Brother Jack Mcduff • A change is gonna come

Review by Bruce Eder

This album is an elegant mix of soul and sambas, interspersed with a pair of distinctly blues-focused pieces. Jack McDuff's Hammond B-3 organ surges and trills and rocks, at times seeming to talk as the lead instrument on renditions of works as different as Ray Charles' "What'd I Say" and Sam Cooke's "A Change Is Gonna Come." His calls and responses with the five-man brass section on several of the tracks here comprise another highlight, but even the slow numbers, such as "No Tears," offer virtuoso playing by McDuff. The tempo and texture shifts throughout keep this record continually interesting to the listener, and the range of influences, from jazz to gospel with side trips into the blues (culminating with a seven-minute epic in the latter genre), gives a lot of great playing for everybody.

Biography :

A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter

///////

Reseña de Bruce Eder

Este álbum es una mezcla elegante de soul y sambas, intercaladas con un par de piezas claramente enfocadas al blues. El órgano Hammond B-3 de Jack McDuff surge, se estremece y se mece, a veces parece hablar como el instrumento principal en interpretaciones de obras tan diferentes como "What'd I Say" de Ray Charles y "A Change Is Gonna Come" de Sam Cooke. Sus llamadas y respuestas con la sección de latón de cinco hombres en varias de las pistas aquí comprenden otro punto culminante, pero incluso los números lentos, como "No Tears", ofrecen una interpretación virtuosa de McDuff. Los cambios de tempo y textura a lo largo de todo el disco mantienen este disco continuamente interesante para el oyente, y la variedad de influencias, desde el jazz hasta el gospel con viajes al blues (culminando con una epopeya de siete minutos en este último género), da mucho de que hablar a todo el mundo.

Biografía :

Un maravilloso director de orquesta y organista, así como un hábil arreglista, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus graves sólidos como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se pusieron feas cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 y grabaron varios discos excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores para Verve y Cadet fueron desiguales, aunque generalmente buenas. McDuff experimentó con teclados electrónicos y fusión durante los'70, luego en los'80 volvió a la rutina con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras su salud fluctuaba a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a la insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

 

Harlem River Drive • Harlem River Drive

 

 

 

Leader: Eddie Palmieri
The pinnacle of Palmieri’s career as a socially conscious artist was the revolutionary group he co-led with his brother Charlie, called Harlem River Drive. The band was named after a highway that cuts through Harlem, allowing cars to bypass the local streets of the neighborhood entirely, where the rich zipped past to avoid the harsh social realities of the ghetto. For Palmieri, this highway was a symbol of the inequalities of modern society. It was no accident that his group combined Latin, soul and free jazz in a way that sought to unify all of Harlem in the face of adversity. Palmieri’s Harlem River Drive group employed members of Aretha Franklin’s band, alongside some of the most important Latin musicians and jazz soloists of the day, such as Ronnie Cuber, Barry Rogers and Bernard Purdie. 

https://www.discogs.com/artist/134111-Harlem-River-Drive

 

///////

 

Artículo de Crónica Global:
Pocas cosas hay más sensatas que desconfiar de calificativos de gran tonelaje como, por ejemplo, revolucionario. Y aún menos cosas más rabiosamente vivificantes e iluminadoras que toparse, muy de tanto en tanto, con algo que verdaderamente lo es. Aunque algunas veces, o con mayor precisión, prácticamente siempre, lleve cierto tiempo reparar en ello y asimilarlo. Que se lo digan, si no, a Eddie Palmieri, que imaginó un disco, una música distinta, y creyó que el mundo se iba a poner a sus pies sin sospechar todavía que lo que había logrado hacer era un disco de culto. Y con los discos de culto, muy devota y juiciosamente amados por muy pocos durante largo tiempo, lo que ocurre es que a sus creadores sólo empiezan a darles alegrías años o décadas después, cuando consiguen aflorar más allá, en este caso específico, de las sesiones de DJs de rare grooves o de las estanterías de álbumes predilectos de otros músicos.

Harlem River Drive, obra maestra con todas las letras publicada en 1971, pasa a menudo por ser el primer álbum como líderes de banda de los hermanos Palmieri, Eddie y Charlie. Lo cual es inexacto, ya que Charlie Palmieri (fallecido en 1988 a los 61 años) participó en la grabación, sí, pero únicamente tocando el órgano en el primer corte, titulado igual que el disco y el grupo; de modo que el álbum responde tanto en su meticulosa composición como en su espíritu de sonriente guerrilla a la visión de Eddie Palmieri.

La trayectoria de los hermanos, exquisitos y vibrantes pianistas y compositores de salsa y latin jazz, es más que reconocida, en Estados Unidos institucionalmente incluso, desde hace muchísimos años. Y eso, de hecho, hace aún más fascinante el experimento que en su época representó Harlem River Drive. Cuyo nombre hace (frontal) alusión a la autopista que desde su construcción en 1964 recorre Nueva York de Norte a Sur, remarcando aún más una de las fronteras del barrio de Harlem, y permitiendo a los ricos, a las clases medias, finalmente por extensión a todos aquellos que tenían la fortuna de no haber nacido en un guetto devastado por la miseria y la desidia de las autoridades, bordear a toda velocidad la realidad más áspera e inclemente de su ciudad, sin tener que atravesarla.

