Jimmy Smith • Prime Time

 

Phil Upchurch • Tell The Truth

 

Review
by Paula Edelstein
The world-renowned guitarist Phil Upchurch plays 13 great songs on Tell the Truth. This CD is a gem. Playing blues, soul, R&B, and jazz, Upchurch shows his remarkable versatility on such great songs as "Jive Samba," "La Costa," the title track, and "St. Louis Blues." He performs a flamenco version of "La Costa" with beauty and style, and flaunts his "stride guitar" technique on a solo rendition of "St. Louis Blues." His inimitably smooth and soulful phrasing shines on "Manhattan," and he doubles on harmonica on his original composition "She's Alright." However, the highlights of this great program are "Tell the Truth," a song Upchurch wrote with Ray Charles in mind, and his great arrangement of Dave Brubeck's "Take Five," which he plays much in the same way as he did on George Benson's smash hit "Breezin'." Joined by David Arnay on piano, Kevin Axt on bass, Vince Wilburn, Jr. on drums, and Mike Smith on percussion, this great CD comes 40 years after Upchurch's first recording as a leader, and it's priceless.
https://www.allmusic.com/album/tell-the-truth%21-mw0000588735

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Reseña
por Paula Edelstein
El mundialmente conocido guitarrista Phil Upchurch toca 13 grandes canciones en Tell the Truth. Este CD es una joya. Tocando blues, soul, R&B y jazz, Upchurch muestra su notable versatilidad en temas tan buenos como "Jive Samba", "La Costa", el tema que da título al disco y "St. Louis Blues". Louis. Interpreta una versión flamenca de "La Costa" con belleza y estilo, y hace alarde de su técnica de "stride guitar" en una interpretación en solitario de "St. Su fraseo inimitablemente suave y conmovedor brilla en "Manhattan", y dobla la armónica en su composición original "She's Alright". Sin embargo, lo más destacado de este gran programa es "Tell the Truth", una canción que Upchurch escribió pensando en Ray Charles, y su gran arreglo de "Take Five" de Dave Brubeck, que toca de forma muy parecida a como lo hizo en el gran éxito de George Benson "Breezin'". Acompañado por David Arnay al piano, Kevin Axt al bajo, Vince Wilburn, Jr. a la batería y Mike Smith a la percusión, este gran CD llega 40 años después de la primera grabación de Upchurch como líder, y no tiene precio.
https://www.allmusic.com/album/tell-the-truth%21-mw0000588735

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Phil Upchurch • You Can't Sit Down

 

Phil Upchurch (born 19 July 1941, Chicago, Illinois) is an American jazz and R&B guitarist and bassist.

Upchurch started his career working with the Kool Gents, the Dells, and the Spaniels before going on to work with Curtis Mayfield, Otis Rush and Jimmy Reed. He then returned to Chicago to play and record with Woody Herman, Stan Getz, Groove Holmes, B.B. King, and Dizzy Gillespie.

In 1961, his record "You Can't Sit Down", by the Philip Upchurch Combo, sold over one million copies, and was awarded a gold disc. In the 60s he toured with Oscar Brown, appearing on the 1965 live album, Mr. Oscar Brown, Jr. Goes to Washington. Returning from the Army in 1967, he recorded with Richard Evans,[citation needed] John Lee Hooker, Grover Washington, Jr. and Cannonball Adderley. Upchurch was part of a group called the Soulful Strings during the 1960s, prior to working with Rotary Connection on Chess's Cadet label.

In the 1970s he worked with Ramsey Lewis, Quincy Jones and led his own quartet with Tennyson Stephens. In the mid 1970s and 1980s, he performed with George Benson, Mose Allison, Gary Burton, Lenny Breau, Joe Williams, Natalie Cole, Carmen McRae, Cat Stevens and Michael Jackson.

In the 1990s he worked with Jimmy Smith and Jack McDuff.

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Phil Upchurch (nacido el 19 de julio de 1941 en Chicago, Illinois) es un bajista y guitarrista estadounidense de jazz y R&B.

Upchurch comenzó su carrera trabajando con los Kool Gents, los Dells y los Spaniels antes de trabajar con Curtis Mayfield, Otis Rush y Jimmy Reed. Luego regresó a Chicago para tocar y grabar con Woody Herman, Stan Getz, Groove Holmes, B.B. King y Dizzy Gillespie.

En 1961, su disco "You Can't Sit Down", de Philip Upchurch Combo, vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro. En los años 60 realizó una gira con Oscar Brown, apareciendo en el álbum en vivo de 1965, Mr. Oscar Brown, Jr. Goes to Washington. Al regresar del Ejército en 1967, grabó con Richard Evans, [cita requerida] John Lee Hooker, Grover Washington, Jr. y Cannonball Adderley. Upchurch formaba parte de un grupo llamado Soulful Strings durante la década de 1960, antes de trabajar con Rotary Connection en la etiqueta de Cadet de ajedrez.

En la década de 1970, trabajó con Ramsey Lewis, Quincy Jones y dirigió su propio cuarteto con Tennyson Stephens. A mediados de los años 70 y 80, actuó con George Benson, Mose Allison, Gary Burton, Lenny Breau, Joe Williams, Natalie Cole, Carmen McRae, Cat Stevens y Michael Jackson.

En la década de 1990 trabajó con Jimmy Smith y Jack McDuff.

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Phil Upchurch • Upchurch

 

Artist Biography by Ron Wynn

A prolific guitarist who is comfortable playing blues, soul, R&B, and jazz, Phil Upchurch has been a prominent figure in Chicago music circles since the mid-'50s. He initially did freelance sessions with such musicians as Jerry Butler before becoming house guitarist for Chess. Upchurch's sensitive, often funky chording, riffs, and licks were heard on numerous releases by such artists as the Dells, Howlin' Wolf, Gene Chandler, and Muddy Waters. He frequently teamed with drummer Maurice White, who later headed Earth, Wind & Fire. He formed the Phil Upchurch Combo in the early '60s, and had a hit with the instrumental "You Can't Sit Down" in 1961. They did some follow-up singles, but none equaled the initial record's success. Upchurch did several soul-jazz and funk dates for such labels as Sue and Cadet in the mid- and late '60s. He signed with Blue Thumb in the '70s and split his time between sessions with the Crusaders and Ben Sidran and making his own albums. Tommy LiPuma produced Darkness, Darkness and Lovin' Feelin in 1972 and 1973. Upchurch did one LP for Creed Taylor's Kudu label in 1975, Upchurch Tennyson, with pianist/vocalist Tennyson Stephens. He returned to studio work, but recorded as a leader for Palladin in 1985, Ichiban in 1991, and Ridgetop in 1995 and 1997. He remains active as a session musician and bandleader, returning in 1999 with Rhapsody & Blues. Tell the Truth appeared in spring 2001.

https://www.allmusic.com/artist/phil-upchurch-mn0000286479/biography

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 Biografía del artista por Ron Wynn

Un guitarrista prolífico que se siente cómodo tocando blues, soul, R&B y jazz, Phil Upchurch ha sido una figura prominente en los círculos musicales de Chicago desde mediados de los años 50. Inicialmente hizo sesiones freelance con músicos como Jerry Butler antes de convertirse en guitarrista de Chess. Los acordes, riffs y lamidas de Upchurch fueron escuchados en numerosos lanzamientos por artistas como Dells, Howlin' Wolf, Gene Chandler, y Muddy Waters. Frecuentemente se asoció con el baterista Maurice White, quien más tarde dirigió Earth, Wind & Fire. Formó el Phil Upchurch Combo a principios de los años 60, y tuvo un éxito con el instrumental "You Can't Sit Down" en 1961. Hicieron algunos sencillos de seguimiento, pero ninguno igualó el éxito del disco inicial. Upchurch hizo varias citas de soul-jazz y funk para sellos como Sue y Cadet a mediados y finales de los años 60. Firmó con Blue Thumb en los años 70 y dividió su tiempo entre sesiones con los Crusaders y Ben Sidran y haciendo sus propios álbumes. Tommy LiPuma produjo Darkness, Darkness and Lovin' Feelin en 1972 y 1973. Upchurch hizo un LP para el sello Kudu de Creed Taylor en 1975, Upchurch Tennyson, con el pianista y vocalista Tennyson Stephens. Volvió al trabajo de estudio, pero grabó como líder para Palladin en 1985, Ichiban en 1991 y Ridgetop en 1995 y 1997. Sigue activo como músico de sesión y director de orquesta, regresando en 1999 con Rhapsody & Blues. Tell the Truth apareció en la primavera de 2001.

