Sabu Martinez • Safari With Sabu

 

VA • Nu Yorica Roots! The Rise Of Latin Music In New York City In The 1960s

  

Review by John Bush
One of the best collections of Latin American music ever assembled, Nu Yorica Roots! compiles some of the funkiest Latin soul and, occasionally, traditional music recorded in the Big Apple during the 1960s and '70s. The disc definitely concentrates on groove tracks, with standout inclusions by Joe Cuba ("El Pito"), Ray Barretto ("Acid," "Together"), and Tito Puente ("Oye Como Va," "Tito on Timbales"). But Nu Yorica Roots! also salutes the more tribal, drum-centered facets of Latin music during the era, with Mongo Santamaria ("Druma Kuyi"), Eddie Palmieri ("My Spiritual Indian"), and Sabu Martinez ("The Oracle") paying homage to their Afro-Cuban roots with flair. Harvey Averne's swinging cover of "The Word" by the Beatles and Orchestra Harlow's dance novelty "Horsin' Up" are a bit silly (even if they're good representations of the Latin soul scene), but without exception, this compilation nails the late-'60s convergence of amazing Latin instrumentalists and more groove-centered black music around El Barrio in East Harlem. Though it's saying quite a bit, Nu Yorica Roots! is the finest compilation produced by the inestimably valuable reissue label Soul Jazz Records.
https://www.allmusic.com/album/nu-yorica-roots%21-the-rise-of-latin-music-in-new-york-city-in-the-1960s-mw0000454610

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Reseña de John Bush
Una de las mejores colecciones de música latinoamericana jamás reunida, Nu Yorica Roots! recopila algunos de los temas más funk del soul latino y, ocasionalmente, de la música tradicional grabada en la Gran Manzana durante las décadas de 1960 y 1970. El disco definitivamente se concentra en temas de groove, con inclusiones destacadas de Joe Cuba ("El Pito"), Ray Barretto ("Acid"," Together") y Tito Puente ("Oye Como Va","Tito on Timbales"). Pero Raíces Nu Yorica! también rinde homenaje a las facetas más tribales y centradas en el tambor de la música latina durante la época, con Mongo Santamaria ("Druma Kuyi"), Eddie Palmieri ("My Spiritual Indian") y Sabu Martinez ("The Oracle") rindiendo homenaje a sus raíces afrocubanas con estilo. La versión oscilante de Harvey Averne de "The Word" de the Beatles y la novedad de baile de Orchestra Harlow "Horsin' Up " son un poco tontas (incluso si son buenas representaciones de la escena del soul latino), pero sin excepción, esta compilación clava la convergencia de finales de los años 60 de increíbles instrumentistas latinos y música negra más centrada en el groove alrededor de El Barrio en East Harlem. Aunque es decir bastante, Nu Yorica Roots! es la mejor compilación producida por el inestimablemente valioso sello de reedición Soul Jazz Records.
https://www.allmusic.com/album/nu-yorica-roots%21-the-rise-of-latin-music-in-new-york-city-in-the-1960s-mw0000454610

Sabu Martinez • Palo Congo

 

 

Review
by Scott Yanow
Sabu Martinez's debut as a leader mostly features percussionists (other than bassist Evaristo Baro), including the leader, Arsenio Rodriguez (who doubles on the tres), Cesar Travieso, Quique Travieso, and Ray "Mosquito" Romero - Martinez, Rodriguez, and Travieso also join Willie Capo and Sarah Baro in singing and chanting - Six of the eight songs are Martinez's originals, although the most memorable cut is the opening "El Cumbanchero," which has a catchy melody and a Martinez vocal that in tone sounds surprisingly like Cab Calloway in spots - Intriguing African-oriented music.
https://www.allmusic.com/album/palo-congo-mw0000053213



Palo Congo is Sabu Martinez's debut as a leader and is an astonishingly interesting piece of work, especially for a first album - Of course, by then the conguero was already one of the most prolific of the jazz and Latin scenes: he was not exactly a newcomer - Observing his resume, even if only up to 1957, is impressive - He had collaborated, in the studio and/or on stage, with jazz greats like Dizzy Gillespie ―who gave him the nickname that stayed with him until his death, Sabu―, Charlie Parker, Horace Silver, J.J - Johnson, Art Blakey, Max Roach or Benny Goodman, and had trained with pioneers of Latin music such as Marcelino Guerra or Joe Loco.

