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Monday, February 23, 2026

Melvin Jackson • Funky Skull



Review by Thom Jurek
Bassist Melvin Jackson has exactly one album in his catalog as a leader (he spent most of his time playing with Eddie Harris). But man, that's all he needed. Pumping his upright through a Maestro G-2 filter box, a Boomerang, an Echoplex, and an Am peg amp, he made that thing sound like something from outer space while keeping it firmly in the groove of the corner bar on Front Street. Gimmicky? That's what they once said about Roland Kirk playing multiple horns at once, too. As for the naysayers who think of this as a novelty, consider the heavies in his band: Roscoe Mitchell, Leo Smith, Lester Bowie, Phil Upchurch, Pete Cosey, Morris Jennings, Jodie Christian, Billy Hart, Byron Bowie, Steve Galloway, and a whole lot of others. All of these cats were heavyweights in their own right. What does Funky Skull sound like? Psychedelic, funky soul-jazz and a whole lot more. Jackson bowed his bass a well as plucked it depending on what the tune needed. Produced in Chicago by Robin McBride and originally released on the Limelight label, it marked an era of exploration and Jackson was on the ground floor of the space station. There was only one requirement: the groove had to be in the pocket and the beat had to be on the one. There are nine tunes here; Jackson wrote or co-wrote four, including the two-part title cut. He took pages from both Harris' serious soul-jazz book and James Brown's funky one. There are vocals on these tracks, but they amount to little more than accents on the repetitive rhythmic lines being laid down. It's all backbone-slipping, hard, electric jazz funk from the pre-fusion era. "Funky Skull, Pts 1 & 2" and Eddie Harris' "Cold Duck Time, Pts. 1 & 2" were actually spun on jukeboxes throughout the Midwest and in New York in beer gardens, at lunch counters, in bowling alleys, etc. In other words, these jams got heard and grooved to by ordinary folks, not just jazz heads. The nickels got pumped for a reason. Some cuts here, such as "Dance of the Dervish," have pretty sophisticated arrangements and fell more firmly in the jazz camp, but were outside it, too -- especially the Echoplexed bass solo. Elsewhere, "Everybody Loves My Baby," which is a workout for hand percussion, hi hat, and bowed electronically affected bass, was out there on the launching pad in terms of classification. It gets brought back in from the cold by Jackson's "Say What," with the horns playing as a section with striated harmony and a subtle B-3 played by some uncredited genius who kept the funk lines clipped and tight; it was Jackson's cue for wrapping himself all over the groove while never leaving the pocket entirely. The bleating saxophone solo tells you that something else is being aspired to and delivered: it pushes the melody line way out the window, but the rhythm section never loses it for a second. "Funky Doo," written by Jackson and producer Robin McBride, rocks it up while being a dance tune for a sweaty after-hours party. The set ends with "Silver Cycles," written by Jackson and Harris. Clocking in at over nine minutes, it begins with a small piano vamp and Jackson playing glissando bowed bass before flutes, a trap kit, and other horns wind their way in. Jackson's bass gets double-tracked, finding the expansive groove being laid down and extrapolated into harmonic wonderland. Textures by the horn section, and the lower edges of the bass and piano registers are expounded upon, with the horn playing in high, tinny fashion, creating a huge space in the middle for anything to happen. But it stays on the subtle side with all sorts of interaction going on between the instruments crisscrossing channels and parts before fading into the night. Funky Skull is a one of a kind listening experience. It's fun, wildly inventive, freewheeling and complex all at the same time. This is one of those records that one has to hear to believe, and once heard, has to have as a permanent part in your collection.
https://www.allmusic.com/album/funky-skull-mw0000576299

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Reseña de Thom Jurek
El bajista Melvin Jackson tiene exactamente un álbum en su catálogo como líder (pasó la mayor parte de su tiempo tocando con Eddie Harris). Pero tío, eso es todo lo que necesitaba. Bombeando su vertical a través de una caja de filtros Maestro G-2, un Boomerang, un Echoplex, y un amplificador Am peg, hizo que esa cosa sonara como algo del espacio exterior mientras lo mantenía firmemente en la ranura del bar de la esquina en Front Street. ¿Gimmicky? Eso es lo que dijeron una vez sobre Roland Kirk tocando múltiples trompetas a la vez, también. En cuanto a los detractores que piensan que esto es una novedad, consideren a los pesados de su banda: Roscoe Mitchell, Leo Smith, Lester Bowie, Phil Upchurch, Pete Cosey, Morris Jennings, Jodie Christian, Billy Hart, Byron Bowie, Steve Galloway, y muchos otros. Todos estos gatos eran pesos pesados por derecho propio. ¿Cómo suena Funky Skull? Psicodélico, funky soul-jazz y mucho más. Jackson inclinaba su bajo y lo tocaba dependiendo de lo que la melodía necesitaba. Producida en Chicago por Robin McBride y editada originalmente por el sello Limelight, marcó una era de exploración y Jackson estaba en la planta baja de la estación espacial. Sólo había un requisito: el surco tenía que estar en el bolsillo y el ritmo tenía que estar en el uno. Hay nueve melodías aquí; Jackson escribió o co-escribió cuatro, incluyendo el corte del título en dos partes. Tomó páginas del libro de soul-jazz de Harris y del funky de James Brown. Hay voces en estos temas, pero son poco más que acentos en las líneas rítmicas repetitivas que se establecen. Es todo un funk de jazz duro y eléctrico de la época anterior a la fusión. "Funky Skull, Pts 1 & 2" y "Cold Duck Time, Pts." de Eddie Harris. 1 & 2" de Eddie Harris fueron grabadas en rocolas en todo el Medio Oeste y en Nueva York en cervecerías, en los mostradores de almuerzo, en los bolos, etc. En otras palabras, estas canciones fueron escuchadas y tocadas por la gente común, no sólo por los fanáticos del jazz. Las monedas de cinco centavos se inflaron por una razón. Algunos cortes aquí, como "Dance of the Dervish", tienen arreglos bastante sofisticados y cayeron más firmemente en el campo del jazz, pero también estuvieron fuera de él - especialmente el solo de bajo de Echoplexed. En otro lugar, "Everybody Loves My Baby", que es un ejercicio de percusión de mano, hi hat, y el bajo afectado electrónicamente, estaba ahí en la plataforma de lanzamiento en términos de clasificación. Se recupera del frío gracias a "Say What" de Jackson, con las trompetas tocando como una sección con armonía estriada y un sutil B-3 interpretado por algún genio sin acreditar que mantuvo las líneas de funk cortadas y ajustadas; fue la señal de Jackson para envolverse por todo el surco sin salir nunca del bolsillo por completo. El solo de saxofón balante te dice que se está aspirando a algo más y que se está entregando: empuja la línea de la melodía muy lejos de la ventana, pero la sección rítmica nunca la pierde ni un segundo. "Funky Doo", escrita por Jackson y el productor Robin McBride, la sacude mientras es una melodía de baile para una sudorosa fiesta después de hora. El set termina con "Silver Cycles", escrita por Jackson y Harris. Con más de nueve minutos de duración, comienza con un pequeño piano vampiro y Jackson tocando el bajo con glissando antes de que las flautas, un kit de trampa y otros cuernos se abran camino. El bajo de Jackson se duplica, encontrando el ritmo expansivo que se establece y se extrapola al país de las maravillas armónico. Se exponen las texturas de la sección de trompas y los bordes inferiores de los registros de bajo y piano, con la trompa tocando en alto, creando un gran espacio en el medio para que pase algo. Pero se mantiene en el lado sutil con todo tipo de interacción entre los instrumentos que cruzan canales y partes antes de desvanecerse en la noche. Funky Skull es una experiencia auditiva única. Es divertida, salvajemente inventiva, libre y compleja, todo al mismo tiempo. Este es uno de esos discos que uno tiene que escuchar para creer, y una vez escuchado, tiene que tener como una parte permanente en su colección.
https://www.allmusic.com/album/funky-skull-mw0000576299



