Bill Evans • Trio 64

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
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Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
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Lowell Davidson Trio (Gary Peacock, Milford Graves) • Lowell Davidson Trio

  

Prince Lasha Quintet [featuring Sonny Simmons] • The Cry!

 

Review by Alex Henderson
In the early '60s, flutist Prince Lasha's work with alto saxophonist Sonny Simmons was often compared to the trailblazing free jazz that Ornette Coleman was exploring at the time. To be sure, Coleman was a major inspiration to both of them. And yet, The Cry! demonstrates that Lasha's work with Simmons had an avant-garde energy of its own. Coleman is a strong influence on this 1962 session -- which Lasha co-led with Simmons -- but The Cry! isn't an outright imitation of Coleman's work any more than Phil Woods' recordings are outright imitations of Charlie Parker's. For one thing, The Cry! is slightly more accessible than the albums that Coleman recorded for Atlantic in the early '60s. Free jazz performances like "Bojangles," "A.Y.," and the rhythmic "Congo Call" are abstract, cerebral, and left-of-center, but they're still a bit more accessible than Coleman's harmolodic experimentation. The same thing goes for the Latin-influenced "Juanita" and the bluesy "Red's Mood," which is Coleman-minded but also has a strong Charlie Parker influence -- in fact, the tune successfully bridges the gap between Bird and Coleman and shows listeners what those altoists had in common. It should be noted that, even though The Cry! (which employs Gary Peacock or Mark Proctor on acoustic bass and Gene Stone on drums) is free jazz, it isn't the blistering, ferocious stuff that Albert Ayler, Cecil Taylor, and late-period John Coltrane were known for in the 1960s. This album is quirky and dissonant, but it isn't harsh or confrontational. In avant-garde circles, The Cry! went down in history as one of Lasha's finest accomplishments -- and deservedly so.


Biography by Scott Yanow
A survivor of the 1960s, Prince Lasha was an inventive avant-garde flutist who occasionally played alto and clarinet. He played in Texas in an early-'50s band that also included Ornette Coleman. In 1954, Lasha moved to California, where he was pretty much in obscurity until the 1960s. He recorded two Contemporary albums with Sonny Simmons (1962 and 1967) and a 1966 session for British Columbia, and as a sideman with Eric Dolphy and the Elvin Jones/Jimmy Garrison Sextet (both of the latter in 1963). After a few more records for small labels (the last one around 1983), Lasha disappeared from the jazz scene. He passed away in 2008.
https://www.allmusic.com/artist/prince-lasha-mn0000302974#biography

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Reseña de Alex Henderson
A principios de los 60, el trabajo del flautista Prince Lasha con el saxofonista alto Sonny Simmons a menudo se comparaba con el pionero free jazz que Ornette Coleman estaba explorando en ese momento. Sin duda, Coleman fue una gran inspiración para ambos. ¡Y sin embargo, El Grito! demuestra que el trabajo de Lasha con Simmons tenía una energía vanguardista propia. Coleman es una gran influencia en esta sesión de 1962 which que Lasha codirigió con Simmons but ¡pero El Grito! no es una imitación absoluta del trabajo de Coleman más de lo que las grabaciones de Phil Woods son imitaciones absolutas de las de Charlie Parker. ¡Por un lado, The Cry! es un poco más accesible que los álbumes que Coleman grabó para Atlantic a principios de los 60. Las actuaciones de free jazz como "Bojangles", "A. Y." y la rítmica "Congo Call" son abstractas, cerebrales y centradas a la izquierda, pero siguen siendo un poco más accesibles que la experimentación armolódica de Coleman. Lo mismo ocurre con la "Juanita" de influencia latina y el blues "Red's Mood", que tiene la mentalidad de Coleman pero también tiene una fuerte influencia de Charlie Parker; de hecho,la melodía cierra con éxito la brecha entre Bird y Coleman y muestra a los oyentes lo que esos altoístas tenían en común. Cabe señalar que, a pesar de que El Grito! (que emplea a Gary Peacock o Mark Proctor en el bajo acústico y Gene Stone en la batería) es free jazz, no es el material feroz y abrasador por el que Albert Ayler, Cecil Taylor y John Coltrane de finales de la década de 1960. Este álbum es peculiar y disonante, pero no es áspero ni confrontativo. En los círculos de vanguardia, ¡El Grito! pasó a la historia como uno de los mejores logros de Lasha des y merecidamente.


Biografía de Scott Yanow
Sobreviviente de la década de 1960, Prince Lasha era un inventivo flautista de vanguardia que ocasionalmente tocaba el alto y el clarinete. Tocó en Texas en una banda de principios de los 50 que también incluía a Ornette Coleman. En 1954, Lasha se mudó a California, donde permaneció prácticamente en la oscuridad hasta la década de 1960. Grabó dos álbumes contemporáneos con Sonny Simmons (1962 y 1967) y una sesión de 1966 para Columbia Británica, y como acompañante de Eric Dolphy y el Sexteto de Elvin Jones/Jimmy Garrison (ambos de este último en 1963). Después de algunos discos más para pequeños sellos (el último alrededor de 1983), Lasha desapareció de la escena del jazz. Falleció en 2008.
https://www.allmusic.com/artist/prince-lasha-mn0000302974#biography

Gary Peacock • Voice From The Past - Paradigm

 

 

 

Bassist Gary Peacock played a major role in the development of avant-garde jazz. He has worked with the likes of Miles Davis, Bill Evans, Albert Ayler, Don Cherry}, {{Barney Kessel, Don Ellis, Terry Gibbs, Shorty Rogers, the Paul Bley Trio, Jimmy Giuffre, Roland Kirk and George Russell, among others. His recorded output is enormous — ECM Records alone lists fifty-one CDs on which he is featured. He has collaborated frequently with Ralph Towner in duet format, and since the late '70s has played and recorded in a world-renowned trio with Keith Jarrett and Jack DeJohnette.

Peacock was born in Burley, Idaho, on May 12, 1935; He grew up in Yakima, Washington, where he attended Yakima Senior High School. In school, he played piano, trumpet, and drums, When he was 15, he attended a Jazz at the Philharmonic concert featuring Oscar Peterson and Ray Brown.

After graduating high school in 1953, Peacock attended the Westlake School of Music in Los Angeles but was then drafted into the Army. While stationed in Germany, he played piano in a jazz trio, but self-taught himself the bass. According to Peacock, he “just sort of figured it out”.

After being discharged from the Army in 1956, Peacock remained in Europe, playing with Hans Koller, Tony Scott, Bud Shank, and others, before returning to Los Angeles. His bass playing at the time was influenced by Paul Chambers, Ray Brown, and Scott LaFaro. He soon established himself as a bass player, participating in sessions with Barney Kessel and Art Pepper, and Don Ellis. In that time frame, Peacock began a musical association with pianist Paul Bley, with whom he would go on to record nine albums.

In 1962, Peacock moved to New York,where he played with Bley and musicians such as Jimmy Giuffre, Roland Kirk, George Russell, and Archie Shepp. While in New York, he joined Bill Evans' trio, which included drummer Paul Motian, who would become a long-time associate, recording the album Trio 64 with the group in December 1963. In 1964, Peacock briefly joined the Miles Davis quintet, substituting for Ron Carter in April and May of that year. Reflecting on his time with Davis, he stated:

“Miles probably said one of the most brilliant, useful, and necessary comments I've ever heard. Somebody was recording with him, and Miles looked at him and said, “What I want to hear is what you don't know.” That is really the key: not playing what you know, playing what you don't know. To do that, you have to get very quiet inside, listen, and surrender to whatever that particular musical setting is. So it doesn't make any difference whether I'm playing standards or free stuff, because you're giving up any kind of fixed positions or attitudes you may have about what it should or shouldn't be. And to do that, you have to be vulnerable, to be in a place where you realize that what you're after, you cannot know. It's not conceivable. But it's there. It's the muse. So it's kind of a switch from the self playing the muse to the muse playing the self.”

Peacock continued to record with Bley, Williams (Spring, which also featured Herbie Hancock, Sam Rivers, and Wayne Shorter), and others until the late 1960s, when he began experiencing health problems. Later he reflected: “I was not in good shape. I was doing a lot of drugs and alcohol, and I was discontented with myself... I happened to meet with Timothy Leary and... took acid. The result of that was realizing, number one, that I didn’t know who the hell I was, whereas before, I’d always identified myself as a musician, a bass player. Then, of course, came “Who am I?” I also noticed that this desire to play music wasn't there anymore. So the question was, what to do. So what I did was nothing. I stopped playing.”

At this point, he decided to take a complete break from music. He recalled: “I got involved with macrobiotics and felt drawn to Eastern philosophies and medicine. I became a regular practitioner of macrobiotics and eventually moved to Japan for two and a half years, studying the language, history, and Oriental philosophy.” .

By 1970, while still in Japan, Peacock began to play again, recording Eastward in Tokyo with pianist Masabumi Kikuchi and drummer Hiroshi Murakami, followed by Voices the next year. During this time he also recorded with Mal Waldron (First Encounter). In 1972, he returned to the United States and enrolled as a student at the University of Washington, where he studied biology, graduating in 1976. He resumed his musical relationship with Bley, touring Japan and recording “Japan Suite”. In 1977, he recorded “Tales of Another” with Keith Jarrett and Jack DeJohnette; together, they would later become known as the Standards Trio due to their focus on jazz standards. They recorded twenty-two albums over the next thirty years. From 1979 to 1983, Peacock also taught at the Cornish School of the Arts.

