Lowell Fulson • Hung Down Head

 

Clarence 'Gatemouth' Brown • Back to Bogalusa

 

     

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.

Clarence 'Gatemouth' Brown • Gate Swings

 

Review by AllMusic
The aptly titled GATE SWINGS finds the Texas roots music legend harking back to the big band blues/jazz hybrids popular in the late 1940s. Clarence "Gatemouth" Brown's own work from the '40s and '50s (see the Rounder reissue THE ORIGINAL PEACOCK RECORDINGS) was heavily influenced by these styles. His deft, inventive guitar work, bluesy vocals, and astonishing ability to harness the goosebump-inducing power of an R&B big band are as evident on this 1997 release as they were some 50 years earlier.

The opener, "Midnight Hour," is a remake of his 1954 original, and gets things cooking with a loping groove powered by the gargantuan sound of his 17-piece ensemble. Songs that have long been part of Brown's live repertoire, including classics like "Take The A Train" and Percy Mayfield's "River's Invitation," are mixed in among brilliant Brown originals like "Bits and Pieces" and the funky "Gate's Blues Waltz," featuring fine tenor and alto sax solos from Tony Dagradi and Eric Demmer, respectively. Even after over half a century in the business, the Gate is still churning out lively, musically astonishing efforts that swing harder than anything around.
https://www.allmusic.com/album/gate-swings-mw0000024485

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Reseña de AllMusic
Con el acertado título de GATE SWINGS, la leyenda de la música de raíces tejana se remonta a los híbridos de big band blues/jazz populares a finales de la década de 1940. El propio trabajo de Clarence «Gatemouth» Brown de los años 40 y 50 (ver la reedición de Rounder THE ORIGINAL PEACOCK RECORDINGS) estaba fuertemente influenciado por estos estilos. Su hábil e inventivo trabajo con la guitarra, su voz bluesy y su asombrosa habilidad para aprovechar la fuerza de una big band de R&B que pone la piel de gallina son tan evidentes en este lanzamiento de 1997 como lo fueron 50 años antes.

La primera canción, «Midnight Hour», es una nueva versión de su original de 1954, y pone las cosas en marcha con un ritmo lento impulsado por el sonido gigantesco de su conjunto de 17 músicos. Canciones que han formado parte del repertorio en directo de Brown durante mucho tiempo, incluidos clásicos como «Take The A Train» y «River's Invitation» de Percy Mayfield, se mezclan con brillantes originales de Brown como «Bits and Pieces» y el funky «Gate's Blues Waltz», con excelentes solos de saxo tenor y alto de Tony Dagradi y Eric Demmer, respectivamente. Incluso después de más de medio siglo en el negocio, The Gate sigue produciendo discos llenos de vida, musicalmente asombrosos y con más swing que ningún otro.
https://www.allmusic.com/album/gate-swings-mw0000024485

Clarence 'Gatemouth' Brown • Long Way Home

 

Clarence 'Gatemouth' Brown • American Music, Texas Style

 

     

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.

Lightnin' Hopkins • Lightnin' Hopkins

Review by Thom Owens
Originally released as The Roots of Lightnin' Hopkins, Smithsonian/Folkways' Lightnin' Hopkins was recorded in 1959. Upon its initial release, it was a pivotal part of the blues revival and helped re-spark interest in Hopkins. Before it was recorded, the bluesman had disappeared from sight; after a great deal of searching, Sam Charters found Hopkins in a rented one-room apartment in Houston. Persuading Lightnin' with a bottle of gin, Charters convinced Hopkins to record ten songs in that room, using only one microphone. The resulting record was one of the greatest albums in Hopkins' catalog, a skeletal record that is absolutely naked in its loneliness and haunting in its despair. These unvarnished performances arguably capture the essence of Lightnin' Hopkins better than any of his other recordings, and it is certainly one of the landmarks of the late-'50s/early-'60s blues revival.