Friday, May 23, 2025

Bobby Hutcherson, David Sanborn, Joey DeFrancesco Featuring Billy Hart • Enjoy The View

 



Review
by Matt Collar
Bobby Hutcherson's 2014 album, Enjoy the View, finds the vibraphonist joining forces with saxophonist David Sanborn, organist/trumpeter Joey DeFrancesco, and drummer Billy Hart on a set of swinging, funky, and adventurous songs. This is Hutcherson's first album of studio material since 2009's Coltrane-inspired Wise One, and follows his 2012 live album, Somewhere in the Night, which also featured DeFrancesco. In a similar vein to Sanborn's more straight-ahead acoustic collaboration with keyboardist Bob James, 2013's Quartette Humaine, Enjoy the View eschews Hutcherson's more contemporary leanings for a visceral hard bop- and soul-jazz-influenced sound. Here we get a bevy of inspired original compositions, including the moody opening cut, "Delia," the impressionistic and driving modal soul of "Hey Harold," and the swinging, funky "Teddy." Ultimately, Enjoy the View is an album of expansive, highly engaging music that harks back to the best of Hutcherson's '60s and '70s work.
https://www.allmusic.com/album/enjoy-the-view-mw0002605950

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Reseña
por Matt Collar
El álbum de 2014 de Bobby Hutcherson, Enjoy the View, encuentra al vibrafonista uniendo fuerzas con el saxofonista David Sanborn, el organista/trompetista Joey DeFrancesco y el baterista Billy Hart en un conjunto de canciones oscilantes, funky y aventureras. Este es el primer álbum de material de estudio de Hutcherson desde Wise One, de 2009, inspirado en Coltrane, y sigue a su álbum en vivo de 2012, Somewhere in the Night, que también contó con DeFrancesco. En una línea similar a la colaboración acústica más directa de Sanborn con el teclista Bob James, Quartette Humaine de 2013, Enjoy the View evita las inclinaciones más contemporáneas de Hutcherson por un sonido visceral con influencias de hard bop y soul-jazz. Aquí tenemos un puñado de inspiradas composiciones originales, incluyendo el malhumorado corte de apertura, "Delia", el impresionista e impulsivo soul modal de "Hey Harold", y el swing y el funky de "Teddy". En definitiva, Enjoy the View es un álbum de música expansiva y muy atractiva que se remonta a lo mejor del trabajo de Hutcherson en los años 60 y 70.
https://www.allmusic.com/album/enjoy-the-view-mw0002605950


Monday, March 24, 2025

Brian Landrus • For Now

 



On For Now, his tenth album as leader, multi-reed specialist Brian Landrus gives voice to the many faces of romance, using as his means of expression a talented core quintet, amplified on several themes by a four-member string section, with arrangements by the notable opera composer Robert Aldridge. While Landrus plays four instruments including flute and alto flute, he sticks for the most part to baritone sax and bass clarinet, soloing on one or the other on almost every one of the session's thirteen well-drawn numbers (an exception is his seductive alto flute solo on "The Night of Change").
By Jack Bowers
May 20, 2020
https://www.allaboutjazz.com/for-now-brian-landrus-self-produced

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En For Now, su décimo álbum como líder, el especialista en múltiples cañas Brian Landrus da voz a las múltiples caras del romance, utilizando como medio de expresión un quinteto central de gran talento, amplificado en varios temas por una sección de cuerda de cuatro miembros, con arreglos del notable compositor de ópera Robert Aldridge. Aunque Landrus toca cuatro instrumentos, entre ellos la flauta y la flauta contralto, se ciñe en su mayor parte al saxo barítono y al clarinete bajo, haciendo solos con uno u otro en casi todos los trece bien dibujados números de la sesión (una excepción es su seductor solo de flauta contralto en «The Night of Change»).
Por Jack Bowers
20 de mayo de 2020
https://www.allaboutjazz.com/for-now-brian-landrus-self-produced




brianlandrus.com ...



Sunday, February 16, 2025

Dave Liebman-Joe Lovano • Compassion, The Music of John Coltrane

 



In 2007 BBC Radio commissioned saxophonist Dave Liebman to record an all-Coltrane program to mark the 40th anniversary of legendary saxophonist/composer John Coltrane's passing. Asked to bring in Saxophone Summit—the band Liebman co-led with fellow saxophonists Joe Lovano and Ravi Coltrane—Liebman managed to assemble regular members Lovano, pianist Phil Markowitz, and drummer Billy Hart, along with bassist Ron McClure as a substitute for the unavailable Cecil McBee. Ten years later, the session is being released to commemorate the 50th anniversary of Coltrane's passing on July 17, 1967.

Billy Hart says that "we're all just unbelievable Coltrane fans." If the playing alone wasn't enough to show that, there's also the evidence of Liebman's album Homage To John Coltrane (Owl Records), going back to 1987. This set opens with "Locomotion," a distinctive take on the blues from Blue Train (Blue Note, 1958). The tune contains the germs of many later Coltrane works, and makes a great launching point, the classic two tenor lineup dueling with each other and egging each other on. A ballad medley showcases the two horns individually—Lovano on tenor for "Central Park West" from Coltrane's Sound (Atlantic, 1964; but recorded in 1960); Liebman on soprano for "Dear Lord" from Transition (Impulse!, 1970, but recorded in 1965). This spiritual ballad has long had a special place for Liebman, and is the only composition repeated from his early tribute album.

"Olé" from Olé Coltrane (Atlantic, 1961) represents Coltrane's long term interest in world music, which later came out in tunes like "India" and "Brazilia." After an introduction featuring wood flute and flute, the Spanish-tinged melody is introduced by tenor and soprano saxophones. "Reverend King" from Cosmic Music (Impulse!, 1968, but recorded in 1966) features Liebman on flute, accompanied by Lovano's alto clarinet: a lovely combination unique to this track. "Equinox" (also from Coltrane's Sound) is another blues, returning to the tenor/soprano combination. The album closes with "Compassion" from Meditations (Impulse!, 1966), dipping into Trane's late period. It gives Hart a solo showcase before launching into the free group improvisation with little steady pulse or set harmonic progressions that typifies late Coltrane. The band is so comfortable with this approach that they play it much like the earlier material: a bit more outside, but there is no sharp dividing line.

John Coltrane's career was so compressed that the compositions here—recorded between 1958 and 1966—represent six distinct stylistic phases. The more-or-less chronological presentation demonstrates how far he progressed in such a brief period, as well as how he maintained his own voice all the way. Coltrane's music needs no defense, but these players make an excellent case for it all the same.
By Mark Sullivan
August 3, 2017
https://www.allaboutjazz.com/compassion-the-music-of-john-coltrane-dave-liebman-resonance-records-review-by-mark-sullivan

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En 2007, BBC Radio encargó al saxofonista Dave Liebman que grabara un programa exclusivamente de Coltrane para conmemorar el 40.º aniversario del fallecimiento del legendario saxofonista y compositor John Coltrane. Cuando se le pidió que trajera a Saxophone Summit, la banda que Liebman codirigió con sus compañeros saxofonistas Joe Lovano y Ravi Coltrane, Liebman logró reunir a los miembros regulares Lovano, el pianista Phil Markowitz y el baterista Billy Hart, junto con el bajista Ron McClure como sustituto del no disponible. Cecil McBee. Diez años después, la sesión se publica para conmemorar el 50 aniversario del fallecimiento de Coltrane el 17 de julio de 1967.

