VA • A Rocket In My Pocket

 

 Charlie Feathers, Johnny Burnette, Elvis Presley, Carl Perkins, Wanda Jackson ...

Mods, Rockers, and the Music of the British Invasion

 

 

Musical floodgates were opened after the Beatles' first appearance on The Ed Sullivan Show on February 9, 1964. Suddenly, the U.S. record charts, radio, and television were overrun with British rock and pop musicians. Although this British Invasion was the first exposure many Americans had to popular music from the United Kingdom, British pop ― and more specifically British rock and roll ― had been developing since the middle of the 1950s. Author James Perone here chronicles the development of British rock, from the 1950s imitators of Elvis Presley and other American rockabilly artists, to the new blends of rockabilly, R&B, Motown, and electric blues that defined the British Invasion as we recognize it today. Die-hard fans of the Beatles, the Who, and the Kinks will all want a copy, as will anyone interested in the 1960s more generally.

May 1964 saw major gang-style battles break out in British resort communities between the Mods and the Rockers. The tensions between the two groups had been developing for several years, with each group claiming their own sense of culture and style. The Mods wore designer clothing, rode Vespa motor scooters, and shared an affinity for black American soul music, while the Rockers favored powerful motorcycles, greased-back hair, and 1950s American rock and roll. It was within this context that the sounds of the British Invasion developed.

Mods, Rockers, and the Music of the British Invasion chronicles the development of British rock through the iconic artists who inspired the movement, as well as through the bands who later found incredible success overseas. In addition to analyzing the music in the context of the British youth culture of the early 1960s, Perone analyzes the reasons that the British bands came to so thoroughly dominate the record charts and airwaves in the United States.

The contributions of Cliff Richard, Billy Fury, Johnny Kidd and the Pirates, Tommy Steele, the Tornados, Tony Sheridan, Blues Incorporated, and others to the development of British rock and roll are examined, as are the contributions and commercial and artistic impact of major British Invasion artists such as the Beatles, the Rolling Stones, the Dave Clark Five, the Yardbirds, Manfred Mann, the Who, the Kinks, and others. After investigating these groups and their influences upon one another, Perone concludes by examining the commercial and stylistic impact British rock musicians had on the American music of the time.

 

  James E. Perone (Author)

 

Stray Cats • Gonna Ball

straycats.com ...

The Doel Brothers • Bottle on the Table

 

Rockabilly and Hillbilly band.

www.thedoelbrothers.co.uk

 www.eltororecords.com

 

VA • Rockabilly Rumble

 

Tom Petty & The Heartbreakers • Tom Petty & The Heartbreakers

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
At the time Tom Petty & the Heartbreakers' debut was released in 1976, they were fresh enough to almost be considered punk. They weren't as reckless or visionary as the Ramones, but they shared a similar love for pure '60s rock and, for the Heartbreakers, that meant embracing the Byrds as much as the Stones. And that's pretty much what this album is -- tuneful jangle balanced by a tough garage swagger. At times, the attitude and the sound override the songwriting, but that's alright, since the slight songs ("Anything That's Rock 'N' Roll," to pick a random example) are still infused with spirit and an appealing surface. Petty & the Heartbreakers feel underground on this album, at least to the extent that power pop was underground in 1976; with Dwight Twilley providing backing vocals for "Strangered in the Night," the similarities between the two bands (adherence to pop hooks and melodies, love of guitars) become apparent. Petty wound up eclipsing Twilley because he rocked harder, something that's evident throughout this record. Take the closer "American Girl" -- it's a Byrds song by any other name, but he pushed the Heartbreakers to treat it as a rock & roll song, not as something delicate. There are times where the album starts to drift, especially on the second side, but the highlights -- "Rockin' Around (With You)," "Hometown Blues," "The Wild One, Forever," the AOR staples "Breakdown" and "American Girl" -- still illustrate how refreshing Petty & the Heartbreakers sounded in 1976.
https://www.allmusic.com/album/tom-petty-the-heartbreakers-mw0000191386

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Cuando Tom Petty & the Heartbreakers publicaron su debut en 1976, eran lo bastante frescos como para ser considerados punk. No eran tan temerarios o visionarios como los Ramones, pero compartían un amor similar por el rock puro de los 60 y, para los Heartbreakers, eso significaba abrazar a los Byrds tanto como a los Stones. Y eso es más o menos lo que es este álbum: una melodiosa melodía equilibrada por una dura fanfarronería de garaje. A veces, la actitud y el sonido anulan la composición, pero no pasa nada, ya que las canciones ligeras ("Anything That's Rock 'N' Roll", por poner un ejemplo al azar) siguen estando impregnadas de espíritu y una superficie atractiva. Petty & the Heartbreakers se sienten underground en este álbum, al menos en la medida en que el power pop era underground en 1976; con Dwight Twilley haciendo coros en "Strangered in the Night", las similitudes entre las dos bandas (adhesión a los ganchos y melodías pop, amor por las guitarras) se hacen evidentes. Petty acabó eclipsando a Twilley porque él rockeaba más fuerte, algo evidente a lo largo de este disco. Por ejemplo, "American Girl" es una canción de los Byrds con cualquier otro nombre, pero él empujó a los Heartbreakers a tratarla como una canción de rock & roll, no como algo delicado. Hay momentos en los que el álbum empieza a flojear, especialmente en la segunda cara, pero los momentos álgidos - "Rockin' Around (With You)", "Hometown Blues", "The Wild One, Forever", los clásicos del AOR "Breakdown" y "American Girl"- siguen ilustrando lo refrescante que sonaba Petty & the Heartbreakers en 1976.
https://www.allmusic.com/album/tom-petty-the-heartbreakers-mw0000191386

www.tompetty.com ...

Brian Setzer & The Tomcats • Rock This Town

 

Chuck Berry • Twist

 

 

Artist Biography
Of all the early breakthrough rock & roll artists, none was more important to the development of the music than Chuck Berry. He was its greatest songwriter, the main shaper of its instrumental voice, one of its greatest guitarists, and one of its greatest performers. Quite simply, without him there would be no Beatles, Rolling Stones, Beach Boys, Bob Dylan, nor myriad others. There would be no standard "Chuck Berry guitar intro," the instrument's clarion call to get the joint rockin' in any setting. The clippety-clop rhythms of rockabilly would not have been mainstreamed into the standard 4/4 rock & roll beat. There would be no obsessive wordplay by modern-day tunesmiths; in fact, the whole history (and artistic level) of rock & roll songwriting would have been much poorer without him. Elvis may have fueled rock & roll's imagery, but Chuck Berry was its heartbeat and original mindset.

