Jack McDuff • The Pink Panther

 

Eumir Deodato • Love Island

  

 

Brazilian-born Eumir Deodato has racked up 16 platinum records to his credit as artist, arranger or producer with combined sales of well over 25 million records in the USA alone. His discography, including compilations and all his work as arranger, producer and keyboardist, surpasses 450 albums. He has also had the honor of performing with the St. Louis Symphony (which backed him on his superb Artistry album), the Cincinnati Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra di Musica Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists over the years have covered his songs, including George Benson, Lee Ritenour, Sarah Vaughan and The Emotions to mention just a few.

And yet, in spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions over the years, the multi-talented, multi-instrumentalist will probably forever be associated with one song - his innovative rendition of Richard Strauss' classical opus “Also Sprach Zarathustra” (or more commonly known as the theme to 2001: A Space Odyssey). That single compelling song, which first appeared on his 1973 debut album for CTI “Prelude,” sold at least five million copies and earned Deodato his first Grammy Award, instantly moved him to international stardom and setting a course for his remarkable ongoing career in music. Thirty years later, that same tune has found its way into the repertoire of the jam band Phish, a testament to Deodato's enduring influence.

Born in Rio de Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin, Eumir Deodato got his start by playing the accordion at age 12. Shortly thereafter, he started studying piano as well as orchestration, arranging and conducting. Strictly self-taught, he immersed himself in theory books while spending countless evenings sitting behind orchestras and carefully observing how each part was played. His first break came at age 17 when he arranged and conducted his first recording session for a 28-piece orchestra. It wasn't long before Deodato became one of the most active and respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene, recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina and Antonio Carlos Jobim.

In 1968, Deodato moved to New York and began working with Luiz Bonfa, the legendary composer of Black Orpheus, while also doing extensive studio work for Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle and many other Brazilian artists who were living in the Big Apple at the time. When writing the arrangements for Astrud Gilberto's “Beach Samba,” he became acquainted with producer Creed Taylor, who hired him to arrange for other CTI artists like Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond and Tom Jobim. His reputation in the fields of pop and black music was strengthened by his arrangement work for Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life).

Following a performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in 1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as a leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison Square Garden in New York City in 1973.

After seven years of world-wide touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe) and eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to concentrate on studio work once again. Besides highly successful solo albums for the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work as a producer/arranger earned him several more laurels. One of his first productions was Kool & The Gang's #1 pop single Celebration. He followed that success with production or arranging work for Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion and Brenda K. Starr, for whom he produced the pop hit I Still Believe in 1987. Deodato also had three other multi-platinum albums for Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special and As One.

In the 90's, Deodato continued to be a vital force on the pop scene through his work with Icelandic singer Bjork. In addition to arranging her last three albums: 1995's Post, 1996's Telegram and 1997's Homogenic, Deodato produced a highly praised acoustic version of Bjork's “Isobel,” sub-titled Deodato Mix, which became a club scene favorite. He has also produced material for French singer Clementine (also touring Japan with her as a special guest in 1994), arranged and produced a top 10 single for Brazilian singer Gal Costa (1996) and has performed as guest conductor with Bjork both in Brazil (1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts at Downing Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop acts Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos Brown (Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London during the summer of 1998. In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film starring Amy Irving, and the following year produced the CD of that score for Verve Records. His most recent projects including production work for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.

Deodato has also worked on several movie scores, including The Onion Field, The Black Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From Ipanema, The Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London Symphony Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter, Beat Street, Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been widely used on major movies such as Being There and The Exorcist.

In November 2001, Deodato participated in a benefit concert in New York City where he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra: 2001). The reaction was so fantastic he got encouraged to go back doing concerts. By 2002 he lined up a few selected presentations, starting with a concert at the Vienna Opera House, as part of the Vienna Summer Jazz Festival. That was followed by Villach (Austria), Pori (Finland), The Hague (North Sea Jazz Festival), and many others that followed, like Capetown (South Africa), Rome and Rimini (Italy), Amenia, NY (World Peace Organization), Antigua, Guatemala etc.

Meanwhile, in 2002 he worked with Milton Nascimento in Rio de Janeiro, which generated a Latin Grammy for the song Tristesse as best Brazilian song of the year, then miscellaneous work with different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu and more recently, KD Lang for her record released in 2004.

In 2007 Brazilian Record company "Biscoito Fino", releases the “Deodato Trio in Rio” CD and DVD (end of month), filmed and recorded at the Sala Cecilia Meirelles in Rio last Summer, featuring Marcelo Mariano on Bass and Renato Massa on Drums. It also includes performances of some of the most memorable Antonio Carlos Jobim's songs and also comemorates his postumous anniversary. Verve has also released “Do It Again.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato

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El brasileño Eumir Deodato tiene en su haber 16 discos de platino como artista, arreglista o productor, con unas ventas combinadas de más de 25 millones de discos sólo en Estados Unidos. Su discografía, incluyendo recopilaciones y todo su trabajo como arreglista, productor y teclista, supera los 450 álbumes. También ha tenido el honor de actuar con la St. Louis Symphony (que le respaldó en su magnífico álbum Artistry), la Cincinnati Symphony, la New York Philharmonic y la Orchestra di Musica Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. Además, varios artistas han versionado sus canciones a lo largo de los años, como George Benson, Lee Ritenour, Sarah Vaughan y The Emotions, por mencionar sólo algunos.

Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.

Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.

En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).

Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.

Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.

En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.

Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.

En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.

Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.

En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".

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Jack McDuff • Soul Circle

 Artist Biography by Ron Wynn

A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74.

