The Invaders • Spacing Out

 

The Invaders was a top Funk and R&B band in the island of Bermuda during the late 1960s.

The Invaders was started by Ralph Richardson in Bermuda in 1968. In 1969, the band produced its first hit 45, "Spacing Out", written by Richardson, which made it to the top of the Bermuda charts and remained there for several weeks. Within a few months, the band produced its first album with the same title. Both 45 and album were underwritten by Eddie De Mello.

By late 1969, Phillips Recording Studios in the UK offered the band a six-month tour of Europe and a recording contract. By 1970, the band, whose members where then part time musicians, decided to call it quits.

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The Invaders fue una de las mejores bandas de Funk y R&B de la isla de las Bermudas a finales de los años 60.

The Invaders fue creada por Ralph Richardson en las Bermudas en 1968. En 1969, la banda produjo su primer éxito 45, "Spacing Out", escrito por Richardson, que llegó a la cima de las listas de éxitos de las Bermudas y permaneció allí durante varias semanas. En pocos meses, la banda produjo su primer álbum con el mismo título. Tanto el 45 como el álbum fueron suscritos por Eddie De Mello.

A finales de 1969, Phillips Recording Studios en el Reino Unido ofreció a la banda una gira de seis meses por Europa y un contrato de grabación. En 1970, la banda, cuyos miembros eran entonces músicos a tiempo parcial, decidió renunciar. 

 

 

 

New Elizabethans (Syd Dale) • Girl With Golden Hair

Baroque harpsichord sprinkled 60s pop instrumentals by library composer Syd Dale and arranger Dick Hyman.

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El clavicordio barroco salpicado de instrumentos pop de los 60 por el compositor de la biblioteca Syd Dale y el arreglista Dick Hyman.

Bireli Lagrene & Sylvain Luc • Summertime

Review by Michael G. Nastos
Guitar duets should all be precious as this one from Bireli Lagrene and Sylvain Luc, as they mutually share musical thoughts, feelings, and honest emotions via a stack of familiar jazz standards. As equally talented players whose virtuosity is not staggeringly overwhelming, these two present a good deal of symmetry and balance, neither dominating the other. Unless you are personally familiar with the stylistic differences of the gypsy driven Lagrene or more contemporary Luc, it's likely their pure sound rather than technique sets them apart. Luc plays Godin guitar, while Lagrene prefers a Barault model, both relatively unamplified or processed, lending to the organic feel of these standards everybody knows. A resonant and languid version of "Summertime" is quite differently rendered in ringing. solemn, patient tones, with no worries or rushed-through cadences, but a bit of speedy soloing. The quick counterpoint and unison playing during "So What" lend toward mixed messages, but within a straight bop framework. Chick Corea's "Spain" and "Got a Match" give the two a chance to show off a bit, not so much on the former icon of contemporary repertoire as much as the latter track, which lets them charge ahead full steam in flurries of sixteenth and thirty-second notes. Steady tunes such as "Wave," "My One & Only Love," and "Someday My Prince Will Come" are more liquid and flowing, while the popping, crackling chords setting up "On Green Dolphin Street" and the percussive improv "Interlude" proved stellar examples of Lagrene and Luc's brilliance. Two pop tunes are included -- a gypsy bop take of James Taylor's "On the Fourth of July," and the old Four Seasons hit "Can't Take My Eyes Off of You" in a tango mode. Overall, this is a solid recording that should please fans of these two great musicians, not a stunning or risk-free effort, but somewhere satisfyingly in the middle.