He was born Charles Edward Anderson Berry to a large family in St. Louis in 1926. A bright pupil, Berry developed a love for poetry and hard blues early on, winning a high-school talent contest with a guitar-and-vocal rendition of Jay McShann's big-band number "Confessin' the Blues." With some local tutelage from the neighborhood barber, Berry progressed from a four-string tenor guitar up to an official six-string model and was soon working the local East St. Louis club scene, sitting in everywhere he could. He quickly found out that black audiences liked a wide variety of music and set himself the task of being able to reproduce as much of it as possible. What he found they really liked -- besides the blues and Nat King Cole tunes -- was the sight and sound of a black man playing white hillbilly music, and Berry's showmanlike flair, coupled with his seemingly inexhaustible supply of fresh verses to old favorites, quickly made him a name on the circuit. In 1954, he ended up taking over pianist Johnny Johnson's small combo, and a residency at the Cosmopolitan Club soon made the Chuck Berry Trio the top attraction in the black community, with Ike Turner's Kings of Rhythm their only real competition.

But Berry had bigger ideas; he yearned to make records, and a trip to Chicago netted a two-minute conversation with his idol Muddy Waters, who encouraged him to approach Chess Records. Upon listening to Berry's homemade demo tape, label president Leonard Chess professed a liking for a hillbilly tune on it named "Ida Red" and quickly scheduled a recording for May 21, 1955. During the session the title was changed to "Maybellene" and rock & roll history was born. Although the record only made it to the mid-20s on the Billboard pop chart, its overall influence was massive and groundbreaking in its scope. Finally, here was a black rock & roll record with across-the-board appeal, embraced by white teenagers and Southern hillbilly musicians (a young Elvis Presley, still a full year from national stardom, quickly added it to his stage show), that for once couldn't be successfully covered by a pop singer like Snooky Lanson on Your Hit Parade. Part of the secret to its originality was Berry's blazing 24-bar guitar solo in the middle of it, the imaginative rhyme schemes in the lyrics, and the sheer thump of the record, all signaling that rock & roll had arrived and it was no fad. Helping to put the record over to a white teenage audience was the highly influential New York disc jockey Alan Freed, who had been given part of the writers' credit by Chess in return for his spins and plugs. But to his credit, Freed was also the first white DJ/promoter to consistently use Berry on his rock & roll stage show extravaganzas at the Brooklyn Fox and Paramount Theaters (playing to predominately white audiences); and when Hollywood came calling a year or so later, he also made sure that Berry appeared with him in Rock! Rock! Rock!, Go, Johnny, Go!, and Mister Rock'n'Roll. Within a year's time, Berry had gone from a local St. Louis blues picker making $15.00 a night to an overnight sensation commanding over a hundred times that, arriving at the dawn of a new strain of popular music called rock & roll.

The hits started coming thick and fast over the next few years, every one of them about to become a classic of the genre: "Roll Over Beethoven," "Thirty Days," "Too Much Monkey Business," "Brown Eyed Handsome Man," "You Can't Catch Me," "School Day," "Carol," "Back in the U.S.A.," "Little Queenie," "Memphis, Tennessee," "Johnny B. Goode," and the tune that defined the moment perfectly, "Rock and Roll Music." Berry was not only in constant demand, touring the country on mixed package shows and appearing on television and in movies, but smart enough to know exactly what to do with the spoils of a suddenly successful show business career. He started investing heavily in St. Louis area real estate and, ever one to push the envelope, opened up a racially mixed nightspot called The Club Bandstand in 1958 to the consternation of uptight locals. These were not the plans of your average R&B singers who contented themselves with a wardrobe of flashy suits, a new Cadillac, and the nicest house in the black section of town. Berry was smart, with plenty of business savvy, and was already making plans to open an amusement park in nearby Wentzville. When the St. Louis hierarchy found out that an underage hat-check girl Berry hired had also set up shop as a prostitute at a nearby hotel, trouble came down on Berry like a sledgehammer on a fly. Charged with transporting a minor over state lines (the Mann Act), Berry endured two trials and was sentenced to federal prison for two years as a result.

He emerged from prison a moody, embittered man. But two very important things had happened in his absence. First, British teenagers had discovered his music and were making his old songs hits all over again. Second, and perhaps most important, America had discovered the Beatles and the Rolling Stones, both of whom based their music on Berry's style, with the Stones' early albums sounding like a Berry song list. Rather than being resigned to the has-been circuit, Berry found himself in the midst of a worldwide beat boom with his music as the centerpiece. He came back with a clutch of hits ("Nadine," "No Particular Place to Go," "You Never Can Tell"), toured Britain in triumph, and appeared on the big screen with his British disciples in the groundbreaking T.A.M.I. Show in 1964.

Berry had moved with the times and found a new audience in the bargain, and when the cries of "yeah-yeah-yeah" were replaced with peace signs, Berry altered his live act to include a passel of slow blues and quickly became a fixture on the festival and hippie ballroom circuit. After a disastrous stint with Mercury Records, he returned to Chess in the early '70s and scored his last hit with a live version of the salacious nursery rhyme "My Ding-A-Ling," yielding Berry his first official gold record. By decade's end, he was as in-demand as ever, working every oldies revival show, TV special, and festival that was thrown his way. But once again, troubles with the law reared their ugly head and 1979 saw Berry headed back to prison, this time for income tax evasion. Upon release this time, the creative days of Chuck Berry seemed to have come to an end. He appeared as himself in the Alan Freed biopic American Hot Wax, and was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame, but steadfastly refused to record any new material or even issue a live album. His live performances became increasingly erratic, with Berry working with terrible backup bands and turning in sloppy, out-of-tune performances that did much to tarnish his reputation with young and old fans alike. In 1987, he published his first book, Chuck Berry: The Autobiography, and the same year saw the film release of what will likely be his lasting legacy, the rockumentary Hail! Hail! Rock 'n' Roll, which included live footage from a 60th-birthday concert with Keith Richards as musical director and the usual bevy of superstars coming out for guest turns.

For the next three decades, Berry devoted himself to the oldies circuit, regularly appearing at the Blueberry Hill bar/restaurant in his hometown of St. Louis and sometimes embarking on tours of the U.S. or Europe. In several interviews he promised the existence of a new record, but nothing was made official until he announced the 2017 release of Chuck on his 90th birthday. Berry didn't live to see its release: he died at his home on March 18, 2017. Chuck became a posthumous album, seeing the light of day in June 2017; it peaked at 49 in the US and number nine in the U.K.

For all of his off-stage exploits and seemingly ongoing troubles with the law, Chuck Berry remains the epitome of rock & roll, and his music will endure long after his private escapades have faded from memory. Because when it comes down to his music, perhaps John Lennon said it best, "If you were going to give rock & roll another name, you might call it 'Chuck Berry'."

by Cub Koda

https://www.allmusic.com/artist/chuck-berry-mn0000120521/biography

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Biografía del artista

De todos los primeros artistas del rock & roll, ninguno fue más importante para el desarrollo de la música que Chuck Berry. Él fue su mayor compositor, el principal formador de su voz instrumental, uno de sus mayores guitarristas y uno de sus mayores intérpretes. Simplemente, sin él no habría Beatles, Rolling Stones, Beach Boys, Bob Dylan, ni muchos otros. No habría una "introducción a la guitarra de Chuck Berry" estándar, el toque de clarín del instrumento para que el conjunto rockee en cualquier escenario. Los ritmos del rockabilly no se habrían integrado en el ritmo estándar del rock & roll de 4/4. No habría ningún juego de palabras obsesivo por parte de los melómanos de hoy en día; de hecho, toda la historia (y el nivel artístico) de la composición de canciones de rock & roll habría sido mucho más pobre sin él. Elvis pudo haber alimentado las imágenes del rock & roll, pero Chuck Berry fue su latido y su mentalidad original.

