Charles Earland • Live At The Lighthouse

Review by Thom Jurek

There were a number of different sides to Charles Earland's musical personality, all of them capable of representing him fully in any given moment. This date from 1971 at the legendary Lighthouse club offers a stunning vision of Earland the soul organist, not the jazzman. Certainly there is plenty of improvisation here and many unexpected twists and turns in the arrangements, with decisions made and reacted to on the spot. But that's not what makes this date so special. This is Earland digging so deeply into a groove emotionally that he's unconcerned with anything but feeling. No, dammit, it's doesn't mean that the playing is sloppy. Raw, yeah. Sloppy? If you've heard the cat's music, you should've known better. If you haven't, you're forgiven this time. In any case, beginning with Sly Stone's "Smiling," Earland is hooked into something. He's got the essence of the tune in his hands, but something about it just won't give; he's digging deep within these huge chords, trying to get it to crack, but it won't -- until Maynard Parker's guitar solo comes from out of chordville with huge, gritty voicings and single-note runs that give Earland a harmony read on the feel. As for the horns, played by trombonist Clifford Adams and saxophonist Jimmy Vass, it's a soul jam and they play in classic J.B.'s style. And just as the band begins to wind it out and move into the darkness, Earland finds what he's looking for and shifts the emotional context into bright, black light. This is evidenced further by the most swinging version ever of "We've Only Just Begun." Who ever thought that a puff piece of a pop tune could groove? Obviously Earland, because he takes the band through a funky, sprightly version where soul-jazz harmonics meet funky sweetness in a melodic romp guaranteed to put a smile on the most committed pessimist's face. But Earland isn't content to stay in the sunshine too long; he's got to get back to the underground where all of the real sounds happen first, and he accomplishes this with this acid-test funked-up version of "Black Gun." The trumpet playing of Elmer Cole here is astonishing, as it holds together the different sonorities of Vass and Adams; he steps out and pushes the front line into the stratosphere harmonically. While there isn't a weak second here, the finish of "Freedom jazz Dance," which moves directly into "Moonframe," deserves mention for its sheer over-the-top raucousness bordering on chaos that never, ever leaves the heart of the groove. This is a demanding gig -- it demands that you stay on your feet for its entirety. Make sure no one at your next throwdown has heart disease before you spin it.

https://www.allmusic.com/album/live-at-the-lighthouse-mw0000338879

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Reseña de Thom Jurek

La personalidad musical de Charles Earland tenía varias facetas, todas ellas capaces de representarlo plenamente en cualquier momento. Esta fecha de 1971 en el legendario club Lighthouse ofrece una visión impresionante de Earland el organista de soul, no el jazzman. Ciertamente hay mucha improvisación aquí y muchos giros inesperados en los arreglos, con decisiones tomadas y a las que se reaccionó en el acto. Pero eso no es lo que hace que esta fecha sea tan especial. Esto es Earland cavando tan profundamente en un surco emocionalmente que no le importa nada más que el sentimiento. No, maldición, eso no significa que la interpretación sea descuidada. Crudo, sí. ¿Descuidado? Si has oído la música del gato, deberías haberlo sabido mejor. Si no lo has hecho, esta vez estás perdonado. En cualquier caso, comenzando con "Smiling" de Sly Stone, Earland está enganchado a algo. Tiene la esencia de la melodía en sus manos, pero hay algo en ella que no cede; está escarbando en lo profundo de estos enormes acordes, tratando de que se quiebre, pero no lo hará, hasta que el solo de guitarra de Maynard Parker venga de fuera de cordófagos con enormes y arenosas voces y corridas de una sola nota que le dan a Earland una lectura armónica de la sensación. En cuanto a las trompas, interpretadas por el trombonista Clifford Adams y el saxofonista Jimmy Vass, es un soul jam y tocan al estilo clásico de J.B. Y justo cuando la banda comienza a dar cuerda y a moverse en la oscuridad, Earland encuentra lo que está buscando y cambia el contexto emocional a una luz brillante y negra. Esto se evidencia aún más con la versión más conmovedora de "We've Just Just Begun". ¿Quién iba a pensar que un pedazo de soplo de una melodía pop podría ser genial? Obviamente Earland, porque lleva a la banda a través de una versión funky y animada donde los armónicos de soul-jazz se encuentran con la dulzura funky en un retozo melódico que garantiza poner una sonrisa en la cara del pesimista más comprometido. Pero Earland no se contenta con quedarse mucho tiempo bajo el sol, sino que tiene que volver a la clandestinidad, donde todos los sonidos reales suceden primero, y lo consigue con esta versión de "Black Gun". La trompeta de Elmer Cole aquí es asombrosa, ya que mantiene unidas las diferentes sonoridades de Vass y Adams; sale y empuja la primera línea hacia la estratósfera armónicamente. Aunque no hay un segundo débil aquí, el final de "Freedom jazz Dance", que se mueve directamente en "Moonframe", merece ser mencionado por su puro estruendo que roza el caos y que nunca, nunca deja el corazón de la rutina. Este es un trabajo exigente - exige que te mantengas de pie por completo. Asegúrese de que nadie en su próxima pelea tenga una enfermedad cardíaca antes de girarla.

