Red Norvo Trio • Move !

 

 

Red Norvo • Pretty Is The Only Way To Fly

 

Red Norvo Trio with Tal Farlow & Red Mitchell • Complete Recording

Contains the complete original 1956 trio album Red Norvo with Strings, which appears here for the first time ever on CD.Four more tunes recorded during the sessions and not included on the LP have been added as a bonus, as well as three 1952 tracks which complete all of the existing recordings by this formation of the Red Norvo Trio
https://www.jazzmusicarchives.com/album/red-norvo/red-norvo-trio-complete-recordings-with-tal-farlow-and-red-mitchell(compilation)


Great trio material from Red Norvo recorded with two different groups but both featuring the same vibes-guitar-bass arrangement. The first features Jimmy Raney on guitar and Red Mitchell on bass, the second subsitutes guitarist Tal Farlow. Tracks include "Somebody Loves Me", "Prelude To A Kiss", "Everything I've Got", and "Crazy Rhythm".
https://www.dustygroove.com/item/546890/Red-Norvo:Red-Norvo-Trios-With-Jimmy-Raney-Or-Tal-Farlow-Red-Mitchell

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Contiene el álbum original de 1956 del trío Red Norvo with Strings, que aparece aquí por primera vez en CD. Se han añadido cuatro temas más grabados durante las sesiones y no incluidos en el LP, así como tres temas de 1952 que completan todas las grabaciones existentes de esta formación del Trío Red Norvo.
https://www.jazzmusicarchives.com/album/red-norvo/red-norvo-trio-complete-recordings-with-tal-farlow-and-red-mitchell(recopilación)


Gran material de trío de Red Norvo grabado con dos grupos diferentes pero ambos con el mismo arreglo de vibráfono-guitarra-bajo. El primero cuenta con Jimmy Raney a la guitarra y Red Mitchell al bajo, el segundo incorpora al guitarrista Tal Farlow. Los temas incluyen "Somebody Loves Me", "Prelude To A Kiss", "Everything I've Got" y "Crazy Rhythm".
https://www.dustygroove.com/item/546890/Red-Norvo:Red-Norvo-Trios-With-Jimmy-Raney-Or-Tal-Farlow-Red-Mitchell

Tal Farlow • On Stage

Red Norvo Combo • Vibes A la Red

Review by Scott Yanow

This long out of print LP from the defunct Famous Door label was vibraphonist Red Norvo's first date as a leader in five years (since an Affinity session with the Newport All-Stars). Although largely neglected in the 1960s, Norvo was still in prime form as he shows on such numbers as "The One I Love," "Tea for Two," and "Runnin' Wild." He is heard either with a quartet, also including pianist Hank Jones, bassist Milt Hinton, and drummer Jo Jones, or a quintet with pianist Jimmie Rowles, bassist Gene Cherico, drummer Donald Bailey, and guitarist Lloyd Ellis. High quality swing from one of the great vibraphonists.

https://www.allmusic.com/album/vibes-a-la-red-mw0000693089

Red Norvo, (Kenneth Norville), American jazz musician and swing bandleader (born March 31, 1908, Beardstown, Ill.—died April 6, 1999, Santa Monica, Calif.), was a pioneer of mallet instruments in jazz, becoming the only great jazz xylophone player in the 1930s, when he led a popular dance band that featured his wife, the great jazz singer Mildred Bailey; the pair were billed as Mr. and Mrs. Swing. He then became one of the three great jazz players of vibes (also called vibraphone and, as Norvo insisted, vibraharp), creating a bubbling, staccato, melodic style first with swing bands and then with his innovative “chamber jazz” groups. As a youngster Norvo was introduced to jazz on Illinois River showboats. He played marimba and xylophone in dance bands and vaudeville during the 1920s, studied briefly at the University of Missouri and the University of Detroit, and played in Paul Whiteman’s orchestra before recording his innovative 1933 works “Dance of the Octopus” and “In a Mist,” with radical harmonies, rhythms, and instrumentation (xylophone, bass clarinet, guitar, bass). Bailey hits, notably “Rockin’ Chair,” were featured by Norvo’s swing band, which was also distinguished by Norvo’s xylophone soloing and Eddie Sauter’s adventurous arranging. After switching to vibes, Norvo was among the first bandleaders to record with bebop greats Charlie Parker and Dizzy Gillespie, in a 1945 session that included the near-classic “Congo Blues” and “Slam Slam Blues.” Norvo toured with the Benny Goodman and Woody Herman bands in the mid-1940s and spent the early ’50s with the singular Red Norvo Trio, which initially featured Tal Farlow on guitar, Charles Mingus on bass, and Norvo on vibes. The group played intricate yet light-textured jazz and enjoyed national nightclub success. Norvo went on to lead groups primarily in California and Las Vegas, Nev., and recurrently, for two decades, his combos accompanied Frank Sinatra, with whom he toured Australia in 1959. A rare artist who moved effortlessly from early jazz to swing to bop, Norvo continued performing until he suffered a stroke in the 1980s.

https://www.britannica.com/biography/Red-Norvo

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Reseña de Scott Yanow

Este largo LP agotado del difunto sello Famous Door fue la primera cita del vibrafonista Red Norvo como líder en cinco años (desde una sesión de Affinity con el Newport All-Stars). A pesar de haber sido descuidado en la década de 1960, Norvo seguía en plena forma, como lo demuestra en números como "The One I Love", "Tea for Two" y "Runnin' Wild". Se le escucha con un cuarteto, incluyendo también al pianista Hank Jones, al bajista Milt Hinton y al baterista Jo Jones, o con un quinteto con el pianista Jimmie Rowles, el bajista Gene Cherico, el baterista Donald Bailey y el guitarrista Lloyd Ellis. Columpio de alta calidad de uno de los grandes vibrafonistas.

https://www.allmusic.com/album/vibes-a-la-red-mw0000693089

Entre 1926 y 1927 estudió en la Universidad de Missouri pero apenas dos años después decidió volver a la música, ya con dedicación exclusiva. En 1929 trabajó en la emisora KSTP de Minneapolis y mas tarde en la NBC de Chicago en una formación dirigida por Victor Young. Tocó posteriormente en la orquesta de Paul Whiteman y allí conoció a Mildred Bailey entonces cantante de Whiteman con quien permaneció hasta 1932. Al año siguiente de dejar la orquesta, Norvo y Bailey se casaron y el 8 de abril de ese mismo año, el vibrafonista, grabó el primer disco a su nombre al frente de una formación en la que figuraban: Jimmy Dorsey, Fulton McGrath, Dick McDonough y Artie Bernstein.