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Reseña de Michael G. Nastos
Los dúos de guitarra deberían ser tan valiosos como este de Bireli Lagrene y Sylvain Luc, ya que mutuamente comparten pensamientos musicales, sentimientos y emociones honestas a través de un montón de estándares de jazz conocidos. Como intérpretes de igual talento cuyo virtuosismo no es asombrosamente abrumador, estos dos presentan una buena cantidad de simetría y equilibrio, sin dominar al otro. A menos que estés personalmente familiarizado con las diferencias estilísticas de la gitana Lagrene o del más contemporáneo Luc, es probable que su sonido puro en lugar de la técnica los distinga. Luc toca la guitarra de Godin, mientras que Lagrene prefiere un modelo de Barault, ambos relativamente sin amplificar o procesados, dando la sensación orgánica de estos estándares que todo el mundo conoce. Una versión resonante y lánguida de "Summertime" se presenta de manera muy diferente en tonos solemnes y pacientes, sin preocupaciones ni cadencias precipitadas, pero con un poco de solitario rápido. El rápido contrapunto y el tocar al unísono durante "So What" se prestan para mensajes mixtos, pero dentro de un marco de bop directo. "Spain" y "Got a Match" de Chick Corea les dan la oportunidad de lucirse un poco, no tanto en el primer icono del repertorio contemporáneo como en el segundo, lo que les permite avanzar a todo vapor en ráfagas de dieciseisavos y treinta segundos. Temas constantes como "Wave", "My One & Only Love" y "Someday My Prince Will Come" son más líquidos y fluidos, mientras que los acordes chispeantes y chispeantes que establecen "On Green Dolphin Street" y la improvisación percusiva "Interlude" son ejemplos estelares de la brillantez de Lagrene y Luc. Se incluyen dos temas pop: una toma de bop gitano de "On the Fourth of July" de James Taylor, y el viejo éxito del Four Seasons "Can't Take My Eyes Off of You" en modo tango. En general, esta es una grabación sólida que debería complacer a los fans de estos dos grandes músicos, no un esfuerzo impresionante o libre de riesgos, pero en algún lugar satisfactorio en el medio.

 

bireli-lagrene.fr ...

Herb Remington • Steel Guitar Holiday

 

Biography
by Eugene Chadbourne
Not to sound like a product placement, but this is a case where having an identical name for a product and an artist makes sense. Remington stainless steel razors and Herb Remington and his flawless pedal steel artistry are a combination that deserves to be housed in the same building. If so, the shed out back would be stockpiled with Remington pedal steel guitars which are engineered, designed, and manufactured by Herb Remington, of course. The steel, as in steel guitar, first came into Remington's life while he was in high school. It wasn't his first instrument. He had been playing piano since the age of five, and those who feel mastery of the keyboard would not expand the abilities of a pedal steel player should provide some other explanation of why no one has ever sounded like this man on that instrument.

Following the second World War, he went to California and wound up in the Bob Wills' Band, which to a pedal steel player is the same as arriving at St. Peter's gate. Ironically, his trip West had been to audition not for Bob Wills, but for Luke Wills, his brother. The better-known bandleading brother snatching him away is one of the few examples of sibling rivalry involving pedal steel players in music history. Thus Remington became one of the fabulously swinging and inventive players associated with Western swing, assuring him a place of reverence similar to that granted to the greatest baseball teams. As long as these pickers can still get on-stage, they will never go out of style. Merle Haggard provided employment from the '70s onward with Wills tributes, and two decades later Remington was gathering up the usual suspects for gigs and recording as the Playboys II. Another Western swing project is the River Road Boys, with whom Remington has recorded regularly since 1972. These are all fairly large bands, requiring a musician to be a team player. Remington has always been something of a leader as well. He was cutting his own instrumental singles for Decca early on, and wrote great material for the Wills' band, including the tune "Remington Ride," which has become a standard for steel players.

His involvement with country & western music also includes something of an invisible legacy, as he was one of a large group of musicians who, in different combinations, made up the house band for the Starday label. Scholars of vintage country music will argue into eternity about who actually played steel on the George Jones sides for this label, but sometimes it is Remington. When it is someone else, it might have been because Remington had gone aloha. He is also an accomplished Hawaiian steel player and works regularly in this genre, guaranteeing him weeks at a time of sunny working vacations touring the Hawaiian islands. He lives in Houston, TX, where he manufactures his instruments and teaches. One wouldn't have to travel all the way there to study his techniques: he has issued several volumes of pedal steel instruction on video. His innovations in instrument design include the invention of an adjustable truss rod.
https://www.allmusic.com/artist/herb-remington-mn0000677606

