, the Red Bullet record company has compiled his work into the 26CD box set, The Complete Jan Akkerman, featuring all of his solo albums, his most important live records, his work with Johnny and his Cellar Rockers, The Hunters, Brainbox and Focus, as well as a selection of previously unreleased recordings.


Even now, in 2018, Akkerman is still considered the most influential guitar player ever to come out of the Netherlands. For generations, he has impressed and inspired a large numbers of guitarists with his timing, harmonics, virtuosity and ability to perform with a wide range of musicians from various musical backgrounds.

He has always taken chances and forged his own path, as is evident across his twenty-plus albums and countless concerts. Being fresh, energetic and unpredictable, Akkerman continues to perform at the highest level, sharing his passion for the guitar with current band members Coen Molenaar (keyboards), David de Marez Oyens (bass guitar), Marijn van den Berg (drums) and, last, but not least - in fact foremost - with his worldwide audience.

What will be his next challenge?

Source: Wouter Bessels (music journalist/author )
https://musicians.allaboutjazz.com/janakkerman

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Durante más de cincuenta años, Jan Akkerman (nacido en 1946) ha sido uno de los guitarristas más respetados de Holanda.Además de su papel de líder en las bandas mundialmente aclamadas como The Hunters, Brainbox, Focus y de colaborar con muchos artistas locales e internacionales, en sus proyectos en solitario, Akkerman ha combinado el rock, el jazz, el blues, la música clásica y la danza en su propio estilo distintivo.

A lo largo de su respetada carrera, Akkerman ha aparecido en los escenarios de todo el mundo.Además de varios conciertos en el Festival de Jazz de Montreux, el Festival de Jazz del Mar del Norte, ha realizado innumerables giras por teatros y diversos escenarios, y también ha actuado mucho más allá de Europa, en países y continentes como Japón, Rusia, Siria, América del Norte y del Sur y Australia.

Desde principios de 2012, Jan ha revivido sus viejos tiempos de Brainbox con el comienzo de My Brainbox, con la participación del ex cantante de Vandenberg Bert Heerink.Este proyecto fue en celebración de los 50 años de actividad de Akkerman en los escenarios mundiales.

Jan también continúa diseñando sus propias guitarras.En 2013, dibujó el nuevo J.A.Personal II para la compañía holandesa Brandin Guitars.

En 2005, Akkerman recibió el prestigioso Premio Arpa de Oro por su obra completa y, una vez más, obtuvo el reconocimiento y el apoyo de mucha gente por su papel distintivo en la música de guitarra.

A finales de 2012, Akkerman fue nombrado caballero de la Orden de Oranje Nassau, en reconocimiento a su influyente contribución a la música holandesa.

Desde 1968, Akkerman ha publicado muchos discos en solitario, en los que ha dejado correr libremente su creatividad.Cincuenta años más tarde, la compañía discográfica Red Bullet ha recopilado su trabajo en la caja de 26 CD, The Complete Jan Akkerman, que contiene todos sus álbumes en solitario, sus discos en vivo más importantes, su trabajo con Johnny y sus Cellar Rockers, The Hunters, Brainbox y Focus, así como una selección de grabaciones inéditas.


Incluso ahora, en 2018, Akkerman sigue siendo considerado el guitarrista más influyente que haya salido de los Países Bajos.Durante generaciones, ha impresionado e inspirado a un gran número de guitarristas con su timing, sus armónicos, su virtuosismo y su capacidad para tocar con una amplia gama de músicos de diversos orígenes musicales.

Siempre se ha arriesgado y ha forjado su propio camino, como es evidente en sus más de veinte álbumes e innumerables conciertos.Fresco, enérgico e impredecible, Akkerman sigue actuando al más alto nivel, compartiendo su pasión por la guitarra con los actuales miembros de la banda Coen Molenaar (teclados), David de Marez Oyens (bajo), Marijn van den Berg (batería) y, por último, pero no por ello menos importante, con su público en todo el mundo.

¿Cuál será su próximo reto?

Fuente: Wouter Bessels (periodista musical/autor)
https://musicians.allaboutjazz.com/janakkerman
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www.janakkerman.com ...

Oregon • Winter Light

La historia comienza allá lejos en 1962, cuando el sexteto del saxofonista Paul Winter partía desde Washigton D.C. hacia veintitrés países de Latinoamérica, Argentina incluída, en una gira de seis meses de duración auspiciada por el Departamento de Estado. A su regreso, Winter, impresionado especialmente por la música de Brasil, decidió apartarse de la corriente más convencional del jazz para formar un nuevo grupo, el Consort, con el que comenzaría a explorar nuevas formas musicales, abriéndose a distintas influencias.
Entre 1970 y 1971 graba su álbum Road. Para ese entonces, el Consort estaba formado por Winter (saxo), David Darling (cello), Ralph Towner (guitarras clásica y de doce cuerdas), Paul McCandless (oboe y corno inglés), Collin Walcott (diversos instrumentos de percusión) y Glen Moore (bajo). En 1972 (con el bajista Herb Bushler reemplazando a Moore) graban otro disco fundamental: Icarus, producido por George Martin, el de los Beatles, quien en su autobiografía afirma que éste es su mejor álbum como productor.
Ese mismo año, Towner, McCandless, Moore y Walcott entran al estudio para grabar el que será el primer álbum oficial de Oregon: Music of Another Present Era, para el sello Vanguard. Bastante después, en 1980, y con Oregon grabando para Elektra, Vanguard editó bajo el nombre de Our First Record un conjunto de tomas que habían sido originalmente descartadas.

La novedad de Oregon no sólo se debía a la variedad de influencias que nutrían su música (Towner, McCandless y Moore tenían experiencia en el jazz y la música de cámara). Tanto como esto, la riqueza musical del grupo residía en la condición de multiinstrumentistas de todos sus integrantes. McCandless brillaba por igual en el oboe, el corno inglés, el clarinete bajo y posteriormente el saxo soprano y diversas flautas de bambú. Ralph Towner, el principal compositor del grupo, se destacaba con las guitarras clásica y de doce cuerdas y con el piano, pero también tocaba la trompeta y el corno francés, y el bajista Glen Moore también tocaba piano, flauta y violín. Pero la nota de color la ponía Collin Walcott, un etnomusicólogo encargado de los instrumentos de percusión y de los instrumentos hindúes como el sitar y las tablas, los que había estudiado con Ravi Shankar y Alla Rakha respectivamente. En los '70s, Oregon grabó varios álbumes excelentes en cuarteto (Distant Hills, Winter Light, In Concert), en los que desarrollaba un estilo generado en base a una matriz tomada del jazz, con temas y solos sobre los acordes, pero con criterios de orquestación claramente derivados de la música de cámara. Walcott, con su arsenal de instrumentos no convencionales, imbuía a Oregon de un sonido inconfundible.