De aquélla grabación primeriza solo queda como único documento sonoro el tema "Two Tickest to Georgia". En 1934 se trasladó a New York para colaborar con Hoagy Carmichael en unas grabaciones para el sello Victor y creo su primer septeto de jazz junto a músicos de la talla de Artie Shaw, Charlie Barnet o Teddy Wilson. A partir de esas grabaciones, Red Norvo comenzó una actividad frenética que le llevo a grabar, actuar y tocar con los mejores músicos del momento. Tras grabar para Decca y Vocalion, en 1935 presentó en New York un octeto en el "Hickory House" y posteriormente en el "Famous Door". Al año siguiente el octeto se convirtió casi en una bigband cuando firmó un contrato para tocar en el Hotel Commodore. Red Norvo y Mildred Bailey formaron por aquellos años una combinación musical perfecta y los contratos se sucedían uno tras otro.

En 1943 se pasó definitivamente del xilofón al vibráfono y pocos meses después ingresaría en la bigband de Benny Goodman aunque solo por muy poco tiempo. Tras dejar a Goodman se enroló en la de Woody Herman con quien estuvo todo el año 1946. Al año siguiente contrajo matrimonio con Eva Rogers tras divorciarse de Mildred Bailey, con quine mantuvo unas relaciones amistosas hasta la muerte de la cantante en 1951. En 1950 dio un cambio radical en su concepción musical y de liderar grandes formaciones, pasó a dirigir un excepcional trío junto a dos jóvenes músicos que por entonces empujaban fuerte por hacerse un hueco en la escena del jazz en New York: el guitarrista, Tal Farlow y el contrabajista, Charles Mingus. De aquélla magnifica experiencia que duró dos años (1950-1951) quedó grabado un disco para la Savoy memorable: "Move".

Ya instalado en el éxito y con una popularidad ganada a pulso, Red Norvo se trasladó a Europa en 1954 con un grupo denominado "Jazz Club USA". La experiencia de aquélla gira y el éxito obtenido le animó de nuevo a formar otra grabación para visitar Australia en 1956 y a su regreso abrió un club en Santa Mónica. En 1958 se fue nuevamente de gira pero ahora en la formación liderada por el clarinetista Benny Goodman. Aquélla fue su ultima experiencia en la carretera; salvo excepciones muy contadas, se limito a actuar en California y Las Vegas en el marco de algunos Night clubes, casinos y salas de fiestas. En la década de los sesenta  volvió a viajar a Europa junto al guitarrista, Jimmie Raynei. En los años setenta unas molestias en el oído le obligaron a abandonar casi definitivamente sus actividades musicales.

Red Norvo fue un extraordinario músico; refinado, habilidoso instrumentista; dúctil y versátil, supo adaptarse sin dificultad y con naturalidad a la transición que supuso la revolución del bebop y como muestra quedan unas grabaciones de 1945 para la Dial junto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

http://apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2763:red-norvo&catid=92&Itemid=259

Red Norvo • Chronological Classics

 

Red Norvo & His All-Stars, The Krupa-Ventura Trio, The Teddy Wilson Quintet • Jazz Concert

 

Red Norvo • Red Plays The Blues

 

 

The Jazzpickers & Red Norvo • Command Performance

Harry Babasin (19 de marzo de 1921, Dallas, Texas - 21 de mayo de 1988, Los Ángeles, California) fue un contrabajista y violonchelista estadounidense de jazz.
Tras tocar en orquesta locales de Texas, se trasladó a Nueva York, donde entró a formar parte de las big bands de Gene Krupa, Charlie Barnet y, en 1945 y ya instalado en California, Benny Goodman, con el que participa en el film , A Song Is Born. Después tocó con Woody Herman y con su propio grupo, The Jazz Pickers. Más tarde se convertirá en uno de los sidemen más solicitados de la escena de la Costa Oeste, formando con frecuencia sección con el batería Roy Harte. En sus últimos años, trabajó básicamente para bandas sonoras de cine y televisión.

Su estilo se caracterizaba por el uso frecuente de los registros agudos y el walking bass, siendo además pionero en el uso del violonchelo tocado en pizzicato (1947, en grabaciones con el pianista Dodo Marmarosa).

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Yervant Harry Babasin, Jr. (19 March 1921 Dallas, Texas - 21 May 1988 Los Angeles) was an American jazz bassist. His nickname was "The Bear".
Babasin was born in Texas to an American mother and an Armenian father. He attended North Texas State University, one of many noted jazz alumni from the school. Among them were Jimmy Giuffre, with whom Babasin played in Bill Ware's orchestra around 1940, and Herb Ellis, who played with Babasin in the Charlie Fisk Orchestra starting in 1942. Fisk actually fired his rhythm section after hearing Ellis and Babasin play, and after he was admitted, Babasin quit school to go on tour with Fisk. He also toured in the 1940s with Jimmy Joy, Bob Strong, Billie Rogers, Gene Krupa, Charlie Barnet, Boyd Raeburn, Benny Goodman, Woody Herman, Frank DeVol, and Jerry Gray. He also appeared in A Song Is Born, one of many jazz stars to play roles in the film. On the set of the film, he met Brazilian guitarist Laurindo Almeida, and the two began jamming together; along with Roy Harte and Bud Shank, their quartet was an early experiment blending Brazilian music and jazz. Their 1954 10" discs are predecessors to the bossa nova explosion of the late 1950s and early 1960s.
In 1947, he recorded the first cello solos known in jazz music, with the Dodo Marmarosa Trio. In order to do so, he tuned his strings in fourths. In later cello ensembles he added a bass player. He and Oscar Pettiford did a session together with two cellos. In the mid-1950s, he put together his own ensemble, Harry Babasin & the Jazzpickers, who played regularly at the Purple Onion in Hollywood; this ensemble released three albums. One recording of note was made in 1952 at the Tradewinds nightclub in Inglewood. It features Charlie Parker, Chet Baker, Sonny Criss, Al Haig, Larance Marable, and Harry, in one of Bird's few West Coast appearances.
His career cooled in the 1960s, returning to work with Charlie Barnet and supporting Bob Hope on USO tours. In the 1970s he and Harte initiated the Los Angeles Theaseum, a jazz archive and preservation society. Some of the recordings preserved through this effort were released on the Jazz Chronicles label.
Babasin's last tour was given in 1985 with John Banister on piano. Babasin died of emphysema three years later, having participated in possibly as many as 1,500 recordings.

