Don Patterson & Sonny Stitt • Legends of Acid Jazz

 

Review
by Richie Unterberger
Two-fer CD reissue combines two 1968 sessions, both featuring Stitt and Patterson, that were recorded on consecutive days (September 23-24, 1968), although one was issued under Patterson's name and the other under Stitt's. The first six songs were issued as the Patterson LP Funk You!, on which Patterson leads a date that also has Sonny Stitt and Charles McPherson on saxes and Pat Martino on guitar. The other players get about as much space as Patterson, and as 1960s jazz with organ goes, this is pretty straight-ahead and boppish, rather than soul-jazz (as so much organ jazz from that decade was). For the bop factor, listen especially to the cover of Sonny Rollins' "Airegin," on which Martino in particular shines. Patterson does get in a more soulful mood on his composition "Little Angie," which has an elegiac mood somewhat similar to occasional slow instrumentals cut by Booker T. & the MG's during that period. The other eight songs were issued as the Stitt LP Soul Electricity!, an album that got its name because, for this session, Stitt plugged his alto and tenor saxophones into a Varitone attachment. What came out, though, was not fusion by any means, but a pretty straight-ahead session that found Stitt his usual competent self. The program is actually on the conservative side, leaning toward standards. Stitt's quartet is rounded out by Don Patterson on organ, Billy Butler on guitar, and Billy James on drums. This isn't the most logical package -- Stitt's half is more straight-ahead in flavor and, more importantly, neither album fits too well into the soul-jazz or acid jazz category -- but for fans of either artist, the material is worth hearing.

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Reseña
por Richie Unterberger
La reedición en CD de dos discos combina dos sesiones de 1968, ambas con Stitt y Patterson, que se grabaron en días consecutivos (23 y 24 de septiembre de 1968), aunque una se publicó con el nombre de Patterson y la otra con el de Stitt. Las primeras seis canciones se publicaron como el LP de Patterson Funk You!, en el que Patterson lidera una cita que también cuenta con Sonny Stitt y Charles McPherson en los saxos y Pat Martino en la guitarra. Los otros músicos tienen tanto espacio como Patterson, y en lo que respecta al jazz de los años 60 con órgano, esto es bastante directo y boppish, en lugar de soul-jazz (como lo fue tanto el jazz con órgano de esa década). Para el factor bop, escuchen especialmente la versión de "Airegin" de Sonny Rollins, en la que Martino brilla especialmente. Patterson se pone en un estado de ánimo más conmovedor en su composición "Little Angie", que tiene un estado de ánimo elegíaco algo similar a los instrumentales lentos ocasionales cortados por Booker T. & the MG's durante ese período. Las otras ocho canciones se publicaron en el LP de Stitt Soul Electricity!, un álbum que recibió su nombre porque, para esta sesión, Stitt conectó sus saxos alto y tenor a un accesorio Varitone. Lo que resultó, sin embargo, no fue fusión ni mucho menos, sino una sesión bastante directa en la que Stitt se mostró como siempre competente. El programa es realmente conservador y se inclina hacia los estándares. El cuarteto de Stitt se completa con Don Patterson al órgano, Billy Butler a la guitarra y Billy James a la batería. No es el paquete más lógico -la mitad de Stitt tiene un sabor más directo y, lo que es más importante, ninguno de los dos álbumes encaja demasiado bien en la categoría de soul-jazz o acid jazz-, pero para los fans de cualquiera de los dos artistas, el material merece ser escuchado.

Billy Butler • This is Billy Butler

 

Biography by Ron Wynn

A tasty soul-jazz and blues guitarist, Billy Butler adroitly mixed a Charlie Christian approach with '50s R&B grooves and backbeats. He coaxed a warm, fat tone from his hollow-bodied electric guitar, and provided deceptively simple solos and fills that became staples of the R&B guitar vocabulary. Bill Doggett's "Honky Tonk," featuring Butler, is perhaps the prototype R&B guitar instrumental. "Ram-Bunk-Shush" and "Big Boy" are other highlights of his tenure with Doggett. He began playing with doo wop/R&B group the Harlemaires in the late '40s, then led combos until 1952, when he joined Doc Bagby's trio. Butler co-wrote "Honky Tonk" while playing with Doggett from 1954 to 1961. He also recorded with King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith, and David "Fathead" Newman in the '60s. Butler worked in Broadway pit bands beginning in the late '60s, but found time for recording sessions with Houston Person and Norris Turney in the late '60s and '70s. He led his own band and recorded for Prestige in the late '60s and early '70s. Butler also recorded with Al Casey and Jackie Williams. He toured Europe frequently in the '70s and '80s, doing sessions there and in America.
https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

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Biografía de Ron Wynn

Un sabroso guitarrista de soul-jazz y blues, Billy Butler mezcló hábilmente un enfoque de Charlie Christian con ritmos de R&B de los años 50. Consiguió un tono cálido y gordo de su guitarra eléctrica de cuerpo hueco, y proporcionó solos y rellenos engañosamente simples que se convirtieron en elementos básicos del vocabulario de la guitarra R&B. "Honky Tonk" de Bill Doggett, con Butler, es quizás el prototipo de instrumento de guitarra R&B. "Ram-Bunk-Shush" y "Big Boy" son otros aspectos destacados de su trabajo con Doggett. Empezó a tocar con el grupo de doo wop/R&B los Harlemaires a finales de los 40, luego dirigió combos hasta 1952, cuando se unió al trío de Doc Bagby. Butler co-escribió "Honky Tonk" mientras tocaba con Doggett de 1954 a 1961. También grabó con King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith y David "Fathead" Newman en los años 60. Butler trabajó en las bandas de Broadway a finales de los 60, pero encontró tiempo para grabar sesiones con Houston Person y Norris Turney a finales de los 60 y 70. Dirigió su propia banda y grabó para Prestige a finales de los 60 y principios de los 70. Butler también grabó con Al Casey y Jackie Williams. Hizo frecuentes giras por Europa en los 70 y 80, haciendo sesiones allí y en América.
https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

Billy Butler • Guitar Soul!

