Lee Ritenour • Collection

 

leeritenour.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

  

Jon Cowherd Trio • Pride & Joy

 

Pianist/composer Jon Cowherd is known for employing a fluid language and sincere approach to the keyboard. Pride and Joy showcases his fantastic trio - with bassist John Patitucci and drummer Brian Blade - attacking eight tracks that show their powerful chemistry and technical wizardry. The album celebrates the pianist’s two-and-a-half-year-old daughter on one hand, also signaling his recent move from New York City to Grand Junction, Colorado. 

The opening track, “Grand Mesa” reflects this new environment - surrounded by mesas and red mountains - he currently enjoys with his family. This is the first of three pieces where the trio is augmented by two distinguished guests: the powerful saxophonist Chris Potter and the understated percussionist Alex Acuña. 

An out-of-time post-bop outlook prevails on the formerly described tune, as well as on “Little Scorpio”, which gently develops in seven with a perfectly singable soprano sax melody on top of a tight chordal sequence; and also on the title track, another soulful effort that crackles with energy, especially in the vamp toward the end where Potter blows with verve and stamina. Both these numbers refer to Cowherd’s daughter, Simone.

Patitucci and Blade confirm their highly musical association through elegant underpinnings that elevate the trio pieces, namely Cowherd’s “The Colorado Experiments”, which, surrounded by an impressionistic aura, carries echoes of Chick Corea; and “Chickmonk”, Patitucci’s double tribute to the just mentioned pianist and Thelonious Monk. Here the trio opens up by delivering loose-limbed solos with a swinging posture. 

Waltzing with a dragging beat and demonstrating control at every point, “Honest Man” was written for Cowherd’s first jazz teacher, Ellis Marsalis. The album finishes in solo piano mode with “Quilt City Blues”, which Blade composed for Cowherd. Both share more than two decades of musical partnership.

Rooted jazz lineage branches out in all directions over the course of a repertoire that, not being surprising, feels all the more compelling for moving effortlessly between written passages, spontaneous interactions, and individual statements.
https://jazztrail.net/blog/jon-cowherd-trio-pride-and-joy-album-review

///////

El pianista y compositor Jon Cowherd es conocido por emplear un lenguaje fluido y un enfoque sincero al teclado. Pride and Joy muestra su fantástico trío, con el bajista John Patitucci y el baterista Brian Blade, atacando ocho pistas que muestran su poderosa química y magia técnica. El álbum celebra, por un lado, a la hija de dos años y medio del pianista, y también señala su reciente mudanza de la ciudad de Nueva York a Grand Junction, Colorado.

El tema de apertura, “Grand Mesa”, refleja este nuevo entorno, rodeado de mesas y montañas rojas, que actualmente disfruta con su familia. Esta es la primera de tres piezas en las que el trío se ve complementado por dos distinguidos invitados: el poderoso saxofonista Chris Potter y el discreto percusionista Alex Acuña.

Una perspectiva post-bop fuera de tiempo prevalece en la melodía descrita anteriormente, así como en “Little Scorpio”, que se desarrolla suavemente en siete con una melodía de saxo soprano perfectamente cantable sobre una secuencia de acordes apretada; y también en la canción principal, otro esfuerzo conmovedor que chisporrotea con energía, especialmente en el vampiro hacia el final, donde Potter sopla con brío y resistencia. Ambos números se refieren a la hija de Cowherd, Simone.

Patitucci y Blade confirman su asociación altamente musical a través de elegantes bases que elevan las piezas del trío, a saber, “The Colorado Experiments” de Cowherd, que, rodeada de un aura impresionista, tiene ecos de Chick Corea; y “Chickmonk”, el doble homenaje de Patitucci al recién mencionado pianista y Thelonious Monk. Aquí el trío se abre ofreciendo solos relajados con una postura oscilante.

Con un ritmo arrastrado y demostrando control en cada punto, “Honest Man” fue escrita para el primer profesor de jazz de Cowherd, Ellis Marsalis. El álbum termina en modo de piano solo con “Quilt City Blues”, que Blade compuso para Cowherd. Ambos comparten más de dos décadas de asociación musical.

El arraigado linaje del jazz se ramifica en todas direcciones a lo largo de un repertorio que, como era de esperar, resulta aún más convincente al moverse sin esfuerzo entre pasajes escritos, interacciones espontáneas y declaraciones individuales.
https://jazztrail.net/blog/jon-cowherd-trio-pride-and-joy-album-review


www.joncowherd.com ...

Steve Khan • Borrowed Time

 

 

Biography
by Matt Collar
Guitarist Steve Khan is a gifted jazz-based performer whose adept skills have found him working with his own groups and as an in-demand session artist. Born in Los Angeles in 1947, Khan grew up in a musical family, the son of famed lyricist Sammy Cahn. Initially, he studied drums and piano in his adolescence before settling on the guitar around age 20. He honed his skills while attending U.C.L.A., after which he moved to New York City and quickly found work in variety of jazz, pop, and R&B settings. During this period he shared the stage with such luminaries as Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, Joe Zawinul's Weather Update, and others.

As a recording artist, Khan made his debut alongside fellow guitarist Larry Coryell on 1976's Two for the Road. He then delivered several well-received albums for Columbia, including 1977's Tightrope, 1978's The Blue Man, and 1979's Arrows. Also during this period, he found session work appearing on albums by Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan, and Billy Joel. In 1980, he delivered the Thelonious Monk-themed Evidence. A year later, he formed the fusion quartet Eyewitness, which continued to work throughout the 1980s. Several more well-regarded albums followed in the '90s, including 1992's Headline, 1994's Crossings, and 1997's Got My Mental with John Patitucci and Jack DeJohnette.

He then joined the Caribbean Jazz Project for 2000's New Horizons and 2001's Paraiso. Khan returned to his solo work in 2006, reuniting with DeJohnette and Patitucci for The Green Field, followed by 2007's Borrowed Time. He then brought along fellow Eyewitness alums Anthony Jackson, Dennis Chambers, and Manolo Badrena for 2011's Parting Shot, followed in 2014 by the salsa-infused Subtext. In 2016 he released Backlog, which featured guest spots from longtime associates like Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri, and others.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography

///////

 

Biografía
por Matt Collar
El guitarrista Steve Khan es un talentoso intérprete de jazz cuyas habilidades adeptas lo han encontrado trabajando con sus propios grupos y como un artista de sesión en demanda. Nacido en Los Ángeles en 1947, Khan creció en una familia musical, hijo del famoso letrista Sammy Cahn. Inicialmente, estudió batería y piano en su adolescencia antes de decidirse por la guitarra alrededor de los 20 años. Perfeccionó sus habilidades mientras asistía a la UCLA, después de lo cual se mudó a la ciudad de Nueva York y rápidamente encontró trabajo en una variedad de escenarios de jazz, pop y R&B. Durante este período, compartió el escenario con luminarias como Maynard Ferguson, Buddy Rich, The Brecker Brothers, Weather Update de Joe Zawinul y otros.

Como artista de grabación, Khan hizo su debut junto al guitarrista Larry Coryell en Two for the Road de 1976. Luego entregó varios álbumes bien recibidos para Columbia, incluidos Tightrope de 1977, The Blue Man de 1978 y Arrows de 1979. También durante este período, encontró trabajo de sesión que aparecía en álbumes de Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan y Billy Joel. En 1980, entregó la Evidencia temática de Thelonious Monk. Un año después, formó el cuarteto de fusión Eyewitness, que continuó trabajando durante la década de 1980. Varios álbumes más bien considerados siguieron en los años 90, incluyendo Headline de 1992, Crossings de 1994 y Got My Mental de 1997 con John Patitucci y Jack DeJohnette.

Luego se unió al Proyecto de Jazz Caribeño para New Horizons del 2000 y Paraíso del 2001. Khan regresó a su trabajo en solitario en 2006, reuniéndose con DeJohnette y Patitucci para The Green Field, seguido de Borrowed Time de 2007. Luego trajo a sus compañeros de Eyewitness, Anthony Jackson, Dennis Chambers y Manolo Badrena para la Foto de despedida de 2011, seguida en 2014 por el Subtexto con salsa. En 2016 lanzó Backlog, que contó con anuncios invitados de asociados de toda la vida como Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri y otros.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography


www.stevekhan.com ...

Steve Khan • Got My Mental

 

Editorial Reviews:
Steve Khan is one of the most identifiable and underrated players of his generation. L.A. born, and a New York resident, Khan (son of legendary songwriter Sammy Cahn) is known for his sparse and keyboardless settings, described by Josef Woodard in the liner notes as "less about grandstanding solos or groove-lines machismo than about tapping into a collective dimension... The stuff of self-realization."


 

www.stevekhan.com ...

John Patitucci • Mistura Fina

 

 

www.johnpatitucci.com ...