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Ben Sidran • Don't Let Go

 

Odell Brown • Free Delivery

Bio:

Odell Elliott Brown Jr. (February 2, 1940 – May 3, 2011) was an American jazz organist. He was mainly active in the late 1960s and early 1970s, playing in a soul jazz and jazz funk vein, initially appearing with his backing band as Odell Brown & the Organ-Izers. Brown was born in Louisville, Kentucky. He started playing the piano aged 4 as his mother was a part-time piano teacher. His father bought him a baby grand piano. After playing in various junior & senior high school bands, he went to Nashville, Tennessee & met musicians attending Tennessee State A&M. Wishing to enroll himself, his plans were soon curtailed when he was drafted into the army where he joined the Army Post Band. During this period, he gained valuable insight into arranging & orchestrating. After leaving the army, he moved to Chicago where he was re-united with some of the musicians from his Nashville days. They formed a band becoming known as "The Organ-Izers" & within two years, were signed to Chess Records' jazz subsidiary label, Cadet. The band's personnel was O'Dell Brown, organ, Artee "Duke" Payne and Tommy Purvis, tenor saxophones, Curtis Prince, drums.[1] Their debut album was titled 'Raising The Roof' in 1966 followed by their most popular record, 1967's Mellow Yellow, which reached #173 on the Billboard 200. Third album, 'Ducky' was the last to feature the band. While at Chess, Brown was not only signed to the label but also worked as a staff musician playing & arranging for a wealth of other artists & gaining great insight & expertise into other styles of music. After the death of Leonard Chess in 1969, Brown decided not to re-sign with the label & during the 1970s, pursued a solo career as an independent arranger, producer & studio musician. During this period, he worked with artists such as Minnie Ripperton (with whom he arranged and conducted an album on Epic records), Curtis Mayfield, Johnny Nash & Marvin Gaye (both live & in the studio). Brown also co-wrote Marvin Gaye's hit single "Sexual Healing" winning two Grammy awards. He went on to receive further awards recognising his many talents, later in life. Brown had been living in Richfield, Minnesota since the early 1990s, to stabilize his professional and personal life. He died there on May 3, 2011.

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Biografía:

Odell Elliott Brown Jr. (2 de febrero de 1940 - 3 de mayo de 2011) era un organista de jazz americano. Estuvo activo principalmente a finales de los años 60 y principios de los 70, tocando en una vena de soul jazz y funk jazz, apareciendo inicialmente con su banda de acompañamiento como Odell Brown & the Organ-Izers. Brown nació en Louisville, Kentucky. Empezó a tocar el piano a los 4 años, ya que su madre era profesora de piano a tiempo parcial. Su padre le compró un piano de cola para bebés. Después de tocar en varias bandas de secundaria y preparatoria, fue a Nashville, Tennessee y conoció a músicos que asistían a la Tennessee State A&M. Deseando inscribirse, sus planes pronto se vieron reducidos cuando fue reclutado en el ejército donde se unió a la Army Post Band. Durante este período, adquirió una valiosa experiencia en arreglos y orquestación. Después de dejar el ejército, se mudó a Chicago donde se reunió con algunos de los músicos de sus días en Nashville. Formaron una banda conocida como "The Organ-Izers" y en dos años firmaron con el sello subsidiario de jazz de Chess Records, Cadet. El personal de la banda era O'Dell Brown, órgano, Artee "Duke" Payne y Tommy Purvis, saxofones tenores, Curtis Prince, batería[1] Su álbum de debut se tituló 'Raising The Roof' en 1966, seguido de su disco más popular, Mellow Yellow de 1967, que alcanzó el número 173 en el Billboard 200. El tercer álbum, 'Ducky' fue el último en el que se presentó la banda. Durante su estancia en Chess, Brown no sólo firmó con la discográfica, sino que también trabajó como músico de plantilla tocando y arreglando para una gran cantidad de otros artistas y adquiriendo una gran visión y experiencia en otros estilos de música. Tras la muerte de Leonard Chess en 1969, Brown decidió no volver a firmar con el sello y durante los años 70, siguió una carrera en solitario como arreglista independiente, productor y músico de estudio. Durante este período, trabajó con artistas como Minnie Ripperton (con quien arregló y dirigió un álbum en Epic records), Curtis Mayfield, Johnny Nash y Marvin Gaye (ambos en vivo y en el estudio). Brown también co-escribió el exitoso single de Marvin Gaye "Sexual Healing" que ganó dos premios Grammy. Más tarde, recibió otros premios en reconocimiento de sus muchos talentos. Brown vivía en Richfield, Minnesota, desde principios de los 90, para estabilizar su vida profesional y personal. Murió allí el 3 de mayo de 2011.

Ramsey Lewis • Another Voyage

Carrying on in the infectious jazz-pop-soul vein he virtually invented, Ramsey Lewis proves on this 1969 album that categories don’t matter if the groove is right. Featuring guitarist Phil Upchurch on three tracks and the legendary drummer Maurice White shortly before he left Lewis to form Earth, Wind & Fire.

 

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Continuando con la infecciosa vena jazz-pop-soul que prácticamente inventó, Ramsey Lewis demuestra en este álbum de 1969 que las categorías no importan si el ritmo es el adecuado. Con la participación del guitarrista Phil Upchurch en tres temas y del legendario baterista Maurice White poco antes de que dejara a Lewis para formar Earth, Wind & Fire. 

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Phil Upchurch • Darkness, Darkness

 

Review by Thom Jurek

Recorded in 1971, shortly after he departed Cadet where he served as a house sideman-playing on dozens of records and a prefferred guitarist for Curtis Mayfield and Jerry Butler, Phil Upchurch headed for the West Coast and Blue Thumb Records. Produced by Tommy LiPuma, Upchurch's Darkness, Darkness is his quintessential (double) album, full of laid-back funky grooves, elegant, mind-blowing guitar work, elegant string and horn arrangements, and fine Fender Rhodes work from Donny Hathaway with legendary session bassist Chuck Rainey and smooth jazz piano great Joe Sample in the house. Upchurch effortlessly walks the line where jazz, blues, rock, soul, and funk fold into one another, yet he never gives quarter in the process. The title track is a cover of the Youngbloods hit. Upchurch leaves all the fuzz tone and distortion of his early work behind him for the shimmering cleanliness of the West Coast sound. He gets the dirty grooves through the notes, not the effects, bringing out the funky side of Jesse Colin Young's origin    l. Hathaway's spare, tasty muted horn arrangements follow in counterpoint to the melody, creating an extended harmony that acts almost as another voice. On "Fire and Rain"-- the James Taylor evergreen that was a hit when he covered it--Upchurch begins tenderly, wringing its melody slowly and purposefully, before the keyboards and strings reach in and grab it. Forced to respond, he chunks it up with large Wes Montgomery-styled chords and knotty fills at the piano and horns, cascading like water in the background. He increases the tempo and transforms it into a funky soul tune, with a haunting melodic invention that restores the poignant melody. And while these tunes signify his capablility for turning even the most melancholy folk-pop tunes into funk-driven boogaloos, it's on the soul tunes where he shines brightest. Conversley, his readings of James Brown's "Cold Sweat," Percy Mayfield's "Please Send Me Someone to Love," and Marvin Gaye's "Inner City Blues" are turned toward pop and reveal an accessibility that not readly apparent to that audience. While the rock music was danceable and inspiring to begin with and was reinvented both structurally and emotionally by Upchurch's playing, it's when he digs into classic R&B material that things really start to happen. He plays with such a sticky groove that he wrings every ounce sweaty emotion from these songs, revisioning them as anthems to funky transcendence. There isn't anything extra in his silky approach, but a profound knowledge of when to move and when to slip, slide, and groove through these charts-- is Upchurch's trademark. Virtually no one else could take a raw tune like "Cold Sweat," smooth it out, and still give it the mean, lean read that Upchurch does. His fingers are flying all over the place but are never outside the reach of the rhythm section. Darkness, Darkness is 1971's soul-jazz album to beat, and despite its under-recognition at the time--it is one of, if not the, decade's finest albums in the genre, period.