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Biografía
por Eugene Chadbourne
No es que suene a emplazamiento de producto, pero éste es un caso en el que tener un nombre idéntico para un producto y un artista tiene sentido. Las maquinillas de afeitar de acero inoxidable Remington y Herb Remington y su impecable arte con los pedales de acero son una combinación que merece ser alojada en el mismo edificio. De ser así, el cobertizo de atrás estaría repleto de guitarras de pedal Remington, diseñadas y fabricadas por Herb Remington, por supuesto. La guitarra de acero llegó a la vida de Remington cuando estaba en el instituto. No fue su primer instrumento. Llevaba tocando el piano desde los cinco años, y los que piensan que el dominio del teclado no ampliaría las capacidades de un intérprete de pedal steel deberían dar alguna otra explicación de por qué nadie ha sonado nunca como este hombre con ese instrumento.

Tras la Segunda Guerra Mundial, se fue a California y acabó en la Bob Wills' Band, lo que para un intérprete de pedal steel equivale a llegar a la puerta de San Pedro. Irónicamente, su viaje al Oeste no había sido para hacer una audición para Bob Wills, sino para Luke Wills, su hermano. El arrebato del hermano líder de la banda, más conocido, es uno de los pocos ejemplos de rivalidad entre hermanos en torno a los pedal steel en la historia de la música. Así, Remington se convirtió en uno de los músicos más fabulosos e inventivos del swing occidental, lo que le aseguró un lugar de reverencia similar al que se concede a los mejores equipos de béisbol. Mientras estos músicos puedan seguir subiendo al escenario, nunca pasarán de moda. Merle Haggard proporcionó empleo a partir de los años 70 con homenajes a Wills, y dos décadas más tarde Remington reunía a los sospechosos habituales para actuaciones y grabaciones como los Playboys II. Otro proyecto de swing occidental son los River Road Boys, con los que Remington ha grabado regularmente desde 1972. Todas estas bandas son bastante grandes y requieren que el músico trabaje en equipo. Remington también ha sido siempre un líder. Desde muy pronto grabó sus propios singles instrumentales para Decca y escribió gran material para la banda de Wills, incluido el tema "Remington Ride", que se ha convertido en un estándar para los músicos de steel.

Su relación con la música country & western también incluye una especie de legado invisible, ya que formó parte de un gran grupo de músicos que, en diferentes combinaciones, constituyeron la banda de la casa para el sello Starday. Los estudiosos de la música country de época discutirán hasta la eternidad sobre quién tocó realmente la steel en las caras de George Jones para este sello, pero a veces es Remington. Cuando es otra persona, puede deberse a que Remington se había ido aloha. También es un consumado intérprete de steel hawaiano y trabaja regularmente en este género, lo que le garantiza semanas enteras de soleadas vacaciones de trabajo recorriendo las islas hawaianas. Vive en Houston, TX, donde fabrica sus instrumentos y da clases. No hace falta viajar hasta allí para estudiar sus técnicas: ha publicado varios volúmenes de instrucción de pedal steel en vídeo. Sus innovaciones en el diseño de instrumentos incluyen la invención de una varilla de braguero ajustable.
https://www.allmusic.com/artist/herb-remington-mn0000677606

Apparat Organ Quartet • Pólýfónía

Hailing from Reykjavik, Iceland, Apparat Organ Quartet is, despite the name, a 5 piece band: 4 keyboardists and 1 drummer.
Formed by Jóhann Jóhannsson in September of 1999, the band was initially motivated by a desire to play early minimalist works in concert, but instead they started to compose their own music which slowly evolved from experimental improvisations to their current sound.
They sometimes describe their music as „Machine Rock and Roll“, and indeed the band’s sound veers between pulsing floor-fillers and headbanging anthems, served with a mixture of Kraftwerk-inspired electronics, Daft Punk-like Robot voices and hard-rock beats. Every note in Apparat Organ Quartet is hand-played, with is not a sequencer or computer in sight. In concert and on record, the band plays keyboards from their extensive collection of Jurassic analog machinery, including Russian synths and customized home organs, ARP’s, Farfisas, malfunctioning Hammonds, vocoders and various circuit-bent Casios and Portasounds.
Apparat Organ Quartet released their first album in 2002. Although it enjoyed only a limited release, the album received enthusiastic praise from critics and has since built up a sizable cult following. It took the band 8 whole years to record the follow-up, Pólýfónía, but the wait seems to have paid off, as the release was greeted with rave reviews in the Icelandic press. The album’s elaborate packaging was widely acclaimed and designer Siggi Eggertson received the Icelandic Music Award for best design.
In 2011, the band signed a deal with Crunchy Frog to release the album worldwide.
https://en.wikipedia.org/wiki/Apparat_Organ_Quartet