 

Biography by Ron Wynn

A tasty soul-jazz and blues guitarist, Billy Butler adroitly mixed a Charlie Christian approach with '50s R&B grooves and backbeats. He coaxed a warm, fat tone from his hollow-bodied electric guitar, and provided deceptively simple solos and fills that became staples of the R&B guitar vocabulary. Bill Doggett's "Honky Tonk," featuring Butler, is perhaps the prototype R&B guitar instrumental. "Ram-Bunk-Shush" and "Big Boy" are other highlights of his tenure with Doggett. He began playing with doo wop/R&B group the Harlemaires in the late '40s, then led combos until 1952, when he joined Doc Bagby's trio. Butler co-wrote "Honky Tonk" while playing with Doggett from 1954 to 1961. He also recorded with King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith, and David "Fathead" Newman in the '60s. Butler worked in Broadway pit bands beginning in the late '60s, but found time for recording sessions with Houston Person and Norris Turney in the late '60s and '70s. He led his own band and recorded for Prestige in the late '60s and early '70s. Butler also recorded with Al Casey and Jackie Williams. He toured Europe frequently in the '70s and '80s, doing sessions there and in America.
https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

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Biografía de Ron Wynn

Un sabroso guitarrista de soul-jazz y blues, Billy Butler mezcló hábilmente un enfoque de Charlie Christian con ritmos de R&B de los años 50. Consiguió un tono cálido y gordo de su guitarra eléctrica de cuerpo hueco, y proporcionó solos y rellenos engañosamente simples que se convirtieron en elementos básicos del vocabulario de la guitarra R&B. "Honky Tonk" de Bill Doggett, con Butler, es quizás el prototipo de instrumento de guitarra R&B. "Ram-Bunk-Shush" y "Big Boy" son otros aspectos destacados de su trabajo con Doggett. Empezó a tocar con el grupo de doo wop/R&B los Harlemaires a finales de los 40, luego dirigió combos hasta 1952, cuando se unió al trío de Doc Bagby. Butler co-escribió "Honky Tonk" mientras tocaba con Doggett de 1954 a 1961. También grabó con King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith y David "Fathead" Newman en los años 60. Butler trabajó en las bandas de Broadway a finales de los 60, pero encontró tiempo para grabar sesiones con Houston Person y Norris Turney a finales de los 60 y 70. Dirigió su propia banda y grabó para Prestige a finales de los 60 y principios de los 70. Butler también grabó con Al Casey y Jackie Williams. Hizo frecuentes giras por Europa en los 70 y 80, haciendo sesiones allí y en América.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

Eddie Kirkland • Man of Stone

 

Review from eCoustics (by Glen Strauss):
Craft Recordings' Bluesville series continues to make the case that blues deserves the same serious reissue treatment usually reserved for jazz titles. Originally released in 1962 on Bluesville, Kirkland's album returned on June 12, 2026 with AAA remastering from the original analog tapes by Matthew Lutthans at The Mastering Lab, 180 gram vinyl pressed at Quality Record Pressings, a tip on jacket, obi strip, and new notes by Scott Billington.

It's the Blues Man! arrived in 1962 on Tru-Sound, the short-lived Prestige imprint, and it sounds like a record made by someone who had already put in the miles. Rudy Van Gelder engineered the session, and the presence of King Curtis and his band gives the album its shape: tight, swinging, and grounded in R&B without losing its blues center. There is no museum dust here, and thankfully no attempt to make Kirkland sound more respectable than necessary. The album moves with real range. "Train Done Gone" has forward motion, "Man of Stone" digs into a tougher groove, and its later appearance in John Mayall's world says something about how far Kirkland's writing carried. The slower material, including "I'm Gonna Forget You" and "Have Mercy on Me," shows that Kirkland did not need volume or stage theatrics to make the songs land.

Eddie Kirkland was not shaped by classrooms, critics, or anyone's tidy blues origin story. His own account placed his birth in Jamaica in 1923, though the details around his early life have never been perfectly clean, which somehow feels appropriate for a musician who spent most of his career moving. Raised in Alabama, Kirkland learned by doing: church music, street corners, road bands, long nights, bad rooms, better rooms, and whatever passed for opportunity when nobody was handing out invitations. Detroit became one of the important stops. That is where Kirkland spent years working with John Lee Hooker, which was less a job than a nightly lesson in feel, instinct, and how to survive behind a performer who did not always treat rhythm like a posted speed limit. Kirkland absorbed that looseness without becoming a copy. He had his own thing: lean, sharp, direct, and a little rough around the edges in the best possible way.
https://www.ecoustics.com/reviews/eddie-kirkland-blues-man/

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Resena de eCoustics (por Glen Strauss):
La serie Bluesville de Craft Recordings sigue demostrando que el blues merece el mismo tratamiento serio de reedicion usualmente reservado para titulos de jazz. Originalmente publicado en 1962 en Bluesville, el album de Kirkland regreso el 12 de junio de 2026 con remasterizacion AAA de las cintas analogicas originales por Matthew Lutthans en The Mastering Lab, vinil de 180 gramos prensado en Quality Record Pressings, cubierta tip on, obi strip y nuevas notas de Scott Billington.

It's the Blues Man! llego en 1962 a Tru-Sound, el efimero sello de Prestige, y suena como un disco grabado por alguien que ya habia recorrido muchos kilometros. Rudy Van Gelder ingeniero la sesion, y la presencia de King Curtis y su banda le da forma al album: ajustado, swingueante, y arraigado en el R&B sin perder su centro blues. No hay polvo de museo aqui, ni intento de hacer que Kirkland suene mas respetable de lo necesario. El album se mueve con un rango real. "Train Done Gone" tiene movimiento hacia adelante, "Man of Stone" se hunde en un groove mas duro, y su posterior aparicion en el mundo de John Mayall dice algo sobre hasta donde llego la escritura de Kirkland. El material mas lento, incluyendo "I'm Gonna Forget You" y "Have Mercy on Me", muestra que Kirkland no necesitaba volumen ni teatralidad escénica para que las canciones calaran.

Eddie Kirkland no fue moldeado por aulas, criticos ni la historia de origen del blues que a nadie le queda perfecta. Su propio relato situa su nacimiento en Jamaica en 1923, aunque los detalles de su vida temprana nunca han sido perfectamente claros, lo que de alguna manera resulta apropiado para un musico que paso la mayor parte de su carrera moviéndose. Criado en Alabama, Kirkland aprendio haciendo: musica de iglesia, esquinas de calles, bandas de carretera, largas noches, malos locales, mejores locales, y lo que fuera que pasara por oportunidad cuando nadie repartia invitaciones. Detroit fue una de las paradas importantes. Alli fue donde Kirkland paso anos trabajando con John Lee Hooker, lo que era menos un trabajo que una leccion nocturna de feeling, instinto y como sobrevivir detras de un interprete que no siempre trataba el ritmo como un limite de velocidad publicado. Kirkland absorbe esa soltura sin convertirse en una copia. Tenia su propia cosa: delgada, afilada, directa y un poco aspera en los bordes de la mejor manera posible.
https://www.ecoustics.com/reviews/eddie-kirkland-blues-man/

Houston Person • Legends of Acid Jazz

 

Review by Chris Slawecki  
Houston Person was among the guttiest of the gutbucket saxophonists of the soul-jazz golden age -- for proof, look no further than Legends of Acid Jazz: Houston Person, which compiles two of the saxman's most popular releases, Person to Person! and Houston Express (both originally released in 1970). Express featured the "funkmaster general" of the tenor saxophone with a tight, pocket-sized ensemble (including guitarist Grant Green and drummer Idris Muhammad), while, on Person!, his supporting ensemble expanded to include trumpet players Cecil Bridgewater and Thad Jones, guitarist Billy Butler and another kindred spirit and prince of funk on his instrument, Motown bassist Gerry Jemmott.