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Traducción Automática:
Revisión por Thom JurekGrabado en 1971, poco después de su partida de Cadet, donde se desempeñó como acompañante de una casa en docenas de discos y como guitarrista preferido de Curtis Mayfield y Jerry Butler, Phil Upchurch se dirigió a West Coast y Blue Thumb Records. Producido por Tommy LiPuma, Darkness, Darkness de Upchurch es su álbum por excelencia (doble), lleno de ritmos funky relajados, elegante, alucinante trabajo de guitarra, elegantes arreglos de cuerdas y cuernos, y excelente trabajo de Fender Rhodes de Donny Hathaway con legendaria sesión el bajista Chuck Rainey y el gran piano de jazz Joe Sample en la casa. Upchurch camina sin esfuerzo por la línea donde el jazz, el blues, el rock, el soul y el funk se combinan, sin embargo, nunca da cuartel en el proceso. La pista del título es una versión del éxito de Youngbloods. Upchurch deja atrás todo el tono borroso y la distorsión de sus primeros trabajos para la limpieza brillante del sonido de la costa oeste. Él obtiene los surcos sucios a través de las notas, no los efectos, sacando a relucir el lado original del original de Jesse Colin Young. Los arreglos de bocina, sabrosos y de repuesto de Hathaway siguen en contrapunto a la melodía, creando una armonía extendida que actúa casi como otra voz. En "Fire and Rain", el árbol de hoja perenne de James Taylor que fue un éxito cuando lo cubrió, Upchurch comienza con ternura, retorciendo su melodía lenta y decididamente, antes de que los teclados y las cuerdas lleguen y la agarran. Obligado a responder, lo rompe con grandes acordes de estilo de Wes Montgomery y nudos en el piano y las bocinas, que caen en cascada como el agua en el fondo. Aumenta el ritmo y lo transforma en una melodía del alma funky, con un invento melódico inquietante que restaura la melodía conmovedora. Y mientras estas melodías significan su capacidad para convertir incluso las melodías de folk pop más melancólicas en boogaloos impulsados ​​por el funk, es en las melodías del alma donde brilla más. Conversley, sus lecturas de "Cold Sweat" de James Brown, "Please Send Me Someone to Love" de Percy Mayfield y "Inner City Blues" de Marvin Gaye se centran en el pop y revelan una accesibilidad que no es muy evidente para esa audiencia. Mientras que la música rock era bailable e inspiradora para comenzar y fue reinventada tanto estructural como emocionalmente por la interpretación de Upchurch, es cuando él explora el material clásico de R&B cuando las cosas realmente comienzan a suceder. Juega con un ritmo tan pegajoso que extrae cada onza de emoción sudorosa de estas canciones, revisándolas como himnos a la trascendencia funky. No hay nada extra en su enfoque sedoso, pero un profundo conocimiento de cuándo moverse y cuándo deslizarse, deslizarse y moverse a través de estas tablas es la marca registrada de Upchurch. Prácticamente nadie más podía interpretar una melodía tan cruda como "Cold Sweat", suavizarla, y aún así darle la media, lean lean que Upchurch hace. Sus dedos vuelan por todo el lugar, pero nunca están fuera del alcance de la sección de ritmo. Darkness, Darkness es el álbum de soul-jazz de 1971, y pese a su falta de reconocimiento en ese momento, es uno de los mejores álbumes de la década, si no el mejor.

 

 

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Cannonball Adderley • Pyramid

 

Review by Scott Yanow
Cannonball Adderley is in generally good form on this 1974 recording. His Quintet at the time featured cornetist Nat Adderley, keyboardist Hal Galper, bassist Walter Booker and drummer Roy McCurdy. Guests on some selections include guitarist Phil Upchurch, keyboardist George Duke and (on "Bess, Oh Where's My Bess") veteran pianist Jimmy Jones. The emphasis is on recent group originals including the three part "Suite Cannon," two Galper compositions and Cannonball's "Pyramid." Nothing too earthshattering occurs but this is an improvement over many of Adderley's Capitol recordings. 
https://www.allmusic.com/album/pyramid-mw0000031982

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Reseña de Scott Yanow
Cannonball Adderley se encuentra en buena forma en esta grabación de 1974. Su quinteto en ese momento estaba formado por el cornista Nat Adderley, el teclista Hal Galper, el bajista Walter Booker y el baterista Roy McCurdy. Entre los invitados que participan en algunas selecciones se encuentran el guitarrista Phil Upchurch, el teclista George Duke y (en «Bess, Oh Where's My Bess») el veterano pianista Jimmy Jones. Se hace hincapié en los temas originales recientes del grupo, entre los que se incluyen la «Suite Cannon» en tres partes, dos composiciones de Galper y «Pyramid» de Cannonball. No ocurre nada demasiado trascendental, pero supone una mejora con respecto a muchas de las grabaciones de Adderley para Capitol. 
https://www.allmusic.com/album/pyramid-mw0000031982

Brother Jack McDuff • The Natural Thing

Review by Al Campbell

Hammond B-3 groovemeister "Brother" Jack McDuff carried on with his timeless patented boogaloo jazz on The Natural Thing from 1968, but is unfortunately drowned out by the overpowering punchy crunching horn charts of arranger Richard Evans. For that reason, this isn't one of McDuff's strongest dates, but it does contain enjoyable moments sans horns (especially "Funky Guru" guaranteed to please collectors of soulful funky organ. Originally recorded in Chicago for the Cadet label, this session is currently available only as a Japanese MCA import.

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Traducción Automática:

Reseña por Al Campbell

Hammond B-3 groovemeister El "Hermano" Jack McDuff continuó con su boogaloo jazz patentado y atemporal en The Natural Thing desde 1968, pero desafortunadamente está ahogado por los abrumadores gráficos de bocina crujidos del arreglista Richard Evans. Por esa razón, esta no es una de las citas más fuertes de McDuff, pero contiene momentos agradables sin cuernos (especialmente "Funky Guru" que garantiza complacer a los coleccionistas de órgano funky. Originalmente grabada en Chicago para el sello Cadet, esta sesión es actualmente disponible solo como una importación de MCA japonés. 

Jimmy Smith • Dot Com Blues

 

 