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Biografía del artista por Ron Wynn

El "Hermano" Jack McDuff es un maravilloso líder de orquesta y organista, además de un hábil arreglista, y tiene uno de los estilos más divertidos y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como la roca y sus solos llenos de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como un bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en privado en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut en la grabación como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda el próximo año, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se dispararon cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los años 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general fueron buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego, en los 80, volvió al ritmo de la sesión de Muse Cap'n Jack. Si bien su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en la etiqueta Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años.

Brother Jack McDuff • Prelude

 

 Review by Richie Unterberger

Prelude was a successful match of McDuff's small-combo organ jazz with big band arrangements by Benny Golson. In part, that was because the blend was well-executed, never fighting with or drowning out McDuff's organ. But it was also because the mixture made it stand out amidst the scads of organ jazz records being churned out in the early '60s. While a very young George Benson was in the core quartet on guitar, a dozen others supplemented the players, including trumpets, trombones, French horns, and saxophones. McDuff wrote about half the material, and while Golson was responsible for just one number, it's the standout title track, "Prelude." That nine-minute piece moves from an opening of almost classical orchestrated grand solemnity to a slow-bopping section dwelling on McDuff's mourning organ. Nothing else on the album matches it, but the rest is pretty good, sometimes leading off with other Golson orchestrations; Benson gets a chance to steal the solo spotlight for a bit in "Dig Cousin Will."

 

Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter.

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Traducción Automática:

Reseña por Richie UnterbergerPrelude fue un partido exitoso del jazz de órgano pequeño de McDuff con arreglos de big band de Benny Golson. En parte, eso fue porque la mezcla fue bien ejecutada, nunca peleando con o ahogándose el órgano de McDuff. Pero también fue porque la mezcla hizo que se destacara en medio de las grabaciones de los discos de jazz orgánico que se empezaron a producir a principios de los '60. Mientras que un jovencísimo George Benson estaba en el cuarteto central de la guitarra, una docena de otros complementaban a los actores, incluyendo trompetas, trombones, cuernos franceses y saxofones. McDuff escribió casi la mitad del material, y aunque Golson fue responsable de un solo número, es la canción principal titulada "Preludio". Esa pieza de nueve minutos se mueve de una apertura de gran solemnidad orquestada casi clásica a una sección lenta que habita en el órgano de duelo de McDuff. Nada más en el álbum lo combina, pero el resto es bastante bueno, a veces con otras orquestaciones de Golson; Benson tiene la oportunidad de robar el reflector en solitario por un momento en "Dig Cousin Will".

 

Biografía :

Un maravilloso director de banda y organista así como un arreglista capaz, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y más conmovedor de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas y progresiones y frases interesantes. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió de forma privada en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo a tocar el órgano y el piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder para Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes excepcionales: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas despegaron cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego en los 80 volvió a la onda con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras que su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff publicó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

 

 

 

Red Holloway • Brother Red

La sola versión de "Wives and Lovers" vale el disco.

Reseña de Scott Yanow

Canciones de Brother Red Las 11 selecciones incluidas en esta reedición del CD incluyen siete canciones de una sesión encabezada por el tenor-saxofonista Red Holloway que utilizó los miembros del Jack McDuff Quintet (con el organista, el guitarrista George Benson, el bajista Wilfred Middlebrooks y el baterista Joe Dukes), tres piezas de una cita de McDuff en la que las voces principales están respaldadas por una orquesta arreglada por Benny Golson, y una selección de un sampler. Álbum Brother Red El material varía un poco ("Wives and Lovers" y la balada soul de Holloway "No Tears" son olvidables) pero el blues y las piezas uptempo (destacadas por "This Can't Be Love" son bastante agradables y el saxofonista subestimado está en excelente forma. Hermano Red CD de música

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The single version of "Wives and Lovers" is worth the album.

Review by Scott Yanow

Brother Red songs The 11 selections included on this CD reissue include seven songs from a session headed by tenor-saxophonist Red Holloway that used the members of the Jack McDuff Quintet (with the organist, guitarist George Benson, bassist Wilfred Middlebrooks and drummer Joe Dukes), three pieces from a McDuff date in which the lead voices are backed by an orchestra arranged by Benny Golson, and a selection from a sampler. Brother Red album The material varies a bit ("Wives and Lovers" and Holloway's soul ballad "No Tears" are forgettable) but the blues and the uptempo pieces (highlighted by "This Can't Be Love" are quite enjoyable and the underrated saxophonist is in excellent form. Brother Red CD music

 

 

 

 

The Brother Jack McDuff Quartet With The Big Band Of Benny Golson • The Dynamic Jack Mc Duff