Texto extractado de http://www.guillermobazzola.com.ar/nota_oregon.htm

Este podría decirse en un disco representativo del sonido de esta banda, aunque todos tienen sus matices particulares. Es un CD para quienes quieren conocer a la banda como para aquellos que ya conocen Oregon.

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Review by Ron Wynn

If there was a "second best" recording from Oregon in their early years, this would be it. The concept of "Winter Light" certainly reflects the visage of the Pacific Northwest in the fourth season, yet it is a music, and time of year, filled with hope for the future while pondering a somewhat bleak present. Winter can be pleasant, bearable and filled with its own snowy delights. The first three pieces on their own are worth the price of this entire project, and are definitive works from the quartet. "Tide Pool" while accented with bizarre twists, is anchored by Walcott's energetic tabla and Towner's pure bred energy on acoustic guitar. Of course Jim Pepper's "Witchi-Tai-To" is classic, made moreso by the group's personal collective serenity and peace injected into the flavor of the composition. "Ghost Beads" is really the one for Towner and oboist Paul McCandless to dig in and fully express their vitruosity. These are three great examples of early world music. While the rest of the recording is not as provocative, it is still well played and conceived. "Winter Light" is heartily recommended as your follow-up Oregon purchase after "Music Of Another Present Era," with "Distant Hills" a close third.

- Ralph Towner / guitar, percussion, piano, flugelhorn
- Collin Walcott / clarinet, percussion, conga, sitar, tabla, photographer
- Glen Moore / bass, flute, piano, violin, bass guitar
- Paul McCandless / English horn, oboe

oregonband.com ...

Portico Quartet • Untitled (Aitaoa #2)

 

Biography by Michael G. Nastos
Since 2005, the Portico Quartet has created a singular, cinematic sound that melds jazz, electronica, ambient music, and minimalism. At the lead edge of South London's nu-jazz movement, theiur debut album 2007's Knee Deep in the North Sea was shortlisted for a Mercury Prize. Subsequent outings included albums for Peter Gabriel's Real World Records. They temporarily slimmed to an issued they the album Living Fields on Ninja Tune. Subsequently returning to their quartet lineup, they released 2017's Art in the Age of Automation for Matthew Halsall's Gondwana label.

Formed in 2005, the band was initially inspired to play via founding member Duncan Bellamy's purchase of an exotic yet contemporary instrument, the Hang, at a music festival. The Hang, invented in 2000 in Switzerland, is a metallic lap drum with clamped shells, the melodious sound of which resembles both a steel drum and Balinese metallaphone. Where the quartet's influences clearly reference modern jazz and African music, the trance-like sonics of the Hang draw closer comparisons to minimalists Philip Glass and Steve Reich, or gamelan music. A weekly session at the South Bank and residency at the Brixton Ritzy earned them a cult following. It also inspired London's premier jazz club, the Vortex, to start a record label to release their music.

Championed by archivist and historian/mixer Gilles Peterson, the Portico Quartet's debut release, Knee Deep in the North Sea, was acclaimed as jazz, folk, and world music Album of the Year for 2007 by Time Out magazine, and was a Mercury Music Prize honoree for 2008. With Jack Wylie on soprano saxophone, Milo Fitzpatrick on acoustic bass, and Nick Mulvey and Duncan Bellamy playing the Hang and percussion instruments, the group's modern contemporary sound was favorably compared to the diverse, ethnic-flavored work of Ben Allison, E.S.T., and the Cinematic Orchestra.

Following their signing to Peter Gabriel's Real World Records, the Portico Quartet released its sophomore effort. Isla appeared in 2009 and was recorded at Abbey Road Studios. In 2011 Mulvey left the band to pursue a solo career -- to be replaced by Keir Vine -- and his departure signaled a musical shift for the group. Their self-titled third record favored electronic sounds over the predominantly acoustic style of their previous efforts. The band experienced its largest transformation to date in 2014 as Vine departed, and the slimmed-down trio signed to the Ninja Tune label. They re-christened themselves Portico and pursued experimental pop in lieu of the jazz influence of their earlier records. However, for their 2017 record Art in the Age of Automation, they reverted to their original label and moniker, and were reunited with Vine. The foilowing year, they issued the companion outing Untitled (AITAOA #2), recorded during the Art In the Age Of Automation sessions. For 2019's Memory Streams--also on Gondwana-- Portico Quartet mined their catalogue to re-combine older sounds and musics with new ones including elements of prog-rock and abstract electronic soundscapes.
https://www.allmusic.com/artist/portico-quartet-mn0001012019/biography

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Biografía de Michael G. Nastos
Desde 2005, Portico Quartet ha creado un sonido singular y cinematográfico que fusiona el jazz, la electrónica, la música ambiental y el minimalismo. A la cabeza del movimiento nu-jazz del sur de Londres, su álbum de debut de 2007, Knee Deep in the North Sea, fue preseleccionado para el Mercury Prize. Sus siguientes trabajos incluyen álbumes para el sello Real World Records de Peter Gabriel. Se redujeron temporalmente a una emisión del álbum Living Fields en Ninja Tune. Posteriormente, volvieron a su formación de cuarteto y publicaron en 2017 Art in the Age of Automation para el sello Gondwana de Matthew Halsall.

Formada en 2005, la banda se inspiró inicialmente en la compra por parte de su miembro fundador, Duncan Bellamy, de un instrumento exótico pero contemporáneo, el Hang, en un festival de música. El Hang, inventado en el año 2000 en Suiza, es un tambor metálico con cascos de pinza, cuyo melodioso sonido se asemeja tanto a un tambor de acero como a un metaláfono balinés. Mientras que las influencias del cuarteto hacen referencia claramente al jazz moderno y a la música africana, el sonido de trance del Hang hace que se le compare más con los minimalistas Philip Glass y Steve Reich, o con la música gamelán. Una sesión semanal en el South Bank y una residencia en el Brixton Ritzy les valieron un seguimiento de culto. También inspiró al principal club de jazz de Londres, el Vortex, a crear un sello discográfico para publicar su música.

