Monty Alexander • Calypso Blues The Music of Nat King Cole

Review by Michael G. Nastos

Monty Alexander follows up his tribute to Tony Bennett with an homage to another classic jazz singer, Nat King Cole. Also recorded in New York City at St. Peter's Episcopal Church with the same trio of Chicagoans Lorin Cohen on bass and drummer George Fludas, the veteran pianist seems more in his element with this artist's repertoire that sharply defined his personal sound and thinking about populist jazz. Though all of the tunes selected are not so closely linked to Cole's hit parade songbook, the way Alexander plays them with subtlety and depth certainly reflects what made Cole the king in the late '50s and early '60s. Though a competent singer, Alexander does not attempt vocalizing them, and that's all right. What he does is lovingly construct these melodies and extrapolate on them later -- the best way of honoring these great American popular songs. Though "Straighten Up and Fly Right" is not credited as it is in Ira Gitler's liner notes, it's a distinct part of and extant in the theme of the bluesy, two-fisted, and breezy "Can't See for Looking." "Ramblin' Rose" is not at all typical in a bouncy, cowpoke swing, and "Send for Me" has Alexander staggering the chord phrases as if he's juggling them, with double stops and bouncy stride or boogie-woogie inferences. Most typically Nat is the straight-ahead take of "Almost Like Being in Love," the short and sweet "Fascination," and the steamrolling "Sweet Georgia Brown," a tune Cole loved to tear it up on, showcasing Alexander at his best. The most unusual selections go into ethnic overtones, as "Hajji Baba" is Arabic in nature with its mystical exoticism and the storybook, childlike version of "Never Let Me Go" refers to Alexander's Caribbean roots, mixing a bossa nova and reggae feel into a light, cool whip. The CD is bookended with versions of the title track, where Alexander wields the melodica playfully, again in spicier Latin frames. With the immaculate sound and performance by this fine trio -- not to mention that they didn't exactly play Cole's songbook rote or by the numbers -- it's hard to fault the effort, heart, and soul behind this concept album that should delight many jazz listeners.

https://www.allmusic.com/album/calypso-blues-the-songs-of-nat-king-cole-mw0000811429

Artist Biography by Matt Collar

Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.

In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.

In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.

The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.

In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.

https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

///////

Reseña de Michael G. Nastos

Monty Alexander sigue su homenaje a Tony Bennett con un homenaje a otro cantante de jazz clásico, Nat King Cole. También grabado en la ciudad de Nueva York en la Iglesia Episcopal de San Pedro con el mismo trío de los Chicagoitas Lorin Cohen en el bajo y el baterista George Fludas, el veterano pianista parece más en su elemento con el repertorio de este artista que definió claramente su sonido personal y su pensamiento sobre el jazz populista. Aunque todas las melodías seleccionadas no están tan estrechamente relacionadas con el exitoso cancionero de Cole, la forma en que Alexander las toca con sutileza y profundidad refleja ciertamente lo que hizo de Cole el rey a finales de los años 50 y principios de los 60. Aunque es un cantante competente, Alexander no intenta vocalizarlos, y eso está bien. Lo que hace es construir amorosamente estas melodías y luego extrapolarlas, la mejor manera de honrar estas grandes canciones populares estadounidenses. Aunque "Straighten Up and Fly Right" no está acreditado como lo está en las notas de Ira Gitler, es una parte distinta y existente en el tema del blues, los dos puños y la brisa "Can't See for Looking". "Ramblin' Rose" no es para nada típico en un swing de vaquero y vaquero, y "Send for Me" tiene a Alexander tambaleando las frases de acordes como si las estuviera haciendo malabares, con dobles paradas y zancadas de rebote o inferencias de boogie-boogie. Lo más típico de Nat es la toma directa de "Casi como estar enamorado", la corta y dulce "Fascinación", y la arrolladora "Sweet Georgia Brown", una melodía que a Cole le encantaba desgarrar, mostrando a Alexander en su mejor momento. Las selecciones más inusuales tienen matices étnicos, ya que "Hajji Baba" es de naturaleza árabe con su exotismo místico y el libro de cuentos, una versión infantil de "Never Let Me Go" (Nunca me dejes ir) se refiere a las raíces caribeñas de Alexander, mezclando una bossa nova y una sensación de reggae en un látigo ligero y fresco. El CD está terminado con las versiones del tema del título, donde Alexander maneja la melódica de manera juguetona, de nuevo en marcos latinos más picantes. Con el inmaculado sonido y la interpretación de este buen trío -por no mencionar que no tocaron exactamente la rutina del libro de canciones de Cole o los números- es difícil culpar al esfuerzo, corazón y alma detrás de este álbum conceptual que debería deleitar a muchos oyentes de jazz.

https://www.allmusic.com/album/calypso-blues-the-songs-of-nat-king-cole-mw0000811429

Biografía del artista por Matt Collar

El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.

En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".

En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.

Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.

En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center. 

(https://www.deepl.com/translator)

https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

www.montyalexander.com ...

Idle Hands • Solid Moments

  

Idle Hands, a sextet of extraordinary means, uses the instrumentation of guitarist Grant Green's Idle Moments (Blue Note, 1965) as a template of sorts. But that embrace of a guitar, vibes, tenor saxophone, piano, bass and drums lineup is basically where the similarities end. This music doesn't push the past as a stock worth investing in. Instead, as with most Posi-Tone projects, originals dominate the playlist. Everybody in the band contributes music, and a pair of choice covers—a sweeping, Brazilian-influenced take on Stevie Wonder's "You and I" and a spirited trip through Freddie Hubbard's "Theme for Kareem"—sweetens the deal.

A group of label regulars—guitarist Will Bernard, vibraphonist Behn Gillece, tenor saxophonist Sam Dillon, pianist Art Hirahara and the rhythm tandem of bassist Boris Kozlov and drummer Donald Edwards—create and navigate these varied scenarios with aplomb. The hits and turns are right on the money during Gillece's aptly-titled "Barreling Through," jaunty lines abound on Kozlov's "Over The Fence," the harmonies of Hirahara's "Event Horizon" effortlessly refract light and beauty, and a blend of intrigue and excitement rules the day on Edwards' hip "Dock's House." Add to that some winners like Dillon's waltzing "Motion" and Bernard's springy "Silver Bullet" and you have a well-balanced set that speaks to individual strengths and growth through grouping. This may very well be a one-and-done gathering, but this band deserves a longer lifespan. Solid Moments shows us that Idle Hands could have some serious legs.
Dan Bilawsky By DAN BILAWSKY
March 6, 2020
https://www.allaboutjazz.com/solid-moments-idle-hands-posi-tone-records

///////

Idle Hands, un sexteto de medios extraordinarios, utiliza la instrumentación de Idle Moments (Blue Note, 1965) del guitarrista Grant Green como una especie de plantilla. Pero ese abrazo de una alineación de guitarra, vibráfono, saxofón tenor, piano, bajo y batería es básicamente donde terminan las similitudes. Esta música no empuja al pasado como una acción en la que vale la pena invertir. En cambio, como en la mayoría de los proyectos de Posi-Tone, los originales dominan la lista de reproducción. Todos los miembros de la banda contribuyen a la música, y un par de versiones elegidas -una versión arrolladora, con influencia brasileña, de "You and I" de Stevie Wonder y un animado viaje a través de "Theme for Kareem" de Freddie Hubbard- endulzan el trato.

