Jennifer Leitham & Jimmy Bruno • Two For the Road

 

Recorded in 1999, Two for the Road features two of the most effective string jazz artists on the planet. As they remind us here, Jennifer Leitham and Jimmy Bruno share a love for the powerful release of expression through music. The blues comes through it. And yet both demonstrate superior technical proficiency on their instruments.

The session begins with reminiscences of Mingus. Cool and comfortable, the duo interprets "Nostalgia in Times Square with a swinging texture that emphasizes its melody. Both artists converse over the tune's chord structure and stretch out individually with a driving demeanor. From walking bass and singing strings to trading fours, they capture the mood accurately.

Jumpin' at the Woodside burns hot and fast as bass and guitar hang this one out to dry. Like the wind blowing through on a rainy day, this piece lets them capture all the excitement in fast and furious bunches. While every note comes through in rapid-fire progression, the edges are rounded so that we're able to feel the soft touch from both bass and guitar.

Leitham's nine-year tenure with Mel Tormé may be partly responsible for the smooth texture of her play, but it seems as if she's always held a high regard for lyrical beauty in her performances. Her solo bass performance of "Out of This World contains double stops and graceful slides that allow the melody to linger. Following that, Tormé's "Born to be Blue ushers in bent notes and seamless phrases that give the duo's performance a vocal-like texture.

Bruno's clear articulation allows him to deliver blindingly fast arpeggios and blistering single-note runs that make the sparks fly. As he and Leitham trade "Ornithology with fingers flying, you can feel the heat wave moving through. Alone Together comes with a lovely samba framework that allows both artists to create a casual mood. "Three in One includes a section where Leitham walks the bass while Bruno tears up the strings with spirits soaring. "Bernie's Tune is presented extraordinarily fast; however, not one note is left behind.

"Isn't it Romantic changes the pace in an exceptionally beautiful affair that features Leitham's delicate bowed melody. Together, the two string jazz artists make this piece weep and cry. The intro to Henry Mancini's "Two for the Road also features Leitham's arco delivery. A classical guitar landscape surrounds the piece with pearly tones that ring true as both bass and guitar explore the lyrical nature of its theme. Through their interpretation of up-tempo burners and slow, romantic melodies, Leitham and Bruno have created a heartfelt session that comes highly recommended.
Jim Santella By Jim Santella
January 23, 2006
https://www.allaboutjazz.com/two-for-the-road-jennifer-leitham-azica-records-review-by-jim-santella

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Grabado en 1999, Two for the Road presenta a dos de los artistas de jazz de cuerda más eficaces del planeta. Como nos recuerdan aquí, Jennifer Leitham y Jimmy Bruno comparten el amor por la poderosa liberación de la expresión a través de la música. El blues pasa por ello. Y, sin embargo, ambos demuestran un dominio técnico superior en sus instrumentos.

La sesión comienza con reminiscencias de Mingus. Fresco y cómodo, el dúo interpreta "Nostalgia in Times Square" con una textura oscilante que enfatiza su melodía. Ambos artistas conversan sobre la estructura de acordes de la melodía y se extienden individualmente con una conducta impulsora. Desde el bajo que camina y las cuerdas que cantan hasta el intercambio de cuatros, capturan el estado de ánimo con precisión.

Jumpin' at the Woodside arde con fuerza y rapidez mientras el bajo y la guitarra la dejan en suspenso. Como el viento que sopla en un día lluvioso, esta pieza les permite capturar toda la emoción en racimos rápidos y furiosos. Si bien cada nota llega en una progresión rápida, los bordes se redondean para que podamos sentir el toque suave tanto del bajo como de la guitarra.

Los nueve años que lleva Leitham con Mel Tormé pueden ser en parte responsables de la suave textura de su interpretación, pero parece que siempre ha tenido una gran consideración por la belleza lírica en sus actuaciones. Su interpretación de "Out of This World" como bajo solista contiene dobles paradas y elegantes deslizamientos que permiten que la melodía perdure. A continuación, "Born to be Blue" de Tormé introduce notas dobladas y frases fluidas que dan a la interpretación del dúo una textura similar a la vocal.

