Cal Tjader • Demasiado Caliente

 

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.

Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.

Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

 

 

Barbara Dennerlein • Love Letters

Review by Steve Leggett:
Much has been made of the fact that German Hammond B-3 player Barbara Dennerlein doesn't sound very much like Jimmy Smith, and indeed, she doesn't, which is truly an achievement, since Smith pretty much wrote the book on how to play the B-3 in a jazz setting. With her innovative use of foot pedals and the MIDI synthesizer, Dennerlein actually has moved the B-3 legacy forward into the next generation, and Love Letters, originally released on her own independent Bebab label, is ample evidence of how striking and intriguing she can make the Hammond sound. Working as part of a duo with drummer Daniel Messina, Dennerlein runs the gamut here from playfully funky on the lead track "Funkish" to downright loopy on the experimental epic "Frogs in Space." She also shows on "Jimmy's Walk" that she certainly can sound like Smith if she chooses to, and the track serves as sort of homage to the father of modern B-3 soul-jazz. Also worth noting is the delightful and full-sounding "A Summer Day," which shows the range of Dennerlein's compositional skills. Messina's drumming is tight throughout, and the pair work together so well that one quickly forgets that there aren't more musicians on these tracks, thanks in no small part to Dennerlein's bass pedal work, which is phenomenal.
https://www.allmusic.com/album/love-letters-mw0000699818

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Reseña de Steve Leggett:
Se ha hablado mucho del hecho de que la intérprete alemana de Hammond B-3 Barbara Dennerlein no suena muy parecida a Jimmy Smith, y de hecho, no lo hace, lo cual es un verdadero logro, ya que Smith prácticamente escribió el libro sobre cómo tocar la B-3 en un entorno de jazz. Con su innovador uso de los pedales y el sintetizador MIDI, Dennerlein ha hecho avanzar el legado de la B-3 hacia la siguiente generación, y Love Letters, publicado originalmente en su propio sello independiente Bebab, es una amplia prueba de lo sorprendente e intrigante que puede hacer sonar el Hammond. Trabajando como parte de un dúo con el baterista Daniel Messina, Dennerlein recorre aquí toda la gama, desde el funky juguetón en el tema principal "Funkish" hasta el loopy más absoluto en la épica experimental "Frogs in Space". También demuestra en "Jimmy's Walk" que puede sonar como Smith si lo desea, y el tema sirve como una especie de homenaje al padre del soul-jazz moderno en B-3. También merece la pena destacar la deliciosa y completa "A Summer Day", que muestra el alcance de las habilidades compositivas de Dennerlein. La batería de Messina es muy precisa, y la pareja trabaja tan bien juntos que uno se olvida rápidamente de que no hay más músicos en estos temas, gracias en gran parte al trabajo de Dennerlein con el pedal del bajo, que es fenomenal.
https://www.allmusic.com/album/love-letters-mw0000699818

www.barbaradennerlein.com ...

 

Kenny Burrell • Earthy

 

Shirley Scott • Blues Everywhere

Interesante grabación de Shirley, tocando piano en vez de su habitual instrumento, el órgano.

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Interesting recording of Shirley, playing piano instead of her usual instrument, organ.

Cal Tjader • Primo

 

Review by Scott Yanow
This CD brings back one of Cal Tjader's best late-period recordings and finds the vibraphonist adapting his 1950s Latin jazz concept to the 1970s without losing any vitality. Tjader is joined by four horns, the legendary keyboardist Charlie Palmieri, electric bassist Bobby Rodriguez, and six percussionists; Tito Puente (who plays timbales on Mario Bauza's "Tanga") and Palmieri provided the heated arrangements. A previously unreleased alternate take of "Bang Bang" is added to the CD reissue. Highly recommended to collectors of Latin jazz.
https://www.allmusic.com/album/primo-mw0000094120

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Reseña de Scott Yanow
Este CD trae de vuelta una de las mejores grabaciones de Cal Tjader del período tardío y encuentra al vibrafonista adaptando su concepto de jazz latino de los años 50 a los 70 sin perder nada de vitalidad. A Tjader se le unen cuatro trompas, el legendario teclista Charlie Palmieri, el bajista eléctrico Bobby Rodríguez y seis percusionistas; Tito Puente (que toca los timbales en "Tanga" de Mario Bauza) y Palmieri prop

orcionaron los calurosos arreglos. Una toma alternativa de "Bang Bang", no publicada anteriormente, se añade a la reedición del CD. Altamente recomendado para los coleccionistas de jazz latino.
https://www.allmusic.com/album/primo-mw0000094120

