Jason Moran • Black Stars

 

Review from All About Jazz (by David Adler):
Jason Moran's third Blue Note release features the Facing Left trio in the company of Sam Rivers, incredibly robust at 77 years of age. It's an all-acoustic outing this time around — no Fender Rhodes, no Hammond B-3. The presence of Rivers really brings out the fire in Moran and his colleagues, bassist Tarus Mateen and drummer Nasheet Waits. There's a live intensity to this session that wasn't as present on the previous one.

The repertoire on Black Stars is in part a continuation of what Moran began with Facing Left. There's another obscure Ellington cover ("Kinda Dukish," with the trio), another Jaki Byard cover ("Out Front," for solo piano), and a third installment in Moran's ongoing "Gangsterism" series — this one called "Gangsterism on a River." Rivers is heard on tenor for the most part, although he plays flute and soprano on "Summit," flute alone on "The Sun at Midnight," and piano and flute on the closing "Sound It Out." The moods and tempos vary widely, and the excitement peaks on Rivers's "Earth Song," a piece that appeared on the rare 1974 big band record Crystals. Moran's own writing displays exceptional depth and creative range, from the meditative piano/tenor duo "Say Peace" to the relentless 6/8 of "Draw the Light Out," one of his most unusual pieces to date.

A remarkably mature offering from the 26-year-old Moran, and a must-hear for fans of Sam Rivers as well.
https://www.allaboutjazz.com/black-stars-jason-moran-blue-note-records-review-by-david-adler

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Reseña de All About Jazz (por David Adler):
El tercer lanzamiento de Jason Moran para Blue Note presenta al trío Facing Left en compañía de Sam Rivers, increíblemente robusto a sus 77 años. Esta vez es una sesión completamente acústica — sin Fender Rhodes, sin Hammond B-3. La presencia de Rivers realmente saca el fuego de Moran y sus colegas, el bajista Tarus Mateen y el baterista Nasheet Waits. Hay una intensidad en vivo en esta sesión que no estaba tan presente en la anterior.

El repertorio de Black Stars es en parte una continuación de lo que Moran comenzó con Facing Left. Hay otro oscuro cover de Ellington ("Kinda Dukish", con el trío), otro cover de Jaki Byard ("Out Front", para piano solo), y una tercera entrega de la serie "Gangsterism" de Moran — esta llamada "Gangsterism on a River." Rivers se escucha principalmente en tenor, aunque toca flauta y soprano en "Summit", solo flauta en "The Sun at Midnight", y piano y flauta en el cierre "Sound It Out." Los estados de ánimo y los tempos varían ampliamente, y la emoción alcanza su punto máximo en "Earth Song" de Rivers, una pieza que apareció en el raro disco de big band Crystals de 1974. La escritura propia de Moran muestra una profundidad y un alcance creativo excepcionales, desde el meditativo dúo piano/tenor "Say Peace" hasta el implacable 6/8 de "Draw the Light Out", una de sus piezas más inusuales hasta la fecha.

Una oferta notablemente madura del Moran de 26 años, y de escucha obligatoria para los fans de Sam Rivers también.
https://www.allaboutjazz.com/black-stars-jason-moran-blue-note-records-review-by-david-adler

Ahmad Jamal • Macanudo

 

Steve Kuhn Trio • Pavane for a Dead Princess

 

Biography
by Matt Collar
A highly regarded jazz pianist and composer, Steve Kuhn is known for his sophisticated ear for harmony and lyrical, motivic approach to improvisation. Emerging from the Boston jazz scene of the late '50s, Kuhn gained early exposure playing with legends like Kenny Dorham, John Coltrane, and Art Farmer. He came to wider prominence in 1966 with his albums Three Waves, with bassist Steve Swallow and drummer Pete La Roca, and The October Suite, with vibraphonist Gary McFarland. Those recordings led to a series of highly regarded albums for ECM including 1974's Trance, with Swallow and drummer Jack DeJohnette. An adaptive, forward-thinking performer, Kuhn's subsequent albums like 1987's Life's Magic, 1995's Remembering Tomorrow, and 2012's Wisteria have found him moving across various genres, from swinging acoustic post-bop to classical-influenced chamber jazz and the avant-garde.

Born in Brooklyn, New York in 1938 to Hungarian immigrant parents, Kuhn first became interested in music at a young age while listening to his father's jazz record collection on 78s. Starting piano lessons at age five, he quickly displayed his gift for perfect pitch. After moving to Boston with his family, Kuhn began taking lessons with the legendary Boston-area pedagogue Margaret Chaloff, whom he credits with engendering his strong classical piano technique. Also during this time, he befriended Chaloff's son, saxophonist Serge Chaloff, who encouraged his interest in jazz.

By his teens, Kuhn had developed into an adept jazz pianist, influenced by the recordings of jazz luminaries like Duke Ellington, Bud Powell, Fats Waller, and Art Tatum. He formed his own trio with drummer Arnold Wise and bassist Chuck Israels and began playing local clubs. Even while attending Harvard, Kuhn held down a six-nights-a-week gig in Harvard Square and gained valuable experience working with the myriad jazz stars who came through the city, including Chet Baker, Coleman Hawkins, and Vic Dickenson, among others. After graduating Harvard, Kuhn continued his studies at the Lenox School of Music, where he rubbed shoulders with fellow students Ornette Coleman and Don Cherry and studied under esteemed jazz scholars like Gunther Schuller and George Russell. It was also while at Lenox that he met trumpeter Kenny Dorham, who hired the pianist for a year-long tour.

Parting ways with Dorham in 1960, Kuhn next joined legendary saxophonist John Coltrane's quartet for a stint at New York's Jazz Gallery. While brief (Kuhn was replaced by McCoy Tyner after eight weeks), the experience inspired Kuhn and would inform much of his later work. Also during the '60s, Kuhn began appearing on recording dates with artists like Stan Getz, Oliver Nelson, and Art Farmer; he also spent a year touring with Farmer and future collaborators bassist Steve Swallow and drummer Pete La Roca.

As a leader, Kuhn debuted alongside pianist Toshiko Akiyoshi on 1963's The Country and Western Sound of Jazz Pianos. He then followed up with 1966's Three Waves, featuring Swallow and La Roca. Also in 1966, he paired with fellow Lenox student Gary McFarland for the landmark chamber jazz album The October Suite.

In the late '60s, Kuhn relocated to Stockholm, Sweden, where he lived and performed until 1971. Ironically, it wasn't until returning to the States that Kuhn signed with Manfred Eicher's then-fledgling European jazz label ECM. Notably, Kuhn's work on The October Suite had been one of Eicher's early inspirations in founding the label. With ECM, Kuhn released several probing and atmospheric albums including Ecstasy (1974), Trance (1974), Motility (1977), Non-Fiction (1978), Playground, featuring vocalist Sheila Jordan (1979), and Last Year's Waltz (1981).