VA • Rebopː The Savoy Originals

 

 

Sarah Vaughan, Charlie Parker, Herbie Mann, Cannonball Adderley, Curtis Fuller, Red Norvo, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Duke Jordan, Modern Jazz Quartet, Cal Tjader ...

 

 

 

Tal Farlow, Hank Jones, Red Norvo, Ray Brown, Jake Hanna • On Stage

 

 

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

George Shearing • Midnight On Cloud 69

 

Biography

George Shearing enjoys an international reputation as a pianist, arranger and composer. Equally at home on the concert stage as in jazz clubs, Shearing is recognized for inventive, orchestrated jazz. He has written over 300 compositions, including the classic “Lullaby of Birdland,” which has become a jazz standard.

Shearing was born in 1919 in the Battersea area of London. Congenitally blind, he was the youngest of nine children. His father delivered coal and his mother cleaned trains at night after caring for the children during the day. His only formal musical education consisted of four years of study at the Linden Lodge School for the Blind. While his talent won him a number of university scholarships, he was forced to refuse them in favor of a more financially productive pursuit…playing piano in a neighborhood pub for the handsome salary of $5 a week! Shearing joined an all-blind band in the 1930’s. At that time he developed a friendship with the noted jazz critic and author, Leonard Feather. Through this contact, he made his first appearance on BBC radio.

In 1947, Mr. Shearing moved to America, where he spent two years establishing his fame on this side of the Atlantic. The Shearing Sound commanded national attention when, in 1949, he gathered a quintet to record “September in the Rain” for MGM. The record was an overnight success and sold 900,000 copies. His U.S. reputation was permanently established when he was booked into Birdland, the legendary jazz spot in New York. Since then, he has become one of the country’s most popular performing and recording artist. In 1982 and 1983 he won Grammy Awards with recordings he made with Mel Torme. Mr. Shearing was the subject of an hour-long television documentary entitled “The Shearing Touch” presented on the Southbank Show with Melvyn Bragg on ITV in the UK. Three presidents have invited Mr. Shearing to play at the White House.. Ford, Carter and Reagan. He performed at the Royal Command Performance for Queen Elizabeth II and Prince Philip. He is a member of the Friars Club and the Lotos Club in New York and the Bohemian Club in San Francisco.

His awards and honors are many. In May 1975, he received an honorary degree of Doctor of Music from Westminster College in Salt Lake City. In May of 1994, Hamilton College in upstate New York awarded him another honorary doctorate in music. DePauw University in Greencastle, Indiana presented him with an honorary doctorate of music on June 1, 2002. He received the prestigious Horatio Alger Award for Distinguished Americans in 1978 and a community recreational facility in Battersea, south London, was named the George Shearing Centre in his honor. In May of 1993, he was presented with the British equivalent of the Grammy…the Ivor Novello Award for Lifetime Achievement. In June of 1996, Mr. Shearing was included in the Queen’s Birthday Honors List and on November 26, 1996 he was invested by Queen Elizabeth II at Buckingham Palace as an Officer of the Order of the British Empire for his “service to music and Anglo-US relations.” He was presented the first American Music Award by the National Arts Club, New York City, in March of 1998.

In 1999, his 80th birthday was celebrated in England where he played to a sold-out house at the Birmingham Symphony Hall. Also appearing with him were the BBC Big Band, the strings of the London Symphony, Dame Cleo Laine and John Dankworth. BBC Radio 2 presented a 2 1/2-hour “Salute to Shearing” in honor of his birthday. The following year another sold-out house at Carnegie Hall was treated to his birthday celebration featuring the George Shearing Quintet with Nancy Wilson, Dave Brubeck, Dr. Billy Taylor, the John Pizzarelli Trio, Tito Puente and Peter Schickele who brought a special greeting from PDQ Bach! Mr. Shearing’s biography, “Lullaby of Birdland,” published by Continuum, was released February 2005. In conjunction with the autobiography release Concord Records released a composite of Shearing recordings in a 2-CD set entitled “Lullabies of Birdland.: A Musical Autobiography” which was immediately followed up with “Hopeless Romantics” with Michael Feinstein. Concord then released the collectors set Mel Tormé & George Shearing The Concord Years. Mr. Shearing’s popularity continues to rise.

In November 2006, a letter arrived from the Prime Minister's office in London reading, in part, “The Prime Minister has asked me to inform you, in strict confidence, that .......he has it in mind, on the occasion of the forthcoming list of New Year Honours, to submit your name to The Queen with a recommendation that Her Majesty may be graciously pleased to approve that the honour of Knighthood be conferred upon you.” When the letter was read to him, George simply said, “I don't know why I'm getting this honor.....I've just been doing what I love to do.” And, when asked by the press how he felt about receiving the highest honor the Queen can give, he replied, “My mind keeps flashing back on my beginnings as pianist playing in a pub for the equivalent of $5.00 a week. What a journey it has been from that pub to Buckingham Palace. Receiving such an honor as a Knighthood might also show young people what can be achieved in life if one learns his craft and follows his dreams.”