La clara articulación de Bruno le permite ofrecer arpegios cegadoramente rápidos y carreras de una sola nota que hacen saltar las chispas. Cuando él y Leitham intercambian "Ornithology" con los dedos volando, puedes sentir la ola de calor que se mueve. Alone Together viene con un precioso marco de samba que permite a ambos artistas crear un ambiente desenfadado. "Three in One" incluye una sección en la que Leitham pasea el bajo mientras Bruno rasga las cuerdas con los ánimos por las nubes. "Bernie's Tune" se presenta extraordinariamente rápido; sin embargo, no se deja ni una sola nota.

"Isn't it Romantic" cambia el ritmo en un asunto excepcionalmente bello que cuenta con la delicada melodía de arco de Leitham. Juntos, los dos artistas de jazz de cuerda hacen llorar esta pieza. La introducción de "Two for the Road" de Henry Mancini también cuenta con el arco de Leitham. Un paisaje de guitarra clásica rodea la pieza con tonos nacarados que suenan a la perfección mientras tanto el bajo como la guitarra exploran la naturaleza lírica de su tema. A través de su interpretación de los quemadores up-tempo y las melodías lentas y románticas, Leitham y Bruno han creado una sesión sentida que es muy recomendable.
Jim Santella Por Jim Santella
23 de enero de 2006
https://www.allaboutjazz.com/two-for-the-road-jennifer-leitham-azica-records-review-by-jim-santella


https://www.jenniferleitham.com/
https://www.jimmybruno.com/

Leon Lee Dorsey-Russell Malone-Mike Clark • Cantaloupe Island

 

 

Renowned bassist Leon Lee Dorsey continues his prolific streak with the issue of Cantaloupe Island, the latest album to be released on his Jazz Avenue 1 label and a continuation of his bountiful partnership with revered drummer Mike Clark. On their sixth collaboration since 2019, the stalwart rhythm section brings in virtuosic guitarist Russell Malone for an invigorating nine-track program of compositions by Horace Silver, Wes Montgomery, Prince and more. Cantaloupe Island was released on February 17, 2023.

Since joining forces four years ago, the dazzling duo of Dorsey and Clark has released a plethora of critically acclaimed albums with a different featured guest each time. Prior to the pandemic, the pair joined Greg Skaff for the all-Thelonious Monk program on Monktime. Soon after, they brought in pianist Michael Wolff for the DownBeat Editor’s pick release Plays Sgt. Pepper, before turning attention to Thank You Mr. Mabern, the last album of the late piano giant Harold Mabern. Two more releases followed including the Latin jazz rumination Freedom Jazz Dance with pianist Manuel Valera and last year’s well- received soulful meditation on the blues with pianist Mike LeDonne, Blues on Top. While each release reveals a new musical side of this dynamic rhythmic pairing, their unique simpatico remains ubiquitous.

On Cantaloupe Island, Dorsey and Clark have tapped guitar great Russell Malone. “Russell Malone is an absolutely phenomenal musician,” said Dorsey. “Soulful and swinging and a brilliant improviser, he embodies the tradition and history of two of the greatest guitarists of all time, Wes Montgomery and George Benson. Russell can thrive and uplift any situation. He has had a longstanding partnership with my mentor and teacher, the legendary bassist Ron Carter. So it was a tremendous honor to have Russell on board with Mike and myself on our sixth project together. It was a dream come true and a perfect fit.”

Malone’s musical history with Ron Carter reaches back to the guitarist’s 1998 album Georgia Peach, his third as a leader, and has continued over time as a member of Carter’s Golden Striker Trio (first with pianist Mulgrew Miller, currently with pianist Donald Vega). Malone was also prominently featured on the recent PBS documentary, Ron Carter: Finding the Right Notes. The guitarist applies his harmonic sophistication and melodic invention with soulful aplomb on this spirited trio outing.

The triumvirate opens with the title track, Hancock’s “Cantaloupe Island,” with Clark alluding to his own broken rhythm syncopated patterns that he played on tour with the iconic keyboardist-composer back in the early 1970s on tunes like “Chameleon” and “Spank-a-Lee.” This is a more overtly funky take than Tony Williams’, which takes a rolling soul-jazz approach on the original recording from Hancock’s landmark 1964 Blue Note album, Empyrean Isles. A more syncopated version here, Malone’s deft jumping back and forth from urgent rhythm playing to rich chord voicings to cleanly picked, warm-toned single note lines, draws parallels to Grant Green. Clark’s loose, conversational approach behind the kit here sets the interactive tone that prevails throughout these nine tracks.