Nació Charles Edward Anderson Berry en 1926 en el seno de una gran familia de St. Louis. Un alumno brillante, Berry desarrolló un amor por la poesía y el blues duro desde muy temprano, ganando un concurso de talentos en la escuela secundaria con una interpretación de guitarra y voz del número de la gran banda de Jay McShann "Confessin' the Blues". Con la tutela del barbero del barrio, Berry pasó de ser una guitarra tenor de cuatro cuerdas a un modelo oficial de seis cuerdas y pronto trabajó en la escena local de los clubes del este de St. Louis, participando en todos los lugares que pudo. Rápidamente descubrió que al público negro le gustaba una gran variedad de música y se propuso la tarea de poder reproducirla tanto como fuera posible. Lo que descubrió que les gustaba realmente - además del blues y las melodías de Nat King Cole - era la vista y el sonido de un hombre negro tocando música de paletos blancos, y el estilo de showman de Berry, junto con su aparentemente inagotable suministro de versos frescos a los viejos favoritos, rápidamente le hizo un nombre en el circuito. En 1954, acabó haciéndose cargo del pequeño combo del pianista Johnny Johnson, y una residencia en el Cosmopolitan Club pronto convirtió al Chuck Berry Trio en la principal atracción de la comunidad negra, siendo los Kings of Rhythm de Ike Turner su única competición real.

Pero Berry tenía ideas más grandes; anhelaba hacer discos, y un viaje a Chicago le permitió mantener una conversación de dos minutos con su ídolo Muddy Waters, que le animó a acercarse a Chess Records. Al escuchar la cinta de demostración casera de Berry, el presidente del sello Leonard Chess profesó su gusto por una melodía palurda en ella llamada "Ida Red" y rápidamente programó una grabación para el 21 de mayo de 1955. Durante la sesión se cambió el título a "Maybellene" y nació la historia del rock & roll. Aunque el disco sólo llegó a mediados de los años 20 en la lista de éxitos de Billboard, su influencia general fue masiva y revolucionaria en su alcance. Finalmente, aquí estaba un disco de rock & roll negro con un atractivo general, abrazado por adolescentes blancos y músicos de las colinas del sur (un joven Elvis Presley, todavía a un año del estrellato nacional, lo añadió rápidamente a su espectáculo), que por una vez no pudo ser cubierto con éxito por un cantante pop como Snooky Lanson en Your Hit Parade. Parte del secreto de su originalidad era el ardiente solo de guitarra de 24 compases de Berry en el medio, los imaginativos esquemas rítmicos en las letras y el puro golpe del disco, todo indicaba que el rock & roll había llegado y no era una moda pasajera. Ayudando a poner el disco a una audiencia adolescente blanca estaba el muy influyente disc jockey neoyorquino Alan Freed, a quien Chess le había dado parte del crédito de los escritores a cambio de sus giros y enchufes. Pero para su crédito, Freed fue también el primer DJ/promotor blanco que consistentemente usó a Berry en sus extravagancias de espectáculos de rock & roll en los teatros de Brooklyn Fox y Paramount (tocando para audiencias predominantemente blancas); y cuando Hollywood llamó un año más tarde, también se aseguró de que Berry apareciera con él en Rock! ¡Rock! Rock!, Go, Johnny, Go!, y Mister Rock'n'Roll. En el plazo de un año, Berry había pasado de ser un recolector de blues local de St. Louis ganando 15 dólares por noche a una sensación nocturna que lo multiplicó por cien, llegando al amanecer de una nueva variedad de música popular llamada rock & roll.

Los éxitos comenzaron a llegar con fuerza en los siguientes años, cada uno de ellos a punto de convertirse en un clásico del género: "Roll Over Beethoven", "Thirty Days", "Too Much Monkey Business", "Brown Eyed Handsome Man", "You Can't Catch Me", "School Day", "Carol", "Back in the U.S.A.", " "Little Queenie," "Memphis, Tennessee," "Johnny B. Goode," y la melodía que definió perfectamente el momento, "Rock and Roll Music." Berry no sólo estaba en constante demanda, recorriendo el país en programas mixtos y apareciendo en televisión y en películas, sino que era lo suficientemente inteligente como para saber exactamente qué hacer con el botín de una repentina y exitosa carrera en el mundo del espectáculo. Empezó a invertir fuertemente en el área inmobiliaria de St. Louis y, siempre que se le antojaba, abrió un local nocturno de mezcla racial llamado The Club Bandstand en 1958 para consternación de la gente de la zona. Estos no eran los planes de los cantantes de R&B que se contentaban con un armario de trajes llamativos, un Cadillac nuevo y la casa más bonita de la sección negra de la ciudad. Berry era inteligente, con mucho conocimiento de los negocios, y ya estaba haciendo planes para abrir un parque de atracciones en la cercana Wentzville. Cuando la jerarquía de St. Louis descubrió que una menor de edad contratada por Berry también se había establecido como prostituta en un hotel cercano, los problemas le cayeron encima como un mazo en una mosca. Acusado de transportar a un menor de edad a través de las fronteras estatales (la Ley Mann), Berry soportó dos juicios y como resultado fue sentenciado a una prisión federal por dos años.

Salió de la prisión como un hombre malhumorado y amargado. Pero dos cosas muy importantes habían sucedido en su ausencia. Primero, los adolescentes británicos habían descubierto su música y estaban haciendo sus viejas canciones éxitos de nuevo. Segundo, y quizás lo más importante, América había descubierto a los Beatles y a los Rolling Stones, que basaban su música en el estilo de Berry, con los primeros álbumes de los Stones sonando como una lista de canciones de Berry. En lugar de resignarse al circuito de lo pasado, Berry se encontró en medio de un boom mundial del beat con su música como eje central. Volvió con un puñado de éxitos ("Nadine", "No Place to Go", "You Never Can Tell"), hizo una gira triunfal por Gran Bretaña y apareció en la gran pantalla con sus discípulos británicos en el innovador T.A.M.I. Show en 1964.