So, the poor, blind kid from Battersea named George Shearing, the youngest of nine, whose father once delivered coal to the Palace, with four years of formal musical training but with a tremendous will to make good, traveled with his wife, Ellie, to London to claim his honor. On June 13, 2007 George was presented to Queen Elizabeth II in the Ballroom of Buckingham Palace. The Queen first touched him on each shoulder with the sword her father had used, then stepped down off the dais to put the medal around his neck, adjusted it, shook hands with him and talked to him for several minutes. He became Sir George Shearing “for his contribution to music”, as the Lord Chamberlain put it. Now, that's a fairy tale come true!

After the ceremony, Sir George and Lady Shearing hosted a luncheon for some of their closest friends including Dame Cleo Laine and Sir John Dankworth, the BBC personality and interviewer, Michael Parkinson (who championed George's receiving a Knighthood on his radio and television shows), and the actress Julia McKenzie.

The following week, Sir George's relatives came to lunch.....including his 97-year-old sister, Dolly. She was the life of the party....leading the Sing-Song between courses of the meal! And the celebratiions didn't stop there. The Shearings hosted a tea for the member of Parliament and former Home Secretary, David Blunkett, along with the Dean of Canterbury, The Very Reverend Robert Willis. Mr. Blunkett was also born blind and lived for ten years right next door to the Linden Lodge for the Blind.

And, the honors keep coming! Back in New York, on October 21, 2007, the Town Hall Foundation presented Sir George with its Annual Friend of the Arts Award “in recognition and appreciation of his babiding interest in the development, enrichment and support of the arts”. With this award also came a medal placque, bearing Sir George's name, being placed on the back of one the seats in the legendary Town Hall.

But, come July 1 every year, one can find the Shearings traveling from their New York City apartment up to the beautiful Berkshires near Tanglewood where, for the entire summer, they will attend concerts by the Boston Symphony, entertain their many friends (both in and out of the music profession), and, yes, listen to the crickets while sipping a glass of wine while simply enjoying life together.

https://musicians.allaboutjazz.com/georgeshearing

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Biografía

George Shearing goza de una reputación internacional como pianista, arreglista y compositor. Igualmente en casa, en el escenario de conciertos, como en los clubes de jazz, Shearing es reconocido por su ingenioso jazz orquestado. Ha escrito más de 300 composiciones, incluido el clásico "Lullaby of Birdland", que se ha convertido en un estándar de jazz.

Shearing nació en 1919 en el área de Battersea de Londres. Congénitamente ciego, era el más joven de nueve hijos. Su padre entregó carbón y su madre limpió los trenes por la noche después de cuidar a los niños durante el día. Su única educación musical formal consistió en cuatro años de estudio en la Linden Lodge School for the Blind. Si bien su talento le valió una serie de becas universitarias, se vio obligado a rechazarlas a favor de una búsqueda más productiva económicamente ... ¡tocar el piano en un pub del vecindario por el atractivo salario de $ 5 por semana! Shearing se unió a una banda totalmente ciega en la década de 1930. En ese momento desarrolló una amistad con el notable crítico y autor de jazz, Leonard Feather. A través de este contacto, hizo su primera aparición en la radio de la BBC.

En 1947, el Sr. Shearing se mudó a América, donde pasó dos años estableciendo su fama en este lado del Atlántico. The Shearing Sound atrajo la atención nacional cuando, en 1949, reunió un quinteto para grabar "September in the Rain" para MGM. El récord fue un éxito de la noche a la mañana y vendió 900,000 copias. Su reputación en los Estados Unidos se estableció de forma permanente cuando fue contratado en Birdland, el legendario lugar de jazz en Nueva York. Desde entonces, se ha convertido en uno de los artistas de interpretación y grabación más populares del país. En 1982 y 1983 ganó los premios Grammy con grabaciones que hizo con Mel Torme. Shearing fue el tema de un documental de televisión de una hora titulado "The Shearing Touch" presentado en el Southbank Show con Melvyn Bragg en ITV en el Reino Unido. Tres presidentes invitaron al Sr. Shearing a jugar en la Casa Blanca. Ford, Carter y Reagan. Actuó en el Royal Command Performance para la Reina Isabel II y el Príncipe Felipe. Es miembro del Friars Club y del Lotos Club de Nueva York y del Bohemian Club de San Francisco.

Sus premios y honores son muchos. En mayo de 1975, recibió un título honorario de Doctor en Música de Westminster College en Salt Lake City. En mayo de 1994, el Hamilton College en el estado de Nueva York le otorgó otro doctorado honorario en música. La Universidad DePauw en Greencastle, Indiana, le otorgó un doctorado honorario en música el 1 de junio de 2002. Recibió el prestigioso Premio Horatio Alger para estadounidenses distinguidos en 1978 y una instalación recreativa comunitaria en Battersea, al sur de Londres, fue nombrado el Centro George Shearing en Su honor. En mayo de 1993, recibió el equivalente británico del Grammy ... el premio Ivor Novello por su trayectoria. En junio de 1996, el Sr. Shearing fue incluido en la Lista de Honores del Cumpleaños de la Reina y el 26 de noviembre de 1996 fue investido por la Reina Isabel II en el Palacio de Buckingham como Oficial de la Orden del Imperio Británico por su "servicio a la música y el anglo - Relaciones con los Estados Unidos ”. En marzo de 1998 recibió el primer American Music Award del National Arts Club de la ciudad de Nueva York.