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VA • Blue Note Plays Stevie Wonder

Review by Rob Theakston:

It's quite easy to be fooled upon a first glance at the cover, classically designed to emulate the artwork that graced some of the finest albums ever to come from Blue Note. The concept sounds so appealing: a whole album of jazz reinterpretations of the works of Stevie Wonder, easily one of the most important artists in the history of soul music. However, while all of these elements seem so promising, it's what's on the inside that counts, and unfortunately Blue Note Plays Stevie Wonder falls woefully short of its enticing potential. The label's current roster is called upon to select some of Wonder's most important compositions, and many treat them with great reverence, rarely straying from their initial melodies and structures. However, it is this caution that gives the record its greatest fault: keeping the songs pleasant and saccharine-coated, with the majority of the performances bordering on smooth jazz territory (Paul Jackson, Jr.'s "It's a Shame" being the most prominent example). The production is crisp, warm, and polished, ideal for background music in a social setting. The musicianship more often than not is stellar, but nothing is groundbreaking. As a bonus, the man himself shows up for a harmonica solo on Stanley Turrentine's point-for-point rendition of "Boogie On Reggae Woman," and turns in a strong performance. Part of the magic in Wonder's canon of work is the raw emotion that emanates from each of the original performances. And while the intentions to replicate that emotion are sincere on Blue Note Plays Stevie Wonder, the realization often falls woefully short.

https://www.allmusic.com/album/blue-note-plays-stevie-wonder-mw0000697638

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Reseña de Rob Theakston:

Es bastante fácil engañarse a primera vista en la portada, diseñada clásicamente para emular las obras de arte que adornaron algunos de los mejores álbumes que han salido de Blue Note. El concepto suena tan atractivo: un álbum entero de reinterpretaciones de jazz de las obras de Stevie Wonder, fácilmente uno de los artistas más importantes en la historia de la música soul. Sin embargo, aunque todos estos elementos parecen tan prometedores, es lo que hay dentro lo que cuenta, y desafortunadamente Blue Note Plays Stevie Wonder se queda lamentablemente corto de su atractivo potencial. La lista actual de la discográfica está llamada a seleccionar algunas de las composiciones más importantes de Wonder, y muchos las tratan con gran reverencia, rara vez se desvían de sus melodías y estructuras iniciales. Sin embargo, es esta precaución la que da al disco su mayor defecto: mantener las canciones agradables y revestidas de sacarina, con la mayoría de las actuaciones bordeando el territorio del smooth jazz (el ejemplo más destacado es "It's a Shame" de Paul Jackson, Jr.). La producción es nítida, cálida y pulida, ideal para la música de fondo en un entorno social. La musicalidad suele ser estelar, pero nada es innovador. Como bonus, el hombre se presenta para un solo de armónica en la interpretación punto por punto de Stanley Turrentine de "Boogie On Reggae Woman", y hace una gran actuación. Parte de la magia del canon de Wonder es la emoción que emana de cada una de las interpretaciones originales. Y aunque las intenciones de replicar esa emoción son sinceras en Blue Note Plays Stevie Wonder, la realización a menudo se queda lamentablemente corta.