Billy Hart dice que "todos somos fanáticos increíbles de Coltrane". Si tocar solo no fue suficiente para demostrar eso, también está la evidencia del álbum Homage To John Coltrane (Owl Records) de Liebman, que se remonta a 1987. Este set comienza con "Locomotion", una versión distintiva del blues de Blue Train. (Nota azul, 1958). La melodía contiene los gérmenes de muchas obras posteriores de Coltrane, y es un excelente punto de partida, la formación clásica de dos tenores que se baten en duelo y se incitan mutuamente. Un popurrí de baladas muestra los dos cuernos individualmente: Lovano en el tenor de "Central Park West" de Coltrane's Sound (Atlantic, 1964; pero grabado en 1960); Liebman en soprano para "Dear Lord" de Transition (Impulse!, 1970, pero grabado en 1965). Esta balada espiritual ha tenido durante mucho tiempo un lugar especial para Liebman y es la única composición repetida de su primer álbum tributo.

"Olé" de Olé Coltrane (Atlantic, 1961) representa el interés a largo plazo de Coltrane en la música mundial, que más tarde salió en melodías como "India" y "Brazilia". Después de una introducción con flauta y flauta de madera, la melodía con tintes españoles es introducida por saxofones tenor y soprano. "Reverend King" de Cosmic Music (¡Impulse!, 1968, pero grabado en 1966) presenta a Liebman en flauta, acompañado por el clarinete alto de Lovano: una hermosa combinación única en esta pista. "Equinox" (también de Coltrane's Sound) es otro blues que vuelve a la combinación tenor/soprano. El álbum se cierra con "Compassion" de Meditations (Impulse!, 1966), sumergiéndose en el período tardío de Trane. Le da a Hart una exhibición en solitario antes de lanzarse a la improvisación grupal libre con poco pulso constante o progresiones armónicas establecidas que tipifican a Coltrane tardío. La banda se siente tan cómoda con este enfoque que lo tocan de manera muy similar al material anterior: un poco más afuera, pero no hay una línea divisoria clara.

La carrera de John Coltrane estuvo tan comprimida que las composiciones aquí, grabadas entre 1958 y 1966, representan seis fases estilísticas distintas. La presentación más o menos cronológica demuestra cuánto progresó en un período tan breve, así como también cómo mantuvo su propia voz en todo momento. La música de Coltrane no necesita defensa, pero estos músicos son un excelente argumento a favor de todos modos.
Por Mark Sullivan
3 de agosto de 2017
https://www.allaboutjazz.com/compassion-the-music-of-john-coltrane-dave-liebman-resonance-records-review-by-mark-sullivan


Peter Leitch • Exhilaration

 



Review
by Scott Yanow
This combination works quite well - The mellow-toned but hard swinging guitarist Peter Leitch teams up with baritonist Pepper Adams, pianist John Hicks, bassist Ray Drummond, and drummer Billy Hart for three Thelonious Monk tunes ("'Round Midnight," "Trinkle Tinkle," and "Played Twice"), two of the guitarist's originals, and "How Deep Is the Ocean." Adams' presence inspires and seems to light a fire under Leitch, who is heard throughout in passionate form - Recommended.
https://www.allmusic.com/album/exhilaration-mw0000271473

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Reseña
por Scott Yanow
Esta combinación funciona bastante bien - El guitarrista Peter Leitch, de tono meloso pero de swing duro, forma equipo con el baritonista Pepper Adams, el pianista John Hicks, el bajista Ray Drummond y el batería Billy Hart para tres temas de Thelonious Monk ("'Round Midnight", "Trinkle Tinkle" y "Played Twice"), dos originales del guitarrista y "How Deep Is the Ocean" - La presencia de Adams inspira y parece encender un fuego bajo Leitch, a quien se escucha en todo momento de forma apasionada - Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/exhilaration-mw0000271473



peterleitch.com ...


Friday, February 7, 2025

Stan Getz • Moments In Time

 


Stan "The Sound" Getz was born on February 2nd 1927 in Philadelphia, and was later in his life to become one of the most popular jazz names of all times. Influenced greatly in his early days by Lester Young, he became himself a major influence on many musicians later in his career, when after forming his own style, he earned a reputation as "One of the all-time great tenor saxophonists".
The young Stan was interested in music from a very early age onwards, although he didn't really play himself until the age of twelve, when he became the proud owner of a harmonica. After playing the bass for a while in the high school band, Stan's interest in music began to grow, and it wasn't long before he had convinced his father to buy him an alto saxophone. From then on it was love at first sight, and after taking lessons and trying out the different kinds of saxophones, Stan Getz decided at the age of thirteen that the tenor was his instrument, the "sound" was born!.
At the age of sixteen, after trying himself out in a number of local bands, his first big opportunity arrived, and after auditioning with Jack Teagardens band, he was in! The year was 1943 and many of Teagardens musicians had been drafted into the military, so the young Stan Getz was given the chance to play real music in a real band. From then on he had the chance to play in a variety of major swing big bands, and after gaining valuable experience with Teagarden, joined Stan Kenton's big band in 1944, and then went on to play with Jimmy Dorsey in early 1945.
A great step forward in his career came in 1945, when after joining Benny Goodman's band he was given the opportunity to solo on a few recordings. After staying with Goodman until early 1946, he had his recording debut as a leader, recording 4 titles in July of the same year. From that time on his reputation and fame grew and after playing with "Woody Herman's Second Herd" (together with Zoot Sims, Herbie Steward and Serge
Chaloff) on the original version of "Four Brothers", Stan Getz had really arrived. At the age of 21 he then became a star in the jazz world after soloing on the recording of "Early Autumn" with Woody Herman, and after leaving Herman's band, he was (with the exception of some tours with Jazz at the Philharmonic) a bandleader for the rest of his career.
In the 1950's, Stan was associated with a kind of jazz known as "cool jazz", (basically meaning, he played bebop) and became during this decade one of the most popular jazz musicians, playing amongst others with Lionel Hampton, Harry "Sweets" Edison, Jimmy Raney, Jimmy Rowles, and Oscar Peterson and after discovering Horace Silver in 1950,he used him in his quartet for some time . Despite some drug problems his popularity continued to grow, and he was a frequent "poll winner" in the fifties. After spending 1958-1960 in Europe (mainly in Denmark), Getz returned to the U.S.A. for his recordings of the "Focus" album, and then played his part in 1962 in the popularising of bossa nova (a mixture of jazz and samba).. With the recording of "Jazz Samba", together with Charlie Byrd he then had a big hit with "Desafinado". In 1963 after working with Gary Farlands big band, Luiz Bonfa and Laurindo Almeida, he recorded with Antonio Carlos Jobim and Joaco Gilberto, the mega hit, "The Girl from Ipanema" (that reached the top of the charts in 1964).
Beginning in 1964 Getz returned from the bossa-nova to a more "straight ahead" style with his quartet. After Chick Corea joined in 1967 and Gary Burton's vibes were featured, (instead of piano) Getz became known by some as "The Godfather of Jazz". In 1969, after struggling with drugs and the law again, he left the U.S.A. to live in Malaga, Spain and stopped performing for two years. After returning to music in 1971, some of the highlights of the 70s were, "Dynasty", with organist Eddie Louiss (1971), "Captain Marvel" with Chick Corea (1972), "The Peacocks", with Jimmy Rowles (1975). Throughout the rest of the decade and right through the 1980's he carried on recording and performing, playing with many name musicians including Lou Levy, Mitchell Forman, Jim McNeely and Kenny Baron, and his last recording in 1991, "People Time", features some excellent duets with Baron. Stan Getz made more then 300 recordings in his nearly 60 year long career and became known as "The Sound" due to his style of playing with a rich and pure tone. He will be remembered as one of the all-time great tenor saxophonists.