Ramsey Lewis • Them Changes

Biography
Pianist and composer Ramsey Lewis has been a major figure in contemporary jazz since the late '50s, playing music with a warm, open personality that's allowed him to cross over to the pop and R&B charts. Lewis was born in Chicago, Illinois on May 27, 1935, and was introduced to music by his father, who directed the choir at a local church and enjoyed the music of Duke Ellington and Art Tatum. Lewis began studying the piano when he was four years old, and was soon accompanying the choir at Sunday services. At the age of 15, he joined a jazz combo called the Cleffs, who played at parties and dances. Lewis was interested in a leaner, more bebop-oriented sound, and when the group splintered after several members joined the military, he formed the Ramsey Lewis Trio with two other former Cleffs, bassist Eldee Young and percussionist Redd Holt. The trio became a fixture on the Chicago jazz scene, and they were signed to a deal with Chess Records, releasing their first album, Ramsey Lewis & His Gentlemen of Jazz, in 1956.
Lewis and his trio continued to record and tour steadily over the years, building a sizable audience among jazz fans, but their career received a serious boost in 1965, when they recorded a swinging version of Dobie Gray's hit "The In Crowd" at a gig in Washington, D.C. Chess released the track as a single, and it became a sizable pop hit, earning Lewis his first gold record, as well as a Grammy Award for Best Jazz Performance. As Lewis' star rose, he returned to the pop charts in 1966 with versions of "Hang on Sloopy" and "Wade in the Water." Meanwhile, Young and Holt left Lewis' trio to form their own group, Young-Holt Unlimited, and the pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton on bass and Maurice White on drums.
In 1970, White resigned to form his own group, and Morris Jennings signed on as the trio's new percussionist. Lewis continued to record for Chess until 1972, when he moved to Columbia Records, and as his music developed a more contemporary groove, White's group, Earth, Wind & Fire (also on Columbia), was beginning to enjoy considerable success on the R&B charts. White produced Lewis' 1974 album, Sun Goddess, in which he experimented with electronic keyboards for the first time, and several members of EWF played on the sessions; it became a major crossover hit and took Lewis to the upper ranks of the smooth jazz/fusion scene. Lewis would record R&B-influenced material through the '70s, but continued to explore his roots in more traditional jazz sounds as well as Latin rhythms. In 1983, he went into the studio with Eldee Young and Redd Holt for the album Reunion; in 1984, he collaborated with Nancy Wilson on The Two of Us; in 1988, he recorded with London's Philharmonia Orchestra for the album A Classic Encounter, and in 1989, Lewis and Dr. Billy Taylor cut a set of piano duets, We Meet Again.
In 1992, Lewis signed with the successful jazz label GRP Records, and in 1995, he launched the side project Urban Knights, in which he collaborated with a handful of successful crossover jazz stars, including Grover Washington, Jr., Earl Klugh, and Dave Koz. In 1997, Lewis added disc jockey to his résumé, hosting a popular show on Chicago's WNUA-FM that ran until 2009; the show went into syndication in 2006 under the name Legends of Jazz with Ramsey Lewis, and is still on the air. In 2005, Lewis looked back on his roots in gospel music with the album With One Voice, which earned him the Stellar Gospel Music Award for Best Gospel Instrumental Album. In 2007, he was commissioned to write a jazz ballet for the Joffrey Ballet Company, and "To Know Her..." debuted at Highland Park, Illinois' Ravina Music Festival, where Lewis is artistic director of the festival's jazz series, and helped found their Jazz Mentor Program.
Lewis has also written several pieces for string ensemble and orchestra that have premiered at Ravina; highlights were featured on the 2009 album Songs from the Heart: Ramsey Plays Ramsey, his first release from Concord Records. In addition to his work as a performer, composer, educator, and disc jockey, Lewis has received five honorary doctorate degrees, won the National Endowment for the Arts' Jazz Master Award in 2007, and is one of the few noted jazz artists to carry the Olympic Torch, having briefly escorted the flame as it passed through Chicago en route to the 2002 Winter Games. In 2011, he delivered Taking Another Look, a reworking of his classic 1974 electric jazz-funk album Sun Goddess. The album was reissued in a deluxe package with bonus tracks in 2015. Two years later, Lewis was a featured guest on pianist Alan Storeygard's trio album New Directions.

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Biografía
Pianist and composer Ramsey Lewis ha sido la mayor figura en el jazz contemporáneo de los 50 ', la música de la música con el calentamiento, la posibilidad de abrir la puerta a través de que el punto de intersección hacia el pop y los R & B. , Que se estrenó en Chicago, Illinois el 27 de mayo de 1935, y fue introducida a la música por su padre, quien dirigió el choir a la iglesia local y disfrutó de la música de Duke Ellington y Tatu. Lewis inició el piano cuando era cuatro años, y estaba pronto acompañando el choir at Sunday services. En la edad de 15, he unido el jazz combo llamado los Cleffs, que jugó en partidos y danzas. Y en el caso de que el grupo se filtró después de varios miembros se unió al ejército, se formó el Ramsey Lewis Trio con otros dos viejos Cleffs, bassist Eldee Young y percussionist Redd Holt. En el año 1956, Ramsey Lewis y su grupo de jazz, en 1956, se convirtieron en el primer álbum, Ramsey Lewis y su Gentlemen de Jazz.
En el año 1965, cuando se registró la swinging version de Dobie Gray, el éxito "The In Crowd" en el gigantes de la banda, en Washington, DC Chess liberado el track a a single, y se convirtió en el pop pop pop, earning Lewis su primer oro de registro, así como el Premio Grammy para el mejor Jazz Performance. En el año 1966 con las versiones de "Hang on Sloopy" y "Wade in the Water." , Y el pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton on bass y Maurice White on drums.
En 1970, White resigned a formar su propio grupo, y Morris Jennings firmado en el trio's new percussionist. En el caso de que se trate de una película de la saga de la saga de la saga de la saga de la saga, . "White Chain Lewis '1974 álbum, Sun Goddess, in que he experimentado con las teclas electrónicas para el primer equipo, y varios miembros de EWF jugado en las sesiones; que se convirtió en el mayor crossover hit y tomó Lewis a las ranas ranas del jazz / fusión de la música. En el caso de que se produzca un error en el registro de R & B-sustan material a través de los 70, pero continúe explorando su raíz en más tradicional jazz de los sonidos así como Latin rhythms. En 1983, he estado en el estudio con Eldee Young y Redd Holt para el álbum Reunion; en 1984, había colaborado con Nancy Wilson en los dos de nosotros; y en el año 1989, Lewis y el Dr. Billy Taylor cortaron el set del piano duets, We Meet Again.
En 1992, Lewis firmó con el éxito de la película de jazz Recordset, y en 1995, he lanzado el lado del proyecto Urban Knights, en el que he colaborado con el handful de exitoso crossover jazz estrellas, incluyendo Grover Washington, Jr., Earl Klugh, y Dave Koz. En 1997, Lewis agregó disc jockey a su résumé, hospedaje el popular show en Chicago's WNUA-FM que ran hasta 2009; , que se estrenará en el mes de septiembre. En el año 2005, Lewis miró sobre su raíz en la música de la música con el álbum con una voz, que fue el himno de la música de la música de la música. En el año 2007, se le pidió a escribir el jazz ballet para la Joffrey Ballet Company, y "To Know Her ..." debuted at Highland Park, Illinois 'Ravina Music Festival, donde Lewis es director artístico del festival de las series de jazz, su Jazz Mentor Program.
Lewis también ha escrito varias piezas para la cadena de conjuntos y orquestaciones que han premiered at Ravina; , que se estrenará en el 2009 álbum de canciones del Heart: Ramsey Plays Ramsey, su primera versión de Concord Records. En el año 2007, el Premio de la Academia de los Premios Musicales en el 2007, es uno de los músicos de jazz, el Olympic Torch, que tiene briefly escorted la llama que pasa a través de Chicago en la ruta a los Juegos de invierno de invierno. En el 2011, he emprendido otra cara, la reworking de su clásico 1974 jazz jazz-funk álbum Sun Goddess. El álbum fue reestablecido en el paquete de lujo con las canciones de las primas en el 2015. Dos años, Lewis fue un famoso huésped en el pianist Alan Storeygard's trío álbum New Directions.

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Jimmy Smith • Daybreak

Artist Biography

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master Born James Oscar Smith in Norristown, Pennsylvania, USA. Smith was influenced by both gospel and blues. He first achieved prominence in the 1950s where his recordings became popular on jukeboxes before there were commonly used terms to describe his unique musical flavor. In the sixties and seventies he helped create the jazz style known as 'funk' or 'soul jazz'.

There had been earlier limited use of the electronic organ in jazz (notably by Fats Waller and Count Basie), though these early examples sometimes had a novelty feel. Smith is widely recognized as introducing the electric organ as a legitimate musical instrument, capable of virtuoso improvisation.

Smith employed a unique technique to emulate a string bass player on the organ. Although he played walking bass lines on the pedals on ballads, for uptempo tunes, he would play the bass line on the lower manual and use the pedals for emphasis on the attack of certain notes. His solos were characterised by percussive chords mixed with very fast melodic improvisation with the right hand. He generally used a drawbar registration of 868000000 or 888000000 on the lower manual, which he used for the bass line and comping chords. He used a similar registration on the upper manual, which he used for soloing, but with the addition of the Hammond's percussion circuit.

Smith was a prolific recording artist. He first recorded with the Blue Note label in 1956. His early albums with Blue Note sold very well, improving its financial viability and aiding the label's efforts to promote other artists. They include Home Cookin' , The Sermon!, Midnight Special, Prayer Meetin' , and Back at the Chicken Shack.

Smith signed to Verve Records label in 1963. Smith's albums with Verve include: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , and Organ Grinder Swing.

