Bola Sete • Autentico!

  

Biography
by Alvaro Neder
Bola Sete was a Brazilian guitarist and composer. His unique, highly improvisational style offered an approach that wed Brazilian styles to flamenco, classical, jazz, American folk, bossa nova, and pop. Sete cut half-a-dozen albums for Odeon before leaving Brazil in 1959, including Aqui Está O Bola Sete (1957) and Ritmolândia (1959). He met Dizzy Gillespie while playing at a Sheraton lounge one evening and promptly joined the trumpeter's band. In 1962, he issued his American debut, Bossa Nova, for Fantasy. After he released Vince Guaraldi, Bola Sete, and Friends in 1963, he joined the pianist's group as a full collaborator; they recorded several more albums together through 1967. That year, Verve released Bola Sete at the Monterey Jazz Festival that featured his all-Brazilian trio; it made the jazz charts. After 1971's Latin jazz classic Shebaba for Fantasy, he cut albums for Paramount (Workin' on a Groovy Thing, 1971) and Columbia (Goin' to Rio, 1973). He signed with John Fahey's Takoma label and released the enduring solo guitar set Ocean in 1975. Sete played live and toured almost constantly, but released only one more album during his lifetime, 1985's solo Jungle Suite, produced by George Winston for Dancing Cat. After his death, his widow Anne Sete set up the Samba Moon label for reissues and archival material including 2004's Live at Grace Cathedral. In 2021, Tompkins Square released Samba in Seattle [Live at the Penthouse 1966-1968], comprised of unreleased live trio recordings.

The words "Bola Sete" are Portuguese for the seventh ball in the billiard game -- the only black one. Born Djalma de Andrade in Rio De Janeiro in 1923, the guitarist got his nickname after being the only Black man in a small group. From an early age, he was a constant at Praça Tiradentes, Rio, where musicians met. At 17, he joined composer Henricão's group, which was going to Marília for an eight-month season. Returning to Rio, he played at every available venue in Campinas SP and Niterói RJ. In 1945, Rio's Rádio Transmissora instituted a violão (acoustic guitar) contest, in which he was the winner. He continued to play throughout Minas Gerais and Rio. At last, he was hired contractually by Rádio Transmissora and worked in the famous Trem da Alegria show for three years at the João Caetano Theater with Lamartine Babo, Iara Sales, and Héber de Bôscoli.

At the end of the '40s, he formed his own group, Bola Sete e Seu Conjunto. In that time, Dolores Durán, who went on to be a famous singer and composer, was a crooner at the Béguin nightclub and once invited, became the group's singer at the Drink and Vogue nightclubs. In 1952, he went to Italy and played in several clubs and hotels until 1954. That year, he returned to Brazil and formed an orchestra, with which he toured Argentina, Uruguay, and Spain. In 1955, he toured again, this time through Lima, Peru and Santiago do Chile. In 1959, Sete moved to the U.S. and in 1962 was hired directly by the general manager of Sheraton Hotels to play in the several units of that chain.

In 1960, the label Sinter, which had already recorded several cuts with him, released the LP Bola Sete. He had also recorded for Odeon, which released Bola Sete e 4 Trombones with his own compositions and Gershwin standards. In 1962, he appeared at the historic Bossa Nova Festival at Carnegie Hall in New York. He also played at the Village Gate and Vanguard. The same year, Odeon Brasil issued O Extraordinário Bola Sete and Fantasy released Bossa Nova. He was then playing at New York's Park Sheraton and later in the year, he moved to San Francisco to play at the Sheraton Palace. Dizzy Gillespie was staying there and listened to him every night. When Gillespie's pianist, Lalo Schifrin, came to the hotel, he met Sete, with whom he had become acquainted and played with when the Brazilian toured Argentina. Invited by Gillespie, Sete played with him at the Ninth Annual Monterey Jazz Festival with great success.

Following tours and a recorded album with Gillespie, Sete moved again to San Francisco and joined Vince Guaraldi's trio. This two-year association, profitable for both artists, consolidated the already expressive popularity of Sete in the U.S. They recorded together 1963's Vince Guaraldi, Bola Sete & Friends (Fantasy). Then he formed his own trio with Brazilian musicians Tião Neto (bass) and Chico Batera (drums), whom he performed with at the 1966 Monterey Jazz Festival, again with great success. (Verve's charting album At the Monterey Jazz Festival was drawn from this performance). From November 11 to 13, 1966, Sete was featured at the Fillmore Auditorium. His releases in the U.S. included 1964's Tour de Force and From All Sides (with Vince Guaraldi), 1965's The Solo Guitar of Bola Sete and The Incomparable Bola Sete, 1966's Live at El Matador (with Vince Guaraldi) and Autentico, 1969's Shebaba (all issued by Fantasy). He signed to paramount for 1971's Workin' on a Groovy Thing and released Goin' to Rio for Columbia in 1973.

Guitarist John Fahey often saw Sete play on the West Coast and became first an admirer, then a friend. His Takoma label initially licensed Sete's iconic Ocean in 1975 (Recorded in the Brazilian's Marin County home, it was offered to Fantasy first; but it was considered so "out" that they declined to release it). Reportedly Fahey's favorite album in the label's catalog, it was licensed later to Sonet in 1976 and then the Windham Hill-affiliated Lost Lake Arts in 1981. Sete's final outing, 1985's Jungle Suite, appeared from pianist George Winston's Dancing Cat label.

Bola Sete died of complications from lung cancer and pneumonia in 1987. He was 64. Widow Anne Sete set up Samba Moon Records in 1998 for the purpose of issuing private archival recordings and catalog reissues. The label's first release was 1999's Ocean Memories, which comprised Ocean and eight unreleased tracks from the sessions that were recorded for a sequel that never materialized. It was followed by Shambala Moon in 2001, offering a reissue of Jungle Suite and the previously unissued title track. 2004's Live at Grace Cathedral was drawn from a solo guitar concert May 21, 1976. In 2008, the label released Windspell, drawn from solo home recordings cut during the last year of Sete's life with a pair of live tracks from a concert at The Boarding House in San Francisco in 1971. In 2011, Samba Moon released The Crystal Garden, a repackaging of 1973's Goin' to Rio; it also contained five unissued tracks from the original sessions. 2014's The Kitchen Tapes was produced for release by Winston. The lion's share of its 14 cuts were recorded in a San Francisco kitchen in 1959 on 1/4" tape by Al Cunningham, shortly after Sete's arrival on the West Coast. Two other cuts from 1971 showcased him playing a hollow-body electric guitar; others were drawn from home studio tapes.