De conciencia política no anduvo falto nunca Eddie Palmieri, nacido en el Spanish Harlem en el seno de una familia de puertorriqueños y criado en el Bronx. Ni le faltó tampoco, desde el principio, el ímpetu innovador. Tras foguearse al piano siendo prácticamente un niño con figuras del bolero hispano-estadounidense como Tito Rodríguez y Vicentico Valdés, en 1961 fundó su primera orquesta, La Perfecta. Al frente de este colorido y efusivo combo, ya se atrevió a retocar la arquitectura instrumental de la música de baile afrocaribeña, al introducir en su formación, inspirándose en el jazz que lo volvía loco, trompetas y trombones que le daban a la paleta de sonido un muy efectivo mayor grado de contundencia rítmica. El recurso sería pronto imitado por otros ilustres colegas como Manny Oquendo (miembro de La Perfecta en su primera etapa) o Willie Colon, y en adelante incorporado prácticamente como norma no escrita al canon de la salsa brava que, pocos años después, eclosionaría con Nueva York como epicentro y el sello Fania como catalizador fundamentalísimo.

Eddie Palmieri Portada del discoPara el oído no iniciado en el género, pesan hoy muchos clichés sobre la salsa, una forma de expresión de extraordinaria riqueza que la explosión romántico-erótico-festiva de los 80 cubrió de malentendidos. La salsa brava (como la apellidan los amantes del género para diferenciarla de la ola de vulgaridad que vino después), esa música de los orígenes, la de la apoteosis rítmica de metales y tambores, sirvió de vehículo de primer orden para expresar el orgullo de la apestada comunidad latina en aquel Nueva York bronco de los 70. Y lo hizo integrando tanto la picardía, la sensualidad, el hedonismo espontáneo, la esperanza y los sueños, como la nostalgia del hogar lejano, la pena amorosa más honda, la rabia política o la conciencia de la discriminación étnica. Con todo esto bien presente, tanto, en fin, que él mismo contribuyó a su era de máximo esplendor, Eddie Palmieri ya deslizó en sus discos de finales de los años 60 una serie de temas, como Vámonos p'al monte, Justicia o La libertad, lógico, que eran en la práctica manifiestos contra el racismo, la desigualdad y el inmovilismo político al respecto.

En aquellos tiempos, más específicamente en el 68, año oficial del temblor sociopolítico global, surgió en Harlem una beligerante organización llamada The Young Lords, una especie de Panteras Negras, pero fundada por puertorriqueños. Algunas de sus acciones fueron llamativas. Llegaron a cubrir los ojos de la Estatua de la Libertad con una bandera del país caribeño. El mismo Palmieri fue a la comisaría a pagar la fianza de los militantes detenidos por ello, entre los cuales estaba uno de los fundadores de la organización, Mickey Meléndez, a la sazón amigo íntimo del pianista.

Harlem River Drive fue, en fin, el desenlace lógico para Palmieri de toda esta agitación en las calles. Asumiendo y a la vez ampliando el efervescente sonido boogaloo (un género mestizo surgido de la mezla de la salsa con el rhythm & blues), lo que hizo el pianista fue conjugar, como nunca antes hasta entonces, las estructuras musicales afrocubanas (la rumba, la guajira, el son montuno, el mambo...) con el soul-funk característico del sello Stax, más duro o crudo, o menos pop y blanqueado, como se prefiera, que el más popular y difundido (entonces y hoy) de Motown. El disco, el grupo, el proyecto en sí, representó de este modo la respuesta cómplice desde el ángulo latino al angustiado grito de hartazgo que siempre contuvo en mayor o menor grado la música negra, y que en aquel momento había calado, mucho más allá del underground, hasta los artistas más respetados y escuchados del momento, Curtis Mayfield, Marvin Gaye, Otis Redding, James Brown...

Palmieri, ese tipo pequeñito pero matón que antes de aplacarse y convertirse en un clásico casi aporreaba el piano como si en vez de teclas hubiera tambores, escribió un disco cimentado sobre una base rítmica arrolladora. Baterías de sensacional groove y toda la artillería chispeante de la percusión afrocaribeña (bongós, timbales, cencerros, congas), sin atropellarse jamás, como si eso llevara toda la vida haciéndose y fuera lo más natural del mundo, marcaban el paso de un disco que contiene todo un arco emocional, desde el júbilo expansivo y contagioso de Idle Hands o Seeds of Life hasta las atmósferas introspectivas y dramáticas de Broken Home, pasando por esa suerte de germen del futuro R&B urbano de los 80 y 90 que late en If (We Had Peace Today).