Defendido por el archivero e historiador/mezclador Gilles Peterson, el primer disco del Portico Quartet, Knee Deep in the North Sea, fue aclamado como Álbum del Año de jazz, folk y músicas del mundo en 2007 por la revista Time Out, y fue galardonado con el Mercury Music Prize en 2008. Con Jack Wylie al saxofón soprano, Milo Fitzpatrick al bajo acústico y Nick Mulvey y Duncan Bellamy tocando los instrumentos de Hang y percusión, el sonido moderno y contemporáneo del grupo fue comparado favorablemente con el trabajo diverso y de sabor étnico de Ben Allison, E.S.T. y la Cinematic Orchestra.

Tras su fichaje por el sello Real World Records de Peter Gabriel, Portico Quartet lanzó su segundo trabajo. Isla apareció en 2009 y fue grabado en los estudios Abbey Road. En 2011 Mulvey dejó la banda para seguir una carrera en solitario -para ser sustituido por Keir Vine- y su salida supuso un cambio musical para el grupo. Su tercer disco autotitulado favoreció los sonidos electrónicos sobre el estilo predominantemente acústico de sus esfuerzos anteriores. La banda experimentó su mayor transformación hasta la fecha en 2014, cuando Vine se marchó y el trío, más delgado, firmó con el sello Ninja Tune. Se rebautizaron con el nombre de Portico y buscaron el pop experimental en lugar de la influencia del jazz de sus discos anteriores. Sin embargo, para su disco de 2017 Art in the Age of Automation, volvieron a su sello y nombre originales, y se reunieron con Vine. El año siguiente, publicaron el disco complementario Untitled (AITAOA #2), grabado durante las sesiones de Art In the Age Of Automation. Para Memory Streams de 2019 -también en Gondwana- Portico Quartet extrajo su catálogo para volver a combinar sonidos y músicas antiguas con otras nuevas, incluyendo elementos de prog-rock y paisajes sonoros electrónicos abstractos.
https://www.allmusic.com/artist/portico-quartet-mn0001012019/biography


porticoquartet.com ...

VA • Fania Goes Psychedelic

 

Craft Recordings’ Craft Latino imprint has released Fania Goes Psychedelic, a 15-song compilation featuring Latin soul and experimental gems from the legendary Fania catalogue, now available on major streaming and digital platforms.

Just as the Summer of Love and psychedelic rock was sweeping suburban America, another movement was happening in New York as Latino youth were rebelling against cultural norms and “experimenting with soul, R&B, Afro-Cuban dance rhythms, and English lyrics to make a sound all their own – a craze which became known as boogaloo,” shares Craft.

Founded in New York during 1964 by musician Jonny Pacheco and lawyer Jerry Masucci, the Fania music label “documented the New York salsa explosion of the 70s and established itself as the Latin equivalent of Motown”.

To commemorate this fruitful era and often overlooked period in music history, Craft Latino’s eclectic compilation pays tribute to artists like Ray Barretto, Pete Rodriguez, The Lebron Brothers and Eddie Palmieri, who made their mark on the 60s counterculture movement.

Fania Goes Psychedelic is a crate-digger and 60s music fan’s dream. Spanning all of the greatest Latin soul cuts of the era, the compilation also explores the influence of drug culture and psychedelia on Latino culture in America, from conguero and bandleader Ray Barretto’s instrumental ‘Acid’ to The Lebrón Brothers Orchestra’s catchy ode to cannabis, ‘Let’s Get Stoned’, off their 1968 LP, The Brooklyn Bums.

The Puerto Rican-born brothers brought their own flair to Latin music, fusing together the Motown soul of the era with Latin rhythms. As one of the flagship artists on another boogaloo label Cotique (that Fania acquired in 1971), The Lebrón Brothers were one of the finest Latin soul artists of the day. One of the brothers, Jose Lebron, is also responsible for giving salsa music its name, after his song ‘Salsa Y Control’.

Another former Cotique artist – singer, trombonist and pianist Johnny Colón – is also featured in the compilation with his single, ‘Boogaloo Blues’, off his 1966 debut LP of the same name that helped to popularize the genre.

One of the major highlights off Fania Goes Psychedelic is ‘Revolt/La Libertad Logico’ by the Grammy award-winning bandleader and pianist Eddie Palmieri, who was an artist under the storied label, Tico Records (acquired by Fania in 1974).

Other standouts include ‘Oh, That’s Nice’ by The King of Boogaloo”, Pete Rodriguez, ‘Problemas (Problems)’ off Joey Pastrana and his Orchestra’s 1968 LP, Hot Pastrana and Jimmy Sabater’s funky, Latin-tinged cover of Kool and The Gang’s ‘Kool It (Here Comes the Fuzz)’.

“These seminal works by young Latino artists were inspired by the socio-economic and political landscape around them in New York City and specifically in the ‘barrios’ during this historical time,” says Bruce McIntosh, VP of Latin Catalog for Craft Latino.

“These songs help document a moment in time that now, 50 years later, is as relevant and refreshing as ever. I’m proud that Craft Latino can be the steward of these recordings, which are such an important part of American musical history.”}

Published on August 27, 2019

By Laura Stavropoulos

https://www.udiscovermusic.com/news/craft-latino-releases-fania-goes-psychedelic/

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El sello Craft Latino de Craft Recordings ha lanzado Fania Goes Psychedelic, una compilación de 15 canciones que presenta el soul latino y las gemas experimentales del legendario catálogo de Fania, ahora disponible en las principales plataformas de streaming y digitales.

Al igual que el Verano del Amor y el rock psicodélico estaban arrasando en los suburbios de América, otro movimiento estaba sucediendo en Nueva York mientras la juventud latina se rebelaba contra las normas culturales y "experimentaba con el soul, el R&B, los ritmos de baile afrocubanos y las letras en inglés para hacer un sonido propio, una locura que se conoció como boogaloo", comparte Craft.

Fundada en Nueva York en 1964 por el músico Jonny Pacheco y el abogado Jerry Masucci, el sello musical Fania "documentó la explosión de la salsa en Nueva York en los años 70 y se estableció como el equivalente latino de Motown".

Para conmemorar esta fructífera era y a menudo pasado por alto período en la historia de la música, la ecléctica compilación de Craft Latino rinde homenaje a artistas como Ray Barretto, Pete Rodríguez, The Lebron Brothers y Eddie Palmieri, que dejaron su huella en el movimiento de la contracultura de los 60.

Fania Goes Psychedelic es el sueño de un fanático de la música de los 60. Abarcando todos los grandes cortes de soul latino de la época, la compilación también explora la influencia de la cultura de las drogas y la psicodelia en la cultura latina de América, desde el instrumental 'Acid' del conguero y director de banda Ray Barretto hasta la pegajosa oda al cannabis de la Orquesta de los Hermanos Lebrón, 'Let's Get Stoned', de su LP de 1968, The Brooklyn Bums.