Since the late 1940s, he had been a key player in bringing the most restless bebop and hard-bop jazzmen to the Latin and African sounds - It is this baggage, this learning that can hardly be obtained in academies, which he embodied in Palo Congo, which explains why it is a work of admirable maturity despite being a debut.

For his presentation as leader, Sabu Martinez surrounded himself with numerous percussionists, limiting the presence of melodic instruments to a couple of bassists and several vocalists - His repertoire is made up of six of his own compositions, although the two versions sound as personal as any of his originals - That's especially true for El Cumbanchero, Rafael Hernández's classic, which takes to its raw and extraordinarily energetic percussive terrain.

Later, in Rhapsody Del Maravilloso, he even has the idea of quoting El manisero, a masterpiece of Latin music created by Moisés Simons - Possibly the most interesting piece, however, is one of those six compositions, Billumba-Palo Congo, a creative interpretation of a work song that is all rhythm, including question-answer style singing.

The ensemble is much more Latin than jazz, which is surprising for a Blue Note album - But that was one of the successes of the American record company, which allowed Sabu Martinez to express himself as he wanted, making available, yes, the best of the house: production by the founder, Alfred Lion, sound engineering by Rudy Van Gelder, photography by Francis Wolff and design by Reid Miles - The complete package to achieve the best audiovisual result - And on top of that, the production of the reissue is the work of Michael Cuscuna (Mosaic Records), another incentive to enjoy one of the fundamental albums in the history of Latin music in the second half of the 20th century.
https://unplanetadesonidos.com/1957-palo-congo-sabu-martinez/

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Reseña
por Scott Yanow
El debut de Sabu Martínez como líder cuenta principalmente con percusionistas (aparte del bajista Evaristo Baró), incluido el líder, Arsenio Rodríguez (que dobla el tres), César Travieso, Quique Travieso y Ray "Mosquito" Romero - Martínez, Rodríguez y Travieso también se unen a Willie Capo y Sarah Baro para cantar y cantar - Seis de las ocho canciones son originales de Martínez, aunque el corte más memorable es la apertura "El Cumbanchero", que tiene una melodía pegadiza y una voz de Martínez que en tono suena sorprendentemente como Cab Calloway en algunos puntos - Música intrigante de orientación africana.
https://www.allmusic.com/album/palo-congo-mw0000053213



Palo Congo es el debut como líder de Sabu Martinez y es una obra asombrosamente interesante, especialmente tratándose de un primer trabajo - Claro que por entonces el conguero ya era uno de los más prolíficos de las escenas jazzística y latina: no era precisamente un recién llegado - Observar su currículum, aunque sólo sea hasta 1957, impresiona - Había colaborado, en estudio y/o en el escenario, con grandes del jazz como Dizzy Gillespie ―que es quien le regaló el apodo que le acompañó hasta su muerte, Sabu―, Charlie Parker, Horace Silver, J.J - Johnson, Art Blakey, Max Roach o Benny Goodman, y se había curtido con pioneros de la música latina como Marcelino Guerra o Joe Loco.

Desde finales de los 40, había sido un intérprete clave en el acercamiento a los sonidos latinos y africanos de los más inquietos jazzmen de bebop y hard-bop - Es ese bagaje, ese aprendizaje que difícilmente se puede obtener en las academias, el que plasmó en Palo Congo, el que explica que se trate de una obra de admirable madurez a pesar de ser un debut.

Para su presentación como líder, Sabu Martinez se rodeó de numerosos percusionistas, limitando la presencia de instrumentos melódicos a un par de bajistas y varios vocalistas - El repertorio lo conforman seis composiciones propias, aunque las dos versiones suenan tan personales como cualquiera de sus originales - Eso es especialmente válido para El Cumbanchero, el clásico de Rafael Hernández, que se lleva a su crudo y extraordinariamente enérgico terreno percusivo.