Recordando a discos de la época, desde los realizados por War o Funkadelic, en el flanco funk-rock, o al Miles Davis que se dejó atraer por el lenguaje del rock en Bitches Brew, Harlem River Drive es un disco único, y no sólo, lógicamente, porque fuera casi a la vez el comienzo y el final de su experimento. Lo es, más aún, por registrar a una banda en auténtico estado de gracia y que encarnó, en su propia composición, el espíritu de hermandad frente a la adversidad que trataba de comunicar.

Músicos formidables como Cornell Dupree, Bob Bianco, Burt Collins, Bernard Purdy, Barry Rogers, Jimmy Norman, Víctor Venegas, Randy Brecker o Eladio Pérez, miembros antes y después de las bandas de Jimi Hendrix, Aretha Franklin o Bob Marley, participaron en la grabación. Pero además de excepcionales instrumentistas, eran judíos, negros o nuevos americanos de procedencia puertorriqueña, cubana o italiana. Puede parecer gratuito señalar sus orígenes, pero no entonces, ya que, aunque hoy a menudo se nos olvida, en aquel mercado musical estaban aún tácitamente compartimentados no sólo los estilos, sino también las razas y las etnias.

Comercialmente el disco fue un fiasco. En alguna ocasión ha deslizado Eddie Palmieri que el sello donde se publicó, Roulette, se desentendió de promocionarlo y defenderlo adecuadamente después de que el director de la firma recibiera la visita de agentes del FBI, preocupados por la amplia circulación del disco entre círculos de izquierdistas radicales, militantes y simpatizantes de los Panteras Negras e intelectuales cercanos o no lo suficientemente alejados del comunismo. Quién sabe. Cosas más extrañas se han visto. Pero casi con toda seguridad la explicación más sensata y probable sea que, sencillamente, no encontró a su público en aquel momento. El caso es que hoy es un clásico. Para muchos, el mejor disco de soul latino jamás grabado. Y para algo así, lo sabe Eddie Palmieri, vale esperar, aunque sean 20, 30, 40 o casi 50 años.
https://cronicaglobal.elespanol.com/letra-global/cronicas/eddie-palmieri-revolucion-musica_211935_102.html 

Jack McDuff • Magnetic Feel

 

 

Hank Crawford & Jimmy Mcgriff • The Best Of

Review:

Hank Crawford and Jimmy McGriff didn't co-lead a studio date until 1986, when Bob Porter (one of the top producers in the soul-jazz field) produced their Soul Survivors album for Milestone. But alto saxman Crawford and organist McGriff should have recorded together long before that because they have so much in common. Both are soul-jazz/hard bop heavyweights, and both thrive on jazz that is funky, earthy, blues-drenched, and quite accessible; as a rule, blues and R&B lovers who don't care for the more abstract, cerebral styles of jazz have no problem getting into Crawford or McGriff. And they will have no problem getting into this fine collection, which offers a 75-minute sample of material that the veteran improvisers recorded as co-leaders from 1986-1998. Everything on The Best of Hank Crawford and Jimmy McGriff was produced by Porter, who has produced countless soul-jazz sessions over the years. So not surprisingly, this 2001 release is full of state-of-the-art soul-jazz. Crawford and McGriff enjoy a strong rapport whether they are getting into hard-swinging up-tempo fare on "One Mint Julep" (a major hit for Ray Charles in 1961) and Lester Young's "Jumpin' With Symphony Sid" or lyrical ballad playing on "Second Time Around" and "Because of You." None of the material is groundbreaking; in the '80s and '90s, Crawford and McGriff excelled by sticking with the type of down-home stuff they had been embracing since the '50s. The Best of Hank Crawford and Jimmy McGriff isn't difficult, ultra-intellectual jazz that will scare away R&B, rock, and pop fans -- this is grits-and-gravy music, and accessibility is the rule on these inspired Crawford/McGriff encounters.

by Alex Henderson

https://www.allmusic.com/album/the-best-of-hank-crawford-and-jimmy-mcgriff-mw0000017212

///////

Reseña:

Hank Crawford y Jimmy McGriff no codirigieron una cita en el estudio hasta 1986, cuando Bob Porter (uno de los principales productores en el campo del soul-jazz) produjo su álbum Soul Survivors para Milestone. Pero el saxofonista alto Crawford y el organista McGriff deberían haber grabado juntos mucho antes de eso porque tienen mucho en común. Ambos son pesos pesados del soul-jazz y el hard bop, y ambos prosperan con el jazz que es funky, terrenal, impregnado de blues y bastante accesible; por regla general, los amantes del blues y del R&B que no se preocupan por los estilos más abstractos y cerebrales del jazz no tienen problemas para entrar en Crawford o McGriff. Y no tendrán problemas para entrar en esta fina colección, que ofrece una muestra de 75 minutos de material que los improvisadores veteranos grabaron como co-líderes entre 1986 y 1998. Todo lo que hay en The Best of Hank Crawford y Jimmy McGriff fue producido por Porter, que ha producido innumerables sesiones de soul-jazz a lo largo de los años. Así que no es sorprendente que este lanzamiento de 2001 esté lleno de soul-jazz de última generación. Crawford y McGriff disfrutan de una fuerte compenetración, ya sea que se metan en el ritmo de "One Mint Julep" (un gran éxito de Ray Charles en 1961) y "Jumpin' With Symphony Sid" de Lester Young o en la balada lírica de "Second Time Around" y "Because of You". En los 80 y 90, Crawford y McGriff se destacaron por mantener el tipo de material casero que habían adoptado desde los 50. Lo mejor de Hank Crawford y Jimmy McGriff no es difícil, jazz ultra intelectual que asustará a los fans del R&B, el rock y el pop... esto es música con agallas, y la accesibilidad es la regla en estos encuentros inspirados de Crawford y McGriff.