 

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Reseña de Thom Owens
Publicado originalmente con el nombre de The Roots of Lightnin' Hopkins, Lightnin' Hopkins de Smithsonian/Folkways fue grabado en 1959. Cuando se publicó por primera vez, fue una parte fundamental del renacimiento del blues y ayudó a reavivar el interés por Hopkins. Antes de que se grabara, el bluesman había desaparecido de la vista; después de una gran búsqueda, Sam Charters encontró a Hopkins en un apartamento alquilado de una habitación en Houston. Persuadiendo a Lightnin' con una botella de ginebra, Charters convenció a Hopkins para que grabara diez canciones en esa habitación, utilizando sólo un micrófono. El disco resultante fue uno de los mejores álbumes del catálogo de Hopkins, un disco esquelético, absolutamente desnudo en su soledad e inquietante en su desesperación. Estas interpretaciones sin tapujos capturan posiblemente la esencia de Lightnin' Hopkins mejor que cualquiera de sus otras grabaciones, y es sin duda uno de los hitos del renacimiento del blues de finales de los 50 y principios de los 60.

Jimmy Witherspoon • The Blues The Whole Blues and Nothing But The Blues

AllMusic Review

Jimmy Witherspoon was one of the smoothest blues singers to come along in the late 1940s, and his earthy yet elegant style was versatile enough for him to "cross over" into jazz and even rock (in 1971, he co-led an album with the great British blues-rock singer Eric Burdon). THE BLUES, THE WHOLE BLUES... was recorded in England and originally released in 1992.

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 Reseña de AllMusic
Jimmy Witherspoon fue uno de los cantantes de blues más suaves que aparecieron a finales de la década de 1940, y su estilo terrenal pero elegante era lo suficientemente versátil como para "cruzar" al jazz e incluso al rock (en 1971, codirigió un álbum con el gran cantante británico de blues-rock Eric Burdon). THE BLUES, THE WHOLE BLUES... fue grabado en Inglaterra y publicado originalmente en 1992.

 

Sonny Rhodes • I Don't Want My Blues Colored Bright

Artist Biography by Richard Skelly

Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.

Note: Sonny passed away on 14 December 2021.

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Biografía del artista por Richard Skelly

El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.

Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente. Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras graduarse en el instituto.

En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.

Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins. Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just Blues, en su propio sello Rhodesway.

Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).

Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido altas calificaciones de los críticos de blues. 

Nota: Sonny falleció el 14 de diciembre de 2021.

 

  

Jeffrey P. Ross • My Pleasure

Editorial Reviews
Jeff Ross, a veteran of many bands in many styles, recorded a blues album, not a combo platter. Sure, there are tracks that offer varying shades, but if you bought this album, a) you?re probably wanting to hear some blues, and b) you?re into (and might even play) guitar. And so, a blues guitar album you shall get.

AUSTIN, TEXAS---The connection between classic cowpunk creators Rank & File and the cosmopolitan creativity of the Gypsy jazz unit Club Django is not an obvious one, unless, of course, you're familiar with guitarist JEFFREY P. ROSS, a veteran virtuoso who delivers all hues of blues on his debut disc as a leader.

Ross and his guitar have been involved in all manner of inventive and unusual musical situations but after a couple of decades of brightening up the sound of others he's finally stepping into the spotlight in his own right with a sparkling collection of enlightened blues.

Ross has recorded with California guitar-slingers the Hellecasters and Austin's eclectic roots aggregation the Asylum Street Spankers, as well as working with a trio of distinctive, if admittedly dissimilar, female vocalists; bawdy blues belter Candye Kane, rockabilly rebel Rosie Flores and alt-country angel Kelly Willis.

And, befitting a guitarist who chose the blues as the context for his first solo outing, Ross naturally has deep and diverse blues experience, including work with West Coast blues stalwarts such as hard-blowing James Harman and the late William Clarke.

But all those musical affiliations---and they're by no means the full extent of Ross's career accomplishments---serve merely as a provocative prelude for "My Pleasure", the first recording to feature Ross's guitar work under his own name in the service of his own tunes.

"My Pleasure" features an outstanding cast of Austin musicians, including multi-talented bluesman Guy Forsyth, string wizard Erik Hokkanen, T-Birds pianist Gene Taylor, and vocalist Major Burkes, for starters, but it is Ross who is---at long last---front and center throughout.

Much of the material comes from Ross and all of it is sonically tailored to his specifications, making the album's title a simple statement of fact. "It's exactly what I wanted to do," Ross explains. "I was allowed full freedom to please myself musically, so it's the tunes I wanted to do and they're done the way I wanted to play and record them."

What brought Ross his musical pleasure was playing the blues. His expansive definition of blues, however, takes the music in a multitude of musical directions. Each is intriguing and all are interlaced with uniformly excellent instrumental innovation but "My Pleasure" is not just a guitar showcase.