Los hermanos, nacidos en Puerto Rico, aportaron su propio estilo a la música latina, fusionando el alma Motown de la época con los ritmos latinos. Como uno de los artistas insignia de otro sello de boogaloo, Cotique (que Fania adquirió en 1971), los Hermanos Lebrón fueron uno de los mejores artistas de soul latino de la época. Uno de los hermanos, José Lebrón, también es responsable de dar nombre a la música de salsa, después de su canción "Salsa Y Control".

Otro ex artista de Cotique -el cantante, trombonista y pianista Johnny Colón- también aparece en la compilación con su single, 'Boogaloo Blues', de su LP debut de 1966 del mismo nombre que ayudó a popularizar el género.

Uno de los aspectos más destacados de Fania Goes Psychedelic es 'Revolt/La Libertad Logico' del pianista y director de banda ganador de un Grammy Eddie Palmieri, quien fue artista bajo el sello histórico Tico Records (adquirido por Fania en 1974).

Otros temas destacados son 'Oh, That's Nice' de The King of Boogaloo", Pete Rodríguez, 'Problemas' del LP de Joey Pastrana y su Orquesta de 1968, Hot Pastrana y la versión funky y con tintes latinos de Jimmy Sabater de Kool and The Gang 'Kool It (Here Comes the Fuzz)'.

"Estas obras fundamentales de jóvenes artistas latinos se inspiraron en el panorama socioeconómico y político que les rodeaba en la ciudad de Nueva York y, en particular, en los barrios de esta época histórica", dice Bruce McIntosh, Vicepresidente del Catálogo Latino de Artesanía Latina.

"Estas canciones ayudan a documentar un momento en el tiempo que ahora, 50 años después, es tan relevante y refrescante como siempre. Estoy orgulloso de que Craft Latino pueda ser el administrador de estas grabaciones, que son una parte tan importante de la historia musical americana."}

Publicado el 27 de agosto de 2019

Por Laura Stavropoulos

https://www.udiscovermusic.com/news/craft-latino-releases-fania-goes-psychedelic/

 

 

 

Chick Corea & The Spanish Heart Band • Antidote

 

 

Review by Thom Jurek
Antidote is a completely forward-thinking album, yet its roots date to the 1960s, near the beginning of his career when he played in the bands of Mongo Santamaria and Willie Bobo. During this period, he encountered the great Latin bandleaders of the era including Machito, Tito Puente, Ray Barretto, and Eddie Palmieri. In 1972, he penned the iconic composition "Spain," inspired by Joaquin Rodrigo's Concierto de Aranjuez. In 1976, Corea issued his milestone My Spanish Heart, that married fusion to Latin music. In 1982, he delivered another landmark with the Latin-tinged offering Touchstone, which featured flamenco master Paco De Lucia, and in 1990, Corea played on his Zyryab. The Spanish Heart Band is anchored by bassist Carlitos del Puerto, drummer Marcus Gilmore, and percussionist Luisito Quintero. Frontline players include nuevo flamenco/jazz guitarist Nino Josele, flutist and saxophonist Jorge Pardo (a longtime member of de Lucia's group), trumpeter Michael Rodriguez, and trombonist Steve Davis. There are also three guest vocalists: Panamanian salsero Ruben Blades, Brazilian singer/songwriter Maria Bianca, who delivers an elegant read of Tom Jobim's "Desafinado," and Corea's life partner, Gayle Moran Corea (who sings the entire choir part on "My Spanish Heart").

The material on Antidote includes work from the pianist's back catalog, a classical piece, and new compositions. The opening title was penned for Blades, who delivers it with class, conviction, and elegance. It's a meld of salsa and flamenco with Corea's piano, brass, and spiky percussion leading the singer. Josele nails a tight, fluid solo, followed by synth and then sharp, polyrhythmic piano montunos underscored by a smoking trombone break. The revisioned "Duende" (originally from Touchstone) is languid, ushered in by dark minor chords and shakers and spiraling along a newly harmonized melody line. Another Touchstone number, "The Yellow Nimbus," is in two parts with shining interplay between the pianist, percussionist, and guitarist before Pardo's moaning flute solo transports the listener to another time and place. Blades appears again on a reworked "My Spanish Heart," with Corea on acoustic and electric keyboards, percussion, a driving bassline, and a trap kit. "Armando's Rumba," also from My Spanish Heart, is recontextualized with a post-bop horn chart in a piano-driven fusion of salsa and flamenco, kissed by emotive trumpet and guitar breaks. The other covers include De Lucia's "Zyryab," with glorious flute and piano interplay. Igor Stravinsky's "Pas De Deux" features an excavated harmony that joins it to the album's material. Closer "Admiration" was written for this band; it's performed with a lithe Latin jazz groove and highlights Pardo's flute, Quintero's syncopated palmas (handclaps), Josele's sweeping guitar, and guest flamenco dancer Nino de los Reyes. Corea has been on a near-prolific roll over the past decade, but Antidote, his 99th album, stands with the finest recordings in his entire career.
https://www.allmusic.com/album/antidote-mw0003278128

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Reseña de Thom Jurek
Antídoto es un álbum totalmente vanguardista, aunque sus raíces se remontan a los años 60, cerca del comienzo de su carrera, cuando tocaba en las bandas de Mongo Santamaria y Willie Bobo. Durante este periodo, conoció a los grandes directores de banda latinos de la época, como Machito, Tito Puente, Ray Barretto y Eddie Palmieri. En 1972, escribió la emblemática composición "Spain", inspirada en el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. En 1976, Corea publicó su hito My Spanish Heart, que unía la fusión con la música latina. En 1982, lanzó otro hito con la oferta de tintes latinos Touchstone, que contó con el maestro del flamenco Paco De Lucía, y en 1990, Corea tocó en su Zyryab. La Spanish Heart Band está formada por el bajista Carlitos del Puerto, el batería Marcus Gilmore y el percusionista Luisito Quintero. Entre los músicos de primera línea se encuentran el guitarrista de nuevo flamenco/jazz Nino Josele, el flautista y saxofonista Jorge Pardo (un antiguo miembro del grupo de De Lucía), el trompetista Michael Rodríguez y el trombonista Steve Davis. También hay tres vocalistas invitados: El salsero panameño Rubén Blades, la cantautora brasileña María Bianca, que ofrece una elegante lectura de "Desafinado" de Tom Jobim, y la compañera de vida de Corea, Gayle Moran Corea (que canta toda la parte del coro en "My Spanish Heart").