In December 2021, Resonance Records' boss Zev Feldman and Tompkins Square's Josh Rosenthal teamed up to release the three-disc box set Samba in Seattle [Live at the Penthouse 1966-1968], comprised of unreleased live trio recordings from radio broadcast tapes by Jim Wilke. Compiled with complete cooperation from Anne, the set included concerts, a slew of rare photos, and liner essays from music historian Greg Casseus, Winston, Lalo Schifrin, John Fahey, and Feldman, who also conducted interviews with Anne and Carlos Santana.
https://www.allmusic.com/artist/bola-sete-mn0000066800/biography

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Biografía
por Alvaro Neder
Bola Sete fue un guitarrista y compositor brasileño. Su estilo único y altamente improvisado ofrecía un enfoque que unía los estilos brasileños con el flamenco, la música clásica, el jazz, el folk americano, la bossa nova y el pop. Sete grabó media docena de álbumes para Odeon antes de abandonar Brasil en 1959, entre ellos Aqui Está O Bola Sete (1957) y Ritmolândia (1959). Conoció a Dizzy Gillespie mientras tocaba una noche en un salón del Sheraton y enseguida se unió a la banda del trompetista. En 1962, publicó su debut americano, Bossa Nova, para Fantasy. Después de publicar Vince Guaraldi, Bola Sete, and Friends en 1963, se unió al grupo del pianista como colaborador de pleno derecho; grabaron varios discos más juntos hasta 1967. Ese año, Verve publicó Bola Sete at the Monterey Jazz Festival, en el que aparecía su trío brasileño. Después del clásico de jazz latino de 1971, Shebaba, para Fantasy, grabó álbumes para Paramount (Workin' on a Groovy Thing, 1971) y Columbia (Goin' to Rio, 1973). Firmó con el sello Takoma de John Fahey y publicó el perdurable conjunto de guitarra solista Ocean en 1975. Sete tocó en directo y salió de gira casi constantemente, pero sólo publicó un álbum más en vida, Jungle Suite, de 1985, producido por George Winston para Dancing Cat. Tras su muerte, su viuda Anne Sete creó el sello Samba Moon para reediciones y material de archivo, incluyendo Live at Grace Cathedral de 2004. En 2021, Tompkins Square publicó Samba in Seattle [Live at the Penthouse 1966-1968], compuesto por grabaciones inéditas en directo del trío.

La palabra "Bola Sete" significa en portugués la séptima bola del juego de billar, la única negra. Nacido Djalma de Andrade en Río de Janeiro en 1923, el guitarrista obtuvo su apodo tras ser el único negro de un pequeño grupo. Desde muy joven, fue una constante en la plaza Tiradentes de Río, donde se reunían los músicos. A los 17 años, se unió al grupo del compositor Henricão, que iba a Marília para una temporada de ocho meses. De vuelta a Río, tocó en todos los locales disponibles en Campinas SP y Niterói RJ. En 1945, la Rádio Transmissora de Río instituyó un concurso de violão (guitarra acústica), en el que resultó ganador. Siguió tocando por todo Minas Gerais y Río. Finalmente, fue contratado por Rádio Transmissora y trabajó en el famoso espectáculo Trem da Alegria durante tres años en el Teatro João Caetano con Lamartine Babo, Iara Sales y Héber de Bôscoli.

A finales de los años 40, formó su propio grupo, Bola Sete e Seu Conjunto. En esa época, Dolores Durán, que llegó a ser una famosa cantante y compositora, era crooner en la discoteca Béguin y, una vez invitada, se convirtió en la cantante del grupo en las discotecas Drink y Vogue. En 1952, viajó a Italia y actuó en varios clubes y hoteles hasta 1954. Ese año regresó a Brasil y formó una orquesta, con la que realizó una gira por Argentina, Uruguay y España. En 1955, volvió a realizar una gira, esta vez por Lima, Perú y Santiago de Chile. En 1959, Sete se trasladó a Estados Unidos y en 1962 fue contratado directamente por el director general de los hoteles Sheraton para tocar en las diversas unidades de esa cadena.

En 1960, el sello Sinter, que ya había grabado varios cortes con él, lanzó el LP Bola Sete. También había grabado para Odeon, que publicó Bola Sete e 4 Trombones con sus propias composiciones y estándares de Gershwin. En 1962, apareció en el histórico Festival de Bossa Nova en el Carnegie Hall de Nueva York. También tocó en el Village Gate y en el Vanguard. Ese mismo año, Odeon Brasil publicó O Extraordinário Bola Sete y Fantasy editó Bossa Nova. Entonces tocaba en el Park Sheraton de Nueva York y, más adelante, se trasladó a San Francisco para tocar en el Sheraton Palace. Dizzy Gillespie se alojaba allí y le escuchaba todas las noches. Cuando el pianista de Gillespie, Lalo Schifrin, llegó al hotel, se encontró con Sete, con quien se había familiarizado y tocado cuando el brasileño hizo una gira por Argentina. Invitado por Gillespie, Sete tocó con él en el Noveno Festival Anual de Jazz de Monterey con gran éxito.

Vinicius De Moraes, Maria Creuza & Toquinho • En ''La Fusa''

  

En La Fusa con Maria Creuza y Toquinho is a 1970 live album by Maria Creuza and Toquinho in partnership with Vinicius de Moraes. It was recorded at the La Fusa Bar in Buenos Aires. 

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En La Fusa con Maria Creuza y Toquinho es un álbum en vivo de 1970 de Maria Creuza y Toquinho en asociación con Vinicius de Moraes. Fue grabado en el Bar La Fusa de Buenos Aires.

 

Sérgio Mendes & Bossa Rio • Você Ainda Não Ouviu Nada!

 

 

 https://sergiomendesmusic.com/

 

 

Baden Powell • Apresentando Baden Powell e Seu Violão

 

Baden Powell de Aquino (1937-2000) was born in Varre-e-Sai in the state of Rio de Janeiro, Brazil. His father, a scouting enthusiast, named him after Lord Robert Baden-Powell. When he was three, his family relocated to a suburb in the city of Rio de Janeiro. The new surroundings proved profoundly influential. His house was a stop for popular musicians during his formative years. He soon started guitar lessons with Jayme Florence (”Meira”), a famous choro guitarist, in the 1940s. He proved a young virtuoso, having won many talent competitions before he was a teenager. At age fifteen, he was already playing professionally, accompanying singers and bands in various styles. As a youngster, he was fascinated by swing and jazz, but his main influences were firmly rooted in the Brazilian guitar canon.

He first achieved notoriety in 1959 by convincing singer/composer Billy Blanco to put lyrics to one of his compositions. The result was “Samba Triste,” which has been covered by many artists, including Stan Getz and Charlie Byrd on their seminal LP Jazz Samba.

In 1962, he met the poet/diplomat Vincius de Moraes and began a collaboration that yielded some true classics of 1960s Brazilian music. Although bossa nova was the prevailing sound of the times, Baden and Vinicius wanted to transcend the then-fashionable sound by blending Afro-Brazilian sacred and secular music with Rio-style samba. The most enduring result are their “Afro-Sambas,” released on LP in 1966. During the 1960s, Baden studied advanced harmony with Moacir Santos, released recordings on the Brazilian labels Elenco and Forma, as well as in the French label Barclay and the German label MPS/Saba. His 1966 Tristeza on Guitar is considered by many to be a high point in his career. In addition, he was the house guitarist for Elenco, and Elis Regina's TV show “O Fino da Bossa”.

In 1968, he partnered with poet Paulo Cesar Pinheiro and produced another series of Afro-Brazilian inspired music released in 1970 as Os Cantores da Lapinha.

He visited and toured Europe frequently in the 1960s, relocating permanently to France in 1968. In the 1970s, he released many recordings with different labels in Europe and Brazil. His star dimmed somewhat owing to health problems and changing tastes. He spent the 1980s in semi-retirement in France and Germany. Finally, in the 1990s he and his family moved back to Brazil, where he continued to record and perform. Public recognition of his work came around that time in Brazil. By the end of the 1990s he converted to evangelical Christianity, to which he credits overcoming his long addictions to alcohol and tobacco. Nevertheless, his health had greatly deteriorated after many years of abuse, and he died of pneumonia on the 26th of September, 2000, in Rio de Janeiro.