por Alex Henderson

https://www.allmusic.com/album/the-best-of-hank-crawford-and-jimmy-mcgriff-mw0000017212

 

 

Stanley Turrentine with Milt Jackson • Cherry

Review:
This 1972 CTI date by Stanley Turrentine was his third for the label, and was produced by Creed Taylor with Rudy Van Gelder at the board. Shockingly, Don Sebesky was not called in to arrange anything here. The band chosen to back up Turrentine's edgy, soulful tenor is a fine and diverse one, especially in the heyday of the fusion years: Milt Jackson on vibes, drummer Billy Cobham, pianist (electric of course) Bob James, Ron Carter on bass, and guitarist Cornell Dupree.
The opener is Lee Morgan's "Speedball," played as a near straight-ahead hard bop barnburner, with a killer little vamp in the melody that is accented and filled by both Bags and James alternating bars. This is followed by a fine is not exceptional read of Johnny Mercer's "I'll Remember You," though Jackson's vibe solo that opens the tune and offers the lead into the melody is quite moving. Jackson's own "The Rev's" is a bluesed-out strut, with Turrentine, James, and Bags holding through the lead riffs before Turrentine digs deep into his soulful bag for a brilliant solo that runs over the bluesology of the old masters -- Dexter Gordon and Ben Webster most notably. But it is the last half of the album that holds the real beauty, with the title track framed by two Weldon Irvine Jr. classics, "Sister Sanctified" and "Introspective" as the closer. Irvine arranged his own tunes, and they are far more wondrous and strange than anything in the CTI catalog. "Sister Sanctified," a deep gospel with repetitive choruses and assertive lead lines, has James playing a gospel piano more reminiscent of Abdullah Ibrahim than himself. Cobham shoves the beat to the margin, double- and triple-timing in places while never leaving the pocket of the groove. Turrentine's solo, especially in the bridge, is phenomenal, guttural, and nearly squalling. "Introspective" is a loping post-bop blues. The long, intricate melody lines are perfectly suited to the complex sense of lyricism that is Turrentine's strength. The more general figures and accents are picked up by Jackson, and Cobham slips through and around the chances in a Latin-styled dance to hold the middle and bring in the blues feel. It's phenomenal and sends this session off on a high note. Recommended. ~ Thom Jurek, All Music Guide.

 

///////

 

Revisión: Esta fecha de CTI de Stanley Turrentine en 1972 fue la tercera para el sello, y fue producida por Creed Taylor con Rudy Van Gelder en la junta directiva. Sorprendentemente, Don Sebesky no fue llamado para arreglar nada aquí. La banda elegida para respaldar al tenor vanguardista y conmovedor de Turrentine es excelente y diversa, especialmente en el apogeo de los años de la fusión: Milt Jackson en vibraciones, el baterista Billy Cobham, el pianista (eléctrico, por supuesto) Bob James, Ron Carter en el bajo y el guitarrista Cornell Dupree. El abridor es "Speedball" de Lee Morgan, interpretado como un barnburner de hard bop casi recto, con un pequeño vampiro asesino en la melodía que se acentúa y llena con Bolsas y barras alternas de James. A esto le sigue una lectura fina no excepcional de "I'Ll Remember You" de Johnny Mercer, aunque el solo de vibra de Jackson que abre la melodía y ofrece la pista de la melodía es bastante conmovedor. El propio "The Rev's" de Jackson es un puntal de blues, con Turrentine, James y Bags aguantando los riffs principales antes de que Turrentine profundice en su bolsa conmovedora para un solo brillante que recorre la bluesología de los viejos maestros, Dexter Gordon y Ben Webster en particular. Pero es la última mitad del álbum la que tiene la verdadera belleza, con la canción principal enmarcada por dos clásicos de Weldon Irvine Jr., "Sister Sanctified" e "Introspective" como the closer. Irvine arregló sus propias melodías, y son mucho más maravillosas y extrañas que cualquier cosa en el catálogo de CTI. "Sister Sanctified", un evangelio profundo con coros repetitivos y líneas principales asertivas, tiene a James tocando un piano gospel que recuerda más a Abdullah Ibrahim que a él mismo. Cobham empuja el ritmo al margen, doblando y triplicando la sincronización en algunos lugares sin dejar nunca el bolsillo del ritmo. El solo de Turrentine, especialmente en el puente, es fenomenal, gutural y casi chillón. "Introspectivo" es un blues post-bop. Las largas e intrincadas líneas melódicas se adaptan perfectamente al complejo sentido del lirismo que es la fuerza de Turrentine. Jackson capta las figuras y acentos más generales, y Cobham se desliza por las posibilidades en un baile de estilo latino para mantenerse en el medio y aportar la sensación de blues. Es fenomenal y envía esta sesión con una nota alta. Recomendado. ~ Thom Jurek, Guía de toda la Música.