In the '80s, Kuhn continued to refine his sound, often playing in a trio with bassist Ron Carter and drummer Al Foster. Many of his albums from this period, including 1984's Mostly Ballads, 1987's Life's Magic, and 1988's Porgy, showcase a mix of well-curated standards along with his inventive original compositions. It was a template that Kuhn would stick with throughout the next decade as he found himself working in various trio settings with artists like David Finck, George Mraz, Buster Williams, Billy Drummond, Lewis Nash, Bill Stewart, Kenny Washington, and others.

While the trio remained Kuhn's preferred format, his 1995 album Seasons of Romance found him working in an all-star quintet with tenor saxophonist Bob Mintzer and trumpeter Tom Harrell. Even more expansive was his 2004 return to ECM, Promises Kept, which found him backed by a small string orchestra. Kuhn also retained his exploratory edge, returning to his love of classical composers like Debussy and Ravel on 2006's Pavane for a Dead Princess. Jazz reworkings of classical compositions were featured on his 2008 trio album, Baubles, Bangles and Beads.

In 2009, Kuhn revisited his time as a member of John Coltrane's quartet with Mostly Coltrane, featuring saxophonist Joe Lovano, on ECM. Also for ECM, Kuhn paired in a trio with bassist Swallow and drummer Joey Baron for 2012's Wisteria. His trio with Swallow and Baron was also the focus of 2016's At This Time... and 2018's To and from the Heart.
https://www.allmusic.com/artist/steve-kuhn-mn0000036645/biography

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Biografía
por Matt Collar
Reputado pianista y compositor de jazz, Steve Kuhn es conocido por su sofisticado oído para la armonía y su enfoque lírico y motivador de la improvisación. Surgido de la escena jazzística de Boston a finales de los años 50, Kuhn empezó a tocar con leyendas como Kenny Dorham, John Coltrane y Art Farmer. Saltó a la fama en 1966 con sus álbumes Three Waves, con el bajista Steve Swallow y el batería Pete La Roca, y The October Suite, con el vibrafonista Gary McFarland. Esas grabaciones dieron lugar a una serie de álbumes de gran prestigio para ECM, incluido Trance, de 1974, con Swallow y el batería Jack DeJohnette. Kuhn, un intérprete adaptable y con visión de futuro, ha publicado álbumes posteriores como Life's Magic, de 1987, Remembering Tomorrow, de 1995, y Wisteria, de 2012, en los que se ha movido por diversos géneros, desde el swing post-bop acústico hasta el jazz de cámara de influencia clásica y la vanguardia.

Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1938, de padres inmigrantes húngaros, Kuhn empezó a interesarse por la música a una edad temprana, mientras escuchaba la colección de discos de jazz de 78 de su padre. Empezó a tomar clases de piano a los cinco años, y pronto demostró su don para la afinación perfecta. Tras mudarse a Boston con su familia, Kuhn empezó a tomar clases con la legendaria pedagoga Margaret Chaloff, a quien atribuye la creación de su sólida técnica de piano clásico. También en esa época, se hizo amigo del hijo de Chaloff, el saxofonista Serge Chaloff, que fomentó su interés por el jazz.

En su adolescencia, Kuhn se había convertido en un experto pianista de jazz, influido por las grabaciones de luminarias del jazz como Duke Ellington, Bud Powell, Fats Waller y Art Tatum. Formó su propio trío con el batería Arnold Wise y el bajista Chuck Israels y empezó a tocar en clubes locales. Incluso mientras estudiaba en Harvard, Kuhn actuaba seis noches a la semana en Harvard Square y adquirió una valiosa experiencia trabajando con las innumerables estrellas del jazz que pasaban por la ciudad, como Chet Baker, Coleman Hawkins y Vic Dickenson, entre otros. Tras graduarse en Harvard, Kuhn prosiguió sus estudios en la Lenox School of Music, donde se codeó con sus compañeros Ornette Coleman y Don Cherry y estudió con reputados estudiosos del jazz como Gunther Schuller y George Russell. También fue en Lenox donde conoció al trompetista Kenny Dorham, que contrató al pianista para una gira de un año.

Tras separarse de Dorham en 1960, Kuhn se unió al cuarteto del legendario saxofonista John Coltrane para una temporada en la Jazz Gallery de Nueva York. Aunque breve (Kuhn fue sustituido por McCoy Tyner al cabo de ocho semanas), la experiencia inspiró a Kuhn y marcaría gran parte de su obra posterior. También durante los años 60, Kuhn empezó a aparecer en fechas de grabación con artistas como Stan Getz, Oliver Nelson y Art Farmer; también pasó un año de gira con Farmer y sus futuros colaboradores, el bajista Steve Swallow y el batería Pete La Roca.

Como líder, Kuhn debutó junto al pianista Toshiko Akiyoshi en The Country and Western Sound of Jazz Pianos, de 1963. Siguió con Three Waves, de 1966, con Swallow y La Roca. También en 1966, formó pareja con otro estudiante de Lenox, Gary McFarland, en el álbum de jazz de cámara The October Suite, que marcó un hito.

A finales de los 60, Kuhn se trasladó a Estocolmo (Suecia), donde vivió y actuó hasta 1971. Irónicamente, no fue hasta su regreso a Estados Unidos cuando Kuhn firmó con ECM, el entonces incipiente sello europeo de jazz de Manfred Eicher. El trabajo de Kuhn en The October Suite había sido una de las primeras inspiraciones de Eicher para fundar el sello. Con ECM, Kuhn publicó varios álbumes profundos y atmosféricos, como Ecstasy (1974), Trance (1974), Motility (1977), Non-Fiction (1978), Playground, con la vocalista Sheila Jordan (1979), y Last Year's Waltz (1981).

En los años 80, Kuhn siguió perfeccionando su sonido, tocando a menudo en trío con el bajista Ron Carter y el batería Al Foster. Muchos de sus álbumes de esta época, como Mostly Ballads (1984), Life's Magic (1987) y Porgy (1988), muestran una mezcla de estándares bien seleccionados junto con sus inventivas composiciones originales. Fue una plantilla que Kuhn mantendría a lo largo de la década siguiente, cuando se encontró trabajando en varios tríos con artistas como David Finck, George Mraz, Buster Williams, Billy Drummond, Lewis Nash, Bill Stewart, Kenny Washington y otros.