En 1999, su 80 cumpleaños se celebró en Inglaterra, donde tocó en una casa con entradas agotadas en el Birmingham Symphony Hall. También aparecieron con él la BBC Big Band, las cuerdas de la Sinfónica de Londres, Dame Cleo Laine y John Dankworth. BBC Radio 2 presentó un "Salute to Shearing" de 2 1/2 horas en honor a su cumpleaños. Al año siguiente, otra casa con entradas agotadas en el Carnegie Hall recibió la celebración de su cumpleaños con el Quinteto George Shearing con Nancy Wilson, Dave Brubeck, el Dr. Billy Taylor, el John Pizzarelli Trio, Tito Puente y Peter Schickele, quienes recibieron un saludo especial de PDQ Bach! La biografía del Sr. Shearing, "Lullaby of Birdland", publicada por Continuum, se publicó en febrero de 2005. Junto con el lanzamiento de la autobiografía, Concord Records lanzó un compuesto de grabaciones de Shearing en un conjunto de 2 CD titulado "Lullabies of Birdland .: A Musical Autobiography "Que fue seguido inmediatamente por" Románticos sin esperanza "con Michael Feinstein. Concord luego lanzó el set de coleccionistas Mel Tormé y George Shearing The Concord Years. La popularidad del Sr. Shearing continúa aumentando.

En noviembre de 2006, llegó una carta de la oficina del Primer Ministro en Londres que decía, en parte, "El Primer Ministro me ha pedido que le informe, en estricta confidencialidad, que ....... lo tiene en mente, en el ocasión de la próxima lista de Honores de Año Nuevo, para enviar su nombre a La Reina con una recomendación de que Su Majestad pueda agradarle gentilmente aprobar que se le otorgue el honor de Caballero ”. Cuando le leyeron la carta, George simplemente dijo: "No sé por qué obtengo este honor ... Acabo de hacer lo que amo hacer". Y, cuando la prensa me preguntó cómo se sentía acerca de recibir el honor más alto de la Reina puede dar, él respondió: “Mi mente sigue recordando mis comienzos como pianista tocando en un pub por el equivalente a $ 5.00 por semana. Qué viaje ha sido desde ese pub hasta el Palacio de Buckingham. Recibir tal honor como Caballería también podría mostrar a los jóvenes lo que se puede lograr en la vida si uno aprende su oficio y sigue sus sueños ".

Entonces, el pobre niño ciego de Battersea llamado George Shearing, el más joven de nueve años, cuyo padre una vez entregó carbón al Palacio, con cuatro años de entrenamiento musical formal pero con una tremenda voluntad de hacer el bien, viajó con su esposa, Ellie, a Londres para reclamar su honor. El 13 de junio de 2007, George fue presentado a la reina Isabel II en el salón de baile del Palacio de Buckingham. La Reina primero lo tocó en cada hombro con la espada que su padre había usado, luego se bajó del estrado para poner la medalla alrededor de su cuello, la ajustó, le estrechó la mano y habló con él durante varios minutos. Se convirtió en Sir George Shearing "por su contribución a la música", como lo expresó Lord Chamberlain. Ahora, eso es un cuento de hadas hecho realidad!

Después de la ceremonia, Sir George y Lady Shearing organizaron un almuerzo para algunos de sus amigos más cercanos, incluidos Dame Cleo Laine y Sir John Dankworth, la personalidad y entrevistador de la BBC, Michael Parkinson (quien defendió que George recibiera un título de Caballero en sus programas de radio y televisión) y la actriz Julia McKenzie.

La semana siguiente, los familiares de Sir George vinieron a almorzar ... incluyendo a su hermana Dolly, de 97 años. Ella era la vida de la fiesta ... ¡guiando la canción de canto entre los platos de la comida! Y las celebraciones no se detuvieron allí. The Shearings organizó un té para el miembro del Parlamento y el ex Ministro del Interior, David Blunkett, junto con el Decano de Canterbury, The Very Reverend Robert Willis. El Sr. Blunkett también nació ciego y vivió durante diez años justo al lado de Linden Lodge for the Blind.

Y, los honores siguen llegando! De regreso en Nueva York, el 21 de octubre de 2007, la Town Hall Foundation le otorgó a Sir George su Premio Anual Amigo de las Artes "en reconocimiento y aprecio por su interés en el desarrollo, enriquecimiento y apoyo de las artes". Con este premio también vino una placa de medalla, con el nombre de Sir George, que se coloca en la parte posterior de uno de los asientos en el legendario Ayuntamiento.

Pero, el 1 de julio de cada año, uno puede encontrar a los Shearings viajando desde su apartamento de la ciudad de Nueva York hasta los hermosos Berkshires cerca de Tanglewood donde, durante todo el verano, asistirán a conciertos de la Sinfónica de Boston, entretendrán a sus muchos amigos (ambos en y fuera de la profesión de la música) y, sí, escuchen los grillos mientras beben una copa de vino mientras simplemente disfrutan de la vida juntos.

https://musicians.allaboutjazz.com/georgeshearing

Edmond Hall • Profoundly Blue

Biography by Scott Yanow

It took Edmond Hall a long period to develop his own musical individuality, but by the early '40s he had a very distinctive and dirty sound on the clarinet that was immediately recognizable within one note. One of four clarinet playing brothers (including Herbie Hall) who were the sons of early clarinetist Edward Hall, Edmond worked in many bands in New Orleans (including Buddy Petit's during 1921-1923) before going to New York in 1928 with Alonzo Ross. He was with Claude Hopkins' orchestra (1929-1935), doubling on baritone and only occasionally sounding like his future self on clarinet. Hall played with Lucky Millinder, Zutty Singleton, and Joe Sullivan, and had his style together by the time he joined Red Allen in 1940. He was with Teddy Wilson's sextet (1941-1944) and turned down an opportunity to be Barney Bigard's successor with Duke Ellington's Orchestra in 1942. In 1944, Hall began working with Eddie Condon (including appearances on his Town Hall Concert radio series), led his own group at Cafe Society, spent a few years based in Boston, and then during 1950-1955 was in the house band at Condon's club. Edmond Hall toured the world as a member of Louis Armstrong's All-Stars (1955-1958), worked in the 1960s now and then with Condon, and made his final recording (before his death from a heart attack) at John Hammond's 1967 Spirituals to Swing concert. He recorded as a leader for Blue Note (1941-1944), Commodore, Savoy, Storyville, United Artists, and some smaller labels.