 

 

Les McCann • Invitation To Openness

 

Through the chart-topping 1969 song “Compared To What”, McCann became known to thousands of people as an inspirational “soul-jazz” pianist and vocalist.

Since its first release in 1972, Les McCann’s Invitation To Openness album (Atlantic) has remained a landmark statement in free-form improvisation mixed with soulful grooves. The album features a 26 minute continuous track with expressive instrumentation from the likes of Yusuf Lateef, Cornell Dupree, Bernard Purdie, and Alphonse Mouzon.

Invitation To Openness is also now the title (via Fantagraphics Books) of a jazz and soul photography book with portraits of Stevie Wonder, Aretha Franklin, Quincy Jones, Tina Turner, Louis Armstrong, Nina Simone, Miles Davis, John Coltrane, Cannonball Adderley, Count Basie, Mahalia Jackson, Eddie Harris, and dozens more. All taken between 1960 and 1980 by Les McCann!

Whether you already know this album or not, there’s two treats in store for you. First off, are the new liner notes by Peter Relic, who interviewed the key participants of this album (including producer Joel Dorn before he passed on). Here’s a chance to hear from Dorn, drummer Donald Dean, and bassist Jimmy Rowser (all of whom are also included in the collection of Les’ photography).

Secondly, with this CD loosely serving as a soundtrack to the book, how could we leave out “Compared to What?” We’ve included a rarely heard, but passionate version from Germany in 1975 featuring the legendary Buddy Guy on guitar.
https://omnivorerecordings.com/shop/invitation-to-openess/

///////

Gracias a la canción "Compared To What", que ocupó los primeros puestos de las listas de éxitos en 1969, McCann se dio a conocer a miles de personas como pianista y vocalista de soul-jazz inspirador.

Desde su primera publicación en 1972, el álbum Invitation To Openness de Les McCann (Atlantic) ha seguido siendo un hito en la improvisación libre mezclada con ritmos conmovedores. El álbum contiene una pista continua de 26 minutos con la expresiva instrumentación de músicos de la talla de Yusuf Lateef, Cornell Dupree, Bernard Purdie y Alphonse Mouzon.

Invitation To Openness es también ahora el título (vía Fantagraphics Books) de un libro de fotografía de jazz y soul con retratos de Stevie Wonder, Aretha Franklin, Quincy Jones, Tina Turner, Louis Armstrong, Nina Simone, Miles Davis, John Coltrane, Cannonball Adderley, Count Basie, Mahalia Jackson, Eddie Harris y docenas más. ¡Todas tomadas entre 1960 y 1980 por Les McCann!

Tanto si ya conoces este álbum como si no, te esperan dos sorpresas. En primer lugar, las nuevas notas de Peter Relic, que entrevistó a los principales participantes en este álbum (incluido el productor Joel Dorn antes de su fallecimiento). Aquí tienes la oportunidad de escuchar a Dorn, al batería Donald Dean y al bajista Jimmy Rowser (todos ellos también incluidos en la colección de fotografías de Les).

En segundo lugar, con este CD sirviendo vagamente como banda sonora del libro, ¿cómo íbamos a dejar fuera "Compared to What"? Hemos incluido una versión raramente escuchada, pero apasionada, de Alemania en 1975 con el legendario Buddy Guy a la guitarra.
https://omnivorerecordings.com/shop/invitation-to-openess/

Cornell Dupree • Teasin'

 

Cedar Walton • Mobius + Beyond Mobius

 

Cedar Walton • Mobius + Beyond Mobius

 

Rahsaan Roland Kirk • Kirkatron

 

 

Review
by Scott Yanow
Shortly after Rahsaan Roland Kirk finished his first album for Warner Brothers, he suffered a major stroke that put him out of action and greatly shortened his life. His second LP for the label was actually comprised of leftovers from the earlier session plus three songs taken from an appearance at the Montreux Jazz Festival; the latter has been reissued on CD in a sampler but the other selections (which include "Serenade to a Cuckoo," his cover of "This Masquerade," "Sugar," "The Christmas Song" and "Bright Moments") remain out of print. This LP (which finds him mostly sticking to tenor), Kirk's next-to-last album, has enough highlights to make it worth searching for.
https://www.allmusic.com/album/kirkatron-mw0000869726