El material de Antidote incluye obras del catálogo del pianista, una pieza clásica y nuevas composiciones. El título inicial fue escrito para Blades, que lo interpreta con clase, convicción y elegancia. Es una mezcla de salsa y flamenco con el piano de Corea, los metales y la percusión puntiaguda dirigiendo a la cantante. Josele clava un solo fluido y ajustado, seguido de un sintetizador y unos montunos de piano agudos y polirrítmicos subrayados por una pausa de trombón humeante. El revisado "Duende" (originalmente de Touchstone) es lánguido, introducido por acordes menores oscuros y shakers y en espiral a lo largo de una nueva línea melódica armonizada. Otro número de Touchstone, "The Yellow Nimbus", se divide en dos partes con una brillante interacción entre el pianista, el percusionista y el guitarrista antes de que el solo de flauta de Pardo transporte al oyente a otro tiempo y lugar. Blades vuelve a aparecer en una reelaboración de "My Spanish Heart", con Corea en los teclados acústicos y eléctricos, la percusión, una línea de bajo y un kit de trampa. "Armando's Rumba", también de My Spanish Heart, se recontextualiza con una tabla de vientos post-bop en una fusión de salsa y flamenco impulsada por el piano, besada por emotivas pausas de trompeta y guitarra. Las otras versiones incluyen "Zyryab" de De Lucia, con una gloriosa interacción de flauta y piano. El "Pas De Deux" de Igor Stravinsky presenta una armonía excavada que lo une al material del álbum. La más reciente, "Admiration", fue escrita para esta banda; se interpreta con un ágil ritmo de jazz latino y en ella destacan la flauta de Pardo, las palmas sincopadas de Quintero, la arrolladora guitarra de Josele y el bailarín flamenco invitado Nino de los Reyes. Corea ha estado en una racha casi prolífica durante la última década, pero Antídoto, su 99º álbum, se encuentra entre las mejores grabaciones de toda su carrera.
https://www.allmusic.com/album/antidote-mw0003278128

 

chickcorea.com ...

European Jazz Trio • Best Of Classics

 

about the trio.
The European Jazz Trio, comprising Marc van Roon on Piano, Frans van der Hoeven on bass and Roy Dackus on drums has been recording and performing since 1995, when it released a CD of Beatles' songs in fresh arrangements.

On each album, the trio has taken songs in every style, shape and color, and has given them a jazz interpretation. For the trio 'Jazz' means to have the freedom to combine and mix styles, melodies, sounds and rhythms to create something fresh and surprising.

Van Roon: "A Specialty of the trio is to try and find some unusual material - unusual in a jazz setting - and to arrange it for the trio. It works both ways: You can take the sound of a jazz trio and give it a fresh voice, a new approach; likewise, you can take the music that everybody knows - pop tunes and classical tunes - and give people a chance to hear them in a different way."

The European Jazz Trio pushes the envelope of jazz music by adding to it its own sound and rhythm, a result of the music that has influenced the trio's members.

"We grew up in the seventies and eighties with pop, rock, classical, rap and lots of fusion music. It wasn't only jazz anymore. Being musicians, we try to absorb everything like a sponge and use it somehow. The classical music we perform we really admire, it's very close to us - to our European side."

With every song the trio records the main focus is on the essence and the inner beauty of the composition.

"You cannot approach each song in the same way. And it doesn't have so much to do with what we as a trio want to do. It's contained within the song, it's already there. So it's more about what we can leave out, what we don't have to play. This makes each performance unique and special."

The European Jazz trio has been recording new albums every year since the release of 'Memories of Liverpool' in 1995. All recording are produced by Makoto Kimata, a highly appreciated jazz producer based in Tokyo. Recent albums have been co-produced by Hiro Yamashita from the record label M&I / Pony Canyon Tokyo.


about the players.
Marc van Roon is born in The Hague, The Netherlands on November 2, 1967. He began classical piano lessons at the age of ten. His interest in jazz was sparkled at a young age by Marc's father, being a professional jazz pianist himself.
Throughout high school and college Van Roon was studying with Dutch jazz pianists Frans Elsen and Rob van Kreeveld and classical piano with Geoffrey Madge and Lanny Kho. In 1986 Marc did the Berklee School of Music summer course in Perugia, Italy. Upon graduation from the Royal Music Conservatory in The Hague in May 1991, he began postgraduate studies in New York ('92-'93) with pianists Richie Beirach, Kenny Werner and Barry Harris. He Performed and recorded with Clarck Terry, David Liebman, Charlie Mariano, Art Farmer, Tineke Postma, Tony Lakatos, Billy Hart, Santi Di Briano, Ebony Big Band, Sabine Meyer, Peggie Larson, Fay Claassen, Clifford Adam, Chuck Findley, Bob Findley, Ack van Rooyen.
Other activities: For the Netherlands Dance Theatre in The Hague Marc composed and arranged ballet music for choreographer Paul Lightfoot's 'softly as I leave you' in 1994 and for Johan Inger's choreography Melantid in 1995. Marc is currectly a music educator at the jazz conservatories in Groningen and The Hague.

Frans van der Hoeven Bassplayer, Composer, Arranger, Soloperformer, Teacher, Multi Instrumentalist.
Plays with:
Jesse van Ruller Trio Eef Albers Trio Fay Claasen Band Red Yellow & Blue Jeroen van Vliet trio
Played with:
Clark Terry, Woody Shaw, Barney Wilen, Jack deJohnette, Eivind Aarset, Harry Sweets Edison, Art Farmer, Ronnie Cuber, Tom Harrel, Lee Konitz, Dee Dee Bridgewater,Toots Thielemans, Kurt Rosenwinkel and more…
Recorded with:
The Toon Roos Quartet, Rob Madna,Jesse van Ruller,Han Bennink, Diederik Wissels/David Linx, Art Farmer, Charlie Mariano,Fairouz,Lew Tabackin, the Dutch Jazz Orchestra and others.
Frans van der Hoeven.Com for more information


Roy Dackus (‘64) Roy Dackus started to play drums at a young age following his father who was a professional drummer. In 1987 he graduated from the Conservatory of Amsterdam. During the years he has performed and recorded with very different artists and orchestra's including Art Farmer, Toots Thielemans, Randy Brecker, Richard Galliano, Charly Mariano, 70-ties rock band Focus, The Metropole Orchestra directed by Vince Mendoza, Jazz orchestra of the Concertgebouw and his own co-led group the European jazz Trio.
http://www.europeanjazztrio.com/

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sobre el trío.
El Trío de Jazz Europeo, compuesto por Marc van Roon al Piano, Frans van der Hoeven al bajo y Roy Dackus a la batería, ha estado grabando y actuando desde 1995, cuando lanzó un CD de canciones de los Beatles en nuevos arreglos.