Horace Silver’s lively waltz “Barbara” (from 1975’s Silver ’n Brass on Blue Note) finds the remarkably polyrhythmic Clark tippin’ on the ride cymbal while maintaining that highly interactive pulse on the kit. Dorsey holds the fort on bass before unleashing one on his patented melodic solos as Malone supplies gentle arpeggios underneath. On an earthy, energized rendition of Silver’s “Sister Sadie” (from 1959’s Blowin’ the Blues Away on Blue Note), Malone digs in against Clark’s infectious Texas shuffle and Dorsey’s solid walking bass groove, flaunting some stinging chops that alternately signify early George Benson and latter day T-Bone Walker.

“Bumpin’ on Sunset,” the Latin-tinged number from 1966’s Tequila that introduced a generation of guitar players to Wes Montgomery’s smooth octaves playing, is rendered here as an entrancing soul-jazz groover. Malone summons up some signature Wes octaves work along with deft use of chord melodies and flowing single note lines. For a change of pace, they deliver a lush, relaxed rendition of the Ray Noble ballad, “The Very Thought of You,” with Clark’s sensitive brushwork setting a subdued tone for Malone’s minor key reharmonizations on that familiar standard. Dorsey’s sparse low-end presence here adds to the meditative nature of this hauntingly beautiful interpretation.

Shifting gears, their snappy rendition of Prince’s “Thieves in the Temple” (from his 1990 soundtrack album to the film Graffiti Bridge) has drummer Clark back in a funk bag with Malone carrying Prince’s vocals on guitar. Aside from supplying some insistent, double-timed comping and rich chord melodies, Malone also delivers some wicked string-bending and adventurous single note statements on this pop number (which was also covered by Herbie Hancock on his 1996 album, The New Standard).

A waltz-time interpretation of the standard “That’s All” is underscored by Clark’s hip brushwork and Dorsey’s melodic bass lines. Malone’s chord melody work and fluid single note lines punctuate the upbeat proceedings. When Clark switches to sticks and swings in a more forceful mode, the guitarist digs in and delivers with gusto, alternately running some flowing legato lines and more deft chord melodies. Dorsey’s agile, woody-toned bass solo here is right in the harmonically inventive tradition of his former teachers and mentors Ron Carter and Richard Davis. Clark returns to brushes as the trio takes it out in elegantly swinging fashion.

Their dreamy take on the Kenny Burrell dark-hued ballad, “Listen to the Dawn,” is a veritable clinic in the art of chord melody playing by special guest Malone. They conclude the program with a laid-back, loping rendition of Wes Montgomery’s “The Thumb,” an oft-covered tune that also first appeared on Wes’ 1966 Verve debut, Tequila. Clark engages in some fantastically interactive playing here with Malone while

Pittsburgh native Dorsey walks in the tradition of another legendary Pittsburgher, Ray Brown. Clark takes it down to a whisper behind Dorsey’s remarkably fluid bass solo before Malone returns to exchange vigorous eights with the drummer.

This stellar outing is yet another example of the musical synergy that Clark and Dorsey have forged together over time. And Russell, one of the classiest and most acclaimed guitarists on the jazz scene today, brings something very special to that ongoing partnership on Cantaloupe Island.

Source: LYDIA LIEBMAN PROMOTIONS
https://www.jazznearyou.com/world/publicityfirm/lydia-liebman-promotions
March 8, 2023
https://www.allaboutjazz.com/news/bassist-leon-lee-dorsey-and-drummer-mike-clark-return-on-seasoned-new-outing-cantaloupe-island-beside-guitar-great-russell-malone-out-now-via-jazz-avenue-1/

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El renombrado bajista Leon Lee Dorsey continúa su prolífica racha con el tema Cantaloupe Island, el último álbum que se lanzará en su sello Jazz Avenue 1 y una continuación de su generosa asociación con el venerado baterista Mike Clark. En su sexta colaboración desde 2019, la sección rítmica incondicional trae al virtuoso guitarrista Russell Malone para un vigorizante programa de nueve pistas de composiciones de Horace Silver, Wes Montgomery, Prince y más. Cantaloupe Island fue lanzado el 17 de febrero de 2023.