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Biografía de Scott Yanow

Le tomó a Edmond Hall un largo período para desarrollar su propia individualidad musical, pero a principios de los años 40 tenía un sonido muy distintivo y sucio en el clarinete que era inmediatamente reconocible dentro de una nota. Uno de los cuatro hermanos clarinetistas (incluyendo a Herbie Hall) que fueron hijos del primer clarinetista Edward Hall, Edmond trabajó en muchas bandas de Nueva Orleans (incluyendo la de Buddy Petit durante 1921-1923) antes de ir a Nueva York en 1928 con Alonzo Ross. Estuvo con la orquesta de Claude Hopkins (1929-1935), doblando en barítono y sólo ocasionalmente sonando como su futuro yo en clarinete. Hall tocó con Lucky Millinder, Zutty Singleton y Joe Sullivan, y ya tenía su estilo cuando se unió a Red Allen en 1940. Estuvo con el sexteto de Teddy Wilson (1941-1944) y rechazó la oportunidad de ser el sucesor de Barney Bigard en la Orquesta de Duke Ellington en 1942. En 1944, Hall comenzó a trabajar con Eddie Condon (incluyendo apariciones en su serie de radio Town Hall Concert), dirigió su propio grupo en la Cafe Society, pasó unos años basado en Boston, y luego durante 1950-1955 estuvo en la banda de la casa en el club de Condon. Edmond Hall recorrió el mundo como miembro del Louis Armstrong's All-Stars (1955-1958), trabajó en el decenio de 1960 de vez en cuando con Condon y realizó su última grabación (antes de morir de un ataque cardíaco) en el concierto Spirituals to Swing de John Hammond en 1967. Grabó como líder para Blue Note (1941-1944), Commodore, Savoy, Storyville, United Artists, y algunos sellos más pequeños.

Red Norvo • Windjammer City Style

 

Biography:

Red Norvo was one of jazz's early vibraphonists. He helped establish the xylophone and later the vibraphone as viable jazz instruments.

Norvo was born Kenneth Norville in Beardstown, Illinois. The story goes that he sold his pet pony to help pay for his first marimba. Norvo's career began in Chicago with a band called “The Collegians”, in 1925. He played with many other bands, including an all-marimba band on the vaudeville circuit, and the bands of Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, and Woody Herman. Norvo recorded with Mildred Bailey (his wife), Billie Holiday, Dinah Shore and Frank Sinatra, among others. Together, Red and Mildred were known as “Mr. and Mrs. Swing.” He also appeared in the film Screaming Mimi (1958), playing himself.

In 1933 he recorded two sessions for Brunswick under his own name. The first “Knockin' On Wood” and “Hole In The Wall” pleased Brunswick's recording director Jack Kapp and he was booked for another session. This time, Kapp was out of town and Norvo went ahead and recorded two of the earliest, most modern pieces of chamber jazz yet recorded; Bix Beiderbecke's “In A Mist” and Norvo's own “Dance Of The Octopus”, accompanied by Benny Goodman in a rare performance playing a bass clarinet, Dick McDonough on guitar and Artie Bernstein on slap bass. Kapp was outraged when he heard them and tore up Norvo's contract and threw him out. (Interestingly, this modern record remained in print all through the 1930's!)

Norvo recorded 8 modern swing sides for Columbia in 1934-1935, and 15 sides of Decca and their short-lived Champion label series in 1936 (strangely enough, Jack Kapp ran Decca, so they must've patched things up by then).

Starting in 1936 through 1942, Norvo formed a Swing Orchestra and recorded for ARC first on their Brunswick label, then Vocalion and finally Columbia, after CBS bought out the ARC company. Featuring the brilliant arrangements of Eddie Sauter and often featuring Mildred Bailey as vocalist, this series of recordings were among the more sophisticated and elegant swing records of the era.

In June 1945, while a member of the Benny Goodman Sextet, he recorded a session for Comet records using a Sextet which featured members of the Goodman group and also Charlie Parker and Dizzy Gillespie. He said: “Bird and Diz were dirty words for musicians of my generation. But jazz had always gone through changes and in 1945 we were in the middle of another one. Bird and Diz were saying new things in an exciting way. I had a free hand so I gambled”. [1]

In 1949, while trying to find work near home on the West Coast and running into difficulties with large groups, Norvo formed a trio with the novel combination of vibes, guitar, and bass. When the original guitarist and bassist quit (Mundell Lowe and Red Kelly), he brought in two previously little-known players. Tal Farlow became one of the most important of the post-War generation of guitarists, in part because the demands of the trio led him to explore new levels of both speed and harmonic richness on the instrument. Charles Mingus's prominence as a bass player increased through this group, though its repertoire did not reflect the major career he would develop as a composer. The trio lasted until 1951, and recorded two LPs for Savoy.

In 1959 Norvo's group played concerts in Australia with Frank Sinatra; Blue Note released these recordings in 1997. Red Norvo and his group also made several appearances on The Dinah Shore Chevy Show in the late 1950's and early '60s.

Norvo recorded and toured throughout his career until a stroke in the mid-1980s forced him into retirement (although he developed hearing problems long before his stroke). He died at a convalescent home in Santa Monica, California at the age of 91.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

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Biografía:

Red Norvo fue uno de los primeros vibrafonistas del jazz. Ayudó a establecer el xilófono y más tarde el vibráfono como instrumentos de jazz viables.

Norvo nació como Kenneth Norville en Beardstown, Illinois. La historia dice que vendió su poni mascota para ayudar a pagar su primera marimba. La carrera de Norvo comenzó en Chicago con una banda llamada "The Collegians", en 1925. Tocó con muchas otras bandas, incluyendo una banda de marimbas en el circuito de vodevil, y las bandas de Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, y Woody Herman. Norvo grabó con Mildred Bailey (su esposa), Billie Holiday, Dinah Shore y Frank Sinatra, entre otros. Juntos, Red y Mildred eran conocidos como "Sr. y Sra. Swing". También apareció en la película Screaming Mimi (1958), interpretándose a sí mismo.