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Procedente de Reykjavik, Islandia, el Apparat Organ Quartet es, a pesar del nombre, una banda de 5 piezas: 4 tecladistas y 1 baterista.Formado por Jóhann Jóhannsson en septiembre de 1999, la banda inicialmente se sintió motivada por el deseo de tocar en las primeras obras minimalistas en concierto, pero en su lugar comenzaron a componer su propia música que evolucionó lentamente de improvisaciones experimentales a su sonido actual.A veces describen su música como "Machine Rock and Roll" y, de hecho, el sonido de la banda oscila entre los pulsantes rellenos de piso y los himnos de headbanging, servidos con una mezcla de electrónica inspirada en Kraftwerk, voces de Daft Punk-like Robot y hard-rock beats. Cada nota en Apparat Organ Quartet se juega a mano, con un secuenciador o computadora a la vista. En concierto y en disco, la banda toca teclados de su extensa colección de maquinaria analógica jurásica, incluidos sintetizadores rusos y órganos domésticos personalizados, ARP, Farfisas, mal funcionamiento de Hammonds, vocoders y varios Casios y Portasounds doblados por circuito.Apparat Organ Quartet lanzó su primer álbum en 2002. Aunque solo disfrutó de un lanzamiento limitado, el álbum recibió el elogio entusiasta de los críticos y desde entonces ha acumulado un considerable número de seguidores de culto. Le tomó a la banda 8 años enteros registrar el seguimiento, Pólýfónía, pero la espera parece haber valido la pena, ya que el lanzamiento fue recibido con críticas entusiastas en la prensa islandesa. El empaque elaborado del álbum fue ampliamente aclamado y el diseñador Siggi Eggertson recibió el Premio de la Música de Islandia al mejor diseño.En 2011, la banda firmó un acuerdo con Crunchy Frog para lanzar el álbum en todo el mundo.

 

 

apparat-organ-quartet/

Carl Stevens & His Orchestra • High Society Twist

Apparat Organ Quartet • Apparat Organ Quartet

 

Hailing from Reykjavik, Iceland, Apparat Organ Quartet is, despite the name, a 5 piece band: 4 keyboardists and 1 drummer.
Formed by Jóhann Jóhannsson in September of 1999, the band was initially motivated by a desire to play early minimalist works in concert, but instead they started to compose their own music which slowly evolved from experimental improvisations to their current sound.
They sometimes describe their music as „Machine Rock and Roll“, and indeed the band’s sound veers between pulsing floor-fillers and headbanging anthems, served with a mixture of Kraftwerk-inspired electronics, Daft Punk-like Robot voices and hard-rock beats. Every note in Apparat Organ Quartet is hand-played, with is not a sequencer or computer in sight. In concert and on record, the band plays keyboards from their extensive collection of Jurassic analog machinery, including Russian synths and customized home organs, ARP’s, Farfisas, malfunctioning Hammonds, vocoders and various circuit-bent Casios and Portasounds.
Apparat Organ Quartet released their first album in 2002. Although it enjoyed only a limited release, the album received enthusiastic praise from critics and has since built up a sizable cult following. It took the band 8 whole years to record the follow-up, Pólýfónía, but the wait seems to have paid off, as the release was greeted with rave reviews in the Icelandic press. The album’s elaborate packaging was widely acclaimed and designer Siggi Eggertson received the Icelandic Music Award for best design.
In 2011, the band signed a deal with Crunchy Frog to release the album worldwide.
https://en.wikipedia.org/wiki/Apparat_Organ_Quartet