Billboard 1 Aug 1964

George Benson • Tell It Like It Is

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Simply one of the greatest guitarists in jazz history, George Benson is an amazingly versatile musician whose adept skills find him crossing easily between straight-ahead jazz, smooth jazz, and contemporary R&B. Blessed with supreme taste, a beautiful, rounded guitar tone, terrific speed, a marvelous sense of logic in building solos, and, as always, an unquenchable urge to swing, Benson's inspirations may have been Charlie Christian and Wes Montgomery, but his style is completely his own. Not only can he play lead brilliantly, he is also one of the best rhythm guitarists around, supportive to soloists and a dangerous swinger, particularly in a soul-jazz format; skills he first garnered attention for as a member of Brother Jack McDuff's band in the early '60s. Benson can also sing in a lush, soulful tenor with mannerisms similar to those of Stevie Wonder and Donny Hathaway. In a sense, he is the guitar-playing equivalent of Nat King Cole, a fantastic instrumentalist whose smooth way with a pop vocal helped solidify his prowess in the marketplace. It is this combination of singing and guitar playing that has garnered him numerous accolades and chart success, including most notably his 1976 breakthrough Breezin', which topped the pop, R&B, and jazz charts and took home Grammy Awards for Best Pop Instrumental Performance and Record of the Year. Benson has remained a chart and awards season favorite, releasing more Top Ten jazz albums, including 1980's Grammy-winning Give Me the Night, 1993's Love Remembers, and 2006's Grammy-winning Givin' It Up with Al Jarreau. Along with his original studio albums, Benson has paid tribute to his idols, releasing 2013's Inspiration: A Tribute to Nat King Cole and 2019's Fats Domino- and Chuck Berry-inspired Walking to New Orleans.

Born in 1943 in Pittsburgh, Benson actually started out professionally as a singer, performing in nightclubs at the age of eight, recording four sides for RCA's X label in 1954, and forming a rock band at 17 while using a guitar that his stepfather made for him. Exposure to records by Christian, Montgomery, and Charlie Parker got him interested in jazz, and by 1962, the teenage Benson was playing in Brother Jack McDuff's band. After forming his own group in 1965, Benson became another of talent scout John Hammond's major discoveries, recording two highly regarded albums of soul-jazz and hard bop for Columbia and turning up on several records by others, including Miles Davis' Miles in the Sky. He switched to Verve in 1967, and, shortly after the death of Montgomery in June 1968, producer Creed Taylor began recording him with larger ensembles on A&M (between 1968 and 1969) and big groups and all-star combos on CTI (from 1971 to 1976).

While the A&M and CTI albums certainly earned their keep and made Benson a guitar star in the jazz world, he gained yet more commercial acclaim after signing with Warner Bros. in 1976. His first album for Warner Bros., Breezin', became a Top Ten hit on the strength of its sole vocal track, "This Masquerade," and this led to a string of hit albums in an R&B-flavored pop mode, culminating with the Quincy Jones-produced Give Me the Night. However, jazz remained at the core of his sound, as showcased on 1989's standards album Tenderly, as well as 1990's Big Boss Band with the Basie band, the latter of which featured his guitar more prominently. In 1993, he scored another number one contemporary jazz album with Love Remembers, and followed with several more chart-topping albums, including 1996's That's Right and 1998's Standing Together.

The Latin-infused Absolute Benson arrived in 2000 debuting at number one on the Billboard Jazz chart, and was followed by 2004's number five-charting Irreplaceable. He then paired with vocalist Al Jarreau for 2006's Givin' It Up, which topped the contemporary jazz chart and took home Grammy Awards for Best Pop Instrumental Performance and Best Traditional R&B Vocal Performance.

In 2009, Benson signed to Concord and released Songs and Stories for the label; he followed it with his first primarily instrumental album in 35 years, Guitar Man, in 2011. Two years later, Benson released Inspiration: A Tribute to Nat King Cole, featuring arrangements by Nelson Riddle and Randy Waldman. In 2019, he returned with a second tribute album, Walking to New Orleans: Remembering Chuck Berry and Fats Domino. A concert album, Weekend in London, arrived in 2020.
https://www.allmusic.com/artist/george-benson-mn0000201760#biography

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Biografía de Richard S. Ginell
George Benson, simplemente uno de los mejores guitarristas de la historia del jazz, es un músico increíblemente versátil cuyas habilidades hábiles lo encuentran cruzando fácilmente entre jazz directo, jazz suave y R & B contemporáneo. Bendecido con un gusto supremo, un tono de guitarra hermoso y redondeado, una velocidad tremenda, un maravilloso sentido de la lógica en la construcción de solos y, como siempre, un impulso insaciable de swing, las inspiraciones de Benson pueden haber sido Charlie Christian y Wes Montgomery, pero su estilo es completamente suyo. No solo puede tocar el plomo de manera brillante, sino que también es uno de los mejores guitarristas rítmicos, apoya a los solistas y es un libertino peligroso, particularmente en un formato soul-jazz; habilidades por las que llamó la atención por primera vez como miembro de la banda del Hermano Jack McDuff a principios de los 60. Benson también puede cantar en un tenor exuberante y conmovedor con gestos similares a los de Stevie Wonder y Donny Hathaway. En cierto sentido, es el equivalente a tocar la guitarra de Nat King Cole, un instrumentista fantástico cuya fluidez con una voz pop ayudó a solidificar su destreza en el mercado. Es esta combinación de canto y guitarra la que le ha valido numerosos elogios y éxitos en las listas, incluido sobre todo su gran avance Breezin' de 1976, que encabezó las listas de éxitos de pop, R&B y jazz y se llevó a casa los Premios Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop y Grabación del Año. Benson se ha mantenido como favorito en las listas de éxitos y en la temporada de premios, lanzando más álbumes de jazz entre los Diez primeros, incluidos Give Me the Night, ganador del Grammy en 1980, Love Remembers en 1993 y Givin' It Up with Al Jarreau, ganador del Grammy en 2006. Junto con sus álbumes de estudio originales, Benson ha rendido homenaje a sus ídolos, lanzando Inspiration: A Tribute to Nat King Cole de 2013 y Walking to New Orleans inspirado en Fats Domino y Chuck Berry de 2019.