En cada álbum, el trío ha tomado canciones de todos los estilos, formas y colores, y les ha dado una interpretación de jazz. Para el trío 'Jazz' significa tener la libertad de combinar y mezclar estilos, melodías, sonidos y ritmos para crear algo fresco y sorprendente.

Van Roon: "Una especialidad del trío es tratar de encontrar algún material inusual, inusual en un escenario de jazz , y arreglarlo para el trío. Funciona en ambos sentidos: puedes tomar el sonido de un trío de jazz y darle una voz fresca, un nuevo enfoque; del mismo modo, puedes tomar la música que todo el mundo conoce, melodías pop y clásicas, y darle a la gente la oportunidad de escucharlas de una manera diferente."

El Trío de Jazz Europeo empuja el sobre de la música de jazz al agregarle su propio sonido y ritmo, resultado de la música que ha influido en los miembros del trío.

"Crecimos en los años setenta y ochenta con pop, rock, clásica, rap y mucha música fusión . Ya no era solo jazz. Siendo músicos, tratamos de absorber todo como una esponja y usarlo de alguna manera. La música clásica que interpretamos realmente la admiramos, está muy cerca de nosotros, de nuestro lado europeo."

Con cada canción que el trío graba, el foco principal está en la esencia y la belleza interior de la composición.

"No puedes abordar cada canción de la misma manera. Y no tiene mucho que ver con lo que nosotros, como trío, queremos hacer. Está contenido en la canción, ya está ahí. Así que se trata más de lo que podemos dejar de lado, de lo que no tenemos que tocar. Esto hace que cada actuación sea única y especial."

El trío de Jazz europeo ha estado grabando nuevos álbumes cada año desde el lanzamiento de 'Memories of Liverpool' en 1995. Todas las grabaciones están producidas por Makoto Kimata, un productor de jazz muy apreciado con sede en Tokio. Los álbumes recientes han sido coproducidos por Hiro Yamashita del sello discográfico M & I / Pony Canyon Tokyo.


sobre los jugadores.
Marc van Roon nació en La Haya, Países Bajos, el 2 de noviembre de 1967. Comenzó a tomar clases de piano clásico a la edad de diez años. Su interés por el jazz fue despertado a una edad temprana por el padre de Marc, siendo él mismo un pianista profesional de jazz.
A lo largo de la escuela secundaria y la universidad, Van Roon estudió con los pianistas de jazz holandeses Frans Elsen y Rob van Kreeveld y piano clásico con Geoffrey Madge y Lanny Kho. En 1986, Marc hizo el curso de verano de la Berklee School of Music en Perugia, Italia. Tras graduarse en el Conservatorio Real de Música de La Haya en mayo de 1991, comenzó estudios de posgrado en Nueva York ('92-'93) con los pianistas Richie Beirach, Kenny Werner y Barry Harris. Actuó y grabó con Clarck Terry, David Liebman, Charlie Mariano, Art Farmer, Tineke Postma, Tony Lakatos, Billy Hart, Santi Di Briano, Ebony Big Band, Sabine Meyer, Peggie Larson, Fay Claassen, Clifford Adam, Chuck Findley, Bob Findley, Ack van Rooyen.
Otras actividades: Para el Teatro de Danza de los Países Bajos en La Haya, Marc compuso y arregló música de ballet para el coreógrafo Paul Lightfoot 'softly as I leave you' en 1994 y para la coreografía Melantid de Johan Inger en 1995. Marc es actualmente educador musical en los conservatorios de jazz de Groningen y La Haya.

Frans van der Hoeven Bajista, Compositor, Arreglista, Solista, Profesor, Multiinstrumentista.
Juega con:
Jesse van Ruller Trío Eef Albers Trío Fay Claasen Band Rojo Amarillo y Azul Jeroen van Vliet trío
Jugado con:
Clark Terry, Woody Shaw, Barney Wilen, Jack DeJohnette, Eivind Aarset, Harry Sweets Edison, Art Farmer, Ronnie Cuber, Tom Harrel, Lee Konitz, Dee Dee Bridgewater,Toots Thielemans, Kurt Rosenwinkel y más…
Grabado con:
El Cuarteto Toon Roos, Rob Madna, Jesse van Ruller, Han Bennink, Diederik Wissels / David Linx, Art Farmer, Charlie Mariano, Fairouz, Lew Tabackin, la Orquesta Holandesa de Jazz y otros.
Frans van der Hoeven.Com para más información


Roy Dackus ('64) Roy Dackus comenzó a tocar la batería a una edad temprana siguiendo a su padre, que era baterista profesional. En 1987 se graduó en el Conservatorio de Ámsterdam. Durante los años ha actuado y grabado con artistas y orquestas muy diferentes, como Art Farmer, Toots Thielemans, Randy Brecker, Richard Galliano, Charly Mariano, la banda de rock de 70 lazos Focus, la Orquesta Metropole dirigida por Vince Mendoza, la orquesta de Jazz del Concertgebouw y su propio grupo codirigido European jazz Trio.
http://www.europeanjazztrio.com/

 

www.europeanjazztrio.com ...

European Jazz Trio • Best of Classics II

 

about the trio.
The European Jazz Trio, comprising Marc van Roon on Piano, Frans van der Hoeven on bass and Roy Dackus on drums has been recording and performing since 1995, when it released a CD of Beatles' songs in fresh arrangements.

On each album, the trio has taken songs in every style, shape and color, and has given them a jazz interpretation. For the trio 'Jazz' means to have the freedom to combine and mix styles, melodies, sounds and rhythms to create something fresh and surprising.

Van Roon: "A Specialty of the trio is to try and find some unusual material - unusual in a jazz setting - and to arrange it for the trio. It works both ways: You can take the sound of a jazz trio and give it a fresh voice, a new approach; likewise, you can take the music that everybody knows - pop tunes and classical tunes - and give people a chance to hear them in a different way."

The European Jazz Trio pushes the envelope of jazz music by adding to it its own sound and rhythm, a result of the music that has influenced the trio's members.

"We grew up in the seventies and eighties with pop, rock, classical, rap and lots of fusion music. It wasn't only jazz anymore. Being musicians, we try to absorb everything like a sponge and use it somehow. The classical music we perform we really admire, it's very close to us - to our European side."