Más adelante, en Rhapsodia Del Maravilloso, incluso tiene la ocurrencia de citar El manisero, obra cumbre de la música latina creada por Moisés Simons - Sin embargo, posiblemente la pieza más interesante sea una de esas seis composiciones, Billumba-Palo Congo, una creativa interpretación de una canción de trabajo que es puro ritmo, incluyendo el canto al estilo pregunta-respuesta.

El conjunto es mucho más latino que jazzístico, cosa que no deja de ser sorprendente tratándose de un disco de Blue Note - Pero ese fue uno de los aciertos de la discográfica estadounidense, que dejó a Sabu Martinez expresarse como quiso, poniendo a su disposición, eso sí, lo mejor de la casa: producción del fundador, Alfred Lion, ingeniería de sonido de Rudy Van Gelder, fotografía de Francis Wolff y diseño de Reid Miles - El paquete completo para lograr el mejor resultado audiovisual - Y encima la producción de la reedición es cosa de Michael Cuscuna (Mosaic Records), otro aliciente para disfrutar de uno de los álbumes fundamentales de la historia de la música latina en la segunda mitad del siglo XX.
https://unplanetadesonidos.com/1957-palo-congo-sabu-martinez/

Sabu Martinez Featuring Rune Gustafsson & Sture Nordin • Groovin' With Sabu Martinez

 

  

Colaborador / Contributor:  Mich58

Charlie Mariano • Reflections

 

Biography
by Scott Yanow
Charlie Mariano's career can easily be divided into two phases. Early on he was a fixture in Boston, playing with Shorty Sherock (1948), Nat Pierce (1949-1950), and his own groups. After gigging with a band co-led by Chubby Jackson and Bill Harris, Mariano toured with Stan Kenton's Orchestra (1953-1955) which earned him a strong reputation. He moved to Los Angeles in 1956 (working with Shelly Manne and other West Coast jazz stars), returned to Boston to teach in 1958 at Berklee, and the following year, had a return stint with Kenton. After marrying Toshiko Akiyoshi, Mariano co-led a group with the pianist on and off up to 1967, living in Japan during part of the time and also working with Charles Mingus (1962-1963).

The second phase of his career began with the formation of his early fusion group Osmosis in 1967. Known at the time as a strong bop altoist with a sound of his own developed out of the Charlie Parker style, Mariano began to open his music up to the influences of folk music from other cultures, pop, and rock. He taught again at Berklee, traveled to India and the Far East, and in the early '70s settled in Europe. Among the groups Mariano has worked with have been Pork Pie (which also featured Philip Catherine), the United Jazz & Rock Ensemble, and Eberhard Weber's Colours. Charlie Mariano's airy tones on soprano and the nagaswaram (an Indian instrument a little like an oboe) fit right in on some new agey ECM sessions and he also recorded as a leader through the years for Imperial, Prestige, Bethlehem, World Pacific, Candid (with Toshiko Akiyoshi in 1960), Regina, Atlantic, Catalyst, MPS, CMP, Leo, and Calig, among others.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-mariano-mn0000207133/biography

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Biografía
por Scott Yanow
La carrera de Charlie Mariano puede dividirse fácilmente en dos fases. Al principio fue un fijo en Boston, tocando con Shorty Sherock (1948), Nat Pierce (1949-1950) y sus propios grupos. Después de actuar con una banda codirigida por Chubby Jackson y Bill Harris, Mariano realizó una gira con la Orquesta de Stan Kenton (1953-1955) que le valió una gran reputación. Se trasladó a Los Ángeles en 1956 (trabajando con Shelly Manne y otras estrellas del jazz de la Costa Oeste), regresó a Boston para enseñar en 1958 en Berklee, y al año siguiente volvió a trabajar con Kenton. Tras casarse con Toshiko Akiyoshi, Mariano codirigió un grupo con la pianista de forma intermitente hasta 1967, viviendo en Japón durante parte del tiempo y trabajando también con Charles Mingus (1962-1963).