It was in this period that he began a regular collaboration with Guitarist Wes Montgomery, with whom he recorded two albums: The Dynamic Duo with Wes Montgomery and Further Adventures Of Jimmy and Wes.

Smith recorded with a full orchestra and worked with arrangers and conductors such as Lalo Schifrin and Oliver Nelson. He also worked in small groups that featured many of the best jazz musicians of his era: Kenny Burrell, Donald “Duck” Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean and Stanley Turrentine among them.

Smith had a career revival in the 'eighties and 'nineties, again recording for Blue Note and Verve, as well as for the Milestone label. There are also numerous recordings with other artists available including: Love And Peace: A Tribute To Horace Silver with Dee Dee Bridgewater (1995) and Blue Bash! with Kenny Burrell (1963).

His influence has been felt across multiple generations and musical styles; nearly every subsequent jazz organist owes a large debt to Smith. The Beastie Boys (who sampled the bassline from Smith's “Root Down (and Get It)”�”and saluted Smith in the lyrics�”for their own hit “Root Down”), Medeski, Martin & Wood, and The Hayden-Eckert Ensemble are among the better known contemporary bands that pay tribute to Smith's sensibilities and sound. The Acid Jazz movement also reflects Smith's influences.

Smith died on February 8, 2005, in Scottsdale, Arizona, USA.

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmysmith

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Biografía del artista

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de NEA nacido James Oscar Smith en Norristown, Pennsylvania, USA. Smith fue influenciado tanto por el gospel como por el blues. Alcanzó prominencia por primera vez en la década de 1950, cuando sus grabaciones se hicieron populares en las gramolas antes de que existieran términos de uso común para describir su sabor musical único. En los años sesenta y setenta ayudó a crear el estilo de jazz conocido como'funk' o'soul jazz'.

Anteriormente había habido un uso limitado del órgano electrónico en el jazz (especialmente por Fats Waller y Count Basie), aunque estos primeros ejemplos a veces tenían una sensación de novedad. Smith es ampliamente reconocido por introducir el órgano eléctrico como un instrumento musical legítimo, capaz de improvisar virtuosamente.

Smith empleó una técnica única para emular a un bajista de cuerdas en el órgano. Aunque tocaba las líneas de bajo en los pedales de las baladas, para las melodías uptempo, tocaba la línea de bajo en el manual inferior y usaba los pedales para enfatizar el ataque de ciertas notas. Sus solos se caracterizaron por acordes percusivos mezclados con una improvisación melódica muy rápida con la mano derecha. Generalmente utilizaba un registro de barra de tiro de 86800000000 o 88800000000 en el manual inferior, que utilizaba para la línea de bajo y los acordes de compás. Utilizó un registro similar en el manual superior, que utilizó para los solos, pero con la adición del circuito de percusión de Hammond.

Smith fue un prolífico artista discográfico. Grabó por primera vez con el sello Blue Note en 1956. Sus primeros álbumes con Blue Note se vendieron muy bien, mejorando su viabilidad financiera y ayudando a los esfuerzos de la discográfica en la promoción de otros artistas. Entre ellas se incluyen Home Cookin' , The Sermon', Midnight Special, Prayer Meetingin' , y Back at the Chicken Shack.

Smith firmó con el sello Verve Records en 1963. Los álbumes de Smith con Verve incluyen: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , y Organ Grinder Swing.

Fue en este período que comenzó una colaboración regular con el guitarrista Wes Montgomery, con quien grabó dos discos: El Dúo Dinámico con Wes Montgomery y Otras Aventuras de Jimmy y Wes.

Smith grabó con una orquesta completa y trabajó con arreglistas y directores como Lalo Schifrin y Oliver Nelson. También trabajó en pequeños grupos en los que participaron muchos de los mejores músicos de jazz de su época: Kenny Burrell, Donald "Pato" Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean y Stanley Turrentine entre otros.

Smith tuvo un renacimiento de su carrera en los años ochenta y noventa, grabando de nuevo para Blue Note y Verve, así como para el sello Milestone. También hay numerosas grabaciones con otros artistas disponibles, incluyendo: Amor y Paz: Un homenaje a Horace Silver con Dee Dee Bridgewater (1995) y Blue Bash! con Kenny Burrell (1963).

Su influencia se ha sentido a través de múltiples generaciones y estilos musicales; casi todos los organistas de jazz posteriores tienen una gran deuda con Smith. The Beastie Boys (que probaron el bajo de "Root Down (and Get It)"�" de Smith y saludaron a Smith en el lyrics�"por su propio éxito "Root Down"), Medeski, Martin & Wood y The Hayden-Eckert Ensemble están entre las bandas contemporáneas más conocidas que rinden tributo a la sensibilidad y el sonido de Smith. El movimiento Acid Jazz también refleja las influencias de Smith.

Smith murió el 8 de febrero de 2005 en Scottsdale, Arizona, Estados Unidos.

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Jack McDuff • Magnetic Feel

 

 

Jimmy Smith • Sum Serious Blues

Review by Scott Yanow
Organist Jimmy Smith performs a spirited set of blues-based material (only "You've Changed" is a change of pace) with a dozen of his Los Angeles-based friends including trumpeter Oscar Brashear, the underrated tenor Herman Riley (who is best among the supporting cast), guitarist Philip Upchurch and singers Marlena Shaw and Bernard Ighner who have two vocals apiece. Nothing that surprising occurs other than Smith's surprisingly effective vocal on "Hurry Change, If You're Comin'," but the swinging music, which was arranged by Johnny Pate, should please Jimmy Smith's fans.

 

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Reseña de Scott Yanow
El organista Jimmy Smith interpreta un animado conjunto de material basado en el blues (sólo "You've Changed" es un cambio de ritmo) con una docena de sus amigos de Los Ángeles, incluyendo al trompetista Oscar Brashear, el infravalorado tenor Herman Riley (que es el mejor entre el reparto secundario), el guitarrista Philip Upchurch y los cantantes Marlena Shaw y Bernard Ighner que tienen dos voces cada uno. No hay nada tan sorprendente como la voz sorprendentemente efectiva de Smith en "Hurry Change, If You're Comin'", pero la música swing, que fue arreglada por Johnny Pate, debería complacer a los fans de Jimmy Smith.

VA • From Route 66 To The Flamingo

 

Phil Upchurch • Name Of The Game

 

Artist Biography by Ron Wynn

A prolific guitarist who is comfortable playing blues, soul, R&B, and jazz, Phil Upchurch has been a prominent figure in Chicago music circles since the mid-'50s. He initially did freelance sessions with such musicians as Jerry Butler before becoming house guitarist for Chess. Upchurch's sensitive, often funky chording, riffs, and licks were heard on numerous releases by such artists as the Dells, Howlin' Wolf, Gene Chandler, and Muddy Waters. He frequently teamed with drummer Maurice White, who later headed Earth, Wind & Fire. He formed the Phil Upchurch Combo in the early '60s, and had a hit with the instrumental "You Can't Sit Down" in 1961. They did some follow-up singles, but none equaled the initial record's success. Upchurch did several soul-jazz and funk dates for such labels as Sue and Cadet in the mid- and late '60s. He signed with Blue Thumb in the '70s and split his time between sessions with the Crusaders and Ben Sidran and making his own albums. Tommy LiPuma produced Darkness, Darkness and Lovin' Feelin in 1972 and 1973. Upchurch did one LP for Creed Taylor's Kudu label in 1975, Upchurch Tennyson, with pianist/vocalist Tennyson Stephens. He returned to studio work, but recorded as a leader for Palladin in 1985, Ichiban in 1991, and Ridgetop in 1995 and 1997. He remains active as a session musician and bandleader, returning in 1999 with Rhapsody & Blues. Tell the Truth appeared in spring 2001.

https://www.allmusic.com/artist/phil-upchurch-mn0000286479/biography

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 Biografía del artista por Ron Wynn