With every song the trio records the main focus is on the essence and the inner beauty of the composition.

"You cannot approach each song in the same way. And it doesn't have so much to do with what we as a trio want to do. It's contained within the song, it's already there. So it's more about what we can leave out, what we don't have to play. This makes each performance unique and special."

The European Jazz trio has been recording new albums every year since the release of 'Memories of Liverpool' in 1995. All recording are produced by Makoto Kimata, a highly appreciated jazz producer based in Tokyo. Recent albums have been co-produced by Hiro Yamashita from the record label M&I / Pony Canyon Tokyo.


about the players.
Marc van Roon is born in The Hague, The Netherlands on November 2, 1967. He began classical piano lessons at the age of ten. His interest in jazz was sparkled at a young age by Marc's father, being a professional jazz pianist himself.
Throughout high school and college Van Roon was studying with Dutch jazz pianists Frans Elsen and Rob van Kreeveld and classical piano with Geoffrey Madge and Lanny Kho. In 1986 Marc did the Berklee School of Music summer course in Perugia, Italy. Upon graduation from the Royal Music Conservatory in The Hague in May 1991, he began postgraduate studies in New York ('92-'93) with pianists Richie Beirach, Kenny Werner and Barry Harris. He Performed and recorded with Clarck Terry, David Liebman, Charlie Mariano, Art Farmer, Tineke Postma, Tony Lakatos, Billy Hart, Santi Di Briano, Ebony Big Band, Sabine Meyer, Peggie Larson, Fay Claassen, Clifford Adam, Chuck Findley, Bob Findley, Ack van Rooyen.
Other activities: For the Netherlands Dance Theatre in The Hague Marc composed and arranged ballet music for choreographer Paul Lightfoot's 'softly as I leave you' in 1994 and for Johan Inger's choreography Melantid in 1995. Marc is currectly a music educator at the jazz conservatories in Groningen and The Hague.

Frans van der Hoeven Bassplayer, Composer, Arranger, Soloperformer, Teacher, Multi Instrumentalist.
Plays with:
Jesse van Ruller Trio Eef Albers Trio Fay Claasen Band Red Yellow & Blue Jeroen van Vliet trio
Played with:
Clark Terry, Woody Shaw, Barney Wilen, Jack deJohnette, Eivind Aarset, Harry Sweets Edison, Art Farmer, Ronnie Cuber, Tom Harrel, Lee Konitz, Dee Dee Bridgewater,Toots Thielemans, Kurt Rosenwinkel and more…
Recorded with:
The Toon Roos Quartet, Rob Madna,Jesse van Ruller,Han Bennink, Diederik Wissels/David Linx, Art Farmer, Charlie Mariano,Fairouz,Lew Tabackin, the Dutch Jazz Orchestra and others.
Frans van der Hoeven.Com for more information


Roy Dackus (‘64) Roy Dackus started to play drums at a young age following his father who was a professional drummer. In 1987 he graduated from the Conservatory of Amsterdam. During the years he has performed and recorded with very different artists and orchestra's including Art Farmer, Toots Thielemans, Randy Brecker, Richard Galliano, Charly Mariano, 70-ties rock band Focus, The Metropole Orchestra directed by Vince Mendoza, Jazz orchestra of the Concertgebouw and his own co-led group the European jazz Trio.
http://www.europeanjazztrio.com/

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sobre el trío.
El Trío de Jazz Europeo, compuesto por Marc van Roon al Piano, Frans van der Hoeven al bajo y Roy Dackus a la batería, ha estado grabando y actuando desde 1995, cuando lanzó un CD de canciones de los Beatles en nuevos arreglos.

En cada álbum, el trío ha tomado canciones de todos los estilos, formas y colores, y les ha dado una interpretación de jazz. Para el trío 'Jazz' significa tener la libertad de combinar y mezclar estilos, melodías, sonidos y ritmos para crear algo fresco y sorprendente.

Van Roon: "Una especialidad del trío es tratar de encontrar algún material inusual, inusual en un escenario de jazz , y arreglarlo para el trío. Funciona en ambos sentidos: puedes tomar el sonido de un trío de jazz y darle una voz fresca, un nuevo enfoque; del mismo modo, puedes tomar la música que todo el mundo conoce, melodías pop y clásicas, y darle a la gente la oportunidad de escucharlas de una manera diferente."

El Trío de Jazz Europeo empuja el sobre de la música de jazz al agregarle su propio sonido y ritmo, resultado de la música que ha influido en los miembros del trío.

"Crecimos en los años setenta y ochenta con pop, rock, clásica, rap y mucha música fusión . Ya no era solo jazz. Siendo músicos, tratamos de absorber todo como una esponja y usarlo de alguna manera. La música clásica que interpretamos realmente la admiramos, está muy cerca de nosotros, de nuestro lado europeo."

Con cada canción que el trío graba, el foco principal está en la esencia y la belleza interior de la composición.

"No puedes abordar cada canción de la misma manera. Y no tiene mucho que ver con lo que nosotros, como trío, queremos hacer. Está contenido en la canción, ya está ahí. Así que se trata más de lo que podemos dejar de lado, de lo que no tenemos que tocar. Esto hace que cada actuación sea única y especial."

El trío de Jazz europeo ha estado grabando nuevos álbumes cada año desde el lanzamiento de 'Memories of Liverpool' en 1995. Todas las grabaciones están producidas por Makoto Kimata, un productor de jazz muy apreciado con sede en Tokio. Los álbumes recientes han sido coproducidos por Hiro Yamashita del sello discográfico M & I / Pony Canyon Tokyo.


sobre los jugadores.
Marc van Roon nació en La Haya, Países Bajos, el 2 de noviembre de 1967. Comenzó a tomar clases de piano clásico a la edad de diez años. Su interés por el jazz fue despertado a una edad temprana por el padre de Marc, siendo él mismo un pianista profesional de jazz.
A lo largo de la escuela secundaria y la universidad, Van Roon estudió con los pianistas de jazz holandeses Frans Elsen y Rob van Kreeveld y piano clásico con Geoffrey Madge y Lanny Kho. En 1986, Marc hizo el curso de verano de la Berklee School of Music en Perugia, Italia. Tras graduarse en el Conservatorio Real de Música de La Haya en mayo de 1991, comenzó estudios de posgrado en Nueva York ('92-'93) con los pianistas Richie Beirach, Kenny Werner y Barry Harris. Actuó y grabó con Clarck Terry, David Liebman, Charlie Mariano, Art Farmer, Tineke Postma, Tony Lakatos, Billy Hart, Santi Di Briano, Ebony Big Band, Sabine Meyer, Peggie Larson, Fay Claassen, Clifford Adam, Chuck Findley, Bob Findley, Ack van Rooyen.
Otras actividades: Para el Teatro de Danza de los Países Bajos en La Haya, Marc compuso y arregló música de ballet para el coreógrafo Paul Lightfoot 'softly as I leave you' en 1994 y para la coreografía Melantid de Johan Inger en 1995. Marc es actualmente educador musical en los conservatorios de jazz de Groningen y La Haya.