La segunda fase de su carrera comenzó con la formación de su primer grupo de fusión Osmosis en 1967. Conocido entonces como un fuerte contralto bop con un sonido propio desarrollado a partir del estilo de Charlie Parker, Mariano comenzó a abrir su música a las influencias de la música folclórica de otras culturas, el pop y el rock. Volvió a dar clases en Berklee, viajó a la India y al Lejano Oriente, y a principios de los 70 se instaló en Europa. Entre los grupos con los que Mariano ha trabajado se encuentran Pork Pie (en el que también participó Philip Catherine), United Jazz & Rock Ensemble y Eberhard Weber's Colours. Los tonos aéreos de Charlie Mariano en la soprano y el nagaswaram (un instrumento indio parecido a un oboe) encajan perfectamente en algunas sesiones de ECM de la nueva era y también grabó como líder a lo largo de los años para Imperial, Prestige, Bethlehem, World Pacific, Candid (con Toshiko Akiyoshi en 1960), Regina, Atlantic, Catalyst, MPS, CMP, Leo y Calig, entre otros.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-mariano-mn0000207133/biography

Sabu Martinez • Jazz Espagnole

 

Biography by Craig Harris
Louis "Sabu" Martinez was one of the most prolific conga players in the history of Afro-Cuban music. In addition to his own albums, Martinez recorded with such influential jazz musicians as Dizzy Gillespie, Horace Silver, Buddy DeFranco, J.J. Johnson, Louis Bellson, Art Farmer, and Art Blakey, and jazz vocalists including Tony Bennett and Sammy Davis, Jr. Emigrating to Sweden in 1967, he continued to apply his highly melodic rhythms to a lengthy list of recordings by top-notch Swedish performers.

A native of New York's Spanish Harlem, Martinez spent his childhood beating rhythms on tin cans on 111th Street. By the age of 11, he was performing every third night on 125th Street for 25 cents a night. He was still in his early teens when he began playing with Latin bands including those led by Marcelino Guerra and Catalino Rolón. In 1944, he spent an extended period living in Puerto Rico.

After serving a year in the military, at the age of 17, Martinez resumed his musical career as a member of mambo originator Joe Loco's trio. Within a few months, his playing attracted the attention of jazz musicians. In 1946, he began a long association with drummer Art Blakey. Martinez and Blakey continued to periodically work together until 1959. In addition to leading the rhythm section on Blakey's groundbreaking album Orgy in Rhythm in 1954, he was featured on the Jazz Messengers albums Cu-Bop and Messages in 1957.

Martinez continued to be a much-in-demand session player. In addition to playing traditional Latin music with the Lecuono Cuban Boys, he collaborated with Charlie Parker and Max Roach during a 13-week stint at the New York club the Three Deuces. In April, 1949, he performed with swing clarinetist Benny Goodman.

The high point of Martinez's career came in 1948 when he joined Dizzy Gillespie's band, following the murder of influential conga player Chano Pozo. During the nine months that he performed with the group, he played on five albums: Dizzy, Dizzier and Dizzier, 16 Rare Performances, When Be-Bop Met the Big Band, and Diz. In return, Gillespie nicknamed Martinez "Sabu" when he noticed a resemblance to popular Indian actor Sabu, the "Elephant Boy."

Despite his fame, Martinez struggled with heroin addiction. In the mid-'50s, he briefly left music to run a strip joint in Baltimore. Although he overcame his addiction in 1956, it took several years for him to become "psychologically free" from the grasp of the drug. Forming his own quintet, Martinez recorded three memorable albums: the Afro-Cuban masterpiece Palo Congo in 1957, and two, Safari and Sorcery, in 1958, that have been described as "the wildest exotica records ever."

In 1960, Martinez collaborated with Louie Ramirez to record the history-making Latin jazz album Jazz Espagnole. Four years later, he relocated temporarily to Puerto Rico, where he performed with several bands including the Johnny Conquet Orchestra and met his future wife, Agneta. In 1967, they were married and moved to Agneta's homeland in Sweden. Martinez remained there for the rest of his life.