Through the 1980s and '90s, Peacock released a number of albums under his own name, and also played and toured extensively with Jarrett and DeJohnette. He also performed and recorded with a trio known as Tethered Moon, with Masabumi Kikuchi and Motian, as well as recording with many ECM artists, including Bley, Garbarek, Ralph Towner, and Marc Copland. Regarding the trio format, Peacock stated:

“If three people share a common history in a particular area of music and they all found something in that music that freed them, when they get together to play a piece everyone is 100% in that composition... The question is, how much are you willing to give up to play this music? I don't think it can work if you still have an agenda, if you feel you still need to prove something musically. That's not the point – it's just about the music. So you're going to serve that, not yourself or somebody in the audience, not the critics or the reviewers. It's just the music. What does the music want?”

The following decades saw Peacock continuing to play and record in the existing trio contexts, as well as with Marilyn Crispell, Lee Konitz, and Bill Frisell, and with a new trio featuring Marc Copland and Joey Baron. Copland would play on Peacock’s final two recordings, 2015’s “Now This” and 2017’s “Tangents”, both with drummer Joey Baron.

“Gary was quite well-known and sought after because of his unique improvising concepts,” said drummer Jack DeJohnette, a longtime collaborator. “His tone was incredible—rich, deep and even all over. His feel was amazing. He could really swing, and his free playing was like a rocket taking off, like a spring exploding.Gary will be missed but remembered as one of the giants of the double bass,” DeJohnette said. “He’s a legend, and he will remain that.”

Gary Peacock passed September 4, 2020 at age 85 following an unspecified illness.
Source: Michael Wieskamp
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gary-peacock

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El bajista Gary Peacock desempeñó un papel importante en el desarrollo del jazz de vanguardia. Ha trabajado con músicos de la talla de Miles Davis, Bill Evans, Albert Ayler, Don Cherry}, {{Barney Kessel, Don Ellis, Terry Gibbs, Shorty Rogers, el Paul Bley Trio, Jimmy Giuffre, Roland Kirk y George Russell, entre otros. Su producción discográfica es enorme: sólo ECM Records cuenta con cincuenta y un CD en los que aparece. Ha colaborado frecuentemente con Ralph Towner en formato de dúo, y desde finales de los años 70 ha tocado y grabado en un trío de renombre mundial con Keith Jarrett y Jack DeJohnette.

Peacock nació en Burley, Idaho, el 12 de mayo de 1935; creció en Yakima, Washington, donde asistió al Yakima Senior High School. En la escuela, tocaba el piano, la trompeta y la batería. A los 15 años, asistió a un concierto de Jazz at the Philharmonic en el que actuaban Oscar Peterson y Ray Brown.

Tras graduarse en el instituto en 1953, Peacock asistió a la Westlake School of Music de Los Ángeles, pero luego fue reclutado por el ejército. Mientras estaba destinado en Alemania, tocó el piano en un trío de jazz, pero aprendió por sí mismo a tocar el bajo. Según Peacock, "simplemente lo descubrió".

Tras ser licenciado del Ejército en 1956, Peacock permaneció en Europa, tocando con Hans Koller, Tony Scott, Bud Shank y otros, antes de regresar a Los Ángeles. Su forma de tocar el bajo en aquella época estaba influenciada por Paul Chambers, Ray Brown y Scott LaFaro. Pronto se estableció como bajista, participando en sesiones con Barney Kessel y Art Pepper, y Don Ellis. En esa época, Peacock inició una asociación musical con el pianista Paul Bley, con quien llegaría a grabar nueve álbumes.

En 1962, Peacock se trasladó a Nueva York, donde tocó con Bley y con músicos como Jimmy Giuffre, Roland Kirk, George Russell y Archie Shepp. Durante su estancia en Nueva York, se unió al trío de Bill Evans, que incluía al baterista Paul Motian, quien se convertiría en un asociado de larga data, grabando el álbum Trio 64 con el grupo en diciembre de 1963. En 1964, Peacock se unió brevemente al quinteto de Miles Davis, sustituyendo a Ron Carter en abril y mayo de ese año. Reflexionando sobre su tiempo con Davis, declaró:

"Miles probablemente dijo uno de los comentarios más brillantes, útiles y necesarios que he oído nunca. Alguien estaba grabando con él, y Miles le miró y dijo: "Lo que quiero escuchar es lo que no sabes". Esa es realmente la clave: no tocar lo que sabes, tocar lo que no sabes. Para hacer eso, tienes que quedarte muy tranquilo por dentro, escuchar y rendirte a lo que sea ese escenario musical en particular. Así que no importa si estoy tocando estándares o cosas libres, porque estás renunciando a cualquier tipo de posiciones fijas o actitudes que puedas tener sobre lo que debería o no debería ser. Y para hacer eso, tienes que ser vulnerable, estar en un lugar en el que te das cuenta de que lo que buscas, no puedes saberlo. No es concebible. Pero está ahí. Es la musa. Así que es una especie de cambio del yo interpretando a la musa a la musa interpretando al yo".

Peacock siguió grabando con Bley, Williams (Spring, en el que también participaron Herbie Hancock, Sam Rivers y Wayne Shorter) y otros hasta finales de los años 60, cuando empezó a tener problemas de salud. Más tarde reflexionó: "No estaba en buena forma. Tomaba muchas drogas y alcohol, y estaba descontento conmigo mismo... Me encontré con Timothy Leary y... tomé ácido. El resultado de eso fue darme cuenta, número uno, que no sabía quién diablos era yo, mientras que antes, siempre me había identificado como un músico, un bajista. Entonces, por supuesto, vino "¿Quién soy yo?" También me di cuenta de que ese deseo de tocar música ya no estaba ahí. Así que la pregunta fue: ¿qué hacer? Así que lo que hice fue nada. Dejé de tocar".

En ese momento, decidió tomarse un descanso completo de la música. Recordó: "Me involucré con la macrobiótica y me sentí atraído por las filosofías y la medicina orientales. Me convertí en un practicante habitual de macrobiótica y finalmente me trasladé a Japón durante dos años y medio, estudiando el idioma, la historia y la filosofía oriental". .

En 1970, estando todavía en Japón, Peacock comenzó a tocar de nuevo, grabando Eastward en Tokio con el pianista Masabumi Kikuchi y el baterista Hiroshi Murakami, seguido de Voices al año siguiente. Durante esta época también grabó con Mal Waldron (First Encounter). En 1972, regresó a Estados Unidos y se matriculó como estudiante en la Universidad de Washington, donde estudió biología, graduándose en 1976. Reanudó su relación musical con Bley, realizando una gira por Japón y grabando "Japan Suite". En 1977, grabó "Tales of Another" con Keith Jarrett y Jack DeJohnette; juntos, se conocerían más tarde como el Standards Trio debido a su enfoque en los estándares de jazz. Grabaron veintidós álbumes en los siguientes treinta años. De 1979 a 1983, Peacock también dio clases en la Cornish School of the Arts.
A lo largo de los años 80 y 90, Peacock publicó varios álbumes con su propio nombre, y también tocó y realizó numerosas giras con Jarrett y DeJohnette. También tocó y grabó con un trío conocido como Tethered Moon, con Masabumi Kikuchi y Motian, además de grabar con muchos artistas de ECM, como Bley, Garbarek, Ralph Towner y Marc Copland. En cuanto al formato de trío, Peacock declaró:

"Si tres personas comparten una historia común en un área particular de la música y todos encuentran algo en esa música que les libera, cuando se juntan para tocar una pieza todos están al 100% en esa composición... La pregunta es: ¿a cuánto estás dispuesto a renunciar para tocar esa música? No creo que pueda funcionar si todavía tienes una agenda, si sientes que todavía tienes que demostrar algo musicalmente. No se trata de eso, sino de la música. Así que vas a servir a eso, no a ti mismo o a alguien del público, no a los críticos o a los reseñadores. Sólo se trata de la música. ¿Qué quiere la música?".

En las décadas siguientes, Peacock siguió tocando y grabando en los contextos de trío existentes, así como con Marilyn Crispell, Lee Konitz y Bill Frisell, y con un nuevo trío con Marc Copland y Joey Baron. Copland tocaría en las dos últimas grabaciones de Peacock, "Now This" de 2015 y "Tangents" de 2017, ambas con el baterista Joey Baron.

"Gary era bastante conocido y buscado por sus conceptos de improvisación únicos", dijo el baterista Jack DeJohnette, un colaborador de larga data. "Su tono era increíble: rico, profundo y uniforme en todas partes. Su sensación era asombrosa. Podía hacer swing de verdad, y su forma de tocar libre era como un cohete que despega, como un resorte que explota.Gary será echado de menos pero recordado como uno de los gigantes del contrabajo", dijo DeJohnette. "Es una leyenda, y lo seguirá siendo".