Un grupo de habituales del sello -el guitarrista Will Bernard, el vibrafonista Behn Gillece, el saxofonista tenor Sam Dillon, el pianista Art Hirahara y el tándem rítmico formado por el bajista Boris Kozlov y el baterista Donald Edwards- crean y navegan por estos variados escenarios con aplomo. Los golpes y los giros son acertados en "Barreling Through" de Gillece, las líneas alegres abundan en "Over The Fence" de Kozlov, las armonías de "Event Horizon" de Hirahara refractan sin esfuerzo la luz y la belleza, y una mezcla de intriga y emoción gobierna el día en "Dock's House" de Edwards. Si a esto le añadimos algunos ganadores como el vals de Dillon "Motion" y la elástica "Silver Bullet" de Bernard, tenemos un conjunto bien equilibrado que habla de las fortalezas individuales y del crecimiento a través de la agrupación. Puede que esta sea una reunión única, pero esta banda merece una vida más larga. Solid Moments nos muestra que Idle Hands podría tener un buen recorrido.
Dan Bilawsky Por DAN BILAWSKY
6 de marzo de 2020
https://www.allaboutjazz.com/solid-moments-idle-hands-posi-tone-records


www.posi-tone.com/idle-hands/idle-hands ...

Ronnie Cuber And Gary Smulyan • Tough Baritones

 

It seems pretty undisputed that Gary Smulyan and Ronnie Cuber are two of the greatest living titans of the baritone saxophone. They each have a long discography and incredible career. And we are fortunate to have a new album out this week that features both of them. This isn’t the first time they’ve played together or even recorded together. The album ‘Three Baritone Band Plays Mulligan’ is listed on my 5 essential listening albums page and feature both Gary and Ronnie – as well as Nick Brignola. Interestingly that band toured a bit and the great Howard Johnson could also sometimes be seen with that band.

‘Tough Baritones’ was released this week on the Danish SteepleChase label, on which you will also find a number of other records from both Gary and Ronnie. Though I find it incredibly difficult to find any actual information about this label, or about the albums. Almost like the label goes out of its way to make sure very little information can be found even after the albums are released for sale. But regardless, the album is available on streaming platforms, or if you’re like me and enjoy a physical copy that can be found on amazon here.

This album to me is very reminiscent of a period of jazz that had a huge influence on both of the leaders here. The whole album, but especially the first couple tracks bring back the vibe of Leo Parker recordings, and some of the great two saxophone albums with the likes of Jug (Gene Ammons) and Stitt (Sonny Stitt). This is largely reflected in the tune choice and feel of those songs. A lot of singing blueses and almost boogaloo type feels, as well as some classic Cuber favorite standards – ‘Nica’s Dream’ and ‘Lover’. No sign of a ballad in sight, but that’s just as well since we’re all here for the fire anyways.

If I am going to be incredibly objective, I’d say that Ronnie’s playing doesn’t quite have the fire that he may have had in his prime, but he is by no means at all unenjoyable here. He plays with fire and still shows why he has been one of the leading influences on the baritone for decades. Also if we are going to compare him to most 78 year old saxophonists, he is probably nearly the best in the world. Gary’s playing is top notch and while connoisseurs of the baritone will easily tell their styles apart, they both approach the music with considerable force.

Recording quality wise, having been fortunate to sit right in front of both of their bells in person, it seems to me that the recording captured Gary’s sound a bit more accurately. Ronnie’s mix on the record feels a little distantly recorded. Otherwise the sound of the album is excellent, the two baritonists are panned separately left (Cuber) and right (Smulyan) to help differentiate further. They got a great rhythm section to back the front men. Gary Versace on piano, Jay Anderson on bass, and Jason Tiemann on drums.

I think anyone with an interest in jazz or baritone saxophone, (let alone those at this site that are likely interested in both) should probably head directly to their nearest music provider and check out this album from the royalty of jazz bari sax.
by  JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/

///////

Parece indiscutible que Gary Smulyan y Ronnie Cuber son dos de los mayores titanes vivos del saxofón barítono. Cada uno de ellos tiene una larga discografía y una carrera increíble. Y tenemos la suerte de contar con un nuevo álbum que sale esta semana y que cuenta con la participación de ambos. No es la primera vez que tocan juntos ni que graban juntos. El álbum 'Three Baritone Band Plays Mulligan' aparece en mi página de 5 álbumes imprescindibles para escuchar y en él aparecen tanto Gary como Ronnie, además de Nick Brignola. Curiosamente, esa banda hizo algunas giras y el gran Howard Johnson también podía ser visto a veces con esa banda.

'Tough Baritones' ha salido esta semana en el sello danés SteepleChase, en el que también encontrarás otros discos tanto de Gary como de Ronnie. Aunque me resulta increíblemente difícil encontrar información real sobre este sello, o sobre los discos. Casi como si el sello se esforzara en asegurarse de que se pueda encontrar muy poca información incluso después de que los álbumes se pongan a la venta. Pero a pesar de todo, el álbum está disponible en plataformas de streaming, o si eres como yo y disfrutas de una copia física que se puede encontrar en amazon aquí.

Este álbum para mí es muy reminiscente de un período de jazz que tuvo una gran influencia en los dos líderes aquí. Todo el álbum, pero especialmente los primeros temas, me recuerdan a las grabaciones de Leo Parker, y a algunos de los grandes álbumes de dos saxofones con gente como Jug (Gene Ammons) y Stitt (Sonny Stitt). Esto se refleja en gran medida en la elección de las melodías y el sentimiento de esas canciones. Mucho blues cantado y sensaciones casi de tipo boogaloo, así como algunos estándares clásicos favoritos de Cuber: 'Nica's Dream' y 'Lover'. No hay rastro de una balada a la vista, pero menos mal, ya que todos estamos aquí por el fuego de todos modos.

Si voy a ser increíblemente objetivo, diría que la forma de tocar de Ronnie no tiene el fuego que podía tener en su mejor momento, pero no es para nada desagradable aquí. Toca con fuego y sigue demostrando por qué ha sido una de las principales influencias del barítono durante décadas. Además, si vamos a compararlo con la mayoría de los saxofonistas de 78 años, probablemente sea casi el mejor del mundo. La forma de tocar de Gary es de primera categoría y, aunque los conocedores del barítono distinguirán fácilmente sus estilos, ambos abordan la música con una fuerza considerable.