He is the father of pianist Philippe Baden Powell de Aquino and guitarist Louis Marcel Powell de Aquino.

Playing style
At age 19, Baden Powell decided to stop playing the electric guitar, preferring to concentrate on the classical guitar for the rest of his career. He did record a series of albums with a borrowed steel-string acoustic, but that is as far as he strayed from his main instrument in his adulthood.

An analysis of his repertoire reveals a wide range of interests. It spanned all the idioms of Brazilian popular music of the 20th century: samba, bossa nova, Afro-Bahian ritual music, frevo, choro, folkloric music from northeastern Brazil; even European and Japanese lullabies. Like most musicians growing up in the 1940s and 1950s, he was deeply influenced by jazz, especially Bebop and Swing. He covered Thelonious Monk's “'Round Midnight” on two recordings, and Jerome Kern's “All the Things you Are” on three occasions (including his first solo album).

This upbringing is reflected in his playing style, which shows a fusion of jazz harmonies and classical guitar technique, with a very Brazilian right hand (i.e. the one carrying the rhythm on the guitar). On solo pieces, he could recall Tárrega or play Bach pieces with ease. When playing in a group, he was able to accompany singers with quiet mastery, or let loose and play street samba in sloppy “party” style as if the guitar was another percussion instrument. Like Monk, he was fond of the minor second interval as a way to “bend” the tonality. However, because of his jazz background, he would rarely physically bend the string, preferring instead to play the minor second using an adjacent open string. Students of his style should note this preference for chord voicings that feature extensions on the open strings as a way of punctuating passages. Other idioms to watch for are the endless variations in rhythm played by the right hand; always within the proper 2/4 samba meter, as well as his tendency to put his “signature” in a fast descending scale with a (slower) ascending arpeggio in the relative key. Another common device that he used in his recordings consisted of his use of vocalise and scat singing, often in unison with the melody line.

He stated that his influences included his first teacher “Meira” (Jayme Florence, 1909-1982), along with master guitarists Dilermando Reis (1916-1977), and Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). He also commented about being influenced by the work of Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) and Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell is featured as accompanist on a handful of big band and samba recordings from the 1950's. He recorded his first solo album in 1959, but it was not released until 1961. His first and second albums feature a selection of jazz standards along with Brazilian hits of the time, plus some original compositions. In 1962, Baden rose to international attention by recording with flatist Herbie Mann and drummer Jimmy Pratt. By 1963, he was flying solo and fronting small ensembles in Brazil and France. The French labels Barclay and Festival released many of his recordings. In Germany, MPS/Saba released his work with producer Joachim Berendt. In Brazil, he recorded for Elenco, Forma and the Brazilian subsidiary of Philips Records. After a relative drought of new releases in the 1980's, Baden Powell returned to recording studios in Brazil for his final years. These late recordings showcase him playing solo guitar and singing in a relaxed, intimate style, with occasional flurries of his former energetic playing thrown in for good measure.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

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Baden Powell de Aquino (1937-2000) nació en Varre-e-Sai, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre, un entusiasta del escultismo, le puso el nombre de Lord Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio de la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno resultó ser profundamente influyente. Su casa fue una parada para músicos populares durante sus años de formación. Pronto empezó a tomar clases de guitarra con Jayme Florence ("Meira"), un famoso guitarrista de choro, en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, habiendo ganado muchos concursos de talentos antes de llegar a la adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. De joven, le fascinaban el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de la guitarra brasileña.

Alcanzó notoriedad por primera vez en 1959 al convencer al cantante y compositor Billy Blanco para que pusiera letra a una de sus composiciones. El resultado fue "Samba Triste", que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd en su fundamental LP Jazz Samba.

En 1962, conoció al poeta y diplomático Vincius de Moraes y comenzó una colaboración que dio lugar a algunos verdaderos clásicos de la música brasileña de los años sesenta. Aunque la bossa nova era el sonido predominante de la época, Baden y Vinicius querían trascender el sonido de moda de entonces mezclando la música sacra y secular afrobrasileña con la samba de estilo carioca. El resultado más duradero son sus "Afro-Sambas", publicadas en LP en 1966. Durante la década de 1960, Baden estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y publicó grabaciones en los sellos brasileños Elenco y Forma, así como en el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba. Su disco "Tristeza en la guitarra", de 1966, es considerado por muchos como un punto álgido en su carrera. Además, fue el guitarrista de la casa de Elenco y del programa de televisión de Elis Regina "O Fino da Bossa".

En 1968, se asoció con el poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie de música de inspiración afrobrasileña, publicada en 1970 con el nombre de Os Cantores da Lapinha.

En la década de 1960 visitó y realizó frecuentes giras por Europa, y en 1968 se trasladó definitivamente a Francia. En la década de 1970, publicó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su estrella se debilitó un poco debido a problemas de salud y a la evolución de sus gustos. Pasó los años 80 semiretirado en Francia y Alemania. Finalmente, en la década de 1990 se trasladó con su familia a Brasil, donde siguió grabando y actuando. El reconocimiento público de su obra llegó en esa época en Brasil. A finales de los años 90 se convirtió al cristianismo evangélico, al que atribuye la superación de sus largas adicciones al alcohol y al tabaco. Sin embargo, su salud se había deteriorado mucho tras muchos años de abusos, y murió de neumonía el 26 de septiembre de 2000 en Río de Janeiro.

Es el padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Louis Marcel Powell de Aquino.

Estilo de interpretación
A los 19 años, Baden Powell decidió dejar de tocar la guitarra eléctrica, prefiriendo concentrarse en la guitarra clásica para el resto de su carrera. Grabó una serie de álbumes con una guitarra acústica de cuerdas de acero prestada, pero eso es lo máximo que se alejó de su instrumento principal en su edad adulta.

Un análisis de su repertorio revela una amplia gama de intereses. Abarcó todos los lenguajes de la música popular brasileña del siglo XX: samba, bossa nova, música ritual afrobahiana, frevo, choro, música folclórica del noreste de Brasil; incluso nanas europeas y japonesas. Como la mayoría de los músicos que crecieron en las décadas de 1940 y 1950, estuvo profundamente influenciado por el jazz, especialmente el Bebop y el Swing. Hizo una versión de "'Round Midnight" de Thelonious Monk en dos grabaciones, y de "All the Things you Are" de Jerome Kern en tres ocasiones (incluido su primer álbum en solitario).

Esta formación se refleja en su estilo de tocar, que muestra una fusión de armonías de jazz y técnica de guitarra clásica, con una mano derecha muy brasileña (es decir, la que lleva el ritmo en la guitarra). En los solos, podía recordar a Tárrega o tocar piezas de Bach con facilidad. Cuando tocaba en grupo, era capaz de acompañar a los cantantes con tranquila maestría, o de soltarse y tocar samba callejera en estilo de "fiesta" descuidada, como si la guitarra fuera otro instrumento de percusión. Al igual que Monk, le gustaba el intervalo de segunda menor como forma de "doblar" la tonalidad. Sin embargo, debido a su formación jazzística, rara vez doblaba físicamente la cuerda, prefiriendo en su lugar tocar la segunda menor utilizando una cuerda abierta adyacente. Los estudiantes de su estilo deben tener en cuenta esta preferencia por voicings de acordes que presentan extensiones en las cuerdas abiertas como una forma de puntuar los pasajes. Otros modismos a tener en cuenta son las interminables variaciones rítmicas de la mano derecha, siempre dentro del compás de samba de 2/4, así como su tendencia a poner su "firma" en una escala descendente rápida con un arpegio ascendente (más lento) en la tonalidad relativa. Otro recurso común que utilizaba en sus grabaciones consistía en el uso de vocalización y canto scat, a menudo al unísono con la línea melódica.