Berry se había movido con los tiempos y encontró un nuevo público en el trato, y cuando los gritos de "sí, sí, sí" fueron reemplazados por signos de paz, Berry alteró su acto en vivo para incluir un pasaje de blues lento y rápidamente se convirtió en un accesorio en el circuito de festivales y salones de baile hippie. Después de una desastrosa temporada con Mercury Records, volvió a Chess a principios de los 70 y consiguió su último éxito con una versión en directo de la canción infantil "My Ding-A-Ling", lo que le dio a Berry su primer disco de oro oficial. Al final de la década, estaba tan solicitado como siempre, trabajando en todos los programas de reavivamiento de los viejos, especiales de TV y festivales que se le presentaron. Pero una vez más, los problemas con la ley le hicieron crecer su fea cabeza y 1979 vio a Berry volver a la cárcel, esta vez por evasión de impuestos. Al ser liberado esta vez, los días creativos de Chuck Berry parecían haber llegado a su fin. Apareció como él mismo en la película biográfica de Alan Freed American Hot Wax, y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, pero se negó rotundamente a grabar nuevo material o incluso a publicar un álbum en vivo. Sus actuaciones en vivo se volvieron cada vez más erráticas, con Berry trabajando con terribles bandas de apoyo y haciendo actuaciones descuidadas y desafinadas que hicieron mucho para empañar su reputación con los fans jóvenes y viejos por igual. En 1987, publicó su primer libro, Chuck Berry: La Autobiografía, y ese mismo año vio el lanzamiento de la película de lo que probablemente será su legado duradero, el rockumental Hail! ¡Salve! Rock 'n' Roll, que incluía imágenes en directo de un concierto del 60º cumpleaños con Keith Richards como director musical y el habitual grupo de superestrellas que salían para los turnos de invitados.

Durante las tres décadas siguientes, Berry se dedicó al circuito de los viejos, presentándose regularmente en el bar/restaurante de Blueberry Hill en su ciudad natal de St. Louis y a veces embarcándose en giras por los EE.UU. o Europa. En varias entrevistas prometió la existencia de un nuevo disco, pero nada se hizo oficial hasta que anunció el lanzamiento en 2017 de Chuck en su 90 cumpleaños. Berry no vivió para ver su lanzamiento: murió en su casa el 18 de marzo de 2017. Chuck se convirtió en un álbum póstumo, que vio la luz en junio de 2017; alcanzó un máximo de 49 en los EE.UU. y el número nueve en el Reino Unido.

A pesar de todas sus hazañas fuera de escena y de los problemas aparentemente continuos con la ley, Chuck Berry sigue siendo el epítome del rock & roll, y su música perdurará mucho después de que sus escapadas privadas se hayan desvanecido de la memoria. Porque cuando se trata de su música, quizás John Lennon lo dijo mejor, "Si fueras a darle otro nombre al rock & roll, podrías llamarlo 'Chuck Berry'."

por Cub Koda

https://www.allmusic.com/artist/chuck-berry-mn0000120521/biography

Langhorns • Langhorns-st

 

This Swedish band seems to be the first to do justice to surf instrumentals, while their countrymen focus on California beach music a la the Beach Boys and Jan & Dean. This advance disc is loaded with very strong originals that conjure images of the outdoors, and covers that are uniquely arranged and performed. In this day of too many covers of tunes like Penetration, it's nice to find original reinventions that are at once reverent to the source and identifiably new. Much of the guitar work here is nearly liquid, not reverbed surf, but fluidly flowing, with notes almost blending one to another. I'm impressed.

Langhorns started playing in the summer of 1995 as a result of the band members irresistible urge to do at least something right with their lives.

The original members were Michael Sellers, guitar and Martin Berglund,

bass guitar. After a couple of rehearsals they decided it was time to do what many rock musicians find the hardest - to find a drummer that not only could play the drums, but was a nice guy also. They ended up with a compromise - Rikard Swardh.

After playing surf-instrumentals at various clubs and parties Langhorns went into the legendary studio "Studion" two days summer 1997, assisted by producer Magnus Borjesson and technician Martin Hennel. This resulted in the debut "Langhorns", released feb 28 - 1998 on Bad Taste Records. It was followed up by gigs all around Sweden (ok, southern Sweden) and in June the band played at Hultsfredsfestivalen.

Since the release people are slowly but surely realizing the thrill of listening to the CD - stuffed with good vibrations and both old and new waves.

The second album "Club Gabardino" was completed during spring 1999 and

is now available for demanding music lovers around the Globe. "Club Gabardino" recorded May 16-18 this time produced by Michael Sellers and Martin Hennel features a new approach to the genre, best described as "Latino Pimp Twang".

It contains 13 original tracks and one cover and you will be surprised to hear that the sound of Langhorns now has reached totally new dimensions. The original dry reverbed delay sound that used to be the trademark of the band is now spiced up with a sweaty horn section and teasing wah wah guitars.

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 Esta banda sueca parece ser la primera en hacer justicia a los instrumentos de surf, mientras que sus compatriotas se centran en la música playera de California, como los Beach Boys y Jan & Dean. Este disco avanzado está cargado con originales muy fuertes que evocan imágenes del exterior y cubiertas que están dispuestas y realizadas de forma única. En este día de demasiadas versiones de canciones como Penetration, es bueno encontrar reinvenciones originales que sean a la vez reverentes a la fuente y sean claramente nuevas. Gran parte del trabajo de la guitarra aquí es casi líquido, no se ve como surf, sino que fluye con fluidez, con notas que casi se mezclan unas con otras. Estoy impresionado.

Langhorns comenzó a tocar en el verano de 1995 como resultado de la irresistible necesidad de los miembros de la banda de hacer al menos algo bien con sus vidas.

Los miembros originales fueron Michael Sellers, guitarra y Martin Berglund,

bajo. Después de un par de ensayos, decidieron que era hora de hacer lo que a muchos músicos de rock les resulta más difícil: encontrar un baterista que no solo pudiera tocar la batería, sino que también era un buen tipo. Terminaron con un compromiso - Rikard Swardh.

Después de tocar instrumentos de surf en varios clubes y fiestas, Langhorns entró en el legendario estudio "Studion" dos días, verano de 1997, asistido por el productor Magnus Borjesson y el técnico Martin Hennel. Esto dio lugar al debut "Langhorns", lanzado el 28 de febrero de 1998 en Bad Taste Records. Fue seguido por conciertos en toda Suecia (ok, sur de Suecia) y en junio la banda tocó en Hultsfredsfestivalen.

Desde el lanzamiento, la gente se está dando cuenta de la emoción de escuchar el CD, lleno de buenas vibraciones, tanto viejas como nuevas.

El segundo álbum "Club Gabardino" se completó durante la primavera de 1999 y

ya está disponible para los amantes de la música más exigentes de todo el mundo. "Club Gabardino" grabado entre el 16 y el 18 de mayo, esta vez producido por Michael Sellers y Martin Hennel presenta un nuevo enfoque al género, mejor descrito como "Latino Pimp Twang".

Contiene 13 pistas originales y una cubierta, y se sorprenderá al escuchar que el sonido de Langhorns ahora ha alcanzado dimensiones totalmente nuevas. El original sonido de retardo reverberado que solía ser la marca registrada de la banda ahora se condimenta con una sección de bocina sudorosa y guitarras wah wah burlas.

 

 

www.langhorns.com ...

VA • Routes Of Rockabilly

 

John Lindberg Trio • Made For Rock N Roll

 

JLT has been one of the hardest working band’s in Sweden for years.
They’ve played every single rock venue worthy of the name in the country, if there’s a stage & electric power is available, they’ve most likely been there!