En cuanto a la calidad de la grabación, después de haber tenido la suerte de sentarme delante de las campanas de ambos en persona, me parece que la grabación capturó el sonido de Gary con un poco más de precisión. La mezcla de Ronnie en el disco se siente un poco distante en la grabación. Por lo demás, el sonido del disco es excelente, los dos baritonistas están paneados por separado a la izquierda (Cuber) y a la derecha (Smulyan) para ayudar a diferenciarlos más. Tienen una gran sección rítmica para respaldar a los delanteros. Gary Versace al piano, Jay Anderson al bajo y Jason Tiemann a la batería.

Creo que cualquiera que tenga interés en el jazz o en el saxofón barítono, (por no hablar de aquellos en este sitio que probablemente estén interesados en ambos) probablemente debería dirigirse directamente a su proveedor de música más cercano y comprobar este álbum de la realeza del saxo bari de jazz.
por JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/


www.amazon.com ...

Larry Goldings, Peter Bernstein & Bill Stewart • Toy Tunes

 

Review
The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.

Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.

Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.

The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.

I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.

The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general.
Written by Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/

///////

Reseña
El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.

Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.

Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.

El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.

Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.

Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general.
Escrito por Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/


larrygoldings.com ...
peterbernsteinmusic.com ...
billstewartmusic.com ...

Bob Dusi & Michele Iaia • A Private Voyage

 

We find Igor Butman on tenor, Marco Tamburini on trumpet and Marco Pacassoni on vibraphone in the credits of "A Private Voyage", the album signed by drummer Michele Iaia and guitarist Bob Dusi. It is a work structured in seven tracks, each of which contains a peculiar formal and stylistic world, where Latin jazz, soul, ballad and hard bop features come together. Dusi's guitar, with its confidential and swinging timbre, holds everything together, while the soloists of the other performers, such as Butman's torrential solo in Jazz All Night or Tamburini's elegant solo in Winter Waltz, for the occasion at the flugelhorn, are to be emphasized, in addition to a group work always compact.



The artist's main prerogative is not to conform to conventions. The energy, the spirit of melodic research, compositional experimentation, are therefore the distinctive components for the musician who wants to shape Art in Music. In light of these premises it is possible to understand how A Private Voyage is born free, forged from an original expressive form, free from any scheme. The work comes to life from the collaboration of two artists and the stylistic convergence of their musical essences, in a perfect sound synthesis, with intimate and sincere connotations and strong evocative power. The result is a work full of great compositional cues and refined structures in the arrangements. Impossible the cataloguing of genre for this strong musical language, even if intrinsically characterized by the paths and artistic influences of both interpreters. Their common denominator is 'the voice' of a contaminated, contemporary and constantly evolving jazz, supported, at the same time, by tradition and the old avant-garde of electric jazz. The overall harmony of the individual tracks, although different from each other, characterizes the project of this album, enhanced by the presence of guests who have given the songs a rare elegance.

The listening experience begins with Wes Song, track - fil rouge with the previous album The Growl: The warmth and immediacy of the first bars, focus and capture the imagination. It is a journey back to a familiar place, during which experiences and emotions are collected in the substratum of consciousness, while they increase the construct of personality on their roots. The dialogue between the past and the present is represented by the exchange between tenor sax and guitar, through phrases in typical Soul-Jazz style, wrapped by a rhythmic and melodic fervor. Rio Negro takes off hovering over a pressing Latin background, finding his 'aerial' dimension in a lyrical, cinematographic theme, driven by the enveloping lines of bass, drums and percussion. The track is a great flight over the majestic Amazonian forest, a syllogism that reveals the vivid and intoxicating colors of the equatorial show. It is therefore a Winter Waltz; a photograph, a painting in progress of external reality, as perceived by the subject's interiority: a warm and melancholic contemplation of the slow alternation of time, between the seasons of the mind. Melodic hues color the harmonic fabric with delicate nuances, while the flugelhorn, on the theme of Winter Waltz, touches the image, wrapping it with memories, at first as an intimate introspection, then, during the engraving, showing itself with fervor, cloaked by the elegance of its tones. Approaching Notturna is to discover an essential piece of the propulsive melodic research of the album: born as a ballad, it is then rearranged for quintet, resulting in a fervent expansion of the sound range, where the vibraphone indelibly marks the theme in unison with the guitar, in the sweetness of its evolutions. The ascending climax of this writing, outlines ample space for the improvisations of clear funk matrix. The descent into the ecstatic whirlwind of improvisational rhythm is that of Jazz All Night, capable of imprisoning the soul of the musician in the archetype of the incessant performance, in the smoky darkness of a nightclub. The theme runs fast, when Igor Butman's tenor sax releases a muscular and visceral impact, subtracting any possibility of encoding the moment, overwhelming the listener. Then, suddenly, here is a dream: D.R.eam, a plunge into the dreamlike dimension of identity, suspended in the rarefied absence of time. A piece that explores the inner worlds in the contrasted twilight and twilight chiaroscuro. In an unconscious, indeterminate spatiality, the double bass, trumpet and guitar solos alternate, telling a distant story, made of 'absences', touching and intimate. The adventure continues, traveling the oceanic distances of Hot Wind: the 'Hot Wind' brings with it the revealing essences of the timbre dimension. Rhythm is the guide through the mysteries of unexpected places, while a panorama opens out onto deep, intense, sonorous colors. A metaphorical-representative scenario, where the numerous musical experiences of the various interpreters, in Latin and funk, are symbols for images. The poetic candour is released, in this exotic sky, by the notes of Fender Rhodes and a guitar with a mystical sound, unique, dialoguing interlocutor between the different instruments.

At the end of this multifaceted musical journey, we can say that we are fully reflected in the performances and arrangements. As rarely happens, we have collaborated with a particularly stimulating and productive team that, by supporting us, has allowed us to arrive at a final result in full accordance with our expectations.
http://www.ijm.it/albums/display/526

///////

Encontramos a Igor Butman en el tenor, Marco Tamburini en la trompeta y Marco Pacassoni en el vibráfono en los créditos de "A Private Voyage", el álbum firmado por el baterista Michele Iaia y el guitarrista Bob Dusi. Es una obra estructurada en siete temas, cada uno de los cuales contiene un peculiar mundo formal y estilístico, en el que confluyen características del jazz latino, el soul, la balada y el hard bop. La guitarra de Dusi, con su timbre confidencial y oscilante, lo mantiene todo unido, mientras que los solistas de los demás intérpretes, como el torrencial solo de Butman en Jazz All Night o el elegante solo de Tamburini en Winter Waltz, para la ocasión en el fliscorno, son de destacar, además de un trabajo de grupo siempre compacto.