Ross has written and assembled solid songs and he and several guest vocalists, including Seth Walker, Mark Goodwin, Nick Curran and J. Jaye Smith, in addition to Forsyth and Burkes, meld them to the music with superlative results. It is undoubtedly blues straight from the heart but its stylistic range and deft delivery create new hues as enjoyable as they are exciting.

So, make "My Pleasure" your own. Give it a listen and the odds are good you'll give it another. And another

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Jeff Ross, un veterano de muchas bandas en muchos estilos, grabó un álbum de blues, no un plato combinado. Claro, hay temas que ofrecen diferentes tonos, pero si compraste este álbum, a) es probable que quieras escuchar blues, y b) te gusta (e incluso podrías tocar) la guitarra. Y así, un álbum de guitarra de blues que conseguirás.

AUSTIN, TEXAS---La conexión entre los creadores clásicos de cowpunk Rank & File y la creatividad cosmopolita de la unidad de jazz gitana Club Django no es obvia, a menos, por supuesto, que estés familiarizado con el guitarrista JEFFREY P. ROSS, un veterano virtuoso que ofrece todos los tonos de blues en su primer disco como líder.

Ross y su guitarra han estado involucrados en todo tipo de situaciones musicales inventivas e inusuales, pero después de un par de décadas de alegrar el sonido de otros, finalmente está entrando en el centro de atención por derecho propio con una brillante colección de blues iluminado.

Ross ha grabado con los guitarristas californianos los Hellecasters y las eclécticas raíces de Austin, los Asylum Street Spankers, además de trabajar con un trío de vocalistas femeninas distintivas, aunque ciertamente disímiles; la bella cantante de blues Candye Kane, la rebelde rockabilly Rosie Flores y el ángel de otro país Kelly Willis.

Y, como corresponde a un guitarrista que eligió el blues como contexto para su primera salida en solitario, Ross tiene naturalmente una profunda y diversa experiencia en blues, incluyendo el trabajo con los grandes del blues de la Costa Oeste, como James Harman y el difunto William Clarke.

Pero todas esas afiliaciones musicales, y no son de ninguna manera el alcance total de los logros de la carrera de Ross, sirven simplemente como un preludio provocativo para "My Pleasure", la primera grabación que presenta la obra de Ross para guitarra bajo su propio nombre al servicio de sus propias melodías.

"My Pleasure" cuenta con un elenco excepcional de músicos de Austin, incluyendo al talentoso bluesista Guy Forsyth, el mago de las cuerdas Erik Hokkanen, el pianista de T-Birds Gene Taylor, y el vocalista Major Burkes, para empezar, pero es Ross quien es, desde hace mucho tiempo, el centro y el frente.

Gran parte del material viene de Ross y todo está hecho a la medida de sus especificaciones, lo que hace que el título del álbum sea una simple declaración de hechos. "Es exactamente lo que quería hacer", explica Ross. "Me permitieron libertad total para complacerme musicalmente, así que son las melodías que quería hacer y se hacen de la forma en que yo quería tocarlas y grabarlas".

Lo que le dio a Ross su placer musical fue tocar el blues. Su amplia definición del blues, sin embargo, lleva la música en una multitud de direcciones musicales. Cada uno es intrigante y todos están entrelazados con una innovación instrumental uniformemente excelente, pero "My Pleasure" no es sólo un escaparate de guitarra.

Ross ha escrito y ensamblado canciones sólidas y él y varios vocalistas invitados, incluyendo a Seth Walker, Mark Goodwin, Nick Curran y J. Jaye Smith, además de Forsyth y Burkes, las fusionan con la música con resultados superlativos. Sin duda es un blues directo del corazón, pero su gama estilística y su hábil entrega crean nuevas tonalidades tan agradables como excitantes.