Gary Peacock falleció el 4 de septiembre de 2020 a los 85 años tras una enfermedad no especificada.
Fuente: Michael Wieskamp
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gary-peacock

Don Ellis • Essence

 

Review
by Scott Yanow
The rarest of all Don Ellis sessions, Essence matches the trumpeter with pianist Paul Bley, bassist Gary Peacock, and either Nick Martinis or Gene Stone on drums. Ellis, who sought during this period to transfer ideas and concepts from modern classical music into adventurous jazz, often experimented with time, tempos and the use of space while still swinging. His renditions of Billy Strayhorn's "Johnny Come Lately," "Angel Eyes" and "Lover" are quite fresh, he contributes four interesting originals and introduces Carla Bley's "Wrong Key Donkey" (here simply called "Donkey"). This is thought-provoking music that was certainly way overdue to be reissued.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476


Biography
by Scott Yanow
A talented trumpeter with a vivid musical imagination and the willingness to try new things, Don Ellis led some of the most colorful big bands of the 1965-75 period. After graduating from Boston University, Ellis played in the big bands of Ray McKinley, Charlie Barnet, and Maynard Ferguson (he was featured with the latter on "Three More Foxes"), recorded with Charles Mingus, and played with George Russell's sextet (at the same time as Eric Dolphy). Ellis led four quartet and trio sessions during 1960-1962 for Candid, New Jazz, and Pacific Jazz, mixing together bop, free jazz, and his interest in modern classical music. However it was in 1965 when he put together his first orchestra that he really started to make an impression in jazz. Ellis's big bands were distinguished by their unusual instrumentation (which in its early days had up to three bassists and three drummers including Ellis himself), the leader's desire to investigate unusual time changes (including 7/8, 9/8, and even 15/16), its occasionally wacky humor (highlighted by an excess of false endings), and an openness towards using rock rhythms and (in later years) electronics. Ellis invented the four-valve trumpet and utilized a ring modulator and all types of wild electronic devices by the late '60s. By 1971, his band consisted of an eight-piece brass section (including French horn and tuba), a four-piece woodwind section, a string quartet, and a two-drum rhythm section. A later unrecorded edition even added a vocal quartet.

Among Don Ellis's sidemen were Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay, and the brilliant pianist (straight from Bulgaria) Milcho Leviev. The orchestra's most memorable recordings were Autumn, Live at the Fillmore, and Tears of Joy (all for Columbia). After suffering a mid-'70s heart attack, Ellis returned to live performing, playing the "superbone" and a later edition of his big band featured Art Pepper. Ellis's last recording was at the 1977 Montreux Jazz Festival, a year before his heart finally gave out.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography

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Revisión
por Scott Yanow
La más rara de todas las sesiones de Don Ellis, Essence, reúne al trompetista con el pianista Paul Bley, el bajista Gary Peacock y Nick Martinis o Gene Stone en la batería. Ellis, que durante este periodo trató de transferir ideas y conceptos de la música clásica moderna al jazz de aventura, experimentó a menudo con el tiempo, los tempos y el uso del espacio sin dejar de hacer swing. Sus interpretaciones de "Johnny Come Lately", "Angel Eyes" y "Lover" de Billy Strayhorn son bastante frescas, contribuye con cuatro interesantes originales e introduce "Wrong Key Donkey" de Carla Bley (aquí llamada simplemente "Donkey"). Se trata de una música que invita a la reflexión y que, sin duda, debería haber sido reeditada.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476


Biografía
por Scott Yanow
Trompetista de talento con una vívida imaginación musical y la voluntad de probar cosas nuevas, Don Ellis dirigió algunas de las grandes bandas más coloridas del período 1965-75. Tras graduarse en la Universidad de Boston, Ellis tocó en las big bands de Ray McKinley, Charlie Barnet y Maynard Ferguson (con este último participó en "Three More Foxes"), grabó con Charles Mingus y tocó con el sexteto de George Russell (al mismo tiempo que Eric Dolphy). Ellis dirigió cuatro sesiones de cuarteto y trío durante 1960-1962 para Candid, New Jazz y Pacific Jazz, mezclando el bop, el free jazz y su interés por la música clásica moderna. Sin embargo, fue en 1965, cuando formó su primera orquesta, cuando realmente empezó a dejar huella en el jazz. Las big bands de Ellis se distinguían por su inusual instrumentación (que en sus primeros días contaba con hasta tres bajistas y tres baterías, incluido el propio Ellis), el deseo del líder de investigar cambios de tiempo inusuales (incluyendo 7/8, 9/8 e incluso 15/16), su humor ocasionalmente descabellado (destacado por un exceso de falsos finales) y una apertura hacia el uso de ritmos de rock y (en años posteriores) de la electrónica. Ellis inventó la trompeta de cuatro válvulas y utilizó un modulador en anillo y todo tipo de dispositivos electrónicos salvajes a finales de los 60. En 1971, su banda estaba formada por una sección de metales de ocho piezas (incluyendo trompa y tuba), una sección de viento-madera de cuatro piezas, un cuarteto de cuerda y una sección rítmica de dos tambores. En una edición posterior no grabada se añadió incluso un cuarteto vocal.

Entre los acompañantes de Don Ellis se encontraban Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay y el brillante pianista (directamente de Bulgaria) Milcho Leviev. Las grabaciones más memorables de la orquesta fueron Autumn, Live at the Fillmore y Tears of Joy (todas para Columbia). Después de sufrir un ataque al corazón a mediados de los 70, Ellis volvió a actuar en directo, tocando el "superbone" y una edición posterior de su big band con Art Pepper. La última grabación de Ellis fue en el Festival de Jazz de Montreux de 1977, un año antes de que su corazón se rindiera definitivamente.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography

The Michel Petrucciani Trio • One Night in Karlsruhe-2019

 

Piano virtuoso Michel Petrucciani was born on December 28th 1962 in Orange France to Italian parents. He grew up surrounded by music as his father was a guitarist and his brothers were a bassist and a guitarist. He discovered the piano very young and one of his early influences was Duke Ellington. Because he was born with osteogenesis imperfecta; a condition that stunts growth and causes fragile bones and respiratory disorders, he had to have special extensions made for him to reach the pedals of the piano. The condition did not affect his hands, however, and he was able to study classical piano for 8 years. He gave his first professional concert at age 13 at the Cliousclat Festival where he was discovered by Clark Terry. Terry introduced him to a number of expatriate jazz musicians and this encouraged the young Petrucciani to embrace jazz as a musical idiom rather than classical music. At age 16 he met drummer Aldo Romano who was impressed by the teenager’s musical prowess and took him under his wing and 2 years later helped him launch his recording career with Flash. Petrucciani recorded a number of excellent albums for the French label Owl including a duet with Lee Konitz. In 1981 he performed at the Paris Jazz Festival and caused a sensation.

In 1982 he moved to the US and was introduced to Charles Lloyd. The latter was so impressed by the pianist that he helped him launch his American career. During this stay he met and married his first wife Erlinda Montaño. The marriage lasted 3 years. During he stay in the US Petrucciani had the opportunity to play with lot of the giants of jazz including Dizzy Gillespie. In 1986 he became the first Frenchman to sign a contract with the legendary Blue Note label. In 1990 he married classical pianist Gilda Butta with whom he had two children. This marriage also ended in divorce in the late 90s. He spent the 90s touring Europe and recording for Dreyfus Records. Near the end of his life he was trying to establish a jazz school in Paris.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

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El virtuoso del piano Michel Petrucciani nació el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia, de padres italianos. Creció rodeado de música ya que su padre era guitarrista y sus hermanos eran bajistas y guitarristas. Descubrió el piano muy joven y una de sus primeras influencias fue Duke Ellington. Debido a que nació con osteogénesis imperfecta; una condición que impide el crecimiento y causa huesos frágiles y desórdenes respiratorios, tuvo que hacer extensiones especiales para que llegara a los pedales del piano. Sin embargo, la afección no afectó sus manos y pudo estudiar piano clásico durante 8 años. Dio su primer concierto profesional a los 13 años en el Festival Cliousclat donde fue descubierto por Clark Terry. Terry le presentó a un número de músicos de jazz expatriados y esto animó al joven Petrucciani a abrazar el jazz como un lenguaje musical en lugar de la música clásica. A los 16 años conoció al baterista Aldo Romano, quien quedó impresionado por la destreza musical del adolescente y lo tomó bajo su ala, y dos años más tarde lo ayudó a lanzar su carrera discográfica con Flash. Petrucciani grabó varios discos excelentes para el sello francés Owl, incluyendo un dúo con Lee Konitz. En 1981 actuó en el Festival de Jazz de París y causó sensación.

En 1982 se trasladó a los Estados Unidos y fue presentado a Charles Lloyd. Este último quedó tan impresionado por el pianista que le ayudó a lanzar su carrera en Estados Unidos. Durante esta estancia conoció y se casó con su primera esposa Erlinda Montaño. El matrimonio duró 3 años. Durante su estancia en los Estados Unidos, Petrucciani tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los gigantes del jazz, entre ellos Dizzy Gillespie. En 1986 se convirtió en el primer francés en firmar un contrato con el legendario sello Blue Note. En 1990 se casó con la pianista clásica Gilda Butta con quien tuvo dos hijos. Este matrimonio también terminó en divorcio a finales de los 90. Pasó los años 90 de gira por Europa y grabando para Dreyfus Records. Casi al final de su vida estaba tratando de establecer una escuela de jazz en París.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

 

 

 

www.facebook.com/MichelPetruccianijazz ...

Albert Ayler With Don Cherry • 1964 Recordings, First Visit Completed

 

Gary Peacock, Keith Jarrett, Jack DeJohnette • Tales Of Another

 

Jimmy Woods • Awakening!!