Al Di Meola • Consequence Of Chaos

 

Review by Hal Horowitz  
The sticker on the disc's cover states that this is "a return to his solid-body electric guitar," and while that may be true in parts, Consequence of Chaos is still pretty far from the tense, nonstop electric sizzle of di Meola's first three albums, which are landmarks in the jazz fusion genre. And while there is plenty of electric guitar here -- and a musical reconnection with Chick Corea, Steve Gadd, and Barry Miles, all of whom have previously worked with di Meola -- this is still dominated by the world music and more subtle framework that have characterized the guitarist's playing for the last few decades. The performances are uniformly excellent, and even though the approach shifts from prog to acoustic to electric and world, di Meola's distinctive style and classy approach congeal the music with authority. "Tao" alone takes more turns than a craggy mountain road, but never gets predictable or pretentious. Di Meola knows when to hold back and when to unleash his precise, percussive, fret-shredding Latin lines, and it's that sense of restraint that makes this disc, and much of his recent work, so successful. These instrumental pieces lay down a groove upon which di Meola solos with different combinations of musicians. Melodies are difficult to pinpoint, but the sublime playing keeps the listener's interest despite a tendency to wander. Four brief, low-key interludes feature an unaccompanied di Meola playing all the instruments, and provide a more relaxed counterpoint to the busier band tracks. Percussionists Ernie Adams and Gumbi Ortiz's standout work, especially on the subtle "Hypnose," add hot, bubbling flavor to the project. Chick Corea only appears on two tracks, but both are highlights. The lovely acoustic duet on "Cry for You" brings out the best in both musicians as their interplay reaches new heights. Di Meola calls the nine-minute "Tempest" his most complex piece -- which is saying a lot -- as it twists through different moods and tones utilizing varying rhythms in an impressive display of the guitarist's dazzling skills. It's a summation of this album that shows di Meola, after 30 years as a solo artist, to be on the top of his game.
https://www.allmusic.com/album/consequence-of-chaos-mw0000444504


Biography by Matt Collar
An acclaimed fusion guitarist, Al Di Meola first rose to prominence in the 1970s as a fiery jazz-rock pioneer before embracing a globally expansive mix of sounds. A key member of Chick Corea's landmark fusion band Return to Forever, Di Meola established his reputation on many of the group's classic dates before coming into his own on albums like 1977's Elegant Gypsy and 1980's Splendido Hotel. Along with tours in his all-star guitar trio with John McLaughlin and Paco de Lucia, Di Meola has collaborated on projects with luminaries like Stanley Clarke, Larry Coryell, Paul Simon, Luciano Pavarotti, Gonzalo Rubalcaba, Charlie Haden, and others. He has continued to expand his sound on albums like 1990's World Sinfonia, 2011's Pursuit of Radical Rhapsody, and 2018's Opus, balancing his fusion roots with forays into Argentinian tango and Spanish flamenco, as well as Middle Eastern, North African, and Afro-Cuban traditions.

Born in 1954 in Jersey City, New Jersey, Di Meola started playing guitar at a young age, inspired by bands like the Ventures and the Beatles. A diligent student, he progressed quickly and by his teens was already a gifted player. It was during high school that he discovered jazz, listening to artists like Kenny Burrell and Tal Farlow. However, it was his exposure to innovative fusion guitarist Larry Coryell that sparked him to blend jazz, blues, rock, and more. In 1972, he enrolled at Boston's Berklee College of Music, where he joined a quartet featuring keyboardist Barry Miles. A tape of the group eventually landed in the hands of keyboardist Chick Corea, who quickly offered Di Meola a chance to replace outgoing guitarist Bill Connors in his fledgling fusion ensemble Return to Forever. Di Meola left school prior to finishing his degree and hit the road with the group, which then included bassist Stanley Clarke, and drummer Lenny White. It was with Di Meola that Return to Forever achieved their greatest commercial success, releasing albums like 1974's Where Have I Known Before, 1975's Grammy-winning No Mystery, and 1976's Romantic Warrior, all-of-which cracked the U.S. Top 40.

After Return to Forever disbanded, Di Meola (then only 22 years old) embarked on a solo career, starting with 1976's Land of the Midnight Sun. In many ways a continuation of his work with Return to Forever, the album included contributions by Corea and White, as well as drummer Steve Gadd, bassists Jaco Pastorius and Stanley Clarke, Barry Miles, and others. A string of successful albums followed and some remain the finest jazz fusion recordings of the era, including 1977's gold-certified Elegant Gypsy, 1978's Casino, and 1980's Splendido Hotel, all of which found Di Meola further expanding his fusion skills and incorporating elements of Spanish, Latin, and world influences.

More genre-crossing followed in the '80s as Di Meola united with fellow guitarists Mahavishnu Orchestra's John McLaughlin and classical star Paco de Lucía for 1980's Friday Night in San Francisco. De Lucia was also on board for Di Meola's fifth solo album, 1982's Electric Rendezvous, which also featured keyboardists Jan Hammer and Philippe Saisse, Steve Gadd, and others. A similarly star-studded affair, Scenario, arrived in 1983 and found Di Meola playing with Genesis' Phil Collins, Yes drummer Bill Bruford, bassist Tony Levin, and keyboardist Hammer. Still more explorations followed in 1985 as Di Meola embraced Brazilian sounds, pairing with percussionist Airto Moreira for Soaring Through a Dream and the duo album Cielo e Terra.

Throughout the '80s and '90s, Di Meola earned yearly top honors in Guitar Player magazine polls. He also found himself in-demand as a collaborator and showcase performer, playing on albums by Paul Simon, Stanley Jordan, and Stomu Yamashta, among others. Into the '90s Di Meola shifted almost entirely away from fusion, concentrating more on acoustic-based music that found him incorporating yet more global traditions. Tango rhythms especially played a role in his sound, as on 1990's World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and 1993's Heart of the Immigrants. There were also further all-star dates, as he joined Stanley Clarke and Jean-Luc Ponty for 1995's Rite of Strings and reunited with McLaughlin and de Lucia for 1996's The Guitar Trio. Two years later, he released the synth-heavy The Infinite Desire, which featured guest spots from Herbie Hancock and Peter Erskine. He rounded out the decade with 1999's Winter Nights, his first-ever holiday-themed album.

During the 2000s, Di Meola continued this eclectic approach with releases like 2003's Revisited, 2006's Consequence of Chaos, and 2007's Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla. The following year, he paired with flutist Eszter Horgas for the concert album He and Carmen. In 2011, Di Meola delivered the Latin-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba. 2013's All Your Life: A Tribute to the Beatles Recorded at Abbey Road Studios, London found the guitarist reworking songs from the Lennon/McCartney songbook.

The lushly textured fusion effort Elysium followed in 2015. Two years later, Di Meola delivered the concert album Morocco Fantasia, recorded live at the Mawazine Festival in Rabat, Morocco. Along with Di Meola's band, the show featured guest appearances by Moroccan musicians oud player Said Chraibi, violinist Abdellah Meri, and percussionist Tarik Ben Ali. In 2018, he delivered Opus, which featured contributions from Cuban-born pianist Kemuel Roig. Across the Universe, Di Meola's second exploration of the music of the Beatles, arrived in 2020.
https://www.allmusic.com/artist/al-di-meola-mn0000600228/biography

///////

Reseña de Hal Horowitz  
La pegatina de la portada del disco dice que se trata de "un regreso a su guitarra eléctrica de cuerpo sólido", y aunque esto puede ser cierto en algunas partes, Consequence of Chaos está todavía bastante lejos del tenso e incesante chisporroteo eléctrico de los tres primeros álbumes de di Meola, que son hitos en el género de fusión de jazz. Y aunque hay mucha guitarra eléctrica aquí - y una reconexión musical con Chick Corea, Steve Gadd, y Barry Miles, todos los cuales han trabajado previamente con di Meola - esto todavía está dominado por la música del mundo y un marco más sutil que han caracterizado la forma de tocar del guitarrista durante las últimas décadas. Las actuaciones son uniformemente excelentes, y aunque el enfoque cambia de prog a acústico a eléctrico y mundial, el estilo distintivo y el enfoque de clase de di Meola congela la música con autoridad. El "Tao" por sí solo toma más vueltas que un escarpado camino de montaña, pero nunca se vuelve predecible o pretencioso. Di Meola sabe cuándo contenerse y cuándo desatar sus precisas y percusivas líneas latinas, y es ese sentido de contención el que hace que este disco, y gran parte de su reciente trabajo, tenga tanto éxito. Estas piezas instrumentales establecen un ritmo en el que di Meola hace solos con diferentes combinaciones de músicos. Las melodías son difíciles de precisar, pero el toque sublime mantiene el interés del oyente a pesar de la tendencia a divagar. Cuatro breves interludios de bajo perfil presentan a un di Meola sin acompañamiento tocando todos los instrumentos, y proporcionan un contrapunto más relajado a las pistas de banda más ocupadas. Los percusionistas Ernie Adams y Gumbi Ortiz destacan el trabajo, especialmente en la sutil "Hipnosis", que añade un sabor caliente y burbujeante al proyecto. Chick Corea sólo aparece en dos temas, pero ambos son destacados. El encantador dúo acústico de "Cry for You" saca lo mejor de ambos músicos mientras su interacción alcanza nuevas alturas. Di Meola llama a los nueve minutos de "Tempest" su pieza más compleja, lo que es decir mucho, ya que se retuerce a través de diferentes estados de ánimo y tonos utilizando diferentes ritmos en una impresionante muestra de las deslumbrantes habilidades del guitarrista. Es un resumen de este álbum que muestra a di Meola, después de 30 años como artista en solitario, estar en la cima de su juego.
https://www.allmusic.com/album/consequence-of-chaos-mw0000444504