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Stan "The Sound" Getz nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia, y más tarde en su vida se convirtió en uno de los nombres más populares del jazz de todos los tiempos. Influenciado en gran medida en sus primeros días por Lester Young, se convirtió en una gran influencia para muchos músicos más tarde en su carrera, cuando después de formar su propio estilo, se ganó la reputación de "Uno de los grandes saxofonistas tenores de todos los tiempos".
El joven Stan se interesó por la música desde una edad muy temprana, aunque no se tocó a sí mismo hasta los doce años, cuando se convirtió en el orgulloso propietario de una armónica. Después de tocar el bajo durante un tiempo en la banda de la escuela secundaria, el interés de Stan por la música comenzó a crecer, y no pasó mucho tiempo antes de que convenciera a su padre de que le comprara un saxofón alto. A partir de entonces fue amor a primera vista, y después de tomar lecciones y probar los diferentes tipos de saxofones, Stan Getz decidió a la edad de trece años que el tenor era su instrumento, ¡el "sonido" había nacido!
A los dieciséis años, después de probarse a sí mismo en varias bandas locales, llegó su primera gran oportunidad, y después de audicionar con la banda de Jack Teagardens, ¡estaba dentro! Era el año 1943 y muchos de los músicos de Teagardens habían sido reclutados en el ejército, así que al joven Stan Getz se le dio la oportunidad de tocar música de verdad en una banda de verdad. A partir de entonces tuvo la oportunidad de tocar en una variedad de grandes bandas de swing, y después de ganar una valiosa experiencia con Teagarden, se unió a la gran banda de Stan Kenton en 1944, y luego pasó a tocar con Jimmy Dorsey a principios de 1945.
Un gran paso adelante en su carrera llegó en 1945, cuando después de unirse a la banda de Benny Goodman se le dio la oportunidad de tocar en solitario en algunas grabaciones. Después de permanecer con Goodman hasta principios de 1946, tuvo su debut discográfico como líder, grabando 4 títulos en julio del mismo año. A partir de entonces su reputación y fama creció y después de tocar con "Woody Herman's Second Herd" (junto con Zoot Sims, Herbie Steward y Serge
Chaloff) en la versión original de "Four Brothers", Stan Getz había llegado realmente. A la edad de 21 años se convirtió en una estrella en el mundo del jazz después de hacer un solo en la grabación de "Early Autumn" con Woody Herman, y después de dejar la banda de Herman, fue (con la excepción de algunas giras con Jazz en la Filarmónica) un líder de la banda por el resto de su carrera.
En los años 50, Stan se asoció con un tipo de jazz conocido como "cool jazz", (básicamente significa que tocaba bebop) y se convirtió durante esta década en uno de los músicos de jazz más populares, tocando entre otros con Lionel Hampton, Harry "Sweets" Edison, Jimmy Raney, Jimmy Rowles, y Oscar Peterson y después de descubrir a Horace Silver en 1950, lo utilizó en su cuarteto durante algún tiempo. A pesar de algunos problemas con las drogas, su popularidad siguió creciendo, y fue un frecuente "ganador de encuestas" en los años cincuenta. Después de pasar de 1958 a 1960 en Europa (principalmente en Dinamarca), Getz regresó a Estados Unidos para grabar el álbum "Focus", y en 1962 participó en la divulgación de la bossa nova (mezcla de jazz y samba). Con la grabación de "Jazz Samba", junto con Charlie Byrd tuvo un gran éxito con "Desafinado". En 1963, después de trabajar con la big band de Gary Farlands, Luiz Bonfa y Laurindo Almeida, grabó con Antonio Carlos Jobim y Joaco Gilberto, el mega hit "The Girl from Ipanema" (que llegó al tope de las listas en 1964).
A partir de 1964 Getz volvió de la bossa-nova a un estilo más "recto" con su cuarteto. Después de que Chick Corea se uniera en 1967 y se presentara el vibráfono de Gary Burton, (en lugar de piano) Getz llegó a ser conocido por algunos como "El Padrino del Jazz". En 1969, después de luchar de nuevo contra las drogas y la ley, dejó los Estados Unidos para vivir en Málaga, España, y dejó de actuar durante dos años. Después de volver a la música en 1971, algunos de los puntos culminantes de los años 70 fueron, "Dinastía", con el organista Eddie Louiss (1971), "Capitán Maravilla" con Chick Corea (1972), "Los Pavos Reales", con Jimmy Rowles (1975). A lo largo del resto de la década y a la derecha Durante los años 80 continuó grabando y actuando, tocando con muchos músicos de renombre, incluyendo Lou Levy, Mitchell Forman, Jim McNeely y Kenny Baron, y su última grabación en 1991, "People Time", presenta algunos excelentes duetos con Baron. Stan Getz hizo más de 300 grabaciones en sus casi 60 años de carrera y se le conoció como "The Sound" debido a su estilo de tocar con un tono rico y puro. Será recordado como uno de los grandes saxofonistas tenores de todos los tiempos. 

 


Thursday, February 6, 2025

Joe Lovano Quartets • Live At The Village Vanguard

 


Biography:
Grammy-winning saxophonist, composer and producer Joe Lovano is fearless in finding new modes of artistic expression. With a Grammy Win for his 52nd Street Themes and 14 other nominations, he has won Down Beat Magazine’s Critics and Readers Polls countless times as Tenor Saxophonist, Musician of the Year, Jazz Album of the Year and Triple Crowns from Downbeat. He has also gotten numerous awards from Jazz Times and the Jazz Journalists Association for Tenor Saxophone, Album of the Year and Musician of the Year.

Born in Cleveland, Ohio on December 29, 1952 he attended the famed Berklee College of Music in Boston where years later he was awarded an Honorary Doctorate. Since 2001 he has held the Gary Burton Chair in Jazz Performance and is a founding faculty member since 2009 of the Global Jazz Institute at Berklee directed by Danilo Perez. He is a guest lecturer at New York University’s Jazz Program, Juilliard and Manhattan School of Music as well as Clinician at Universities around the globe.

He has toured with jazz greats such as Woody Herman Thundering Herd, Dr. Lonnie Smith, Jack McDuff, Mel Lewis Jazz Orchestra, Paul Motian Trio, Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Carla Bley Band, Elvin Jones Jazz Machine, Saxophone Summit and has created a body of work for his own large ensembles including strings, woodwinds, voice as well as his Horn-rich Nonet and more recently his UsFive group with double drummers which has been gathering kudos world-wide!

Since 1991 Lovano has been recording as a leader for Blue Note Records. “Joe Lovano Quartet: Classic! Live at Newport” featuring Hank Jones was recorded in 2005 and released in 2016 marking his 25th recording for the label.

Joe has also performed and recorded with a long list of jazz greats including Woody Herman, Mel Lewis, Bob Brookmeyer, Paul Motian, Bill Frisell, Tony Bennett, Abbey Lincoln, Charlie Haden, John Scofield, Gunther Schuller, Elvin Jones, McCoy Tyner, Ed Blackwell, Herbie Hancock, Dave Holland, Hank Jones, Dave Liebman, Michael Brecker, Dave Douglas, Judi Silvano, Ravi Coltrane, Chucho Valdez, Ornette Coleman and many others.

In addition, composer Mark Anthony Turnage wrote a Concerto for Saxophone and Chamber Orchestra for Joe called “A Man Descending” which has been performed globally and Maestro Michael Abene orchestrated an album of all-Lovano originals called “Symphonica” for the WDR Symphonic Orchestra and Big Band, which was released on Blue Note and received a Grammy nomination.