Nacido en 1943 en Pittsburgh, Benson comenzó profesionalmente como cantante, actuando en clubes nocturnos a los ocho años, grabando cuatro lados para el sello X de RCA en 1954 y formando una banda de rock a los 17 mientras usaba una guitarra que su padrastro le hizo.. La exposición a discos de Christian, Montgomery y Charlie Parker hizo que se interesara por el jazz, y para 1962, el adolescente Benson tocaba en la banda del hermano Jack McDuff. Después de formar su propio grupo en 1965, Benson se convirtió en otro de los principales descubrimientos del cazatalentos John Hammond, grabando dos álbumes de soul-jazz y hard bop de gran prestigio para Columbia y apareciendo en varios discos de otros, incluido Miles in the Sky de Miles Davis. Cambió a Verve en 1967 y, poco después de la muerte de Montgomery en junio de 1968, el productor Creed Taylor comenzó a grabarlo con conjuntos más grandes en A&M (entre 1968 y 1969) y grandes grupos y combos de estrellas en CTI (de 1971 a 1976).

Si bien los álbumes de A&M y CTI ciertamente se ganaron su sustento e hicieron de Benson una estrella de la guitarra en el mundo del jazz, ganó aún más reconocimiento comercial después de firmar con Warner Bros.en 1976. Su primer álbum para Warner Bros., Breezin', se convirtió en un éxito entre los Diez primeros gracias a su única pista vocal, "This Masquerade", y esto llevó a una serie de álbumes exitosos en un modo pop con sabor a R&B, que culminó con el Give Me the Night producido por Quincy Jones. Sin embargo, el jazz permaneció en el centro de su sonido, como se mostró en el álbum standards de 1989 Tenderly, así como en Big Boss Band de 1990 con Basie Band, el último de los cuales presentó su guitarra de manera más destacada. En 1993, anotó otro álbum número uno de jazz contemporáneo con Love Remembers, y siguió con varios álbumes más que encabezaron las listas, incluidos That's Right de 1996 y Standing Together de 1998.

Absolute Benson, con infusión latina, llegó en 2000 debutando en el número uno en la lista Billboard Jazz, y fue seguido por el número cinco de 2004, Irreplaceable. Luego se emparejó con el vocalista Al Jarreau para Givin' It Up del 2006, que encabezó la lista de jazz contemporáneo y se llevó a casa los Premios Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop y a la Mejor Interpretación Vocal Tradicional de R&B.

En 2009, Benson firmó con Concord y lanzó Canciones e Historias para el sello; lo siguió con su primer álbum principalmente instrumental en 35 años, Guitar Man, en 2011. Dos años después, Benson lanzó Inspiration: A Tribute to Nat King Cole, con arreglos de Nelson Riddle y Randy Waldman. En el 2019, regresó con un segundo álbum tributo, Walking to New Orleans: Remembering Chuck Berry and Fats Domino. Un álbum de conciertos, Weekend in London, llegó en 2020.
https://www.allmusic.com/artist/george-benson-mn0000201760#biography

 

http://www.georgebenson.com/

 

Colaborador / Contributor:  Pere

George Benson • Goodies

 

 

 

 

www.georgebenson.com ... 

 

 

The George Benson Quartet Feat. Lonnie Smith • The George Benson Cookbook

 

 

Review by Richard S. Ginell
The second of Benson's John Hammond-produced albums is far and away the superior of the pair, mixing down-to-basics, straight-ahead jazz with soul-drenched grooving. Suddenly Benson's backup group - same as that of Uptown, with Benny Green added on trombone now and then - has found its bearings and apropos to the title, they can cook, even sizzle. The effect upon Benson's own playing is striking; with something to react against, his sheer ability to swing advances into the realm of awesome. The rapid-fire work on "The Cooker" and "Ready And Able" will make you gasp. Only one vocal here, an exuberant "All Of Me." [In mid-2001 Columbia/Legacy reissued this 1966 classic, along with It's Uptown, recorded only several months earlier. Four bonus tracks include a (previously unreleased) doo wop vocal rendition of Little Willie John's "Let Them Talk" and two Benson originals that are pure rock-n-roll: "The Man from Toledo" and "Goodnight." Two of the bonus cuts are preceded by control-booth comments from the session's legendary producer, John Hammond.]
https://www.allmusic.com/album/the-george-benson-cookbook-mw0000690995

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Reseña de Richard S. Ginell
El segundo de los álbumes producidos por Benson John Hammond es, con mucho, el mejor de los dos, mezclando lo básico, el jazz directo con el grooving lleno de alma. De repente, el grupo de respaldo de Benson, igual que el de Uptown, con Benny Green añadido al trombón de vez en cuando, ha encontrado su rumbo y, a propósito del título, pueden cocinar, incluso chisporrotear. El efecto en el juego de Benson es sorprendente; con algo contra lo que reaccionar, su gran habilidad para el swing avanza hacia el reino de lo impresionante. El trabajo de fuego rápido en "The Cooker" y "Ready And Able" te hará suspirar. Sólo hay una voz aquí, un exuberante "All Of Me". A mediados de 2001 Columbia/Legacy reeditó este clásico de 1966, junto con "It's Uptown", grabado sólo unos meses antes. Cuatro temas extra incluyen una (previamente inédita) interpretación vocal doo wop de "Let Them Talk" de Little Willie John y dos originales de Benson que son puro rock-n-roll: "The Man from Toledo" y "Goodnight". Dos de los cortes extras van precedidos de comentarios en la cabina de control del legendario productor de la sesión, John Hammond].
https://www.allmusic.com/album/the-george-benson-cookbook-mw0000690995

www.georgebenson.com ... 