Biografía de Matt Collar
Aclamado guitarrista de fusión, Al Di Meola se hizo famoso en la década de 1970 como pionero del jazz-rock antes de adoptar una mezcla de sonidos que se expandió a nivel mundial. Miembro clave de la histórica banda de fusión de Chick Corea, Return to Forever, Di Meola estableció su reputación en muchas de las fechas clásicas del grupo antes de hacerse famoso en álbumes como Elegant Gypsy de 1977 y Splendido Hotel de 1980. Además de las giras en su trío de guitarras de estrellas con John McLaughlin y Paco de Lucía, Di Meola ha colaborado en proyectos con luminarias como Stanley Clarke, Larry Coryell, Paul Simon, Luciano Pavarotti, Gonzalo Rubalcaba, Charlie Haden y otros. Ha continuado expandiendo su sonido en álbumes como World Sinfonia de 1990, Pursuit of Radical Rhapsody de 2011 y Opus de 2018, equilibrando sus raíces de fusión con incursiones en el tango argentino y el flamenco español, así como en las tradiciones de Oriente Medio, el norte de África y la cultura afrocubana.

Nacido en 1954 en Jersey City, Nueva Jersey, Di Meola comenzó a tocar la guitarra a una edad temprana, inspirado por bandas como los Ventures y los Beatles. Un estudiante diligente, progresó rápidamente y en su adolescencia ya era un jugador dotado. Fue durante la escuela secundaria que descubrió el jazz, escuchando a artistas como Kenny Burrell y Tal Farlow. Sin embargo, fue su exposición al innovador guitarrista de fusión Larry Coryell lo que lo impulsó a mezclar el jazz, el blues, el rock y más. En 1972, se matriculó en el Berklee College of Music de Boston, donde se unió a un cuarteto con el teclista Barry Miles. Una cinta del grupo acabó en manos del teclista Chick Corea, quien rápidamente ofreció a Di Meola la oportunidad de sustituir al guitarrista saliente Bill Connors en su incipiente conjunto de fusión Return to Forever. Di Meola dejó la escuela antes de terminar su carrera y se fue con el grupo, que entonces incluía al bajista Stanley Clarke y al baterista Lenny White. Fue con Di Meola que Return to Forever alcanzó su mayor éxito comercial, lanzando álbumes como Where Have I Known Before de 1974, No Mystery de 1975, ganador de un Grammy, y Romantic Warrior de 1976, todos los cuales entraron en el Top 40 de los Estados Unidos.

Tras la disolución de Return to Forever, Di Meola (entonces con sólo 22 años) se embarcó en una carrera en solitario, comenzando con la Tierra del Sol de Medianoche de 1976. En muchos sentidos una continuación de su trabajo con Return to Forever, el álbum incluía contribuciones de Corea y White, así como del baterista Steve Gadd, los bajistas Jaco Pastorius y Stanley Clarke, Barry Miles, y otros. Siguieron una serie de álbumes exitosos y algunos siguen siendo las mejores grabaciones de fusión de jazz de la época, como Elegant Gypsy de 1977, Casino de 1978 y Splendido Hotel de 1980, todos los cuales encontraron a Di Meola expandiendo aún más sus habilidades de fusión e incorporando elementos de influencias españolas, latinas y mundiales.

En los años 80, Di Meola se unió a John McLaughlin de la Mahavishnu Orchestra y a la estrella de la música clásica Paco de Lucía en la noche de los viernes de los 80 en San Francisco. De Lucía también participó en el quinto álbum en solitario de Di Meola, Electric Rendezvous de 1982, que también contó con la participación de los teclistas Jan Hammer y Philippe Saisse, Steve Gadd y otros. Un asunto similar lleno de estrellas, Scenario, llegó en 1983 y encontró a Di Meola tocando con Phil Collins de Génesis, el baterista de Yes Bill Bruford, el bajista Tony Levin y el teclista Hammer. Aún más exploraciones siguieron en 1985 cuando Di Meola abrazó los sonidos brasileños, emparejándose con el percusionista Airto Moreira para Soaring Through a Dream y el álbum en dúo Cielo e Terra.

A lo largo de los 80 y 90, Di Meola ganó anualmente los máximos honores en las encuestas de la revista Guitar Player. También se encontró muy solicitado como colaborador e intérprete de escaparate, tocando en álbumes de Paul Simon, Stanley Jordan y Stomu Yamashta, entre otros. En los años 90, Di Meola se alejó casi por completo de la fusión, concentrándose más en la música de base acústica que le encontró incorporando aún más tradiciones globales. Los ritmos de tango jugaron un papel especial en su sonido, como en la Sinfonía Mundial de 1990, Di Meola interpreta a Piazzolla, y el Corazón de los Inmigrantes de 1993. También hubo otras fechas estelares, como se unió a Stanley Clarke y Jean-Luc Ponty para Rite of Strings de 1995 y se reunió con McLaughlin y de Lucía para The Guitar Trio de 1996. Dos años más tarde, lanzó el sintetizador The Infinite Desire, que contó con la participación de Herbie Hancock y Peter Erskine. Completó la década con Winter Nights de 1999, su primer álbum de temática festiva.

Durante la década de 2000, Di Meola continuó con este enfoque ecléctico con lanzamientos como Revisited de 2003, Consequence of Chaos de 2006 y Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla de 2007. Al año siguiente, se emparejó con el flautista Eszter Horgas para el álbum de concierto He and Carmen. En 2011, Di Meola entregó el álbum de estudio de inspiración latina Pursuit of Radical Rhapsody, con el bajista Charlie Haden y el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba. 2013 es All Your Life: A Tribute to the Beatles, grabado en los estudios Abbey Road de Londres, encontró al guitarrista reelaborando canciones del cancionero de Lennon/McCartney.

El esfuerzo de fusión de exuberante textura Elysium siguió en 2015. Dos años más tarde, Di Meola entregó el álbum de concierto Morocco Fantasia, grabado en vivo en el Festival Mawazine de Rabat, Marruecos. Junto con la banda de Di Meola, el espectáculo contó con la participación de los músicos marroquíes Said Chraibi, el violinista Abdellah Meri y el percusionista Tarik Ben Ali. En 2018, entregó el Opus, que contó con las contribuciones del pianista de origen cubano Kemuel Roig. A través del Universo, la segunda exploración de Di Meola de la música de los Beatles, llegó en 2020.
https://www.allmusic.com/artist/al-di-meola-mn0000600228/biography


aldimeola.com ...    

 

Joel Weiskopf • New Beginning

 

www.joelweiskopf.com ...


Colaborador / Contributor:  Ketmokin

John Patitucci • Soul of the Bass

 

www.johnpatitucci.com ...

John Patitucci • Spirit Fall

 

Review by Thom Jurek
Spirit Fall marks bassist/composer John Patitucci's debut leader album for Edition Records. His sidemen are saxophonist Chris Potter and drummer Brian Blade. The drummer and Patitucci were members of the Wayne Shorter Quartet, and the late saxophonist/composer was a tremendous influence on Potter. Nine of the set's ten tracks were composed by the bassist, and he includes a cover of Shorter's "House of Jade." Spirit Fall is a deeply personal project for Patitucci, reflecting his commitment to music that has the power to uplift and often bridge societal and cultural divides. Patitucci desires connecting with family and friends naturally, but also, and especially, people on the margins. The album draws inspiration from the rich tradition of New York saxophone trio music, reflecting the influence of Sonny Rollins, Joe Henderson, and Joe Lovano's Trio Fascination.