 

Review by Scott Yanow
Altoist Jimmy Woods, whose style fell between hard bop and the avant-garde, only recorded two albums as a leader; this CD reissue brings back his first. The backup musicians include Joe Gordon or Martin Banks on trumpet, Amos Trice or Dick Whittington on piano, Jimmy Bond or Gary Peacock on bass, and drummer Milt Turner, but Woods is by far the most advanced musician. On six of his originals, an obscurity, and "Love for Sale," Jimmy Woods' original sound and passionate, chance-taking style make one wonder why he was never able to really make it; his music has not really dated. 
https://www.allmusic.com/album/awakening-mw0000173617

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista alto Jimmy Woods, cuyo estilo se situaba entre el hard bop y la vanguardia, solo grabó dos álbumes como líder; esta reedición en CD recupera el primero de ellos. Entre los músicos que le acompañan se encuentran Joe Gordon o Martin Banks a la trompeta, Amos Trice o Dick Whittington al piano, Jimmy Bond o Gary Peacock al bajo y el baterista Milt Turner, pero Woods es, con diferencia, el músico más avanzado. En seis de sus temas originales, uno desconocido y «Love for Sale», el sonido original y el estilo apasionado y arriesgado de Jimmy Woods hacen que uno se pregunte por qué nunca llegó a triunfar; su música no ha pasado de moda. 
https://www.allmusic.com/album/awakening-mw0000173617

Paul Bley • A Free Spirit

 

Biography by arwulf arwulf
Pianist Paul Bley took the styles and techniques associated with Oscar Peterson, Wynton Kelly, and Bill Evans to new levels of creative experimentation, becoming an indispensable force in modern music by combining the best elements in bop and early modern jazz with extended free improvisation and procedural dynamics often found in 20th-century chamber music. This approach places him in league with such diverse artists as Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra, and Marilyn Crispell. Even a cursory overview of Bley's life and work can be pleasantly overwhelming, for he is among the most heavily recorded of all jazz pianists and his story is inextricably intertwined with the evolution of modern jazz during the second half of the 20th century. His three dates with Jimmy Giuffre's trio, most notably 1961's Free Fall, were landmark studies in vanguard modalism. With Barrage from 1965 and Mr. Joy from 1968, the pianist became familiar to many American jazz fans. In the early '70s, Bley issued the piano solo offering Open, To Love -- it remains his most prophetic and lyrical solo offering, laying out the juxtapositions for pointillism and space that would mark his career. He also resumed working with Giuffre during the late part of the decade and into the early '80s. Bley was prolific in the 1990s as a leader and as a collaborator. He took part in several historic dates, including Annette with Franz Koglmann and Gary Peacock, Memoirs with Charlie Haden and Motian, a pair of ECM trio dates with Barre Phillips and Evan Parker (Time Will Tell and Sankt Gerold Variations), and Not Two, Not One with Peacock and Motian. Bley began the 21st century as active as he had left the 20th, working as a collaborator with Kenny Millions, Mario Pavone, and a young Jakob Bro. The final two recordings credited to Bley as a leader were solo offerings: the studio album About Time, in 2007, and Play Blue (Oslo Concert), recorded in 2008 but unissued until 2014.

Hyman Paul Bley was born in Montreal, Canada, on November 10, 1932. A violin prodigy at five, he began playing piano at eight and studied at the McGill Conservatorium, earning his diploma at age 11. Before long, Hy "Buzzy" Bley was sitting in with jazz bands and had formed his own group. Already a skilled pianist, he landed a steady gig at the Alberta Lounge soon after Oscar Peterson left to begin working for Norman Granz in 1949. The following year, Bley continued his musical education at the Juilliard School in New York while gigging in the clubs with trumpeter Roy Eldridge, trombonist Bill Harris, and saxophonists Ben Webster, Sonny Rollins, and Charlie Parker. While enrolled at Juilliard, he played in a group with trumpeter Donald Byrd, saxophonist Jackie McLean, bassist Doug Watkins, and drummer Art Taylor. He also hung out at Lennie Tristano's residential studio, absorbing ideas. During the 1980s, Bley was restless: he recorded for acclaimed dates for Soul Note, SteepleChase (including a duo-led set with Chet Baker entitled Diane), ECM, and Owl.

The 1990s marked Bley's most prolific period as a recording artist. He toured constantly, recorded often, and took part in several historic recordings including Annette, with Franz Koglmann and Peacock, and Time Will Tell, with Barre Phillips and Evan Parker. The latter grouping toured extensively and in 2000 issued Sankt Gerold Variations on ECM. While he didn't issue nearly as much (comparatively, at least) under his own name for the remainder of his life, Bley was an active collaborator and sideman, working with everyone from Mario Pavone and Andreas Willers to Benjamin Koppel and Jakob Bro, while his discography as both leader and sideman saw many titles reissued.

Paul Bley's earliest known recordings survive as soundtracks from Canadian television; the first was in 1950 with tenor saxophonist Brew Moore and the second in February 1953 with Charlie Parker, special invited guest of the Montreal Jazz Workshop, an artist-run organization Bley helped to establish. His first studio recording date took place in November 1953 with bassist Charles Mingus and drummer Art Blakey. The young pianist's constant interaction with archetypal and influential musicians was phenomenal; he also sat in with trumpeter Chet Baker and saxophonist Lester Young. In 1954 he led three different recording sessions with bassists Peter Ind and Percy Heath, and drummer Alan Levitt. At this stage of his career, Paul Bley was an inspired, extremely adept bop pianist whose first decisively innovative period was just about to commence.

The plot thickened when Bley moved to California in 1957 and began holding down a steady engagement at the Hillcrest Club in Los Angeles, where he was recorded in 1958 with saxophonist Ornette Coleman, trumpeter Don Cherry, bassist Charlie Haden, and drummer Billy Higgins. He also performed with Canadian trumpeter Herb Spanier and recorded an album with vibraphonist Dave Pike, featuring liner notes and one composition by Karen Borg, a brilliant musician who married the pianist in 1957 and changed her name to Carla Bley. In 1959, the Bleys moved to New York City, where they continued to interact with musicians who were operating on the cutting edge of modern jazz, including multi-instrumentalist Roland Kirk, saxophonist and composer Oliver Nelson; composer and bandleader George Russell; composer, bassist, and bandleader Charles Mingus; trumpeter and bandleader Don Ellis; bassists Gary Peacock and Steve Swallow; drummer Pete La Roca; and multi-reedman Jimmy Giuffre. In 1961, Paul Bley made his first visit to Europe.

In 1963, Bley toured Japan with Sonny Rollins and participated in the tenor saxophonist's historic jousting session with Coleman Hawkins. The following year, Paul and Carla Bley accepted trumpeter Bill Dixon's invitation to join the Jazz Composer's Guild. This brought them into direct contact with Austrian-American composer and trumpeter Michael Mantler; trombonists Bennie Green and Roswell Rudd; saxophonists Archie Shepp and John Tchicai; and pianist Cecil Taylor. Bley, who also worked with saxophonist Albert Ayler, taped a session with tenor saxophonist John Gilmore, bassist Gary Peacock, and drummer Paul Motian, and then began recording for the independent ESP-Disk label.

Barrage featured a quintet with bassist Eddie Gomez, drummer Milford Graves, and two musicians who, like Gilmore, were closely affiliated with Sun Ra: trumpeter Dewey Johnson and altoist Marshall Allen. All of the pieces were composed by Carla Bley. Recorded in 1965 and released as Closer, the first of many albums involving drummer Barry Altschul featured works by Carla Bley, Ornette Coleman, and Gary Peacock's wife, Annette Peacock. Several trio projects materialized in Scandinavia during the years 1965-1966; from this point on, Bley would spend increasing amounts of time performing and recording in Europe.

Soon after he was divorced from Carla Bley in 1967, Paul Bley married composer and vocalist Annette Peacock. As was the case with Carla, the influence of this woman upon Paul Bley was profound and lasting, as he combined his own continuously evolving improvisational methodology with her intriguing tonal formations. She sometimes sang with Bley's groups as he began to experiment with electronic instrumentation including ARP and Moog synthesizers. Recorded in December 1970 and January 1971, an album called the Paul Bley Synthesizer Show spotlighted the futuristic instrument backed by multiple players including drummers Bobby Moses and Han Bennink. In 1972, the Bley/Annette Peacock partnership was dissolved.

Two years later, Bley and his new companion, video artist Carol Goss, founded the Improvising Artists record label. Soon they set precedents for the gradually emerging format of music videos. During two back-to-back sessions in 1974, Bley introduced to the scene a pair of promising young musicians: guitarist Pat Metheny and bassist Jaco Pastorius. Bley and Goss were married in 1980 and soon moved the Improvising Artists operation out of New York City to Cherry Valley in central New York State. The '80s saw Bley reaffirming his links with the Canadian music scene while engaging in recording projects with saxophonist John Surman; guitarists John Abercrombie, John Scofield, and Bill Frisell; bassists Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure, and Bob Cranshaw; and drummers George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland, and Billy Hart.