La principal prerrogativa del artista es no conformarse con las convenciones. La energía, el espíritu de la investigación melódica, la experimentación compositiva, son por lo tanto los componentes distintivos para el músico que quiere dar forma al Arte en la Música. A la luz de estas premisas es posible comprender cómo nace Un viaje privado libre, forjado a partir de una forma expresiva original, libre de cualquier esquema. La obra cobra vida gracias a la colaboración de dos artistas y a la convergencia estilística de sus esencias musicales, en una síntesis sonora perfecta, con connotaciones íntimas y sinceras y un fuerte poder de evocación. El resultado es una obra llena de grandes claves compositivas y estructuras refinadas en los arreglos. Es imposible catalogar el género para este fuerte lenguaje musical, aunque se caracterice intrínsecamente por los caminos e influencias artísticas de ambos intérpretes. Su común denominador es "la voz" de un jazz contaminado, contemporáneo y en constante evolución, apoyado, al mismo tiempo, por la tradición y la vieja vanguardia del jazz eléctrico. La armonía general de los temas individuales, aunque diferentes entre sí, caracteriza el proyecto de este álbum, realzado por la presencia de invitados que han dado a las canciones una rara elegancia.

La experiencia auditiva comienza con Wes Song, una pista - un fil rouge con el álbum anterior The Growl: La calidez e inmediatez de los primeros compases, enfocan y capturan la imaginación. Es un viaje de vuelta a un lugar familiar, durante el cual las experiencias y emociones se reúnen en el sustrato de la conciencia, mientras se aumenta la construcción de la personalidad en las raíces de uno. El diálogo entre el pasado y el presente está representado por el intercambio entre el saxo tenor y la guitarra, a través de frases en el típico estilo Soul-Jazz, envueltas por un fervor rítmico y melódico. Río Negro se desplaza sobre un fondo latino apremiante, encontrando su dimensión "aérea" en un tema lírico y cinematográfico, impulsado por las envolventes líneas de bajo, batería y percusión. La pista es un gran vuelo sobre la majestuosa selva amazónica, un silogismo que revela los vivos y embriagadores colores del espectáculo ecuatorial. Pasamos entonces a un Vals de Invierno; una fotografía, un cuadro en progreso de la realidad externa, tal como se percibe por la interioridad del sujeto: una cálida y melancólica contemplación de la lenta alternancia del tiempo, entre las estaciones de la mente. Los tonos melódicos colorean el tejido armónico con delicados matices, mientras que el fliscorno, en el tema de Vals de Invierno, toca la imagen, envolviéndola con recuerdos, al principio como una introspección íntima, luego, durante el grabado, mostrándose con fervor, envuelto por la elegancia de sus tonos. Acercarse a Notturna es descubrir una pieza esencial de la investigación melódica propulsora del álbum: nacida como balada, se reordena luego para quinteto, lo que da lugar a una expansión ferviente de la gama sonora, donde el vibráfono marca indeleblemente el tema al unísono con la guitarra, en la dulzura de sus evoluciones. El clímax ascendente de este escrito, esboza un amplio espacio para las improvisaciones de la matriz de funk claro. El descenso en el torbellino extático del ritmo de improvisación es el del Jazz All Night, capaz de aprisionar el alma del músico en el arquetipo de la actuación incesante, en la oscuridad ahumada de un club nocturno. El tema fluye rápido, cuando el saxo tenor de Igor Butman libera un impacto muscular y visceral, restando cualquier posibilidad de codificar el momento, abrumando al oyente. Entonces, de repente, aquí hay un sueño: D.R.eam, una inmersión en la dimensión onírica de la identidad, suspendida en la enrarecida ausencia de tiempo. Una canción que explora los mundos internos en el contrastado crepúsculo y el claroscuro crepuscular. En una espacialidad inconsciente e indeterminada, los solos de contrabajo, trompeta y guitarra se alternan, contando una historia lejana, hecha de "ausencias", conmovedora e íntima. La aventura continúa, viajando las distancias oceánicas de Viento Caliente: el "Viento Caliente" trae consigo las reveladoras esencias de la dimensión tímbrica. El ritmo es la guía a través de los misterios de lugares inesperados, mientras que el panorama se abre a colores profundos, intensos y sonoros. Un escenario metafórico-representativo, donde las numerosas experiencias musicales de los distintos intérpretes, en las esferas del latín y el funk, son símbolos en imágenes. El candor poético es liberado, en este cielo exótico, por las notas de Fender Rhodes y una guitarra con un sonido místico, único, interlocutor dialogante entre los diferentes instrumentos.

Al final de este multifacético viaje musical, podemos decir que estamos plenamente reflejados en las actuaciones y arreglos. Como pocas veces ocurre, colaboramos con un equipo particularmente estimulante y productivo que, al apoyarnos, nos permitió llegar a un resultado final plenamente acorde con nuestras expectativas.
http://www.ijm.it/albums/display/526

Bob Dusi & Michele Iaia ...   

Joshua Redman • Joshua Redman

 

 

Joshua Redman is one of the most acclaimed and charismatic jazz artists to have emerged in the decade of the 1990s. Born in Berkeley, California, he is the son of legendary saxophonist Dewey Redman and dancer Renee Shedroff. He was exposed at an early age to a variety of musics (jazz, classical, rock, soul, Indian, Indonesian, Middle-Eastern, African) and instruments (recorder, piano, guitar, gatham, gamelan), and began playing clarinet at age nine before switching to what became his primary instrument, the tenor saxophone, one year later. The early influences of John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley and his father, Dewey Redman, as well as The Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police and Led Zeppelin drew Joshua more deeply into music. But although Joshua loved playing the saxophone and was a dedicated member of the award-winning Berkeley High School Jazz Ensemble and Combo from 1983-86, academics were always his first priority, and he never seriously considered becoming a professional musician.

In 1991 Redman graduated from Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa with a B.A. in Social Studies. He had already been accepted by Yale Law School, but deferred entrance for what he believed was only going to be one year. Some of his friends (former students at the Berklee College of Music whom Joshua had met while in Boston) had recently relocated to Brooklyn, and they were looking for another housemate to help with the rent. Redman accepted their invitation to move in, and almost immediately he found himself immersed in the New York jazz scene. He began jamming and gigging regularly with some of the leading jazz musicians of his generation: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy and Mark Turner (to name just a few). In November of that year, five months after moving to New York, Redman was named the winner of the prestigious Thelonious Monk International Saxophone Competition. This was only one of the more visible highlights from a year that saw Redman beginning to tour and record with jazz masters such as his father, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian, and Clark Terry. For Joshua, this was a period of tremendous growth, invaluable experience and endless inspiration.