Opener "Think Fast" is a delightful meld of organic groove from the bassist and Blade as Potter moves through folk themes in a post-bop language. It's Patitucci's inventive, swinging solo that steals the show. "Pole Star" commences as a midtempo modal finger-popper. Potter sets up as the rhythm section engage directly with one another. His sax solo follows and builds on harmony and dynamic before an understated bass solo syncopates the melody. The bassist introduces a blues walk titled "Deluge on 7th Ave," which languidly pursues a funky soul-jazz groove until Potter begins to break free, crossing post-bop, modal blues, and neo-bop as the rhythm section erects a ledge underneath. Patitucci uses his electric bass like a guitar on the title track, creating a droning modal jam that Blade takes apart with double- and triple-timed flourishes before reconstructing the groove as Potter solos on soprano, invoking the spirits of John Coltrane and Steve Lacy. "Lipím" is Cameroonian for "hope." Using an electric bass, Patitucci and Blade deliver lithe, syncopated funk while Potter offers a melody derived from township jazz; it's complex yet nearly hummable. The reading of Shorter's "House of Jade" manages to infuse it with a dynamic, noirish blues vibe inside modal hard bop. In the slightly more abstract "Light in the Darkness" the harmony channels a chamber group. While the bassist leads, Potter deciphers the mysterious melodic code, leading the other players toward improvisation without sacrificing the blues feel. Closer "Sonrisa" melds Caribbean and Afro-Latin rhythms in a joyous, carnivalesque melody that is also almost hummable. The musicians come off sounding like a crack band playing in the street. It contains killer solos from Potter, Patitucci, and amazing rhythmic invention from Blade, who pushes them ever further onto the cliff. While Spirit Fall is a diverse modern jazz recording, its roots lie deep in several musical traditions and international folk forms. Taken as a whole, the album reveals the sax/bass/drums trio has plenty of room for exploration and discovery, as its fine tunes provide a balm for the soul in deeply troubled times.
https://www.allmusic.com/album/spirit-fall-mw0004421684

///////

Reseña de Thom Jurek
Spirit Fall marca el álbum debut como líder del bajista / compositor John Patitucci para Edition Records. Sus acompañantes son el saxofonista Chris Potter y el baterista Brian Blade. El baterista y Patitucci eran miembros del Cuarteto Wayne Shorter, y el difunto saxofonista / compositor fue una tremenda influencia para Potter. Nueve de las diez pistas del set fueron compuestas por el bajista, e incluye una versión de "House of Jade" de Shorter."Spirit Fall es un proyecto profundamente personal para Patitucci, que refleja su compromiso con la música que tiene el poder de elevar y, a menudo, salvar las divisiones sociales y culturales. Patitucci desea conectarse con familiares y amigos de forma natural, pero también, y especialmente, con personas marginadas. El álbum se inspira en la rica tradición de la música de trío de saxofones de Nueva York, reflejando la influencia de la fascinación del Trío de Sonny Rollins, Joe Henderson y Joe Lovano.

El abridor "Think Fast" es una deliciosa fusión de groove orgánico del bajista y Blade mientras Potter se mueve a través de temas folclóricos en un lenguaje post-bop. Es el ingenioso y oscilante solo de Patitucci lo que se roba el espectáculo. "Pole Star" comienza como un finger-popper modal de medio tiempo. Potter se prepara mientras la sección rítmica interactúa directamente entre sí. Su solo de saxo sigue y se basa en la armonía y la dinámica antes de que un discreto solo de bajo sincopeara la melodía. El bajista presenta una caminata de blues titulada "Deluge on 7th Ave", que persigue lánguidamente un ritmo funky soul-jazz hasta que Potter comienza a liberarse, cruzando post-bop, blues modal y neo-bop mientras la sección rítmica erige una repisa debajo. Patitucci usa su bajo eléctrico como una guitarra en la canción principal, creando un zumbido modal que Blade desarma con florituras dobles y triples antes de reconstruir el ritmo como solos de Potter en soprano, invocando los espíritus de John Coltrane y Steve Lacy. "Lipím" es camerunés para " esperanza."Usando un bajo eléctrico, Patitucci y Blade ofrecen un funk ágil y sincopado, mientras que Potter ofrece una melodía derivada del township jazz ; es complejo pero casi tarareable. La lectura de "House of Jade" de Shorter logra infundirle una vibra dinámica de blues negro dentro del hard bop modal. En la ligeramente más abstracta "Light in the Darkness", la armonía canaliza un grupo de cámara. Mientras el bajista lidera, Potter descifra el misterioso código melódico, guiando a los otros músicos hacia la improvisación sin sacrificar la sensación de blues. Closer "Sonrisa" fusiona ritmos caribeños y afrolatinos en una melodía alegre y carnavalesca que también es casi tarareable. Los músicos salen sonando como una banda de crack tocando en la calle. Contiene solos asesinos de Potter, Patitucci y una increíble invención rítmica de Blade, que los empuja cada vez más hacia el precipicio. Si bien Spirit Fall es una grabación diversa de jazz moderno, sus raíces se encuentran profundamente en varias tradiciones musicales y formas folclóricas internacionales. Tomado en su conjunto, el álbum revela que el trío de saxo/bajo/batería tiene mucho espacio para la exploración y el descubrimiento, ya que sus melodías finas brindan un bálsamo para el alma en tiempos profundamente difíciles.
https://www.allmusic.com/album/spirit-fall-mw0004421684


 

www.johnpatitucci.com ...

Gary Burton & Friends • Departure

 

gary-burton ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

VA • Jazz Rock - Verve 50

 

Joseph Tawadros • The Hour Of Separation

 

 

Biography
by James Manheim
Joseph Tawadros is among the world's greatest players of the oud, a stringed instrument characteristic of the art music systems of the Arab world. He is especially notable for the range of his collaborations with classical, jazz, and pop musicians.

Tawadros was born in Cairo in 1983. His family moved to Australia when he was three, but he has maintained connections with the eastern Mediterranean region, serving on prize juries for oud competitions in Damascus, Syria, and Istanbul, Turkey. At first, Tawadros wanted to play the trumpet, but when he was eight, he saw a film about Egyptian popular singer Sayed Darwish and decided to take up a more characteristically Egyptian instrument. Tawadros studied at the University of New South Wales, earning a bachelor's degree in music. He also took lessons on various instruments on trips to Egypt, including the violin (in an Arabic style) with Esawi Dagher, the nay bamboo flute, the qanun zither, and the cello, as well as the oud. He is also a composer who has written music for four films, including the 2017 hit Ali's Wedding. Tawadros has toured on four continents, generally collaborating with musicians from other spheres. His collaborators include classical ensembles (the Australian Chamber Orchestra, the Academy of Ancient Music in London, where he became the only Australian composer of any type to have his music performed, and the Sydney Symphony); jazz (Jack DeJohnette, Roy Ayers, and Joey DeFrancesco); and the pop sphere (the eclectic banjoist Bela Fleck). He has often performed and recorded with his brother, percussionist James Tawadros.

Tawadros has been widely acclaimed for his recordings, which began in 2004 with his solo oud album Storyteller. At Australia's ARIA Music Awards, he won the Best World Music Album award in 2012 for Concerto of the Greater Sea, in 2013 for Chameleons of the White Shadow, and in 2014 for Permission to Evaporate. On his 2016 album World Music, Tawadros played no fewer than 52 different instruments, with his brother adding 11 more. In 2019, he released the album Betrayal of a Sacred Sunflower, featuring electric guitar, violin, trombone, and piano, and the following year he was heard on the Twilight People album of countertenor Andreas Scholl, performing on his own song composition Beauty is Life. Tawadros lives in London but has continued to perform frequently in Australia.
https://www.allmusic.com/artist/joseph-tawadros-mn0002015689/biography

///////

Biografía
por James Manheim
Joseph Tawadros es uno de los mejores intérpretes del mundo de oud, un instrumento de cuerda característico de los sistemas de música artística del mundo árabe. Destaca especialmente por la variedad de sus colaboraciones con músicos de música clásica, jazz y pop.

Tawadros nació en El Cairo en 1983. Su familia se trasladó a Australia cuando él tenía tres años, pero ha mantenido vínculos con la región del Mediterráneo oriental, formando parte de jurados de concursos de laúd en Damasco (Siria) y Estambul (Turquía). Al principio, Tawadros quería tocar la trompeta, pero a los ocho años vio una película sobre el cantante popular egipcio Sayed Darwish y decidió dedicarse a un instrumento más característicamente egipcio. Tawadros estudió en la Universidad de Nueva Gales del Sur y se licenció en música. También recibió clases de varios instrumentos en viajes a Egipto, entre ellos el violín (de estilo árabe) con Esawi Dagher, la flauta de bambú nay, la cítara qanun y el violonchelo, así como el oud. También es compositor y ha escrito música para cuatro películas, entre ellas el éxito de 2017 La boda de Ali. Tawadros ha realizado giras por cuatro continentes, generalmente colaborando con músicos de otros ámbitos. Entre sus colaboradores figuran conjuntos clásicos (la Orquesta de Cámara Australiana, la Academia de Música Antigua de Londres, donde se convirtió en el único compositor australiano de cualquier tipo en ver interpretada su música, y la Sinfónica de Sídney); jazz (Jack DeJohnette, Roy Ayers y Joey DeFrancesco); y la esfera pop (el ecléctico banjoísta Bela Fleck). Ha actuado y grabado a menudo con su hermano, el percusionista James Tawadros.