 

 

 

Terry Gibbs & Buddy DeFranco • Play Steve Allen

Merit Hemmingson • Discotheque Dance A Go Go - At The Esquire Club

Merit Hemmingson, born August 30, 1940 in the village Gärdsta in Marby parish in Jämtland, is a Swedish organist, composer and singer.
https://sv.wikipedia.org/wiki/Merit_Hemmingson

The Ernie Freeman Combo • Night Sounds

 

Ernest Aaron Freeman (August 16, 1922 – May 16, 1981) was an American pianist, organist, bandleader, and arranger. He was responsible for arranging many successful rhythm and blues and pop records from the 1950s to the 1970s. 

 

Richard ''Groove'' Holmes • Groove

Review by Scott Yanow
When the participants on this CD reissue gathered together in March 1961, it was with the objective of recording a Les McCann vocal album. However, the band had such a good time during their warmup that McCann and the others agreed that it would be a crime to waste the opportunity. Organist Richard "Groove" Holmes, whom McCann had recently discovered, was made the leader; a few jump tunes and originals were agreed upon, and the result is a loose, enjoyable jam session. In addition to Holmes' appealing organ and McCann's typically funky piano, a major bonus is the brilliant playing of tenor saxophonist Ben Webster, whose tone was at its most gorgeous during this period. The five songs on the original LP are joined by a number that was last on a sampler, a McCann vocal track ("Next Spring"), and a previously unreleased version of "Just Friends." The spontaneous and soulfully swinging music, which also features trombonist Tricky Lofton, guitarist George Freeman and drummer Ron Jefferson, is easily recommended.
https://www.allmusic.com/album/groove-mw0000690178

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Reseña de Scott Yanow
Cuando los participantes en esta reedición del CD se reunieron en marzo de 1961, fue con el objetivo de grabar un álbum vocal de Les McCann. Sin embargo, la banda se divirtió tanto durante su calentamiento que McCann y los demás acordaron que sería un crimen desperdiciar la oportunidad. El organista Richard "Groove" Holmes, a quien McCann había descubierto recientemente, se convirtió en el líder; se acordaron unos cuantos jump tunes y originales, y el resultado es una floja y agradable jam session. Además del atractivo órgano de Holmes y el típico piano funky de McCann, una ventaja importante es la brillante interpretación del saxofonista tenor Ben Webster, cuyo tono era el más hermoso durante este período. A las cinco canciones del LP original se unen un número que fue el último en un sampler, un tema vocal de McCann ("Next Spring"), y una versión inédita de "Just Friends". La música espontánea y conmovedora, que también incluye al trombonista Tricky Lofton, al guitarrista George Freeman y al baterista Ron Jefferson, es fácilmente recomendable.
https://www.allmusic.com/album/groove-mw0000690178

Jimmy Smith • The Sounds Of Jimmy Smith

Ray Barretto ‎• Señor 007

Review by Jason Ankeny
The kind of wrongheaded gimmick record that works brilliantly almost in spite of itself, Ray Barretto's Señor 007 cashes in on the craze for all things James Bond by recasting composer John Barry's intrigue-laden themes as hard-driving Latin jazz groovers. Barretto's bold, widescreen arrangements and punishing rhythms ratchet the music's intensity to new levels while also expanding the potent sensuality implicit in Barry's compositions. Familiar melodies like "Goldfinger," "Thunderball," and the ubiquitous "James Bond Theme" seem fresh and new all over again -- and the cover, complete with Barretto in a classic espionage tableau, is alone worth the price of admission.

 

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Reseña de Jason Ankeny
El tipo de disco de truco mal pensado que funciona brillantemente casi a pesar de sí mismo, Señor 007 de Ray Barretto se aprovecha de la locura por todo lo que es James Bond al refundir los temas cargados de intriga del compositor John Barry en forma de duros groovers de jazz latino. Los atrevidos arreglos de Barretto en pantalla ancha y los ritmos agotadores elevan la intensidad de la música a nuevos niveles mientras que también expanden la potente sensualidad implícita en las composiciones de Barry. Melodías familiares como "Goldfinger", "Thunderball" y el omnipresente "Tema de James Bond" parecen frescas y nuevas una y otra vez - y la portada, con Barretto en un cuadro clásico de espionaje, vale por sí sola el precio de la admisión.