Aunque el trío siguió siendo el formato preferido de Kuhn, en su álbum de 1995 Seasons of Romance trabajó en un quinteto de estrellas con el saxofonista tenor Bob Mintzer y el trompetista Tom Harrell. Aún más expansivo fue su regreso a ECM en 2004, Promises Kept, en el que contó con el respaldo de una pequeña orquesta de cuerda. Kuhn también conservó su lado explorador, volviendo a su amor por compositores clásicos como Debussy y Ravel en Pavane for a Dead Princess, de 2006. En su álbum para trío de 2008, Baubles, Bangles and Beads, Kuhn incluyó versiones jazzísticas de composiciones clásicas.

En 2009, Kuhn retomó su etapa como miembro del cuarteto de John Coltrane con Mostly Coltrane, con el saxofonista Joe Lovano, en ECM. También para ECM, Kuhn formó pareja en un trío con el bajista Swallow y el batería Joey Baron para Wisteria, de 2012. Su trío con Swallow y Baron también fue el centro de At This Time..., de 2016, y To and from the Heart, de 2018.
https://www.allmusic.com/artist/steve-kuhn-mn0000036645/biography

ecmrecords.com/steve-kuhn ...

Alex Smith Organ Trio • Island Falls

 

lex Smith, a pianist, organist, composer, and arranger, is most widely known for his work accompanying Lady Gaga on her much heralded performance of the Star-Spangled for Super Bowl 50 (2016). He is the keyboardist and arranger for Lady Gaga’s jazz quintet and was featured on the Grammy winning album with Tony Bennett “Cheek to Cheek” and on their PBS Special “Cheek to Cheek – Live!” which aired on October 24th, 2014.  In 2015,  he toured across North America and Europe with Tony Bennett and Lady Gaga playing storied venues from the Hollywood Bowl to the Royal Albert Hall in London and performing at festivals such as the Montreux Jazz Festival and the New Orleans Jazz Festival. He has performed with a diverse array of musicians from jazz greats Tony Bennett, Louie Bellson, Terence Blanchard, Buddy DeFranco, Carl Allen, Lynn Seaton, Slide Hampton, Maria Schneider, Jerry Weldon and Randy Johnston to stars such as Lady Gaga, Stevie Wonder, Emily King, Molly Ringwald, Ashanti and Max Weinberg, the drummer from Bruce Springsteen’s E-Street Band. Alex is the music director for the Verve recording artist, Brian Newman, and is currently a featured performer for Lady Gaga’s Jazz and Piano residency in Las Vegas at the Park MGM Theater for 2019 and 2020.
https://www.alexsmithkeys.com/about

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lex Smith, pianista, organista, compositor y arreglista, es más conocido por su trabajo acompañando a Lady Gaga en su muy anunciada interpretación del Star-Spangled para la Super Bowl 50 (2016). Es el teclista y arreglista del quinteto de jazz de Lady Gaga y apareció en el álbum ganador del Grammy con Tony Bennett "Cheek to Cheek" y en su especial de PBS "Cheek to Cheek - Live!" que se emitió el 24 de octubre de 2014.  En 2015, realizó una gira por América del Norte y Europa con Tony Bennett y Lady Gaga tocando en lugares ilustres, desde el Hollywood Bowl hasta el Royal Albert Hall de Londres, y actuando en festivales como el Montreux Jazz Festival y el New Orleans Jazz Festival. Ha actuado con una gran variedad de músicos, desde los grandes del jazz Tony Bennett, Louie Bellson, Terence Blanchard, Buddy DeFranco, Carl Allen, Lynn Seaton, Slide Hampton, Maria Schneider, Jerry Weldon y Randy Johnston hasta estrellas como Lady Gaga, Stevie Wonder, Emily King, Molly Ringwald, Ashanti y Max Weinberg, el batería de la E-Street Band de Bruce Springsteen. Alex es el director musical del artista de grabación de Verve, Brian Newman, y actualmente es un artista destacado para la residencia de Jazz y Piano de Lady Gaga en Las Vegas en el Park MGM Theater para 2019 y 2020.
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Teymur Phell • Master Volume

 

 

Teymur is a virtuoso bassist, proficient in classical, upright jazz and electric bass. He graduated with honors from the Jerusalem Academy of Music, then moved to New York City and quickly became a sought-after bassist touring and recording with professionals like Mike Stern and others.
https://www.asterope.com/teymur-phell


About:
Teymur Phell was Born in Baku Azerbaijan in 1987 and immigrated with his family to Israel in 1991.

Despite growing up in an extremely musical home, Teymur has started playing music only at the age of 13. It was the electric bass and it was love at first sight.

After graduating from Vizzo arts high-school in Haifa, Teymur continues he’s studies at the Jerusalem academy of music, in the classical department under maestro Michael Klinghoffer - Professor of  double bass.

In 2010, upon graduating with honors, Teymur moves to New York and quickly establishes himself as a prominent force on the scene.

Since Then, Teymur has worked as a side man and performed with a long list of top musicians such as Arturo Sandoval, Mike Stern, Leni Stern, Bill Evans, Randy Brecker, Simon Phillips, Oz Noy, Dennis Chambers, Leni White, Amal Murkus, Steve Smith and many many more.

Teymur’s debut album Master Volume combines electric jazz, fusion, and funk with influences from Teymur’s motherland, Azerbaijan, as well as his upbringing in Israel. Each tune has a unique structure that tells its own compelling story that draws the audience in. One listen and you’ll know that there is a deeper statement being made. At the same time, the performances are breathtaking without exception.

This album features a great cast of musicians, including Nitzan Gavrieli, Lionel Cordew, Chad Lefkowitz Brown, Itai Kriss, and Daniel Sadownick, along with Mike Stern and Dennis Chambers. This is some of the finest playing there is.

“This is the record I always wanted to do. It’s one-hundred percent original music,‘ says Teymur about the album. “There’s something in this record for everyone.” - TP
https://www.teymurphell.com/

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Teymur es un bajista virtuoso que domina el bajo clásico, el jazz vertical y el bajo eléctrico. Se graduó con honores en la Academia de Música de Jerusalén, luego se trasladó a la ciudad de Nueva York y rápidamente se convirtió en un solicitado bajista que realiza giras y grabaciones con profesionales como Mike Stern y otros.
https://www.asterope.com/teymur-phell


Acerca de:
Teymur Phell nació en Bakú, Azerbaiyán, en 1987 y emigró con su familia a Israel en 1991.

A pesar de haber crecido en un hogar extremadamente musical, Teymur empezó a tocar música sólo a los 13 años. Fue el bajo eléctrico y fue amor a primera vista.

Después de graduarse en la escuela secundaria de artes Vizzo en Haifa, Teymur continúa sus estudios en la academia de música de Jerusalén, en el departamento de música clásica con el maestro Michael Klinghoffer, profesor de contrabajo.