Tawadros ha sido ampliamente aclamado por sus grabaciones, que comenzaron en 2004 con su álbum en solitario con laúd Storyteller. En los ARIA Music Awards de Australia, ganó el premio al Mejor Álbum de Música del Mundo en 2012 por Concerto of the Greater Sea, en 2013 por Chameleons of the White Shadow y en 2014 por Permission to Evaporate. En su álbum World Music de 2016, Tawadros tocó nada menos que 52 instrumentos diferentes, y su hermano añadió 11 más. En 2019, publicó el álbum Betrayal of a Sacred Sunflower, con guitarra eléctrica, violín, trombón y piano, y al año siguiente se le escuchó en el álbum Twilight People del contratenor Andreas Scholl, actuando en su propia composición de canciones Beauty is Life. Tawadros vive en Londres, pero sigue actuando con frecuencia en Australia.
https://www.allmusic.com/artist/joseph-tawadros-mn0002015689/biography


josephtawadros.com ...

Chick Corea Elektric Band • The Future Is Now

 

 

chickcorea.com ...
shop.chickcorea.com ...

Kazumi Watanabe • ONE for ALL

 

Biography
by Matt Collar
A technically adept guitarist with a dynamic, highly inventive, jazz fusion-based sound, Kazumi Watanabe is one of Japan's most prolific and recognizable instrumentalists. Although primarily focused on jazz, Watanabe has left his mark on such varied genres as hard rock, electronic pop, and ambient classical music. Since debuting in the '70s, the early prodigy has built an impressive body of work with numerous solo projects and collaborations with such luminaries as Ryuichi Sakamoto, Mike Mainieri, Bill Bruford, and many more.

Born in Tokyo in 1953, Watanabe became interested in music at a young age, starting out on the piano at age seven. However, by age 12 he had picked up a guitar, inspired by the twangy electric surf rock of the Ventures and, later, the warm and soulful jazz of Wes Montgomery. Although naturally gifted and largely hailed as a prodigy, he did study for a time with Sadanori Nakamure at the Yamaha Music School in Tokyo. At age 17, Watanabe made his recorded debut with 1971's Infinite, a sprawling set of edgy modal jazz.

He then signed with Columbia and delivered a handful of highly regarded efforts including 1974's Endless Way, 1977's Lonesome Cat, and 1977's Olive's Step, all of which found him embracing a bold crossover jazz and rock sound. His 1978 album, Mermaid Boulevard, further solidified his fusion star status with an all-star lineup featuring Lee Ritenour, Ernie Watts, Patrice Rushen, Harvey Mason, and others. He also toured often during this period, appearing with many of Japan's top performers including Sadao Watanabe, Isao Suzuki, Masaru Imada, and others.

Watanabe closed out the '70s with formation of the landmark fusion and pop outfit Kylyn alongside legendary keyboardist Ryuichi Sakamoto. Together, they released such well-received efforts as Kylyn and Kylyn Live. The guitarist also contributed to Sakamoto's 1978 solo debut, Thousand Knives, and toured with the keyboardist's electronic outfit Yellow Magic Orchestra. The pair's work together was compiled for 1978's Tokyo Joe, which was re-released outside of Japan in the early '80s.

The '80s continued to prove a fruitful period for the guitarist, who issued the hugely successful fusion effort To Chi Ka in 1980, featuring vibraphonist Mike Mainieri, pianist Kenny Kirkland, bassists Marcus Miller and Tony Levin, drummer Peter Erskine, and guest saxophonist Michael Brecker. A year later he delivered Dogatana, which revealed his growing interest in the acoustic guitar. Also during this period, he toured with the Brecker Brothers and Jaco Pastorius, and recorded with Mainieri's Steps Ahead and saxophonist Sadao Watanabe.

In 1983, he founded the genre-bending fusion and rock outfit Mobo with pianist Ichiko Hashimoto, guitarist Gregg Lee, saxophonist Mitsuru Sawamura, and drummers Shuichi Murakami and Kiyohiko Senba. The group debuted with Mobo, Vol. 1, followed by a handful of influential efforts including 1983's Mobo Club and 1985's Mobo Splash. He then paired with bassist Jeff Berlin and Yes drummer Bill Bruford for 1987's The Spice of Life and 1988's The Spice of Life Too. Watanabe capped the decade with his solo effort Kilowatt, which featured guest spots from saxophonist Wayne Shorter, percussionist Alex Acuña, and keyboardist Patrick Moraz.

Having established himself as one of the world's preeminent electric fusion guitarists, Watanabe began gravitating toward acoustic music, a sound he explored on 1990's Ganesia. He also played numerous live acoustic shows duetting with guitarists like Babik Reinhardt, Ralph Towner, Tonino Horta, and others. Nonetheless, he remained a vital force in electric fusion with his Resonance Vox outfit, delivering albums like 1992's Pandora, 1996's Romanesque, and 1999's Jigojitoku. In 1999, he reunited with longtime associates vibraphonist Mainieri, bassist John Patitucci, guitarist Larry Coryell, keyboardist Akiko Yano, and drummer Mino Cinelu for the live album One for All.

He also continued to expand his palette, touring with the 32-member Asian Fantasy Orchestra, and exploring new formats, as on his first solo guitar album, 2003's Guitar Renaissance. That same year, he joined bassist Richard Bona and drummer Horacio "El Negro" Hernández in the New Electric Trio with 'Mo Bop. Also around this time, he celebrated 30 years as a guitarist with the Infinite Beyond suite, which was released on album in 2006. A year later, he collaborated with pianist and longtime partner Koko Tanikawa on the environmentally conscious album Castle in the Air. He then paired with vocalist Minako Yoshida for a set of intimate acoustic covers on 2008's Nowadays. He also launched the Asian Super Guitar Project during this period, featuring guitarists from Korea and Hong Kong on the album Guitar Sam Guk Ji.

Along with recording, Watanabe remains an active live performer with regular appearances in Japan and around the world. In 2010, he reunited with Mainieri, Marcus Miller, pianist Warren Bernhardt, and drummer Omar Hakim for To Chi Ka 2010 at the Tokyo Jazz Festival. The concert album Live at the Iridium appeared in 2012, followed by Lotus Night with Mainieri and Bernhardt in 2016. In 2017, Watanabe delivered the orchestral album Tokyo Wanderer.
https://www.allmusic.com/artist/kazumi-watanabe-mn0000369869/biography

///////

Biografía
por Matt Collar
Kazumi Watanabe, un guitarrista técnicamente experto con un sonido dinámico y altamente inventivo basado en la fusión de jazz, es uno de los instrumentistas japoneses más prolíficos y reconocidos. Aunque centrado principalmente en el jazz, Watanabe ha dejado su impronta en géneros tan variados como el rock duro, el pop electrónico y la música clásica ambiental. Desde su debut en los años 70, este prodigio precoz ha construido una impresionante obra con numerosos proyectos en solitario y colaboraciones con luminarias de la talla de Ryuichi Sakamoto, Mike Mainieri, Bill Bruford y muchos más.

Nacido en Tokio en 1953, Watanabe comenzó a interesarse por la música a una edad temprana, iniciándose en el piano a los siete años. A los 12 ya había cogido la guitarra, inspirado por el surf rock eléctrico de los Ventures y, más tarde, por el jazz cálido y conmovedor de Wes Montgomery. Aunque dotado por naturaleza y considerado un prodigio, estudió durante un tiempo con Sadanori Nakamure en la Escuela de Música Yamaha de Tokio. A los 17 años, Watanabe hizo su debut discográfico con Infinite, de 1971, un extenso conjunto de jazz modal de vanguardia.

A continuación firmó con Columbia y publicó un puñado de álbumes de gran prestigio, como Endless Way (1974), Lonesome Cat (1977) y Olive's Step (1977), en los que adoptó un audaz cruce de jazz y rock. Su álbum de 1978, Mermaid Boulevard, consolidó aún más su estatus de estrella de la fusión con una formación de estrellas que incluía a Lee Ritenour, Ernie Watts, Patrice Rushen, Harvey Mason y otros. También realizó numerosas giras durante este periodo, actuando con muchos de los mejores artistas japoneses, como Sadao Watanabe, Isao Suzuki, Masaru Imada y otros.