Now fully committed to a life in music, Redman was quickly signed by Warner Bros. Records and issued his first, self-titled album in the spring of 1993, which subsequently earned Redman his first Grammy nomination. That fall saw the release of Wish, where Joshua was joined by the all-star cast of Pat Metheny, Charlie Haden and Billy Higgins. He toured extensively with Metheny throughout the latter half of that year. His next recording, MoodSwing, was released in 1994, and it introduced his first permanent band, which included three other young musicians who have gone on to become some of the most important and influential artists in modern jazz: pianist Brad Mehldau, bassist Christian McBride and drummer Brian Blade. A later edition of this ensemble included guitarist Peter Bernstein, pianist Peter Martin, bassist Chris Thomas and Blade. Over a series of celebrated recordings including Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove and Timeless Tales (for Changing Times), Redman established himself as one of the music’s most consistent and successful bandleaders, and added soprano and alto saxophones to his instrumental arsenal. Joshua’s second acclaimed quartet, featuring pianist Aaron Goldberg, bassist Reuben Rogers and drummer Gregory Hutchinson, was formed in 1998 and made its recorded debut on the 2000 album Beyond. The dynamic interplay and uncommon rapport of this group inspired Redman to write and record his first long-form composition, Passage of Time, which was released in 2001.

A year later, Redman began to channel his jazz sensibilities through new instrumentation and formed The Elastic Band, a flexible, electrified, groove-based trio built on an ongoing collaboration with keyboardist Sam Yahel and drummer Brian Blade. The band debuted on the 2002 releases yaya3 and Elastic. Drummer Jeff Ballard began to play regularly with the Elastic Band later that year, and he (along with Blade and Yahel) played a central role in their next recording, the Grammy-nominated Momentum, which was released in 2005 to inaugurate Redman’s affiliation with Nonesuch Records, and featured a diverse and exciting lineup of special guests.

In 2000, Redman was named Artistic Director for the Spring Season of the non-profit jazz-presenting organization SFJAZZ. Redman and SFJAZZ Executive Director Randall Kline had an idea that The New York Times called a “eureka moment”; the creation of the SFJAZZ Collective, an ensemble distinguished both by the creativity of its members and a unique primary emphasis on composition. Inaugurated in 2004, the eight-piece band consists of a multi-generational cast of accomplished musicians. The Collective’s repertoire features both commissioned works and new arrangements of the work of great modern jazz composers. In March 2007, Redman announced that he was taking a hiatus from both the SFJAZZ Artistic Directorship and the SFJAZZ Collective in order to focus on new projects.

The following month, Nonesuch released Redman’s first ever piano-less trio record, Back East, featuring Joshua alongside three stellar bass and drum rhythm sections (Larry Grenadier & Ali Jackson, Christian McBride & Brian Blade, Reuben Rogers & Eric Harland) and three very special guest saxophonists (Chris Cheek, Joe Lovano and Dewey Redman). On Compass, released in January 2009 (Nonesuch), Joshua continues to explore the expansive trio format, and with a group of collaborators as intrepid as he is – bassists Larry Grenadier and Rueben Rogers, and drummers Brian Blade and Gregory Hutchinson – Redman literally and figuratively stretches the shape of the trio approach; on the most audacious of these tunes, he performs with the entire lineup in a double-trio setting.

Starting in late 2009, Joshua will be performing with a new collaborative band called James Farm featuring pianist Aaron Parks, bassist Matt Penman, and drummer Eric Harland. The band infuses traditional acoustic jazz quartet instrumentation with a progressive attitude and modern sound, creating music that is rhythmically and technically complex and at the same time harmonically rich, melodically satisfying, and emotionally compelling.

In addition to his own projects, Redman has recorded and performed with musicians such as Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, The Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, B.B. King, The Lincoln Center Jazz Orchestra, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, The Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, The Trondheim Jazz Orchestra, Mark Turner, McCoy Tyner, Umphrey’s McGee, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder and Sam Yahel. Joshua Redman has been nominated for 2 Grammys and has garnered top honors in critics and readers polls of DownBeat, Jazz Times, The Village Voice and Rolling Stone. He wrote and performed the music for Louis Malle’s final film Vanya on 42nd Street, and is both seen and heard in the Robert Altman film Kansas City.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

///////

Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de 1990. Nacido en Berkeley, California, es hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y de la bailarina Renee Shedroff. Estuvo expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, India, Indonesia, Oriente Medio, Africana) e instrumentos (flauta dulce, piano, guitarra, gatham, gamelan), y comenzó a tocar el clarinete a los nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después. Las primeras influencias de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como de los Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente a la música. Pero aunque a Joshua le encantaba tocar el saxofón y fue un miembro dedicado del galardonado Conjunto y Combo de Jazz de Berkeley High School de 1983 a 1986, lo académico siempre fue su primera prioridad, y nunca consideró seriamente convertirse en músico profesional.

En 1991, Redman se graduó de Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa con una licenciatura en Estudios Sociales. Ya había sido aceptado por la Facultad de Derecho de Yale, pero postergó la entrada por lo que creía que solo iba a ser un año. Algunos de sus amigos (exalumnos del Berklee College of Music a quienes Joshua había conocido mientras estaba en Boston) se habían mudado recientemente a Brooklyn y estaban buscando otro compañero de casa que los ayudara con el alquiler. Redman aceptó su invitación para mudarse y casi de inmediato se encontró inmerso en la escena del jazz de Nueva York. Comenzó a tocar y tocar regularmente con algunos de los principales músicos de jazz de su generación: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy y Mark Turner (por nombrar solo algunos). En noviembre de ese año, cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman fue nombrado ganador del prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk. Este fue solo uno de los aspectos más destacados de un año en el que Redman comenzó a hacer giras y grabar con maestros del jazz como su padre, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian y Clark Terry. Para Joshua, este fue un período de tremendo crecimiento, experiencia invaluable e inspiración infinita.

Ahora totalmente comprometido con una vida en la música, Redman firmó rápidamente con Warner Bros.Records y lanzó su primer álbum homónimo en la primavera de 1993, que posteriormente le valió a Redman su primera nominación al Grammy. Ese otoño vio el lanzamiento de Wish, donde Joshua se unió al elenco estelar de Pat Metheny, Charlie Haden y Billy Higgins. Realizó numerosas giras con Metheny durante la segunda mitad de ese año. Su siguiente grabación, MoodSwing, fue lanzada en 1994, y presentó su primera banda permanente, que incluía a otros tres jóvenes músicos que se han convertido en algunos de los artistas más importantes e influyentes del jazz moderno: el pianista Brad Mehldau, el bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade. Una edición posterior de este conjunto incluyó al guitarrista Peter Bernstein, el pianista Peter Martin, el bajista Chris Thomas y Blade. A lo largo de una serie de grabaciones célebres que incluyeron Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove y Timeless Tales (for Changing Times), Redman se estableció como uno de los líderes de banda más consistentes y exitosos de la música, y agregó saxofones soprano y alto a su arsenal instrumental. El segundo cuarteto aclamado de Joshua, con el pianista Aaron Goldberg, el bajista Reuben Rogers y el baterista Gregory Hutchinson, se formó en 1998 e hizo su debut grabado en el álbum Beyond de 2000. La interacción dinámica y la relación poco común de este grupo inspiraron a Redman a escribir y grabar su primera composición de formato largo, Passage of Time, que se lanzó en 2001.