En 2010, al graduarse con honores, Teymur se traslada a Nueva York y rápidamente se establece como una fuerza prominente en la escena.

Desde entonces, Teymur ha trabajado como acompañante y ha actuado con una larga lista de músicos de primera línea como Arturo Sandoval, Mike Stern, Leni Stern, Bill Evans, Randy Brecker, Simon Phillips, Oz Noy, Dennis Chambers, Leni White, Amal Murkus, Steve Smith y muchos más.

El álbum de debut de Teymur, Master Volume, combina el jazz eléctrico, la fusión y el funk con influencias de la patria de Teymur, Azerbaiyán, así como de su educación en Israel. Cada tema tiene una estructura única que cuenta su propia historia convincente que atrae al público. Una sola escucha y sabrá que se está haciendo una declaración más profunda. Al mismo tiempo, las interpretaciones son impresionantes sin excepción.

Este álbum cuenta con un gran elenco de músicos, como Nitzan Gavrieli, Lionel Cordew, Chad Lefkowitz Brown, Itai Kriss y Daniel Sadownick, junto con Mike Stern y Dennis Chambers. Esto es algo de lo mejor que se puede tocar.

"Este es el disco que siempre quise hacer. Es música cien por cien original", dice Teymur sobre el álbum. "En este disco hay algo para todo el mundo". - TP
https://www.teymurphell.com/


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Eddie Higgins • Portrait In Black And White

Biography

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.

During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.

In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.

In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:

To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Biografía

Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.

Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.

En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.

En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:

A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

The Modern Jazz Trio with Jerry Bergonzi • Standard Gonz

 

Carl Winther is known as one of Denmark’s best young piano players. Son of the world famous composer and trumpet player, Jens Winther, he started touring at an early age. His performance is breathtaking and virtuous, with a fluent ability to improvise. An educated Jazz and Classic musician, Winther has been awarded for his precise and extravagant compositions, and his amazing skills.

His trio, driven on by this excellent presence on bass from Johnny Aman and veteran drummer Anders Mogensen is at my opinion one of the strogest combos ever supporting the Bergonzi’s tremendous tenor sound: the gorgeous, sparkling interplay seems to have this soaring vision that’s even more than the sum of its parts.

The collaboration with Bergonzi, spanning over a decade, generated five marvellous albums: Sonic Shapes (2011 Stunt) with bassist Joel Illerhag, Tetragonz (2013 Stunt), Inner Journey (2017 Steeplechase Lookout) and two more for quintet including trumpeter Phil Grenadier (Dog Star, 2017 Savant and Dedication, 2018 AMM).

The quartet toured extensively in festivals and venues in Denmark, Northen Europe, Canada and USA
Mogensen’s label AMM took out from his cylinder hat this wonderful live spontaneous session with these long time friends playing effortlessy some favorite standards. Top tracks: The Best Thing for You Is Me and Let’s Pretend.

The recording date and the venue (it might have been performed at a Copenhagen Festival) are undisclosed, but since the first track, the extraordinary gearing joy created by the quartet quickly dissolves the disappointment for the missing informations.

Bergonzi is in great shape here and it is always a pleasure to listen to his elegant and imaginative phrasing, rich in inventiveness and capable of striking and surprising an enthusiast audience. He is still one of the undisputed masters of the modern saxophone, supported here by prestigious musicians able to hold the ranks of a luxuriant live set like this one.

This is another surprising gem iand a very welcome addition in the wide Bergonzi’s discography.
https://jazzbluesnews.com/2021/03/17/cd-review-the-modern-jazz-trio-with-jerry-bergonzi-standard-gonz-2021-videos-cd-cover/

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Carl Winther es conocido como uno de los mejores pianistas jóvenes de Dinamarca. Hijo del mundialmente famoso compositor y trompetista Jens Winther, empezó a hacer giras a una edad temprana. Su interpretación es impresionante y virtuosa, con una fluida capacidad de improvisación. Músico de jazz y de música clásica, Winther ha sido premiado por sus composiciones precisas y extravagantes, y por su sorprendente habilidad.

Su trío, impulsado por la excelente presencia en el bajo de Johnny Aman y el veterano baterista Anders Mogensen, es, en mi opinión, uno de los combos más elegantes que jamás haya apoyado el tremendo sonido del tenor de Bergonzi: la magnífica y chispeante interrelación parece tener esta visión elevada que es incluso más que la suma de sus partes.

La colaboración con Bergonzi, que abarca más de una década, generó cinco maravillosos álbumes: Sonic Shapes (2011 Stunt) con el bajista Joel Illerhag, Tetragonz (2013 Stunt), Inner Journey (2017 Steeplechase Lookout) y dos más para quinteto que incluyen al trompetista Phil Grenadier (Dog Star, 2017 Savant y Dedication, 2018 AMM).

El cuarteto realizó numerosas giras en festivales y salas de Dinamarca, el norte de Europa, Canadá y Estados Unidos
El sello de Mogensen, AMM, sacó de su chistera esta maravillosa sesión espontánea en directo con estos amigos de toda la vida tocando sin esfuerzo algunos estándares favoritos. Los mejores temas: The Best Thing for You Is Me y Let's Pretend.

La fecha de grabación y el lugar (puede que se haya realizado en un festival de Copenhague) no se han revelado, pero desde el primer tema, la extraordinaria alegría de marcha creada por el cuarteto disuelve rápidamente la decepción por la falta de información.

Bergonzi está aquí en plena forma y siempre es un placer escuchar su fraseo elegante e imaginativo, rico en inventiva y capaz de impactar y sorprender a un público entusiasta. Sigue siendo uno de los maestros indiscutibles del saxofón moderno, apoyado aquí por músicos de prestigio capaces de mantener el rango de un lujoso directo como éste.

Se trata de otra joya sorprendente y de una adición muy bienvenida en la amplia discografía de Bergonzi.
https://jazzbluesnews.com/2021/03/17/cd-review-the-modern-jazz-trio-with-jerry-bergonzi-standard-gonz-2021-videos-cd-cover/

Coleman Hawkins • At Ease

 

In this crazy run-around world where we never really have time to stop and appreciate all the good things in our lives, it is pretty hard to make time for Coleman Hawkins. But that is precisely why it is so important to do so. They really never invented a saxophone player better than him, and very few musicians have ever gotten closer to what jazz is supposed to be.

At Ease with Coleman Hawkins, originally released in 1960, is like a 42-minute journey into Zen simplicity, with a touch of sexy swagger on the side. Many people today have forgotten just how good the Bean was at this stage of his career. But just because none of the work here is as revolutionary as his work in the 1920s, '30s or '40s doesn't mean these songs aren't full of beauty and invention. His work here on "Then I'll Be Tired of You" starts off kind of sleepy, all loopy Dean Martin phrases, and then gets slightly more beboppy as things go on, until he sounds like Sonny Rollins or someone like that. (Funny quotation work in this solo too!) And there's no mistaking his majesty on the ancient chestnut "At Dawning" or his predatory stroll through the just-as-ancient "Poor Butterfly."