A long journey has taken place since John at age thirteen started travelling the Swedish countryside of Dalecarlia with his guitar performing raw and pure Rockabilly.  When keeping up with Joakim Dancer on drums & Martin Engström on upright bass it all fall into place and the JET sound started to develop. This powerhouse-trio has taken Sweden by storm.
https://www.johnlindberg.se/the-band

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JLT ha sido una de las bandas más trabajadoras de Suecia durante años.
¡Han tocado en todos los lugares de rock dignos de ese nombre en el país, si hay un escenario y energía eléctrica disponible, lo más probable es que hayan estado allí!

Ha tenido lugar un largo viaje desde que John, a los trece años, comenzó a recorrer la campiña sueca de Dalecarlia con su guitarra tocando Rockabilly puro y crudo.  Al seguir el ritmo de Joakim Dancer en la batería y Martin Engström en el contrabajo, todo encajó y el sonido JET comenzó a desarrollarse. Este trío de potencias ha conquistado Suecia.
https://www.johnlindberg.se/the-band

www.johnlindberg ...

Warren Smith • Rockabilly Legend

 

Biography
by Mark Deming
More than a few early rockabilly rebels went on to careers as country singers, but few made the jump quite as gracefully as Warren Smith. Smith earned the ultimate rockabilly seal of approval, a contract with Sun Records, and he cut a number of memorable sides for the label, but in the early 1960s, he also enjoyed a brief but memorable run on the country charts after signing with Liberty Records. Warren Smith was born in Humphreys County, Mississippi, on February 7, 1932. His parents divorced when he was very young, and he spent most of his childhood with his grandparents in Louise, Mississippi. Smith grew up with a love of music, and while serving in the United States Air Force, he taught himself to play guitar during his time off the base in San Antonio, Texas. Once he received his discharge, Smith focused his energies on a career in music, and he began playing dancehalls and honky tonks throughout the South. He landed a regular gig at the Cotton Club, a nightspot in West Memphis, Arkansas, when he was spotted by Stan Kessler, who played steel guitar with another act that frequented the Cotton Club's stage, the Snearly Ranch Boys. Kessler was impressed by Smith's voice, and arranged an audition with Sam Phillips, the proprietor of a small Tennessee label called Sun Records. Phillips agreed with Kessler's assessment of Smith's talent, and on February 5, 1956, Smith cut his first single, "Rock & Roll Ruby" b/w "I'd Rather Be Safe Than Sorry." While the flipside was a straight-ahead country tune, the A-side was a feisty rocker, given to Smith by Johnny Cash (who claimed to have bought the tune from George Jones for a mere $40.00). "Rock & Roll Ruby" turned out to be a significant regional hit, and Smith followed it with a number of classic tunes, including "Ubangi Stomp," "Red Cadillac and a Black Moustache," "Uranium Rock," and "So Long, I'm Gone." The latter tune, penned by Roy Orbison, proved to be Smith's most successful Sun release, eventually reaching 74 on the Billboard singles charts. However, though Smith consistently cut fine records for Sun, his rich voice (and his country-leaning vocal style) didn't make him sound like a teenage idol, and Phillips seemed unsure of how to promote him. In 1959, Smith's deal with Sun ran out, and he moved to California. While Johnny Cash offered Smith a spot with his touring show, he was determined to make it on his own, and in 1960, he struck a deal with Liberty Records. Smith's first release for Liberty, an excellent honky tonk number called "I Don't Believe I'll Fall in Love Today," was an immediate success, rising to number five on Billboard's country charts, and the follow-up, "Odds and Ends (Bits and Pieces)," also reached the country Top Ten. Smith would soon cut a pair of duet singles with Shirley Collie, who would later tour and record with Willie Nelson, as well as marry him in 1963. However, while Smith enjoyed a few more modest hits, he didn't score another country smash, and as he spent more time on the road, he developed some bad habits, including an appetite for alcohol and amphetamines. In 1965, Smith was in a serious auto accident in LaGrange, Texas that left him with severe back injuries, and it was nearly a year before he was well enough to return to performing. By this time, Smith's contract with Liberty had lapsed, and given his increasingly difficult reputation, they opted not to renew his deal. Smith cut a few sides for the tiny Slick Records label, as well as one single for Mercury, but commercially, the records went nowhere, and Smith's problems with drugs and drink came to a head when he was arrested for robbing a pharmacy in Huntsville, Alabama. After serving 18 months behind bars, Smith relocated to Texas, and while he performed occasionally in his spare time, he'd hung up his dreams of resuming his career, though he did cut an album for a rockabilly specialist's label. In the spring of 1977, Smith was persuaded to perform in London, England, as part of a bill that included fellow first-generation rockabillies Charlie Feathers, Jack Scott, and Buddy Knox. The show was a great success, and Smith was surprised to learn he had a loyal fan following in the United Kingdom. Energized by the experience, he returned to England for more concerts later that same year, and increased his performance schedule in the United States. Smith was making plans for another British tour when he suffered a heart attack which claimed his life on January 30, 1980.
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Biografía
por Mark Deming
Muchos de los primeros rebeldes del rockabilly se convirtieron en cantantes de country, pero pocos dieron el salto con tanta elegancia como Warren Smith. Smith se ganó el sello de aprobación del rockabilly por excelencia, un contrato con Sun Records, y grabó varios temas memorables para el sello, pero a principios de la década de 1960, también disfrutó de una breve pero memorable carrera en las listas de éxitos country tras firmar con Liberty Records. Warren Smith nació en el condado de Humphreys, Mississippi, el 7 de febrero de 1932. Sus padres se divorciaron cuando era muy joven y pasó la mayor parte de su infancia con sus abuelos en Louise, Mississippi. Smith creció con amor por la música, y mientras servía en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, aprendió a tocar la guitarra durante su tiempo fuera de la base en San Antonio, Texas. Una vez licenciado, Smith centró sus energías en una carrera musical y comenzó a tocar en salones de baile y honky tonks de todo el sur. Consiguió una actuación regular en el Cotton Club, un local nocturno de West Memphis (Arkansas), cuando fue descubierto por Stan Kessler, que tocaba la guitarra de acero con otro grupo que frecuentaba el escenario del Cotton Club, los Snearly Ranch Boys. Kessler quedó impresionado por la voz de Smith y organizó una audición con Sam Phillips, propietario de una pequeña discográfica de Tennessee llamada Sun Records. Phillips estuvo de acuerdo con la evaluación de Kessler sobre el talento de Smith, y el 5 de febrero de 1956, Smith grabó su primer sencillo, "Rock & Roll Ruby" b/w "I'd Rather Be Safe Than Sorry". Mientras que la cara de la canción era un tema country directo, la cara A era una canción rockera y enérgica, regalada a Smith por Johnny Cash (que afirmaba haber comprado la canción a George Jones por sólo 40 dólares). "Rock & Roll Ruby" resultó ser un importante éxito regional, y Smith lo siguió con una serie de temas clásicos, como "Ubangi Stomp", "Red Cadillac and a Black Moustache", "Uranium Rock" y "So Long, I'm Gone". Este último tema, escrito por Roy Orbison, resultó ser el lanzamiento más exitoso de Smith en Sun, llegando a alcanzar el puesto 74 en las listas de singles de Billboard. Sin embargo, aunque Smith siempre grababa buenos discos para Sun, su rica voz (y su estilo vocal de tendencia country) no le hacían parecer un ídolo adolescente, y Phillips parecía no estar seguro de cómo promocionarlo. En 1959, el contrato de Smith con Sun se acabó y se trasladó a California. Aunque Johnny Cash le ofreció un puesto en su gira, Smith estaba decidido a triunfar por su cuenta, y en 1960 llegó a un acuerdo con Liberty Records. El primer lanzamiento de Smith para Liberty, un excelente tema honky tonk llamado "I Don't Believe I'll Fall in Love Today", fue un éxito inmediato, llegando al número cinco en las listas de country de Billboard, y el siguiente, "Odds and Ends (Bits and Pieces)", también alcanzó el Top Ten de country. Smith pronto grabaría un par de singles a dúo con Shirley Collie, que más tarde haría una gira y grabaría con Willie Nelson, además de casarse con él en 1963. Sin embargo, aunque Smith cosechó algunos éxitos más modestos, no consiguió ningún otro éxito country y, al pasar más tiempo en la carretera, desarrolló algunos malos hábitos, como el apetito por el alcohol y las anfetaminas. En 1965, Smith sufrió un grave accidente de coche en LaGrange, Texas, que le dejó con graves lesiones en la espalda, y pasó casi un año antes de que estuviera lo suficientemente bien como para volver a actuar. Para entonces, el contrato de Smith con Liberty había expirado y, dada su reputación cada vez más difícil, optaron por no renovarle el contrato. Smith grabó algunas caras para el pequeño sello Slick Records, así como un sencillo para Mercury, pero comercialmente los discos no llegaron a ninguna parte, y los problemas de Smith con las drogas y la bebida llegaron a su punto álgido cuando fue arrestado por robar una farmacia en Huntsville, Alabama. Tras cumplir 18 meses entre rejas, Smith se trasladó a Texas, y aunque actuaba ocasionalmente en su tiempo libre, había dejado de soñar con reanudar su carrera, aunque grabó un álbum para el sello de un especialista en rockabilly. En la primavera de 1977, Smith fue convencido para actuar en Londres, Inglaterra, como parte de un cartel que incluía a otros rockabillies de primera generación, Charlie Feathers, Jack Scott y Buddy Knox. El espectáculo fue un gran éxito, y Smith se sorprendió al saber que tenía un público fiel en el Reino Unido. Animado por la experiencia, volvió a Inglaterra para dar más conciertos ese mismo año y aumentó su agenda de actuaciones en Estados Unidos. Smith estaba haciendo planes para otra gira británica cuando sufrió un ataque al corazón que le costó la vida el 30 de enero de 1980.
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Eddie Bond • Memphis Rockabilly King