Desde que unieron fuerzas hace cuatro años, el deslumbrante dúo de Dorsey y Clark ha lanzado una gran cantidad de álbumes aclamados por la crítica con un invitado destacado diferente cada vez. Antes de la pandemia, la pareja se unió a Greg Skaff para el programa all-Thelonious Monk en Monktime. Poco después, trajeron al pianista Michael Wolff para el lanzamiento de DownBeat Editor's pick Plays Sgt. Pepper, antes de centrar la atención en Thank You Mr. Mabern, el último álbum del difunto gigante del piano Harold Mabern. Siguieron dos lanzamientos más, incluido el rumiante de jazz latino Freedom Jazz Dance con el pianista Manuel Valera y la meditación conmovedora del año pasado sobre el blues con el pianista Mike LeDonne, Blues on Top. Si bien cada lanzamiento revela un nuevo lado musical de este emparejamiento rítmico dinámico, su simpático único sigue siendo omnipresente.

En Cantaloupe Island, Dorsey y Clark han tocado la guitarra del gran Russell Malone. "Russell Malone es un músico absolutamente fenomenal", dijo Dorsey. "Conmovedor y oscilante y un brillante improvisador, encarna la tradición y la historia de dos de los mejores guitarristas de todos los tiempos, Wes Montgomery y George Benson. Russell puede prosperar y mejorar cualquier situación. Ha tenido una asociación de larga data con mi mentor y maestro, el legendario bajista Ron Carter. Así que fue un gran honor tener a Russell a bordo con Mike y conmigo en nuestro sexto proyecto juntos. Fue un sueño hecho realidad y un ajuste perfecto.”

La historia musical de Malone con Ron Carter se remonta al álbum de 1998 del guitarrista Georgia Peach, su tercero como líder, y ha continuado en el tiempo como miembro del Trío Golden Striker de Carter (primero con el pianista Mulgrew Miller, actualmente con el pianista Donald Vega). Malone también apareció de manera destacada en el reciente documental de PBS, Ron Carter: Finding the Right Notes. El guitarrista aplica su sofisticación armónica y su invención melódica con un aplomo conmovedor en esta enérgica salida en trío.

El triunvirato se abre con la canción principal, "Cantaloupe Island" de Hancock, con Clark aludiendo a sus propios patrones sincopados de ritmo roto que tocó en la gira con el icónico tecladista y compositor a principios de la década de 1970 en canciones como "Chameleon" y "Spank-a-Lee."Esta es una versión más abiertamente funky que la de Tony Williams, que adopta un enfoque de soul-jazz en la grabación original del emblemático álbum Blue Note de 1964 de Hancock, Empyrean Isles. Una versión más sincopada aquí, el hábil salto de Malone de un ritmo urgente a voces de acordes ricas a líneas de notas individuales de tonos cálidos y limpios, dibuja paralelismos con Grant Green. El enfoque relajado y conversacional de Clark detrás del kit aquí establece el tono interactivo que prevalece a lo largo de estas nueve pistas.

El animado vals "Barbara" de Horace Silver (de Silver 'n Brass on Blue Note de 1975) encuentra al notablemente polirrítmico Clark tippin' en el platillo ride mientras mantiene ese pulso altamente interactivo en el kit. Dorsey sostiene el fuerte en el bajo antes de desatar uno en sus solos melódicos patentados mientras Malone suministra arpegios suaves debajo. En una interpretación terrenal y llena de energía de "Sister Sadie" de Silver (de Blowin' the Blues Away de 1959 en Blue Note), Malone se enfrenta al contagioso Texas shuffle de Clark y al sólido ritmo de bajo andante de Dorsey, haciendo alarde de algunas chuletas punzantes que alternativamente significan los primeros George Benson y los últimos días T-Bone Walker.

"Bumpin' on Sunset", el número con tintes latinos de Tequila de 1966 que introdujo a una generación de guitarristas en la suave interpretación de octavas de Wes Montgomery, se representa aquí como un fascinante groover de soul-jazz. Malone invoca algunos trabajos característicos de octavas de Wes junto con un hábil uso de melodías de acordes y líneas fluidas de una sola nota. Para un cambio de ritmo, ofrecen una interpretación exuberante y relajada de la balada de Ray Noble, "The Very Thought of You", con la delicada pincelada de Clark que establece un tono tenue para las rearmonizaciones de tonalidades menores de Malone en ese estándar familiar. La escasa presencia de Dorsey en los bajos se suma a la naturaleza meditativa de esta interpretación inquietantemente hermosa.