Legends of Acid Jazz: Houston Person provides a high-voltage cover version extravaganza, including "(For God's Sake) Give More Power to the People" (the Chi-Lites), "Close to You" (the Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (the Temptations), and "Lift Every Voice and Sing," which Person describes in his liner notes as the "black national anthem." Person and friends turn every one of these, and others such as his own "Up at Joe's, Down at Jim's" and his trademark "The Houston Express" into stinging, swinging, original-sounding opuses of funk.
https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833

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Reseña de Chris Slawecki  
Houston Person fue uno de los saxofonistas más agresivos de la época dorada del soul-jazz. Para comprobarlo, no hay más que ver Legends of Acid Jazz: Houston Person, que recopila dos de los lanzamientos más populares del saxofonista, Person to Person! y Houston Express (ambos publicados originalmente en 1970). Express presentaba al "funkmaster general" del saxofón tenor con un conjunto ajustado y de bolsillo (que incluía al guitarrista Grant Green y al batería Idris Muhammad), mientras que, en Person!, su conjunto de apoyo se ampliaba para incluir a los trompetistas Cecil Bridgewater y Thad Jones, al guitarrista Billy Butler y a otro espíritu afín y príncipe del funk en su instrumento, el bajista de la Motown Gerry Jemmott.

Leyendas del Acid Jazz: Houston Person ofrece una extravagancia de versiones de alto voltaje, incluyendo "(For God's Sake) Give More Power to the People" (los Chi-Lites), "Close to You" (los Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (los Temptations), y "Lift Every Voice and Sing", que Person describe en sus notas como el "himno nacional negro". "Person y sus amigos convierten cada una de estas canciones, y otras como la suya propia "Up at Joe's, Down at Jim's" y su característica "The Houston Express", en punzantes y originales opus de funk.
https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833

 

Shirley Scott • Something

 

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

https://en.wikipedia.org/wiki/Shirley_Scott

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

https://en.wikipedia.org/wiki/Shirley_Scott

Charles Brown • One More For The Road

 

Review by Bill Dahl

One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after suffering the slings and arrows of anonymity for much too long. Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases through a very attractive program.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

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Reseña de Bill Dahl

Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se alivia a través de un programa muy atractivo.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

Bill Doggett Combo • 3,046 People Danced 'Til 4 AM To Bill Doggett And His Combo

 

 

Biography
With his instrumental hit "Honky Tonk" in February 1956, Bill Doggett (born William Ballard Doggett) created one of rock's greatest instrumental tracks. Although it generated scores of offers to perform in rock & roll clubs throughout the United States, Doggett remained tied to the jazz and organ-based R&B that he had performed since the 1930s. Continuing to record for the Cincinnati-based King label until 1960, he went on to record for Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount and Sue. His last session came as a member and producer of an all-star jazz/R&B group, Bluesiana Hurricane in 1995. Born on the north side of Philadelphia, Doggett struggled with poverty as a youngster. Although he initially dreamed of playing the trumpet, his family was unable to afford lessons. Persuaded by his mother (a church pianist), to try keyboards instead, he quickly mastered the instrument. Hailed as a child prodigy by his 13th birthday, he formed his first band, the Five Majors, at the age of 15. Performing with the Jimmy Gorman Band, the pit orchestra at the Nixon Grand Theater, while still in high school, Doggett assumed leadership of the group in 1938. The experience was brief, however, as Doggett sold the orchestra to Lucky Millinder, with whom he continued to work off and on for the next four years. He made his recording debut on Millinder's tracks, "Little Old Lady From Baltimore" and "All Aboard" in 1939. Although he formed a short-lived orchestra with Benny Goodman's arranger, Jimmy Mundy, in late 1939, Doggett continued to work primarily as a sideman. Playing piano and arranging for the Ink Spots from 1942 until 1944, he went on to arrange tunes for Count Basie's band and tour and/or record with Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald and Lionel Hampton. Replacing Wild Bill Davis in Louis Jordan's band, in 1947, he appeared on the influential tunes, "Saturday Night Fish Fry" and "Blue Light Boogie." He made his debut as an organist during June 1951 recording sessions with Ella Fitzgerald. Debuting his own organ-led combo at New York nightclub, the Baby Grand, in June 1952, Doggett recorded more than a dozen singles before striking gold with "Honky Tonk" four years later. A longtime resident of Long Island, New York, Doggett died on November 13, 1996, three days after suffering a heart attack. ~ Craig Harris

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Biografía
Con su éxito instrumental "Honky Tonk" en febrero de 1956, Bill Doggett (nacido William Ballard Doggett) creó uno de los temas instrumentales más grandes del rock. Aunque generó decenas de ofertas para tocar en clubes de rock & roll de todo Estados Unidos, Doggett permaneció vinculado al jazz y al R&B basado en el órgano que había tocado desde la década de 1930. Continuó grabando para el sello King, con sede en Cincinnati, hasta 1960, y luego para Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount y Sue. Su última sesión fue como miembro y productor de un grupo de jazz/R&B de estrellas, Bluesiana Hurricane en 1995. Nacido en el norte de Filadelfia, Doggett luchó contra la pobreza de joven. Aunque al principio soñaba con tocar la trompeta, su familia no podía permitirse clases. Persuadido por su madre (una pianista de la iglesia), para probar los teclados en su lugar, rápidamente dominó el instrumento. Aclamado como un niño prodigio cuando cumplió 13 años, formó su primera banda, los Five Majors, a la edad de 15 años. Actuando con la Jimmy Gorman Band, la orquesta del Nixon Grand Theater, Doggett asumió el liderazgo del grupo en 1938 cuando aún estaba en la escuela secundaria. La experiencia fue breve, sin embargo, ya que Doggett vendió la orquesta a Lucky Millinder, con quien continuó trabajando de vez en cuando durante los siguientes cuatro años. Hizo su debut discográfico en los temas de Millinder, "Little Old Lady From Baltimore" y "All Aboard" en 1939. Aunque a finales de 1939 formó una orquesta de corta duración con el arreglista de Benny Goodman, Jimmy Mundy, Doggett continuó trabajando principalmente como sideman. Tocando el piano y arreglando los Ink Spots desde 1942 hasta 1944, arregló temas para la banda de Count Basie y realizó giras y/o grabaciones con Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton. Reemplazando a Wild Bill Davis en la banda de Louis Jordan, en 1947, apareció en los influyentes temas "Saturday Night Fish Fry" y "Blue Light Boogie". Debutó como organista en junio de 1951 con Ella Fitzgerald. Debutando su propio combo dirigido por órgano en el club nocturno de Nueva York, el Baby Grand, en junio de 1952, Doggett grabó más de una docena de singles antes de conseguir el oro con "Honky Tonk" cuatro años más tarde. Residente de Long Island, Nueva York, Doggett murió el 13 de noviembre de 1996, tres días después de sufrir un ataque cardíaco. ~ Craig Harris