Watanabe cerró la década de los 70 con la formación del histórico grupo de fusión y pop Kylyn, junto al legendario teclista Ryuichi Sakamoto. Juntos publicaron trabajos tan bien recibidos como Kylyn y Kylyn Live. El guitarrista también colaboró en el debut en solitario de Sakamoto en 1978, Thousand Knives, y realizó giras con el grupo electrónico del teclista, Yellow Magic Orchestra. El trabajo conjunto de ambos se recopiló en Tokyo Joe, de 1978, que se reeditó fuera de Japón a principios de los 80.

Los 80 siguieron siendo un periodo fructífero para el guitarrista, que publicó el exitoso álbum de fusión To Chi Ka en 1980, con el vibrafonista Mike Mainieri, el pianista Kenny Kirkland, los bajistas Marcus Miller y Tony Levin, el batería Peter Erskine y el saxofonista invitado Michael Brecker. Un año más tarde publicó Dogatana, que revelaba su creciente interés por la guitarra acústica. También durante este periodo, realizó giras con los Brecker Brothers y Jaco Pastorius, y grabó con Steps Ahead de Mainieri y el saxofonista Sadao Watanabe.

En 1983 fundó el grupo de fusión y rock Mobo con el pianista Ichiko Hashimoto, el guitarrista Gregg Lee, el saxofonista Mitsuru Sawamura y los baterías Shuichi Murakami y Kiyohiko Senba. El grupo debutó con Mobo, Vol. 1, al que siguieron varios trabajos influyentes, como Mobo Club, de 1983, y Mobo Splash, de 1985. Luego formó pareja con el bajista Jeff Berlin y el batería de Yes Bill Bruford para The Spice of Life, de 1987, y The Spice of Life Too, de 1988. Watanabe cerró la década con su disco en solitario Kilowatt, que contó con la participación del saxofonista Wayne Shorter, el percusionista Alex Acuña y el teclista Patrick Moraz.

Tras establecerse como uno de los guitarristas de fusión eléctrica más destacados del mundo, Watanabe empezó a inclinarse por la música acústica, un sonido que exploró en Ganesia, de 1990. También tocó en numerosos conciertos acústicos a dúo con guitarristas como Babik Reinhardt, Ralph Towner y Tonino Horta, entre otros. Sin embargo, siguió siendo una fuerza vital en la fusión eléctrica con su grupo Resonance Vox, con álbumes como Pandora (1992), Romanesque (1996) y Jigojitoku (1999). En 1999, se reunió con Mainieri (vibrafonista), John Patitucci (bajista), Larry Coryell (guitarrista), Akiko Yano (teclista) y Mino Cinelu (batería) para el álbum en directo One for All.

También siguió ampliando su paleta, realizando giras con la Asian Fantasy Orchestra, formada por 32 miembros, y explorando nuevos formatos, como en su primer álbum de guitarra en solitario, Guitar Renaissance, de 2003. Ese mismo año se unió al bajista Richard Bona y al batería Horacio "El Negro" Hernández en el New Electric Trio con 'Mo Bop. También por esas fechas, celebró sus 30 años como guitarrista con la suite Infinite Beyond, que se publicó en álbum en 2006. Un año más tarde, colaboró con la pianista y compañera de muchos años Koko Tanikawa en el álbum Castle in the Air, con conciencia medioambiental. Luego se asoció con la vocalista Minako Yoshida para una serie de íntimas versiones acústicas en Nowadays, de 2008. También lanzó el Asian Super Guitar Project durante este periodo, con guitarristas de Corea y Hong Kong en el álbum Guitar Sam Guk Ji.

Además de grabar, Watanabe sigue actuando en directo con regularidad en Japón y en todo el mundo. En 2010, se reunió con Mainieri, Marcus Miller, el pianista Warren Bernhardt y el batería Omar Hakim para To Chi Ka 2010 en el Festival de Jazz de Tokio. El álbum de conciertos Live at the Iridium apareció en 2012, seguido de Lotus Night con Mainieri y Bernhardt en 2016. En 2017, Watanabe entregó el álbum orquestal Tokyo Wanderer.
https://www.allmusic.com/artist/kazumi-watanabe-mn0000369869/biography

www.kazumiwatanabe.net ...

Al Di Meola • Winter Nights

 

Review by Richard S. Ginell
Al di Meola's first so-called Christmas album is a relaxed, flowing, intensely musical affair that jazzers, world music buffs, and new agers will feel equally comfortable with. Mostly, he steers away from the often-cracked chestnuts, composing several nice tunes of his own ("Zima," the leadoff cut, is especially inviting), playing acoustic guitar and a battery of percussion instruments and keyboards in a graceful one-man band, thanks to multi-track tape. Other tracks feature duets between di Meola (with overdubbed additional instruments) and Roman Hrynkiv, who plays a Ukrainian zither-like instrument called the bandura. For the die-hard consumer who must have those carols, there are intricate renditions of "The First Noel," "Have Yourself a Merry Little Christmas," and "Carol of the Bells."
https://www.allmusic.com/album/winter-nights-mw0000257721

///////

Reseña de Richard S. Ginell
El primer álbum de Navidad de Al di Meola es un asunto relajado, fluido e intensamente musical con el que los jazzistas, los aficionados a la música del mundo y los new age se sentirán igualmente cómodos. Sobre todo, se aleja de las castañas a menudo agrietadas, componiendo varios temas bonitos propios ("Zima", el corte principal, es especialmente atractivo), tocando la guitarra acústica y una batería de instrumentos de percusión y teclados en una elegante banda unipersonal, gracias a la cinta multipista. Otras pistas presentan duetos entre di Meola (con instrumentos adicionales sobredimensionados) y Roman Hrynkiv, que toca un instrumento ucraniano parecido a la cítara llamado bandura. Para el consumidor empedernido que debe tener esos villancicos, hay intrincadas interpretaciones de "El primer noel", "Ten una feliz navidad" y "Cuento de las campanas".
https://www.allmusic.com/album/winter-nights-mw0000257721


aldimeola.com ...     

 

Joel Weiskopf • Devoted To You

 

www.joelweiskopf.com ...


Colaborador / Contributor:  Ketmokin

John Patitucci Trio • Remembrance

 

Review by Phil Freeman
Bassist John Patitucci's tenure with the Concord label has found him working in a variety of contexts, from Latin jazz to string quartets with saxophones, but this, his sixth album for the label and his first release as a leader since 2006's Grammy-nominated Line by Line, is possibly his most stripped-down release to date: a straight trio session with saxophonist Joe Lovano and drummer Brian Blade. Blade has been working with Patitucci for several albums now, but Lovano is a relative newcomer to the bassist's discography, having only previously appeared on a few tracks from 2001's Communion. This disc, like others in his catalog, finds Patitucci alternating between acoustic and electric bass, and while both approaches are equally worthwhile (the guy's a serious talent), the switching back and forth between funk and swing makes for a slightly disjointed listen. A better idea might have been to divide everything up, putting "Monk/Trane," "Sonny Side," "Scenes from an Opera," "Blues for Freddie," "Safari," "Joe Hen," and "Play Ball" up front and leaving "Messiaen's Gumbo," "Meditations," "Mali," and the short but beautiful title track as a four-song coda. But in any case, there are no bad tracks here -- Lovano's soloing is as deft and muscular as always, and Blade's drumming is powerful without sacrificing subtlety -- so a little style-hopping can be forgiven.
https://www.allmusic.com/album/remembrance-mw0000816508

///////

Reseña de Phil Freeman
El bajista John Patitucci ha trabajado con el sello Concord en una gran variedad de contextos, desde jazz latino hasta cuartetos de cuerda con saxofones, pero éste, su sexto álbum para el sello y su primer disco como líder desde Line by Line, nominado al Grammy en 2006, es posiblemente su disco más sencillo hasta la fecha: una sesión de trío con el saxofonista Joe Lovano y el batería Brian Blade. Blade lleva varios discos trabajando con Patitucci, pero Lovano es relativamente nuevo en la discografía del bajista, ya que sólo ha aparecido en algunos temas de Communion, de 2001. En este disco, como en otros de su catálogo, Patitucci alterna entre el bajo acústico y el eléctrico, y aunque ambos enfoques son igualmente valiosos (el tipo tiene un gran talento), el ir y venir entre el funk y el swing hace que la escucha sea un poco inconexa. Una mejor idea podría haber sido dividirlo todo, poniendo "Monk/Trane", "Sonny Side", "Scenes from an Opera", "Blues for Freddie", "Safari", "Joe Hen" y "Play Ball" al principio y dejando "Messiaen's Gumbo", "Meditations", "Mali" y la corta pero hermosa canción del título como coda de cuatro canciones. Pero en cualquier caso, no hay temas malos aquí -los solos de Lovano son tan hábiles y musculosos como siempre, y la batería de Blade es poderosa sin sacrificar la sutileza-, así que se puede perdonar un pequeño salto de estilo.
https://www.allmusic.com/album/remembrance-mw0000816508


www.johnpatitucci.com ...
www.johnpatitucci.com/remembrance ...