Shifting gears, su interpretación ágil de "Thieves in the Temple" de Prince (de su álbum de la banda sonora de 1990 a la película Graffiti Bridge) tiene al baterista Clark de vuelta en una bolsa de funk con Malone llevando la voz de Prince en la guitarra. Aparte de proporcionar algunas melodías de acordes insistentes, de doble tiempo y ricas, Malone también ofrece algunas declaraciones de una sola nota malvadas y aventureras en este número pop (que también fue cubierto por Herbie Hancock en su álbum de 1996, The New Standard).

Una interpretación en tiempo de vals del estándar "That's All" se ve subrayada por la pincelada de cadera de Clark y las líneas de bajo melódicas de Dorsey. El trabajo de melodía de acordes de Malone y las líneas fluidas de una sola nota marcan los procedimientos optimistas. Cuando Clark cambia a palos y columpios en un modo más contundente, el guitarrista cava y entrega con gusto, alternando algunas líneas de legato fluidas y melodías de acordes más hábiles. El ágil y amaderado solo de bajo de Dorsey aquí está justo en la tradición armónicamente inventiva de sus antiguos maestros y mentores Ron Carter y Richard Davis. Clark vuelve a los pinceles mientras el trío los saca de manera elegante y oscilante.

Su versión soñadora de la balada oscura de Kenny Burrell, "Listen to the Dawn", es una verdadera clínica en el arte de la melodía de acordes interpretada por el invitado especial Malone. Concluyen el programa con una interpretación relajada y entrecortada de "The Thumb" de Wes Montgomery, una melodía a menudo versionada que también apareció por primera vez en el debut de Wes en 1966, Tequila. Clark se involucra en un juego fantásticamente interactivo aquí con Malone mientras

Dorsey, nativo de Pittsburgh, sigue la tradición de otro legendario de Pittsburgh, Ray Brown. Clark lo reduce a un susurro detrás del solo de bajo notablemente fluido de Dorsey antes de que Malone regrese para intercambiar vigorosos ochos con el baterista.

Esta salida estelar es otro ejemplo de la sinergia musical que Clark y Dorsey han forjado juntos a lo largo del tiempo. Y Russell, uno de los guitarristas más elegantes y aclamados de la escena del jazz actual, aporta algo muy especial a esa asociación en curso en Cantaloupe Island.

Fuente: LYDIA LIEBMAN PROMOTIONS
https://www.jazznearyou.com/world/publicityfirm/lydia-liebman-promotions
8 de marzo de 2023
https://www.allaboutjazz.com/news/bassist-leon-lee-dorsey-and-drummer-mike-clark-return-on-seasoned-new-outing-cantaloupe-island-beside-guitar-great-russell-malone-out-now-via-jazz-avenue-1/

 

leonleedorsey.com ...

Red Mitchell, Bob Brookmeyer & Zoot Sims • Happy Minors

 

Bethlehem Records was founded in 1953 by Gus Wildi who initially employed the talents of vibraphonist Teddy Charles (West Coast) and, the visionary producer Creed Taylor (East Coast) as A & R men. This gem of a sextet fronted by bassist Red Mitchell was recorded on 02/01/1955 (BCP-1033- 10" Lp highly prized today by collectors) consisting of Bob Brookmeyer (trb), John Haley "Zoot" Sims (ts) (mispelled "Simms" on puckish cover by Burt Goldblatt), Conte Candoli (tpt), Claude Williamson (p) and, Stan Levey (drm). Long unavailable on CD, this Japanese import appeared unexpectedly on the web without fanfare in 2013. The Bethlehem catalog has moved between nine owners since its sale to King Records in the early 1960's. Previous Bethlehem titles were re-issued seemingly at random under several different labels both domestic and foreign. The Bethlehem catalog is now owned and licensed by VMG-Salsoul, Division of Verse Music Group. Bethlehem Records official website conveniently provides a monthly schedule of prior and future releases via i-tunes for downloading individual songs or, entire albums with original artwork.