Un año después, Redman comenzó a canalizar su sensibilidad jazzística a través de una nueva instrumentación y formó Elastic Band, un trío flexible, electrificado y basado en el groove construido en una colaboración continua con el tecladista Sam Yahel y el baterista Brian Blade. La banda debutó en los lanzamientos de 2002 yaya3 y Elastic. El baterista Jeff Ballard comenzó a tocar regularmente con Elastic Band más tarde ese año, y él (junto con Blade y Yahel) desempeñó un papel central en su próxima grabación, Momentum, nominada al Grammy, que se lanzó en 2005 para inaugurar la afiliación de Redman con Nonesuch Records, y contó con una alineación diversa y emocionante de invitados especiales.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico de la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro SFJAZZ, que presenta jazz. Redman y el director ejecutivo de SFJAZZ, Randall Kline, tuvieron una idea que The New York Times llamó un "momento eureka" ; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consta de un elenco multigeneracional de músicos consumados. El repertorio del Colectivo presenta tanto obras encargadas como nuevos arreglos de la obra de grandes compositores de jazz moderno. En marzo de 2007, Redman anunció que se tomaría un descanso tanto de la Dirección Artística de SFJAZZ como del Colectivo SFJAZZ para concentrarse en nuevos proyectos.

Al mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados muy especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua continúa explorando el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépidos como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, Redman extiende literal y figurativamente la forma del enfoque de trío; en la más audaz de estas melodías, se presenta con toda la formación en un ambiente de doble trío.

A partir de finales de 2009, Joshua se presentará con una nueva banda colaborativa llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde la instrumentación tradicional de cuarteto de jazz acústico con una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo armónicamente rica, melódicamente satisfactoria y emocionalmente convincente.

Además de sus propios proyectos, Redman ha grabado y actuado con músicos como Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, BB. King, La Orquesta de Jazz del Lincoln Center, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, Los Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, la Orquesta de Jazz de Trondheim, Mark Turner, McCoy Tyner, McGee de Umphrey, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder y Sam Yahel. Joshua Redman ha sido nominado a 2 Grammys y ha obtenido los máximos honores en las encuestas de críticos y lectores de DownBeat, Jazz Times, Village Voice y Rolling Stone. Escribió e interpretó la música de la última película de Louis Malle, Vania on 42nd Street, y se ve y se escucha en la película de Robert Altman Kansas City.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

www.joshuaredman.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Charles Lloyd • In The Soviet Union

 

Noah Preminger • Genuinity

 

Quite often when an über-talented musician records a disc under his own name, he uses sidemen of lesser talent so as not to detract from his moment in the limelight, or because his ego won't allow him to play nice. That has never been the case with saxophonist Noah Preminger. On Genuinity, his tenth disc released as a leader, Preminger employs partners of equal weight. Listening to the saxophonist and trumpeter Jason Palmer reminds you of the Sonny Rollins/Don Cherry Quartet circa 1962-63 and the early recordings of Wayne Shorter & Lee Morgan. The pair complement each other here and on his three previous recordings Meditations On Freedom (Dry Bridge, 2017), Dark Was The Night, Cold Was The Ground (Self Produced, 2016) and Pivot: Live At 55 Bar (Self Produced, 2015) with no apparent or stated chain of command.

Also heard on those three previous discs was bassist Kim Cass who recently worked on pianist Matt Mitchell's A Pouting Grimace (Pi Recordings, 2017), along with drummer Dan Weiss, a leader in his own right and a mainstay in groups led by Rudresh Mahanthappa, David Binney, and Miles Okazaki, to name just a few.

The disc opens with a brief and decadent saxophone solo "Halfway To Hartford," only to detonate into a hyper-drive post-bop quartet high wire exercise. The music seems to fend off any musician that might consider sitting in with this quartet. That vigor is displayed throughout, as with "Walking On Eggshells," where a conversation between saxophone, trumpet, and drums has each player eager to remark and respond to the other's soloing. All the music on Genuinity was written by Preminger and wholly embraced by the quartet. "TS And Her Spirit" is powered by a funky drum line and interlaced horns, which allows Cass the freedom to interact with Preminger, preaching the gospel of his bass. This ongoing conversation is the foundation of Preminger's music, whether it is weaving a desolate web as on "Mad Town" or surrendering as on "My Blues For You," his tone is that of an old soul and his foundation in the blues is unassailable. He leaves us with "Acknowledgement," which travels from Lester Young to John Coltrane with acknowledgement to Joe Henderson and Joe Lovano. In short, Preminger continues to state the case that he belongs at the table with today's blue-chip tenor players.
Mark Corroto By MARK CORROTO
March 31, 2018
https://www.allaboutjazz.com/genuinity-noah-preminger-criss-cross-review-by-mark-corroto.php

///////

A menudo, cuando un músico de gran talento graba un disco con su propio nombre, recurre a acompañantes de menor talento para no restarle protagonismo, o porque su ego no le permite jugar limpio. Ese nunca ha sido el caso del saxofonista Noah Preminger. En Genuinity, su décimo disco publicado como líder, Preminger emplea a compañeros de igual peso. Escuchar al saxofonista y al trompetista Jason Palmer recuerda al Sonny Rollins/Don Cherry Quartet alrededor de 1962-63 y a las primeras grabaciones de Wayne Shorter & Lee Morgan. La pareja se complementa aquí y en sus tres grabaciones anteriores Meditations On Freedom (Dry Bridge, 2017), Dark Was The Night, Cold Was The Ground (Self Produced, 2016) y Pivot: Live At 55 Bar (Self Produced, 2015) sin una cadena de mando aparente o declarada.

En esos tres discos anteriores también se escuchó al bajista Kim Cass, quien recientemente trabajó en A Pouting Grimace (Pi Recordings, 2017) del pianista Matt Mitchell, junto con el baterista Dan Weiss, líder por derecho propio y pilar en grupos liderados por Rudresh Mahanthappa, David Binney y Miles Okazaki, por nombrar algunos.