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Traducción Automática:
Procedente de Reykjavik, Islandia, el Apparat Organ Quartet es, a pesar del nombre, una banda de 5 piezas: 4 tecladistas y 1 baterista.Formado por Jóhann Jóhannsson en septiembre de 1999, la banda inicialmente se sintió motivada por el deseo de tocar en las primeras obras minimalistas en concierto, pero en su lugar comenzaron a componer su propia música que evolucionó lentamente de improvisaciones experimentales a su sonido actual.A veces describen su música como "Machine Rock and Roll" y, de hecho, el sonido de la banda oscila entre los pulsantes rellenos de piso y los himnos de headbanging, servidos con una mezcla de electrónica inspirada en Kraftwerk, voces de Daft Punk-like Robot y hard-rock beats. Cada nota en Apparat Organ Quartet se juega a mano, con un secuenciador o computadora a la vista. En concierto y en disco, la banda toca teclados de su extensa colección de maquinaria analógica jurásica, incluidos sintetizadores rusos y órganos domésticos personalizados, ARP, Farfisas, mal funcionamiento de Hammonds, vocoders y varios Casios y Portasounds doblados por circuito.Apparat Organ Quartet lanzó su primer álbum en 2002. Aunque solo disfrutó de un lanzamiento limitado, el álbum recibió el elogio entusiasta de los críticos y desde entonces ha acumulado un considerable número de seguidores de culto. Le tomó a la banda 8 años enteros registrar el seguimiento, Pólýfónía, pero la espera parece haber valido la pena, ya que el lanzamiento fue recibido con críticas entusiastas en la prensa islandesa. El empaque elaborado del álbum fue ampliamente aclamado y el diseñador Siggi Eggertson recibió el Premio de la Música de Islandia al mejor diseño.En 2011, la banda firmó un acuerdo con Crunchy Frog para lanzar el álbum en todo el mundo.

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VA • Anthology Of The Twelve String Guitar

Editorial Reviews

One of the most influential recordings in the entire Tradition records catalog, the 1963 LP Anthology of the Twelve String Guitar is a treasured artifact that has been relished by generations of guitar fans as one of the cornerstones of recorded guitar history. The great 12 string guitarist Leo Kottke, among many others, has often cited this album as being one of the first records that made him aware of the possibilities of the instrument and was most influential in developing his own style. The guitar players assembled for this wonderful record are all superstars in their own right among them Glen Campbell, the king of all West Coast session guitarists Howard Roberts, the great Mason Williams (Classical Gas), Roger McGuinn (The Byrds), Country Music super-session players Joe Maphis and Bob Gibson, and the unique Billy Strange.

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reseñas editoriales
Una de las grabaciones más influyentes de todo el catálogo de registros de Tradition, la Antología del LP de 1963 de Twelve String Guitar es un artefacto que ha sido apreciado por generaciones de aficionados a la guitarra como uno de los pilares de la historia de la guitarra. El gran guitarrista de 12 cuerdas Leo Kottke, entre muchos otros, ha citado a menudo este álbum como uno de los primeros discos que lo hicieron consciente de las posibilidades del instrumento y fue el más influyente en el desarrollo de su propio estilo. Los guitarristas reunidos para este maravilloso disco son todos superestrellas por derecho propio, entre ellos Glen Campbell, el rey de todos los guitarristas de la costa oeste Howard Roberts, el gran Mason Williams (Gas Clásico), Roger McGuinn (The Byrds), super músico country. Los jugadores de la sesión Joe Maphis y Bob Gibson, y el único Billy Strange. 

Biréli Lagrène • My Favorite Django

When guitarist Bireli Lagrene first debuted as a 13-year-old, he sounded like an exact duplicate of Django Reinhardt. Since that time, Lagrene has sought to develop his own individuality but most of his fusion and rock-oriented records have been of lesser interest. For My Favorite Django he returns to the Reinhardt repertoire (all but "Clair de Lune" are Reinhardt compositions) but with a difference. Keyboardist Koono reharmonized most of the songs drastically, aiming for an orchestral sound with his synthesizer with several pieces utilizing his charts for woodwind and string sections. However there is a good use of contrast, including a spontaneous guitar/piano duet on a medium-tempo "Blues for Ike." Lagrene sounds more original than he did in his early days and he has a very impressive technique. Unfortunately the rhythms played by electric bassist Anthony Jackson and drummer Dennis Chambers are unremittingly funky and so unimaginative as to sound as if they were recorded on a different day! One assumes that they were following instructions but, whoever's fault it is, that fatal flaw sinks this effort. The complete lack of swing from the rhythm duo (even on the up-tempo "I Got Rhythm"-based "Babik") drains most of the joy and purpose from these songs. Simply put, the original versions by Django Reinhardt are much better.