Throughout the '90s, Paul Bley's creative activities became ever more diverse and international in scope. This healthy tendency was epitomized by a hat ART album bearing the title 12 (+6) In a Row, recorded in Boswil, Switzerland, during May 1990 with flügelhornist Franz Koglmann and clarinetist/saxophonist Hans Koch. Other collaborations from this period involved vibraphonist Gary Burton, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and vocalist Tiziana Ghiglioni. In 1993, Bley, now a faculty member of the New England Conservatory of Music, released an album of piano solos with overdubbed synthesizers called Synth Thesis. His seemingly inexhaustible appetite for creative interaction with modern improvisers led him to record with trumpeter Kenny Wheeler; saxophonists Lee Konitz, Evan Parker, and Ralph Simon; guitarist Sonny Greenwich; bassists Jay Anderson, Dave Young, and Barre Phillips; drummers Stich Wynston, Adam Nussbaum, and Bruce Ditmas; pianists Satoko Fuji, Stéphan Oliva, and Hans Ludemann; and violinist Jean-Luc Ponty, as well as poet and vocalist Paul Haines. In 1997, Bley was heard with an ensemble led by bassist and composer Maarten Altena.

During the first decade of the 21st century, Bley recorded with saxophonists Keshavan Maslak, François Carrier, and Yuri Honing; guitarist Andreas Willers; bassist Mario Pavone; and vocalist Jeannette Lambert. He also released several solo albums, including 2004's Nothing to Declare, 2008's About Time, and 2014's Play Blue: Oslo Concert, which documented his 2008 performance at the Oslo Jazz Festival. Bley was also named a member of the Order of Canada in 2008, in honor of his contributions to jazz.

Bley died of natural causes on January 3, 2016, at his Florida home. He was 83 years old. In 2019, ECM issued the archival When Will the Blues Leave, a trio concert with Peacock and Motian captured in Switzerland in 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

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Biografía de arwulf arwulf
El pianista Paul Bley llevó los estilos y técnicas asociados con Oscar Peterson, Wynton Kelly y Bill Evans a nuevos niveles de experimentación creativa, convirtiéndose en una fuerza indispensable en la música moderna al combinar los mejores elementos del bop y el jazz moderno temprano con una improvisación libre extendida y dinámicas de procedimiento que a menudo se encuentran en la música de cámara del siglo XX. Este enfoque lo coloca en alianza con artistas tan diversos como Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra y Marilyn Crispell. Incluso una visión superficial de la vida y obra de Bley puede resultar agradablemente abrumadora, ya que se encuentra entre los pianistas de jazz más grabados y su historia está inextricablemente entrelazada con la evolución del jazz moderno durante la segunda mitad del siglo XX. Sus tres citas con el trío de Jimmy Giuffre, sobre todo Free Fall de 1961, fueron estudios emblemáticos en el modalismo de vanguardia. Con Barrage de 1965 y Mr. Joy de 1968, el pianista se hizo familiar para muchos fanáticos del jazz estadounidense. A principios de los 70, Bley lanzó la oferta de piano solo Open, To Love remains sigue siendo su oferta solista más profética y lírica, presentando las yuxtaposiciones de puntillismo y espacio que marcarían su carrera. También reanudó su trabajo con Giuffre a fines de la década y principios de los 80. Bley fue prolífico en la década de 1990 como líder y colaborador. Participó en varias fechas históricas, incluidas Annette con Franz Koglmann y Gary Peacock, Memoirs con Charlie Haden y Motian, un par de fechas del trío ECM con Barre Phillips y Evan Parker (Time Will Tell y Variaciones de Sankt Gerold), y Not Two, Not One con Peacock y Motian. Bley comenzó el siglo XXI tan activo como había dejado el XX, trabajando como colaborador de Kenny Millions, Mario Pavone y un joven Jakob Bro. Las dos últimas grabaciones acreditadas a Bley como líder fueron ofertas en solitario: el álbum de estudio About Time, en 2007, y Play Blue (Concierto de Oslo), grabado en 2008 pero sin publicar hasta 2014.

Hyman Paul Bley nació en Montreal, Canadá, el 10 de noviembre de 1932. Prodigio del violín a los cinco años, comenzó a tocar el piano a los ocho y estudió en el Conservatorio McGill, obteniendo su diploma a los 11 años. En poco tiempo, Hy "Buzzy" Bley estaba sentado con bandas de jazz y había formado su propio grupo. Ya era un pianista habilidoso, consiguió un concierto estable en el Alberta Lounge poco después de que Oscar Peterson se fuera para comenzar a trabajar para Norman Granz en 1949. Al año siguiente, Bley continuó su educación musical en la Juilliard School de Nueva York mientras tocaba en clubes con el trompetista Roy Eldridge, el trombonista Bill Harris y los saxofonistas Ben Webster, Sonny Rollins y Charlie Parker. Mientras estaba inscrito en Juilliard, tocó en un grupo con el trompetista Donald Byrd, la saxofonista Jackie McLean, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor. También pasaba el rato en el estudio residencial de Lennie Tristano, absorbiendo ideas. Durante la década de 1980, Bley estaba inquieto: grabó para aclamadas fechas de Soul Note, SteepleChase (incluido un set dirigido por un dúo con Chet Baker titulado Diane), ECM y Owl.

La década de 1990 marcó el período más prolífico de Bley como artista discográfico. Realizó giras constantemente, grabó a menudo y participó en varias grabaciones históricas, incluidas Annette, con Franz Koglmann y Peacock, y Time Will Tell, con Barre Phillips y Evan Parker. Esta última agrupación realizó una extensa gira y en 2000 publicó Variaciones de Sankt Gerold sobre ECM. Si bien no emitió casi tanto (comparativamente, al menos) bajo su propio nombre durante el resto de su vida, Bley fue un colaborador activo y acompañante, trabajando con todos, desde Mario Pavone y Andreas Willers hasta Benjamin Koppel y Jakob Bro, mientras que su discografía como líder y acompañante vio reeditados muchos títulos.

Las primeras grabaciones conocidas de Paul Bley sobreviven como bandas sonoras de la televisión canadiense; la primera fue en 1950 con el saxofonista tenor Brew Moore y la segunda en febrero de 1953 con Charlie Parker, invitado especial del Montreal Jazz Workshop, una organización dirigida por artistas que Bley ayudó a establecer. Su primera fecha de grabación en estudio tuvo lugar en noviembre de 1953 con el bajista Charles Mingus y el baterista Art Blakey. La interacción constante del joven pianista con músicos arquetípicos e influyentes fue fenomenal; también se sentó con el trompetista Chet Baker y el saxofonista Lester Young. En 1954 dirigió tres sesiones de grabación diferentes con los bajistas Peter Ind y Percy Heath, y el baterista Alan Levitt. En esta etapa de su carrera, Paul Bley era un pianista inspirado y extremadamente hábil de la bop cuyo primer período decisivamente innovador estaba a punto de comenzar.

La trama se complicó cuando Bley se mudó a California en 1957 y comenzó a mantener un compromiso estable en el Hillcrest Club de Los Ángeles, donde grabó en 1958 con el saxofonista Ornette Coleman, el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins. También actuó con el trompetista canadiense Herb Spanier y grabó un álbum con el vibrafonista Dave Pike, con notas y una composición de Karen Borg, una brillante músico que se casó con la pianista en 1957 y cambió su nombre a Carla Bley. En 1959, los Bley se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde continuaron interactuando con músicos que operaban a la vanguardia del jazz moderno, incluido el multiinstrumentista Roland Kirk, el saxofonista y compositor Oliver Nelson; el compositor y director de orquesta George Russell; el compositor, bajista y director de orquesta Charles Mingus; el trompetista y director de orquesta Don Ellis; los bajistas Gary Peacock y Steve Swallow; el baterista Pete La Roca; y Jimmy Giuffre. En 1961, Paul Bley hizo su primera visita a Europa.

En 1963, Bley realizó una gira por Japón con Sonny Rollins y participó en la histórica sesión de justas del saxofonista tenor con Coleman Hawkins. Al año siguiente, Paul y Carla Bley aceptaron la invitación del trompetista Bill Dixon para unirse al Gremio de Compositores de Jazz. Esto los puso en contacto directo con el compositor y trompetista austríaco-estadounidense Michael Mantler; los trombonistas Bennie Green y Roswell Rudd; los saxofonistas Archie Shepp y John Tchicai; y el pianista Cecil Taylor. Bley, quien también trabajó con el saxofonista Albert Ayler, grabó una sesión con el saxofonista tenor John Gilmore, el bajista Gary Peacock y el baterista Paul Motian, y luego comenzó a grabar para el sello independiente ESP-Disk.

Barrage presentó un quinteto con el bajista Eddie Gomez, el baterista Milford Graves y dos músicos que, como Gilmore, estaban estrechamente afiliados a Sun Ra: el trompetista Dewey Johnson y el altoista Marshall Allen. Todas las piezas fueron compuestas por Carla Bley. Grabado en 1965 y lanzado como Closer, el primero de muchos álbumes con el baterista Barry Altschul presentó obras de Carla Bley, Ornette Coleman y la esposa de Gary Peacock, Annette Peacock. Varios proyectos trío se materializaron en Escandinavia durante los años 1965-1966; a partir de este momento, Bley pasaría cada vez más tiempo actuando y grabando en Europa.