Declaró que entre sus influencias se encontraba su primer maestro "Meira" (Jayme Florence, 1909-1982), junto con los maestros de la guitarra Dilermando Reis (1916-1977), y Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). También comentó que estaba influenciado por el trabajo de Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) y Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell aparece como acompañante en un puñado de grabaciones de big band y samba de los años 50. Grabó su primer álbum en solitario en 1959, pero no se publicó hasta 1961. Su primer y segundo álbumes incluyen una selección de estándares de jazz junto con éxitos brasileños de la época, además de algunas composiciones originales. En 1962, Baden saltó a la fama internacional al grabar con el flautista Herbie Mann y el baterista Jimmy Pratt. En 1963, ya actuaba en solitario y dirigía pequeños conjuntos en Brasil y Francia. Los sellos franceses Barclay y Festival publicaron muchas de sus grabaciones. En Alemania, MPS/Saba publicó sus trabajos con el productor Joachim Berendt. En Brasil, grabó para Elenco, Forma y la filial brasileña de Philips Records. Tras una relativa sequía de nuevos lanzamientos en la década de 1980, Baden Powell volvió a los estudios de grabación de Brasil para sus últimos años. Estas últimas grabaciones lo muestran tocando la guitarra solista y cantando en un estilo relajado e íntimo, con ocasionales ráfagas de su antiguo toque enérgico.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

Antonio Carlos Jobim • A Certain Mr. Jobim

Review by Bruce Eder

This album has had a somewhat confusing release history, appearing as it did amid a flurry of activity by Jobim (including his work with Frank Sinatra) and bouncing between several labels since its first release in 1967. Made up of instrumentals as well as songs (all of the latter in English), it was a superb showcase for the melodic aspect of Jobim's art, though the material, like so much of Jobim's work during his explosive first decade of international recognition, represented something of a work in progress, a fact borne out by the subsequent reworking of the stunning closing number, "Zingaro," as "Retrato Em Branco E Preto." Claus Ogerman's musical direction offers a mix of influences, ranging from Dom um Romão's drumming to the presence of the first violinist of the New York Philharmonic, all combining to sympathetic effect.

https://www.allmusic.com/album/a-certain-mr-jobim-mw0000192036

It has been said that Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim was the George Gershwin of Brazil—and there is a solid ring of truth in that, for both contributed large bodies of songs to the jazz repertoire, both expanded their reach into the concert hall, and both tend to symbolize their countries in the eyes of the rest of the world. With their gracefully urbane, sensuously aching melodies and harmonies, Jobim's songs gave jazz musicians in the 1960s a quiet, strikingly original alternative to their traditional Tin Pan Alley source.

Jobim's roots were always planted firmly in jazz; the records of Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel and other West Coast jazz musicians made an enormous impact upon him in the 1950s. But he also claimed that the French impressionist composer Claude Debussy had a decisive influence upon his harmonies, and the Brazilian samba gave his music a uniquely exotic rhythmic underpinning. As a pianist, he usually kept things simple and melodically to the point with a touch that reminds some of Claude Thornhill, but some of his records show that he could also stretch out when given room. His guitar was limited mostly to gentle strumming of the syncopated rhythms, and he sang in a modest, slightly hoarse yet often hauntingly emotional manner.

Born in the Tijuca neighborhood of Rio, Jobim originally was headed for a career as an architect. Yet by the time he turned 20, the lure of music was too powerful, and so he started playing piano in nightclubs and working in recording studios. He made his first record in 1954 backing singer Bill Farr as the leader of “Tom and His Band” (Tom was Jobim's lifelong nickname), and he first found fame in 1956 when he teamed up with poet Vinicius de Morales to provide part of the score for a play called Orfeo do Carnaval (later made into the famous film Black Orpheus). In 1958, the then-unknown Brazilian singer Joao Gilberto recorded some of Jobim's songs, which had the effect of launching the phenomenon known as bossa nova. Jobim's breakthrough outside Brazil occurred in 1962 when Stan Getz and Charlie Byrd scored a surprise hit with his tune “Desafinado”—and later that year, he and several other Brazilian musicians were invited to participate in a Carnegie Hall showcase. Fueled by Jobim's songs, the bossa nova became an international fad, and jazz musicians jumped on the bandwagon recording album after album of bossa novas until the trend ran out of commercial steam in the late '60s.

Jobim himself preferred the recording studios to touring, making several lovely albums of his music as a pianist, guitarist and singer for Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI and MCA in the '60s and '70s, and Verve again in the last decade of his life. Early on, he started collaborating with arranger/conductor Claus Ogerman, whose subtle, caressing, occasionally moody charts gave his records a haunting ambiance. When Brazilian music was in its American eclipse after the '60s, a victim of overexposure and the burgeoning rock revolution, Jobim retreated more into the background, concentrating much energy upon film and TV scores in Brazil. But by 1985, as the idea of world music and a second Brazilian wave gathered steam, Jobim started touring again with a group containing his second wife Ana Lontra, his son Paulo, daughter Elizabeth and various musician friends. At the time of his final concerts in Brazil in September 1993 and at Carnegie Hall in April 1994 (both available on Verve), Jobim at last was receiving the universal recognition he deserved, and a plethora of tribute albums and concerts followed in the wake of his sudden death in New York City of heart failure. Jobim's reputation as one of the great songwriters of the century is now secure, nowhere more so than on the jazz scene where every other set seems to contain at least one bossa nova.

Composer Antonio Carlos Jobim AKA Tom Jobim was born on January 25, 1927 in Tijuca, Rio de Janeiro, Brazil. He showed a natural curiosity towards music early on and at age 13 discovered an old piano in his parents’ school and started experimenting with sounds and notes. Although he took some private piano lessons he was for the most part self-taught. At age 20 he gave up on his original plans to become an architect and devoted himself completely to music. He started his career in 1952 playing piano in small cafes around the city. His early musical influences included the legendary composer Pixinguinha, Claude Debussy and jazz. In 1954 he cut his first record with his band called “Tom and His Band” backing the singer Bill Farr. The same year he apprenticed to arranger Radames Gnatali from whom he learned the rudiments of arranging and shifted careers and for a while and became an arranger for local singers. In 1956 he collaborated with poet and diplomat Vinicius de Moraes on an operetta entitled Orfeo do Carnaval that opened to great acclaim at the Metropolitan Opera House in Rio. The French director Marcel Camus transferred it to the big screen under the title Black Orpheus. The film was honored by the Cannes Film Festival with a Palme D’Or in 1959. His first hit was Felicidade from this operetta. The song gained immense popularity when Billy Eckstine added English lyrics to it in the late 1950s. Moraes and Jobim also teamed up on other hits including Girl from Ipanema and Agua de Beber among others. In 1958 Brazilian guitarist and vocalist Joao Gilberto released a record of Jobim songs that marked the beginning of the bossa nova phenomenon. 1962 marked an important change in Jobim’s career when he broke out into the world scene after Stan Getz popularized his tune “Desafinado”. He and his colleagues were invited to perform at Carnegie Hall and the popularity of the bossa nova took off. From 1962 till the end of the 60s various jazz musicians recorded multitude of bossa nova albums. Jobim himself, in addition to becoming one of the most recorded composers, cut several albums for a variety of labels often in collaboration with Claus Ogerman. The 1970s and 80s marked a time of low popularity for jazz and for Brazilian music due to the rock explosion. Jobim returned to Brazil and worked on TV and film scores. By 1985 though bossa nova and Brazilian music experienced a renaissance and Jobim started touring again performing up to few months before his death in New York City of heart failure on December 8 1994.