Colaborador / Contributor:  Michel

 

VA • Jazz Fusion Giants

George Benson, Kenny Burrell, Wayne Shorter, Return To Forever, Eumir Deodato, Stanley Turrentine, John McLaughlin.

 

Freddie Hubbard • Polar AC

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Polar AC is a rather unusual CTI release, a collection of leftover tracks from different sessions put out by Creed Taylor after Freddie Hubbard had departed for Columbia. Despite its compilation nature, the results are quite enjoyable. Hubbard is in fine form throughout, and the supporting cast -- including George Benson, Hubert Laws, Ron Carter and Jack DeJohnette -- is top-notch. The arrangements by Don Sebesky and Bob James are typically lush, though the briefer, sparser "Son of Sky Dive" stands apart as the highlight, offering a more direct jazz setting without the orchestral overlay. An uneven but worthwhile set for CTI and Hubbard fans.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Polar AC es una entrega bastante inusual de CTI, una coleccion de temas sobrantes de diferentes sesiones publicada por Creed Taylor despues de que Freddie Hubbard se marchara a Columbia. A pesar de su naturaleza compilatoria, los resultados son bastante disfrutables. Hubbard esta en plena forma a lo largo del disco, y el elenco de apoyo -- incluyendo a George Benson, Hubert Laws, Ron Carter y Jack DeJohnette -- es de primer nivel. Los arreglos de Don Sebesky y Bob James son tipicamente exuberantes, aunque el mas breve y austero "Son of Sky Dive" se destaca como el punto culminante, ofreciendo un contexto jazzistico mas directo sin la cobertura orquestal. Un conjunto irregular pero que vale la pena para los fans de CTI y de Hubbard.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

VA • Cool Funk

 

 

Brother Jack McDuff • Silk And Soul

 

Brother Jack's organ is set amidst an amazing batch of orchestrations by Benny Golson, and the core of the group is Jack's combo with Red Hollway, George Benson, and Joe Dukes. Golson's arrangements are fantastic, and far from surpressing or overpowering the combo's funky jazz sound, they actually take it to a whole new level, and provide a beautiful platform from which Jack dives and screams on the Hammond B-3. Benson's guitar is amazing, and there's sections in here where he comps so hard and heavy that you won't believe they didn't use a sampler on the album! Cuts include "Scufflin", "Lexington Line", "What's Shakin", and "Silk & Soul". 
https://www.dustygroove.com/item/15876/Jack-McDuff:Silk-Soul

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El órgano del hermano Jack se encuentra en medio de un increíble lote de orquestaciones de Benny Golson, y el núcleo del grupo es el combo de Jack con Red Hollway, George Benson y Joe Dukes. Los arreglos de Golson son fantásticos, y lejos de sorprender o dominar el sonido funky del jazz del combo, en realidad lo llevan a un nivel completamente nuevo y brindan una hermosa plataforma desde la cual Jack se zambulle y grita en el Hammond B-3. La guitarra de Benson es increíble, ¡y hay secciones aquí en las que compila tan fuerte y pesado que no creerás que no usaron un sampler en el álbum! Los cortes incluyen "Scufflin", "Lexington Line", "What's Shakin "y"Silk & Soul". 
https://www.dustygroove.com/item/15876/Jack-McDuff:Silk-Soul


 

Freddie Hubbard • Super Blue

 

Brother Jack McDuff • The Concert McDuff

 

VA • Cool Cats - The Roots of Acid Jazz

Donald Byrd, Jimmy Smith, Kenny Burrell, George Benson, Sergio Mendes, Hal Singer, Roland Kirk, Wynton Kelly, Quincy Jones, Willis Jackson, Milt Jackson, Grant Green, Dave Pike, Wes Montgomery, Cal Tjader,Oscar Peterson, Les McCann ...

Hank Mobley • Reach Out !

 

Biography by Steve Huey
One of the Blue Note label's definitive hard bop artists, tenor saxophonist Hank Mobley remains somewhat underappreciated for his straightforward, swinging style. Any characterization of Mobley invariably begins with critic Leonard Feather's assertion that he was the "middleweight champion of the tenor saxophone," meaning that his tone wasn't as aggressive and thick as John Coltrane or Sonny Rollins, but neither was it as soft and cool as Stan Getz or Lester Young. Instead, Mobley's in-between, "round" (as he described it) sound was controlled and even, given over to subtlety rather than intense displays of emotion. Even if he lacked the galvanizing, mercurial qualities of the era's great tenor innovators, Mobley remained consistently solid throughout most of his recording career. His solo lines were full of intricate rhythmic patterns that were delivered with spot-on precision, and he was no slouch harmonically either. As a charter member of Horace Silver's Jazz Messengers, Mobley helped inaugurate the hard bop movement: jazz that balanced sophistication and soulfulness, complexity and earthy swing, and whose loose structure allowed for extended improvisations. As a solo artist, he began recording for Blue Note in the latter half of the '50s, and hit his peak in the first half of the '60s with hard bop cornerstones like Soul Station, No Room for Squares, and A Caddy for Daddy.