Poco después de divorciarse de Carla Bley en 1967, Paul Bley se casó con la compositora y vocalista Annette Peacock. Como fue el caso de Carla, la influencia de esta mujer sobre Paul Bley fue profunda y duradera, ya que combinó su propia metodología de improvisación en continua evolución con sus intrigantes formaciones tonales. A veces cantaba con los grupos de Bley cuando él comenzó a experimentar con instrumentación electrónica, incluidos los sintetizadores ARP y Moog. Grabado en diciembre de 1970 y enero de 1971, un álbum llamado The Paul Bley Synthesizer Show destacó el instrumento futurista respaldado por varios músicos, incluidos los bateristas Bobby Moses y Han Bennink. En 1972, se disolvió la sociedad Bley/Annette Peacock.

Dos años más tarde, Bley y su nueva compañera, la videoartista Carol Goss, fundaron el sello discográfico Improvising Artists. Pronto sentaron precedentes para el formato gradualmente emergente de videos musicales. Durante dos sesiones consecutivas en 1974, Bley presentó a la escena a un par de jóvenes músicos prometedores: el guitarrista Pat Metheny y el bajista Jaco Pastorius. Bley y Goss se casaron en 1980 y pronto trasladaron la operación de Improvising Artists fuera de la ciudad de Nueva York a Cherry Valley, en el centro del estado de Nueva York. Los años 80 vieron a Bley reafirmar sus vínculos con la escena musical canadiense mientras participaba en proyectos de grabación con el saxofonista John Surman; los guitarristas John Abercrombie, John Scofield y Bill Frisell; los bajistas Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure y Bob Cranshaw; y los bateristas George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland y Billy Hart.

A lo largo de los años 90, las actividades creativas de Paul Bley se volvieron cada vez más diversas y de alcance internacional. Esta saludable tendencia fue personificada por un álbum de hat ART con el título 12 (+6) Seguidos, grabado en Boswil, Suiza, durante mayo de 1990 con el flügelhornista Franz Koglmann y el clarinetista/saxofonista Hans Koch. Otras colaboraciones de este período incluyeron al vibrafonista Gary Burton, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y la vocalista Tiziana Ghiglioni. En 1993, Bley, ahora miembro de la facultad del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, lanzó un álbum de solos de piano con sintetizadores sobregrabados llamado Synth Thesis. Su apetito aparentemente inagotable por la interacción creativa con improvisadores modernos lo llevó a grabar con el trompetista Kenny Wheeler; los saxofonistas Lee Konitz, Evan Parker y Ralph Simon; el guitarrista Sonny Greenwich; los bajistas Jay Anderson, Dave Young y Barre Phillips; los bateristas Stich Wynston, Adam Nussbaum y Bruce Ditmas; los pianistas Satoko Fuji, Stéphan Oliva y Hans Ludemann; y el violinista Jean-Luc Ponty, así como el poeta y vocalista Paul Haines. En 1997, Bley se escuchó con un conjunto dirigido por el bajista y compositor Maarten Altena.

Durante la primera década del siglo XXI, Play grabó con los saxofonistas Keshavan Maslak, François Carrier y Yuri Honing; el guitarrista Andreas Willers; el bajista Mario Pavone; y la vocalista Jeannette Lambert. También lanzó varios álbumes en solitario, incluidos Nothing to Declare del 2004, About Time del 2008 y Play Blue: Oslo Concert del 2014, que documentó su actuación en el Festival de Jazz de Oslo en el 2008. Bley también fue nombrado miembro de la Orden de Canadá en 2008, en honor a sus contribuciones al jazz.

Bley murió de causas naturales el 3 de enero de 2016 en su casa de Florida. Tenía 83 años. En 2019, ECM publicó el archivo When Will the Blues Leave, un concierto en trío con Peacock y Motian capturado en Suiza en 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

Marc Copland-Gary Peacock • What It Says

 

Review
by Alex Henderson
Flexibility isn't an absolutely essential quality for a jazz musician to have; an improviser doesn't have to be incredibly daring or ultra-eclectic to record meaningful, worthwhile albums. But flexibility is certainly a positive quality to have -- not essential, but definitely positive -- and over the years, flexibility has worked quite well for acoustic bassist Gary Peacock, whose résumé includes everyone from Bill Evans and Keith Jarrett to Bill Frisell and Albert Ayler. His willingness to enter a variety of jazz situations has been a plus, and Insight -- it turns out -- is an album of intimate bass/acoustic piano duets with Marc Copland. This 58-minute CD was recorded from 2005-2007; Peacock was in his early seventies, and Copland was in his late fifties. By that time, both of them had long since earned their stripes and paid their share of dues; so neither of them have anything to prove on Insight. Instead, Insight sounds like the work of two musical friends getting together in the studio and having a mutually agreeable post-bop dialogue. That isn't to say that the performances are simplistic; there is plenty of complexity on this disc, which is dominated by Peacock and Copland's own writing but also contains four well-known standards ("Sweet and Lovely," Dave Brubeck's "In Your Own Sweet Way," and the Miles Davis gems "Blue in Green" and "All Blues"). Copland's pianism tends to be impressionistic and cerebral, but for listeners who aren't intimidated by all that complexity and intellect, it is evident that he and Peacock are really enjoying each other's company. Insight fall short of remarkable, although it is still a good, solid demonstration of the positive things that can happen when two seasoned jazz veterans get together.
https://www.allmusic.com/album/insight-mw0001777756

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Revisar
por Alex Henderson
La flexibilidad no es una cualidad absolutamente esencial para un músico de jazz; un improvisador no tiene que ser increíblemente atrevido o ultraecléctico para grabar álbumes significativos y valiosos. Pero la flexibilidad es sin duda una cualidad positiva, no esencial, pero definitivamente positiva, y a lo largo de los años, la flexibilidad ha funcionado bastante bien para el bajista acústico Gary Peacock, cuyo currículum incluye a todos, desde Bill Evans y Keith Jarrett hasta Bill Frisell y Albert. Ayler. Su voluntad de entrar en una variedad de situaciones de jazz ha sido una ventaja, e Insight, resulta que es un álbum de dúos íntimos de bajo y piano acústico con Marc Copland. Este CD de 58 minutos fue grabado entre 2005 y 2007; Peacock tenía setenta y tantos años y Copland rondaba los cincuenta. En ese momento, ambos se habían ganado sus galones hacía mucho tiempo y habían pagado su parte de las cuotas; así que ninguno de ellos tiene nada que probar en Insight. En cambio, Insight suena como el trabajo de dos amigos musicales que se reúnen en el estudio y tienen un diálogo post-bop de mutuo acuerdo. Eso no quiere decir que las actuaciones sean simplistas; hay mucha complejidad en este disco, que está dominado por la propia escritura de Peacock y Copland, pero también contiene cuatro estándares bien conocidos ("Sweet and Lovely", "In Your Own Sweet Way" de Dave Brubeck y las gemas de Miles Davis "Blue en verde" y "Todos los azules"). El pianismo de Copland tiende a ser impresionista y cerebral, pero para los oyentes que no se dejan intimidar por toda esa complejidad e intelecto, es evidente que él y Peacock realmente disfrutan de la compañía del otro. Insight no llega a ser notable, aunque sigue siendo una buena y sólida demostración de las cosas positivas que pueden suceder cuando dos veteranos del jazz se juntan.
https://www.allmusic.com/album/insight-mw0001777756

www.marccopland.com ...

Tony Williams • Life Time

 

Review
by Scott Yanow
Drummer Tony Williams' first recording as a leader (made when he was 18 and still billed as Anthony Williams) gave him an opportunity to utilize an advanced group of musicians: tenor saxophonist Sam Rivers, vibraphonist Bobby Hutcherson, pianist Herbie Hancock, and both Richard Davis and Gary Peacock on bass. Williams wrote all four of the pieces and has a different combination of players on each song. The freely improvised "Memory" features Hutcherson, Hancock, and Williams in some colorful and at times spacy interplay; "Barb's Song to the Wizard" is a Hancock-Ron Carter duet; "Tomorrow Afternoon" has Rivers, Peacock and Williams in a trio; and all of the musicians (except Hutcherson) are on the sidelong "2 Pieces of One." The unpredictable music holds one's interest; a very strong debut for the masterful drummer.
https://www.allmusic.com/album/life-time-mw0000655098

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Reseña
por Scott Yanow
La primera grabación como líder del baterista Tony Williams (realizada cuando tenía 18 años y aún figuraba como Anthony Williams) le dio la oportunidad de utilizar un avanzado grupo de músicos: el saxofonista tenor Sam Rivers, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Herbie Hancock, y tanto Richard Davis como Gary Peacock al bajo. Williams escribió las cuatro piezas y cuenta con una combinación diferente de intérpretes en cada canción. La improvisada "Memory" presenta a Hutcherson, Hancock y Williams en una colorida y a veces picante interacción; "Barb's Song to the Wizard" es un dúo Hancock-Ron Carter; "Tomorrow Afternoon" tiene a Rivers, Peacock y Williams en un trío; y todos los músicos (excepto Hutcherson) están en la lateral "2 Pieces of One". La imprevisible música mantiene el interés; un debut muy sólido para el magistral batería.
https://www.allmusic.com/album/life-time-mw0000655098

Carmell Jones Quartet • Previously Unreleased Los Angeles Session

 

In August 1960, 24-year old trumpet player Carmell Jones left his Kansas City home-town and hopped a bus to Los Angeles, intent on hitting the West Coast jazz scene. There, his impact was immediate and would prove to be memorable. He was quickly part of a quartet with pianist Forrest Westbrook, bassist Gary Peacock and drummer Bill Schwemmer.