Jazz Funk Soul • Jazz Funk Soul

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Wayne Shorter • Without A Net

 

Review by Thom Jurek
Without a Net is Wayne Shorter's first Blue Note recording date since August 26, 1970, when he recorded Moto Grosso Feio and Odyssey of Iska. That's nearly 43 years. Shorter has pursued many paths since then, as a member of Weather Report, and as a bandleader. This quartet was assembled for a 2001 European tour and has been playing together ever since. It shows. The interplay Shorter shares with pianist Danilo Pérez, bassist John Pattitucci, and drummer Brian Blade is not merely intuitive, it is seamlessly empathic. All but one of these tunes were recorded during the group's 2011 tour. The lone exception is "Pegasus," recorded with the Imani Winds at the Walt Disney Concert Hall. There are six new tunes here; the quartet is credited with two of them. Shorter also revises some others, including set opener "Orbits" (the original was on Miles Davis' Miles Smiles) and "Plaza Real" (from Weather Report's Procession album). The only outlier, "Flying Down to Rio," is a version of the title tune from a 1933 film. Fireworks from this band can be heard everywhere. But the group aesthetic is especially noticeable in the penetrating romanticism of "Starry Night," where what appears restrained -- at least initially -- is actually quite exploratory and forceful. It's also apparent in the slow deliberation at play in the brooding "Myrrh." "Plaza Real" is a different animal here. Shorter's soprano soars and swoops through the melody, extending it at each turn as Pérez offers bright, pulsing chords to highlight the harmonic richness on display. Blade digs deep into his tom-toms, and finds an alternate polyrhythmic route that underscores the elegance and momentum in Shorter's lyric invention. The album's centerpiece is the 23-minute "Pegasus," which expands the band into a nonet. It is a tone poem that commences very slowly and deliberately. But its form gradually opens to allow for great expressions of individual and group freedom. Shorter's athletic soprano solo is breathtaking. The arrangement on "Flying Down to Rio" turns its catchy yet off-kilter melody into a group dialogue centered around a swirling series of complex harmonic statements. Pattitucci introduces "Zero Gravity to the 10th Power" with a funky vamp before layers of melody, harmonic extrapolation, and rhythmic interplay are added. By the time Shorter takes his tenor solo, we've heard everything from Latin grooves to modal assertions to classical motifs and some near explosions from Blade. While any new album from Shorter is an event at this juncture (he's nearly 80 yet in peak form here as composer and soloist), Without a Net is special even among the recordings made by this outstanding group.
https://www.allmusic.com/album/without-a-net-mw0002445530

///////

Reseña de Thom Jurek
Without a Net es la primera grabación de Wayne Shorter en Blue Note desde el 26 de agosto de 1970, cuando grabó Moto Grosso Feio y Odyssey of Iska. Son casi 43 años. Shorter ha seguido muchos caminos desde entonces, como miembro de Weather Report y como director de orquesta. Este cuarteto se reunió para una gira europea en 2001 y han estado tocando juntos desde entonces. Y se nota. La interacción que Shorter comparte con el pianista Danilo Pérez, el bajista John Pattitucci y el batería Brian Blade no es meramente intuitiva, sino perfectamente empática. Todas menos una de estas melodías fueron grabadas durante la gira del grupo en 2011. La única excepción es «Pegasus», grabada con Imani Winds en el Walt Disney Concert Hall. Aquí hay seis melodías nuevas; el cuarteto se atribuye dos de ellas. Shorter también revisa otras, como «Orbits» (la original estaba en Miles Smiles de Miles Davis) y «Plaza Real» (del álbum Procession de Weather Report). La única canción atípica, «Flying Down to Rio», es una versión de la canción principal de una película de 1933. Los fuegos artificiales de esta banda se oyen por todas partes. Pero la estética del grupo se aprecia especialmente en el penetrante romanticismo de «Starry Night», donde lo que parece comedido -al menos al principio- es en realidad bastante exploratorio y contundente. También es evidente en la lenta deliberación de la melancólica «Mirra». «Plaza Real» es un animal La soprano de Shorter se eleva y se abalanza a través de la melodía, extendiéndola en cada giro mientras Pérez ofrece acordes brillantes y pulsantes para resaltar la riqueza armónica que se despliega. Blade profundiza en sus tom-toms y encuentra una ruta polirrítmica alternativa que subraya la elegancia y el ímpetu en la invención lírica de Shorter. La pieza central del álbum es «Pegasus», de 23 minutos de duración, que convierte a la banda en un noneto. Es un poema tonal que comienza muy lenta y deliberadamente. Pero su forma se abre gradualmente para permitir grandes expresiones de libertad individual y de grupo. El atlético solo de soprano de Shorter es impresionante. Los arreglos de «Flying Down to Rio» convierten su melodía pegadiza y alocada en un diálogo de grupo centrado en una serie de complejos enunciados armónicos. Pattitucci introduce «Zero Gravity to the 10th Power» con un funky vamp antes de que se añadan capas de melodía, extrapolación armónica e interacción rítmica. Para cuando Shorter toma su solo de tenor, hemos escuchado de todo, desde grooves latinos a afirmaciones modales, pasando por motivos clásicos y algunas casi explosiones de Blade. Aunque cualquier nuevo álbum de Shorter es un acontecimiento en esta coyuntura (tiene casi 80 años pero está en plena forma como compositor y solista), Without a Net es especial incluso entre las grabaciones realizadas por este destacado grupo.
https://www.allmusic.com/album/without-a-net-mw0002445530

wayneshorterofficial.com ...

Al Di Meola • Calderone Hall Hempstead, New York

 

Biography by Matt Collar
An acclaimed fusion guitarist, Al Di Meola first rose to prominence in the 1970s as a fiery jazz-rock pioneer before embracing a globally expansive mix of sounds. A key member of Chick Corea's landmark fusion band Return to Forever, Di Meola established his reputation on many of the group's classic dates before coming into his own on albums like 1977's Elegant Gypsy and 1980's Splendido Hotel. Along with tours in his all-star guitar trio with John McLaughlin and Paco de Lucia, Di Meola has collaborated on projects with luminaries like Stanley Clarke, Larry Coryell, Paul Simon, Luciano Pavarotti, Gonzalo Rubalcaba, Charlie Haden, and others. He has continued to expand his sound on albums like 1990's World Sinfonia, 2011's Pursuit of Radical Rhapsody, and 2018's Opus, balancing his fusion roots with forays into Argentinian tango and Spanish flamenco, as well as Middle Eastern, North African, and Afro-Cuban traditions.

Born in 1954 in Jersey City, New Jersey, Di Meola started playing guitar at a young age, inspired by bands like the Ventures and the Beatles. A diligent student, he progressed quickly and by his teens was already a gifted player. It was during high school that he discovered jazz, listening to artists like Kenny Burrell and Tal Farlow. However, it was his exposure to innovative fusion guitarist Larry Coryell that sparked him to blend jazz, blues, rock, and more. In 1972, he enrolled at Boston's Berklee College of Music, where he joined a quartet featuring keyboardist Barry Miles. A tape of the group eventually landed in the hands of keyboardist Chick Corea, who quickly offered Di Meola a chance to replace outgoing guitarist Bill Connors in his fledgling fusion ensemble Return to Forever. Di Meola left school prior to finishing his degree and hit the road with the group, which then included bassist Stanley Clarke, and drummer Lenny White. It was with Di Meola that Return to Forever achieved their greatest commercial success, releasing albums like 1974's Where Have I Known Before, 1975's Grammy-winning No Mystery, and 1976's Romantic Warrior, all-of-which cracked the U.S. Top 40.

After Return to Forever disbanded, Di Meola (then only 22 years old) embarked on a solo career, starting with 1976's Land of the Midnight Sun. In many ways a continuation of his work with Return to Forever, the album included contributions by Corea and White, as well as drummer Steve Gadd, bassists Jaco Pastorius and Stanley Clarke, Barry Miles, and others. A string of successful albums followed and some remain the finest jazz fusion recordings of the era, including 1977's gold-certified Elegant Gypsy, 1978's Casino, and 1980's Splendido Hotel, all of which found Di Meola further expanding his fusion skills and incorporating elements of Spanish, Latin, and world influences.