///////

Reseña
por Scott Yanow
Poco después de que Rahsaan Roland Kirk terminara su primer álbum para Warner Brothers, sufrió un grave derrame cerebral que le dejó fuera de combate y acortó considerablemente su vida. Su segundo LP para el sello se componía en realidad de restos de la sesión anterior más tres canciones tomadas de una aparición en el Festival de Jazz de Montreux; esta última ha sido reeditada en CD en un sampler, pero las otras selecciones (que incluyen "Serenade to a Cuckoo", su versión de "This Masquerade", "Sugar", "The Christmas Song" y "Bright Moments") siguen agotadas. Este LP, el penúltimo de Kirk (en el que casi siempre toca el tenor), tiene suficientes momentos destacados como para que merezca la pena buscarlo.
https://www.allmusic.com/album/kirkatron-mw0000869726

Cornell Dupree • I'm Alright

A veteran of over 2,500 recording sessions, guitarist Cornell Dupree worked most prolifically in R&B and blues, but he was equally at home in jazz, particularly funky fusion and soul-jazz. Dupree was born in Fort Worth, TX, in 1942, and by the age of 20 was playing in King Curtis' R&B group. He became a session musician soon after, playing on Brook Benton's "Rainy Night in Georgia," as well as records by stars like Lou Rawls, Paul Simon, Barbra Streisand, Harry Belafonte, Lena Horne, Roberta Flack, Joe Cocker, Michael Bolton, Mariah Carey, and countless others. Dupree was also a member of Aretha Franklin's touring band from 1967-1976, and during that time also became a presence on many jazz-funk recordings, the sort that would find favor with rare groove and acid jazz fans in the years to come. Dupree's first jazz session as a leader was 1974's Teasin', which was followed by Saturday Night Fever in 1977, and Shadow Dancing in 1978. During the same period, Dupree was a member of the studio-musician fusion supergroup Stuff, which signed with Warner Bros. in 1975 and recorded four albums. They also reunited periodically in the '80s and spawned a mid-'80s spin-off group called the Gadd Gang, which Dupree also belonged to. Some of Dupree's most rewarding jazz albums came in the late '80s and early '90s; 1988's Coast to Coast was nominated for a Grammy, and funky sessions like 1991's Can't Get Through, 1992's live Uncle Funky, and 1993's Child's Play received positive reviews. 1994's Bop 'n' Blues was his most straight-ahead jazz album, also ranking as one of his best.

Many words have been used to describe Cornell Dupree's guitar playing over the last 45 plus years, but one label that fits the bill is the ultimate session guitarist. He has over 2500 credits, playing with the likes of King Curtis, Aretha Franklin, Donny Hathaway, Bill Withers, Brooke Benton, Ray Charles, Joe Cocker, the Gadd Gang and of course he was a member of the super session jazz/fusion group Stuff. Known as "Uncle Funky", Cornell, had a slew of well received solo albums over the course of his career, Like "Teasin", "Can't Get Enough", "Childs Play", "Cornell Dupree" "Who It Is" To name a few. Cornell who had been seriously ill over the past few years, passed away in May of 2011, but not before completing the final solo recording of his career, just eight weeks prior to his passing. His final words to his wife Erma was "I'm Doin Alright", hence the title of this cd. As sick as Cornell had been, attached to oxygen, he entered the recording studio, and let his wonderful guitar speak one more time. The result is stunningly well played Jazz/blues, with a touch of funky overtones that has a sound that is vintage Cornell till the end. Highlights include the funky "Doin Alright", a beautiful take on Brooke Benton's "Rainy Night In Georgia', which Cornell played on. He adds spice with a funkified take on "Help Me Make It Through The night". He then uses a jazz shuffle on the tune "I Ain't Got You", complete with sax solo, that will get anyone's feet moving. This is a wonderful farewell recording that should not be missed by anyone who loves Jazz/Rock fusion. He is supported by a tight back-up band in the studio, With B.E Smith "Frosty" on Drums, Mike Flanigin on organ, Nick Connelly keyboards, Ronnie James and Larry Fulcher as well as George Porter on bass. It has been a pleasure to listen to this man's recordings over the past 40 years both as a session and solo artist. I only hope the RRHOF, will see fit to elect Cornell into its session wing, as one of the great influential guitarists of the modern pop era. RIP "Uncle Funky"!