But At Ease is not just all pretty notes and assurance. Hawkins was smart to have bopper Tommy Flanagan as his pianist here—you can hear the two push each other on the opener, "For You, For Me, Forevermore," generations teaching each other how to cook. Flanagan's beautiful intro on "Mighty Like a Rose" ends up presaging his pretty solo two minutes later. And the rhythm section stars throughout. Osie Johnson's drumming is always amazing, but Wendell Marshall deserves special marks for his bass line at the start of "I'll Get By."

This recording isn't fiery or out there, but it's about as solid as one can be, and it proves (for about the millionth time) the mastery of Coleman Hawkins. So what's not to love?
By MATT CIBULA
December 14, 2006
https://www.allaboutjazz.com/at-ease-with-coleman-hawkins-coleman-hawkins-prestige-records-review-by-matt-cibula.php

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En este mundo tan loco en el que nunca tenemos tiempo para detenernos y apreciar todas las cosas buenas de nuestra vida, es bastante difícil sacar tiempo para Coleman Hawkins. Pero precisamente por eso es tan importante hacerlo. Realmente nunca se ha inventado un saxofonista mejor que él, y muy pocos músicos se han acercado a lo que debe ser el jazz.

At Ease with Coleman Hawkins, publicado originalmente en 1960, es como un viaje de 42 minutos a la simplicidad zen, con un toque de fanfarronería sexy al margen. Mucha gente ha olvidado lo bueno que era Bean en esta etapa de su carrera. Pero el hecho de que ninguna de sus obras sea tan revolucionaria como su trabajo en los años 20, 30 o 40 no significa que estas canciones no estén llenas de belleza e invención. Su trabajo aquí en "Then I'll Be Tired of You" comienza de forma somnolienta, con frases de Dean Martin, y luego se vuelve un poco más beboppy a medida que avanza, hasta que suena como Sonny Rollins o alguien así. Y no hay que confundir su majestuosidad en la antigua castaña "At Dawning" o su paseo depredador por la también antigua "Poor Butterfly".

Pero At Ease no es sólo notas bonitas y seguridad. Hawkins ha sido muy inteligente al contar con el pianista Tommy Flanagan como pianista; se puede escuchar a los dos empujándose mutuamente en la primera canción, "For You, For Me, Forevermore", generaciones que se enseñan mutuamente a cocinar. La hermosa introducción de Flanagan en "Mighty Like a Rose" acaba presagiando su bonito solo dos minutos después. Y la sección rítmica es protagonista en todo momento. La batería de Osie Johnson es siempre increíble, pero Wendell Marshall merece una puntuación especial por su línea de bajo al comienzo de "I'll Get By".

Esta grabación no es ardiente ni exagerada, pero es todo lo sólida que puede ser, y demuestra (por millonésima vez) la maestría de Coleman Hawkins. ¿Qué es lo que no te gusta?
Por MATT CIBULA
14 de diciembre de 2006
https://www.allaboutjazz.com/at-ease-with-coleman-hawkins-coleman-hawkins-prestige-records-review-by-matt-cibula.php

John La Porta - The Brothers Sandole • Rare and Obscure Jazz Albums, Modern Music from Philadelphia - Conceptions

 

Description from Fresh Sound Records (Blue Sounds):
Modern Music from Philadelphia: Operating solely on an artistic basis, The Brothers Sandole band was not a commercial venture, but a band decidedly different, daring and experimental. Dennis and Adolph Sandole were music teachers in Philadelphia, who actually wanted to keep teaching but felt that their music was completely original, and so harmonically different in scope that it deserved to be heard on its own merits. The dense, full character of its original figures gave the unit a distinct big band sound, and all the improvisation fits into a well-written pattern. Four of the ten scores presented here are by Dennis, two of them so concise they are over in a matter of seconds; the rest are by Adolph. All compositions by the Sandole brothers are actually cleverly planned pictures, and flawlessly performed. You'll find the entire album to be a rewarding experience, but unfortunately, it was the only one they recorded. A must-have for any jazz collector.

Conceptions: John La Porta was a most skilled musician — clarinetist, alto saxophonist, composer, arranger and teacher. His compositions contain all the elements of modern music — complex rhythmic patterns, rich harmonic colors, and fresh melodic ideas. This set of original compositions for various combinations of instruments illustrates his unusual conception of jazz forms. A more original and creative use of these modern sounds would be hard to find.
https://www.freshsoundrecords.com/sandole-brothers-john-la-porta-albums/54788-modern-music-from-philadelphia-conceptions-2-lp-on-1-cd.html

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Descripción de Fresh Sound Records (Blue Sounds):
Modern Music from Philadelphia: Operando exclusivamente sobre una base artística, la banda de The Brothers Sandole no era una empresa comercial, sino una banda decididamente diferente, atrevida y experimental. Dennis y Adolph Sandole eran profesores de música en Filadelfia, que en realidad querían seguir enseñando pero sentían que su música era completamente original, y tan diferente en alcance armónico que merecía ser escuchada por sus propios méritos. El carácter denso y completo de sus figuras originales le daba a la unidad un sonido distintivo de big band, y toda la improvisación encaja en un patrón bien escrito. Cuatro de las diez partituras presentadas aquí son de Dennis, dos de ellas tan concisas que terminan en cuestión de segundos; el resto son de Adolph. Todas las composiciones de los hermanos Sandole son en realidad cuadros hábilmente planificados, e interpretados impecablemente. Encontrarás que el álbum completo es una experiencia gratificante, pero lamentablemente fue el único que grabaron. Imprescindible para cualquier coleccionista de jazz.