 

 

Cal Tjader • Tjader Plays Tjazz

Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.

Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.

Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

 

 

Kenny Burrell • Out Of This World

Barbara Dennerlein • Studio Konzert for Headphones

 

Born in Munich, Germany, in 1964, Barbara Dennerlein fell in love with the Hammond organ sound at an early age. She was eleven when the first home organ was given to her for Christmas. After only one and a half years of lessons she decided to continue autodidactic, relying upon her highly visible talent. She began to develop her own inimitable style and finally her jazz enthusiastic parents decided to buy an original Hammond B3.

Barbara became acquainted with the history of the instrument and went on her own journey of discovery in the world of music. In addition to studying the classical repertoire of standards, she also began to compose her own numbers very early on. Following first performances as a thirteen-year-old, she began to play in clubs at the age of fifteen. In the early eighties she was already fêted as the “organ tornado from Munich”.

After her first TV appearances in 1982 Barbara began to record for LP's and included own compositions right from the beginning. Her third LP “Bebab” (a compound of 'bebop' and 'Barbara') was released by her likewise named own record label which she established at age 20. Having received the German jazz critics award for it, her popularity increased tremendously in Europe and finally grew into a world wide reputation. “Harper's Bazaar” wondered: “How did this Fräulein get so funky?“ and the Los Angeles Times headlined with: ”German Organist Pumps You Out”.

Since MIDI technology came up Barbara adds synthesizers and samplers to her sound. She replaced the rather weak Hammond pedal sound by an original double bass sample that allows her to play an accentuated bass line with one foot, chords with the left hand and melody with the right.

Being a band leader from the very beginning, and often the youngest among elder, Barbara is a perfectionist, though anything but a soulless technician. She attaches the greatest importance to musical integration in the collective. Her live bands play superbly well together. Her CD productions for e.g. “ENJA” or “Verve” feature hand- picked line-ups of prominent musicians versed in different styles, such as Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker, Jeff “Tain” Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David Sanchez, Roy Hargrove, Bob Berg and Dennis Chambers.

From time to time, Barbara allows herself sufficient time to give musical expression to her innermost thoughts and aspirations and to capture these on strikingly original and very personal solo CD's. ”Solo” (1993) and “In a Silent Mood” (2004) provide a revealing insight into her musical personality, as she energetically celebrates the free flow of musical ideas which mirror her remarkable career as a brilliant exponent of the organ.

Besides her “Bebab Band” and solo work, Barbara Dennerlein has also collaborated with big bands like Peter Herbolzheimer's Rythm combination & brass and with the unforgettable pianist Friedrich Gulda, who used his full musical genius to create a symbiosis of classical music and jazz beyond all limitations of style or genre.

Barbara Dennerlein takes the same approach to music in her work as she says: “To me, jazz is a synonym for freedom. Freedom from prejudice and discrimination, freedom from constraints and convention. This is my own definition of jazz that I want to convey to the listener. Whether young or old, traditionalist or modernist, jazz fan or non-jazz fan.“

Thus, she continuously explores new terrain. Her first invitation to play a church organ concert in 1994 stimulated an intensive period of activity with the “queen of instruments”, the church organ. Thanks to her complete mastery of the pedals, Barbara managed to fully exploit the immense musical potential, sometimes with works that she composed especially for the pipe organ, and make the somewhat sluggish instrument swing. In many concerts since then the audience has been carried off to new worlds of sound, a mixture of jazz in the widest sense and classical elements. In 2002 Barbara recorded for the first time exclusively on the pipe organ (”Spiritual Movement No.1”).

In 2003 Barbara started a true outstanding project in regard of a jazz trio and a philharmonic orchestra playing together. She derived the project from the fact that she, to put it into her own words, ”has approached the cosmos of classical music by playing on the church organ”. Barbara Dennerlein performed her complex compositions on the church organ but she aimed to realize them by a much bigger musical body, which ensures the full richness of colours and dynamics. To let a symphonic orchestra swing is even more difficult than to achieve this on the pipe organ. A real task for Barbara, who likes to bear challenges.