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Charles Earland • The Mighty Burner: The Best of His Highnote Recordings

 

Biography by Richard S. Ginell
Charles Earland came into his own at the tail end of the great 1960s wave of soul-jazz organists, gaining a large following and much airplay with a series of albums for the the Prestige label. While heavily indebted to Jimmy Smith and Jimmy McGriff, Earland came armed with his own swinging, technically agile, light-textured sound on the keyboard and one of the best walking-bass pedal techniques in the business. Though not an innovative player in his field, Earland burned with the best of them when he was on.

Earland actually started his musical experiences surreptitiously on his father's alto sax as a kid, and when he was in high school, he played baritone in a band that also featured fellow Philadelphians Pat Martino on guitar, Lew Tabackin on tenor, and yes, Frankie Avalon on trumpet. After playing in the Temple University band, he toured as a tenor player with McGriff for three years, became infatuated with McGriff's organ playing, and started learning the Hammond B-3 at intermission breaks. When McGriff let him go, Earland switched to the organ permanently, forming a trio with Martino and drummer Bobby Durham. He made his first recordings for Choice in 1966, then joined Lou Donaldson for two years (1968-69) and two albums before being signed as a solo artist to Prestige. Earland's first album for Prestige, Black Talk!, became a best-selling classic of the soul-jazz genre; a surprisingly effective cover of the Spiral Starecase's pop/rock hit "More Today Than Yesterday" from that LP received saturation airplay on jazz radio in 1969. He recorded eight more albums for Prestige, one of which featured a young unknown Philadelphian named Grover Washington, Jr., then switched to Muse before landing contracts with Mercury and Columbia. By this time, the organ trio genre had gone into eclipse, and in the spirit of the times, Earland acquired some synthesizers and converted to pop/disco in collaboration with his wife, singer/songwriter Sheryl Kendrick. Kendrick's death from sickle-cell anemia in 1985 left Earland desolate, and he stopped playing for awhile, but a gig at the Chickrick House on Chicago's South Side in the late '80s brought him out of his grief and back to the Hammond B-3. Two excellent albums in the old soul-jazz groove for Milestone followed, and the '90s found him returning to the Muse label. Earland died of heart failure on December 11, 1999, the morning after playing a gig in Kansas City; he was 58.


Album review by Al Campbell
The Mighty Burner: The Best of His Highnote Recordings is a comprehensive single-disc overview of the final recordings made by one of the masters of the Hammond B-3, Charles Earland. These ten previously issued tracks were recorded in the late '90s and are taken from the albums Blowing the Blues Away, Cookin' With the Mighty Burner, If Only for One Night, Slammin' & Jammin', and his last session, Stomp! Even at this late period in his career, Earland's six originals and four cover versions of "Blowing the Blues Away," "Sister Sadie," "Organyk Groove," and "Killer Joe" are executed with vigor, guts, and inspiration. Alongside the organist on these tracks was an awesome set of rotating musicians who provided the delicate balance between post-bop technical excellence and the greasy funk of soul-jazz, including Eric Alexander and Carlos Garnett on tenor saxophones, trumpeter James Rotundi, guitarist Melvin Sparks, and drummer Bernard Purdie. This highly recommended compilation demonstrates that, even in the closing years of Charles Earland's life, his recorded output remained both mighty and burning.