 

 

Bill Doggett ‎• The Doggett Beat For Happy Feet

Biography

With his instrumental hit "Honky Tonk" in February 1956, Bill Doggett (born William Ballard Doggett) created one of rock's greatest instrumental tracks. Although it generated scores of offers to perform in rock & roll clubs throughout the United States, Doggett remained tied to the jazz and organ-based R&B that he had performed since the 1930s. Continuing to record for the Cincinnati-based King label until 1960, he went on to record for Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount and Sue. His last session came as a member and producer of an all-star jazz/R&B group, Bluesiana Hurricane in 1995. Born on the north side of Philadelphia, Doggett struggled with poverty as a youngster. Although he initially dreamed of playing the trumpet, his family was unable to afford lessons. Persuaded by his mother (a church pianist), to try keyboards instead, he quickly mastered the instrument. Hailed as a child prodigy by his 13th birthday, he formed his first band, the Five Majors, at the age of 15. Performing with the Jimmy Gorman Band, the pit orchestra at the Nixon Grand Theater, while still in high school, Doggett assumed leadership of the group in 1938. The experience was brief, however, as Doggett sold the orchestra to Lucky Millinder, with whom he continued to work off and on for the next four years. He made his recording debut on Millinder's tracks, "Little Old Lady From Baltimore" and "All Aboard" in 1939. Although he formed a short-lived orchestra with Benny Goodman's arranger, Jimmy Mundy, in late 1939, Doggett continued to work primarily as a sideman. Playing piano and arranging for the Ink Spots from 1942 until 1944, he went on to arrange tunes for Count Basie's band and tour and/or record with Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald and Lionel Hampton. Replacing Wild Bill Davis in Louis Jordan's band, in 1947, he appeared on the influential tunes, "Saturday Night Fish Fry" and "Blue Light Boogie." He made his debut as an organist during June 1951 recording sessions with Ella Fitzgerald. Debuting his own organ-led combo at New York nightclub, the Baby Grand, in June 1952, Doggett recorded more than a dozen singles before striking gold with "Honky Tonk" four years later. A longtime resident of Long Island, New York, Doggett died on November 13, 1996, three days after suffering a heart attack. ~ Craig Harris

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Biografía

Con su éxito instrumental "Honky Tonk" en febrero de 1956, Bill Doggett (nacido William Ballard Doggett) creó uno de los temas instrumentales más grandes del rock. Aunque generó decenas de ofertas para tocar en clubes de rock & roll de todo Estados Unidos, Doggett permaneció vinculado al jazz y al R&B basado en el órgano que había tocado desde la década de 1930. Continuó grabando para el sello King, con sede en Cincinnati, hasta 1960, y luego para Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount y Sue. Su última sesión fue como miembro y productor de un grupo de jazz/R&B de estrellas, Bluesiana Hurricane en 1995. Nacido en el norte de Filadelfia, Doggett luchó contra la pobreza de joven. Aunque al principio soñaba con tocar la trompeta, su familia no podía permitirse clases. Persuadido por su madre (una pianista de la iglesia), para probar los teclados en su lugar, rápidamente dominó el instrumento. Aclamado como un niño prodigio cuando cumplió 13 años, formó su primera banda, los Five Majors, a la edad de 15 años. Actuando con la Jimmy Gorman Band, la orquesta del Nixon Grand Theater, Doggett asumió el liderazgo del grupo en 1938 cuando aún estaba en la escuela secundaria. La experiencia fue breve, sin embargo, ya que Doggett vendió la orquesta a Lucky Millinder, con quien continuó trabajando de vez en cuando durante los siguientes cuatro años. Hizo su debut discográfico en los temas de Millinder, "Little Old Lady From Baltimore" y "All Aboard" en 1939. Aunque a finales de 1939 formó una orquesta de corta duración con el arreglista de Benny Goodman, Jimmy Mundy, Doggett continuó trabajando principalmente como sideman. Tocando el piano y arreglando los Ink Spots desde 1942 hasta 1944, arregló temas para la banda de Count Basie y realizó giras y/o grabaciones con Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton. Reemplazando a Wild Bill Davis en la banda de Louis Jordan, en 1947, apareció en los influyentes temas "Saturday Night Fish Fry" y "Blue Light Boogie". Debutó como organista en junio de 1951 con Ella Fitzgerald. Debutando su propio combo dirigido por órgano en el club nocturno de Nueva York, el Baby Grand, en junio de 1952, Doggett grabó más de una docena de singles antes de conseguir el oro con "Honky Tonk" cuatro años más tarde. Residente de Long Island, Nueva York, Doggett murió el 13 de noviembre de 1996, tres días después de sufrir un ataque cardíaco. ~ Craig Harris

Yusef Lateef • The Doctor Is In ...And Out

 

Review by Thom Jurek
In 1976, Yusef Lateef's as restless a spiritual seeker as there ever was in the field of music, revisited some of his earliest themes in the context of modern sonic frameworks: The Eastern modal and melodic frameworks of his Prestige sides, such as Eastern Sounds, Cry!/Tender, and Other Sounds, brought to bear in much more sophisticated, complex, and grooved-out ways -- after all, it had been 20 years or more. The groove referred to is funk and soul. Funk itself was mutating at the time, so Lateef's interpolation at the crossroads of all ports in the musical journey was not only valid in 1976, but also necessary. For this recording, he utilized an absolutely huge group of musicians, bringing them in for this or that part, or a sound, or a particular vamp. Some of those present were Kenny Barron, Ron Carter, Dom Um Romao, Al Foster, Billy Butler, Anthony Jackson, a five-piece brass section, and a synth player. Lateef, as always, was offering evocative glimpses of geographical, psychological, spiritual, and emotional terrain in his compositions, but not in predictable ways. There's the deep minor-key meditation on blues and evolving thematic variations on "Hellbound" that becomes a Latin funk tune; the airy, contemplative, and skeletal "Mystique," which may use a repeating rhythmic phrase but explores every inch of its margins via a string section and Lateef's flute solo; the smooth, urban, bluesy funk of "Mississippi Mud"; the completely out electronic musique concrète of "Technological Homosapien" that becomes a series of synth squeals and an erratically tumbling bassline; and the wonderfully warped mariachi variation (sung in white-boy English) that featured the band playing bluesy hard bop over an age-old recorded track on "In a Little Spanish Town." It's a weird way to end a record, but then, it's a weird and wonderful record.
https://www.allmusic.com/album/the-doctor-is-in-out-mw0000228181