Joe Lovano continues to explore new horizons within the world of music as a soloist, band leader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joe-lovano

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Biografía:
El saxofonista, compositor y productor Joe Lovano, ganador de un Grammy, no tiene miedo a la hora de encontrar nuevos modos de expresión artística. Ganador de un Grammy por sus 52nd Street Themes y otras 14 nominaciones, ha ganado innumerables veces las encuestas de críticos y lectores de la revista Down Beat como saxofonista tenor, músico del año, álbum de jazz del año y triple corona de Downbeat. También ha obtenido numerosos premios del Jazz Times y de la Jazz Journalists Association como Saxofón Tenor, Álbum del Año y Músico del Año.

Nacido en Cleveland, Ohio, el 29 de diciembre de 1952, estudió en el famoso Berklee College of Music de Boston, donde años más tarde se le concedió el Doctorado Honoris Causa. Desde 2001 ocupa la cátedra Gary Burton de Interpretación de Jazz y es miembro fundador desde 2009 del Global Jazz Institute de Berklee dirigido por Danilo Pérez. Es profesor invitado en el Programa de Jazz de la Universidad de Nueva York, en Juilliard y en la Manhattan School of Music, así como clínico en universidades de todo el mundo.

Ha realizado giras con grandes del jazz como Woody Herman Thundering Herd, Dr. Lonnie Smith, Jack McDuff, Mel Lewis Jazz Orchestra, Paul Motian Trio, Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Carla Bley Band, Elvin Jones Jazz Machine, Saxophone Summit y ha creado un corpus de obras para sus propios grandes conjuntos, que incluyen cuerdas, maderas y voz, así como su Horn-rich Nonet y, más recientemente, su grupo UsFive con doble batería, que ha cosechado elogios en todo el mundo.

Desde 1991, Lovano graba como líder para Blue Note Records. "Joe Lovano Quartet: ¡Classic! Live at Newport" con Hank Jones fue grabado en 2005 y lanzado en 2016 marcando su 25ª grabación para el sello.

Joe también ha tocado y grabado con una larga lista de grandes del jazz como Woody Herman, Mel Lewis, Bob Brookmeyer, Paul Motian, Bill Frisell, Tony Bennett, Abbey Lincoln, Charlie Haden, John Scofield, Gunther Schuller, Elvin Jones, McCoy Tyner, Ed Blackwell, Herbie Hancock, Dave Holland, Hank Jones, Dave Liebman, Michael Brecker, Dave Douglas, Judi Silvano, Ravi Coltrane, Chucho Valdez, Ornette Coleman y muchos otros.

Además, el compositor Mark Anthony Turnage escribió para Joe un concierto para saxofón y orquesta de cámara titulado "A Man Descending", que se ha interpretado en todo el mundo, y el maestro Michael Abene orquestó un álbum de originales de Lovano titulado "Symphonica" para la WDR Symphonic Orchestra and Big Band, que se publicó en Blue Note y recibió una nominación a los Grammy.

Joe Lovano sigue explorando nuevos horizontes en el mundo de la música como solista, líder de banda y compositor.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joe-lovano

Tuesday, February 4, 2025

Sonny Fortune • Great Friends

 


Biography
by Matt Collar
Saxophonist, flutist, and multi-reed player Sonny Fortune was a progressive musician with a harmonically aggressive style who came to prominence as a member of trumpeter Miles Davis' fusion groups of the '70s. Born in Philadelphia in 1939, Fortune attended the Wurlitzer and Granoff music schools and performed with local R&B bands in his teens. Influenced early on by such players as Charlie Parker, Sonny Rollins, and John Coltrane, Fortune was 18 before he decided to pursue a career in music exclusively. In 1967 he moved to New York City and quickly found work with several name artists, including drummer Elvin Jones and percussionist Mongo Santamaria, with whom he would play for two years.

Around 1970 Fortune was asked join McCoy Tyner's group and ended up performing with the legendary pianist from 1971 to 1973. During this time, Fortune also recorded with drummer Buddy Rich and even turned down an invitation to join Miles Davis' fusion ensemble, choosing to stick with Tyner. However, in 1974 Fortune finally accepted and replaced saxophonist David Liebman in Davis' group. Although he was only with Davis for a year, it was a fruitful time and Fortune appeared on several albums including Big Fun, Get Up with It, Agharta, and Pangaea.

In 1975 Fortune formed his own group, and during the remainder of the decade released several albums including 1975's Awakening, 1977's Serengeti Minstrel with trumpeter Woody Shaw, and 1977's Waves of Dreams. Also during the '70s, he worked with cornetist Nat Adderley as well as the Elvin Jones Jazz Machine. Although his own discography was sparse throughout the '80s, Fortune continued to perform, joining the Coltrane Legacy Band in 1987 along with Tyner, Jones, and bassist Reggie Workman.

In the '90s Fortune's solo work kicked into high gear and he released several acclaimed records for Blue Note, including 1994's Four in One, 1995's A Better Understanding, and 1996's From Now On. During the following years Fortune continued to perform around the world and released a steady stream of albums, including his 2000 tribute album In the Spirit of John Coltrane, 2003's Continuum, 2007's standards album You and the Night and the Music, and 2009's live album Last Night at Sweet Rhythm. Fortune died in Manhattan on October 25, 2018 due to complications of a stroke. He was 79 years old.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269/biography

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Biografía
por Matt Collar
Sonny Fortune, saxofonista, flautista e intérprete de varias cañas, fue un músico progresivo con un estilo armónicamente agresivo que saltó a la fama como miembro de los grupos de fusión del trompetista Miles Davis en los años setenta. Nacido en Filadelfia en 1939, Fortune asistió a las escuelas de música Wurlitzer y Granoff y actuó con bandas locales de R&B en su adolescencia. Influido muy pronto por músicos como Charlie Parker, Sonny Rollins y John Coltrane, Fortune tenía 18 años cuando decidió dedicarse exclusivamente a la música. En 1967 se trasladó a Nueva York y enseguida encontró trabajo con varios artistas de renombre, entre ellos el batería Elvin Jones y el percusionista Mongo Santamaria, con quien tocaría durante dos años.

Alrededor de 1970, Fortune fue invitado a unirse al grupo de McCoy Tyner y acabó tocando con el legendario pianista de 1971 a 1973. Durante este tiempo, Fortune también grabó con el batería Buddy Rich e incluso rechazó una invitación para unirse al conjunto de fusión de Miles Davis, optando por seguir con Tyner. Sin embargo, en 1974 Fortune aceptó finalmente y sustituyó al saxofonista David Liebman en el grupo de Davis. Aunque sólo estuvo un año con Davis, fue una época fructífera y Fortune apareció en varios álbumes, como Big Fun, Get Up with It, Agharta y Pangaea.

En 1975 Fortune formó su propio grupo y durante el resto de la década publicó varios álbumes, entre ellos Awakening, de 1975, Serengeti Minstrel, de 1977, con el trompetista Woody Shaw, y Waves of Dreams, de 1977. También durante los años 70, trabajó con el cornetista Nat Adderley y con la Elvin Jones Jazz Machine. Aunque su propia discografía fue escasa durante los años 80, Fortune siguió actuando, uniéndose a la Coltrane Legacy Band en 1987 junto a Tyner, Jones y el bajista Reggie Workman.