Shortly after moving to Sweden, Martinez took a gig with Lill Lindfor's Musical Revue. This began a long involvement with Swedish musicians. In addition to sharing his knowledge of music and the conga as a teacher, he performed and recorded with such artists as Cornelius Vreeswick, Merit Hemmingson, Radiojazzgruppen, Björbobandet, the Eero Koisvistoinen Music Society, the Peter Herbolzheimer Rhythm Combination and Brass, Gugge Hedrenius' Big Band, and Ivan Oscarsson. While in Sweden, he occasionally collaborated with American musicians including Kenny Clarke, Art Farmer, and George Russell. In 1973, he formed his own band, New Burnt Sugar, and released a book of conga exercises. His final recording sessions came while working on Debbie Cameron and Richard Boone's album Brief Encounter in 1978. Martinez died on January 13, 1979, of a gastric ulcer.
https://www.allmusic.com/artist/sabu-martinez-mn0000277977

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Biografía de Craig Harris
Louis" Sabu " Martínez fue uno de los músicos de conga más prolíficos en la historia de la música afrocubana. Además de sus propios álbumes, Martínez grabó con músicos de jazz tan influyentes como Dizzy Gillespie, Horace Silver, Buddy DeFranco, J. J. Johnson, Louis Bellson, Art Farmer y Art Blakey, y vocalistas de jazz como Tony Bennett y Sammy Davis, Jr.Emigrando a Suecia en 1967, continuó aplicando sus ritmos altamente melódicos a una larga lista de grabaciones de artistas suecos de primer nivel.

Nacido en el Harlem español de Nueva York, Martínez pasó su infancia tocando ritmos en latas en la calle 111. A la edad de 11 años, actuaba cada tercera noche en la calle 125 por 25 centavos la noche. Todavía estaba en su adolescencia cuando comenzó a tocar con bandas latinas, incluidas las dirigidas por Marcelino Guerra y Catalino Rolón. En 1944, pasó un período prolongado viviendo en Puerto Rico.

Después de servir un año en el ejército, a la edad de 17 años, Martínez reanudó su carrera musical como miembro del trío del creador del mambo Joe Loco. En pocos meses, su forma de tocar atrajo la atención de los músicos de jazz. En 1946, comenzó una larga asociación con el baterista Art Blakey. Martínez y Blakey continuaron trabajando juntos periódicamente hasta 1959. Además de liderar la sección rítmica del innovador álbum Orgy in Rhythm de Blakey en 1954, apareció en los álbumes Cu-Bop y Messages de Jazz Messengers en 1957.

Martínez continuó siendo un jugador de sesión muy solicitado. Además de tocar música latina tradicional con los Lecuono Cuban Boys, colaboró con Charlie Parker y Max Roach durante un período de 13 semanas en el club The Three Deuces de Nueva York. En abril de 1949, actuó con el clarinetista de swing Benny Goodman.

El punto culminante de la carrera de Martínez llegó en 1948 cuando se unió a la banda de Dizzy Gillespie, tras el asesinato del influyente conga Chano Pozo. Durante los nueve meses que actuó con el grupo, tocó en cinco álbumes: Dizzy, Dizzier y Dizzier, 16 Rare Performances, When Be-Bop Met the Big Band y Diz. A cambio, Gillespie apodó a Martínez "Sabu" cuando notó un parecido con el popular actor indio Sabu, el "Niño Elefante"."

A pesar de su fama, Martínez luchó contra la adicción a la heroína. A mediados de los 50, dejó brevemente la música para dirigir un local de striptease en Baltimore. Aunque superó su adicción en 1956, le tomó varios años liberarse "psicológicamente" del alcance de la droga. Formando su propio quinteto, Martínez grabó tres álbumes memorables: la obra maestra afrocubana Palo Congo en 1957, y dos, Safari y Sorcery, en 1958, que han sido descritos como "los discos exóticos más salvajes de la historia."

En 1960, Martínez colaboró con Louie Ramírez para grabar el histórico álbum de jazz latino Jazz Espagnole. Cuatro años después, se mudó temporalmente a Puerto Rico, donde tocó con varias bandas, incluida la Orquesta Johnny Conquet, y conoció a su futura esposa, Agneta. En 1967, se casaron y se mudaron a la tierra natal de Agneta en Suecia. Martínez permaneció allí por el resto de su vida.