https://musicians.allaboutjazz.com/antoniocarlosjobim

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Review by Bruce Eder

This album has had a somewhat confusing release history, appearing as it did amid a flurry of activity by Jobim (including his work with Frank Sinatra) and bouncing between several labels since its first release in 1967. Made up of instrumentals as well as songs (all of the latter in English), it was a superb showcase for the melodic aspect of Jobim's art, though the material, like so much of Jobim's work during his explosive first decade of international recognition, represented something of a work in progress, a fact borne out by the subsequent reworking of the stunning closing number, "Zingaro," as "Retrato Em Branco E Preto." Claus Ogerman's musical direction offers a mix of influences, ranging from Dom um Romão's drumming to the presence of the first violinist of the New York Philharmonic, all combining to sympathetic effect.

https://www.allmusic.com/album/a-certain-mr-jobim-mw0000192036

Se ha dicho que Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim era el George Gershwin de Brasil, y hay un sólido anillo de verdad en que, dado que ambos contribuyeron con grandes cantidades de canciones al repertorio de jazz, ambos ampliaron su alcance a la sala de conciertos y ambos tienden a simbolizar a sus países a los ojos del resto del mundo. Con sus melodías y armonías grácilmente urbanas y sensualmente dolorosas, las canciones de Jobim dieron a los músicos de jazz de los años sesenta una alternativa silenciosa y sorprendentemente original a su fuente tradicional de Tin Pan Alley.

Las raíces de Jobim siempre estuvieron firmemente arraigadas en el jazz; los discos de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos de jazz de la costa oeste le causaron un enorme impacto en la década de 1950. Pero también afirmó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, y que la samba brasileña le dio a su música una base rítmica excepcionalmente exótica. Como pianista, solía mantener las cosas simples y melódicas hasta el punto con un toque que recuerda a Claude Thornhill, pero algunos de sus discos muestran que también podía estirarse cuando se le daba espacio. Su guitarra se limitaba sobre todo a un suave rasgueo de los ritmos sincopados, y cantaba de una manera modesta, ligeramente ronca, pero a menudo de una manera inquietantemente emocional.

Nacido en el barrio de Tijuca, en Río de Janeiro, Jobim comenzó su carrera como arquitecto. Sin embargo, cuando cumplió 20 años, la atracción de la música era demasiado poderosa, así que empezó a tocar el piano en clubes nocturnos y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primer disco en 1954 con el cantante Bill Farr como líder de "Tom and His Band" (Tom era el apodo de toda la vida de Jobim), y encontró fama en 1956 cuando se asoció con el poeta Vinicius de Morales para formar parte de la partitura de una obra de teatro llamada Orfeo do Carnaval (que más tarde se convertiría en la famosa película Black Orpheus). En 1958, el entonces desconocido cantante brasileño Joao Gilberto grabó algunas de las canciones de Jobim, lo que tuvo el efecto de lanzar el fenómeno conocido como bossa nova. El gran avance de Jobim fuera de Brasil ocurrió en 1962 cuando Stan Getz y Charlie Byrd lograron un éxito sorprendente con su canción "Desafinado", y más tarde ese mismo año, él y varios otros músicos brasileños fueron invitados a participar en un concierto en el Carnegie Hall. Impulsado por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en una moda internacional, y los músicos de jazz se subieron al carro de la grabación álbum tras álbum de bossa novas hasta que la tendencia se agotó a finales de los años sesenta.

Jobim mismo prefirió los estudios de grabación a las giras, haciendo varios álbumes de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los'60s y'70s, y Verve nuevamente en la última década de su vida. Desde el principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director de orquesta Claus Ogerman, cuyos sutiles, acariciantes y ocasionalmente malhumorados gráficos le dieron a sus discos un ambiente inolvidable. Cuando la música brasileña estaba en su eclipse americano después de los años 60, víctima de la sobreexposición y de la floreciente revolución del rock, Jobim se retiró más a un segundo plano, concentrando mucha energía en las partituras de cine y televisión en Brasil. Pero en 1985, cuando la idea de la música del mundo y una segunda ola brasileña se intensificó, Jobim comenzó a viajar de nuevo con un grupo que incluía a su segunda esposa Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth y varios amigos músicos. En el momento de sus últimos conciertos en Brasil en septiembre de 1993 y en el Carnegie Hall en abril de 1994 (ambos disponibles en Verve), Jobim recibía por fin el reconocimiento universal que se merecía, y una plétora de álbumes homenaje y conciertos le siguieron tras su repentina muerte en la ciudad de Nueva York a causa de una insuficiencia cardíaca. La reputación de Jobim como uno de los grandes compositores del siglo ya está asegurada, sobre todo en la escena del jazz, donde cada uno de los otros conjuntos parece contener al menos una bossa nova.

El compositor Antonio Carlos Jobim alias Tom Jobim nació el 25 de enero de 1927 en Tijuca, Río de Janeiro, Brasil. Mostró una curiosidad natural por la música desde muy joven y a los 13 años descubrió un viejo piano en la escuela de sus padres y comenzó a experimentar con sonidos y notas. Aunque tomó algunas clases privadas de piano, era en su mayor parte autodidacta. A los 20 años abandonó sus planes originales de convertirse en arquitecto y se dedicó por completo a la música. Comenzó su carrera en 1952 tocando el piano en pequeños cafés de la ciudad. Sus primeras influencias musicales incluyeron al legendario compositor Pixinguinha, Claude Debussy y el jazz. En 1954 grabó su primer disco con su banda "Tom and His Band" con el apoyo del cantante Bill Farr. Ese mismo año fue aprendiz del arreglista Radames Gnatali, de quien aprendió los rudimentos del arreglo y cambió de carrera y durante un tiempo se convirtió en arreglista de cantantes locales. En 1956 colaboró con el poeta y diplomático Vinicius de Moraes en una opereta titulada Orfeo do Carnaval que fue muy aclamada en el Metropolitan Opera House de Río. El director francés Marcel Camus lo transfirió a la gran pantalla bajo el título Black Orpheus. La película fue galardonada por el Festival de Cannes con una Palma de Oro en 1959. Su primer éxito fue Felicidade de esta opereta. La canción ganó inmensa popularidad cuando Billy Eckstine le agregó letras en inglés a finales de la década de 1950. Moraes y Jobim también se unieron en otros éxitos como Girl from Ipanema y Agua de Beber entre otros. En 1958 el guitarrista y vocalista brasileño Joao Gilberto lanzó un disco de canciones de Jobim que marcó el inicio del fenómeno de la bossa nova. 1962 marcó un cambio importante en la carrera de Jobim cuando irrumpió en la escena mundial después de que Stan Getz popularizara su melodía "Desafinado". Él y sus colegas fueron invitados a actuar en el Carnegie Hall y la popularidad de la bossa nova despegó. Desde 1962 hasta finales de los años 60 varios músicos de jazz grabaron multitud de discos de bossa nova. El propio Jobim, además de convertirse en uno de los compositores más grabados, grabó varios álbumes para diversos sellos, a menudo en colaboración con Claus Ogerman. Los años 70 y 80 marcaron una época de baja popularidad para el jazz y la música brasileña debido a la explosión del rock. Jobim regresó a Brasil y trabajó en partituras de televisión y cine. En 1985, aunque la bossa nova y la música brasileña experimentaron un renacimiento y Jobim comenzó a tocar de nuevo hasta unos meses antes de su muerte en la ciudad de Nueva York por un fallo cardíaco el 8 de diciembre de 1994.