Por lo tanto, haga suyo "My Pleasure". Escúchalo y las probabilidades son buenas, le darás otro. Y otro

Roosevelt Sykes • Honeydripper

Review by Ron Wynn

Roosevelt Sykes expertly fit his classic, down-home piano riffs and style into a fabric that also contained elements of soul, funk, and R&B. The nine-cut date, recently reissued by Original Blues Classics, included such laments as "I Hate to Be Alone," "Lonely Day," and "She Ain't for Nobody," as well as the poignant "Yes Lawd," and less weighty "Satellite Baby" and "Jailbait." Besides Sykes' alternately bemused, ironic, and inviting vocals, there's superb tenor sax support from King Curtis, Robert Banks' tasty organ, and steady, nimble bass and drum assistance by Leonard Gaskin and drummer Belton Evans.
Roosevelt Sykes (January 31, 1906 – July 17, 1983) was an American blues musician, also known as "The Honeydripper". He was a successful and prolific cigar-chomping blues piano player, whose rollicking thundering boogie-woogie was highly influential.

http://en.wikipedia.org/wiki/Roosevelt_Sykes

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Traducción Automática:
Revisión por Ron Wynn

Roosevelt Sykes adaptó de forma experta sus clásicos riffs y estilo de piano en un tejido que también contenía elementos de soul, funk y R&B. La fecha de nueve cortes, recientemente reeditada por Original Blues Classics, incluyó lamentos como "Odio estar solo", "Lonely Day" y "Ella no está para nadie", así como la conmovedora "Sí Lawd". y menos pesado "Satellite Baby" y "Jailbait". Además de las voces alternativamente desconcertantes, irónicas e invitadoras de Sykes, hay un excelente soporte de saxo tenor de King Curtis, el sabroso órgano de Robert Banks, y la asistencia constante y ágil de los bajos y el tambor de Leonard Gaskin y el batería Belton Evans.
Roosevelt Sykes (31 de enero de 1906 - 17 de julio de 1983) fue un músico estadounidense de blues, también conocido como "The Honeydripper". Era un exitoso y prolífico pianista de blues que fumaba puros puros, cuyo trémico boogie-woogie era altamente influyente. 

 

Lightnin' Hopkins • Lightnin' And The Blues

 

Lightnin’ Hopkins embodied the blues. His singing, guitar playing, his physical appearance, personality, and demeanor, were the blues. One of the most recognizable bluesmen to come out of Texas, Lightnin’ Hopkins went on to stake out an enduring and productive career with his own spontaneous and eclectic style of haunting vocals and accompanying guitar.

Sam Lightnin’ Hopkins was born in Centerville, Texas, on March 15, 1912. After his father died in 1915, the family (Sam, his mother and five brothers and sisters) moved to Leona. At age eight he made his first instrument, a cigar-box guitar with chicken-wire strings. By ten he was playing music with his cousin, Texas Alexander, and Blind Lemon Jefferson, who encouraged him to continue. Hopkins also played with his brothers, blues musicians John Henry and Joel.

By the mid-1920s Sam had started jumping trains, shooting dice, and playing the blues anywhere he could. He married sometime in the 1920s, and had several children, but by the mid-1930s his wife, frustrated by his wandering lifestyle, took the children and left Hopkins. He served time at the Houston County Prison Farm in the mid-1930s, and after his release he returned to the blues-club circuit. In 1946 he had his big break and first recording in Los Angeles for Aladdin Recordings. On the record was a piano player named Wilson (Thunder) Smith; by chance he combined well with Sam to give him his nickname, Lightnin’. The album has been described as “downbeat solo blues” characteristic of Hopkins’s style. Aladdin was so impressed with Hopkins that the company invited him back for a second session in 1947. He eventually made forty-three recordings for the label, which are highly regarded and available as “The Complete Aladdin Recordings.”

Over his career Hopkins recorded for nearly twenty different labels, including Gold Star Records in Houston. These were reissued under Arhoolie as “The Gold Star Sessions.” On occasion he would record for one label while under contract to another. In 1950 he settled in Houston, but he continued to tour the country periodically. Though he recorded prolifically between 1946 and 1954, his records for the most part were not big outside the black community, and buried by the onslaught of rock and roll. It was not until 1959, when Hopkins began working with legendary producer Sam Chambers that his music began to reach a mainstream audience. Hopkins switched to an acoustic guitar and became a hit in the folk-blues revival of the 1960s. He was signed by Chris Strachwitz for his new Arhoolie label in this period, which really propelled his popularity in the genre.

During the early 1960s he played at Carnegie Hall with Pete Seeger and Joan Baez and in 1964 toured with the American Folk Blues Festival. By the end of the decade he was opening for such rock bands as the Grateful Dead and Jefferson Airplane. During a tour of Europe in the 1970s, he played for Queen Elizabeth II at a command performance. Hopkins also performed at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. In 1972 he worked on the soundtrack to the film Sounder. He was also the subject of a documentary by filmmaker Les Blanks The Blues According to Lightnin’ Hopkins, which won the prize at the Chicago Film Festival for outstanding documentary in 1970.