 

Biography by Bruce Eder
Despite never becoming a major national figure, Eddie Bond carved out a place as a rockabilly and country star, as well as a radio personality, for 50 years. A contemporary of Elvis Presley and a fixture in Memphis and on the Louisiana Hayride in the mid-'50s, Bond was one of the best singers of the period, and led the Stompers, one of the hottest bands, but he never broke out the way Elvis did. His records, whether rockabilly, country, or gospel, however, were among the best to come from Memphis from the mid-'50s through the 1960s, and helped Bond remain a much loved country/rockabilly performer into the new millennium.

Born Eddie James Bond in Memphis, he was originally drawn into music by the work of Ernest Tubb and Roy Acuff. By age eight, Bond had saved enough to buy his first guitar, and as a teenager he played at beer joints around Memphis. He drifted through various jobs after finishing school, including furniture factory worker and truck driver, before serving an 18-month hitch in the Navy.

After returning to civilian life, he began putting together his band, the Stompers, whose membership at various times in the years 1952-1954 included Jody Chastain and Curtis Lee Anderson. By 1955, the group's mainstays included Reggie Young on lead guitar, John Hughey on the pedal steel, and Johnny Fine at the drums. Bond led the Stompers on tours across the South and Southwest, billed alongside Roy Orbison, among other future country and rock & roll stars. They failed in auditions for Sam Phillips at Sun and the Bihari brothers' Meteor label, and in 1955 he signed with tiny Ekko Records, which resulted in a pair of singles issued late in the year, "Double Duty Lovin'"/"Talking Off the Wall" and "Love Makes a Fool (Everyday)"/"Your Eyes." These were pleasant, well-played country numbers, but they didn't include the band, only Bond as singer. With Hank Garland on lead guitar, Jerry Byrd on steel guitar, and Marvin Hughes at the ivories, they were OK records and then some, but not representative of Bond's real sound -- "Talking Off the Wall" was a rocker, with a solid beat and lots of tension in the lead and rhythm guitar parts, but it was the B-side to the milder "Double Duty Lovin'." In any case, neither record attracted any notice from the public or the musical world.

Bond and his band managed to get signed to Mercury Records in 1956, and this was where they came into their own. From their first Mercury session in February of 1956, Eddie Bond & the Stompers cooked, with a lean, hard rockabilly sound that rocked with the best of them. The band in those days featured Young, Hughey, and Fine, with Bond playing rhythm. The single "I Got a Woman"/"Rockin' Daddy" from that session is testimony to the excitement they could generate. That Mercury debut sold well in the spring of 1956, and they were getting lots of gigs and broadcast exposure at the time. Bond played the Louisiana Hayride alongside Elvis Presley, Johnny Cash, and Johnny Horton, and it was around this time that he started his own radio show, an activity that was to loom ever larger in his career. His second Mercury session produced still more rockabilly gold, including "Slip, Slip, Slippin' In" and "Flip, Flop Mama," and they sold respectably, if not spectacularly.

Bond didn't stay with rockabilly music, however, and his later Mercury sessions produced country sides, although "Love Love Love" rocks pretty well. His Mercury contract ended in 1957, and for his next sessions, Bond was back doing rockabilly again, followed by more country music and even a foray into gospel in the early '60s. Bond's biggest success in the years that followed came on radio, where his show achieved huge ratings; this, in turn, helped sustain his record sales, as he recorded or licensed various songs to different labels, mostly in a country vein.

Eddie Bond was never going to be another Elvis Presley -- he wasn't going to be turned into a movie star as easily, or branch into other, heavily produced sounds, and he was too successful early on as a radio personality to abandon that activity. But he made a more than fair rival to Conway Twitty (whom he played with around 1955, when the latter was still known as Harold Jenkins), with a pleasing tenor voice, understated in its sweetness and dramatic nuance, and a good sense of how to deliver a song, whether ballad, rocker, or gospel number. He continued performing through the 1990s and into the new century. His broadcasting career was especially successful and assured him of a wide country audience, while his classic rockabilly sides from the '50s helped make him a living legend among enthusiasts, especially in Europe. Five decades into performing, he remained true to his country and rockabilly roots. 
https://www.allmusic.com/artist/eddie-bond-mn0000793441#biography

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Biografía de Bruce Eder
A pesar de no convertirse nunca en una figura nacional importante, Eddie Bond se labró un lugar como estrella del rockabilly y el country, además de personalidad de la radio, durante 50 años. Contemporáneo de Elvis Presley y figura habitual en Memphis y en el Louisiana Hayride a mediados de los 50, Bond fue uno de los mejores cantantes de la época y lideró a los Stompers, una de las bandas más populares, pero nunca alcanzó el éxito como Elvis. Sin embargo, sus discos, ya fueran de rockabilly, country o gospel, se encontraban entre los mejores de Memphis desde mediados de los 50 hasta los 60, y ayudaron a Bond a seguir siendo un intérprete de country/rockabilly muy querido en el nuevo milenio.