https://musicians.allaboutjazz.com/antoniocarlosjobim

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Mendes and Brasil '66 • Four Sider

 

Review by Stephen Cook

Covering the extent of Brasil '66's output from 1966-1972, Four Sider is the best available retrospective for those new to Mendes' successful Brazilian pop outfit (the 45-song Very Best of Sergio Mendes & Brasil '66 offers a more comprehensive, yet potentially daunting overview). Typical of the band's original albums, Four Sider includes a mix of Brazilian material and '60s pop hits. Also on display is Mendes' winning blend of bossa nova rhythms and lounge-a-go-go elements (churning organ riffs and rock basslines), complimented by a variety of percussion, airy vocal harmonies, and his own jazz-informed keyboard contributions and horn charts. Highlights include renditions of the Beatles' "Nowhere Man" and Joni Mitchell's "Chelsea Morning," in addition to several Brazilian hits, like Jorge Ben's "Mais Que Nada" and Antonio Carlos Jobim's "Wave." Other Brazilian luminaries are represented as well, including Edu Lobo, Dori Caymmi, and Oscar Neves, not to mention Mendes himself ("Look Around"). Wrapping up the set are a few Brasil '77 cuts, which spotlight the post-bossa nova sounds of tropicalismo (Ben's "Pais Tropical" and Mendes' "Promise of a Fisherman"). This is a fine collection; one that shows Mendes wasn't simply another space-age bachelor, but an innovative musician and arranger as well.

https://www.allmusic.com/album/four-sider-mw0000652296

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Reseña de Stephen Cook

Cubriendo la extensión de la producción de Brasil '66 de 1966 a 1972, Four Sider es la mejor retrospectiva disponible para aquellos nuevos en el exitoso equipo pop brasileño de Mendes (la canción de 45 minutos Very Best of Sergio Mendes & Brasil '66 ofrece una visión más completa, pero potencialmente desalentadora). Típico de los álbumes originales de la banda, Four Sider incluye una mezcla de material brasileño y éxitos pop de los 60. También se muestra la mezcla ganadora de Mendes de ritmos de bossa nova y elementos de lounge-a-go-go (riffs de órgano y bajos de rock), complementados por una variedad de percusiones, armonías vocales aéreas, y sus propias contribuciones de teclado y de trompa basadas en el jazz. Lo más destacado incluye interpretaciones de "Nowhere Man" de los Beatles y "Chelsea Morning" de Joni Mitchell, además de varios éxitos brasileños, como "Mais Que Nada" de Jorge Ben y "Wave" de Antonio Carlos Jobim. Otras luminarias brasileñas también están representadas, incluyendo a Edu Lobo, Dori Caymmi, y Oscar Neves, sin mencionar al propio Mendes ("Look Around"). Para cerrar el set, hay algunos cortes de Brasil '77, que destacan los sonidos post-bossa nova del tropicalismo ("Pais Tropical" de Ben y "Promesa de un Pescador" de Mendes). Esta es una buena colección; una que muestra que Mendes no era simplemente otro soltero de la era espacial, sino también un músico y arreglista innovador.

https://www.allmusic.com/album/four-sider-mw0000652296

 

 

 

 https://sergiomendesmusic.com/

 

 

Fernando Caneca • Visitando Canhoto da Paraíba

 

 

 

www.fernandocaneca.com ...

 

João Donato e Seu Trio • A Bossa Muito Moderna

João Donato de Oliveira Neto is a Brazilian jazz and bossa nova pianist from Brazil. He first worked with Altamiro Carrilho and went on to perform with Antonio Carlos Jobim and Astrud Gilberto.

A professional at the age of 15, Donato played accordion at the Sinatra-Farney Fan Club.

He recorded for the first time with Altamiro Carrilho. Soon after he joined a band led by violinist Fafá Lemos that played in Brazilian nightclubs. His first solo album came out in 1953. He led the bossa nova band Os Namorados  which performed songs such as "Tenderly".

Donato became arranger and pianist for the band Garotos da Lua and was joined by João Gilberto. After moving to São Paulo, he played in the Luís César Orchestra and the band Os Copacabanas. In 1956 he recorded an album for Odeon that was produced by Antonio Carlos Jobim. Donato wrote "Minha Saudade" with Gilberto, and it became a hit. In an interview during the 1970s, Gilberto said Donato inspired the creation of bossa nova.

Jobs at nightclubs decreased when customers said they couldn't dance to his music. Musicians, too, found the music difficult to learn. Unable to find work in his home country, he left Brazil after his friend Nanai, a former member of Os Namorados, offered him a job in the U.S. During the next decade, he recorded with Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud Gilberto, Bud Shank, and Cal Tjader. His hits included "A Rã," and "Caranguejo", both recorded by Sergio Mendes. His album A Bad Donato (1970) was recorded with jazz bassist Ron Carter. He was music director for Gal Costa in 1974.

Alexandre Carvalho dos Santos wrote, "I recommend a João Donato gig not only to someone who is interested in first class music, an impressive pianist and a selection of historic compositions. I recommend it to anyone who needs an anti-depressive, an acupuncture session or any such other form of deep relaxation. I had my dose on a Sunday evening, from a show in São Paulo. A perfect timing to start a week believing that happiness exists, in spite of your boss". In 2010, Sambolero, credited as the João Donato Trio, earned the Latin Grammy for Best Latin Jazz Album at the 10th Latin Grammy Awards.

In 2016, he was nominated for the Latin Grammy Award for Best Instrumental Album for his album Donato Elétrico. The album was also chosen by the Brazilian edition of Rolling Stone magazine as the 11th best Brazilian album of 2016. His album Sintetizamor was named by Rolling Stone Brasil one of the best of 2017.

https://en.wikipedia.org/wiki/Jo%C3%A3o_Donato

Note: João Donato passed away on 17 July 2023.

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João Donato de Oliveira Neto es un pianista brasileño de jazz y bossa nova de Brasil. Trabajó primero con Altamiro Carrilho y luego con Antonio Carlos Jobim y Astrud Gilberto.

Profesional a la edad de 15 años, Donato tocó el acordeón en el Club de Fans de Sinatra-Farney.

Grabó por primera vez con Altamiro Carrilho. Poco después se unió a una banda liderada por el violinista Fafá Lemos que tocaba en clubes nocturnos brasileños. Su primer álbum en solitario salió en 1953. Dirigió la banda de bossa nova Os Namorados que interpretaba canciones como "Tenderly".

Donato se convirtió en arreglista y pianista de la banda Garotos da Lua y se le unió João Gilberto. Después de mudarse a São Paulo, tocó en la Orquesta Luís César y en la banda Os Copacabanas. En 1956 grabó un álbum para Odeón, producido por Antonio Carlos Jobim. Donato escribió "Minha Saudade" con Gilberto, y se convirtió en un éxito. En una entrevista en los años 70, Gilberto dijo que Donato inspiró la creación de la bossa nova.