En los años 90, Fortune empezó a trabajar en solitario y publicó varios discos aclamados para Blue Note, como Four in One (1994), A Better Understanding (1995) y From Now On (1996). Durante los años siguientes, Fortune siguió actuando por todo el mundo y publicando un flujo constante de álbumes, entre los que se incluyen su álbum homenaje de 2000 In the Spirit of John Coltrane, Continuum de 2003, el álbum de estándares de 2007 You and the Night and the Music y el álbum en directo de 2009 Last Night at Sweet Rhythm. Fortune falleció en Manhattan el 25 de octubre de 2018 debido a complicaciones de un derrame cerebral. Tenía 79 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269/biography


Sunday, February 2, 2025

Dave Stryker • Strike Up The Band

 

 



Review
by Ken Dryden  
Dave Stryker' fifteenth CD for Steeplechase obviously makes him one of producer Nils Winther's favorite musicians. For this 2003 session, the veteran guitarist is joined by pianist Xavier Davis, bassist Andy McKee, and drummer Billy Hart, producing a post-bop oriented session that has a number of surprises. Stryker's reworking of George Gershwin's "Strike Up the Band" reharmonizes the standard and adds quite a different perspective. He disguises the introduction to Sonny Rollins' "Airegin" with a tense vamp, with Davis shining in its up-tempo setting. Cole Porter's "I Love You" is another favorite of jazz musicians; the pianist's easygoing, slightly funky scoring of it gives it a fresh sound. Stryker penned three originals, including "What Is This?," a deliberately obvious reworking of the chord changes to "What Is This Thing Called Love." His swaggering "Blues Strut" and the demanding modal piece "Saints and Sinners" also produce inspired performances. Davis wrote the lyrical waltz "The Message," a low-key but infectious tune, while McKee opens his subtle"Peace Song" alone, with the band gradually making its entrance. Highly recommended!
https://www.allmusic.com/album/strike-up-the-band-mw0001643810

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Reseña
por Ken Dryden  
El decimoquinto CD de Dave Stryker para Steeplechase le convierte obviamente en uno de los músicos favoritos del productor Nils Winther. Para esta sesión de 2003, el veterano guitarrista está acompañado por el pianista Xavier Davis, el bajista Andy McKee, y el batería Billy Hart, produciendo una sesión orientada al post-bop que tiene varias sorpresas. La versión de Stryker de "Strike Up the Band" de George Gershwin rearmoniza el estándar y añade una perspectiva bastante diferente. Disfraza la introducción de "Airegin" de Sonny Rollins con un tenso vampiro, en el que Davis brilla en su tempo. I Love You" de Cole Porter es otra de las favoritas de los músicos de jazz; el pianista la interpreta de forma desenfadada y ligeramente funky, dándole un sonido fresco. Stryker compuso tres originales, incluido "What Is This?", una reelaboración deliberadamente obvia de los cambios de acordes de "What Is This Thing Called Love". Su contoneante "Blues Strut" y la exigente pieza modal "Saints and Sinners" también producen interpretaciones inspiradas. Davis escribió el vals lírico "The Message", una melodía discreta pero contagiosa, mientras que McKee abre su sutil "Peace Song" en solitario, con la banda haciendo su entrada gradualmente. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/strike-up-the-band-mw0001643810



Friday, January 31, 2025

Stan Getz & Joao Gilberto • The Best Of Two Worlds

 



Sonny Fortune • Awakening

 


Biography
by Matt Collar
Saxophonist, flutist, and multi-reed player Sonny Fortune was a progressive musician with a harmonically aggressive style who came to prominence as a member of trumpeter Miles Davis' fusion groups of the '70s. Born in Philadelphia in 1939, Fortune attended the Wurlitzer and Granoff music schools and performed with local R&B bands in his teens. Influenced early on by such players as Charlie Parker, Sonny Rollins, and John Coltrane, Fortune was 18 before he decided to pursue a career in music exclusively. In 1967 he moved to New York City and quickly found work with several name artists, including drummer Elvin Jones and percussionist Mongo Santamaria, with whom he would play for two years.

Around 1970 Fortune was asked join McCoy Tyner's group and ended up performing with the legendary pianist from 1971 to 1973. During this time, Fortune also recorded with drummer Buddy Rich and even turned down an invitation to join Miles Davis' fusion ensemble, choosing to stick with Tyner. However, in 1974 Fortune finally accepted and replaced saxophonist David Liebman in Davis' group. Although he was only with Davis for a year, it was a fruitful time and Fortune appeared on several albums including Big Fun, Get Up with It, Agharta, and Pangaea.

In 1975 Fortune formed his own group, and during the remainder of the decade released several albums including 1975's Awakening, 1977's Serengeti Minstrel with trumpeter Woody Shaw, and 1977's Waves of Dreams. Also during the '70s, he worked with cornetist Nat Adderley as well as the Elvin Jones Jazz Machine. Although his own discography was sparse throughout the '80s, Fortune continued to perform, joining the Coltrane Legacy Band in 1987 along with Tyner, Jones, and bassist Reggie Workman.

In the '90s Fortune's solo work kicked into high gear and he released several acclaimed records for Blue Note, including 1994's Four in One, 1995's A Better Understanding, and 1996's From Now On. During the following years Fortune continued to perform around the world and released a steady stream of albums, including his 2000 tribute album In the Spirit of John Coltrane, 2003's Continuum, 2007's standards album You and the Night and the Music, and 2009's live album Last Night at Sweet Rhythm. Fortune died in Manhattan on October 25, 2018 due to complications of a stroke. He was 79 years old.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269/biography

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Biografía
por Matt Collar
Sonny Fortune, saxofonista, flautista e intérprete de varias cañas, fue un músico progresivo con un estilo armónicamente agresivo que saltó a la fama como miembro de los grupos de fusión del trompetista Miles Davis en los años setenta. Nacido en Filadelfia en 1939, Fortune asistió a las escuelas de música Wurlitzer y Granoff y actuó con bandas locales de R&B en su adolescencia. Influido muy pronto por músicos como Charlie Parker, Sonny Rollins y John Coltrane, Fortune tenía 18 años cuando decidió dedicarse exclusivamente a la música. En 1967 se trasladó a Nueva York y enseguida encontró trabajo con varios artistas de renombre, entre ellos el batería Elvin Jones y el percusionista Mongo Santamaria, con quien tocaría durante dos años.

Alrededor de 1970, Fortune fue invitado a unirse al grupo de McCoy Tyner y acabó tocando con el legendario pianista de 1971 a 1973. Durante este tiempo, Fortune también grabó con el batería Buddy Rich e incluso rechazó una invitación para unirse al conjunto de fusión de Miles Davis, optando por seguir con Tyner. Sin embargo, en 1974 Fortune aceptó finalmente y sustituyó al saxofonista David Liebman en el grupo de Davis. Aunque sólo estuvo un año con Davis, fue una época fructífera y Fortune apareció en varios álbumes, como Big Fun, Get Up with It, Agharta y Pangaea.

En 1975 Fortune formó su propio grupo y durante el resto de la década publicó varios álbumes, entre ellos Awakening, de 1975, Serengeti Minstrel, de 1977, con el trompetista Woody Shaw, y Waves of Dreams, de 1977. También durante los años 70, trabajó con el cornetista Nat Adderley y con la Elvin Jones Jazz Machine. Aunque su propia discografía fue escasa durante los años 80, Fortune siguió actuando, uniéndose a la Coltrane Legacy Band en 1987 junto a Tyner, Jones y el bajista Reggie Workman.

En los años 90, Fortune empezó a trabajar en solitario y publicó varios discos aclamados para Blue Note, como Four in One (1994), A Better Understanding (1995) y From Now On (1996). Durante los años siguientes, Fortune siguió actuando por todo el mundo y publicando un flujo constante de álbumes, entre los que se incluyen su álbum homenaje de 2000 In the Spirit of John Coltrane, Continuum de 2003, el álbum de estándares de 2007 You and the Night and the Music y el álbum en directo de 2009 Last Night at Sweet Rhythm. Fortune falleció en Manhattan el 25 de octubre de 2018 debido a complicaciones de un derrame cerebral. Tenía 79 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269/biography


Thursday, January 30, 2025

Dave Liebman-Joe Lovano • Compassion [The Music Of John Coltrane]

 



In 2007 BBC Radio commissioned saxophonist Dave Liebman to record an all-Coltrane program to mark the 40th anniversary of legendary saxophonist/composer John Coltrane's passing. Asked to bring in Saxophone Summit—the band Liebman co-led with fellow saxophonists Joe Lovano and Ravi Coltrane—Liebman managed to assemble regular members Lovano, pianist Phil Markowitz, and drummer Billy Hart, along with bassist Ron McClure as a substitute for the unavailable Cecil McBee. Ten years later, the session is being released to commemorate the 50th anniversary of Coltrane's passing on July 17, 1967.