Conceptions: John La Porta era un músico muy hábil — clarinetista, saxofonista alto, compositor, arreglista y profesor. Sus composiciones contienen todos los elementos de la música moderna — patrones rítmicos complejos, ricos colores armónicos e ideas melódicas frescas. Este conjunto de composiciones originales para diversas combinaciones de instrumentos ilustra su inusual concepción de las formas del jazz. Difícilmente se podría encontrar un uso más original y creativo de estos sonidos modernos.
https://www.freshsoundrecords.com/sandole-brothers-john-la-porta-albums/54788-modern-music-from-philadelphia-conceptions-2-lp-on-1-cd.html

Michel Petrucciani • The Blue Note Years

Piano virtuoso Michel Petrucciani was born on December 28th 1962 in Orange France to Italian parents. He grew up surrounded by music as his father was a guitarist and his brothers were a bassist and a guitarist. He discovered the piano very young and one of his early influences was Duke Ellington. Because he was born with osteogenesis imperfecta; a condition that stunts growth and causes fragile bones and respiratory disorders, he had to have special extensions made for him to reach the pedals of the piano. The condition did not affect his hands, however, and he was able to study classical piano for 8 years. He gave his first professional concert at age 13 at the Cliousclat Festival where he was discovered by Clark Terry. Terry introduced him to a number of expatriate jazz musicians and this encouraged the young Petrucciani to embrace jazz as a musical idiom rather than classical music. At age 16 he met drummer Aldo Romano who was impressed by the teenager’s musical prowess and took him under his wing and 2 years later helped him launch his recording career with Flash. Petrucciani recorded a number of excellent albums for the French label Owl including a duet with Lee Konitz. In 1981 he performed at the Paris Jazz Festival and caused a sensation.

In 1982 he moved to the US and was introduced to Charles Lloyd. The latter was so impressed by the pianist that he helped him launch his American career. During this stay he met and married his first wife Erlinda Montaño. The marriage lasted 3 years. During he stay in the US Petrucciani had the opportunity to play with lot of the giants of jazz including Dizzy Gillespie. In 1986 he became the first Frenchman to sign a contract with the legendary Blue Note label. In 1990 he married classical pianist Gilda Butta with whom he had two children. This marriage also ended in divorce in the late 90s. He spent the 90s touring Europe and recording for Dreyfus Records. Near the end of his life he was trying to establish a jazz school in Paris.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

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El virtuoso del piano Michel Petrucciani nació el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia, de padres italianos. Creció rodeado de música ya que su padre era guitarrista y sus hermanos eran bajistas y guitarristas. Descubrió el piano muy joven y una de sus primeras influencias fue Duke Ellington. Debido a que nació con osteogénesis imperfecta; una condición que impide el crecimiento y causa huesos frágiles y desórdenes respiratorios, tuvo que hacer extensiones especiales para que llegara a los pedales del piano. Sin embargo, la afección no afectó sus manos y pudo estudiar piano clásico durante 8 años. Dio su primer concierto profesional a los 13 años en el Festival Cliousclat donde fue descubierto por Clark Terry. Terry le presentó a un número de músicos de jazz expatriados y esto animó al joven Petrucciani a abrazar el jazz como un lenguaje musical en lugar de la música clásica. A los 16 años conoció al baterista Aldo Romano, quien quedó impresionado por la destreza musical del adolescente y lo tomó bajo su ala, y dos años más tarde lo ayudó a lanzar su carrera discográfica con Flash. Petrucciani grabó varios discos excelentes para el sello francés Owl, incluyendo un dúo con Lee Konitz. En 1981 actuó en el Festival de Jazz de París y causó sensación.

En 1982 se trasladó a los Estados Unidos y fue presentado a Charles Lloyd. Este último quedó tan impresionado por el pianista que le ayudó a lanzar su carrera en Estados Unidos. Durante esta estancia conoció y se casó con su primera esposa Erlinda Montaño. El matrimonio duró 3 años. Durante su estancia en los Estados Unidos, Petrucciani tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los gigantes del jazz, entre ellos Dizzy Gillespie. En 1986 se convirtió en el primer francés en firmar un contrato con el legendario sello Blue Note. En 1990 se casó con la pianista clásica Gilda Butta con quien tuvo dos hijos. Este matrimonio también terminó en divorcio a finales de los 90. Pasó los años 90 de gira por Europa y grabando para Dreyfus Records. Casi al final de su vida estaba tratando de establecer una escuela de jazz en París.

https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

 

 

 

 

www.facebook.com/MichelPetruccianijazz ...

Esbjörn Svensson Trio • Seven Days of Falling

 

Review by Stewart Mason
Available for quite some time as an import before the tiny Philadelphia-based indie 215 Records finally released it stateside, complete with a bonus live DVD, 2003's Seven Days of Falling is every bit the equal of E.S.T.'s earlier records. Misguided American media comparisons to the highly overrated the Bad Plus have done pianist Esbjörn Svensson, bassist Dan Berglund, and drummer Magnus Ostrom a grave disservice, as their music is far more wide-ranging and much less gimmicky. Despite occasional forays into rock influences like "O.D.R.I.P." and a few brief passages that skirt the edges of outside free improv, there's an elegance and shapeliness to the trio's work that has more in common with the cerebral cool of Bill Evans (particularly on the quietly gorgeous opener "Ballad for the Unborn") or the effortless melodic grace of the Vince Guaraldi Trio ("Evening in Atlantis," "Believe, Beleft, Below"). Seven Days of Falling is a ravishingly beautiful, musically captivating album. Bonus track alert: hidden after the nervy "O.D.R.I.P." is the Sinatra-like ballad "Love Is Real," featuring guest vocals from Josh Haden, son of Charlie and brother of Petra.
https://www.allmusic.com/album/seven-days-of-falling-mw0000325844

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Reseña de Stewart Mason
Disponible durante bastante tiempo como disco de importación antes de que el pequeño sello independiente 215 Records, con sede en Filadelfia, lo publicara finalmente en Estados Unidos, con un DVD en directo como extra, Seven Days of Falling, de 2003, está a la altura de los discos anteriores de E.S.T.. Las equivocadas comparaciones de los medios de comunicación estadounidenses con los sobrevaloradísimos Bad Plus han hecho un flaco favor al pianista Esbjörn Svensson, al bajista Dan Berglund y al batería Magnus Ostrom, ya que su música es mucho más amplia y mucho menos efectista. A pesar de incursiones ocasionales en influencias rock como "O.D.R.I.P. "y algunos breves pasajes que bordean los límites de la improvisación libre, hay una elegancia y una forma en el trabajo del trío que tiene más en común con la frialdad cerebral de Bill Evans (especialmente en la preciosa y silenciosa "Ballad for the Unborn") o la gracia melódica sin esfuerzo del Vince Guaraldi Trio ("Evening in Atlantis", "Believe, Beleft, Below"). Seven Days of Falling es un álbum arrebatadoramente bello y musicalmente cautivador. Alerta de bonus track: escondida tras la nerviosa "O.D.R.I.P." está la balada "Love Is Real", al estilo de Sinatra, con la voz invitada de Josh Haden, hijo de Charlie y hermano de Petra.
https://www.allmusic.com/album/seven-days-of-falling-mw0000325844

esbjornsvensson.se ...