The average age of the participants recording this music was twenty eight, all were experienced veterans of the big bands then based in L.A. The West Coast scene in the early 1950's was flush with talented soloists and arrangers whom Bethlehem was anxious to record. The music heard here is tightly voiced in the ensembles (no arranging credits but, I suspect Brookmeyer was involved) and the solos are crisp, confident and, charged with vitality particulary, in the horns of Candoli and Sims. Each artist gets a chance to stretch out supported by the superb rhythm section throughout. Williamson shows his preference for Bud Powell while strongly introducing the stylings of Hampton Hawes and Horace Silver in his funky approach to comping behind Mitchell's solo on the trio feature entitled; "Bluesology". Mitchell solos with grace on a pensive version of the ballad, "Once in a While" displaying not only his jazz chops but, technical vistuosity. Williamson then adds his own Be- bop inspired commentary to complete the piece. The full sextet performs on the title tune "Happy Minor" (Zoot jumps out of the starting gate like a thoroughbred), "Long Ago and Far Away" and, "Gone with the Wind". Brookmeyer constructs a solo statement on "Gone with The Wind" that perfectly displays his unique flair for both melodic improvisation and structure which would eventually evolve into a career as a highly respected composer/arranger. "Kelly Green" again features the trio with the spotlite focusing on Mitchell whose virtuosity is reminiscent of Ellington's "Jack the Bear" with the legendary bassist, Jimmy Blanton. The date ends on Charlie Parker's "Scrapple from the Apple" with Sims out first (always swinging...) followed by Brookmeyer blending his 4/4 Kansas City roots with modernism and, unique valve trombone timbre. Candoli offers yet again another peppery solo driven forward by Mitchell, Williamson and, Levey providing the heat.

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Bethlehem Records fue fundada en 1953 por Gus Wildi, quien inicialmente empleó el talento del vibrafonista Teddy Charles (Costa Oeste) y del visionario productor Creed Taylor (Costa Este) como A & R men. Esta joya de sexteto liderado por el bajista Red Mitchell fue grabado el 01/02/1955 (BCP-1033- 10" Lp muy apreciado hoy en día por los coleccionistas) y está compuesto por Bob Brookmeyer (trb), John Haley "Zoot" Sims (ts) (mal escrito "Simms" en la portada pícara de Burt Goldblatt), Conte Candoli (tpt), Claude Williamson (p) y, Stan Levey (drm). Esta importación japonesa, que durante mucho tiempo no estuvo disponible en CD, apareció inesperadamente en la web sin fanfarria en 2013. El catálogo de Belén se ha movido entre nueve propietarios desde su venta a King Records a principios de los años 60. Los títulos anteriores de Bethlehem fueron reeditados aparentemente al azar bajo varios sellos diferentes tanto nacionales como extranjeros. El catálogo de Bethlehem es ahora propiedad y está licenciado por VMG-Salsoul, División de Verse Music Group. El sitio web oficial de Bethlehem Records proporciona convenientemente un calendario mensual de los lanzamientos anteriores y futuros a través de i-tunes para descargar canciones individuales o, álbumes enteros con el arte original.

La edad promedio de los participantes que grabaron esta música fue de veintiocho años, todos eran veteranos experimentados de las grandes bandas de entonces con base en L.A. La escena de la Costa Oeste a principios de los años 50 estaba repleta de talentosos solistas y arreglistas que Bethlehem estaba ansiosa por grabar. La música que se escucha aquí está fuertemente expresada en los conjuntos (no hay créditos de arreglos pero, sospecho que Brookmeyer estuvo involucrado) y los solos son nítidos, confiados y, cargados de vitalidad particularmente, en las trompas de Candoli y Sims. Cada artista tiene la oportunidad de estirarse apoyado por la magnífica sección rítmica en todo momento. Williamson muestra su preferencia por Bud Powell mientras que introduce con fuerza los estilos de Hampton Hawes y Horace Silver en su enfoque funky de compaginar detrás del solo de Mitchell en el trío titulado; "Bluesología". Los solos de Mitchell con gracia en una versión pensativa de la balada, "Once in a While", mostrando no sólo sus chuletas de jazz, sino también su vistuosidad técnica. Williamson luego agrega su propio comentario inspirado en el Be-bop para completar la pieza. El sexteto completo actúa en el tema del título "Happy Minor" (Zoot salta desde la puerta de salida como un pura sangre), "Long Ago and Far Away" y, "Gone with the Wind". Brookmeyer construye una declaración en solitario sobre "Gone with the Wind" que muestra perfectamente su estilo único tanto para la improvisación melódica como para la estructura, que eventualmente evolucionaría en una carrera como un compositor/arreglador muy respetado. "Kelly Green" nuevamente presenta al trío con el spotlite enfocado en Mitchell, cuyo virtuosismo recuerda al de "Jack the Bear" de Ellington con el legendario bajista Jimmy Blanton. La cita termina con "Scrapple from the Apple" de Charlie Parker con Sims en primer lugar (siempre balanceándose...) seguido de Brookmeyer que mezcla sus raíces 4/4 de Kansas City con el modernismo y, un timbre de trombón de válvula único. Candoli ofrece una vez más otro solo picante impulsado por Mitchell, Williamson y Levey que proporcionan el calor.