Barbara Dennerlein's compositional work varies from traditional blues schemes, romantic, melancholic ballads to tempo driven compositions with elements of swing, bebop, funk and Latin rhythms. The fast rhythms require artistic pedal foot work in many of her own compositions. Dennerlein often uses changing bars, as well as unconventional harmonic changes to confer narrative and figurative expression to her compositions.
https://musicians.allaboutjazz.com/barbaradennerlein

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Nacida en Múnich, Alemania, en 1964, Barbara Dennerlein se enamoró del sonido del órgano Hammond a una edad temprana. Tenía once años cuando le regalaron el primer órgano casero por Navidad. Tras sólo un año y medio de clases, decidió continuar con su autodidactismo, confiando en su visible talento. Comenzó a desarrollar su propio e inimitable estilo y finalmente sus padres, entusiastas del jazz, decidieron comprar un Hammond B3 original.

Barbara se familiarizó con la historia del instrumento y emprendió su propio viaje de descubrimiento en el mundo de la música. Además de estudiar el repertorio clásico de estándares, también empezó a componer sus propios números muy pronto. Tras sus primeras actuaciones a los trece años, empezó a tocar en clubes a los quince. A principios de los años ochenta ya se la conocía como el "tornado del órgano de Múnich".

Tras sus primeras apariciones en televisión, en 1982, Barbara comenzó a grabar en LPs e incluyó composiciones propias desde el principio. Su tercer LP "Bebab" (un compuesto de 'bebop' y 'Barbara') fue publicado por su propio sello discográfico, también llamado así, que creó a los 20 años. Tras recibir el premio de la crítica de jazz alemana por él, su popularidad aumentó enormemente en Europa y, finalmente, alcanzó una reputación mundial. "Harper's Bazaar" se preguntaba: "¿Cómo ha llegado esta Fräulein a ser tan funky?" y Los Angeles Times tituló con: "La organista alemana te hace vibrar".

Desde que apareció la tecnología MIDI, Barbara añade sintetizadores y samplers a su sonido. Sustituyó el sonido más bien débil del pedal Hammond por una muestra original de contrabajo que le permite tocar una línea de bajo acentuada con un pie, acordes con la mano izquierda y melodía con la derecha.

Líder de la banda desde el principio, y a menudo la más joven entre los mayores, Barbara es una perfeccionista, aunque cualquier cosa menos un técnico sin alma. Concede la máxima importancia a la integración musical en el colectivo. Sus bandas en directo tocan magníficamente bien juntas. Sus producciones de CD para, por ejemplo, "ENJA" o "Verve" cuentan con formaciones escogidas a mano de destacados músicos versados en diferentes estilos, como Ray Anderson, Antonio Hart, Mitch Watkins, Randy Brecker, Jeff "Tain" Watts, David Murray, Howard Johnson, Frank Lacy, David Sánchez, Roy Hargrove, Bob Berg y Dennis Chambers.

De vez en cuando, Barbara se permite el tiempo suficiente para dar expresión musical a sus pensamientos y aspiraciones más íntimos y plasmarlos en CDs en solitario sorprendentemente originales y muy personales. "Solo" (1993) y "In a Silent Mood" (2004) ofrecen una visión reveladora de su personalidad musical, ya que celebra con energía el libre flujo de ideas musicales que reflejan su notable carrera como brillante exponente del órgano.

Además de su "Bebab Band" y de su trabajo en solitario, Barbara Dennerlein ha colaborado con grandes bandas como la Rythm combination & brass de Peter Herbolzheimer y con el inolvidable pianista Friedrich Gulda, que utilizó todo su genio musical para crear una simbiosis de música clásica y jazz más allá de toda limitación de estilo o género.

Barbara Dennerlein adopta el mismo enfoque de la música en su trabajo, como dice: "Para mí, el jazz es sinónimo de libertad. Libertad de prejuicios y discriminación, libertad de limitaciones y convenciones. Esta es mi propia definición del jazz que quiero transmitir al oyente. Ya sea joven o mayor, tradicionalista o modernista, aficionado al jazz o no aficionado".

Así, explora continuamente nuevos terrenos. Su primera invitación para tocar un concierto de órgano de iglesia en 1994 estimuló un intenso periodo de actividad con la "reina de los instrumentos", el órgano de iglesia. Gracias a su completo dominio de los pedales, Barbara consiguió explotar al máximo el inmenso potencial musical, a veces con obras que compuso especialmente para el órgano de tubos, y hacer oscilar este instrumento un tanto perezoso. En muchos conciertos desde entonces, el público se ha visto transportado a nuevos mundos sonoros, una mezcla de jazz en el sentido más amplio y elementos clásicos. En 2002 Barbara grabó por primera vez exclusivamente con el órgano de tubos ("Spiritual Movement No.1").