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Traducción Automática:

Cuando el guitarrista Bireli Lagrene debutó por primera vez cuando tenía 13 años, sonaba como un duplicado exacto de Django Reinhardt. Desde ese momento, Lagrene ha tratado de desarrollar su propia individualidad, pero la mayoría de sus registros de fusión y orientados al rock han sido de menor interés. Para My Favorite Django, él regresa al repertorio de Reinhardt (todos excepto "Clair de Lune" son composiciones de Reinhardt) pero con una diferencia. El teclista Koono volvió a armonizar la mayoría de las canciones drásticamente, apuntando a un sonido orquestal con su sintetizador con varias piezas que utilizan sus gráficos para vientos de madera y secciones de cuerdas. Sin embargo, hay un buen uso del contraste, incluido un dúo espontáneo de guitarra / piano en un "Blues for Ike" de tempo medio. Lagrene suena más original de lo que lo hacía en sus primeros días y tiene una técnica muy impresionante. Desafortunadamente, los ritmos interpretados por el bajista eléctrico Anthony Jackson y el baterista Dennis Chambers son incansablemente funky y tan poco imaginativos como para sonar como si estuvieran grabados en un día diferente. Uno asume que estaban siguiendo instrucciones pero, quienquiera que sea la culpa, ese defecto fatal se hunde. La falta completa de swing desde el dúo de ritmo (incluso en el "Babik" basado en "I Got Rhythm" de tempo alto) drena la mayor parte de la alegría y el propósito de estas canciones. En pocas palabras, las versiones originales de Django Reinhardt son mucho mejores.

 

 

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Biréli Lagrène • Solo Suites

 

Biography
Bireli Lagrene was born on September 4, 1966 in Saverne, Alsace, France. The son of Fiso Lagrene, a popular guitarist in pre-war France, Lagrene displayed a prodigious talent as a very young child. Born into a gypsy community, his origins and his fleet, inventive playing style inevitably generated comparisons with Django Reinhardt. In 1978, he won a prize at a festival at Strasbourg and subsequently made a big impact during a televised gypsy festival.

In his early teenage years Lagrene toured extensively playing concerts and festivals across Europe, often accompanied by distinguished jazz artists such as Benny Carter, Benny Goodman, Stéphane Grappelli and Niels- Henning Orsted Pedersen. He also made his first record Routes To Django, which helped to prove that early estimates of his capabilities were not excessive.

An outstanding technician, Lagrene has revealed influences other than Reinhardt, happily incorporating bebop phraseology, rock rhythms and Brazilian music into his work. By the late 80s he had moved substantially from his early Reinhardt-style to fully embrace jazz-rock and other electronically-aided fusions.

Lagrene returned to his roots with such brilliant offerings as 1994’s My Favorite Django and 1998’s Blue Eyes as well as violinist Didier Lockwood’s 2000 recording Tribute To Stephane Grappelli and last year’s highly acclaimed Gypsy Project, which eminent jazz critic Gary Giddins hailed as “electrifying... represents his best work in years.” On Gipsy Project & Friends, Bireli burns a blue streak on the knucklebuster “Babik,” a blistering uptempo ode composed by Django for his guitar-playing son Babik Reinhardt. Elsewhere, Bireli reveals his deep gypsy soul on the mournful minor key “Ou Es-Tu Mon Amour” and the haunting ballad “Laura,” composed by David Raskin and Johnny Mercer for the 1944 film of the same name. He oozes sheer joie de swingon infectious showstoppers like “Djangology,” “Les Yeux Noirs,” “Minor Swing” (catch Bireli’s playful, tongue-in-cheek intro to that Django anthem) and “Artillerie Lourde,” reprising the buoyantly swinging spirit of the Hot Club of France alongside the remarkable violinist Florin Niculescu, who reads Bireli’s mind the way Stephane Grappelli read Django’s. Special guest Henri Salvador lends his velvety smooth French crooning style to the seductive ballad “Envie de Toi.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bireli-lagrene