Los trabajos en los clubes nocturnos disminuyeron cuando los clientes dijeron que no podían bailar con su música. Los músicos también encontraron que la música era difícil de aprender. Incapaz de encontrar trabajo en su país natal, se fue de Brasil después de que su amigo Nanai, ex miembro de Os Namorados, le ofreciera un trabajo en los EE.UU. Durante la siguiente década, grabó con Mongo Santamaría, Tito Puente, Astrud Gilberto, Bud Shank y Cal Tjader. Sus éxitos incluyeron "A Rã" y "Caranguejo", ambos grabados por Sergio Mendes. Su álbum A Bad Donato (1970) fue grabado con el bajista de jazz Ron Carter. Fue director musical de Gal Costa en 1974.

Alexandre Carvalho dos Santos escribió: "Recomiendo un concierto de João Donato no sólo a alguien que esté interesado en la música de primera clase, un pianista impresionante y una selección de composiciones históricas. Lo recomiendo a cualquiera que necesite un antidepresivo, una sesión de acupuntura o cualquier otra forma de relajación profunda. Tuve mi dosis un domingo por la noche, de un espectáculo en São Paulo. Un momento perfecto para empezar una semana creyendo que la felicidad existe, a pesar de tu jefe". En 2010, Sambolero, acreditado como el João Donato Trío, ganó el Grammy Latino por Mejor Álbum de Jazz Latino en los 10º Premios Grammy Latinos.

En 2016, fue nominado para el premio Grammy Latino al Mejor Álbum Instrumental por su álbum Donato Elétrico. El álbum también fue elegido por la edición brasileña de la revista Rolling Stone como el 11º mejor álbum brasileño de 2016. Su álbum Sintetizamor fue nombrado por Rolling Stone Brasil como uno de los mejores de 2017.

https://en.wikipedia.org/wiki/Jo%C3%A3o_Donato

Nota: João Donato falleció 17 de julio de 2023.

Roberto Menescal E Seu Conjunto • A Bossa Nova De Roberto Menescal E Seu Conjunto

 

Description:
Classic bossa nova album from Brazilian guitarist and composer Roberto Menescal, featuring the legendary Eumir Deodato on piano. Menescal, born in 1937, is a pioneer of bossa nova best known for his composition O Barquinho and his collaborations with Carlos Lyra, Nara Leão, and Wanda Sá. He was nominated for a Latin Grammy Award in 2002 and received the Latin Recording Academy Special Award in 2013 for his contributions to the genre.

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Descripción:
Álbum clásico de bossa nova del guitarrista y compositor brasileño Roberto Menescal, con el legendario Eumir Deodato en piano. Menescal, nacido en 1937, es un pionero de la bossa nova mejor conocido por su composición O Barquinho y sus colaboraciones con Carlos Lyra, Nara Leão y Wanda Sá. Fue nominado al Grammy Latino en 2002 y recibió el Premio Especial de la Academia Latina de la Grabación en 2013 por sus contribuciones al género.


www.robertomenescal.com.br ...

Joao Gilberto • Acapulco

 

VA • Bossa Nova Millennium

Stan Getz, Joao Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Astrud Gilberto, Elis Regina, Walter Wanderley, Sergio Mendes ...

The Bossa Three • Bossa Nova

The trio was formed in 1961 at Beco das Garrafas (Copacabana nightclub area), home of the bossa nova. Their debut gigs were at the Ed Sullivan Show, where they played for ballet dancers Lennie Dale, Joe Benett e Martha Botelho. Bossa 3 remained in the States for a few more years, performing at jazz clubs. The group broke up their Brazilian line up, and pianist Luis Carlos Vinhas, the only one who returned to Brazil, put Bossa 3 together again, this time with new musicians. They made other 5 albums, touring Latin countries.

https://www.discogs.com/es/artist/571664-Bossa-Tr%C3%AAs

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El trío se formó en 1961 en el Beco das Garrafas (zona de clubes nocturnos de Copacabana), hogar de la bossa nova. Su debut fue en el Ed Sullivan Show, donde tocaron para los bailarines Lennie Dale, Joe Benett y Martha Botelho. La Bossa 3 permaneció en los Estados Unidos por algunos años más, actuando en clubes de jazz. El grupo rompió su formación brasileña, y el pianista Luis Carlos Vinhas, el único que volvió a Brasil, volvió a montar la Bossa 3, esta vez con nuevos músicos. Hicieron otros 5 álbumes, haciendo giras por países latinos.

https://www.discogs.com/es/artist/571664-Bossa-Tr%C3%AAs

Luiz Bonfá • Composer of Black Orpheus Plays and Sings Bossa Nova

 

A musician of virtuosity, subtlety, and passion, guitarist, singer and composer Luiz Bonfá (1922-2001) ranks among the key architects of the bossa nova sound and the greatest masters of Brazilian popular music of the 20th century. As a composer and performer, Bonfá was at heart an exponent of the bold, lyrical, lushly orchestrated, and emotionally charged samba-canção style that predated the arrival of João Gilberto's more refined and subdued bossa nova style.

Presented here is one of his greatest albums, Plays and Sings Bossa Nova, on which he collaborates with such stars as Leo Wright, Oscar Castro-Neves and Lalo Schifrin. This superb release includes Bonfá's classic version of his tune "Manhã de Carnaval" (aka "Black Orpheus"), among many other highlights.
https://www.jazzmessengers.com/es/102034/luiz-bonfa/playsandsingsbossanova-limitededition-

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Músico de virtuosismo, sutileza y pasión, el guitarrista, cantante y compositor Luiz Bonfá (1922-2001) se encuentra entre los arquitectos clave del sonido bossa nova y los más grandes maestros de la música popular brasileña del siglo XX. Como compositor e intérprete, Bonfá era en el fondo un exponente del estilo samba-canção audaz, lírico, exuberantemente orquestado y emocionalmente cargado que precedió a la llegada del estilo bossa nova más refinado y moderado de João Gilberto.

Aquí se presenta uno de sus mejores álbumes, Toca y canta Bossa Nova, en el que colabora con estrellas como Leo Wright, Oscar Castro-Neves y Lalo Schifrin. Este magnífico lanzamiento incluye la versión clásica de Bonfá de su melodía " Manhã de Carnaval "(también conocida como" Orfeo Negro"), entre muchos otros aspectos destacados.
https://www.jazzmessengers.com/es/102034/luiz-bonfa/playsandsingsbossanova-limitededition-

Dutch Swing College Band • Dutch Samba

Biography by Craig Harris

The Dutch Swing College Band has endured numerous personnel changes in its more than fifty-year history as one of the Netherlands' top jazz ensembles. Although no members remain from the original group, the latest lineup continues to honor the tradition-rooted approach of the founders.

Bob Kaper (1939- ) replaced clarinet player Peter Schilperoort during an illness in 1966, and remained with the band; he has led the Dutch Swing College Band since Schilperoort's death in 1990. The fourth leader in the group's history, Kaper succeeds Frans Vink, Jr. (1945-46), Joop Schrier (1955-60), and Schilperoort (1946-55; 1960-1990). Kaper previously led the Beale Street Seven, a group he founded in 1957.

An amateur group from 1945 until turning professional in 1960, the Dutch Swing College Band reached their early peak in the late '40s, when they were tapped to accompany such jazz musicians as Sidney Bechet, Joe Venuti, and Teddy Wilson.