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Reseña de Thom Jurek
En 1976, Yusef Lateef, un buscador espiritual tan inquieto como siempre lo fue en el campo de la música, revisó algunos de sus primeros temas en el contexto de los marcos sonoros modernos: Los marcos modales y melódicos orientales de sus lados de prestigio, como Eastern Sounds, Cry!/ Tender, y Otros Sonidos, llevados a la práctica de maneras mucho más sofisticadas, complejas y estriadas after después de todo, habían pasado 20 años o más. El groove al que se hace referencia es funk y soul. El Funk mismo estaba mutando en ese momento, por lo que la interpolación de Lateef en la encrucijada de todos los puertos en el viaje musical no solo era válida en 1976, sino también necesaria. Para esta grabación, utilizó un grupo absolutamente enorme de músicos, trayéndolos para esta o aquella parte, o un sonido, o un vampiro en particular. Algunos de los presentes fueron Kenny Barron, Ron Carter, Dom Um Romao, Al Foster, Billy Butler, Anthony Jackson, una sección de metales de cinco piezas y un sintetizador. Lateef, como siempre, ofrecía vislumbres evocadores del terreno geográfico, psicológico, espiritual y emocional en sus composiciones, pero no de manera predecible. Está la profunda meditación en clave menor sobre el blues y las variaciones temáticas en evolución de "Hellbound" que se convierte en una melodía de funk latino; la "Mística" aireada, contemplativa y esquelética, que puede usar una frase rítmica repetitiva pero explora cada centímetro de sus márgenes a través de una sección de cuerdas y el solo de flauta de Lateef; el funk suave, urbano y; la musique concrète completamente electrónica de "Technological Homosapien" que se convierte en una serie de chirridos de sintetizador y una línea de bajo erráticamente tambaleante; y la variación de mariachi maravillosamente deformada (cantada en inglés de chico blanco) que presentaba a la banda tocando blues hard bop sobre una pista grabada en "In a Little Spanish Town"."Es una forma extraña de terminar un disco, pero luego, es un disco extraño y maravilloso.
https://www.allmusic.com/album/the-doctor-is-in-out-mw0000228181

yuseflateef.com ...

 

Bernard Purdie • Soul Drums

 Review by Jason Ankeny
Not so much an album as it is a master class in the art of funk percussion, Soul Drums is the quintessential Bernard "Pretty" Purdie LP, an unstoppable rhythm machine made all the more memorable by its fiercely idiosyncratic production. Paired with pianist/arranger Richard Tee, guitarists Eric Gale and Billy Butler, bassist Bob Bushnell, and tenorist Seldon Powell, Purdie creates a suite of deep funk grooves notable for the sheer insistence of their energy as well as the remarkable imagination and skill of their beats, all topped off with echo-chamber-like production that underscores the music's visceral punch. It is virtually impossible to listen to Soul Drums without nodding your head and tapping your foot -- and physical response, not thoughts or words, are its most sincere praise.

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 Reseña de Jason Ankeny
Más que un álbum, es una clase magistral en el arte de la percusión funk, Soul Drums es la quintaesencia del LP de Bernard "Pretty" Purdie, una máquina de ritmo imparable que se hace aún más memorable por su producción ferozmente idiosincrática. Junto con el pianista y arreglista Richard Tee, los guitarristas Eric Gale y Billy Butler, el bajista Bob Bushnell y el tenorista Seldon Powell, Purdie crea un conjunto de ritmos funk profundos que destacan por la insistencia de su energía, así como por la notable imaginación y habilidad de sus ritmos, todo ello rematado con una producción de tipo cámara de eco que subraya la pegada visceral de la música. Es prácticamente imposible escuchar Soul Drums sin asentir con la cabeza y dar golpecitos con el pie, y la respuesta física, no los pensamientos ni las palabras, es su elogio más sincero.

Billy Butler • Night Life

Biography by Ron Wynn

A tasty soul-jazz and blues guitarist, Billy Butler adroitly mixed a Charlie Christian approach with '50s R&B grooves and backbeats. He coaxed a warm, fat tone from his hollow-bodied electric guitar, and provided deceptively simple solos and fills that became staples of the R&B guitar vocabulary. Bill Doggett's "Honky Tonk," featuring Butler, is perhaps the prototype R&B guitar instrumental. "Ram-Bunk-Shush" and "Big Boy" are other highlights of his tenure with Doggett. He began playing with doo wop/R&B group the Harlemaires in the late '40s, then led combos until 1952, when he joined Doc Bagby's trio. Butler co-wrote "Honky Tonk" while playing with Doggett from 1954 to 1961. He also recorded with King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith, and David "Fathead" Newman in the '60s. Butler worked in Broadway pit bands beginning in the late '60s, but found time for recording sessions with Houston Person and Norris Turney in the late '60s and '70s. He led his own band and recorded for Prestige in the late '60s and early '70s. Butler also recorded with Al Casey and Jackie Williams. He toured Europe frequently in the '70s and '80s, doing sessions there and in America.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

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Biografía de Ron Wynn

Un sabroso guitarrista de soul-jazz y blues, Billy Butler mezcló hábilmente un enfoque de Charlie Christian con ritmos de R&B de los años 50. Consiguió un tono cálido y gordo de su guitarra eléctrica de cuerpo hueco, y proporcionó solos y rellenos engañosamente simples que se convirtieron en elementos básicos del vocabulario de la guitarra R&B. "Honky Tonk" de Bill Doggett, con Butler, es quizás el prototipo de instrumento de guitarra R&B. "Ram-Bunk-Shush" y "Big Boy" son otros aspectos destacados de su trabajo con Doggett. Empezó a tocar con el grupo de doo wop/R&B los Harlemaires a finales de los 40, luego dirigió combos hasta 1952, cuando se unió al trío de Doc Bagby. Butler co-escribió "Honky Tonk" mientras tocaba con Doggett de 1954 a 1961. También grabó con King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith y David "Fathead" Newman en los años 60. Butler trabajó en las bandas de Broadway a finales de los 60, pero encontró tiempo para grabar sesiones con Houston Person y Norris Turney a finales de los 60 y 70. Dirigió su propia banda y grabó para Prestige a finales de los 60 y principios de los 70. Butler también grabó con Al Casey y Jackie Williams. Hizo frecuentes giras por Europa en los 70 y 80, haciendo sesiones allí y en América.

https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography
 

 

 