Hopkins recorded and appeared on more than eighty-five albums for an incredible variety of labels, and toured around the world. But after a 1970 car crash, many of the concerts he performed were on his front porch or at a bar near his house.

He had a knack for writing songs impromptu, and frequently wove legends around a core of truth. His often autobiographical songs made him a spokesman for the southern black community that had no voice until blues attained a broader popularity through white audiences and performers.

In 1980 Lightnin’ Hopkins was inducted into The Blues Foundation Hall of Fame.

Hopkins died of cancer on January 30, 1982

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/lightninhopkins

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Lightnin’ Hopkin encarnaba el blues. Su canto, su toque de guitarra, su apariencia física, su personalidad y su comportamiento eran los blues. Uno de los bluesmen más reconocidos de Texas, Lightnin' Hopkins continuó su carrera duradera y productiva con su propio estilo espontáneo y ecléctico de voces inquietantes y guitarra de acompañamiento.

Sam Lightnin' Hopkins nació en Centerville, Texas, el 15 de marzo de 1912. Después de la muerte de su padre en 1915, la familia (Sam, su madre y cinco hermanos y hermanas) se mudaron a Leona. A los ocho años hizo su primer instrumento, una guitarra de caja de puros con cuerdas de alambre de pollo. A las diez ya estaba tocando música con su primo, Texas Alexander, y Blind Lemon Jefferson, quien lo animó a continuar. Hopkins también tocó con sus hermanos, los músicos de blues John Henry y Joel.

A mediados de la década de 1920, Sam había empezado a saltar trenes, a tirar dados y a jugar al blues en cualquier lugar que pudiera. Se casó en algún momento de la década de 1920 y tuvo varios hijos, pero a mediados de la década de 1930 su esposa, frustrada por su estilo de vida errante, se llevó a los niños y se fue de Hopkins. Cumplió condena en la Granja de la Prisión del Condado de Houston a mediados de la década de 1930, y después de su liberación regresó al circuito de clubes de blues. En 1946 tuvo su gran éxito y su primera grabación en Los Ángeles para Aladdin Recordings. En el disco había un pianista llamado Wilson (Thunder) Smith; por casualidad se combinó bien con Sam para darle su apodo, Lightnin'. El álbum ha sido descrito como "downbeat solo blues" característico del estilo de Hopkins. Aladino quedó tan impresionado con Hopkins que la compañía lo invitó a regresar para una segunda sesión en 1947. Con el tiempo hizo cuarenta y tres grabaciones para el sello, que son muy apreciadas y están disponibles como "The Complete Aladdin Recordings".

A lo largo de su carrera Hopkins grabó para casi veinte sellos diferentes, incluyendo Gold Star Records en Houston. Estos fueron reeditados bajo el nombre de "Las Sesiones de la Estrella Dorada". En ocasiones grababa para un sello mientras estaba bajo contrato con otro. En 1950 se estableció en Houston, pero continuó haciendo giras por el país periódicamente. Aunque grabó prolíficamente entre 1946 y 1954, sus discos en su mayor parte no fueron grandes fuera de la comunidad negra, y fueron enterrados por el ataque del rock and roll. No fue hasta 1959, cuando Hopkins comenzó a trabajar con el legendario productor Sam Chambers, que su música comenzó a llegar a un público mayoritario. Hopkins cambió a una guitarra acústica y se convirtió en un éxito en el renacimiento del folk-blues de los años 60. Fue firmado por Chris Strachwitz para su nuevo sello Arhoolie en este período, lo que realmente impulsó su popularidad en el género.

A principios de los años 60 tocó en el Carnegie Hall con Pete Seeger y Joan Baez y en 1964 realizó una gira con el American Folk Blues Festival. A finales de la década estaba abriendo para bandas de rock como Grateful Dead y Jefferson Airplane. Durante una gira por Europa en la década de 1970, tocó para la Reina Isabel II en una función de mando. Hopkins también actuó en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans. En 1972 trabajó en la banda sonora de la película Sounder. También fue objeto de un documental del cineasta Les Blanks The Blues According to Lightnin' Hopkins, que ganó el premio en el Festival de Cine de Chicago por documental sobresaliente en 1970.