Poco después de mudarse a Suecia, Martínez tomó un concierto con la Revista Musical de Lill Lindfor. Esto inició una larga relación con músicos suecos. Además de compartir su conocimiento de la música y la conga como profesor, actuó y grabó con artistas como Cornelius Vreeswick, Merit Hemmingson, Radiojazzgruppen, Björbobandet, la Sociedad Musical Eero Koisvistoinen, Peter Herbolzheimer Rhythm Combination and Brass, Gugge Hedrenius' Big Band e Ivan Oscarsson. Mientras estuvo en Suecia, ocasionalmente colaboró con músicos estadounidenses, incluidos Kenny Clarke, Art Farmer y George Russell. En 1973, formó su propia banda, New Burnt Sugar, y lanzó un libro de ejercicios de conga. Sus últimas sesiones de grabación se produjeron mientras trabajaba en el álbum Brief Encounter de Debbie Cameron y Richard Boone en 1978. Martínez murió el 13 de enero de 1979 de una úlcera gástrica.
https://www.allmusic.com/artist/sabu-martinez-mn0000277977

Art Farmer • A Sleeping Bee

 

Review by Ken Dryden
This Sonet LP finds Art Farmer with an atypical supporting group that includes fellow veteran Red Mitchell on bass, Latin percussionist Sabú Martínez, and several Europeans, among them guitarist Jan Schaffer and pianist Goran Strandberg. The opener, an easygoing take of "It Might As Well Be Spring," finds Farmer finally opening up in the closing chorus. Farmer's rich-toned flugelhorn interacts beautifully with Mitchell's imaginative bassline in the swinging take of "Come Rain or Come Shine," while the brisk bossa nova "Green Witch" is one of the more challenging charts on the date, with Farmer switching to trumpet. "A Sleeping Bee" is often played at fast tempos, but the hip-swaying, relaxed arrangement better showcases lyrical solos by the leader and Mitchell. This excellent record is long overdue to be reissued on CD.
https://www.allmusic.com/album/a-sleeping-bee-mw0001012552

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Reseña de Ken Dryden
Este LP de Sonet encuentra a Art Farmer con un atípico grupo de apoyo que incluye al veterano Red Mitchell al bajo, al percusionista latino Sabú Martínez y a varios europeos, entre ellos el guitarrista Jan Schaffer y el pianista Goran Strandberg. El primer tema, una versión desenfadada de "It Might As Well Be Spring", muestra a Farmer abriéndose por fin en el estribillo final. El rico fliscorno de Farmer interactúa maravillosamente con la imaginativa línea de bajo de Mitchell en la movida toma de "Come Rain or Come Shine", mientras que la enérgica bossa nova "Green Witch" es uno de los temas más desafiantes de la fecha, con Farmer cambiando a la trompeta. "A Sleeping Bee" se suele tocar a tempos rápidos, pero el arreglo relajado y con balanceo de caderas muestra mejor los solos líricos del líder y de Mitchell. Hace tiempo que debería haberse reeditado en CD este excelente disco.
https://www.allmusic.com/album/a-sleeping-bee-mw0001012552

 

Art Blakey • Holiday for Skins

 

Biography by Chris Kelsey
In the '60s, when John Coltrane and Ornette Coleman were defining the concept of a jazz avant-garde, few knowledgeable observers would have guessed that in another 30 years the music's mainstream would virtually bypass their innovations, in favor of the hard bop style that free jazz had apparently supplanted. As it turned out, many listeners who had come to love jazz as a sophisticated manifestation of popular music were unable to accept the extreme esotericism of the avant-garde; their tastes were rooted in the core elements of "swing" and "blues," characteristics found in abundance in the music of the Jazz Messengers, the quintessential hard bop ensemble led by drummer Art Blakey. In the '60s, '70s, and '80s, when artists on the cutting edge were attempting to transform the music, Blakey continued to play in more or less the same bag he had since the '40s, when his cohorts included the likes of Charlie Parker, Miles Davis, and Fats Navarro. By the '80s, the evolving mainstream consensus had reached a point of overwhelming approval in regard to hard bop: this is what jazz is, and Art Blakey -- as its longest-lived and most eloquent exponent -- was its master.