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Biografía de Richard S. Ginell
Charles Earland se destacó al final de la gran ola de organistas de soul-jazz de la década de 1960, ganando un gran número de seguidores y mucha difusión en el aire con una serie de álbumes para el sello The Prestige. Aunque estaba muy endeudado con Jimmy Smith y Jimmy McGriff, Earland llegó armado con su propio sonido oscilante, técnicamente ágil y de textura ligera en el teclado y una de las mejores técnicas de pedal de bajo para caminar en el negocio. Aunque no era un jugador innovador en su campo, Earland se quemó con los mejores de ellos cuando estaba activo.

Earland en realidad comenzó sus experiencias musicales subrepticiamente con el saxo alto de su padre cuando era niño, y cuando estaba en la escuela secundaria, tocaba como barítono en una banda que también incluía a sus compatriotas Pat Martino en la guitarra, Lew Tabackin en el tenor y, sí, Frankie Avalon en la trompeta.. Después de tocar en la banda de la Universidad de Temple, estuvo de gira como tenor con McGriff durante tres años, se enamoró del órgano de McGriff y comenzó a aprender el Hammond B-3 en los descansos intermedios. Cuando McGriff lo dejó ir, Earland cambió al órgano permanentemente, formando un trío con Martino y el baterista Bobby Durham. Hizo sus primeras grabaciones para Choice en 1966, luego se unió a Lou Donaldson durante dos años (1968-69) y dos álbumes antes de firmar como solista con Prestige. El primer álbum de Earland para Prestige, Black Talk!, se convirtió en un clásico más vendido del género soul-jazz; una versión sorprendentemente efectiva del éxito de pop / rock de Spiral Starecase "More Today Than Yesterday" de ese LP recibió una gran difusión en la radio de jazz en 1969. Grabó ocho álbumes más para Prestige, uno de los cuales presentaba a un joven desconocido de Filadelfia llamado Grover Washington, Jr., luego se cambió a Muse antes de firmar contratos con Mercury y Columbia. Para entonces, el género del trío de órgano había entrado en eclipse, y en el espíritu de la época, Earland adquirió algunos sintetizadores y los convirtió al pop/disco en colaboración con su esposa, la cantante y compositora Sheryl Kendrick. La muerte de Kendrick por anemia falciforme en 1985 dejó a Earland desolado, y dejó de tocar por un tiempo, pero un concierto en Chickrick House en el South Side de Chicago a fines de los 80 lo sacó de su dolor y lo llevó de regreso al Hammond B-3. Siguieron dos excelentes álbumes en el viejo ritmo soul-jazz de Milestone, y los años 90 lo encontraron regresando al sello Muse. Earland murió de insuficiencia cardíaca el 11 de diciembre de 1999, la mañana después de tocar en Kansas City; tenía 58 años.


Reseña del álbum por Al Campbell
The Mighty Burner: Lo mejor de Sus grabaciones de Highnote es una descripción completa de un solo disco de las grabaciones finales realizadas por uno de los maestros del Hammond B-3, Charles Earland. Estas diez pistas publicadas anteriormente fueron grabadas a fines de los 90 y están tomadas de los álbumes Blowing the Blues Away, Cookin' With the Mighty Burner, If Only for One Night, Slammin' & Jammin' y su última sesión, Stomp! Incluso en este último período de su carrera, los seis originales y las cuatro versiones de Earland de "Blowing the Blues Away", "Sister Sadie", "Organyk Groove "y" Killer Joe " se ejecutan con vigor, agallas e inspiración. Junto al organista en estas pistas había un impresionante grupo de músicos rotativos que proporcionaban el delicado equilibrio entre la excelencia técnica post-bop y el funk grasiento del soul-jazz, incluidos Eric Alexander y Carlos Garnett en los saxofones tenor, el trompetista James Rotundi, el guitarrista Melvin Sparks y el baterista Bernard Purdie. Esta compilación altamente recomendada demuestra que, incluso en los últimos años de la vida de Charles Earland, su producción grabada siguió siendo poderosa y ardiente.


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