En 1933 grabó dos sesiones para Brunswick con su propio nombre. La primera "Knockin' On Wood" y "Hole In The Wall" complacieron al director de grabación de Brunswick Jack Kapp y fue reservado para otra sesión. Esta vez, Kapp estaba fuera de la ciudad y Norvo se adelantó y grabó dos de las primeras y más modernas piezas de jazz de cámara hasta ahora grabadas; "In A Mist" de Bix Beiderbecke y "Dance Of The Octopus" del propio Norvo, acompañado por Benny Goodman en una rara actuación tocando un clarinete bajo, Dick McDonough en la guitarra y Artie Bernstein en el bajo. Kapp se indignó cuando los escuchó y rompió el contrato de Norvo y lo echó. (¡Interesantemente, este disco moderno permaneció impreso durante los años 30!)

Norvo grabó 8 modernos discos de swing para Columbia en 1934-1935, y 15 discos de Decca y su efímera serie de sellos Champion en 1936 (extrañamente, Jack Kapp dirigía Decca, así que ya deben haber arreglado las cosas para entonces).

Desde 1936 hasta 1942, Norvo formó una orquesta de swing y grabó para ARC primero en su sello de Brunswick, luego en Vocalion y finalmente en Columbia, después de que la CBS comprara la compañía ARC. Con los brillantes arreglos de Eddie Sauter y a menudo con Mildred Bailey como vocalista, esta serie de grabaciones fue uno de los discos de swing más sofisticados y elegantes de la época.

En junio de 1945, mientras era miembro del Sexteto Benny Goodman, grabó una sesión para Comet records usando un Sexteto que incluía a miembros del grupo Goodman y también a Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Dijo: "Bird y Diz fueron palabras sucias para los músicos de mi generación. Pero el jazz siempre había sufrido cambios y en 1945 estábamos en medio de otro. Bird y Diz estaban diciendo cosas nuevas de una manera emocionante. Yo tenía una mano libre, así que aposté". [1]

En 1949, mientras intentaba encontrar trabajo cerca de su casa en la Costa Oeste y se encontraba con dificultades con los grandes grupos, Norvo formó un trío con la novedosa combinación de vibráfono, guitarra y bajo. Cuando el guitarrista y bajista original lo dejó (Mundell Lowe y Red Kelly), trajo a dos músicos poco conocidos. Tal Farlow se convirtió en uno de los más importantes de la generación de guitarristas de la posguerra, en parte porque las exigencias del trío le llevaron a explorar nuevos niveles tanto de velocidad como de riqueza armónica en el instrumento. La prominencia de Charles Mingus como bajista aumentó a través de este grupo, aunque su repertorio no reflejaba la importante carrera que desarrollaría como compositor. El trío duró hasta 1951, y grabó dos LPs para Savoy.

En 1959 el grupo de Norvo dio conciertos en Australia con Frank Sinatra; Blue Note publicó estas grabaciones en 1997. Red Norvo y su grupo también hicieron varias apariciones en The Dinah Shore Chevy Show a finales de los 50 y principios de los 60.

Norvo grabó y realizó giras a lo largo de su carrera hasta que un derrame cerebral a mediados de los 80 le obligó a jubilarse (aunque desarrolló problemas de audición mucho antes de su derrame cerebral). Murió en una casa de convalecencia en Santa Mónica, California, a la edad de 91 años.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

Red Norvo • Mister Swing

Kenneth Norville (Beardstown, 31 de marzo de 1908 - Santa Mónica, 6 de abril de 1999), Red Norvo, vibrafonista, xilofonista y director estadounidense de jazz.
Conocido como Mr. Swing (junto con su mujer Mildred Bailey, conocida asimismo como Mrs.Swing), fue una de las grandes figuras de la época del swing tocando el xilófono; en 1943 empezó a tocar el vibráfono y, aunque no alcanzó las cotas de popularidad de otros maestros como Lionel Hampton, su presencia en el mundo del jazz fue constante tanto como músico como líder de pequeñas orquestas.
Bio completa ...

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Red Norvo (March 31, 1908 – April 6, 1999) was one of jazz's early vibraphonists, known as "Mr. Swing". He helped establish the xylophone, marimba and later the vibraphone as viable jazz instruments. His major recordings included "Dance of the Octopus", "Bughouse", "Knockin' on Wood", "Congo Blues", and "Hole in the Wall".
Bio ...

Howard Roberts • Mr. Roberts Plays Guitar

Biography by Scott Yanow

Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

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Biografía de Scott Yanow

Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

 

 

Art Pepper • Mosaic Select 1956-1957

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

Red Norvo • The Forward Look

Biography:

Red Norvo was one of jazz's early vibraphonists. He helped establish the xylophone and later the vibraphone as viable jazz instruments.

Norvo was born Kenneth Norville in Beardstown, Illinois. The story goes that he sold his pet pony to help pay for his first marimba. Norvo's career began in Chicago with a band called “The Collegians”, in 1925. He played with many other bands, including an all-marimba band on the vaudeville circuit, and the bands of Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, and Woody Herman. Norvo recorded with Mildred Bailey (his wife), Billie Holiday, Dinah Shore and Frank Sinatra, among others. Together, Red and Mildred were known as “Mr. and Mrs. Swing.” He also appeared in the film Screaming Mimi (1958), playing himself.

In 1933 he recorded two sessions for Brunswick under his own name. The first “Knockin' On Wood” and “Hole In The Wall” pleased Brunswick's recording director Jack Kapp and he was booked for another session. This time, Kapp was out of town and Norvo went ahead and recorded two of the earliest, most modern pieces of chamber jazz yet recorded; Bix Beiderbecke's “In A Mist” and Norvo's own “Dance Of The Octopus”, accompanied by Benny Goodman in a rare performance playing a bass clarinet, Dick McDonough on guitar and Artie Bernstein on slap bass. Kapp was outraged when he heard them and tore up Norvo's contract and threw him out. (Interestingly, this modern record remained in print all through the 1930's!)

Norvo recorded 8 modern swing sides for Columbia in 1934-1935, and 15 sides of Decca and their short-lived Champion label series in 1936 (strangely enough, Jack Kapp ran Decca, so they must've patched things up by then).