///////

Un veterano de más de 2,500 sesiones de grabación, el guitarrista Cornell Dupree trabajó de manera más prolífica en R&B y blues, pero estaba igualmente en casa en el jazz, particularmente en la fusión funky y el soul-jazz. Dupree nació en Fort Worth, Texas, en 1942, y a la edad de 20 años jugaba en el grupo de R&B de King Curtis. Poco después se convirtió en músico de sesión, tocando en "Rainy Night in Georgia" de Brook Benton, así como en discos de estrellas como Lou Rawls, Paul Simon, Barbra Streisand, Harry Belafonte, Lena Horne, Roberta Flack, Joe Cocker, Michael Bolton, Mariah Carey, y muchos otros. Dupree también fue miembro de la banda de gira de Aretha Franklin de 1967 a 1976, y durante ese tiempo también se convirtió en una presencia en muchas grabaciones de jazz-funk, del tipo que encontraría el favor de los fanáticos de groove y acid jazz en los próximos años. La primera sesión de jazz de Dupree como líder fue Teasin 'de 1974, seguida por Saturday Night Fever en 1977 y Shadow Dancing en 1978. Durante el mismo período, Dupree fue miembro del supergrupo de estudio y músico de fusión Stuff, que firmó con Warner. Bros. en 1975 y grabó cuatro discos. También se reunieron periódicamente en los años 80 y crearon un grupo spin-off a mediados de los 80 llamado Gadd Gang, al que también pertenecía Dupree. Algunos de los álbumes de jazz más gratificantes de Dupree llegaron a finales de los 80 y principios de los 90; Coast to Coast, de 1988, fue nominado para un Grammy, y sesiones funky como Can't Get Through de 1991, Uncle Funky en vivo de 1992 y Child's Play de 1993 recibieron críticas positivas. Bop 'n' Blues, de 1994, fue su álbum de jazz más sencillo, también clasificado como uno de sus mejores.

Se han usado muchas palabras para describir la interpretación de la guitarra de Cornell Dupree en los últimos 45 años o más, pero una etiqueta que encaja a la perfección es la mejor guitarrista de sesión. Tiene más de 2500 créditos, jugando con jugadores como King Curtis, Aretha Franklin, Donny Hathaway, Bill Withers, Brooke Benton, Ray Charles, Joe Cocker, Gadd Gang y, por supuesto, fue miembro del grupo de súper sesiones de jazz / fusión. Cosas. Conocido como "Uncle Funky", Cornell tuvo una serie de álbumes solistas muy bien recibidos a lo largo de su carrera, como "Teasin", "Can't Get Enough", "Childs Play", "Cornell Dupree" "Who It Is " Para nombrar unos pocos. Cornell, quien había estado gravemente enfermo en los últimos años, falleció en mayo de 2011, pero no antes de completar la grabación final en solitario de su carrera, solo ocho semanas antes de su fallecimiento. Sus últimas palabras a su esposa Erma fueron "I'm Doin Alright", de ahí el título de este CD. Tan enfermo como Cornell había estado, unido al oxígeno, entró en el estudio de grabación y dejó que su maravillosa guitarra hablara una vez más. El resultado es un jazz / blues asombrosamente bien tocado, con un toque de tonos funky que tiene un sonido clásico de Cornell hasta el final. Lo más destacado incluye el funky "Doin Alright", una hermosa versión de "Rainy Night In Georgia" de Brooke Benton, en la que jugó Cornell. Agrega sabor con una versión funkificada de "Help Me Make It Through The night". Luego usa un jazz. Mezcla la melodía "I Ain't Got You", con un solo de saxo, que hará que los pies de cualquiera se muevan. Esta es una maravillosa grabación de despedida que no debe ser extrañada por nadie que ame la fusión de Jazz / Rock. banda de respaldo apretada en el estudio, con BE Smith "Frosty" en la batería, Mike Flanigin en el órgano, los teclados Nick Connelly, Ronnie James y Larry Fulcher, así como George Porter en el bajo. Ha sido un placer escuchar a este hombre grabaciones de los últimos 40 años como solista y solista. Solo espero que el RRHOF, elegirá a Cornell para su ala de sesión, como uno de los grandes guitarristas influyentes de la era del pop moderno. ¡RIP "Uncle Funky"!

Grant Green • Blue Breakbeats

In the '70s, guitarist Grant Green turned to an R&B and funk style in order to keep up with the times and invite as wide an audience as possible. At the time, critics cried foul at what they called "selling out" and disavowed Green from their critical radar. Fast forwarding to the '90s, this period of Green's career became in great demand as the "acid jazz" craze came into vogue. BLUE BREAKBEATS collects some of Green's more revered works from this period. These are the tracks that DJs constantly sample and loop to form new electronically manipulated works.

To be sure, the grooves here are gritty and the melodies, what little there are, are simple and brash, but the determined mood and downright funkiness is nothing to sneeze at. Cuts like James Brown's "Ain't It Funky Now" and the immensely popular "Sookie Sookie" are staples in any self-respecting DJ's arsenal. The driving beats of Ben Dixon's "Cantaloupe Woman" and the stunning "The Final Comedown" offer plenty of fertile sampling opportunities as well. Overall, though, this is a celebration of Green's late-period talent that didn't get its just desserts in his time.

Personnel: Grant Green (guitar); Harold Vick (soprano saxophone); Claude Bartee (tenor saxophone); Blue Mitchell, Marvin Stamm, Irv Markowitz (trumpet); Phil Bodner (woodwinds); Billy Wooten, Willie Bivens (vibraphone); Emmanuel Riggins, Clarence Palmer (electric piano); Earl Neal Creque, Ronnie Foster (organ); Richard Tee (keyboards); Cornell Dupree (guitar); Jimmy Lewis, Chuck Rainey, Gordon Edwards (electric bass); Idris Muhammad, Grady Tate (drums); Richard Landrum (bongos); Candido Camero, Ray Armando, Joseph Armstrong (congas); Ralph McDonald (percussion).