The New Melbourne Jazz Band recorded an album, A Tribute to the Dutch Swing College Band, featuring music associated with the Holland-based group.

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Biografía de Craig Harris

Dutch Swing College Band ha sufrido numerosos cambios de personal en sus más de cincuenta años de historia como uno de los mejores conjuntos de jazz de los Países Bajos. Aunque no quedan miembros del grupo original, la última alineación continúa honrando el enfoque arraigado por la tradición de los fundadores.

Bob Kaper (1939-) reemplazó al clarinete Peter Schilperoort durante una enfermedad en 1966, y permaneció con la banda; dirigió la  Dutch Swing College Band desde la muerte de Schilperoort en 1990. El cuarto líder en la historia del grupo, Kaper sucede a Frans Vink, Jr. (1945-46), Joop Schrier (1955-60) y Schilperoort (1946-55); 1960-1990). Anteriormente, Kaper dirigió la Beale Street Seven, un grupo que fundó en 1957.

Un grupo amateur desde 1945 hasta que se convirtió en profesional en 1960, el Dutch Swing College Band llegó a su punto más alto a finales de los años 40, cuando fueron elegidos para acompañar a músicos de jazz como Sidney Bechet, Joe Venuti y Teddy Wilson.

La New Melbourne Jazz Band grabó un álbum, A Tribute to the Dutch Swing College Band, con música asociada al grupo con sede en Holanda.

 

dsc.nl ...

Walter Wanderley • Samba Swing

Walter José Wanderley Mendonça (Recife, Brasil 12 de mayo de 1932- San Francisco, EE. UU. 4 de septiembre de 1986), conocido como Walter Wanderley, fue un organista, pianista y compositor brasileño de jazz y bossa nova. Entre sus éxitos mas famosos están los temas " Batucada y Samba de Verão del compositor Marcos Valle.

Ya famoso en su país natal a finales de los años 50, se convirtió en una estrella de renombre internacional gracias a su colaboración con la cantante Astrud Gilberto y su marido, João Gilberto. Durante 1966-1967, grabó tres álbumes notables en el sello Verve con el trío formado por Walter, Claudio Slon (batería) y José Marino (bajo). Estos álbumes, Rainforest, Cheganca y A Certain Smile, A Certain Sadness de Astrud Gilberto fueron producidos en los Estados Unidos por Creed Taylor, quien inicialmente trajo el trío a los Estados Unidos para grabar. La grabación de Wanderley en Estados Unidos de Summer Samba alcanzó el número 26 en las listas de Billboard en el verano de 1966.

Después de que el Trío se disolviera (aunque se reunieron brevemente en 1971 para "The Return of the Original" en Canyon Records), el propio Wanderley siguió grabando álbumes en Verve, A&M/CTI, y GNP Cresendo. Durante este tiempo también hizo numerosas apariciones personales, incluyendo una gira de conciertos por México.

Wanderley era conocido por su estilo suave y su dominio del órgano Hammond B-3. Murió de cáncer en 1986.

Estuvo casado con Isaurinha García, una de las cantantes más populares de Brasil.

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Walter Wanderley (12 May 1932 – 4 September 1986) was an organist and pianist, born in Recife, Brazil and best known for his lounge and bossa nova music.

Already famous in his native country by the late 1950s, he became an internationally renowned star through his collaboration with the singer Astrud Gilberto and her husband, João Gilberto. During 1966–1967, he recorded three notable albums on the Verve label with the a trio consisting of Walter, Claudio Slon (drums) and Jose Marino (bass). These albums, Rainforest, Cheganca and Astrud Gilberto's A Certain Smile, A Certain Sadness were produced in the United States by Creed Taylor, who initially brought the Trio to the U.S. to record. Wanderley's U.S. recording of Summer Samba reached #26 on the Billboard charts in the summer of 1966.

After the Trio disbanded (though they were briefly reunited in 1971 for "The Return of the Original" on Canyon Records), Wanderley himself continued to record albums on Verve, A&M/CTI, and GNP Cresendo. During this time he also made numerous personal appearances, including a concert tour of Mexico.

Wanderley was known for his smooth style and mastery of the Hammond B-3 organ. He died of cancer in 1986.

He was married to Isaurinha Garcia, one of the most popular singers in Brazil.

 

 

 

Sergio Mendes • My Favorite Record

 

 https://sergiomendesmusic.com/

VA • Bossa Nova And The Rise Of Brazilian Music In The 1960s

 

Sérgio Mendes & Brasil '66 • Crystal Illusions

Review by Richard S. Ginell
The sound and band that served Sergio Mendes well on Fool on the Hill remain intact on Crystal Illusions, with few modifications. Dave Grusin is right there with a lush, haunting orchestral chart when needed; Lani Hall is thrust further into the vocal spotlight, as cool and alluring as ever in Portuguese or English. Mendes remained on the lookout for fresh Brazilian tunes, and he came up with a coup, one of the earliest covers of a Milton Nascimento tune to reach North America, "Vera Cruz" (with Hall's English lyrics, it became "Empty Faces"), as well as Dori Caymmi's "Dois Dias." The two singles, the perky "Pretty World" and sax-streaked cover of Otis Redding's "The Dock of the Bay," are nice slices of Mendes pop, though they were not significant hits. And yes, Sergio Mendes & Brasil '66 did take a large risk on the title track, a lengthy, kaleidoscopic treatment of an Edu Lobo tune that, inspired perhaps by "MacArthur Park," shattered radio's time barrier at seven minutes and 50 seconds. Yet while Grusin goes into a psychedelic freakout, we get a rare chance to hear Mendes stretch out a bit on electric piano. Weird and overblown, but wonderful.

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Reseña de Richard S. Ginell
El sonido y la banda que sirvió a Sergio Mendes en Fool on the Hill permanecen intactos en Crystal Illusions, con pocas modificaciones. Dave Grusin está ahí con una exuberante e inquietante carta orquestal cuando es necesario; Lani Hall está más metido en el centro de la atención vocal, tan fresco y atractivo como siempre en portugués o inglés. Mendes permaneció en la búsqueda de frescas melodías brasileñas, y se le ocurrió un golpe, una de las primeras versiones de una melodía de Milton Nascimento que llegó a América del Norte, "Vera Cruz" (con la letra en inglés de Hall, se convirtió en "Empty Faces"), así como "Dois Dias" de Dori Caymmi. Los dos sencillos, el alegre "Pretty World" y la portada llena de saxofón de "The Dock of the Bay" de Otis Redding, son bonitos trozos de pop de Mendes, aunque no fueron éxitos significativos. Y sí, Sergio Mendes & Brasil '66 tomaron un gran riesgo en la pista del título, un largo y caleidoscópico tratamiento de una melodía de Edu Lobo que, inspirada quizás en "MacArthur Park", rompió la barrera del tiempo de la radio a los siete minutos y 50 segundos. Sin embargo, mientras Grusin entra en un ataque psicodélico, tenemos la rara oportunidad de escuchar a Mendes estirarse un poco en el piano eléctrico. Raro y exagerado, pero maravilloso.

 

 

 https://sergiomendesmusic.com/

 

 

Leo Gandelman • Velhas Ideias Novas

Léo Gandelman (born Leonardo Gandelman on August 10, 1956, in Rio de Janeiro) is a Brazilian saxophonist, composer and producer.

Baden Powell & Vinicius De Morães • Os Afro-Sambas