En 2003, Barbara inició un proyecto verdaderamente excepcional en lo que respecta a un trío de jazz y una orquesta filarmónica que tocan juntos. El proyecto surgió del hecho de que ella, para decirlo con sus propias palabras, "se ha acercado al cosmos de la música clásica tocando en el órgano de la iglesia". Barbara Dennerlein interpretaba sus complejas composiciones en el órgano de la iglesia, pero pretendía realizarlas con un cuerpo musical mucho más grande, que garantizara toda la riqueza de colores y dinámicas. Dejar que una orquesta sinfónica se balancee es aún más difícil que conseguirlo en el órgano de tubos. Una verdadera tarea para Barbara, a quien le gustan los retos.

El trabajo compositivo de Barbara Dennerlein varía desde los esquemas tradicionales del blues, las baladas románticas y melancólicas hasta las composiciones impulsadas por el tempo con elementos de swing, bebop, funk y ritmos latinos. Los ritmos rápidos exigen un trabajo artístico con el pedal en muchas de sus composiciones. Dennerlein utiliza a menudo compases cambiantes, así como cambios armónicos no convencionales para conferir expresión narrativa y figurativa a sus composiciones.
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Kenny Burrell • The Tender Gender

Biography
After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.
https://musicians.allaboutjazz.com/kennyburrell

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Biografía
Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y acompañante, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes guitarristas que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y la discriminación de gustos, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no esté a la altura de sus colegas. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y balancearme", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington" - es una muestra típica de los elogios de la crítica que rutinariamente se conceden a Burrell, quien fue pionero del trío liderado por la guitarra con el bajo y la batería a finales de los cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en otros innumerables formatos, desde la big band a las tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, ha permanecido constante en su búsqueda por sacar el máximo provecho de un sonido natural, de bajo volumen y acústico. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que vienen a escuchar y son silenciosos", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de actuación y grabación, Kenny ha sido profesor de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su horario de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartió en los Estados Unidos. Además, es también el fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es conferencista y director de talleres sobre estudios de guitarra y jazz, fundador y presidente emérito de la Jazz Heritage Foundation, y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un compositor prolífico cuyo trabajo es cada vez más solicitado. Kenny es el compositor de la canción "Dear Ella", ganadora de un premio Grammy en 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una comisión de subvención de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y ampliada para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 se grabó para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más gentiles del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "un educador y portavoz de toda la tradición del jazz americano, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música, y lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de hombre que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda, - "Se nos pegó un poco."

Kenny, que atribuye a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt las influencias, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista estaba manteniendo una compañía pesada, incluyendo la de otros prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, se quedó en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, donde obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y sigue empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a Burrell a ver la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan condujeron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados rápidamente en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons y muchos otros, sino que también tocó en sesiones de pop con gente como Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de boxes de espectáculos de Broadway como Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Esta obra ha recibido muchos elogios de la crítica.

Desde mediados de los sesenta, el guitarrista ha liderado su propio grupo además de trabajar en los escenarios del "All-Star" y ha actuado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad e invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que dio Duke - eres único, sé tú mismo, saca esa cosa que eres, luego usa tu ética de trabajo y produce gran música."

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" numerosas veces por los aficionados a la música y los críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez en la encuesta internacional de lectores del Jazz Times.

Su música y sus grabaciones han recibido muchos reconocimientos internacionales, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, entre ellos un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue votado "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Ángeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Fue miembro del panel de premios del National Endowment for the Arts y fue el Presidente Nacional de guitarras de la Asociación Nacional de Educadores de Jazz. Ha sido apodado el "laureado de guitarra" de América por el Detroit Free Press.
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Barbara Dennerlein • Barbara Dennerlein Plays Classics

Barbara Dennerlein (born 25 September 1964 in Munich, Germany) is a hard bop, post-bop, and jazz organist. She has achieved particular critical acclaim for using the bass pedalboard on a Hammond organ, and for integrating synthesizer sounds onto the instrument, and has been described as "the most interesting jazz organist to emerge during the 1980s."