Hopkins grabó y apareció en más de ochenta y cinco álbumes para una increíble variedad de sellos discográficos, y realizó giras por todo el mundo. Pero después de un accidente automovilístico en 1970, muchos de los conciertos que ofreció fueron en su porche o en un bar cerca de su casa.

Tenía un don para escribir canciones improvisadamente, y frecuentemente tejía leyendas en torno a un núcleo de verdad. Sus canciones a menudo autobiográficas lo convirtieron en el portavoz de la comunidad negra del sur que no tenía voz hasta que el blues alcanzó una popularidad más amplia a través del público y los intérpretes blancos.

En 1980, Lightnin' Hopkins fue admitido en el Salón de la Fama de The Blues Foundation.

Hopkins murió de cáncer el 30 de enero de 1982

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/lightninhopkins

Jimmy Witherspoon-Richard Groove Holmes-Odetta • As Blue As They Can Be

 

Sonny Rhodes • A Good Day To Play The Blues

 

Sonny Rhodes is a performer who believes in giving his all with every show, and when you see this turbaned performer in one of his bright suits you won't be disappointed. Although a strong effort, this disc suffers from some inconsistent material for him to let loose and really play the blues. He was born and raised in Texas, and you can hear that in his vibrant playing; however, he lived for years in the Bay Area and thus was exposed to and influenced by a wide variety of influences. His lap steel playing is sharp, gritty, and at times stinging to the bone. His vocals display his strong Texas upbringing; he played behind Albert Collins and Freddie King when he was younger, and these roots are exposed at their most basic in his phrasing. The material here (he wrote or co-wrote eight of the 13 cuts) is not weak -- it is just not as strong and animated throughout as the session during which he recorded Blue Diamond, which was as sharp, cutting, and balanced a performance as watching a fine cutting horse work his magic on the poor hapless cow. The music here is good, but he set a benchmark for himself, and he doesn't quite reach up to it on this one (though for anyone else it would be considered a great effort). This is a showman you truly have to see live to appreciate. The consummate showman can play the blues.
Bob Gottlieb, All Music Guide

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Sonny Rhodes es un artista que cree en darlo todo en cada espectáculo, y cuando veas a este artista con turbante en uno de sus trajes brillantes, no te decepcionará. Aunque es un gran esfuerzo, este disco adolece de cierto material inconsistente para que él se suelte y realmente toque blues. Nació y creció en Texas, y eso se puede escuchar en su vibrante interpretación; sin embargo, vivió durante años en el Área de la Bahía y, por lo tanto, estuvo expuesto e influenciado por una amplia variedad de influencias. Su interpretación de lap Steel es aguda, arenosa y, a veces, punzante hasta los huesos. Su voz muestra su fuerte educación tejana; tocó detrás de Albert Collins y Freddie King cuando era más joven, y estas raíces están expuestas en su forma más básica en su fraseo. El material aquí (escribió o coescribió ocho de los 13 cortes) no es débil just simplemente no es tan fuerte y animado a lo largo de la sesión durante la cual grabó Blue Diamond, que fue una actuación tan nítida, cortante y equilibrada como ver a un caballo de corte fino hacer su magia en la pobre vaca desventurada. La música aquí es buena, pero él estableció un punto de referencia para sí mismo, y no llega a alcanzarla en esta (aunque para cualquier otra persona se consideraría un gran esfuerzo). Este es un showman que realmente tienes que ver en vivo para apreciarlo. El showman consumado puede tocar blues.
Bob Gottlieb, All Music Guide

Lightnin' Hopkins • Lightnin' (The Blues Of LH)

 

Lightnin’ Hopkins embodied the blues. His singing, guitar playing, his physical appearance, personality, and demeanor, were the blues. One of the most recognizable bluesmen to come out of Texas, Lightnin’ Hopkins went on to stake out an enduring and productive career with his own spontaneous and eclectic style of haunting vocals and accompanying guitar.

Sam Lightnin’ Hopkins was born in Centerville, Texas, on March 15, 1912. After his father died in 1915, the family (Sam, his mother and five brothers and sisters) moved to Leona. At age eight he made his first instrument, a cigar-box guitar with chicken-wire strings. By ten he was playing music with his cousin, Texas Alexander, and Blind Lemon Jefferson, who encouraged him to continue. Hopkins also played with his brothers, blues musicians John Henry and Joel.