Roy Hargrove • Family

 

 

Review
by Scott Yanow
This well-rounded set not only features trumpeter Roy Hargrove with his mid-'90s quintet (tenor saxophonist Ron Blake, pianist Stephen Scott, bassist Rodney Whitaker, and drummer Gregory Hutchinson) but with two other rhythm sections and a few special guests. The first three selections (which includes the uptempo blues "Brian's Bounce") are called "Trilogy" and dedicated to various family members. Hargrove shows off his warm tone on "The Nearness of You" (a ballads with strings album was in the near future), and other highlights include the lyrical "Pas de Trois," a duet by Hargrove and bassist Walter Booker on Larry Willis' "Ethiopia," and a driving version of "Firm Roots." A meeting between Hargrove and Wynton Marsalis on the bop standard "Nostalgia" is disappointingly tame, but otherwise this is a high-quality modern hard bop release.
https://www.allmusic.com/album/family-mw0000173529

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Reseña
por Scott Yanow
Este completo disco no sólo presenta al trompetista Roy Hargrove con su quinteto de mediados de los 90 (el saxofonista tenor Ron Blake, el pianista Stephen Scott, el bajista Rodney Whitaker y el baterista Gregory Hutchinson), sino también con otras dos secciones rítmicas y algunos invitados especiales. Las tres primeras selecciones (que incluyen el blues uptempo "Brian's Bounce") se llaman "Trilogía" y están dedicadas a varios miembros de la familia. Hargrove muestra su tono cálido en "The Nearness of You" (un álbum de baladas con cuerdas estaba en el futuro cercano), y otros puntos destacados incluyen el lírico "Pas de Trois", un dúo de Hargrove y el bajista Walter Booker en "Ethiopia" de Larry Willis, y una versión de conducción de "Firm Roots". Un encuentro entre Hargrove y Wynton Marsalis en el estándar de bop "Nostalgia" es decepcionantemente insulso, pero por lo demás se trata de un lanzamiento de hard bop moderno de alta calidad.
https://www.allmusic.com/album/family-mw0000173529

royhargroveofficial.com ...

 

Tete Montoliu Trio • Barcelona Meeting

 

All performances on this album were recorded on May 22, 1988. At the time, Tete Montoliu, Reggie Johnson and Alvin Queen were the dependable rhythm section behind saxophonist Jerome Richardson while he was booked at the old Cova del Drac in Barcelona. The three were in such top form and had such energy and good rapport, that they agreed to do a trio album. With musicians of this caliber, it simply could not go wrong. They were confident, but more so, they were sympathetic to each other’s ideas.

Tete played in a straight-ahead vein. He was rhythmically solid and never overeager, but still managed to get all he had bubbling inside him out there, on the piano, and put it together beautifully without ever foregoing his swinging melodic presence. Alvin generated considerable excitement with his distinctive, powerful driving force, while Reggie provided just the precise pulse to best serve the twists and turns of Tete’s playing. All the music they recorded that day has remained in the Fresh Sound Records archives for over 30 years, and this is the first time that the complete trio session has come to light. Listening to these performances we can easily agree that in addition to his talent, what comes across when Tete plays the piano more than anything else is his genuineness.
https://www.freshsoundrecords.com/tete-montoliu-albums/47804-barcelona-meeting.html

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Todas las actuaciones de este álbum se grabaron el 22 de mayo de 1988. En aquel momento, Tete Montoliu, Reggie Johnson y Alvin Queen eran la sección rítmica de confianza del saxofonista Jerome Richardson mientras éste estaba contratado en la antigua Cova del Drac de Barcelona. Los tres estaban en tan buena forma y tenían tanta energía y buena compenetración, que acordaron hacer un álbum en trío. Con músicos de este calibre, simplemente no podía salir mal. Tenían confianza en sí mismos, pero sobre todo simpatizaban con las ideas de los demás.

Tete tocaba en una línea directa. Era rítmicamente sólido y nunca exagerado, pero aún así se las arregló para sacar todo lo que tenía dentro de él, en el piano, y lo puso juntos maravillosamente sin renunciar nunca a su presencia melódica oscilante. Alvin generó una considerable emoción con su distintiva y poderosa fuerza motriz, mientras que Reggie aportó el pulso preciso para servir mejor a los giros y vueltas de la forma de tocar de Tete. Toda la música que grabaron aquel día ha permanecido en los archivos de Fresh Sound Records durante más de 30 años, y ésta es la primera vez que sale a la luz la sesión completa del trío. Al escuchar estas interpretaciones, podemos estar de acuerdo en que, además de su talento, lo que más se percibe cuando Tete toca el piano es su autenticidad.
https://www.freshsoundrecords.com/tete-montoliu-albums/47804-barcelona-meeting.html


www.freshsoundrecords.com ...

The Bill Smith Quartet • Folk Jazz

Review by Stewart Mason

A record that could only have been made in the late '50s, 1959's Folk Jazz is a meeting of the two great collegiate crazes of the period, post-bebop modern jazz and traditional folk music. Clarinetist Bill Smith and a low-key piano-less trio ? Jim Hall on guitar, Monty Budwig on bass and the great Shelly Manne on drums ? take 10 songs from the folk tradition, strip them down to the bare essentials of melody and chord progressions and turn them into a Kind of Blue-like experiment in cool-toned modal jazz. Familiar standards like "Black Is the Color of My True Love's Hair" (which opens with an extended unaccompanied solo by Smith that's a marvel of economy) are presented in entirely new and fresh settings. Perhaps the best of the lot is an extended meditation on the spiritual "Go Down Moses" that turns the song from a gospel shout to an intimate whisper. The 2003 CD reissue adds two tracks, alternate takes of "Reuben, Reuben" and "Nobody Knows the Trouble I've Seen."

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Traducción Automática:
Revisión por Stewart Mason 

Un disco que solo se pudo haber hecho a finales de los años 50, el Folk Jazz de 1959 es una reunión de las dos grandes locuras universitarias de la época, el jazz moderno post-bebop y la música folclórica tradicional. ¿El clarinetista Bill Smith y un trío sin piano de bajo perfil? ¿Jim Hall en la guitarra, Monty Budwig en el bajo y el gran Shelly Manne en la batería? toma 10 canciones de la tradición folklórica, descárgalas a lo esencial de la melodía y las progresiones de acordes y conviértelos en un experimento parecido al tipo de azul en el modal jazz de tonos fríos. Estándares familiares como "El negro es el color de mi cabello de amor verdadero" (que se abre con un solo no acompañado de Smith, que es una maravilla de la economía) se presentan en entornos completamente nuevos y nuevos. Quizás lo mejor de todo es una meditación prolongada sobre el espiritual "Go Down Moses" que convierte la canción de un grito del evangelio en un susurro íntimo. La reedición del CD de 2003 agrega dos pistas, tomas alternativas de "Reuben, Reuben" y "Nadie sabe el problema que he visto".