Billy Butler • Legends of Acid Jazz

Review by Scott Yanow

A greatly in-demand studio player throughout his life, guitarist Billy Butler fortunately had opportunities to lead four albums for Prestige along with a couple of slightly later European records. Butler was a versatile musician who, on ballads in particular displayed a very interesting sound, sometimes sliding between notes as if he were playing a steel guitar. This 1998 CD reissues all of the music from Butler's first (This Is Billy Butler) and fourth (Night Life) Prestige records. Despite the generic title and a few grooving tracks, the music doesn't have much to do with acid jazz and is generally in the soul jazz vein. Butler performs some standards (including "Work Song," "Wave," "In a Mellow Tone" and a memorable rendition of "Cherry" along with some basic originals. His sidemen include either Houston Person or Jesse Powell on tenors, Ernie Hayes or Johnny "Hammond" Smith on keyboards (electric piano or organ), electric bassist Bob Bushnell, and Rudy Collins or Jimmy Johnson on drums. This is the definitive Billy Butler release and is highly recommended, particularly to listeners not familiar with his rather distinctive sound.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow

A lo largo de su vida, un jugador de estudio muy solicitado, el guitarrista Billy Butler afortunadamente tuvo la oportunidad de liderar cuatro álbumes para Prestige junto con un par de discos europeos un poco más tarde. Butler era un músico versátil que, en baladas en particular mostraba un sonido muy interesante, a veces deslizándose entre las notas como si estuviera tocando una guitarra de acero. Este CD de 1998 reedita toda la música de los primeros discos de Prestige de Butler (This Is Billy Butler) y de Night Life. A pesar del título genérico y unas pocas pistas, la música no tiene mucho que ver con el acid jazz y está generalmente en la vena del soul jazz. Butler interpreta algunos estándares (incluido "Work Song", "Wave", "In a Mellow Tone" y una versión memorable de "Cherry" junto con algunos originales básicos. Entre sus sidemen se incluyen Houston Person o Jesse Powell en tenors, Ernie Hayes o Johnny "Hammond" Smith en los teclados (piano u órgano eléctrico), el bajista eléctrico Bob Bushnell y Rudy Collins o Jimmy Johnson en la batería. Este es el lanzamiento definitivo de Billy Butler y es muy recomendable, especialmente para los oyentes que no están familiarizados con su sonido distintivo.

 

Jimmy Smith • Hoochie Coochie Man

 

 

Rahsaan Roland Kirk • Kirkatron

 

 

Review
by Scott Yanow
Shortly after Rahsaan Roland Kirk finished his first album for Warner Brothers, he suffered a major stroke that put him out of action and greatly shortened his life. His second LP for the label was actually comprised of leftovers from the earlier session plus three songs taken from an appearance at the Montreux Jazz Festival; the latter has been reissued on CD in a sampler but the other selections (which include "Serenade to a Cuckoo," his cover of "This Masquerade," "Sugar," "The Christmas Song" and "Bright Moments") remain out of print. This LP (which finds him mostly sticking to tenor), Kirk's next-to-last album, has enough highlights to make it worth searching for.
https://www.allmusic.com/album/kirkatron-mw0000869726

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Reseña
por Scott Yanow
Poco después de que Rahsaan Roland Kirk terminara su primer álbum para Warner Brothers, sufrió un grave derrame cerebral que le dejó fuera de combate y acortó considerablemente su vida. Su segundo LP para el sello se componía en realidad de restos de la sesión anterior más tres canciones tomadas de una aparición en el Festival de Jazz de Montreux; esta última ha sido reeditada en CD en un sampler, pero las otras selecciones (que incluyen "Serenade to a Cuckoo", su versión de "This Masquerade", "Sugar", "The Christmas Song" y "Bright Moments") siguen agotadas. Este LP, el penúltimo de Kirk (en el que casi siempre toca el tenor), tiene suficientes momentos destacados como para que merezca la pena buscarlo.
https://www.allmusic.com/album/kirkatron-mw0000869726

Eric Kloss • First Class!

 

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
First Class! collects two solid Eric Kloss albums from 1966 and 1967, the first titled Grits and Gravy, the latter First Class Kloss! Over the course of 16 pieces, however, saxophonist Kloss fronts three different groups: a quartet, quintet, and septet. While this never seems disjointed, it does occasionally feel like a best-of package, especially when the female vocal group joins in on pieces like "Slow Hot Wind." This is especially true on the first eight pieces from Grits and Gravy. Bizarre hodgepodges like the title track with its combination of background vocals, a large ensemble, and repetitive funky riffs remind one of a bad '60s movie soundtrack. These tracks are juxtaposed with incredibly edgy work by Kloss, pianist Jaki Byard, bassist Richard Davis, and drummer Alan Dawson. The intensity of "Softly, As in a Morning Sunrise" still sounds fresh 20 years after the fact, and the chemistry among the players is explosive. Luckily, the two bonus tracks, "When I Fall" and "Psychedelicatessen Rag," come from these sessions. Kloss is joined by trumpeter Jimmy Owens, pianist Cedar Walton, bassist Leroy Vinnegar, and drummer Dawson for the last half-dozen tracks, and the work here is uniformly excellent. "The Chasin' Game" and "African Cookbook" take advantage of the duel-horn lineup, and the quintet stretches both of these pieces out for seven minutes. While the overall effect of First Class! is a bit scattered, there's a great deal of excellent music on the disc that's sure to please the Kloss fan. https://www.allmusic.com/album/first-class%21-mw0000636649

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
First Class! recoge dos sólidos álbumes de Eric Kloss de 1966 y 1967, el primero titulado Grits and Gravy, el segundo First Class Kloss! A lo largo de 16 piezas, sin embargo, el saxofonista Kloss lidera tres grupos diferentes: un cuarteto, un quinteto y un septeto. Aunque nunca parece inconexo, a veces da la sensación de que se trata de lo mejor de lo mejor, especialmente cuando el grupo vocal femenino se une en piezas como «Slow Hot Wind». Esto es especialmente cierto en las ocho primeras piezas de Grits and Gravy. Hodgepodges extraños como la canción que da título al disco, con su combinación de voces de fondo, un gran conjunto y riffs funky repetitivos, recuerdan a la banda sonora de una mala película de los sesenta. Estos temas se yuxtaponen con el increíble trabajo de Kloss, el pianista Jaki Byard, el bajista Richard Davis y el batería Alan Dawson. La intensidad de «Softly, As in a Morning Sunrise» sigue sonando fresca 20 años después, y la química entre los músicos es explosiva. Por suerte, los dos temas extra, «When I Fall» y «Psychedelicatessen Rag», proceden de estas sesiones. A Kloss se le unen el trompetista Jimmy Owens, el pianista Cedar Walton, el bajista Leroy Vinnegar y el batería Dawson para la última media docena de temas, y el trabajo aquí es uniformemente excelente. «The Chasin' Game» y “African Cookbook” sacan partido de la formación de doble trompa, y el quinteto alarga ambas piezas durante siete minutos. Aunque el efecto general de First Class! es un poco disperso, hay una gran cantidad de música excelente en el disco que sin duda complacerá al fan de Kloss. https://www.allmusic.com/album/first-class%21-mw0000636649


 

Richard ''Groove'' Holmes • That Healin' Feelin'

Richard "Groove" Holmes (1931-1991) empezó su carrera profesional como pianista, pero tras escuchar tocar al gran organista, Jimmy Smith, adoptó el órgano Hammond como su instrumento. Fue descubierto para el jazz por el pianista de Soul, Les McCann.