Billy Hart says that "we're all just unbelievable Coltrane fans." If the playing alone wasn't enough to show that, there's also the evidence of Liebman's album Homage To John Coltrane (Owl Records), going back to 1987. This set opens with "Locomotion," a distinctive take on the blues from Blue Train (Blue Note, 1958). The tune contains the germs of many later Coltrane works, and makes a great launching point, the classic two tenor lineup dueling with each other and egging each other on. A ballad medley showcases the two horns individually—Lovano on tenor for "Central Park West" from Coltrane's Sound (Atlantic, 1964; but recorded in 1960); Liebman on soprano for "Dear Lord" from Transition (Impulse!, 1970, but recorded in 1965). This spiritual ballad has long had a special place for Liebman, and is the only composition repeated from his early tribute album.

"Olé" from Olé Coltrane (Atlantic, 1961) represents Coltrane's long term interest in world music, which later came out in tunes like "India" and "Brazilia." After an introduction featuring wood flute and flute, the Spanish-tinged melody is introduced by tenor and soprano saxophones. "Reverend King" from Cosmic Music (Impulse!, 1968, but recorded in 1966) features Liebman on flute, accompanied by Lovano's alto clarinet: a lovely combination unique to this track. "Equinox" (also from Coltrane's Sound) is another blues, returning to the tenor/soprano combination. The album closes with "Compassion" from Meditations (Impulse!, 1966), dipping into Trane's late period. It gives Hart a solo showcase before launching into the free group improvisation with little steady pulse or set harmonic progressions that typifies late Coltrane. The band is so comfortable with this approach that they play it much like the earlier material: a bit more outside, but there is no sharp dividing line.

John Coltrane's career was so compressed that the compositions here—recorded between 1958 and 1966—represent six distinct stylistic phases. The more-or-less chronological presentation demonstrates how far he progressed in such a brief period, as well as how he maintained his own voice all the way. Coltrane's music needs no defense, but these players make an excellent case for it all the same.
By Mark Sullivan
August 3, 2017
https://www.allaboutjazz.com/compassion-the-music-of-john-coltrane-dave-liebman-resonance-records-review-by-mark-sullivan

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En 2007, BBC Radio encargó al saxofonista Dave Liebman que grabara un programa de Coltrane para conmemorar el 40 aniversario del fallecimiento del legendario saxofonista y compositor John Coltrane. Cuando se le pidió que trajera Saxophone Summit, la banda que Liebman codirigió con sus compañeros saxofonistas Joe Lovano y Ravi Coltrane, Liebman logró reunir a los miembros habituales Lovano, el pianista Phil Markowitz y el baterista Billy Hart, junto con el bajista Ron McClure como sustituto del no disponible Cecil McBee. Diez años después, la sesión se publica para conmemorar el 50 aniversario del fallecimiento de Coltrane el 17 de julio de 1967.

Billy Hart dice que " todos somos fanáticos increíbles de Coltrane."Si tocar solo no fue suficiente para mostrar eso, también está la evidencia del álbum Homage De Liebman A John Coltrane (Owl Records), que se remonta a 1987. Este set comienza con "Locomotion", una versión distintiva del blues de Blue Train (Blue Note, 1958). La melodía contiene los gérmenes de muchas obras posteriores de Coltrane, y es un gran punto de partida, la clásica formación de dos tenores se batiendo en duelo y animándose mutuamente. Un popurrí de baladas muestra los dos cuernos individualmente: Lovano como tenor de "Central Park West" de Coltrane's Sound (Atlantic, 1964; pero grabado en 1960); Liebman como soprano de" Dear Lord " de Transition (Impulse!, 1970, pero grabado en 1965). Esta balada espiritual ha tenido durante mucho tiempo un lugar especial para Liebman, y es la única composición repetida de su primer álbum tributo.

"Olé" de Olé Coltrane (Atlantic, 1961) representa el interés a largo plazo de Coltrane por la música mundial, que luego salió en melodías como "India" y "Brazilia."Después de una introducción con flauta de madera y flauta, la melodía con tintes españoles es introducida por saxofones tenor y soprano. "Reverendo King" de Cosmic Music (Impulse!, 1968, pero grabado en 1966) presenta a Liebman en la flauta, acompañado por el clarinete alto de Lovano: una combinación encantadora única en esta pista. "Equinox" (también del sonido de Coltrane) es otro blues, volviendo a la combinación tenor / soprano. El álbum cierra con "Compassion" de Meditations (Impulse !, 1966), sumergiéndose en el último período de Trane. Le da a Hart un escaparate en solitario antes de lanzarse a la improvisación grupal libre con poco pulso constante o progresiones armónicas establecidas que tipifica a Coltrane tardío. La banda se siente tan cómoda con este enfoque que lo tocan como el material anterior: un poco más afuera, pero no hay una línea divisoria definida.

La carrera de John Coltrane estuvo tan comprimida que las composiciones aquí, grabadas entre 1958 y 1966, representan seis fases estilísticas distintas. La presentación más o menos cronológica demuestra cuánto progresó en un período tan breve, así como cómo mantuvo su propia voz durante todo el camino. La música de Coltrane no necesita defensa, pero estos músicos son un excelente argumento para ello de todos modos.
Por Mark Sullivan
3 de agosto de 2017
https://www.allaboutjazz.com/compassion-the-music-of-john-coltrane-dave-liebman-resonance-records-review-by-mark-sullivan


Thursday, January 23, 2025

Buddy Terry • Pure Dynamite

 



An overlooked gem from the early 70s, Buddy Terry’s “Pure Dynamite” mixes post bop and fusion in a style somewhat similar to what Freddie Hubbard and Sonny Rollins were doing at the same time, but Terry also dips into some psychedelic sounds and ensemble freedom that pushes his music a little closer to Herbie Hancock’s excellent Sextet. The connection to the Sextet is furthered by the appearance of the Sextet’s Eddie Henderson and Billy Hart. Meanwhile, the new Return to Forever was also playing with post bop that bordered on the avant-garde on their first album, so its no big surprise to see RTF’s Lenny White, Airto and Stanley Clarke on here as well. The rest of this album’s all-star cast also includes Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw and Kenny Barron, its hard to go wrong with a cast like that and there is certainly very little wrong with this album.

The album opens with “Quiet Afternoon”, which starts off like a mellow psychedelic fusion version of “All Blues”, before Stanley kicks the bass line into double time and the soloists unleash their fire. All through this album the soloists don’t necessarily go it alone as other players might add counter melodies or even occasional competing solos. This busy complicated texture is pushed further with occasional tape echo and a rich tapestry of percussion and sound effects. The early 70s was a very creative time in music and this album is very much a product of that culture. If you enjoy post bop that borders on fusion and the avant-garde, you will not be disappointed by this one. Buddy Terry certainly deserves way more recognition than he has received.

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Pure Dynamite" de Buddy Terry, una joya olvidada de principios de los 70, mezcla post bop y fusión en un estilo similar al que Freddie Hubbard y Sonny Rollins hacían al mismo tiempo, pero Terry también se sumerge en algunos sonidos psicodélicos y libertad de conjunto que acercan su música un poco más al excelente Sextet de Herbie Hancock. La conexión con el Sextet se ve reforzada por la aparición de Eddie Henderson y Billy Hart. Mientras tanto, el nuevo Return to Forever también jugaba con el post bop que rozaba la vanguardia en su primer álbum, por lo que no es una gran sorpresa ver a Lenny White, Airto y Stanley Clarke de RTF aquí también. El resto del elenco de estrellas de este álbum también incluye a Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw y Kenny Barron, es difícil equivocarse con un elenco así y ciertamente hay muy pocas cosas malas en este álbum.