More genre-crossing followed in the '80s as Di Meola united with fellow guitarists Mahavishnu Orchestra's John McLaughlin and classical star Paco de Lucía for 1980's Friday Night in San Francisco. De Lucia was also on board for Di Meola's fifth solo album, 1982's Electric Rendezvous, which also featured keyboardists Jan Hammer and Philippe Saisse, Steve Gadd, and others. A similarly star-studded affair, Scenario, arrived in 1983 and found Di Meola playing with Genesis' Phil Collins, Yes drummer Bill Bruford, bassist Tony Levin, and keyboardist Hammer. Still more explorations followed in 1985 as Di Meola embraced Brazilian sounds, pairing with percussionist Airto Moreira for Soaring Through a Dream and the duo album Cielo e Terra.

Throughout the '80s and '90s, Di Meola earned yearly top honors in Guitar Player magazine polls. He also found himself in-demand as a collaborator and showcase performer, playing on albums by Paul Simon, Stanley Jordan, and Stomu Yamashta, among others. Into the '90s Di Meola shifted almost entirely away from fusion, concentrating more on acoustic-based music that found him incorporating yet more global traditions. Tango rhythms especially played a role in his sound, as on 1990's World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and 1993's Heart of the Immigrants. There were also further all-star dates, as he joined Stanley Clarke and Jean-Luc Ponty for 1995's Rite of Strings and reunited with McLaughlin and de Lucia for 1996's The Guitar Trio. Two years later, he released the synth-heavy The Infinite Desire, which featured guest spots from Herbie Hancock and Peter Erskine. He rounded out the decade with 1999's Winter Nights, his first-ever holiday-themed album.

During the 2000s, Di Meola continued this eclectic approach with releases like 2003's Revisited, 2006's Consequence of Chaos, and 2007's Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla. The following year, he paired with flutist Eszter Horgas for the concert album He and Carmen. In 2011, Di Meola delivered the Latin-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba. 2013's All Your Life: A Tribute to the Beatles Recorded at Abbey Road Studios, London found the guitarist reworking songs from the Lennon/McCartney songbook.

The lushly textured fusion effort Elysium followed in 2015. Two years later, Di Meola delivered the concert album Morocco Fantasia, recorded live at the Mawazine Festival in Rabat, Morocco. Along with Di Meola's band, the show featured guest appearances by Moroccan musicians oud player Said Chraibi, violinist Abdellah Meri, and percussionist Tarik Ben Ali. In 2018, he delivered Opus, which featured contributions from Cuban-born pianist Kemuel Roig. Across the Universe, Di Meola's second exploration of the music of the Beatles, arrived in 2020.
https://www.allmusic.com/artist/al-di-meola-mn0000600228/biography

///////

Biografía de Matt Collar

Aclamado guitarrista de fusión, Al Di Meola se hizo famoso en la década de 1970 como pionero del jazz-rock antes de adoptar una mezcla de sonidos que se expandió a nivel mundial. Miembro clave de la histórica banda de fusión de Chick Corea, Return to Forever, Di Meola estableció su reputación en muchas de las fechas clásicas del grupo antes de hacerse famoso en álbumes como Elegant Gypsy de 1977 y Splendido Hotel de 1980. Además de las giras en su trío de guitarras de estrellas con John McLaughlin y Paco de Lucía, Di Meola ha colaborado en proyectos con luminarias como Stanley Clarke, Larry Coryell, Paul Simon, Luciano Pavarotti, Gonzalo Rubalcaba, Charlie Haden y otros. Ha continuado expandiendo su sonido en álbumes como World Sinfonia de 1990, Pursuit of Radical Rhapsody de 2011 y Opus de 2018, equilibrando sus raíces de fusión con incursiones en el tango argentino y el flamenco español, así como en las tradiciones de Oriente Medio, el norte de África y la cultura afrocubana.

Nacido en 1954 en Jersey City, Nueva Jersey, Di Meola comenzó a tocar la guitarra a una edad temprana, inspirado por bandas como los Ventures y los Beatles. Un estudiante diligente, progresó rápidamente y en su adolescencia ya era un jugador dotado. Fue durante la escuela secundaria que descubrió el jazz, escuchando a artistas como Kenny Burrell y Tal Farlow. Sin embargo, fue su exposición al innovador guitarrista de fusión Larry Coryell lo que lo impulsó a mezclar el jazz, el blues, el rock y más. En 1972, se matriculó en el Berklee College of Music de Boston, donde se unió a un cuarteto con el teclista Barry Miles. Una cinta del grupo acabó en manos del teclista Chick Corea, quien rápidamente ofreció a Di Meola la oportunidad de sustituir al guitarrista saliente Bill Connors en su incipiente conjunto de fusión Return to Forever. Di Meola dejó la escuela antes de terminar su carrera y se fue con el grupo, que entonces incluía al bajista Stanley Clarke y al baterista Lenny White. Fue con Di Meola que Return to Forever alcanzó su mayor éxito comercial, lanzando álbumes como Where Have I Known Before de 1974, No Mystery de 1975, ganador de un Grammy, y Romantic Warrior de 1976, todos los cuales entraron en el Top 40 de los Estados Unidos.

Tras la disolución de Return to Forever, Di Meola (entonces con sólo 22 años) se embarcó en una carrera en solitario, comenzando con la Tierra del Sol de Medianoche de 1976. En muchos sentidos una continuación de su trabajo con Return to Forever, el álbum incluía contribuciones de Corea y White, así como del baterista Steve Gadd, los bajistas Jaco Pastorius y Stanley Clarke, Barry Miles, y otros. Siguieron una serie de álbumes exitosos y algunos siguen siendo las mejores grabaciones de fusión de jazz de la época, como Elegant Gypsy de 1977, Casino de 1978 y Splendido Hotel de 1980, todos los cuales encontraron a Di Meola expandiendo aún más sus habilidades de fusión e incorporando elementos de influencias españolas, latinas y mundiales.

En los años 80, Di Meola se unió a John McLaughlin de la Mahavishnu Orchestra y a la estrella de la música clásica Paco de Lucía en la noche de los viernes de los 80 en San Francisco. De Lucía también participó en el quinto álbum en solitario de Di Meola, Electric Rendezvous de 1982, que también contó con la participación de los teclistas Jan Hammer y Philippe Saisse, Steve Gadd y otros. Un asunto similar lleno de estrellas, Scenario, llegó en 1983 y encontró a Di Meola tocando con Phil Collins de Génesis, el baterista de Yes Bill Bruford, el bajista Tony Levin y el teclista Hammer. Aún más exploraciones siguieron en 1985 cuando Di Meola abrazó los sonidos brasileños, emparejándose con el percusionista Airto Moreira para Soaring Through a Dream y el álbum en dúo Cielo e Terra.

A lo largo de los 80 y 90, Di Meola ganó anualmente los máximos honores en las encuestas de la revista Guitar Player. También se encontró muy solicitado como colaborador e intérprete de escaparate, tocando en álbumes de Paul Simon, Stanley Jordan y Stomu Yamashta, entre otros. En los años 90, Di Meola se alejó casi por completo de la fusión, concentrándose más en la música de base acústica que le encontró incorporando aún más tradiciones globales. Los ritmos de tango jugaron un papel especial en su sonido, como en la Sinfonía Mundial de 1990, Di Meola interpreta a Piazzolla, y el Corazón de los Inmigrantes de 1993. También hubo otras fechas estelares, como se unió a Stanley Clarke y Jean-Luc Ponty para Rite of Strings de 1995 y se reunió con McLaughlin y de Lucía para The Guitar Trio de 1996. Dos años más tarde, lanzó el sintetizador The Infinite Desire, que contó con la participación de Herbie Hancock y Peter Erskine. Completó la década con Winter Nights de 1999, su primer álbum de temática festiva.

Durante la década de 2000, Di Meola continuó con este enfoque ecléctico con lanzamientos como Revisited de 2003, Consequence of Chaos de 2006 y Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla de 2007. Al año siguiente, se emparejó con el flautista Eszter Horgas para el álbum de concierto He and Carmen. En 2011, Di Meola entregó el álbum de estudio de inspiración latina Pursuit of Radical Rhapsody, con el bajista Charlie Haden y el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba. 2013 es All Your Life: A Tribute to the Beatles, grabado en los estudios Abbey Road de Londres, encontró al guitarrista reelaborando canciones del cancionero de Lennon/McCartney.

El esfuerzo de fusión de exuberante textura Elysium siguió en 2015. Dos años más tarde, Di Meola entregó el álbum de concierto Morocco Fantasia, grabado en vivo en el Festival Mawazine de Rabat, Marruecos. Junto con la banda de Di Meola, el espectáculo contó con la participación de los músicos marroquíes Said Chraibi, el violinista Abdellah Meri y el percusionista Tarik Ben Ali. En 2018, entregó el Opus, que contó con las contribuciones del pianista de origen cubano Kemuel Roig. A través del Universo, la segunda exploración de Di Meola de la música de los Beatles, llegó en 2020.
https://www.allmusic.com/artist/al-di-meola-mn0000600228/biography

aldimeola.com ...