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Biografía
Bireli Lagrene nació el 4 de septiembre de 1966 en Saverne, Alsacia, Francia. Hijo de Fiso Lagrene, un popular guitarrista de la Francia de antes de la guerra, Lagrene mostró un talento prodigioso desde muy joven. Nacido en el seno de una comunidad gitana, sus orígenes y su estilo de tocar rápido e inventivo generaron inevitablemente comparaciones con Django Reinhardt. En 1978, ganó un premio en un festival de Estrasburgo y posteriormente causó un gran impacto durante un festival gitano televisado.

En sus primeros años de adolescencia, Lagrene realizó numerosas giras de conciertos y festivales por toda Europa, a menudo acompañado por distinguidos artistas de jazz como Benny Carter, Benny Goodman, Stéphane Grappelli y Niels- Henning Orsted Pedersen. También grabó su primer disco Routes To Django, que contribuyó a demostrar que las primeras estimaciones de sus capacidades no eran excesivas.

Técnico excepcional, Lagrene ha revelado otras influencias además de Reinhardt, incorporando felizmente a su obra la fraseología del bebop, los ritmos del rock y la música brasileña. A finales de los años 80, Lagrene se alejó considerablemente de su estilo Reinhardt inicial para abrazar plenamente el jazz-rock y otras fusiones con ayuda de la electrónica.

Lagrene volvió a sus raíces con propuestas tan brillantes como My Favorite Django, de 1994, y Blue Eyes, de 1998, así como con la grabación Tribute To Stephane Grappelli, del violinista Didier Lockwood, de 2000, y con el aclamado Gypsy Project, del año pasado, que el eminente crítico de jazz Gary Giddins calificó de "electrizante... representa su mejor trabajo en años". En Gipsy Project & Friends, Bireli se luce en el tema "Babik", una oda a la velocidad del viento compuesta por Django para su hijo guitarrista Babik Reinhardt. Por otra parte, Bireli revela su profunda alma gitana en el lúgubre tono menor "Ou Es-Tu Mon Amour" y la inquietante balada "Laura", compuesta por David Raskin y Johnny Mercer para la película de 1944 del mismo nombre. Rezuma pura alegría de swing en contagiosas piezas como "Djangology", "Les Yeux Noirs", "Minor Swing" (obsérvese la divertida e irónica introducción de Bireli a ese himno de Django) y "Artillerie Lourde", que reproduce el espíritu alegremente oscilante del Hot Club de Francia junto al notable violinista Florin Niculescu, que lee la mente de Bireli como Stephane Grappelli leía la de Django. El invitado especial Henri Salvador presta su aterciopelado estilo de crooning francés a la seductora balada "Envie de Toi".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bireli-lagrene


peeweelabel.com ...

Bireli Lagrene • A Tribute to Django Reinhardt

Biography
Bireli Lagrene was born on September 4, 1966 in Saverne, Alsace, France. The son of Fiso Lagrene, a popular guitarist in pre-war France, Lagrene displayed a prodigious talent as a very young child. Born into a gypsy community, his origins and his fleet, inventive playing style inevitably generated comparisons with Django Reinhardt. In 1978, he won a prize at a festival at Strasbourg and subsequently made a big impact during a televised gypsy festival.

In his early teenage years Lagrene toured extensively playing concerts and festivals across Europe, often accompanied by distinguished jazz artists such as Benny Carter, Benny Goodman, Stéphane Grappelli and Niels- Henning Orsted Pedersen. He also made his first record Routes To Django, which helped to prove that early estimates of his capabilities were not excessive.

An outstanding technician, Lagrene has revealed influences other than Reinhardt, happily incorporating bebop phraseology, rock rhythms and Brazilian music into his work. By the late 80s he had moved substantially from his early Reinhardt-style to fully embrace jazz-rock and other electronically-aided fusions.