They rehearsed at Westbrooks apartment at 2021 Sta. Monica Blvd, Santa Monica, where this unreleased material was recorded at the end of that month. It was an amazing session, in which Carmell, oozing confidence and assertiveness, demonstrated a fresh, virile and imaginative style, with a warm ballad tone and an authoritatively implacable swing at up tempo. The highly responsive rhythm section locked right on him all the way, and also revealed Forrest Westbrook as a highly talented and sensitive pianist, with an advanced concept of improvisation, and a built-in propensity for swinging hard. Along with the pungently powerful Peacock and the driving Schwemmer, they provided an ideally vigorous support for Carmell Jones, who, unbelievably soon, would come to be regarded as among the finest trumpeters on the West Coast. These never before released recordings, his first on the Coast, show why.
https://www.freshsoundrecords.com/carmell-jones-albums/6285-carmell-jones-quartet-previously-unreleased-los-angeles-session.html

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En agosto de 1960, Carmell Jones, trompetista de 24 años, abandonó su ciudad natal de Kansas City y tomó un autobús rumbo a Los Ángeles, con la intención de introducirse en la escena del jazz de la Costa Oeste. Allí, su impacto fue inmediato y resultaría memorable. Enseguida formó parte de un cuarteto con el pianista Forrest Westbrook, el bajista Gary Peacock y el batería Bill Schwemmer.

Ensayaron en el apartamento de Westbrook, en el 2021 Sta. Monica Blvd, Santa Mónica, donde se grabó este material inédito a finales de ese mes. Fue una sesión asombrosa, en la que Carmell, rezumando confianza y asertividad, demostró un estilo fresco, viril e imaginativo, con un cálido tono de balada y un swing autoritario e implacable en el up tempo. La sección rítmica, de gran capacidad de respuesta, le siguió en todo momento, y también reveló que Forrest Westbrook es un pianista de gran talento y sensibilidad, con un concepto avanzado de la improvisación y una propensión innata al swing duro. Junto con el potente Peacock y el enérgico Schwemmer, proporcionaron un vigoroso apoyo a Carmell Jones, quien, increíblemente pronto, llegaría a ser considerado uno de los mejores trompetistas de la Costa Oeste. Estas grabaciones inéditas, sus primeras en la costa, demuestran por qué.
https://www.freshsoundrecords.com/carmell-jones-albums/6285-carmell-jones-quartet-previously-unreleased-los-angeles-session.html

Albert Ayler • Bells & Prophecy

 

Biography by Fred Thomas
Tenor saxophonist Albert Ayler was one of the most mysterious and powerful forces in the free jazz movement of the ‘60s, once summing up his place in the scene by stating “Trane was the father, Pharoah was the son, and I am the Holy Ghost.” Ayler’s tone was raw and his compositions were eruptive; in just a few short years, he moved from relatively restrained playing to albums of chaotic emotional upheaval. This style crested with albums on ESP-Disk and Impulse!, like 1965’s Spirits Rejoice or 1967’s blistering live set In Greenwich Village, documents that showcased Ayler’s strange mix of fiery group improvisation and melodic themes that simultaneously recalled and disassembled children’s nursery rhymes and New Orleans-style brass band funeral marches. In his time, Ayler was adored by some critics but never reached any level of commercial success. Ongoing struggles with financial security and mental health might have motivated the unpredictable turn Ayler’s output took toward a bizarre version of soul-funk on later albums like 1969’s New Grass, but even when pursuing pop crossover success, Ayler’s music retained both its raw immediacy and full-force spiritual themes. Ayler was found dead in November of 1970, drowned in New York’s East River under circumstances that were never officially illuminated. The attention and fame that eluded him while he was alive grew substantially after his death, with new generations of improvisers discovering Ayler’s ungovernable sounds perennially and turning him into one of free jazz’s key influential figures over time. Different media focusing on Ayler’s life and artistry eventually surfaced, as did a wealth of posthumously released recordings, including 2004’s massive ten-disc box set Holy Ghost: Rare & Unissued Recordings (1962-70) and 2022’s Revelations: The Complete ORTF 1970 Fondations Maeght Recordings, an extensive compilation of some of Ayler’s final concert performances.

Albert Ayler was born in Cleveland, Ohio in 1936 and grew up in the Shaker Heights neighborhood. He first played saxophone as a child, getting lessons from his father and playing duets with him in their church. Ayler was gigging professionally as early as age 16, playing sax in R&B performer Little Walter’s touring band. After some time in the military he relocated to Sweden in 1962. There he led some bands of his own and also jammed on occasion with Cecil Taylor, finding his voice as he strayed from the more traditional playing of his upbringing toward more avant-garde ideas. In 1963 he returned to the U.S., living in New York and immersing himself in the burgeoning free jazz scene there. 1963 also saw the release of his debut album, My Name Is Albert Ayler, which presented a more subdued reading of his quickly evolving style. He hit a stride in terms of both artistry and momentum in 1964, working with ESP-Disk on what would be the label’s first jazz record, Spirits Rejoice, as well as recording multiple studio and live dates that would eventually be released as albums like Prophecy, Spiritual Unity, and New York Eye and Ear Control, a dense collective improvisation with Don Cherry, Sonny Murray, John Tchicai, Gary Peacock, and Roswell Rudd. Around 1965, Ayler’s younger brother Donald Ayler joined his band on trumpet. Donald’s unschooled technique and visceral playing heightened the already transcendent sound his brother was achieving, and the Aylers began playing frequently with a revolving cast of like-minded improvisers. In 1966, Impulse! Records offered Ayler a recording contract at the urging of John Coltrane, who was the label’s main attraction at that time. Impulse! would release some of Ayler’s most groundbreaking material over the next few years, including 1967’s In Greenwich Village, 1968’s hippie-geared and harpsichord-heavy Love Cry, and the confusing 1969 release New Grass, which found Ayler and his girlfriend Mary Maria Parks singing high-energy pop songs that still fit uncontainable free sax solos over their more their more traditional structures. By the end of 1967, Donald Ayler had stopped playing music after suffering a mental and emotional breakdown, and Ayler struggled with the guilt of feeling responsible for dragging his brother into an unhealthy lifestyle. His struggle was compounded as he continued to face commercial failure, even with the prestigious Impulse! in his corner. 1969 recording sessions would result in the music that became 1970’s Music Is the Healing Force of the Universe and 1971’s The Last Album (both released on Impulse!) but it would also be his last time in the studio. Following a tour of France in July of 1970, Ayler returned to New York. He went missing in early November of that year, and on November 25, 1970, his body was found floating in the East River. The circumstances surrounding his death have never been brought to light publicly, but many close to him suspected suicide.

In the years that followed his death, Ayler’s legacy and influence grew exponentially. His unbridled playing style and emotional reaching inspired subsequent waves of avant-garde improvisers, but his boundless approach to creativity and the parameters of sound would also resonate with those in noise, hardcore punk, and other experimental circles. In 2005, Swedish filmmaker Kasper Collin released his documentary film My Name Is Albert Ayler, telling the musician’s life story through archival footage, and a host of interviews. As the decades went on, Ayler’s work would ironically become some of the best-selling music within the free jazz genre, and unreleased material would periodically be culled from the archives. Among the more impressive posthumous releases of Ayler’s music is 2004’s exhaustive box set Holy Ghost: Rare & Unissued Recordings (1962-70), a collection of material that includes never-before-heard rehearsal tapes, live recordings, interviews, and even audio of Ayler playing at Coltrane’s funeral. Other notable Ayler collections released after his death include 1978’s The Village Concerts, which drew its material from the same live dates that yielded In Greenwich Village, 2002’s The Copenhagen Tapes, which gathered live material and studio broadcasts from a stint in Denmark circa 1964, and the 2022 release Revelations: The Complete ORTF 1970 Fondations Maeght Recordings, which presented multiple nights from Ayler’s final performances in France.
https://www.allmusic.com/artist/albert-ayler-mn0000614339#biography

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Biografía de Fred Thomas
El saxofonista tenor Albert Ayler fue una de las fuerzas más misteriosas y poderosas del movimiento free jazz de los años 60, resumiendo una vez su lugar en la escena al afirmar: "Trane era el padre, Pharoah era el hijo y yo soy el Espíritu Santo."El tono de Ayler era crudo y sus composiciones eran explosivas; en solo unos pocos años, pasó de tocar relativamente moderado a álbumes de agitación emocional caótica. ¡Este estilo llegó a la cima con álbumes en ESP-Disk e Impulse!, como Spirits Rejoice de 1965 o blistering live set In Greenwich Village de 1967, documentos que mostraban la extraña mezcla de fogosa improvisación grupal y temas melódicos de Ayler que simultáneamente recordaban y desmontaban canciones infantiles infantiles y marchas fúnebres de bandas de música al estilo de Nueva Orleans. En su época, Ayler fue adorado por algunos críticos, pero nunca alcanzó ningún nivel de éxito comercial. Las continuas luchas con la seguridad financiera y la salud mental podrían haber motivado el giro impredecible que tomó la producción de Ayler hacia una versión extraña del soul-funk en álbumes posteriores como New Grass de 1969, pero incluso cuando buscaba el éxito del crossover pop, la música de Ayler conservó tanto su inmediatez pura como su fuerza espiritual.temas. Ayler fue encontrado muerto en noviembre de 1970, ahogado en el East River de Nueva York en circunstancias que nunca fueron iluminadas oficialmente. La atención y la fama que se le escaparon mientras estaba vivo crecieron sustancialmente después de su muerte, con nuevas generaciones de improvisadores descubriendo perennemente los sonidos ingobernables de Ayler y convirtiéndolo en una de las figuras influyentes clave del free jazz con el tiempo. Eventualmente surgieron diferentes medios centrados en la vida y el arte de Ayler, al igual que una gran cantidad de grabaciones lanzadas póstumamente,incluida la enorme caja de diez discos de 2004 Holy Ghost: Rare & Unissued Recordings (1962-70) y Revelations: The Complete ORTF 1970 Foundations Maeght Recordings, una extensa compilación de algunas de las últimas actuaciones de Ayler en concierto.

Albert Ayler nació en Cleveland, Ohio, en 1936 y creció en el vecindario de Shaker Heights. Tocó el saxofón por primera vez cuando era niño, recibió lecciones de su padre y tocó a dúo con él en su iglesia. Ayler tocaba profesionalmente desde los 16 años, tocando el saxo en la banda de gira del intérprete de R&B Little Walter. Después de un tiempo en el ejército, se mudó a Suecia en 1962. Allí dirigió algunas bandas propias y también tocó en ocasiones con Cecil Taylor, encontrando su voz a medida que se alejaba de la interpretación más tradicional de su educación hacia ideas más vanguardistas. En 1963 regresó a los EE.UU., viviendo en Nueva York y sumergiéndose en la floreciente escena del free jazz allí. 1963 también vio el lanzamiento de su álbum debut, My Name Is Albert Ayler, que presentó una lectura más moderada de su estilo en rápida evolución. Dio un gran salto en términos de arte e impulso en 1964, trabajando con ESP-Disk en lo que sería el primer disco de jazz del sello, Spirits Rejoice, además de grabar múltiples fechas de estudio y en vivo que eventualmente se lanzarían como álbumes como Prophecy, Spiritual Unity y New York Eye and Ear Control, una densa improvisación colectiva con Don Cherry, Sonny Murray, John Tchicai, Gary Peacock y Roswell Rudd. Alrededor de 1965, el hermano menor de Ayler, Donald Ayler, se unió a su banda tocando la trompeta. La técnica no escolarizada de Donald y su interpretación visceral realzaron el sonido ya trascendente que su hermano estaba logrando, y los Ayler comenzaron a tocar con frecuencia con un elenco rotativo de improvisadores de ideas afines. En 1966, Impulse! Records le ofreció a Ayler un contrato de grabación a instancias de John Coltrane, quien era la principal atracción del sello en ese momento. ¡Impulso! lanzaría algunos de los materiales más innovadores de Ayler en los próximos años, incluido In Greenwich Village de 1967, Love Cry, de 1968, con engranajes hippies y clavecín pesado, y el confuso lanzamiento de 1969 New Grass, que encontró a Ayler y su novia Mary Maria Parks cantando canciones pop de alta energía que aún encajan en solos de saxo libres incontenibles sobre sus estructuras más tradicionales. A fines de 1967, Donald Ayler había dejado de tocar música después de sufrir un colapso mental y emocional, y Ayler luchó con la culpa de sentirse responsable de arrastrar a su hermano a un estilo de vida poco saludable. ¡Su lucha se agravó a medida que continuaba enfrentando el fracaso comercial, incluso con el prestigioso Impulse! en su esquina. Las sesiones de grabación de 1969 darían como resultado la música que se convirtió en Music Is the Healing Force of the Universe de 1970 y The Last Album de 1971 (¡ambos lanzados por Impulso!) pero también sería su última vez en el estudio. Después de una gira por Francia en julio de 1970, Ayler regresó a Nueva York. Desapareció a principios de noviembre de ese año, y el 25 de noviembre de 1970, su cuerpo fue encontrado flotando en el East River. Las circunstancias que rodearon su muerte nunca han salido a la luz pública, pero muchas personas cercanas a él sospechaban que se había suicidado.

En los años que siguieron a su muerte, el legado y la influencia de Ayler crecieron exponencialmente. Su estilo de tocar desenfrenado y su alcance emocional inspiraron oleadas posteriores de improvisadores vanguardistas, pero su enfoque ilimitado de la creatividad y los parámetros del sonido también resonaría con aquellos en el ruido, el hardcore punk y otros círculos experimentales. En 2005, el cineasta sueco Kasper Collin estrenó su documental My Name Is Albert Ayler, que cuenta la historia de la vida del músico a través de imágenes de archivo y una gran cantidad de entrevistas. A medida que pasaban las décadas, el trabajo de Ayler se convertiría irónicamente en una de las músicas más vendidas dentro del género free jazz, y periódicamente se extraería material inédito de los archivos. Entre los lanzamientos póstumos más impresionantes de la música de Ayler se encuentra el exhaustivo box set Holy Ghost: Rare & Unissued Recordings (1962-70) de 2004, una colección de material que incluye cintas de ensayo nunca antes escuchadas, grabaciones en vivo, entrevistas e incluso audio de Ayler tocando en el funeral de Coltrane. Otras colecciones notables de Ayler lanzadas después de su muerte incluyen The Village Concerts de 1978, que extrajo su material de las mismas fechas en vivo que se produjeron en Greenwich Village, The Copenhagen Tapes de 2002, que recopiló material en vivo y transmisiones de estudio de una temporada en Dinamarca alrededor de 1964, y el lanzamiento de 2022 Revelations: The Complete ORTF 1970 Fondations Maeght Recordings, que presentó varias noches de las últimas actuaciones de Ayler en Francia.
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Carmell Jones • The Remarkable Carmell Jones

 

Review by Scott Yanow
Of the few records that trumpeter Carmell Jones led throughout his career, his first date was by far his best known and was generally his most satisfying. Teamed in Los Angeles with tenor saxophonist Harold Land, pianist Frank Strazzeri, bassist Gary Peacock, and drummer Leon Pettis, Jones is featured on music that is essentially cool-toned hard bop. In addition to a couple of Jones' originals, there is an obscurity by bassist Jimmy Bond and three other tunes, including an 11-minute investigation of Duke Ellington's "I'm Gonna Go Fishing." Jones' Clifford Brown-influenced style blends well with Land, and the music swings throughout in fine fashion. This album was reissued by the British Charly label on their Affinity subsidiary in the mid-'80s.
https://www.allmusic.com/album/the-remarkable-carmell-jones-mw0000914206


Biography by Scott Yanow
An excellent hard bop trumpeter, Carmell Jones would probably have been much better-known today if he had not moved to Europe in the mid-'60s at the height of his career. After military service and two years at the University of Kansas, Carmell Jones led a band in Kansas City (1959). The next year, he moved to Los Angeles where he recorded a couple of albums as a leader for Pacific Jazz and made records with Bud Shank, Harold Land, Curtis Amy, and most significantly Gerald Wilson's Orchestra (1961-1963). Jones toured with Horace Silver for a year (1964-1965), recording the original version of "Song for My Father" with Silver before moving to Berlin. Although quite active in Europe, Carmell Jones was largely forgotten by the time he moved back to Kansas City in 1980; however, a 1982 album for Revelation helped remind a few listeners how good he still was.
https://www.allmusic.com/artist/carmell-jones-mn0001424897/biography

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Reseña de Scott Yanow
De los pocos discos que el trompetista Carmell Jones dirigió a lo largo de su carrera, su primera cita fue, con diferencia, la más conocida y, en general, la más satisfactoria. Formando equipo en Los Ángeles con el saxofonista tenor Harold Land, el pianista Frank Strazzeri, el bajista Gary Peacock y el baterista Leon Pettis, Jones aparece en una música que es esencialmente hard bop de tono frío. Además de un par de originales de Jones, hay una oscuridad del bajista Jimmy Bond y otras tres melodías, incluyendo una investigación de 11 minutos de "I'm Gonna Go Fishing" de Duke Ellington. El estilo de Jones, influenciado por Clifford Brown, se combina bien con Land, y la música se balancea a lo largo de todo el disco de forma excelente. Este álbum fue reeditado por el sello británico Charly en su filial Affinity a mediados de los 80.
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Biografía de Scott Yanow
Carmell Jones, un excelente trompetista de hard bop, probablemente habría sido mucho más conocido hoy en día si no se hubiera trasladado a Europa a mediados de los años 60, en el punto álgido de su carrera. Tras el servicio militar y dos años en la Universidad de Kansas, Carmell Jones dirigió una banda en Kansas City (1959). Al año siguiente, se trasladó a Los Ángeles, donde grabó un par de álbumes como líder para Pacific Jazz y grabó discos con Bud Shank, Harold Land, Curtis Amy y, sobre todo, con la Orquesta de Gerald Wilson (1961-1963). Jones estuvo de gira con Horace Silver durante un año (1964-1965), grabando la versión original de "Song for My Father" con Silver antes de trasladarse a Berlín. Aunque estuvo muy activo en Europa, Carmell Jones había caído en el olvido cuando regresó a Kansas City en 1980; sin embargo, un álbum de 1982 para Revelation ayudó a recordar a algunos oyentes lo bueno que todavía era.
https://www.allmusic.com/artist/carmell-jones-mn0001424897/biography