El disco se abre con un breve y decadente solo de saxofón "Halfway To Hartford", para luego detonar en un ejercicio de cuerda floja de cuarteto post-bop. La música parece rechazar a cualquier músico que pueda considerar sentarse con este cuarteto. Ese vigor se muestra a lo largo de todo el disco, como en "Walking On Eggshells", donde una conversación entre el saxofón, la trompeta y la batería hace que cada músico esté ansioso por comentar y responder a los solos del otro. Toda la música de Genuinity ha sido escrita por Preminger y asumida por el cuarteto. "TS And Her Spirit" está impulsada por una línea de batería funky y vientos entrelazados, que permite a Cass la libertad de interactuar con Preminger, predicando el evangelio de su bajo. Esta conversación continua es la base de la música de Preminger, ya sea tejiendo una red desolada como en "Mad Town" o rindiéndose como en "My Blues For You", su tono es el de un alma vieja y su base en el blues es inexpugnable. Nos deja con "Acknowledgement", que viaja de Lester Young a John Coltrane con reconocimiento a Joe Henderson y Joe Lovano. En resumen, Preminger sigue demostrando que debe sentarse a la mesa con los tenores más importantes de la actualidad.
Mark Corroto Por MARK CORROTO
31 de marzo de 2018
https://www.allaboutjazz.com/genuinity-noah-preminger-criss-cross-review-by-mark-corroto.php


noahpreminger.com ...

Tomas Janzon • Experiences

By Jim Santella
July 21, 2011

Hanging out with straight-ahead jazz from a veteran quartet is like vacationing in an out-of-the-way place where there are no cares for weeks on end. This place would lead to feeling good and being rested for a long time. Both jazz and vacation offer rare qualities without interference, and both provide stimulating forces from the inside out.

Guitarist Tomas Janzon leads his quartet on Experiences, where jazz standards receive the respect due them and improvisation serves as the focus. As the album title suggests, Janzon sweeps guitar lines up, down and around as he feels them, releasing soulful sounds along the way. "Moanin,'" "Here's That Rainy Day," "Billie's Bounce" and Wes Montgomery's "Full House" provide clear examples, as gentle memories sway back and forth.

Janzon's fluid attack and seamless approach allow melodies to glide like seasoned ballroom dancers, effortlessly in a continuous swirl where the senses are asked to share in appreciation. With his 1959 Gibson L7 archtop guitar, the leader interprets seven standards, two originals and one Swedish folk song.

Originally from Sollentuna, a suburb of Stockholm, Janzon lived in Los Angeles for 18 years and earned a master's degree in classical guitar from The University of Southern California before moving to New York. Recorded in Pasadena, CA, this quartet features local pianist/organist Art Hillery, who continues to swing with spontaneity; bassist Jeff Littleton who rocks a mighty fine foundation and solos with authority; and drummer Albert "Tootie" Heath, who underpins the rhythm section quite well. All told, this ensemble captures the essence of straight-ahead jazz and updates matters thoroughly with a refusal to play it as has been done before.

https://www.allaboutjazz.com/experiences-tomas-janzon-changes-music-tomas-janzon-review-by-jim-santella.php

///////

Por Jim Santella
21 de julio de 2011
Salir con un cuarteto veterano de jazz es como ir de vacaciones a un lugar apartado donde no hay preocupaciones durante semanas. Este lugar llevaría a sentirse bien y a descansar durante mucho tiempo. Tanto el jazz como las vacaciones ofrecen cualidades raras sin interferencias, y ambos proporcionan fuerzas estimulantes de adentro hacia afuera.

El guitarrista Tomás Janzon dirige su cuarteto en Experiencias, donde los estándares de jazz reciben el respeto que se les debe y la improvisación sirve de foco. Como sugiere el título del álbum, Janzon barre las líneas de guitarra arriba, abajo y alrededor según las siente, liberando sonidos conmovedores por el camino. "Moanin", "Here's That Rainy Day", "Billie's Bounce" y "Full House" de Wes Montgomery son claros ejemplos, ya que los suaves recuerdos se mueven de un lado a otro.

El ataque fluido de Janzon y su enfoque sin fisuras permiten que las melodías se deslicen como bailarinas de salón, sin esfuerzo en un remolino continuo donde se pide a los sentidos que compartan su apreciación. Con su guitarra de arco Gibson L7 de 1959, el líder interpreta siete estándares, dos originales y una canción folclórica sueca.

Originario de Sollentuna, un suburbio de Estocolmo, Janzon vivió en Los Ángeles durante 18 años y obtuvo una maestría en guitarra clásica en la Universidad del Sur de California antes de mudarse a Nueva York. Grabado en Pasadena, CA, este cuarteto cuenta con el pianista/organista local Art Hillery, que sigue tocando con espontaneidad; el bajista Jeff Littleton, que toca una base muy fina y hace solos con autoridad; y el baterista Albert "Tootie" Heath, que apuntala bastante bien la sección rítmica. En conjunto, este conjunto captura la esencia del jazz directo y actualiza los asuntos a fondo con una negativa a tocarlo como se ha hecho antes.
https://www.allaboutjazz.com/experiences-tomas-janzon-changes-music-tomas-janzon-review-by-jim-santella.php

https://www.tomasjanzon.com/ 

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Joe Locke • Beauty Burning

Artist Biography by Matt Collar

Percussionist Joe Locke is a highly-regarded performer and composer, known for his expressive, swinging style on both the vibraphone and drums. Emerging in the late '80s, Locke initially established himself as a reliable hard-bop player working alongside Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander, and others. He also showcased his deep sense of the jazz tradition with albums like 1994's Longing, and 1999's Mutual Appreciation Society with pianist David Hazeltine. Beginning the '00s, Locke gained further plaudits issuing more ambitious works like 2003's Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton, and his 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation. A five-time recipient of the Jazz Journalists Association's "Mallet Instrumentalist of the Year" Award, Locke was also inducted into the Music Hall of Fame of his hometown of Rochester, New York in 2016.

Born in Palo Alto, California in 1959, Locke was still a child when he moved with his family to Rochester, New York. It was there that he first started playing piano and drums around age eight, before taking up the vibraphone at age thirteen. Encouraged by his father, a music teacher, Locke initially played in rock bands. However, by his teens he had discovered jazz, and was soon imbibing the work of his idols Bobby Hutcherson and Milt Jackson. After high school, he honed his skills at the Eastman School of Music where he gained valuable tutoring from noted educators like John Beck, Gordon Stout, and Ted Moore.

In 1981, he moved to New York City, where he eventually found work playing or recording as a sideman for luminaries like Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, and others. He also began flexing his compositional skills, supplying the score for the independent film/documentary El Salvador: Another Vietnam. As a leader, Locke debuted with 1990's Present Tense on the Danish SteepleChase label. More albums followed for the label including 1994's But Beautiful with pianist Kenny Barron, 1994's Longing, and 1996's Inner Space.