Nacido como Eddie James Bond en Memphis, se sintió atraído inicialmente por la música a través de la obra de Ernest Tubb y Roy Acuff. A los ocho años, Bond había ahorrado lo suficiente para comprarse su primera guitarra, y de adolescente tocaba en cervecerías de Memphis. Tras terminar la escuela, pasó por diversos trabajos, incluyendo obrero en una fábrica de muebles y camionero, antes de cumplir un servicio militar obligatorio de 18 meses en la Marina.

Tras regresar a la vida civil, comenzó a formar su banda, los Stompers, cuyos miembros, en diversos momentos entre 1952 y 1954, incluían a Jody Chastain y Curtis Lee Anderson. Para 1955, los pilares del grupo incluían a Reggie Young en la guitarra principal, John Hughey en el pedal steel y Johnny Fine en la batería. Bond guio a los Stompers en giras por el sur y el suroeste, junto a Roy Orbison, entre otras futuras estrellas del country y el rock & roll. Fracasaron en las audiciones para Sam Phillips en el sello Sun and the Bihari Brothers, Meteor, y en 1955 firmó con la pequeña discográfica Ekko Records, lo que dio lugar a un par de sencillos publicados a finales de año: "Double Duty Lovin'"/"Talking Off the Wall" y "Love Makes a Fool (Everyday)"/"Your Eyes". Eran temas country agradables y bien interpretados, pero no incluían a la banda, solo a Bond como cantante. Con Hank Garland a la guitarra principal, Jerry Byrd a la guitarra de acero y Marvin Hughes a las teclas, eran discos aceptables y algo más, pero no representaban el verdadero sonido de Bond: "Talking Off the Wall" era rockero, con un ritmo sólido y mucha tensión en las partes de guitarra principal y rítmica, pero era la cara B del más suave "Double Duty Lovin'". En cualquier caso, ninguno de los dos discos atrajo la atención del público ni del mundo musical.

Bond y su banda consiguieron firmar con Mercury Records en 1956, y fue entonces cuando alcanzaron su máximo potencial. Desde su primera sesión con Mercury en febrero de 1956, Eddie Bond & the Stompers arrasaron, con un sonido rockabilly, ligero y duro, que vibraba con los mejores. La banda en aquel entonces estaba formada por Young, Hughey y Fine, con Bond tocando el ritmo. El sencillo "I Got a Woman"/"Rockin' Daddy" de esa sesión da testimonio del entusiasmo que podían generar. Ese debut con Mercury se vendió bien en la primavera de 1956, y por aquel entonces conseguían muchos conciertos y difusión en radio. Bond tocó en el Louisiana Hayride junto a Elvis Presley, Johnny Cash y Johnny Horton, y fue por esa época cuando empezó su propio programa de radio, una actividad que cobraría cada vez mayor importancia en su carrera. Su segunda sesión con Mercury produjo aún más éxitos de rockabilly, incluyendo "Slip, Slip, Slippin' In" y "Flip, Flop Mama", que vendieron de forma respetable, aunque no espectacular.

Sin embargo, Bond no se limitó a la música rockabilly, y sus posteriores sesiones con Mercury incluyeron versiones country, aunque "Love Love Love" suena bastante bien. Su contrato con Mercury finalizó en 1957, y para sus siguientes sesiones, Bond volvió al rockabilly, seguido de más música country e incluso una incursión en el gospel a principios de los 60. El mayor éxito de Bond en los años siguientes llegó en la radio, donde su programa alcanzó una audiencia altísima; esto, a su vez, contribuyó a mantener sus ventas de discos, ya que grabó o licenció varias canciones a diferentes sellos discográficos, principalmente de estilo country.

Eddie Bond nunca iba a ser otro Elvis Presley: no iba a convertirse en estrella de cine con la misma facilidad, ni a explorar otros sonidos de gran producción, y tuvo demasiado éxito al principio como personalidad radiofónica como para abandonar esa actividad. Pero se convirtió en un rival más que justo para Conway Twitty (con quien tocó alrededor de 1955, cuando este último aún era conocido como Harold Jenkins), con una agradable voz de tenor, discreta en su dulzura y matices dramáticos, y un buen sentido de la interpretación de una canción, ya fuera balada, rock o gospel. Continuó actuando durante la década de 1990 y entrado el nuevo siglo. Su carrera en la radio fue especialmente exitosa y le garantizó una amplia audiencia country, mientras que sus clásicos del rockabilly de los años 50 lo convirtieron en una leyenda viva entre los aficionados, especialmente en Europa. Tras cinco décadas de actuaciones, se mantuvo fiel a sus raíces country y rockabilly.

Rockabillyː The Twang Heard 'Round the World

It was the twang heard 'round the world: Rockabilly was born out of country, bluegrass, jazz, and the blues in the 1950s, becoming rock ’n’ roll and ruling the world. Here’s the story of Elvis Presley’s first Sun records that inspired all. And here’s Carl Perkins, Gene Vincent, Eddie Cochran, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Roy Orbison, and many more rockabillies from the golden years of 1955–1959, in a book chock full of photos, collectible memorabilia, movie posters, rare records, fashion, and rebel lifestyle. Includes contributions from noted music journalists Greil Marcus, Peter Guralnick, Luc Sante, Robert Gordon, and more.

The story continues today, with a rockabilly revival that began with stars, such as the Stray Cats and Robert Gordon, spreading around the globe from Europe to Japan. Today, rockabilly is better than ever, with bands like Rev. Horton Heat and others playing the music and living the life from Memphis to Helsinki to Tokyo. There’s still good rockin’ tonight!

The Challengers • K-39

 

The Challengers were an instrumental surf music band started in late 1962 which included Richard Delvy and Jim Roberts, formerly of The Belairs. They were located in Los Angeles. They represented a growing love for surf music and helped make the genre popular.
https://www.discogs.com/artist/390543-The-Challengers

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The Challengers fue una banda de música de surf instrumental que comenzó a finales de 1962 y que incluía a Richard Delvy y Jim Roberts, antes de The Belairs. Estaban ubicados en Los Ángeles. Representaron un amor creciente por la música surf y ayudaron a popularizar el género.
https://www.discogs.com/artist/390543-Los-Challengers

Stray Cats • Blue Eyes And Fishnets

 

Biografía de Steve Huey
Luciendo pompadours con curvas, tatuajes y chaquetas de cuero, The Stray Cats parecía una banda de rockabilly recién salida del elenco central. Eso fue por diseño de Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jam Phantom, un trío de renegados de Long Island que intentaban mantener encendido el fuego del rock & roll de antaño durante el apogeo del punk y la nueva ola. Les tomó un tiempo, y un viaje a través del Atlántico, tener éxito, pero cuando lo lograron, superó todas las expectativas. Durante algunos años, a principios de la década de 1980, The Stray Cats fue una de las bandas más populares del rock & roll, acumulando los diez primeros éxitos: "Rock This Town", "Stray Cat Strut", "(She's) Sexy + 17", con la ayuda de la recién fundada MTV, que encontró su moda retro visualmente cinética. La caída del grupo fue casi tan rápida como su ascenso ( a fines de los 80, se habían desmoronado), pero The Stray Cats tuvo un impacto indeleble, enviando el renacimiento del rockabilly a la corriente principal y marcando el ritmo de la continuación de la música durante las décadas siguientes.