Un guitarrista prolífico que se siente cómodo tocando blues, soul, R&B y jazz, Phil Upchurch ha sido una figura prominente en los círculos musicales de Chicago desde mediados de los años 50. Inicialmente hizo sesiones freelance con músicos como Jerry Butler antes de convertirse en guitarrista de Chess. Los acordes, riffs y lamidas de Upchurch fueron escuchados en numerosos lanzamientos por artistas como Dells, Howlin' Wolf, Gene Chandler, y Muddy Waters. Frecuentemente se asoció con el baterista Maurice White, quien más tarde dirigió Earth, Wind & Fire. Formó el Phil Upchurch Combo a principios de los años 60, y tuvo un éxito con el instrumental "You Can't Sit Down" en 1961. Hicieron algunos sencillos de seguimiento, pero ninguno igualó el éxito del disco inicial. Upchurch hizo varias citas de soul-jazz y funk para sellos como Sue y Cadet a mediados y finales de los años 60. Firmó con Blue Thumb en los años 70 y dividió su tiempo entre sesiones con los Crusaders y Ben Sidran y haciendo sus propios álbumes. Tommy LiPuma produjo Darkness, Darkness and Lovin' Feelin en 1972 y 1973. Upchurch hizo un LP para el sello Kudu de Creed Taylor en 1975, Upchurch Tennyson, con el pianista y vocalista Tennyson Stephens. Volvió al trabajo de estudio, pero grabó como líder para Palladin en 1985, Ichiban en 1991 y Ridgetop en 1995 y 1997. Sigue activo como músico de sesión y director de orquesta, regresando en 1999 con Rhapsody & Blues. Tell the Truth apareció en la primavera de 2001.

https://www.allmusic.com/artist/phil-upchurch-mn0000286479/biography

 

www.philupchurch.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Cannonball Adderley • Pyramid

 

Review
by Scott Yanow
Cannonball Adderley is in generally good form on this 1974 recording. His Quintet at the time featured cornetist Nat Adderley, keyboardist Hal Galper, bassist Walter Booker and drummer Roy McCurdy. Guests on some selections include guitarist Phil Upchurch, keyboardist George Duke and (on "Bess, Oh Where's My Bess") veteran pianist Jimmy Jones. The emphasis is on recent group originals including the three part "Suite Cannon," two Galper compositions and Cannonball's "Pyramid." Nothing too earthshattering occurs but this is an improvement over many of Adderley's Capitol recordings.
https://www.allmusic.com/album/pyramid-mw0000031982

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Reseña
por Scott Yanow
Cannonball Adderley está en buena forma en esta grabación de 1974. Su quinteto de entonces estaba formado por el cornetista Nat Adderley, el teclista Hal Galper, el bajista Walter Booker y el batería Roy McCurdy. Entre los invitados en algunas selecciones se incluyen el guitarrista Phil Upchurch, el teclista George Duke y (en "Bess, Oh Where's My Bess") el veterano pianista Jimmy Jones. El énfasis está en los recientes originales del grupo, incluyendo la "Suite Cannon" en tres partes, dos composiciones de Galper y "Pyramid" de Cannonball. No hay nada demasiado sorprendente, pero es una mejora con respecto a muchas de las grabaciones de Adderley en Capitol.
https://www.allmusic.com/album/pyramid-mw0000031982

Phil Upchurch • Free Easy

 

www.philupchurch.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Willie Dixon • Peace ?

 

Artist Biography

Willie Dixon was a prolific blues songwriter with more than 500 compositions to his credit. Born and raised in Mississippi, he rode the rails to Chicago during the Great Depression and became the primary blues songwriter and producer for Chess Records. Dixon's songs literally created the so-called “Chicago blues sound” and were recorded by such blues artists as Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor, and many others.

Willie Dixon was born on July 1, 1915, in Vicksburg, Mississippi. Vicksburg was a lively town located on the Mississippi River midway between New Orleans and Memphis. As a youth, Dixon heard a variety of blues, dixieland, and ragtime musicians performing on the streets, at picnics and other community functions, and in the clubs near his home where he would listen to them from the sidewalk.

Dixon grew up in an integrated neighborhood on the northern edge of Vicksburg, where his mother ran a small restaurant. The family of seven children lived behind the restaurant, and next to the restaurant was Curley's Barrelhouse. Listening from the street, Dixon, then about eight years old, heard bluesmen Little Brother Montgomery and Charley Patton perform there along with a variety of ragtime and dixieland piano players.

Dixon was only twelve when he first landed in jail and was sent to a county farm for stealing some fixtures from an old torn-down house. He recalled, “That's when I really learned about the blues. I had heard 'em with the music and took 'em to be an enjoyable thing but after I heard these guys down there moaning and groaning these really down-to-earth blues, I began to inquire about 'em.... I really began to find out what the blues meant to black people, how it gave them consolation to be able to think these things over and sing them to themselves or let other people know what they had in mind and how they resented various things in life.”

About a year later Dixon was caught by the local authorities near Clarksdale, Mississippi, and arrested for hoboing. He was given thirty days at the Harvey Allen County Farm, located near the infamous Parchman Farm prison. At the Allen Farm, Dixon saw many prisoners being mistreated and beatenDixon himself was mistreated at the county farm, receiving a blow to his head that he said made him deaf for about four years. He managed to escape, though, and walked to Memphis, where he hopped a freight into Chicago. He stayed there briefly at his sister's house, then went to New York for a short time before returning to Vicksburg.

When Dixon arrived in Chicago in 1936, he started training to be a boxer. He was in excellent physical condition from the heavy work he had been doing down south, and he was a big man as well. In 1937 he won the Illinois Golden Gloves in the novice heavyweight category. Throughout the late 1930s, Dixon was singing in Chicago with various gospel groups, some of which performed on the radio. Dixon had received good training in vocal harmony from Theo Phelps back in Vicksburg, where he sang bass with the Union Jubilee Singers. Around the same time, Leonard “Baby Doo” Caston gave Dixon his first musical instrument--a makeshift bass made out of an oil can and one string. Dixon, Caston, and some other musicians formed a group called the Five Breezes. They played around Chicago and in 1939 made a record that marked Dixon's first appearance on vinyl.

In 1946 Dixon and Caston formed the Big Three Trio, named after the wartime “Big Three” of U.S. president Franklin Roosevelt, British prime minister Winston Churchill, and Soviet political leader Joseph Stalin. The group was modeled after other popular black vocal groups of the time, such as the Mills Brothers and the Ink Spots. Dixon by this time was singing and playing a regular upright bass. While Chicago blues musicians like Muddy Waters and Little Walter were playing to all-black audiences in small clubs, the Big Three Trio played large show clubs with capacities of three to five thousand.

In 1951 after several years of successful touring and recording, the Big Three Trio disbanded. Many of Dixon's compositions were never recorded by the trio, but these songs turned up later in the repertoire of the blues artists Dixon worked with in the 1950s.

Leonard and Phil Chess began recording the blues in the late 1940s, and by 1950 the Chess brothers were releasing blues records on the label bearing their name. Over the next decade, Chess became what many consider to be the most important blues label in the world, releasing material by such blues giants as Muddy Waters and Howlin' Wolf and rhythm and blues artists like Bo Diddley and Chuck Berry. Many of the blues songs recorded at Chess were written, arranged, and produced by Willie Dixon.

Dixon was first used on recording sessions by the Chess brothers in the late 1940s, as his schedule allowed. After the Big Three Trio disbanded, Dixon became a full-time employee of Chess. He performed a variety of duties, including producing, arranging, leading the studio band, and playing bass.

Dixon's first big break as a songwriter came when Muddy Waters recorded his “Hoochie Coochie Man” in 1954. Waters was one of Chess's most popular artists and the song became Waters's biggest hit, reaching Number Three on the rhythm and blues charts, Dixon became the label's top songwriter. Chess also released Waters's recordings of Dixon's “I Just Wanna Make Love to You” and “I'm Ready” in 1954, and they both became Top Ten R & B hits.

In 1955 Dixon charted his first Number One hit when Little Walter recorded “My Babe,” a song that became a blues classic.One of Dixon's most widely recorded songs, “My Babe” has been performed and recorded by artists as varied as the Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, the Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike and Tina Turner, and blues artists John Lee Hooker, Bo Diddley, and Lightnin' Hopkins.