By the mid-1920s Sam had started jumping trains, shooting dice, and playing the blues anywhere he could. He married sometime in the 1920s, and had several children, but by the mid-1930s his wife, frustrated by his wandering lifestyle, took the children and left Hopkins. He served time at the Houston County Prison Farm in the mid-1930s, and after his release he returned to the blues-club circuit. In 1946 he had his big break and first recording in Los Angeles for Aladdin Recordings. On the record was a piano player named Wilson (Thunder) Smith; by chance he combined well with Sam to give him his nickname, Lightnin’. The album has been described as “downbeat solo blues” characteristic of Hopkins’s style. Aladdin was so impressed with Hopkins that the company invited him back for a second session in 1947. He eventually made forty-three recordings for the label, which are highly regarded and available as “The Complete Aladdin Recordings.”

Over his career Hopkins recorded for nearly twenty different labels, including Gold Star Records in Houston. These were reissued under Arhoolie as “The Gold Star Sessions.” On occasion he would record for one label while under contract to another. In 1950 he settled in Houston, but he continued to tour the country periodically. Though he recorded prolifically between 1946 and 1954, his records for the most part were not big outside the black community, and buried by the onslaught of rock and roll. It was not until 1959, when Hopkins began working with legendary producer Sam Chambers that his music began to reach a mainstream audience. Hopkins switched to an acoustic guitar and became a hit in the folk-blues revival of the 1960s. He was signed by Chris Strachwitz for his new Arhoolie label in this period, which really propelled his popularity in the genre.

During the early 1960s he played at Carnegie Hall with Pete Seeger and Joan Baez and in 1964 toured with the American Folk Blues Festival. By the end of the decade he was opening for such rock bands as the Grateful Dead and Jefferson Airplane. During a tour of Europe in the 1970s, he played for Queen Elizabeth II at a command performance. Hopkins also performed at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. In 1972 he worked on the soundtrack to the film Sounder. He was also the subject of a documentary by filmmaker Les Blanks The Blues According to Lightnin’ Hopkins, which won the prize at the Chicago Film Festival for outstanding documentary in 1970.

Hopkins recorded and appeared on more than eighty-five albums for an incredible variety of labels, and toured around the world. But after a 1970 car crash, many of the concerts he performed were on his front porch or at a bar near his house.

He had a knack for writing songs impromptu, and frequently wove legends around a core of truth. His often autobiographical songs made him a spokesman for the southern black community that had no voice until blues attained a broader popularity through white audiences and performers.

In 1980 Lightnin’ Hopkins was inducted into The Blues Foundation Hall of Fame.

Hopkins died of cancer on January 30, 1982

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/lightninhopkins

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Lightnin’ Hopkin encarnaba el blues. Su canto, su toque de guitarra, su apariencia física, su personalidad y su comportamiento eran los blues. Uno de los bluesmen más reconocidos de Texas, Lightnin' Hopkins continuó su carrera duradera y productiva con su propio estilo espontáneo y ecléctico de voces inquietantes y guitarra de acompañamiento.

Sam Lightnin' Hopkins nació en Centerville, Texas, el 15 de marzo de 1912. Después de la muerte de su padre en 1915, la familia (Sam, su madre y cinco hermanos y hermanas) se mudaron a Leona. A los ocho años hizo su primer instrumento, una guitarra de caja de puros con cuerdas de alambre de pollo. A las diez ya estaba tocando música con su primo, Texas Alexander, y Blind Lemon Jefferson, quien lo animó a continuar. Hopkins también tocó con sus hermanos, los músicos de blues John Henry y Joel.

A mediados de la década de 1920, Sam había empezado a saltar trenes, a tirar dados y a jugar al blues en cualquier lugar que pudiera. Se casó en algún momento de la década de 1920 y tuvo varios hijos, pero a mediados de la década de 1930 su esposa, frustrada por su estilo de vida errante, se llevó a los niños y se fue de Hopkins. Cumplió condena en la Granja de la Prisión del Condado de Houston a mediados de la década de 1930, y después de su liberación regresó al circuito de clubes de blues. En 1946 tuvo su gran éxito y su primera grabación en Los Ángeles para Aladdin Recordings. En el disco había un pianista llamado Wilson (Thunder) Smith; por casualidad se combinó bien con Sam para darle su apodo, Lightnin'. El álbum ha sido descrito como "downbeat solo blues" característico del estilo de Hopkins. Aladino quedó tan impresionado con Hopkins que la compañía lo invitó a regresar para una segunda sesión en 1947. Con el tiempo hizo cuarenta y tres grabaciones para el sello, que son muy apreciadas y están disponibles como "The Complete Aladdin Recordings".