El álbum se abre con "Quiet Afternoon", que comienza como una suave versión de fusión psicodélica de "All Blues", antes de que Stanley ponga la línea de bajo en doble tiempo y los solistas desaten su fuego. A lo largo de este álbum, los solistas no van necesariamente solos, ya que otros músicos pueden añadir contra-melodías o incluso solos que compiten ocasionalmente. Esta complicada y ajetreada textura se amplía con ecos de cinta ocasionales y un rico tapiz de percusión y efectos sonoros. Los primeros años 70 fueron una época muy creativa en la música y este álbum es en gran medida un producto de esa cultura. Si te gusta el post bop que roza la fusión y la vanguardia, éste no te decepcionará. Buddy Terry merece mucho más reconocimiento del que ha recibido.


Tuesday, December 3, 2024

Jimmy Smith • Christmas Cookin'



On the cover of Jimmy Smith’s 1964 Christmas album, the organist is decked out in a Santa suit behind the wheel of a red sports car with a tree and presents in tow. The irreverent and fun photograph is a good primer to the contents inside, for this is no hackneyed rundown of a group of well-worn holiday favourites. Instead, Smith puts a soulful and exciting stamp on each track, along with the help of arrangers Billy Byers and Al Cohn.
As was usual practice for many of Smith’s Verve albums, he is joined on five numbers by a large brass orchestra. For the album’s remaining three songs, he uses his working band of guitarist Quentin Warren and drummer Billy Hart.
Christmas Cookin’ is divided evenly between secular Christmas songs and traditional carols. On “Jingle Bells” and “Santa Claus is Comin’ To Town” with his trio, Smith establishes lightly swinging grooves and resists the temptation to indulge his virtuosity. Arranger Billy Byers creates a Count Basie-feel for “The Christmas Song,” and casts Irving Berlin’s “White Christmas” as a bossa nova. Both feature brief solos by Smith, but the tracks mainly mine the melodies of two of the most enduring standards of the holiday season.
Surprisingly, it is when Smith tackles the religious songs of Christmas that he really lets loose. The album’s opener, “God Rest Ye Merry Gentlemen,” is as far removed from serious church music as can be imagined. Billy Byers has the brass band first play the tune in a classical style which leads into an explosive entrance for Smith. The band repeats the melody, but this time as if it was intended to be used as background for a television crime drama. Then, Smith plays a greasy three-chorus solo with increasingly intense and forceful punctuations by the orchestra, who then carries the tune to a sparse conclusion, ending with only one trumpet. It is, without a doubt, the highlight of the album. Smith’s trio tackles the number as well and their interpretation pales in comparison.
“We Three Kings (of Orient Are)” and “Silent Night” are also both unexpected twists on the usual holiday carol. Both feature very solemn introductions by the orchestra before Smith takes over and injects a jazz swagger to each. It is hard to believe that “Silent Night” could ever swing as much as it does here.
In addition, the 1992 CD reissue adds two other holiday-themed tracks from Smith’s years at Verve: “Baby, It’s Cold Outside” with Wes Montgomery and “Greensleeves” from the album Organ Grinder Swing.
By Robert Gilbert, All About Jazz (www.allaboutjazz.com)

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 En la portada del álbum navideño de Jimmy Smith de 1964, el organista está vestido con un traje de Papá Noel al volante de un auto deportivo rojo con un árbol y regalos a cuestas. La fotografía irreverente y divertida es una buena introducción al contenido que se encuentra dentro, ya que no se trata de un resumen de un grupo de favoritos de las fiestas. En su lugar, Smith pone un sello conmovedor y emocionante en cada pista, junto con la ayuda de los arreglistas Billy Byers y Al Cohn.
Como era práctica habitual en muchos de los álbumes de Verve de Smith, una gran orquesta de metales lo acompaña en cinco números. Para las tres canciones restantes del álbum, utiliza su banda trabajadora del guitarrista Quentin Warren y el baterista Billy Hart.
Christmas Cookin ’se divide en partes iguales entre canciones de Navidad seculares y villancicos tradicionales. En "Jingle Bells" y "Santa Claus is Comin 'To Town" con su trío, Smith establece ritmos ligeramente oscilantes y resiste la tentación de complacer su virtuosismo. El arreglista Billy Byers crea un Count Basie-feel para "The Christmas Song", y presenta la "Navidad blanca" de Irving Berlin como una bossa nova. Ambos cuentan con breves solos de Smith, pero las pistas son principalmente las melodías de dos de los estándares más duraderos de la temporada navideña.
Sorprendentemente, es cuando Smith aborda las canciones religiosas de la Navidad que realmente se suelta. El primer partido del álbum, "God Rest Ye Merry Gentlemen", está tan alejado de la música eclesiástica seria como se puede imaginar. Billy Byers tiene a la banda de música tocando por primera vez la melodía en un estilo clásico que conduce a una entrada explosiva para Smith. La banda repite la melodía, pero esta vez como si estuviera destinada a ser usada como fondo para un drama policial. Luego, Smith toca un solo grasiento de tres coros con puntuaciones cada vez más intensas y contundentes de la orquesta, que luego lleva la melodía a una conclusión dispersa, que termina con una sola trompeta. Es, sin lugar a dudas, lo más destacado del álbum. El trío de Smith aborda el número también y su interpretación palidece en comparación.
"We Three Kings (of Orient Are)" y "Silent Night" también son giros inesperados en el villancico habitual. Ambos presentan introducciones muy solemnes de la orquesta antes de que Smith se haga cargo e inyecte un toque de jazz a cada uno. Es difícil creer que la "Noche silenciosa" pueda oscilar tanto como aquí.
Además, la reedición del CD de 1992 agrega otras dos canciones temáticas de vacaciones de los años de Smith en Verve: "Bebé, hace frío afuera" con Wes Montgomery y "Greensleeves" del álbum Organ Grinder Swing.
Por Robert Gilbert, All About Jazz (www.allaboutjazz.com)





Thursday, October 3, 2024

Marian McPartland • Ambiance

 



Review by Scott Yanow
Originally recorded for her Halcyon label and reissued as a Jazz Alliance CD in 1995, this unusual set by pianist Marian McPartland finds her playing quite free in spots. Her interplay with bassist Michael Moore and drummer Jimmy Madison (Billy Hart takes Madison's place on two numbers) is very alert, sometimes almost telepathic, and much more adventurous than one might expect. Five of the 11 selections are by McPartland, and four are by Moore, but even the standards ("What Is This Thing Called Love" and "Three Little Words") sound as if they are being performed by lyrical avant-gardists. Fascinating music worthy of several listens.
https://www.allmusic.com/album/ambiance-mw0000178987

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Reseña de Scott Yanow
Grabado originalmente para su sello Halcyon y reeditado como CD de la Jazz Alliance en 1995, este conjunto inusual de la pianista Marian McPartland la encuentra tocando bastante libre en algunos momentos. Su interacción con el bajista Michael Moore y el batería Jimmy Madison (Billy Hart sustituye a Madison en dos números) es muy aguda, a veces casi telepática, y mucho más aventurera de lo que cabría esperar. Cinco de las 11 selecciones son de McPartland, y cuatro de Moore, pero incluso los estándares («What Is This Thing Called Love» y «Three Little Words») suenan como si estuvieran siendo interpretados por vanguardistas líricos. Música fascinante digna de varias escuchas.
https://www.allmusic.com/album/ambiance-mw0000178987


Tuesday, October 1, 2024

Doug Raney • You Go to My Head