Producers: Francis Wolff, George Butler.

Engineers include: Rudy Van Gelder, Don Hahn.

Recorded at the Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey between January 30, 1970 and May 21, 1971; A&R Recording Studios, New York, New York on December 13, 1971; live at the Cliche Lounge, Newark, New Jersey on August 15, 1970. Includes liner notes by DJ Smash.

Recording information: A&R Studios, New York, NY (01/30/1970-12/13/1971); Cliche Lounge, Newark, NJ (01/30/1970-12/13/1971); Van Gelder Studios, Englewood Cliffs, NJ (01/30/1970-12/13/1971).

Gary Chandler • Outlook

 

Gary Chandler (born in 1938) started playing professionally in 1960 in the thriving Columbus Ohio club scene with Hank Marr, Don Patterson and Benny Maupin. He worked in the Motown Revue from 1965-67 and led his own group for over a year. Over the following years Chandler joined the bands of Lou Donaldson & Charles Earland where he remained until the recording of his debut album.

///////

Gary Chandler (nacido en 1938) empezó a tocar profesionalmente en 1960 en la próspera escena de clubes de Columbus Ohio con Hank Marr, Don Patterson y Benny Maupin. Trabajó en la Motown Revue de 1965 a 1967 y dirigió su propio grupo durante más de un año. Durante los años siguientes Chandler se unió a las bandas de Lou Donaldson & Charles Earland donde permaneció hasta la grabación de su álbum debut.

 

 

 

 

 

 

Grant Green • The Final Comedown

 

 Review by Brandon Burke
The Final Comedown was Blue Note's first film soundtrack and a departure for both the label and Grant Green. True, many of Green's sessions from this period dipped into funk and R&B, but most of the tracks heard here are pensive mood pieces, conceived as the backing tracks to the blaxploitation film of the same name. As can be expected, there are a handful of cuts -- "Past, Present and Future," "Slight Fear and Terror," "Battle Scene" -- featuring things like staccato horn punches, dramatic tympani, and little in the way of instrumental soloing -- standard fare for the genre. Others, like the fantastic title track, showcase Green in a setting much more akin to his previous funk dates (Alive, etc.). Like any film score, The Final Comedown shifts moods as often as it revisits themes, so one should expect to hear a wide variety of styles held together by only a few common motifs. The most puzzling thing about this release, perhaps, is the fact that it was credited to Green at all. Wade Marcus composed and conducted every track and at least a few of them feature Green in nothing more than a supporting role. Recommended for fans of blaxploitation soundtracks and early-'70s jazz-funk.
https://www.allmusic.com/album/the-final-comedown-mw0000532480

///////

Reseña de Brandon Burke
The Final Comedown fue la primera banda sonora para cine de Blue Note y un cambio tanto para el sello como para Grant Green. Es cierto que muchas de las sesiones de Green de este período se sumergieron en el funk y el R&B, pero la mayoría de los temas que se escuchan aquí son piezas de ambiente pensativo, concebidas como las pistas de acompañamiento de la película de blaxploitation del mismo nombre. Como era de esperar, hay un puñado de cortes - "Past, Present and Future", "Slight Fear and Terror", "Battle Scene"- en los que aparecen punteos de trompa staccato, timbales dramáticos y pocos solos instrumentales, algo habitual en el género. Otras, como la fantástica canción que da título al disco, muestran a Green en un entorno mucho más afín a sus anteriores citas con el funk (Alive, etc.). Como cualquier partitura cinematográfica, The Final Comedown cambia de estado de ánimo con la misma frecuencia que retoma los temas, por lo que cabe esperar escuchar una amplia variedad de estilos unidos por unos pocos motivos comunes. Quizá lo más desconcertante de este lanzamiento sea el hecho de que se atribuya a Green. Wade Marcus compuso y dirigió todos los temas, y al menos en unos cuantos de ellos Green aparece sólo en un papel secundario. Recomendado para los amantes de las bandas sonoras de blaxploitation y del jazz-funk de principios de los 70.
https://www.allmusic.com/album/the-final-comedown-mw0000532480

Herbie Mann • Push Push

Review

Flutist Herbie Mann opened up his music on this date for Push Push (and during the era) toward R&B, rock and funk music. The results were generally appealing, melodic and danceable. On such songs as "What's Going On," "Never Can Say Goodbye," "What'd I Say" and the title cut, Mann utilizes an impressive crew of musicians, which include guitarist Duane Allman and keyboardist Richard Tee.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/push-push-mw0000203730

///////

Revisar

El flautista Herbie Mann abrió su música en esta fecha para Push Push (y durante la época) hacia el R&B, el rock y el funk. Los resultados fueron en general atractivos, melódicos y bailables. En canciones como "What's Going On", "Never Can Say Goodbye", "What'd I Say" y el corte del título, Mann utiliza un impresionante equipo de músicos, que incluye al guitarrista Duane Allman y al teclista Richard Tee.

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/push-push-mw0000203730