Ron Carter • When Skies Are Grey

 

Review by David R. Adler

This beautiful, Latin-themed album by bass superpower Ron Carter almost can stand in as a Stephen Scott showcase, for the young pianist's verve and finesse are in evidence from start to finish. Carter reserves plenty of solo room (and a number of melody statements) for himself, however. Drummer Harvey Mason and percussionist Steve Kroon work together to create a luxurious, flowing Latin vibe that makes each tune a true listening pleasure. One highlight is the group's slow, polyrhythmic take on Jobim's "Corcovado." Another is a grooving version of Carter's "Loose Change," a tune that appeared in a very different light on Joe Henderson's State of the Tenor album. Scott woos with his bluesy delicacy on "Que Pasa," another Carter original, and swings exuberantly on fellow pianist Ray Bryant's "Cubano Chant." Carter's brief quote of "Seven Steps to Heaven" during the closing original, "Mi Tempo," is enough to make one skip a heartbeat. When Skies Are Grey contains nothing ambitious or wildly innovative -- just great, accessible music. Fans of Stephen Scott in particular can't miss with this one.

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Revisión por David R. Adler

Este hermoso álbum, de temática latina, del superpoder del bajo, Ron Carter, casi puede presentarse como un escaparate de Stephen Scott, ya que el entusiasmo y la delicadeza del joven pianista son evidentes de principio a fin. Sin embargo, Carter se reserva una gran cantidad de habitaciones en solitario (y varias declaraciones de melodías) para él. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajan juntos para crear un ambiente latino lujoso y fluido que hace que cada melodía sea un verdadero placer de escuchar. Un destaque es la toma lenta y polirrítmica del grupo sobre el "Corcovado" de Jobim. Otra es una versión genial de "Loose Change" de Carter, una melodía que apareció con una luz muy diferente en el álbum State of the Tenor de Joe Henderson. Scott se enamora con su delicadeza blues en "Que Pasa", otro original de Carter, y se balancea exuberantemente en el "Canto Cubano" del también pianista Ray Bryant. La breve cita de Carter de "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi tempo", es suficiente para que uno salte un latido. When Skies Are Grey no contiene nada ambicioso o tremendamente innovador, solo música genial y accesible. Los fans de Stephen Scott, en particular, no se pueden perder con este.

 

www.roncarterbass.com ...

  

Eddie Higgins Trio • Essential Ballads Best

 

Lee Konitz & Martial Solal • Duplicity

 

Jimmy Bruno With Joey DeFrancesco • Like That

Review by Alex Henderson

Although Like That was recorded in New York, many of the people involved with the project were Philadelphians. The pleasing hard bop date unites Jimmy Bruno's Philly-based trio of the 1990s (which includes bassist Craig Thomas and drummer Steve Holloway) with organist/trumpeter and Philly native Joey DeFrancesco, while the liner notes were written by guitar great Pat Martino (another Philadelphian). Producer Allen Farnham, however, lived close to New York in northern New Jersey. Bruno's guitar and DeFrancesco's organ prove highly compatible on selections ranging from Sam Jones' "Unit Seven" and Jerome Kern's "The Way You Look Tonight" to Bruno originals such as the sentimental "Waltz for Nancy," the angular "Raezer's Edge," and the mellifluous "Night Dreamer." Although DeFrancesco plays organ on most of the 11 songs, he switches to the trumpet and favors a Miles Davis-influenced mute on relaxed versions of "There Is No Greater Love" and "Stars Fell on Alabama." Bruno's Concord output has been quite consistent, and this fine CD is no exception.

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Revisión por Alex HendersonAunque Like That se grabó en Nueva York, muchas de las personas involucradas en el proyecto eran Filadelfia. La agradable cita de hard bop une al trío de Jimmy Bruno con base en Filadelfia de la década de 1990 (que incluye al bajista Craig Thomas y al baterista Steve Holloway) con el organista / trompetista y el nativo de Filadelfia Joey DeFrancesco, mientras que las notas de la línea fueron escritas por el guitarrista Pat Martino ). El productor Allen Farnham, sin embargo, vivía cerca de Nueva York en el norte de Nueva Jersey. La guitarra de Bruno y el órgano de DeFrancesco son altamente compatibles en selecciones que van desde "Unit Seven" de Sam Jones y "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern hasta originales de Bruno como el "Waltz for Nancy", el "Sentido de Nancy", y la meliflua "soñadora nocturna". Aunque DeFrancesco toca el órgano en la mayoría de las 11 canciones, cambia a la trompeta y prefiere un mute influenciado por Miles Davis en versiones relajadas de "There Is No Greater Love" y "Stars Fell on Alabama". La salida de Bruno Concord ha sido bastante consistente, y este excelente CD no es una excepción.

 

 

 

www.joeydefrancesco.com ...

www.jimmybruno.com ...

Ornette Coleman • Town Hall, 1962

 

Review by Scott Yanow
Ornette Coleman's decision to temporarily retire from music (this ESP disc was his only recording from a four-year period) was unfortunate. His alto playing was getting stronger, and on evidence of this album, he had plenty of original ideas that should have been documented. For this Town Hall concert, Coleman debuts with his new trio (a unit that would return in 1965) featuring the remarkable bassist David Izenson and drummer Charles Moffett. Together they perform "Doughnut," "Sadness," and an extensive 23-and-a-half minute version of "The Ark." In addition, a string quartet performs Coleman s' "Dedication to Poets and Writers." Although Ornette's string writing (which leaves no room for improvising) is pretty well outside of jazz, his playing on the other tracks holds one's interest throughout.
https://www.allmusic.com/album/town-hall-1962-mw0000097225

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Reseña de Scott Yanow
La decisión de Ornette Coleman de retirarse temporalmente de la música (este disco de ESP fue su única grabación de un período de cuatro años) fue desafortunada. Su forma de tocar el contralto era cada vez más fuerte, y en la evidencia de este álbum, tenía muchas ideas originales que deberían haber sido documentadas. Para este concierto en el Ayuntamiento, Coleman debuta con su nuevo trío (una unidad que regresaría en 1965) con el notable bajista David Izenson y el baterista Charles Moffett. Juntos interpretan "Donut", "Sadness" y una extensa versión de 23 minutos y medio de "The Ark". Además, un cuarteto de cuerda interpreta la dedicatoria de Coleman a Poetas y Escritores."Aunque la composición de cuerdas de Ornette (que no deja espacio para la improvisación) está bastante bien fuera del jazz, su interpretación en las otras pistas mantiene el interés de uno en todo momento.
https://www.allmusic.com/album/town-hall-1962-mw0000097225

Pat Martino With Gil Goldstein • We Are Together Again

 

www.patmartino.com ...