The Jazz Messengers had always been an incubator for young talent. A list of the band's alumni is a who's who of straight-ahead jazz from the '50s on -- Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett, and Chuck Mangione, to name several of the most well-known. In the '80s, precocious graduates of Blakey's School for Swing would continue to number among jazz's movers and shakers, foremost among them being trumpeter Wynton Marsalis. Marsalis became the most visible symbol of the '80s jazz mainstream; through him, Blakey's conservative ideals came to dominate the public's perception of the music. At the time of his death in 1990, the Messenger aesthetic dominated jazz, and Blakey himself had arguably become the most influential jazz musician of the past 20 years.

Blakey's first musical education came in the form of piano lessons; he was playing professionally as a seventh grader, leading his own commercial band. He switched to drums shortly thereafter, learning to play in the hard-swinging style of Chick Webb and Sid Catlett. In 1942, he played with pianist Mary Lou Williams in New York. He toured the South with Fletcher Henderson's band in 1943-1944. From there, he briefly led a Boston-based big band before joining Billy Eckstine's new group, with which he would remain from 1944-1947. Eckstine's big band was the famous "cradle of modern jazz," and included (at different times) such major figures of the forthcoming bebop revolution as Dizzy Gillespie, Miles Davis, and Charlie Parker. When Eckstine's group disbanded, Blakey started a rehearsal ensemble called the Seventeen Messengers. He also recorded with an octet, the first of his bands to be called the Jazz Messengers. In the early '50s, Blakey began an association with Horace Silver, a particularly likeminded pianist with whom he recorded several times. In 1955, they formed a group with Hank Mobley and Kenny Dorham, calling themselves "Horace Silver and the Jazz Messengers." The Messengers typified the growing hard bop movement -- hard, funky, and bluesy, the band emphasized the music's primal rhythmic and harmonic essence. A year later, Silver left the band, and Blakey became its leader. From that point, the Messengers were Blakey's primary vehicle, though he would continue to freelance in various contexts. Notable was A Jazz Message, a 1963 Impulse record date with McCoy Tyner, Sonny Stitt, and Art Davis; a 1971-1972 world tour with "the Giants of Jazz," an all-star venture with Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, and Al McKibbon; and an epochal drum battle with Max Roach, Elvin Jones, and Buddy Rich at the 1964 Newport Jazz Festival. Blakey also frequently recorded as a sideman under the leadership of ex-Messengers.

Blakey's influence as a bandleader could not have been nearly so great had he not been such a skilled instrumentalist. No drummer ever drove a band harder; none could generate more sheer momentum in the course of a tune; and probably no drummer had a lower boiling point -- Blakey started every performance full-bore and went from there. His accompaniment style was relentless, and woe to the young saxophonist who couldn't keep up, for Blakey would run him over like a fullback. Blakey differed from other bop drummers in that his style was almost wholly about the music's physical attributes. Where his contemporary Max Roach dealt extensively with the drummer's relationship to melody and timbre, for example, Blakey showed little interest in such matters. To him, jazz percussion wasn't about tone color; it was about rhythm -- first, last, and in between. Blakey's drum set was the engine that propelled the music. To the extent that he exhibited little conceptual development over the course of his long career, either as a player or as a bandleader, Blakey was limited. He was no visionary by any means. But Blakey did one thing exceedingly well, and he did it with genius, spirit, and generosity until the very end of his life.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

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Biografía de Chris Kelsey
En los años 60, cuando John Coltrane y Ornette Coleman estaban definiendo el concepto de vanguardia del jazz, pocos observadores conocedores habrían adivinado que en otros 30 años la corriente principal de la música pasaría virtualmente por alto sus innovaciones, a favor del estilo hard bop que el free jazz aparentemente había suplantado. Al final resultó que, muchos oyentes que habían llegado a amar el jazz como una manifestación sofisticada de la música popular no pudieron aceptar el esoterismo extremo de la vanguardia; sus gustos estaban arraigados en los elementos centrales del "swing" y el "blues", características que se encuentran en abundancia en la música de Jazz Messengers, el conjunto hard bop por excelencia dirigido por el baterista Art Blakey. En los años 60, 70 y 80, cuando artistas de vanguardia intentaban transformar la música, Blakey continuó tocando más o menos en la misma bolsa que tenía desde los años 40, cuando sus cohortes incluían a Charlie Parker, Miles Davis y Fats Navarro. Para los años 80, el consenso general en evolución había alcanzado un punto de aprobación abrumadora con respecto al hard bop: esto es lo que es el jazz, y Art Blakey, como su exponente más longevo y elocuente, era su maestro.