Dixon supplied Chess blues recording artists with songs for three years, from 1954 through 1956. At the end of 1956, however, he left the label over disputes regarding royalties and contracts. He continued to play on recording sessions at Chess, though, most notably providing bass on all of Chuck Berry's sessions starting with the recording of “Maybelline” in 1955.

In 1957 Dixon joined the small independent Cobra Records, where he recorded such bluesmen as Otis Rush, Buddy Guy, and Magic Sam, creating what became known as the “West Side Sound.” It was a blues style that fused the Delta influence of classic Chicago blues with single-string lead guitar lines la B. B. King. The West Side gave birth to a less traditional, more modern blues sound and the emphasis placed on the guitar as a lead instrument ultimately proved to be a vastly influential force on the British blues crew in their formative stages.”

Gradually learning more about the music business, Dixon formed his own publishing company, Ghana Music, in 1957 and registered it with Broadcast Music Incorporated (BMI) to protect his copyright interest in his own songs. His “I Can't Quit You Baby” was a Top Ten rhythm and blues hit for Otis Rush, but Cobra Records soon faced financial difficulties. By 1959 Dixon was back at Chess as a full-time employee. The late 1950s were a difficult time for bluesmen in Chicago, even as blues music was gaining popularity in other parts of the United States. In 1959 Dixon teamed up with an old friend, pianist Memphis Slim, to perform at the Newport Folk Festival in Newport, Rhode Island. They continued to play together at coffee houses and folk clubs throughout the country and eventually became key players in a folk and blues revival among young white audiences that achieved its height in the 1960s.

Dixon began internationalizing the blues when he went to England with Memphis Slim in 1960. Dixon performed as part of the First American Folk Blues Festival that toured Europe in 1962. Organized by German blues fans Horst Lippmann and Fritz Rau, the festival also included Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry and Brownie McGhee, and other blues musicians.

The American Folk Blues Festival ran from 1962 through 1971 and helped the blues reach an audience of young Europeans. American blues musicians soon found they could make more money playing in Europe than in Chicago. They played in concert halls and were reportedly treated like royalty. Dixon played on the tour for three years, then became the Chicago contact for booking blues musicians for the tour.

Toward the end of the 1960s soul music eclipsed the blues in black record sales. Chess Records' last major hit was Koko Taylor's 1966 recording of Willie Dixon's “Wang Dang Doodle.” Many prominent bluesmen had died, including Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter, and J.B. Lenoir. Chess Records was sold in 1969 and Dixon recorded his last session for the label in 1970.

The many cover versions of his songs by the rock bands of the 1960s enhanced Dixon's reputation as a certified blues legend. He revived his career as a performer by forming the Chicago Blues All-Stars in 1969. The group's original lineup included Johnny Shines on guitar and vocals, Sunnyland Slim on piano, Walter “Shakey” Horton on harmonica, Clifton James on drums, and Dixon on bass and vocals.

Throughout the 1970s Dixon continued to write new songs, record other artists, and release his own performances on his own Yambo label. Two albums, “Catalyst,” in 1973 and “What's Happened to My Blues?” in 1977, received Grammy nominations. His busy performing schedule kept him on the road in the United States and abroad for six months out of the year until 1977, when his diabetes worsened and caused him to be hospitalized. He lost a foot from the disease but, after a period of recuperation, continued performing into the next decade.

Dixon resumed touring and regrouped the Chicago Blues All-Stars in the early 1980s. A 1983 live recording from the Montreux Jazz Festival in Switzerland resulted in another Grammy nomination. In the 1980s, Dixon established the Blues Heaven Foundation, a nonprofit organization providing scholarship awards and musical instruments to poorly funded schools. Blues Heaven also offers assistance to indigent blues musicians and helps them secure the rights to their songs. Ever active in protecting his own copyrights, Dixon himself reached an out-of-court settlement in 1987 over the similarity of Led Zeppelin's 1969 hit “Whole Lotta Love” to his own “You Need Love.”

Dixon's final two albums were well received, with the 1988 album “Hidden Charms” winning a Grammy Award for best traditional blues recording. In 1989 he recorded the soundtrack for the film “Ginger Ale Afternoon,” which also was nominated for a Grammy.

When Dixon died in 1992 at the age of 76, the music world lost one of its foremost blues composers and performers. From his musical roots in the Mississippi Delta and Chicago, Dixon created a body of work that reflected the changing times in which he lived.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

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Biografía del artista

Willie Dixon fue un prolífico compositor de blues con más de 500 composiciones en su haber. Nacido y criado en Mississippi, viajó en tren a Chicago durante la Gran Depresión y se convirtió en el principal compositor y productor de blues de Chess Records. Las canciones de Dixon crearon literalmente el llamado "Chicago blues sound" y fueron grabadas por artistas del blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor y muchos otros.

Willie Dixon nació el 1 de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi. Vicksburg era una ciudad animada situada en el río Mississippi, a medio camino entre Nueva Orleans y Memphis. De joven, Dixon escuchó una variedad de músicos de blues, dixieland y ragtime tocando en las calles, en picnics y otros eventos comunitarios, y en los clubes cercanos a su casa donde los escuchaba desde la acera.

Dixon creció en un barrio integrado en el borde norte de Vicksburg, donde su madre tenía un pequeño restaurante. La familia de siete niños vivía detrás del restaurante, y al lado del restaurante estaba Curley's Barrelhouse. Escuchando desde la calle, Dixon, que entonces tenía unos ocho años, escuchó a los bluesmen Little Brother Montgomery y Charley Patton tocar allí junto con una variedad de pianistas de ragtime y dixieland.

Dixon tenía sólo doce años cuando aterrizó en la cárcel por primera vez y fue enviado a una granja del condado por robar algunos artefactos de una vieja casa derribada. Recordó: "Fue entonces cuando realmente aprendí sobre el blues. Los había escuchado con la música y los había tomado como algo agradable, pero después de escuchar a estos chicos quejándose y gimiendo con los pies en la tierra, empecé a preguntarles sobre ellos...... Realmente empecé a descubrir lo que significaba el blues para la gente negra, cómo les daba consuelo poder reflexionar sobre estas cosas y cantarlas para sí mismos o dejar que otras personas supieran lo que tenían en mente y cómo les molestaban varias cosas en la vida".

Aproximadamente un año después, Dixon fue capturado por las autoridades locales cerca de Clarksdale, Mississippi, y arrestado por vagabundear. Le dieron treinta días en la Granja del Condado de Harvey Allen, ubicada cerca de la infame prisión de la Granja Parchman. En la granja Allen, Dixon vio a muchos prisioneros siendo maltratados y golpeados. El mismo Dixon fue maltratado en la granja del condado, recibiendo un golpe en la cabeza que, según él, lo dejó sordo durante unos cuatro años. Logró escapar, sin embargo, y caminó hasta Memphis, donde se embarcó en un tren de carga hacia Chicago. Permaneció allí brevemente en casa de su hermana, luego se fue a Nueva York por un corto tiempo antes de regresar a Vicksburg.

Cuando Dixon llegó a Chicago en 1936, comenzó a entrenar para ser boxeador. Estaba en excelente condición física por el duro trabajo que había estado haciendo en el sur, y también era un hombre grande. En 1937 ganó los Guantes de Oro de Illinois en la categoría de peso pesado para principiantes. A lo largo de la década de 1930, Dixon estuvo cantando en Chicago con varios grupos de gospel, algunos de los cuales actuaron en la radio. Dixon había recibido un buen entrenamiento en armonía vocal de Theo Phelps en Vicksburg, donde cantó el bajo con los Union Jubilee Singers. Más o menos al mismo tiempo, Leonard "Baby Doo" Caston le dio a Dixon su primer instrumento musical, un bajo improvisado hecho de una lata de aceite y una cuerda. Dixon, Caston, y algunos otros músicos formaron un grupo llamado las Cinco Brisas. Tocaron en Chicago y en 1939 grabaron un disco que marcó la primera aparición de Dixon en vinilo.