Frans van der Hoeven Bajista, Compositor, Arreglista, Solista, Profesor, Multiinstrumentista.
Juega con:
Jesse van Ruller Trío Eef Albers Trío Fay Claasen Band Rojo Amarillo y Azul Jeroen van Vliet trío
Jugado con:
Clark Terry, Woody Shaw, Barney Wilen, Jack DeJohnette, Eivind Aarset, Harry Sweets Edison, Art Farmer, Ronnie Cuber, Tom Harrel, Lee Konitz, Dee Dee Bridgewater,Toots Thielemans, Kurt Rosenwinkel y más…
Grabado con:
El Cuarteto Toon Roos, Rob Madna, Jesse van Ruller, Han Bennink, Diederik Wissels / David Linx, Art Farmer, Charlie Mariano, Fairouz, Lew Tabackin, la Orquesta Holandesa de Jazz y otros.
Frans van der Hoeven.Com para más información


Roy Dackus ('64) Roy Dackus comenzó a tocar la batería a una edad temprana siguiendo a su padre, que era baterista profesional. En 1987 se graduó en el Conservatorio de Ámsterdam. Durante los años ha actuado y grabado con artistas y orquestas muy diferentes, como Art Farmer, Toots Thielemans, Randy Brecker, Richard Galliano, Charly Mariano, la banda de rock de 70 lazos Focus, la Orquesta Metropole dirigida por Vince Mendoza, la orquesta de Jazz del Concertgebouw y su propio grupo codirigido European jazz Trio.
http://www.europeanjazztrio.com/

 

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Trilok Gurtu-Arkè String Quartet ‎• Arkeology

 

Trilok Gurtu, the great Indian world-music percussionist, plays the Jazz Cafe in London on Monday with this lineup, and it will be interesting to see how he gets on in what can be a sonically competitive environment with a lot of quiet themes and four quiet partners. Gurtu is the only improvising soloist here (on staccato, percussion-mimicking vocals as well as a multiplicity of instruments), and contributes three out of 10 compositions - the others are by the chamber group members.

The Arke Quartet have shrewdly and musically lent an ear to a lot of world-music materials - from a softly singing microtonal quality reminiscent of Chinese violin music, to the rhythmic devices of Indian classical music and a Shakti-like Indo-jazz fusion, to a Celtic skip, an ambient tone-poetry sigh and much more. So, although perhaps the samplings from these different cultures don't entirely escape the local equivalents of hot licks, the programme is very varied, sensitively played and affectingly melodic - and Gurtu's famously tumultuous jamming against it is as inventive as ever.

https://www.theguardian.com/music/2007/feb/16/jazz.shopping1

 AllMusic Review by Chris Nickson

There's definitely something interesting going on here. Mix percussionist Trilok Gurtu with Italy's Arke String Quartet, whose instrumental arsenal extends a little beyond convention, and you have a marvellous blend of East and West, apparent from the outset with "Balahto," which just cracks out of the box. It really is a cultural blend, too, with everyone responsible for the compositions, such as Gurtu's "Folded Hands," which is extensive and exploratory, gorgeously melodic, and rhythmically inventive. Creatively, the musicians are real equals, all striving for something new and making connections. The fact that they're all virtuosos doesn't hurt, either, readily able to translate their ideas from the head to the fingers, and with a deep knowledge of global music and an obvious desire to learn more. It takes some unexpected turns, like the tabla that mixes with the music of Southern Italy on "Taranta Suite," but works perfectly. In its own quiet way, this is one of the great successes of the year.

https://www.allmusic.com/album/arkeology-mw0001086921

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Trilok Gurtu, el gran percusionista de la música mundial de la India, toca el lunes en el Jazz Café de Londres con esta formación, y será interesante ver cómo le va en lo que puede ser un ambiente sónico competitivo con muchos temas tranquilos y cuatro compañeros tranquilos. Gurtu es el único solista que improvisa aquí (en staccato, voces que imitan la percusión, así como una multiplicidad de instrumentos), y contribuye con tres de cada 10 composiciones - las otras son de los miembros del grupo de cámara.

El Cuarteto Arke ha escuchado con astucia y musicalidad muchos de los materiales de la música del mundo - desde una calidad microtonal que canta suavemente y que recuerda a la música del violín chino, hasta los dispositivos rítmicos de la música clásica india y una fusión de indo-jazz similar a la Shakti, pasando por un saltito celta, un suspiro de poesía y tono ambiental y mucho más. Así que, aunque quizás las muestras de estas diferentes culturas no escapan del todo a los equivalentes locales de las lamidas calientes, el programa es muy variado, tocado con sensibilidad y afectuosamente melódico - y la famosa y tumultuosa interferencia de Gurtu contra él es tan inventiva como siempre.

https://www.theguardian.com/music/2007/feb/16/jazz.shopping1

 Reseña de AllMusic por Chris Nickson

Definitivamente está pasando algo interesante aquí. El percusionista Trilok Gurtu con el cuarteto italiano Arke String Quartet, cuyo arsenal instrumental se extiende un poco más allá de lo convencional, y tienes una mezcla maravillosa de Oriente y Occidente, evidente desde el principio con "Balahto", que simplemente se rompe al sacarlo de la caja. Realmente es una mezcla cultural, también, con todos los responsables de las composiciones, como "Folded Hands" de Gurtu, que es extensa y exploratoria, bellamente melódica y rítmicamente inventiva. Creativamente, los músicos son realmente iguales, todos luchando por algo nuevo y haciendo conexiones. El hecho de que todos ellos sean virtuosos tampoco hace daño, ya que son capaces de traducir sus ideas de la cabeza a los dedos, y con un profundo conocimiento de la música global y un obvio deseo de aprender más. Toma algunos giros inesperados, como la tabla que se mezcla con la música del sur de Italia en "Taranta Suite", pero funciona perfectamente. A su manera, este es uno de los grandes éxitos del año.

https://www.allmusic.com/album/arkeology-mw0001086921