Starting in 1936 through 1942, Norvo formed a Swing Orchestra and recorded for ARC first on their Brunswick label, then Vocalion and finally Columbia, after CBS bought out the ARC company. Featuring the brilliant arrangements of Eddie Sauter and often featuring Mildred Bailey as vocalist, this series of recordings were among the more sophisticated and elegant swing records of the era.

In June 1945, while a member of the Benny Goodman Sextet, he recorded a session for Comet records using a Sextet which featured members of the Goodman group and also Charlie Parker and Dizzy Gillespie. He said: “Bird and Diz were dirty words for musicians of my generation. But jazz had always gone through changes and in 1945 we were in the middle of another one. Bird and Diz were saying new things in an exciting way. I had a free hand so I gambled”. [1]

In 1949, while trying to find work near home on the West Coast and running into difficulties with large groups, Norvo formed a trio with the novel combination of vibes, guitar, and bass. When the original guitarist and bassist quit (Mundell Lowe and Red Kelly), he brought in two previously little-known players. Tal Farlow became one of the most important of the post-War generation of guitarists, in part because the demands of the trio led him to explore new levels of both speed and harmonic richness on the instrument. Charles Mingus's prominence as a bass player increased through this group, though its repertoire did not reflect the major career he would develop as a composer. The trio lasted until 1951, and recorded two LPs for Savoy.

In 1959 Norvo's group played concerts in Australia with Frank Sinatra; Blue Note released these recordings in 1997. Red Norvo and his group also made several appearances on The Dinah Shore Chevy Show in the late 1950's and early '60s.

Norvo recorded and toured throughout his career until a stroke in the mid-1980s forced him into retirement (although he developed hearing problems long before his stroke). He died at a convalescent home in Santa Monica, California at the age of 91.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

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Biografía:

Red Norvo fue uno de los primeros vibrafonistas del jazz. Ayudó a establecer el xilófono y más tarde el vibráfono como instrumentos de jazz viables.

Norvo nació como Kenneth Norville en Beardstown, Illinois. La historia dice que vendió su poni mascota para ayudar a pagar su primera marimba. La carrera de Norvo comenzó en Chicago con una banda llamada "The Collegians", en 1925. Tocó con muchas otras bandas, incluyendo una banda de marimbas en el circuito de vodevil, y las bandas de Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, y Woody Herman. Norvo grabó con Mildred Bailey (su esposa), Billie Holiday, Dinah Shore y Frank Sinatra, entre otros. Juntos, Red y Mildred eran conocidos como "Sr. y Sra. Swing". También apareció en la película Screaming Mimi (1958), interpretándose a sí mismo.

En 1933 grabó dos sesiones para Brunswick con su propio nombre. La primera "Knockin' On Wood" y "Hole In The Wall" complacieron al director de grabación de Brunswick Jack Kapp y fue reservado para otra sesión. Esta vez, Kapp estaba fuera de la ciudad y Norvo se adelantó y grabó dos de las primeras y más modernas piezas de jazz de cámara hasta ahora grabadas; "In A Mist" de Bix Beiderbecke y "Dance Of The Octopus" del propio Norvo, acompañado por Benny Goodman en una rara actuación tocando un clarinete bajo, Dick McDonough en la guitarra y Artie Bernstein en el bajo. Kapp se indignó cuando los escuchó y rompió el contrato de Norvo y lo echó. (¡Interesantemente, este disco moderno permaneció impreso durante los años 30!)

Norvo grabó 8 modernos discos de swing para Columbia en 1934-1935, y 15 discos de Decca y su efímera serie de sellos Champion en 1936 (extrañamente, Jack Kapp dirigía Decca, así que ya deben haber arreglado las cosas para entonces).

Desde 1936 hasta 1942, Norvo formó una orquesta de swing y grabó para ARC primero en su sello de Brunswick, luego en Vocalion y finalmente en Columbia, después de que la CBS comprara la compañía ARC. Con los brillantes arreglos de Eddie Sauter y a menudo con Mildred Bailey como vocalista, esta serie de grabaciones fue uno de los discos de swing más sofisticados y elegantes de la época.

En junio de 1945, mientras era miembro del Sexteto Benny Goodman, grabó una sesión para Comet records usando un Sexteto que incluía a miembros del grupo Goodman y también a Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Dijo: "Bird y Diz fueron palabras sucias para los músicos de mi generación. Pero el jazz siempre había sufrido cambios y en 1945 estábamos en medio de otro. Bird y Diz estaban diciendo cosas nuevas de una manera emocionante. Yo tenía una mano libre, así que aposté". [1]

En 1949, mientras intentaba encontrar trabajo cerca de su casa en la Costa Oeste y se encontraba con dificultades con los grandes grupos, Norvo formó un trío con la novedosa combinación de vibráfono, guitarra y bajo. Cuando el guitarrista y bajista original lo dejó (Mundell Lowe y Red Kelly), trajo a dos músicos poco conocidos. Tal Farlow se convirtió en uno de los más importantes de la generación de guitarristas de la posguerra, en parte porque las exigencias del trío le llevaron a explorar nuevos niveles tanto de velocidad como de riqueza armónica en el instrumento. La prominencia de Charles Mingus como bajista aumentó a través de este grupo, aunque su repertorio no reflejaba la importante carrera que desarrollaría como compositor. El trío duró hasta 1951, y grabó dos LPs para Savoy.

En 1959 el grupo de Norvo dio conciertos en Australia con Frank Sinatra; Blue Note publicó estas grabaciones en 1997. Red Norvo y su grupo también hicieron varias apariciones en The Dinah Shore Chevy Show a finales de los 50 y principios de los 60.

Norvo grabó y realizó giras a lo largo de su carrera hasta que un derrame cerebral a mediados de los 80 le obligó a jubilarse (aunque desarrolló problemas de audición mucho antes de su derrame cerebral). Murió en una casa de convalecencia en Santa Mónica, California, a la edad de 91 años.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo