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Thursday, April 17, 2025
Saturday, January 18, 2025
Duke Ellington and His Orchestra • The Treasury Shows - Vols. 1-4
The Duke Ellington Treasury Shows series are the collection of live shows. The shows were aired as a way to promote the treasury bonds, which the american government sold in order to raise money for the war effort in the last part of WW2.
The series consists of double cds with very thorough liner notes and will upon its completion consist of 25 volumes.
The radioshows are filled with guest stars, Duke advertising in various ways for the war bonds and hot renditions of both well known and lesser known compositions played by the band at an artistic peak.
The series consists of double cds with very thorough liner notes and will upon its completion consist of 25 volumes.
The radioshows are filled with guest stars, Duke advertising in various ways for the war bonds and hot renditions of both well known and lesser known compositions played by the band at an artistic peak.
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La serie Duke Ellington Treasury Shows es una colección de espectáculos en directo. Los programas se emitieron para promocionar los bonos del Tesoro, que el gobierno estadounidense vendió para recaudar fondos para la guerra en la última parte de la Segunda Guerra Mundial.
La serie consta de dos CDs con notas muy completas y, una vez terminada, constará de 25 volúmenes.
Los programas de radio están llenos de estrellas invitadas, Duke haciendo publicidad de diversas formas para los bonos de guerra e interpretaciones de composiciones conocidas y menos conocidas tocadas por la banda en su mejor momento artístico.
La serie consta de dos CDs con notas muy completas y, una vez terminada, constará de 25 volúmenes.
Los programas de radio están llenos de estrellas invitadas, Duke haciendo publicidad de diversas formas para los bonos de guerra e interpretaciones de composiciones conocidas y menos conocidas tocadas por la banda en su mejor momento artístico.
Tuesday, September 10, 2024
Rex Stewart • The Happy Jazz Of Rex Stewart
Review by Scott Yanow
Other than a pair of European albums in 1966, this set was cornetist Rex Stewart's last full-length LP; in fact, it was reissued by Prestige as The Rex Stewart Memorial Album. Stewart's technique and range had shrunk a bit by 1960, but his sense of humor and ability to make colorful tonal variations were still very much intact. This is a particularly fun set with Stewart doubling on kazoo and taking three good-time vocals, John Dengler switching between bass sax, washboard, and kazoo, Wilbert Kirk heard on harmonica, and the rhythm section consisting of just two guitarists (Jerome Darr and Chauncey Westbrook) and drummer Charles Lampkin. The music is full of good spirits and memorable moments, with the highlights including "Rasputin" (a classic jam), "Please Don't Talk About Me When I'm Gone," "San," "I Would Do Most Anything for You," and "Nagasaki." Highly recommended and well worth searching for.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-jazz-of-rex-stewart-mw0000871157
Artist Biography by Ron Wynn
Rex Stewart achieved his greatest glory in a subsidiary role, playing cornet 11 years in the Duke Ellington Orchestra. His famous "talking" style and half-valve effects were exploited brilliantly by countless Ellington pieces containing perfect passages tailored to showcase Stewart's sound. He played in a forceful, gripping manner that reflected the influences of Louis Armstrong, Bubber Miley, and Bix Beiderbecke, whose solos he once reproduced on record. Stewart played on Potomac riverboats before moving to Philadelphia. He went to New York in 1921. Stewart worked with Elmer Snowden in 1925, then joined Fletcher Henderson a year later. But he felt his talents were not at the necessary level, and departed Henderson's band, joining his brother Horace's band at Wilberforce College. Stewart returned in 1928. He remained five years and contributed many memorable solos. There was also a brief period in McKinney's Cotton Pickers in 1931, a stint heading his own band, and another short stay with Luis Russell before Stewart joined the Ellington Orchestra in 1934.
He was a star throughout his tenure, co-writing classics "Boy Meets Horn" and "Morning Glory." He also supervised many outside recording sessions using Ellingtonians. After leaving, Stewart led various combos and performed throughout Europe and Australia on an extensive Jazz at the Philharmonic tour from 1947-1951. He lectured at the Paris Conservatory in 1948. Stewart settled in New Jersey to run a farm in the early '50s. He was semi-retired, but found new success in the media. He worked in local radio and television, while leading a band part-time in Boston. Stewart led the Fletcher Henderson reunion band in 1957 and 1958, and recorded with them. He played at Eddie Condon's club in 1958 and 1959, then moved to the West Coast. Stewart again worked as a disc jockey and became a critic. While he published many excellent pieces, a collection containing many of his best reviews, Jazz Masters of the Thirties, came out posthumously. There's also a Stewart autobiography available.
https://www.allmusic.com/artist/rex-stewart-mn0000888838/biography
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Reseña de Scott Yanow
Aparte de un par de álbumes europeos en 1966, este set fue el último LP completo del cornetista Rex Stewart; de hecho, fue reeditado por Prestige como The Rex Stewart Memorial Album. La técnica y el alcance de Stewart se habían reducido un poco en 1960, pero su sentido del humor y su habilidad para hacer coloridas variaciones tonales aún estaban intactos. Este es un set particularmente divertido con Stewart doblando sobre kazoo y tomando tres voces para divertirse, John Dengler cambiando entre saxo bajo, tabla de lavar, y kazoo, Wilbert Kirk escuchó en armónica, y la sección rítmica que consiste de sólo dos guitarristas (Jerome Darr y Chauncey Westbrook) y el baterista Charles Lampkin. La música está llena de buenos espíritus y de momentos memorables, entre los que destacan "Rasputín" (una mermelada clásica), "Por favor, no hables de mí cuando me haya ido", "San", "Haría cualquier cosa por ti" y "Nagasaki". Altamente recomendado y bien vale la pena buscar.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-jazz-of-rex-stewart-mw0000871157
Biografía del artista por Ron Wynn
Rex Stewart alcanzó su mayor gloria en un papel secundario, tocando corneta durante 11 años en la Duke Ellington Orchestra. Su famoso estilo de "hablar" y sus efectos de media válvula fueron explotados brillantemente por innumerables piezas de Ellington que contenían pasajes perfectos adaptados para mostrar el sonido de Stewart. Tocó de una manera contundente y conmovedora que reflejaba las influencias de Louis Armstrong, Bubber Miley y Bix Beiderbecke, cuyos solos reprodujo una vez en un disco. Stewart jugó en los botes del río Potomac antes de mudarse a Filadelfia. Se fue a Nueva York en 1921. Stewart trabajó con Elmer Snowden en 1925, luego se unió a Fletcher Henderson un año después. Pero sintió que sus talentos no estaban al nivel necesario, y se fue de la banda de Henderson, uniéndose a la banda de su hermano Horace en Wilberforce College. Stewart regresó en 1928. Permaneció cinco años y contribuyó con muchos solos memorables. También hubo un breve período en Cotton Pickers de McKinney en 1931, una temporada dirigiendo su propia banda, y otra corta estancia con Luis Russell antes de que Stewart se uniera a la Orquesta de Ellington en 1934.
Fue una estrella a lo largo de su mandato, co-escribiendo clásicos como "Boy Meets Horn" y "Morning Glory". También supervisó muchas sesiones de grabación al aire libre con Ellingtonians. Después de su partida, Stewart dirigió varios combos y actuó por toda Europa y Australia en una extensa gira de Jazz en la Philharmonic de 1947-1951. Fue profesor en el Conservatorio de París en 1948. Stewart se estableció en Nueva Jersey para dirigir una granja a principios de los años 50. Estaba semi-jubilado, pero encontró un nuevo éxito en los medios de comunicación. Trabajó en la radio y la televisión locales, mientras dirigía una banda a tiempo parcial en Boston. Stewart dirigió la banda de la reunión de Fletcher Henderson en 1957 y 1958, y grabó con ellos. Jugó en el club de Eddie Condon en 1958 y 1959, y luego se mudó a la Costa Oeste. Stewart volvió a trabajar como disc jockey y se convirtió en crítico. Aunque publicó muchas piezas excelentes, una colección que contenía muchas de sus mejores críticas, Jazz Masters of the Thirties, salió a título póstumo. También hay una autobiografía de Stewart disponible.
https://www.allmusic.com/artist/rex-stewart-mn0000888838/biography
Wednesday, May 29, 2024
Earl Hines • Piano Man!
Biography by Scott Yanow
Once
called "the first modern jazz pianist," Earl Hines differed from the
stride pianists of the 1920s by breaking up the stride rhythms with
unusual accents from his left hand. While his right hand often played
octaves so as to ring clearly over ensembles, Hines had the trickiest
left hand in the business, often suspending time recklessly but without
ever losing the beat. One of the all-time great pianists, Hines was a
major influence on Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe Sullivan, Nat King
Cole, and even to an extent on Art Tatum. He was also an underrated
composer responsible for "Rosetta," "My Monday Date," and "You Can
Depend on Me," among others.
Earl Hines played trumpet briefly as
a youth before switching to piano. His first major job was accompanying
vocalist Lois Deppe, and he made his first recordings with Deppe and
his orchestra in 1922. The following year, Hines moved to Chicago where
he worked with Sammy Stewart and Erskine Tate's Vendome Theatre
Orchestra. He started teaming up with Louis Armstrong in 1926, and the
two masterful musicians consistently inspired each other. Hines worked
briefly in Armstrong's big band (formerly headed by Carroll Dickerson),
and they unsuccessfully tried to manage their own club. 1928 was one of
Hines' most significant years. He recorded his first ten piano solos,
including versions of "A Monday Date," "Blues in Thirds," and "57
Varieties." Hines worked much of the year with Jimmy Noone's Apex Club
Orchestra, and their recordings are also considered classic. Hines cut
brilliant (and futuristic) sides with Louis Armstrong's Hot Five,
resulting in such timeless gems as "West End Blues," "Fireworks," "Basin
Street Blues," and their remarkable trumpet-piano duet "Weather Bird."
And on his birthday on December 28, Hines debuted with his big band at
Chicago's Grand Terrace.
A brilliant ensemble player as well as
soloist, Earl Hines would lead big bands for the next 20 years. Among
the key players in his band throughout the 1930s were trumpeter/vocalist
Walter Fuller, Ray Nance on trumpet and violin (prior to joining Duke
Ellington), trombonist Trummy Young, tenor saxophonist Budd Johnson,
Omer Simeon and Darnell Howard on reeds, and arranger Jimmy Mundy. In
1940, Billy Eckstine became the band's popular singer, and in 1943
(unfortunately during the musicians' recording strike), Hines welcomed
such modernists as Charlie Parker (on tenor), trumpeter Dizzy Gillespie,
and singer Sarah Vaughan in what was the first bebop orchestra. By the
time the strike ended, Eckstine, Parker, Gillespie, and Vaughan were
gone, but tenor Wardell Gray was still around to star with the group
during 1945 and 1946.
In 1948, the economic situation forced
Hines to break up his orchestra. He joined the Louis Armstrong
All-Stars, but three years of playing second fiddle to his old friend
were difficult to take. After leaving Armstrong in 1951, Hines moved to
Los Angeles and later San Francisco, heading a Dixieland band. Although
his style was much more modern, Hines kept the group working throughout
the 1950s, at times featuring Muggsy Spanier, Jimmy Archey, and Darnell
Howard. Hines did record on a few occasions, but was largely forgotten
in the jazz world by the early '60s. Then, in 1964, jazz writer Stanley
Dance arranged for him to play three concerts at New York's Little
Theater, both solo and in a quartet with Budd Johnson. The New York
critics were amazed by Hines' continuing creativity and vitality, and he
had a major comeback that lasted through the rest of his career. Hines
traveled the world with his quartet, recorded dozens of albums, and
remained famous and renowned up until his death at the age of 79.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography
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Biografía de Scott Yanow
Llamado
en su día "el primer pianista de jazz moderno", Earl Hines se
diferenciaba de los pianistas de stride de los años 20 por romper los
ritmos de stride con acentos inusuales de su mano izquierda. Mientras
que su mano derecha solía tocar octavas para sonar con claridad en los
conjuntos, Hines tenía la mano izquierda más complicada del negocio, a
menudo suspendiendo el tiempo de forma temeraria pero sin perder nunca
el compás. Hines, uno de los mejores pianistas de todos los tiempos,
ejerció una gran influencia sobre Teddy Wilson, Jess Stacy, Joe
Sullivan, Nat King Cole e incluso, en cierta medida, sobre Art Tatum.
También fue un compositor infravalorado, responsable de "Rosetta", "My
Monday Date" y "You Can Depend on Me", entre otras.
Earl Hines
tocó brevemente la trompeta en su juventud antes de pasarse al piano. Su
primer trabajo importante fue acompañar a la vocalista Lois Deppe, e
hizo sus primeras grabaciones con Deppe y su orquesta en 1922. Al año
siguiente, Hines se trasladó a Chicago, donde trabajó con Sammy Stewart y
la Vendome Theatre Orchestra de Erskine Tate. Empezó a formar equipo
con Louis Armstrong en 1926, y los dos magistrales músicos no dejaron de
inspirarse mutuamente. Hines trabajó brevemente en la big band de
Armstrong (anteriormente dirigida por Carroll Dickerson), e intentaron
sin éxito gestionar su propio club. 1928 fue uno de los años más
significativos para Hines. Grabó sus primeros diez solos de piano,
incluyendo versiones de "A Monday Date", "Blues in Thirds" y "57
Varieties". Hines trabajó gran parte del año con la Apex Club Orchestra
de Jimmy Noone, y sus grabaciones también se consideran clásicas. Hines
grabó brillantes (y futuristas) temas con los Hot Five de Louis
Armstrong, que dieron como resultado joyas intemporales como "West End
Blues", "Fireworks", "Basin Street Blues" y su extraordinario dúo de
trompeta y piano "Weather Bird". Y el día de su cumpleaños, el 28 de
diciembre, Hines debutó con su big band en la Grand Terrace de Chicago.
Earl
Hines, brillante intérprete de conjuntos y solista, dirigiría big bands
durante los 20 años siguientes. Entre los músicos clave de su banda a
lo largo de la década de 1930 se encontraban el trompetista/vocalista
Walter Fuller, Ray Nance a la trompeta y al violín (antes de unirse a
Duke Ellington), el trombonista Trummy Young, el saxofonista tenor Budd
Johnson, Omer Simeon y Darnell Howard a las cañas, y el arreglista Jimmy
Mundy. En 1940, Billy Eckstine se convirtió en el cantante popular de
la banda, y en 1943 (desgraciadamente durante la huelga de grabación de
los músicos), Hines dio la bienvenida a modernistas como Charlie Parker
(al tenor), el trompetista Dizzy Gillespie y la cantante Sarah Vaughan
en lo que fue la primera orquesta bebop. Cuando terminó la huelga,
Eckstine, Parker, Gillespie y Vaughan ya no estaban, pero el tenor
Wardell Gray seguía con el grupo durante 1945 y 1946.
En 1948, la
situación económica obligó a Hines a disolver su orquesta. Se unió a
los Louis Armstrong All-Stars, pero tres años de ser el segundo plato de
su viejo amigo fueron difíciles de soportar. Tras dejar a Armstrong en
1951, Hines se trasladó a Los Ángeles y más tarde a San Francisco, al
frente de una banda de Dixieland. Aunque su estilo era mucho más
moderno, Hines mantuvo el grupo en activo durante toda la década de
1950, en ocasiones con Muggsy Spanier, Jimmy Archey y Darnell Howard.
Hines grabó en algunas ocasiones, pero a principios de los 60 había
caído en el olvido en el mundo del jazz. En 1964, el escritor de jazz
Stanley Dance le organizó tres conciertos en el Little Theater de Nueva
York, tanto en solitario como en cuarteto con Budd Johnson. Los críticos
neoyorquinos quedaron asombrados por la continua creatividad y
vitalidad de Hines, que tuvo un gran regreso que duró el resto de su
carrera. Hines viajó por todo el mundo con su cuarteto, grabó docenas de
álbumes y siguió siendo famoso y reconocido hasta su muerte, a los 79
años.
https://www.allmusic.com/artist/earl-hines-mn0000455522#biography
Thursday, May 9, 2024
Benny Carter & His Orchestra • Feat. Miles Davis & Dexter Gordon
Late 40s performances with Miles Davis, Lucky Thompson, Dexter Gordon, Barney Bigard, Rex Stewart, JJ Johnson, and Mary Lou Williams. © 1996-2024, Dusty Groove, Inc.
Benny Carter's mid-'40s big band is relatively forgotten today because it only made a few studio recordings but, on evidence of the broadcasts heard on this LP, it was a rather significant transition orchestra between swing and bop. Consider that these airchecks, in addition to solos by Carter on alto and trumpet, feature concise statements from such young modernists as trombonists J.J. Johnson and Al Grey, trumpeter Miles Davis and the tenors of Dexter Gordon and Lucky Thompson. In addition, there are guest appearances by pianist Mary Lou Williams, clarinetist Barney Bigard and cornetist Rex Stewart. The recording quality is sometimes just so-so, but obviously the importance of this frequently exciting music overrides other factors. ~ Scott Yanow, All Music Guide
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Actuaciones de finales de los años 40 con Miles Davis, Lucky Thompson, Dexter Gordon, Barney Bigard, Rex Stewart, JJ Johnson y Mary Lou Williams. 1996-2024, Dusty Groove, Inc.
La big band de Benny Carter de mediados de los años 40 está relativamente olvidada hoy en día porque sólo realizó unas pocas grabaciones de estudio pero, a juzgar por las emisiones que se escuchan en este LP, fue una orquesta de transición bastante importante entre el swing y el bop. Considere que estas emisiones, además de los solos de Carter con el contralto y la trompeta, presentan concisas intervenciones de jóvenes modernistas como los trombonistas J.J. Johnson y Al Grey, el trompetista Miles Davis y los tenores de Dexter Gordon y Lucky Thompson. Además, aparecen como invitados la pianista Mary Lou Williams, el clarinetista Barney Bigard y el cornetista Rex Stewart. La calidad de la grabación es a veces mediocre, pero obviamente la importancia de esta música, a menudo emocionante, prevalece sobre otros factores. ~ Scott Yanow, All Music Guide
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