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Barbara Dennerlein (nacida el 25 de septiembre de 1964 en Munich, Alemania) es una organista de hard bop, post-bop y jazz. Ha logrado una particular aclamación de la crítica por utilizar la pedalera del bajo en un órgano Hammond, y por integrar sonidos de sintetizador en el instrumento, y ha sido descrita como "la organista de jazz más interesante que surgió durante los años ochenta".

 

 

 

 
https://www.barbaradennerlein.com/en/

 

Young Holt Unlimited • The Beat Goes On

 

Biography by Steve Huey
 Bassist Eldee Young and drummer Isaac "Red" Holt attended the American Conversatory of Music in Chicago together, and played together in a dance orchestra called the Cleffs, where they met pianist Ramsey Lewis and formed a popular jazz trio in 1956. After a decade as Lewis' rhythm section, Young and Holt split to form their own act in the wake of the trio's breakout pop hit "The 'In' Crowd." Hiring pianist Hysear Don Walker and christening themselves the Young-Holt Trio, they scored a quick Top 20 R&B hit with the infectious and silly "Wack Wack." Most of their material, recorded on several LPs for Brunswick, cut an invigorating soul-jazz groove that explored the territory between Jimmy Smith and Junior Walker, with dour bass, Ray Charles-inspired keyboards, faint scat vocals, and a live party ambience. In 1968, Walker was replaced by Ken Chaney as Young and Holt tightened up their sound, added some funky rhythms, and renamed the group Young-Holt Unlimited. They scored a left-field smash with the instrumental "Soulful Strut," which was actually the backing track from Brunswick soul singer Barbara Acklin's "Am I the Same Girl." Although the actual Young-Holt group was rumored not to have even played on the track, it went all the way to number three in 1969, driven by a bright, indelible horn riff. Attempts to duplicate its success met with indifference, and although Young-Holt Unlimited remained a popular concert attraction on both the R&B and jazz circuits (sometimes with pianist Bobby Lyle in place of Chaney), their recording career was on the wane. They cut LPs for Atlantic (1972's Oh Girl) and Paula (1973's Plays Superfly) that failed to restore their commercial momentum, and disbanded in 1974. Both Young and Holt reunited with Ramsey Lewis in 1983.
https://www.allmusic.com/artist/young-holt-unlimited-mn0000590524#biography

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Biografía de Steve Huey
 El bajista Eldee Young y el batería Isaac "Red" Holt estudiaron juntos en el American Conversatory of Music de Chicago y tocaron juntos en una orquesta de baile llamada The Cleffs, donde conocieron al pianista Ramsey Lewis y formaron un popular trío de jazz en 1956. Tras una década como sección rítmica de Lewis, Young y Holt se separaron para formar su propio grupo a raíz del gran éxito pop del trío, "The 'In' Crowd". Tras contratar al pianista Hysear Don Walker y bautizarse como Young-Holt Trio, consiguieron un rápido éxito en el Top 20 de R&B con la contagiosa y tonta "Wack Wack". La mayor parte de su material, grabado en varios LPs para Brunswick, tenía un vigorizante groove soul-jazz que exploraba el territorio entre Jimmy Smith y Junior Walker, con un bajo adusto, teclados inspirados en Ray Charles, tenues voces scat y un ambiente de fiesta en directo. En 1968, Walker fue sustituido por Ken Chaney mientras Young y Holt endurecían su sonido, añadían ritmos funky y rebautizaban el grupo como Young-Holt Unlimited. Consiguieron un gran éxito con el instrumental "Soulful Strut", que en realidad era la banda sonora de "Am I the Same Girl" de la cantante de soul de Brunswick Barbara Acklin. Aunque se rumoreaba que el grupo Young-Holt ni siquiera había tocado en la canción, ésta llegó al número tres en 1969, impulsada por un brillante e indeleble riff de trompeta. Los intentos de duplicar su éxito se toparon con la indiferencia, y aunque Young-Holt Unlimited siguió siendo una popular atracción de conciertos tanto en el circuito de R&B como en el de jazz (a veces con el pianista Bobby Lyle en lugar de Chaney), su carrera discográfica estaba en declive. Grabaron LPs para Atlantic (Oh Girl, 1972) y Paula (Plays Superfly, 1973) que no lograron recuperar su impulso comercial, y se disolvieron en 1974. Young y Holt se reunieron con Ramsey Lewis en 1983.
https://www.allmusic.com/artist/young-holt-unlimited-mn0000590524#biography