Henry "Hank" Mobley was born on July 7, 1930, in Eastman, GA, and grew up mostly in Elizabeth, NJ. Several family members played piano and/or church organ, and Mobley himself learned piano as a child. He switched to the saxophone at age 16, initially modeling his style on players like Lester Young, Charlie Parker, Dexter Gordon, Don Byas, and Sonny Stitt. He soon started playing professionally in the area, and built enough of a reputation that trumpeter Clifford Brown recommended him for a job without having heard him play. That job was with Paul Gayten's Newark-based R&B band, which he joined in 1949, doubling as a composer. He departed in 1951 and joined the house band at a Newark nightclub, where he played with pianist Walter Davis, Jr. and backed some of the era's top jazz stars. That led to a job with Max Roach, who hired both Mobley and Davis after performing with them; they all recorded together in early 1953, at one of the earliest sessions to feature Roach as a leader. Meanwhile, Mobley continued to gig around his home area, playing with the likes of Milt Jackson, Tadd Dameron, and J.J. Johnson, among others; he also served two weeks in Duke Ellington's orchestra in 1953.

Mobley spent much of 1954 performing and recording with Dizzy Gillespie. He left in September to join pianist Horace Silver's group, which evolved into a quintet co-led by Art Blakey and dubbed the Jazz Messengers. Their groundbreaking first album for Blue Note, 1955's Horace Silver and the Jazz Messengers, was a landmark in the genesis of hard bop, with its sophisticated solos and bright, almost funky rhythms. Mobley led his first session for Blue Note, The Hank Mobley Quartet, in 1955, and recorded for Savoy and Prestige during 1956. In the middle of that year, the original lineup of the Jazz Messengers split, with Blakey keeping the name and Silver forming a new group. Mobley stayed with Silver until 1957, by which time he had begun to record prolifically as a leader for Blue Note, completing eight albums' worth of material over the next 16 months. Some of his best work, such as Hank Mobley and His All Stars and The Hank Mobley Quintet, was cut with a selection of old Messengers mates. Not all of his sessions were released at the time, but some began to appear as import reissues in the '80s. Often composing his own material, Mobley was beginning to truly hit his stride with 1958's Peckin' Time, when a worsening drug problem resulted in an arrest that took him off the scene for a year.

Upon returning to music in 1959, Mobley oriented himself by rejoining Art Blakey in the Jazz Messengers for a short period. His comeback session as a leader was 1960's classic Soul Station, near-universally acknowledged as his greatest recorded moment. Mobley cut two more high-quality hard bop albums, Roll Call and Workout, over 1960-1961, as well as some other sessions that went unreleased at the time. In 1961, Mobley caught what looked to be a major break when he was hired to replace John Coltrane in Miles Davis' quintet. Unfortunately, the association was a stormy one; Mobley came under heavy criticism from the bandleader, and wound up leaving in 1962. He returned to solo recording with 1963's No Room for Squares, often tabbed as one of his best efforts, before drug and legal problems again put him out of commission during 1964. Energized and focused upon his return, Mobley recorded extensively during 1965, showcasing a slightly harder-edged tone and an acumen for tricky, modal-flavored originals that challenged his sidemen. At the same time, Dippin' found a funkier soul-jazz sound starting to creep into his work, an approach that reached its apex on the infectious A Caddy for Daddy later that year.

Mobley recorded steadily for Blue Note through the '60s, offering slight variations on his approach, and continued to appear as a sideman on a generous number of the label's other releases (especially frequent collaborator Lee Morgan). 1966's A Slice of the Top found Mobley fronting a slightly larger band arranged by Duke Pearson, though it went unissued until 1979. After cutting the straightforward Third Season in 1967, Mobley embarked on a brief tour of Europe, where he performed with Slide Hampton. He returned to the U.S. to record the straight-ahead Far Away Lands and Hi Voltage that year, and tried his hand at commercially oriented jazz-funk on 1968's Reach Out. Afterward, he took Hampton's advice and returned to Europe, where he would remain for the next two years. 1969's The Flip was recorded in Paris, and Mobley returned to the States to lead his final session for Blue Note, Thinking of Home, in 1970 (it wasn't released until ten years later). He subsequently co-led a group with pianist Cedar Walton, which recorded the excellent Breakthrough in 1972.

Sadly, that would prove to be Mobley's last major effort. Health problems forced him to retire in 1975, when he settled in Philadelphia. He was barely able to even play his horn for fear of rupturing a lung; by the dawn of the '80s, he was essentially an invalid. In 1986, he mustered up the energy to work on a limited basis with Duke Jordan; however, he died of pneumonia not long after, on May 30, 1986. During Mobley's heyday, most critics tended to compare him unfavorably to Sonny Rollins, or dismiss him for not being the innovator that Coltrane was. However, in the years that followed Mobley's death, Blue Note hard bop enjoyed a positive reappraisal; with it came a new appreciation for Mobley's highly developed talents as a composer and soloist, instead of a focus on his shortcomings.
https://www.allmusic.com/artist/hank-mobley-mn0000951384#biography

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Biografía de Steve Huey
Uno de los artistas definitivos del hard bop del sello Blue Note, el saxofonista tenor Hank Mobley sigue siendo algo subestimado por su estilo directo y oscilante. Cualquier caracterización de Mobley invariablemente comienza con la afirmación del crítico Leonard Feather de que él era el "campeón de peso mediano del saxofón tenor", lo que significa que su tono no era tan agresivo y grueso como John Coltrane o Sonny Rollins, pero tampoco era tan suave y fresco como Stan Getz o Lester Young. En cambio, el sonido intermedio, "redondo" (como él lo describió) de Mobley estaba controlado e incluso, entregado a la sutileza en lugar de a intensas demostraciones de emoción. Incluso si carecía de las cualidades galvanizadoras y mercuriales de los grandes innovadores tenores de la época, Mobley se mantuvo consistentemente sólido durante la mayor parte de su carrera discográfica. Sus líneas solistas estaban llenas de intrincados patrones rítmicos que se entregaban con precisión precisa, y tampoco se quedaba atrás armónicamente. Como miembro fundador de Jazz Messengers de Horace Silver, Mobley ayudó a inaugurar el movimiento hard bop: jazz que equilibraba la sofisticación y el sentimiento, la complejidad y el swing terrenal, y cuya estructura suelta permitía improvisaciones extendidas. Como solista, comenzó a grabar para Blue Note en la segunda mitad de los años 50, y alcanzó su punto máximo en la primera mitad de los 60 con piedras angulares del hard bop como Soul Station, No Room for Squares y A Caddy for Daddy.