En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.

En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.

Fuente: http://www.apoloybaco.com

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Automatic translation:

Richard "Groove" Holmes (1931-1991) began his professional career as a pianist, but after listening to the great organist, Jimmy Smith, he adopted the Hammond organ as his instrument. It was discovered for jazz by the pianist of Soul, Les McCann.

In 1961, he signed a long-term contract with the label "Pacific Jazz" and that same year recorded his first album titled "Groove" the nickname with which he would be known forever. The album was a great success and he was accompanied by guitarist George Freeman, Les MacCann himself on piano, Tricky Lofton on trombone, drums, Ron jefferson and on tenor sax, maestro Ben Webster.

In 1965, he achieved another great success with a new version of the song "Misty" a very famous melody composed by the pianist, Erroll Garner and that would serve to give title to his new album, this time for the label, "Prestige". Holmes had a good technique and especially in the format of the trio: organ-guitar-drums. It was easy to play with and his bandmates always praised his ability to let other instruments in. His "tempo" was perfect and his solos very original and creative.

Source: http://www.apoloybaco.com

Charles Brown • One More For The Road

 

Review by Bill Dahl

One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after suffering the slings and arrows of anonymity for much too long. Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases through a very attractive program.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

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Reseña de Bill Dahl

Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se alivia a través de un programa muy atractivo.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

Bill Doggett • Everybody Dance the Honky Tonk

William Ballard Doggett (February 16, 1916 – November 13, 1996) was an American jazz and rhythm and blues pianist and organist. Born in Philadelphia, Pennsylvania, his mother, a church pianist, introduced him to music when he was 9 years old. By the time he was 15, he had joined a Philadelphia area combo, playing local theaters and clubs while attending high school. He later sold his band to Lucky Millinder, and worked during the 1930s and early 1940s for both Millinder and arranger Jimmy Mundy. In 1942 he was hired as The Ink Spots' pianist and arranger. In 1949, he replaced Wild Bill Davis in Louis Jordan's Tympany Five. It was there that he first achieved success playing the Hammond organ and he is also reputed to have written one of Jordan's biggest hits, "Saturday Night Fish Fry", for which Jordan claimed the writing credit. In 1951, he organized his own trio and began recording for King Records. His best known recording is "Honky Tonk," a rhythm and blues hit of 1956 which sold four million copies, and which he co-wrote with Billy Butler. He won the Cash Box award for best rhythm and blues performer in 1957, 1958, and 1959. He also arranged for many bandleaders and performers, including Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, and Lionel Hampton. He continued to play and arrange until he died of a heart attack in New York City. As a jazz player Doggett started in swing music and later played soul jazz, a field in which rhythm and blues organists were highly sought after. His band included saxophonists Red Holloway, Clifford Scott, Percy France, David "Bubba" Brooks, Floyd "Candy" Johnson, guitarists Floyd Smith, Pete Mays, and singers Toni Williams and Betty Saint-Clair. With his instrumental hit "Honky Tonk" in February 1956, Bill Doggett (born William Ballard Doggett) created one of rock's greatest instrumental tracks. Although it generated scores of offers to perform in rock & roll clubs throughout the United States, Doggett remained tied to the jazz and organ-based R&B that he had performed since the 1930s. Continuing to record for the Cincinnati-based King label until 1960, he went on to record for Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount and Sue. His last session came as a member and producer of an all-star jazz/R&B group, Bluesiana Hurricane in 1995. With his instrumental hit “Honky Tonk” in February 1956, Bill Doggett (born William Ballard Doggett) created one of rock’s greatest instrumental tracks. Although it generated scores of offers to perform in rock & roll clubs throughout the United States, Doggett remained tied to the jazz and organ-based R&B that he had performed since the 1930s. Continuing to record for the Cincinnati-based King label until 1960, he went on to record for Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount and Sue. His last session came as a member and producer of an all-star jazz/R&B group, Bluesiana Hurricane in 1995. Born on the north side of Philadelphia, Doggett struggled with poverty as a youngster. Although he initially dreamed of playing the trumpet, his family was unable to afford lessons. Persuaded by his mother (a church pianist), to try keyboards instead, he quickly mastered the instrument. Hailed as a child prodigy by his 13th birthday, he formed his first band, the Five Majors, at the age of 15. Performing with the Jimmy Gorman Band, the pit orchestra at the Nixon Grand Theater, while still in high school, Doggett assumed leadership of the group in 1938. The experience was brief, however, as Doggett sold the orchestra to Lucky Millinder, with whom he continued to work off and on for the next four years. He made his recording debut on Millinder's tracks, "Little Old Lady From Baltimore" and "All Aboard" in 1939. Although he formed a short-lived orchestra with Benny Goodman's arranger, Jimmy Mundy, in late 1939, Doggett continued to work primarily as a sideman. Playing piano and arranging for the Ink Spots from 1942 until 1944, he went on to arrange tunes for Count Basie's band and tour and/or record with Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald and Lionel Hampton. Replacing Wild Bill Davis in Louis Jordan's band, in 1947, he appeared on the influential tunes, "Saturday Night Fish Fry" and "Blue Light Boogie." He made his debut as an organist during June 1951 recording sessions with Ella Fitzgerald. Debuting his own organ-led combo at New York nightclub, the Baby Grand, in June 1952, Doggett recorded more than a dozen singles before striking gold with "Honky Tonk" four years later. A longtime resident of Long Island, New York, Doggett died on November 13, 1996, three days after suffering a heart attack.

http://www.wefunkradio.com/song/954_ap/bill+doggett/honky+tonk

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Traducción Automática:

William Ballard Doggett (16 de febrero de 1916 - 13 de noviembre de 1996) fue un pianista y organista estadounidense de jazz, rhythm and blues. Nacido en Filadelfia, Pensilvania, su madre, una pianista de la iglesia, lo introdujo a la música cuando tenía 9 años. Cuando tenía 15 años, se había unido a un combo del área de Filadelfia, tocando en teatros y clubes locales mientras asistía a la escuela secundaria. Más tarde vendió su banda a Lucky Millinder, y trabajó durante la década de 1930 y principios de la década de 1940 tanto para Millinder como para el arreglista Jimmy Mundy. En 1942 fue contratado como pianista y arreglista de The Ink Spots. En 1949, reemplazó a Wild Bill Davis en Tympany Five de Louis Jordan. Fue allí donde logró el éxito al tocar el órgano de Hammond y también se dice que escribió uno de los mayores éxitos de Jordan, "Saturday Night Fish Fry", por el cual Jordan reclamó el crédito de la escritura. En 1951, organizó su propio trío y comenzó a grabar para King Records. Su grabación más conocida es "Honky Tonk", un éxito de rhythm and blues de 1956 que vendió cuatro millones de copias y que coescribió con Billy Butler. Ganó el premio Cash Box al mejor intérprete de blues y ritmo en 1957, 1958 y 1959. También organizó conciertos para varios directores de orquesta, entre ellos Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton. Continuó jugando y arreglando hasta que murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York. Como músico de jazz, Doggett comenzó en la música swing y luego tocó soul jazz, un campo en el que los organistas de blues y ritmo eran muy buscados. Su banda incluía a los saxofonistas Red Holloway, Clifford Scott, Percy France, David "Bubba" Brooks, Floyd "Candy" Johnson, los guitarristas Floyd Smith, Pete Mays y los cantantes Toni Williams y Betty Saint-Clair. Con su éxito instrumental "Honky Tonk" en febrero de 1956, Bill Doggett (William Ballard Doggett) nació una de las mejores pistas instrumentales del rock. Aunque generó decenas de ofertas para actuar en clubes de rock & roll en todo Estados Unidos, Doggett permaneció vinculado al R&B de jazz y órgano que había realizado desde la década de 1930. Continuando grabando para el sello King de Cincinnati hasta 1960, continuó grabando para Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount y Sue. Su última sesión fue como miembro y productor de un grupo de jazz / R & B de estrellas, Bluesiana Hurricane en 1995. Con su éxito instrumental "Honky Tonk" en febrero de 1956, Bill Doggett (nacido William Ballard Doggett) creó uno de los mejores instrumentos musicales del rock. pistas Aunque generó decenas de ofertas para actuar en clubes de rock & roll en todo Estados Unidos, Doggett permaneció vinculado al R&B de jazz y órgano que había realizado desde la década de 1930. Continuando grabando para el sello King de Cincinnati hasta 1960, continuó grabando para Warner Brothers, Columbia, ABC-Paramount y Sue. Su última sesión fue como miembro y productor de un grupo estelar de jazz / R & B, Bluesiana Hurricane en 1995. Nacida en el lado norte de Filadelfia, Doggett luchó con la pobreza cuando era joven. Aunque inicialmente soñaba con tocar la trompeta, su familia no podía pagar las lecciones. Persuadido por su madre (un pianista de la iglesia), de probar los teclados, rápidamente dominó el instrumento. Doggett asumió como un niño prodigio a los 13 años de edad, formó su primera banda, Five Majors, tocando con Jimmy Gorman Band, la orquesta de fosa del Nixon Grand Theatre. liderazgo del grupo en 1938. Sin embargo, la experiencia fue breve, ya que Doggett vendió la orquesta a Lucky Millinder, con quien continuó trabajando de manera intermitente durante los próximos cuatro años. Hizo su debut como grabador en las pistas de Millinder, "Little Old Lady From Baltimore" y "All Aboard" en 1939. Aunque formó una orquesta de corta duración con el arreglista de Benny Goodman, Jimmy Mundy, a fines de 1939, Doggett continuó trabajando principalmente como un sideman Tocando el piano y organizando los Ink Spots desde 1942 hasta 1944, organizó canciones para la banda y el concierto de Count Basie con Coleman Hawkins, Johnny Otis, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton. Reemplazando a Wild Bill Davis en la banda de Louis Jordan, en 1947, apareció en las melodías influyentes, "Saturday Night Fish Fry" y "Blue Light Boogie". Hizo su debut como organista durante las sesiones de grabación de junio de 1951 con Ella Fitzgerald. Con su propio combo liderado por un órgano en el club nocturno de Nueva York, el Baby Grand, en junio de 1952, Doggett grabó más de una docena de singles antes de encontrar el oro con "Honky Tonk" cuatro años después. Un residente de Long Island, Nueva York, Doggett murió el 13 de noviembre de 1996, tres días después de sufrir un ataque al corazón. 

http://www.wefunkradio.com/song/954_ap/bill+doggett/honky+tonk

 

Sonny Stitt • Goin' Down Slow

 

 

One of the most exceptional and widely recorded saxophonists, Edward "Sonny" Stitt led many sessions for Prestige, from the late 1940s until the early 1970s. So Doggone Good, made in September 1972 (seven months after Goin' Down Slow, with which it's paired here), was, in fact, his final Prestige LP. Stitt (1924-1982), whose razor-sharp, voluble attack marked him as a quintessential bopper, was deeply engaged in the blues. Seven of the 11 tunes (and four of the five herein that he composed) are blues of various shades, including this set's centerpiece, the mesmerizing, extended "Miss Ann, Lisa, Sue and Sadie," featuring the leader's octet augmented by a string quartet arranged by trumpeter Thad Jones. Backed by two top-flight rhythm sections, keyed by Hank Jones or Hampton Hawes, Stitt is consistently masterful, whether playing a show tune ballad ("Where Is Love?"), a bebop burner ("Speculation"), a then-current pop tune (Randy Newman's "Living Without You"), or one of the aforementioned strong blues statements.

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Edward "Sonny" Stitt, uno de los saxofonistas más excepcionales y más grabados, dirigió muchas sesiones para Prestige, desde finales de los años 40 hasta principios de los 70. So Doggone Good, realizado en septiembre de 1972 (siete meses después de Goin' Down Slow, con el que se empareja aquí), fue, de hecho, su último LP para Prestige. Stitt (1924-1982), cuyo ataque afilado y voluble lo marcó como un bopper por excelencia, estaba profundamente comprometido con el blues. Siete de las 11 melodías (y cuatro de las cinco aquí compuestas) son blues de varios matices, incluida la pieza central de este conjunto, la hipnotizante y extensa "Miss Ann, Lisa, Sue and Sadie", en la que aparece el octeto del líder aumentado por un cuarteto de cuerda con arreglos del trompetista Thad Jones. Respaldado por dos secciones rítmicas de primera categoría, con Hank Jones o Hampton Hawes, Stitt es siempre magistral, ya sea tocando una balada de espectáculo ("Where Is Love?"), un tema bebop ("Speculation"), un tema pop de actualidad (Living Without You de Randy Newman), o una de las mencionadas declaraciones de blues.

www.sonnystitt.com ...

Colaborador / Contributor:  peer57