En 1946 Dixon y Caston formaron el Trío de los Tres Grandes, que lleva el nombre de los Tres Grandes del presidente estadounidense Franklin Roosevelt, del primer ministro británico Winston Churchill y del líder político soviético Joseph Stalin. El grupo se inspiró en otros grupos vocales negros populares de la época, como los Mills Brothers y los Ink Spots. Dixon en ese momento estaba cantando y tocando un bajo erguido regular. Mientras los músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter tocaban en clubes pequeños para todo el público negro, el Big Three Trio tocaba en clubes de espectáculos grandes con capacidades de tres a cinco mil personas.

En 1951, después de varios años de exitosas giras y grabaciones, el Big Three Trio se disolvió. Muchas de las composiciones de Dixon nunca fueron grabadas por el trío, pero estas canciones aparecieron más tarde en el repertorio de los artistas de blues con los que Dixon trabajó en la década de 1950.

Leonard y Phil Chess comenzaron a grabar el blues a finales de los años 40, y en 1950 los Chess Brothers lanzaron discos de blues en el sello que lleva su nombre. Durante la siguiente década, Chess se convirtió en lo que muchos consideran el sello de blues más importante del mundo, publicando material de gigantes del blues como Muddy Waters y Howlin' Wolf y artistas del rhythm and blues como Bo Diddley y Chuck Berry. Muchas de las canciones de blues grabadas en Chess fueron escritas, arregladas y producidas por Willie Dixon.

Dixon fue usado por primera vez en sesiones de grabación por los hermanos Chess a finales de los años 40, según lo permitía su horario. Después de la disolución del Big Three Trio, Dixon se convirtió en un empleado de tiempo completo de Chess. Realizó una variedad de tareas, incluyendo la producción, arreglos, dirección de la banda del estudio y tocar el bajo.

La primera gran oportunidad de Dixon como compositor llegó cuando Muddy Waters grabó su "Hoochie Coochie Man" en 1954. Waters fue uno de los artistas más populares del ajedrez y la canción se convirtió en el mayor éxito de Waters, alcanzando el número tres en las listas de éxitos del rhythm and blues, Dixon se convirtió en el mejor compositor de la discográfica. Chess también lanzó las grabaciones de Waters de "I Just Wanna Make Love to You" y "I'm Ready" de Dixon en 1954, y ambos se convirtieron en éxitos de Top Ten R & B.

En 1955 Dixon trazó su primer éxito número uno cuando Little Walter grabó "My Babe", una canción que se convirtió en un clásico del blues. Una de las canciones más grabadas de Dixon, "My Babe", ha sido interpretada y grabada por artistas tan variados como Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike y Tina Turner, y los artistas de blues John Lee Hooker, Bo Diddley, y Lightnin' Hopkins.

Dixon proveyó a los artistas de blues de ajedrez con canciones durante tres años, desde 1954 hasta 1956. A finales de 1956, sin embargo, dejó la etiqueta por disputas sobre regalías y contratos. Sin embargo, continuó tocando en sesiones de grabación en Chess, sobre todo proporcionando bajo en todas las sesiones de Chuck Berry, comenzando con la grabación de "Maybelline" en 1955.

En 1957 Dixon se unió al pequeño sello independiente Cobra Records, donde grabó bluesmen como Otis Rush, Buddy Guy y Magic Sam, creando lo que se conoció como el "West Side Sound". Era un estilo de blues que fusionaba la influencia del Delta del blues clásico de Chicago con las líneas de guitarra principal de una sola cuerda de la B. B. King. El West Side dio lugar a un sonido blues menos tradicional y más moderno, y el énfasis puesto en la guitarra como instrumento principal resultó ser, en última instancia, una fuerza muy influyente en el equipo de blues británico en sus etapas de formación".

Gradualmente aprendiendo más sobre el negocio de la música, Dixon formó su propia compañía editorial, Ghana Music, en 1957 y la registró en Broadcast Music Incorporated (BMI) para proteger los derechos de autor de sus propias canciones. Su "I Can't Quit You Baby" fue un éxito en el Top Ten del rhythm and blues de Otis Rush, pero Cobra Records pronto se enfrentó a dificultades financieras. En 1959 Dixon volvió a Chess como empleado a tiempo completo. Los últimos años de la década de 1950 fueron una época difícil para los bluesistas en Chicago, a pesar de que la música blues estaba ganando popularidad en otras partes de los Estados Unidos. En 1959 Dixon se asoció con un viejo amigo, el pianista Memphis Slim, para actuar en el Newport Folk Festival en Newport, Rhode Island. Continuaron tocando juntos en cafés y clubes folclóricos de todo el país y, con el tiempo, se convirtieron en protagonistas de un renacimiento del folclore y el blues entre el público joven blanco que alcanzó su apogeo en la década de 1960.

Dixon comenzó a internacionalizar el blues cuando fue a Inglaterra con Memphis Slim en 1960. Dixon actuó como parte del Primer Festival de Folk Blues Americano que recorrió Europa en 1962. Organizado por los fans del blues alemán Horst Lippmann y Fritz Rau, el festival también incluyó a Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie McGhee, y otros músicos de blues.

El American Folk Blues Festival se llevó a cabo de 1962 a 1971 y ayudó a que el blues llegara a una audiencia de jóvenes europeos. Los músicos de blues estadounidenses pronto descubrieron que podían ganar más dinero tocando en Europa que en Chicago. Tocaban en salas de conciertos y, según se informa, eran tratados como si fueran de la realeza. Dixon tocó en la gira durante tres años, y luego se convirtió en el contacto de Chicago para contratar músicos de blues para la gira.

Hacia finales de la década de 1960, la música soul eclipsó al blues en las ventas de discos negros. El último gran éxito de Chess Records fue la grabación de Koko Taylor en 1966 de "Wang Dang Doodle" de Willie Dixon. Muchos destacados bluesmen habían muerto, incluyendo a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter y J.B. Lenoir. Chess Records se vendió en 1969 y Dixon grabó su última sesión para el sello en 1970.

Las muchas versiones de sus canciones de las bandas de rock de los años 60 mejoraron la reputación de Dixon como una leyenda del blues certificada. Revivió su carrera como intérprete formando las Chicago Blues All-Stars en 1969. La formación original del grupo incluía a Johnny Shines en guitarra y voz, Sunnyland Slim en piano, Walter "Shakey" Horton en armónica, Clifton James en batería y Dixon en bajo y voz.

A lo largo de la década de 1970, Dixon continuó escribiendo nuevas canciones, grabando a otros artistas y lanzando sus propias actuaciones en su propio sello Yambo. Dos álbumes, "Catalyst", en 1973, y "What's Happened to My Blues", en 1977, recibieron nominaciones a los Grammy. Su apretada agenda de presentaciones lo mantuvo en la carretera en los Estados Unidos y en el extranjero durante seis meses del año hasta 1977, cuando su diabetes empeoró y lo hospitalizó. Perdió un pie de la enfermedad pero, después de un período de recuperación, siguió actuando en la siguiente década.

Dixon reanudó sus giras y reagrupó a las Chicago Blues All-Stars a principios de la década de 1980. Una grabación en vivo de 1983 del Festival de Jazz de Montreux en Suiza resultó en otra nominación a los Grammy. En la década de 1980, Dixon estableció la Blues Heaven Foundation, una organización sin fines de lucro que ofrece becas e instrumentos musicales a escuelas con pocos fondos. Blues Heaven también ofrece asistencia a músicos de blues indigentes y les ayuda a asegurar los derechos de sus canciones. Siempre activo en la protección de sus propios derechos de autor, el propio Dixon llegó a un acuerdo extrajudicial en 1987 por la similitud del éxito de Led Zeppelin en 1969 "Whole Lotta Love" con su propio "You Need Love".

Los dos últimos álbumes de Dixon fueron bien recibidos, con el álbum de 1988 "Hidden Charms" ganando un premio Grammy a la mejor grabación de blues tradicional. En 1989 grabó la banda sonora de la película "Ginger Ale Afternoon", que también fue nominada a un Grammy.

Cuando Dixon murió en 1992 a la edad de 76 años, el mundo de la música perdió a uno de sus principales compositores e intérpretes de blues. Desde sus raíces musicales en el delta del Mississippi y Chicago, Dixon creó un cuerpo de trabajo que reflejaba los tiempos cambiantes en los que vivió.

Fuente: James Nadal

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