Los Jazz Messengers siempre habían sido una incubadora de jóvenes talentos. Una lista de los alumnos de la banda es quién es quién del jazz directo de los años 50 en adelante: Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett y Chuck Mangione, por nombrar a varios de los más conocidos. En los años 80, los graduados precoces de la Escuela de Swing de Blakey continuarían siendo uno de los impulsores y agitadores del jazz, siendo el más destacado el trompetista Wynton Marsalis. Marsalis se convirtió en el símbolo más visible de la corriente principal del jazz de los 80; a través de él, los ideales conservadores de Blakey llegaron a dominar la percepción pública de la música. En el momento de su muerte en 1990, la estética Messenger dominaba el jazz, y podría decirse que el propio Blakey se había convertido en el músico de jazz más influyente de los últimos 20 años.

La primera educación musical de Blakey llegó en forma de lecciones de piano; tocaba profesionalmente en séptimo grado, liderando su propia banda comercial. Cambió a la batería poco después, aprendiendo a tocar con el estilo duro de Chick Webb y Sid Catlett. En 1942, tocó con la pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Realizó una gira por el Sur con la banda de Fletcher Henderson en 1943-1944. A partir de ahí, dirigió brevemente una big band con sede en Boston antes de unirse al nuevo grupo de Billy Eckstine, con el que permanecería de 1944 a 1947. La big band de Eckstine fue la famosa "cuna del jazz moderno" e incluyó (en diferentes momentos) a figuras tan importantes de la próxima revolución del bebop como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker. Cuando el grupo de Eckstine se disolvió, Blakey inició un conjunto de ensayo llamado Seventeen Messengers. También grabó con un octeto, la primera de sus bandas en llamarse Jazz Messengers. A principios de los 50, Blakey inició una asociación con Horace Silver, un pianista particularmente afín con quien grabó varias veces. En 1955, formaron un grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamándose a sí mismos "Horace Silver and the Jazz Messengers"."The Messengers tipificaron el creciente movimiento hard bop hard duro, funky y blues, la banda enfatizó la esencia rítmica y armónica primordial de la música. Un año después, Silver dejó la banda y Blakey se convirtió en su líder. A partir de ese momento, los Mensajeros fueron el vehículo principal de Blakey, aunque continuaría trabajando como autónomo en varios contextos. Notable fue A Jazz Message, una cita discográfica Impulse de 1963 con McCoy Tyner, Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial de 1971-1972 con "the Giants of Jazz", una aventura estelar con Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt y Al McKibbon; y una batalla de tambores de época con Max Roach, Elvin Jones y Buddy Rich en el Festival de Jazz de Newport de 1964. Blakey también grabó con frecuencia como acompañante bajo el liderazgo de ex Mensajeros.

La influencia de Blakey como líder de banda no podría haber sido tan grande si no hubiera sido un instrumentista tan hábil. Ningún baterista jamás impulsó a una banda más fuerte; ninguno pudo generar un impulso más absoluto en el transcurso de una melodía; y probablemente ningún baterista tuvo un punto de ebullición más bajo Bl Blakey comenzó cada actuación a fondo y partió de allí. Su estilo de acompañamiento era implacable, y ay del joven saxofonista que no podía seguir el ritmo, porque Blakey lo atropellaría como un fullback. Blakey se diferenciaba de otros bateristas de bop en que su estilo trataba casi por completo de los atributos físicos de la música. Mientras que su contemporáneo Max Roach trató extensamente la relación del baterista con la melodía y el timbre, por ejemplo, Blakey mostró poco interés en tales asuntos. Para él, la percusión de jazz no se trataba del color del tono; se trataba del ritmo, primero, último y intermedio. La batería de Blakey fue el motor que impulsó la música. En la medida en que exhibió poco desarrollo conceptual a lo largo de su larga carrera, ya sea como músico o como líder de banda, Blakey fue limitado. Él no era un visionario de ninguna manera. Pero Blakey hizo una cosa extremadamente bien, y lo hizo con genio, espíritu y generosidad hasta el final de su vida.
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