A lo largo de su carrera Hopkins grabó para casi veinte sellos diferentes, incluyendo Gold Star Records en Houston. Estos fueron reeditados bajo el nombre de "Las Sesiones de la Estrella Dorada". En ocasiones grababa para un sello mientras estaba bajo contrato con otro. En 1950 se estableció en Houston, pero continuó haciendo giras por el país periódicamente. Aunque grabó prolíficamente entre 1946 y 1954, sus discos en su mayor parte no fueron grandes fuera de la comunidad negra, y fueron enterrados por el ataque del rock and roll. No fue hasta 1959, cuando Hopkins comenzó a trabajar con el legendario productor Sam Chambers, que su música comenzó a llegar a un público mayoritario. Hopkins cambió a una guitarra acústica y se convirtió en un éxito en el renacimiento del folk-blues de los años 60. Fue firmado por Chris Strachwitz para su nuevo sello Arhoolie en este período, lo que realmente impulsó su popularidad en el género.

A principios de los años 60 tocó en el Carnegie Hall con Pete Seeger y Joan Baez y en 1964 realizó una gira con el American Folk Blues Festival. A finales de la década estaba abriendo para bandas de rock como Grateful Dead y Jefferson Airplane. Durante una gira por Europa en la década de 1970, tocó para la Reina Isabel II en una función de mando. Hopkins también actuó en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans. En 1972 trabajó en la banda sonora de la película Sounder. También fue objeto de un documental del cineasta Les Blanks The Blues According to Lightnin' Hopkins, que ganó el premio en el Festival de Cine de Chicago por documental sobresaliente en 1970.

Hopkins grabó y apareció en más de ochenta y cinco álbumes para una increíble variedad de sellos discográficos, y realizó giras por todo el mundo. Pero después de un accidente automovilístico en 1970, muchos de los conciertos que ofreció fueron en su porche o en un bar cerca de su casa.

Tenía un don para escribir canciones improvisadamente, y frecuentemente tejía leyendas en torno a un núcleo de verdad. Sus canciones a menudo autobiográficas lo convirtieron en el portavoz de la comunidad negra del sur que no tenía voz hasta que el blues alcanzó una popularidad más amplia a través del público y los intérpretes blancos.

En 1980, Lightnin' Hopkins fue admitido en el Salón de la Fama de The Blues Foundation.

Hopkins murió de cáncer el 30 de enero de 1982

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/lightninhopkins

Texas Blues: The Rise of a Contemporary Sound

 

Texas Blues allows artists to speak in their own words, revealing the dynamics of blues, from its beginnings in cotton fields and shotgun shacks to its migration across boundaries of age and race to seize the musical imagination of the entire world. Fully illustrated with 495 dramatic, high-quality color and black-and-white photographs—many never before published—Texas Blues provides comprehensive and authoritative documentation of a musical tradition that has changed contemporary music. Award-winning documentary filmmaker and author Alan Govenar here builds on his previous groundbreaking work documenting these musicians and their style with the stories of 110 of the most influential artists and their times. From Blind Lemon Jefferson and Aaron “T-Bone” Walker of Dallas, to Delbert McClinton in Fort Worth, Sam “Lightnin’” Hopkins in East Texas, Baldemar (Freddie Fender) Huerta in South Texas, and Stevie Ray Vaughan in Austin, Texas Blues shows the who, what, where, and how of blues in the Lone Star State.

 

  Alan B. Govenar (Author)

 

Sonny Rhodes • Born To Be Blue

 

 

Artist Biography by Richard Skelly
Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.

Note: Sonny passed away on 14 December 2021.

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Biografía del artista por Richard Skelly

El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.

Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente. Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras graduarse en el instituto.

En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.

Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins. Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just Blues, en su propio sello Rhodesway.

Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).

Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido altas calificaciones de los críticos de blues. 

Nota: Sonny falleció el 14 de diciembre de 2021.

Clarence ''Gatemouth Brown'' • No Looking Back

 

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.