Henry" Hank " Mobley nació el 7 de julio de 1930 en Eastman, Georgia, y creció principalmente en Elizabeth, Nueva Jersey. Varios miembros de la familia tocaban el piano y / o el órgano de la iglesia, y el propio Mobley aprendió piano cuando era niño. Cambió al saxofón a los 16 años, inicialmente modelando su estilo en músicos como Lester Young, Charlie Parker, Dexter Gordon, Don Byas y Sonny Stitt. Pronto comenzó a tocar profesionalmente en el área y se ganó la reputación suficiente como para que el trompetista Clifford Brown lo recomendara para un trabajo sin haberlo escuchado tocar. Ese trabajo fue con la banda de R&B con sede en Newark de Paul Gayten, a la que se unió en 1949, doblando como compositor. Partió en 1951 y se unió a la banda de la casa en un club nocturno de Newark, donde tocó con el pianista Walter Davis, Jr.y respaldó a algunas de las principales estrellas del jazz de la época. Eso llevó a un trabajo con Max Roach, quien contrató a Mobley y Davis después de actuar con ellos; todos grabaron juntos a principios de 1953, en una de las primeras sesiones en las que Roach actuó como líder. Mientras tanto, Mobley continuó actuando en su área local, tocando con artistas como Milt Jackson, Tadd Dameron y J. J. Johnson, entre otros; también sirvió dos semanas en la orquesta de Duke Ellington en 1953.

Mobley pasó gran parte de 1954 actuando y grabando con Dizzy Gillespie. Se fue en septiembre para unirse al grupo del pianista Horace Silver, que se convirtió en un quinteto codirigido por Art Blakey y apodado the Jazz Messengers. Su innovador primer álbum para Blue Note, Horace Silver and the Jazz Messengers de 1955, fue un hito en la génesis del hard bop, con sus sofisticados solos y ritmos brillantes, casi funky. Mobley dirigió su primera sesión para Blue Note, el Cuarteto Hank Mobley, en 1955, y grabó para Savoy y Prestige durante 1956. A mediados de ese año, la formación original de los Jazz Messengers se separó, Blakey mantuvo el nombre y Silver formó un nuevo grupo. Mobley permaneció con Silver hasta 1957, momento en el que había comenzado a grabar prolíficamente como líder de Blue Note, completando ocho álbumes de material en los siguientes 16 meses. Algunos de sus mejores trabajos, como Hank Mobley and His All Stars y The Hank Mobley Quintet, fueron cortados con una selección de viejos compañeros de Messengers. No todas sus sesiones fueron lanzadas en ese momento, pero algunas comenzaron a aparecer como reediciones de importación en los años 80. A menudo componiendo su propio material, Mobley comenzaba a dar un verdadero salto con Peckin' Time de 1958, cuando un empeoramiento de los problemas con las drogas provocó un arresto que lo sacó de escena durante un año.

Al regresar a la música en 1959, Mobley se orientó al reunirse con Art Blakey en los Jazz Messengers por un corto período. Su sesión de regreso como líder fue el clásico Soul Station de 1960, reconocido casi universalmente como su mejor momento grabado. Mobley grabó dos álbumes más de hard bop de alta calidad, Roll Call y Workout, durante 1960-1961, así como algunas otras sesiones que quedaron inéditas en ese momento. En 1961, Mobley se dio cuenta de lo que parecía ser una gran oportunidad cuando fue contratado para reemplazar a John Coltrane en el quinteto de Miles Davis. Desafortunadamente, la asociación fue tormentosa; Mobley fue objeto de fuertes críticas por parte del líder de la banda, y terminó abandonando en 1962. Regresó a la grabación en solitario con No Room for Squares de 1963, a menudo catalogado como uno de sus mejores esfuerzos, antes de que las drogas y los problemas legales lo pusieran nuevamente fuera de servicio durante 1964. Energizado y concentrado en su regreso, Mobley grabó extensamente durante 1965, mostrando un tono un poco más duro y una perspicacia para originales complicados y con sabor a modal que desafiaban a sus acompañantes. Al mismo tiempo, Dippin ' encontró un sonido soul-jazz más funky que comenzó a infiltrarse en su trabajo, un enfoque que alcanzó su punto máximo en el infeccioso A Caddy for Daddy más tarde ese año.

Mobley grabó constantemente para Blue Note durante los años 60, ofreciendo ligeras variaciones en su enfoque, y continuó apareciendo como acompañante en un generoso número de otros lanzamientos del sello (especialmente su colaborador frecuente Lee Morgan). A Slice of the Top de 1966 encontró a Mobley al frente de una banda un poco más grande organizada por Duke Pearson, aunque no se publicó hasta 1979. Después de cortar la sencilla Tercera Temporada en 1967, Mobley se embarcó en una breve gira por Europa, donde actuó con Slide Hampton. Regresó a los EE. UU. grabó los sencillos Far Away Lands y Hi Voltage ese año, y probó suerte con el jazz-funk orientado comercialmente en Reach Out de 1968. Posteriormente, siguió el consejo de Hampton y regresó a Europa, donde permanecería durante los dos años siguientes. The Flip de 1969 se grabó en París, y Mobley regresó a los Estados Unidos para dirigir su última sesión de Blue Note, Thinking of Home, en 1970 (no se lanzó hasta diez años después). Posteriormente codirigió un grupo con el pianista Cedar Walton, que grabó the excellent Breakthrough en 1972.