The Stray Cats fue formado por el guitarrista y vocalista Brian Setzer en la ciudad de Massapequa, Nueva York, en Long Island, en 1979. Al principio, Setzer tocó versiones de rockabilly en una banda llamada Tom Cats con su hermano el baterista Gary y el bajista Bob Beecher; sin embargo, Setzer pronto abandonó ese grupo para unirse a los recién rebautizados amigos de la escuela Lee Rocker (nacido Leon Drucker) y Slim Jim Phantom (nacido James McDonnell). Sin embargo, su aspecto y sonido retro de los 50 no fueron bien recibidos en Long Island, y en el verano de 1980, el grupo se dirigió a Inglaterra, donde apenas comenzaba a surgir un movimiento de avivamiento del rockabilly.

Después de uno de sus conciertos en Londres, The Stray Cats conocieron al productor Dave Edmunds, conocido como entusiasta del rock de raíz por su trabajo con Rockpile, y como solista. Edmunds se ofreció a trabajar con el grupo, y entraron al estudio para grabar su álbum debut homónimo, lanzado en Inglaterra en 1981 con Arista. Fueron populares desde el principio, anotando tres éxitos consecutivos ese año con "Runaway Boys", "Rock This Town" y " Stray Cat Strut."Su seguimiento, Gonna Ball, no fue tan bien recibido y, picados por las críticas negativas, los Stray Cats decidieron regresar a los Estados Unidos y intentarlo.

La banda firmó con EMI America y en 1982 lanzaron su debut en Estados Unidos, Built for Speed, que recopilaba lo más destacado de sus dos LP británicos. Ayudados por una amplia difusión en MTV en el apogeo de la era de la nueva ola de todo vale, "Rock This Town "y" Stray Cat Strut " llegaron al Top Ten estadounidense, más de un año después de sus máximos en las listas británicas. Como resultado, Built for Speed fue un éxito en el jardín izquierdo, y los Stray Cats fueron vistos como avatares de estilo retro. Su segundo álbum estadounidense, Rant n ' Rave with the Stray Cats, apareció en 1983 y produjo otro éxito entre los Diez primeros en "(She's) Sexy + 17", así como una entrada menor en el Top 40 en la balada de estilo doo wop " I Won't Stand in Your Way."

Los conflictos de personalidad comenzaron a surgir en la forma en que los miembros individuales manejaron su nuevo éxito: Phantom se casó con la actriz (y ex amante de Rod Stewart) Britt Ekland, mientras que Setzer hizo apariciones especiales con estrellas como Bob Dylan y Stevie Nicks y se convirtió en el guitarrista de conciertos del proyecto paralelo Honeydrippers de Robert Plant. A finales de 1984, Setzer disolvió la banda en medio de mucha mala sangre. Rocker y Phantom inmediatamente se unieron al guitarrista Earl Slick y grabaron un álbum como Phantom, Rocker & Slick, mientras que Setzer esperó un par de años antes de lanzar su debut en solitario de rock de raíces, The Knife Feels Like Justice.

Para 1986, Fences aparentemente había sido reparado lo suficiente como para que Stray Cats se volviera a reunir en Los Ángeles y grabara las portadas: terapia de Rock pesada, que no se vendió tan bien. El trío regresó a sus respectivos proyectos posteriores a Stray Cats, que lanzaron álbumes que tuvieron un desempeño decepcionante. En 1989, se reunieron una vez más para el álbum Blast Off, que fue acompañado por una gira con Stevie Ray Vaughan. Ya sin EMI, The Cats entraron al estudio con Nile Rodgers para el mediocre Let's Go Faster, emitido por Liberation en 1990. Choo Choo Hot Fish, producido por Dave Edmunds en 1992, también atrajo poca atención, y después de otro álbum de versiones, Original Cool, el grupo volvió a dejarlo. Setzer pasó a encabezar el renacimiento del swing de los 90 con su Orquesta Brian Setzer, que interpretó melodías clásicas de swing de big band y jump blues, así como originales de Setzer.

The Stray Cats se reunieron en ocasiones a lo largo de la década de 2000, siempre concentrándose en presentaciones en vivo, no en el estudio de grabación. El grupo estuvo ausente la mayor parte de la década de 2010, pero regresaron a fines de la década con 40, su primer álbum de material original en 27 años. Los aspectos más destacados de su gira de apoyo para 40 se recopilaron a medida que el álbum en vivo de 2020 sacudió Esta Ciudad: De Los Ángeles a Londres.

  straycats.com ...

 

Eddie Cochran • Rocks

 

eddiecochran.com ...

Brian Setzer, '68 Comeback Special • Ignition [Japan Version]

 

briansetzer.com ...

 

The Trashmen • Tube City - The Best Of The Trashmen

 

Tube City!: The Best Of The Trashmen es un álbum recopilatorio de lo mejor del Surf Rock, de la banda estadounidense The Trashmen.

Esta recopilación contiene lo mejor de The Trashmen con varias canciones adicionales que no aparecen en ninguno de sus álbumes a excepción de una canción titulada Bad News que se publicó junto a su álbum siguiente llamado The Great Lost Trashmen Album del año 1994. Las trece primeras canciones de este trabajo recopilatorio pertenecen al álbum debut, y el mejor de la banda, el famoso Surfin' Bird (album), las otras siete son exclusivamente compuestas alrededor de los 60's por la agrupación.

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Tube City: The Best Of The Trashmen is a compilation album of the best of Surf Rock by the American band The Trashmen.

This compilation contains the best of The Trashmen with several additional songs that do not appear on any of their albums except for one song titled Bad News which was released with their follow-up album called The Great Lost Trashmen Album from 1994. The first thirteen songs of this compilation work belong to the debut album, and the best of the band, the famous Surfin' Bird (album), the other seven are exclusively composed around the 60's by the group.
https://es.wikipedia.org/wiki/Tube_City!:_The_Best_of_the_Trashmen


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John Lewis • 33 Years Stage By Stage

 

Thirty-three years of John Lewis! With solo recordings, as well as The Rimshots, Johnny Bach & The Moonshine Boozers, John Lewis Trio, Ponchartrain and featuring Imelda May, Darrel Higham, The Sure Shots, Geraint Watkins and Tony Thompson! Fantastic retrospective!
https://www.bear-family.com/lewis-john-33-years-stage-by-stage-2-cd.html

www.therealjohnlewis.com ...