Lagrene returned to his roots with such brilliant offerings as 1994’s My Favorite Django and 1998’s Blue Eyes as well as violinist Didier Lockwood’s 2000 recording Tribute To Stephane Grappelli and last year’s highly acclaimed Gypsy Project, which eminent jazz critic Gary Giddins hailed as “electrifying... represents his best work in years.” On Gipsy Project & Friends, Bireli burns a blue streak on the knucklebuster “Babik,” a blistering uptempo ode composed by Django for his guitar-playing son Babik Reinhardt. Elsewhere, Bireli reveals his deep gypsy soul on the mournful minor key “Ou Es-Tu Mon Amour” and the haunting ballad “Laura,” composed by David Raskin and Johnny Mercer for the 1944 film of the same name. He oozes sheer joie de swingon infectious showstoppers like “Djangology,” “Les Yeux Noirs,” “Minor Swing” (catch Bireli’s playful, tongue-in-cheek intro to that Django anthem) and “Artillerie Lourde,” reprising the buoyantly swinging spirit of the Hot Club of France alongside the remarkable violinist Florin Niculescu, who reads Bireli’s mind the way Stephane Grappelli read Django’s. Special guest Henri Salvador lends his velvety smooth French crooning style to the seductive ballad “Envie de Toi.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bireli-lagrene

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Biografía
Bireli Lagrene nació el 4 de septiembre de 1966 en Saverne, Alsacia, Francia. Hijo de Fiso Lagrene, un popular guitarrista de la Francia de antes de la guerra, Lagrene mostró un talento prodigioso desde muy joven. Nacido en el seno de una comunidad gitana, sus orígenes y su estilo de tocar rápido e inventivo generaron inevitablemente comparaciones con Django Reinhardt. En 1978, ganó un premio en un festival de Estrasburgo y posteriormente causó un gran impacto durante un festival gitano televisado.

En sus primeros años de adolescencia, Lagrene realizó numerosas giras de conciertos y festivales por toda Europa, a menudo acompañado por distinguidos artistas de jazz como Benny Carter, Benny Goodman, Stéphane Grappelli y Niels- Henning Orsted Pedersen. También grabó su primer disco Routes To Django, que contribuyó a demostrar que las primeras estimaciones de sus capacidades no eran excesivas.

Técnico excepcional, Lagrene ha revelado otras influencias además de Reinhardt, incorporando felizmente a su obra la fraseología del bebop, los ritmos del rock y la música brasileña. A finales de los años 80, Lagrene se alejó considerablemente de su estilo Reinhardt inicial para abrazar plenamente el jazz-rock y otras fusiones con ayuda de la electrónica.

Lagrene volvió a sus raíces con propuestas tan brillantes como My Favorite Django, de 1994, y Blue Eyes, de 1998, así como con la grabación Tribute To Stephane Grappelli, del violinista Didier Lockwood, de 2000, y con el aclamado Gypsy Project, del año pasado, que el eminente crítico de jazz Gary Giddins calificó de "electrizante... representa su mejor trabajo en años". En Gipsy Project & Friends, Bireli se luce en el tema "Babik", una oda a la velocidad del viento compuesta por Django para su hijo guitarrista Babik Reinhardt. Por otra parte, Bireli revela su profunda alma gitana en el lúgubre tono menor "Ou Es-Tu Mon Amour" y la inquietante balada "Laura", compuesta por David Raskin y Johnny Mercer para la película de 1944 del mismo nombre. Rezuma pura alegría de swing en contagiosas piezas como "Djangology", "Les Yeux Noirs", "Minor Swing" (obsérvese la divertida e irónica introducción de Bireli a ese himno de Django) y "Artillerie Lourde", que reproduce el espíritu alegremente oscilante del Hot Club de Francia junto al notable violinista Florin Niculescu, que lee la mente de Bireli como Stephane Grappelli leía la de Django. El invitado especial Henri Salvador presta su aterciopelado estilo de crooning francés a la seductora balada "Envie de Toi".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/bireli-lagrene

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