Lamentablemente, ese resultaría ser el último gran esfuerzo de Mobley. Los problemas de salud lo obligaron a retirarse en 1975, cuando se instaló en Filadelfia. Apenas podía tocar la bocina por temor a romperse un pulmón; a principios de los 80, era esencialmente un inválido. En 1986, reunió la energía para trabajar de forma limitada con Duke Jordan; sin embargo, murió de neumonía poco después, el 30 de mayo de 1986. Durante el apogeo de Mobley, la mayoría de los críticos tendían a compararlo desfavorablemente con Sonny Rollins, o descartarlo por no ser el innovador que era Coltrane. Sin embargo, en los años que siguieron a la muerte de Mobley, Blue Note hard bop disfrutó de una reevaluación positiva; con ella vino una nueva apreciación de los talentos altamente desarrollados de Mobley como compositor y solista, en lugar de centrarse en sus defectos.
https://www.allmusic.com/artist/hank-mobley-mn0000951384#biography

Brother Jack McDuff • The Best of the Concord Years

 

Review by Steve Leggett
Hammond B-3 organist Jack McDuff spent his last decade recording for the Concord Jazz label, and for the most part his albums during this time period lacked the verve and fire of his earlier work, and he seemed, at times, to be going through the motions. The two-disc Best of the Concord Years anthology changes that perception a bit, since by picking some of the best tracks from the individual albums, the end result is a collection that is both more varied and energetic than its original sources, and McDuff emerges as a vital performer to the end. Among the highlights are the slow-building "Killer Joe," a moving take on Hoagy Carmichael's "Georgia," the classic soul jazz vamp of "Pettin' the Cat," and a pair of weary, emotionally fulfilling blues duets with pianist Gene Harris, "J and G Blues" and "Down Home Blues." Grady Tate, George Benson, Joey DeFrancesco, Red Holloway, and Pat Martino also take guest turns on selections here. The Best of the Concord Years ends up being just that, the best way to sample McDuff's final years, and culled this way, it is work that stands up admirably to his impressive earlier material.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-the-concord-years-mw0000023442

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Reseña de Steve Leggett
El organista de Hammond B-3, Jack McDuff, pasó su última década grabando para el sello Concord Jazz, y en su mayor parte sus álbumes durante este período carecieron del brío y el fuego de sus trabajos anteriores, y parecía, a veces, estar pasando por los movimientos. La antología de dos discos Best of the Concord Years cambia un poco esa percepción, ya que al elegir algunas de las mejores pistas de los álbumes individuales, el resultado final es una colección que es a la vez más variada y enérgica que sus fuentes originales, y McDuff emerge. como un intérprete vital hasta el final. Entre los aspectos más destacados se encuentran "Killer Joe", una versión conmovedora de "Georgia" de Hoagy Carmichael, el clásico soul jazz de "Pettin' the Cat" y un par de duetos de blues agotadores y emocionalmente satisfactorios con el pianista Gene Harris. , "J y G Blues" y "Down Home Blues". Grady Tate, George Benson, Joey DeFrancesco, Red Holloway y Pat Martino también participan como invitados en las selecciones aquí. Lo mejor de los años de Concord termina siendo solo eso, la mejor manera de probar los últimos años de McDuff, y seleccionado de esta manera, es un trabajo que destaca admirablemente frente a su impresionante material anterior.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-the-concord-years-mw0000023442

concordjazz.com ...

Lonnie Smith • Afrodesia

The Afrodesia album has been reissued a number of times since 1975, with different tracks and different names for the same songs, etc. It's quite a mess. This reissue is from 1996 and should be seen as a compilation album, as there are tracks from not only the original Afro-Desia album, but also from the Funk Reaction album.

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The Afrodesia album has been reissued a number of times since 1975, with different tracks and different names for the same songs, etc. It's quite a mess. This reissue is from 1996 and should be seen as a compilation album, as there are tracks from not only the original Afro-Desia album, but also from the Funk Reaction album.

www.drlonniesmith.com ...

George Benson • It's Uptown

It's Uptown remains a germinal jazz guitar album. Benson's guitar playing is drenched in bebop, but also strongly influenced by R&B and soul music, as is his quartet's sound overall. And the three vocal cuts -- "Summertime," "A Foggy Day," "Stormy Weather" -- foretell Benson's success as an R&B and pop singer. Lonnie Smith's organ and Ronnie Cuber's baritone sax provide the group with an unmistakable signature sound, perhaps dated at first blush, but timeless in actuality. 

 

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It's Uptown sigue siendo un álbum germinal de guitarra de jazz. La forma de tocar la guitarra de Benson está impregnada de bebop, pero también está fuertemente influenciada por el R&B y la música soul, al igual que el sonido de su cuarteto en general. Y los tres cortes vocales - "Summertime", "A Foggy Day", "Stormy Weather"- presagian el éxito de Benson como cantante de R&B y pop. El órgano de Lonnie Smith y el saxo barítono de Ronnie Cuber proporcionan al grupo un sonido inconfundible, quizás anticuado a primera vista, pero intemporal en la actualidad. 

http://www.georgebenson.com/