Also during this period, he toured Japan with Eddie Henderson and recorded with artists like Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, and the Mingus Big Band, among others. He then moved to Milestone/Fantasy's roster with 1995's Moment to Moment: The Music of Henry Mancini. His subsequent Milestone dates included 1997's Sound Tracks (which concentrated on songs from famous films) and 1998's Slander (And Other Love Songs). In 1999, he paired with pianist David Hazeltine, bassist Essiet Essiet, and drummer Billy Drummond for Mutual Appreciation Society.

In the 2000's, he formed a fruitful relationship with John Priestley's Sirocco Jazz Ltd. label, issuing albums like Beauty Burning with pianist Frank Kimbrough and drummer Jeff "Tain" Watts, and 2001's Storytelling with vocalist Mark Ledford and keyboardist/co-producer Henry Hey. His Storytelling band was also on board for 2002's State of Soul. A year later, he issued the sophisticated Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton. Locke then joined pianist Mike LeDonne, bassist Bob Cranshaw, and drummer Mickey Roker for the 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation on Sharp Nine Records. Over the next several years, Locke stayed busy, pairing with longtime associate pianist Geoff Keezer, for 2006's Live in Seattle, and issuing the 2007 quartet dates Sticks and Stones, and 2008's Force of Four which featured a guest appearance by saxophonist Wayne Escoffery.

For the Love of You arrived in 2010, and featured Keezer, along with bassist George Mraz, and drummer Clarence Penn. The atmospheric session Via appeared in 2011, and found Locke collaborating with Keezer, and multi-reed player Tim Garland. Keezer was also on board for 2012's Signing on Motéma Music, as were drummer Terreon Gully, and bassist Mike Pope. More efforts followed for the label including 2013's Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1 , 2015's Love is a Pendulum. In 2018, Locke returned with Subtle Disguise, a nuanced album featuring contributions by saxophonist David Binney, guitarist Raul Midón, and others. Along with originals, the album included covers of Bob Dylan's "Who Killed Davey Moore?," and Blind Willie Johnson's "Motherless Children."

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

///////

 Biografía del artista por Matt Collar

El percusionista Joe Locke es un intérprete y compositor de gran prestigio, conocido por su estilo expresivo y swinging tanto en el vibráfono como en la batería. Emergiendo a finales de los 80, Locke se estableció inicialmente como un jugador de hard-bop confiable trabajando junto a Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander y otros. También mostró su profundo sentido de la tradición del jazz con álbumes como Longing de 1994 y Mutual Appreciation Society de 1999 con el pianista David Hazeltine. A partir de los años'00, Locke obtuvo más elogios emitiendo obras más ambiciosas como Four Walls of Freedom de 2003, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton, y su Rev-elección de contribuciones de Milt Jackson de 2005. Cinco veces galardonado con el premio "Instrumentista de mazo del año" de la Asociación de Periodistas de Jazz, Locke también fue admitido en el Music Hall of Fame de su ciudad natal de Rochester, Nueva York, en 2016.

Nacido en Palo Alto, California en 1959, Locke era todavía un niño cuando se mudó con su familia a Rochester, Nueva York. Fue allí donde comenzó a tocar el piano y la batería alrededor de los ocho años, antes de empezar a tocar el vibráfono a los trece años. Animado por su padre, profesor de música, Locke tocó inicialmente en bandas de rock. Sin embargo, en su adolescencia ya había descubierto el jazz, y pronto estaba imbuido del trabajo de sus ídolos Bobby Hutcherson y Milt Jackson. Después de la escuela secundaria, perfeccionó sus habilidades en la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo valiosas tutorías de reconocidos educadores como John Beck, Gordon Stout y Ted Moore.

En 1981, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde eventualmente encontró trabajo tocando o grabando como sideman para luminarias como Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, y otros. También comenzó a flexionar sus habilidades compositivas, suministrando la banda sonora para la película/documental independiente El Salvador: Otro Vietnam. Como líder, Locke debutó con el Present Tense de 1990 en el sello danés SteepleChase. Más álbumes siguieron para el sello, incluyendo But Beautiful, de 1994, con el pianista Kenny Barron, Longing, de 1994, y Inner Space, de 1996.

También durante este período, realizó una gira por Japón con Eddie Henderson y grabó con artistas como Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, y la Mingus Big Band, entre otros. Luego se trasladó a la lista de Milestone/Fantasy con Moment to Moment de 1995: La música de Henry Mancini. Sus fechas posteriores incluyen las bandas sonoras de 1997 (que se concentraron en canciones de películas famosas) y las calumnias de 1998 (y otras canciones de amor). En 1999, hizo pareja con el pianista David Hazeltine, el bajista Essiet Essiet y el baterista Billy Drummond para Mutual Appreciation Society.

En los años 2000, formó una fructífera relación con el sello Sirocco Jazz Ltd. de John Priestley, editando álbumes como Beauty Burning con el pianista Frank Kimbrough y el baterista Jeff "Tain" Watts, y Storytelling con el vocalista Mark Ledford y el tecladista y coproductor Henry Hey, y con su banda Storytelling, que también participó en el State of Soul de 2002. Un año después, publicó los sofisticados Cuatro Muros de Libertad, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton. Locke se unió al pianista Mike LeDonne, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Mickey Roker en la Rev-elección de Milt Jackson 2005 en Sharp Nine Records. Durante los años siguientes, Locke se mantuvo ocupado, trabajando con el pianista asociado Geoff Keezer, para el Live in Seattle de 2006, y emitiendo el cuarteto de 2007 Sticks and Stones, y el Force of Four de 2008, que contó con la participación como invitado del saxofonista Wayne Escoffery.

For the Love of You llegó en 2010, y contó con Keezer, junto con el bajista George Mraz, y el baterista Clarence Penn. La sesión atmosférica Via apareció en 2011, y encontró a Locke colaborando con Keezer, y al jugador de multicascos Tim Garland. Keezer también estuvo a bordo para el Signing on Motéma Music de 2012, al igual que el baterista Terreon Gully y el bajista Mike Pope. Siguieron más esfuerzos para el sello, incluyendo el de 2013, Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1, El amor de 2015 es un péndulo. En 2018, Locke regresó con Subtle Disguise, un álbum matizado con contribuciones del saxofonista David Binney, el guitarrista Raúl Midón y otros. Junto con los originales, el álbum incluía versiones de "Who Killed Davey Moore? de Bob Dylan" y "Motherless Children" de Blind Willie Johnson.

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

Michel Camilo • Spirit Of The Moment

 

Artist Biography

Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.

Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.

Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.

November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.

Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.

Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.

He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.

In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.

At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.

In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.

In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.

2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.

In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.

August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

///////

Biografía del artista

El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.

Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.

Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.

La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.

Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.

Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.

Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En 1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.

En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.

En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.

En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.

El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.

En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al baterista Horacio "El Negro" Hernández.

En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el "sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

www.michelcamilo.com ...