Joe Puma, Hod O'Brien, Red Mitchell • Shining Hour

 

Review by Scott Yanow

Cool-toned guitarist Joe Puma is best known for his playing in the 1950s. This 1997 CD reissue has a live Puma trio date from 1984, which was his first occasion to lead his own recording session since 1961. The music is quite enjoyable, featuring Puma with pianist Hod O'Brien and bassist Red Mitchell. The guitarist was still very much in prime form, playing in a style unchanged from decades earlier. His interplay with O'Brien and Mitchell uplifts the standards, which include "Remember," "For All We Know" and "Mood Indigo," and he introduces two appealing originals. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/shining-hour-mw0000730335

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Reseña de Scott Yanow
El guitarrista de tono frío Joe Puma es más conocido por su forma de tocar en los años 50. Esta reedición del CD de 1997 tiene un trío de Puma en directo que data de 1984, que fue su primera ocasión de dirigir su propia sesión de grabación desde 1961. La música es bastante agradable, con Puma con el pianista Hod O'Brien y el bajista Red Mitchell. El guitarrista estaba todavía en plena forma, tocando en un estilo que no había cambiado desde décadas antes. Su interacción con O'Brien y Mitchell eleva los estándares, que incluyen "Remember", "For All We Know" y "Mood Indigo", e introduce dos atractivos originales. Altamente recomendado.
https://www.allmusic.com/album/shining-hour-mw0000730335

Colaborador / Contribuitor:  Michel 

 

 

 

Ray Brown Trio • Soular Energy

 

 

This album is important as an early milestone in pianist Gene Harris' second career. Harris, who had led the popular Three Sounds in the 1960s, had been living in obscurity in Boise, ID, for several years before he was urged by bassist Ray Brown to come to the West Coast for some recording sessions. Harris became a permanent member of Brown's regular trio for quite a few years before launching his own quartet. He had lost none of his technique, soul, or swing in the interim, as he shows throughout this fine release. Seven of the eight numbers (highlighted by "Exactly Like You," "Teach Me Tonight," and "Sweet Georgia Brown") feature Brown, Harris, and drummer Gerryck King playing soulful bop, while "Mistreated But Undefeated Blues" adds guitarist Emily Remler and the tenor of Red Holloway. An excellent effort.

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Este álbum es importante como un hito inicial en la segunda carrera del pianista Gene Harris. Harris, que había liderado el popular Three Sounds en los años 60, había estado viviendo en la oscuridad en Boise, ID, durante varios años antes de que el bajista Ray Brown le instara a venir a la Costa Oeste para algunas sesiones de grabación. Harris se convirtió en un miembro permanente del trío regular de Brown durante varios años antes de lanzar su propio cuarteto. No había perdido nada de su técnica, alma o swing en el ínterin, como lo demuestra a lo largo de este magnífico lanzamiento. Siete de los ocho números (destacados por "Exactly Like You", "Teach Me Tonight" y "Sweet Georgia Brown") presentan a Brown, Harris y al baterista Gerryck King tocando bop soul, mientras que "Mistreated But Undefeated Blues" añade a la guitarrista Emily Remler y al tenor de Red Holloway. Un excelente esfuerzo

 

 

Gil Evans & Jaco Pastorius • Live Under The Sky Tokyo '84

 

 

http://gilevans.free.fr/
https://www.gilevans.com/
https://jacopastorius.com/

Leroy Vinnegar • Jazz’s Great Walker

 

Review from AllMusic (by MacKenzie Wilson):
Bass man Leroy Vinnegar's Jazz's Great Walker captures some of Vinnegar's most cherished tracks. It's a solid mix of cool jazz and light tinges of swing. "You'd Be So Nice to Come Home To" shimmies with a crisp bass cut over piano grooves and xylophone drops, whereas "The Love Nest" swaggers with Vinnegar's signature heart-thumping musicianship. It's probably the slyest track on the album, taking on a life of its own. "Bee Sees" follows close behind, bursting with jazz flares and trumpeting excitement. Vinnegar and his troupe are a sharp bunch. Jazz's Great Walker reflects Vinnegar's warm personality inside some of his most personal work. It's an enjoyable listen. 
    

Jay Leonhart, Gary Burton, Joe Beck & Terry Clarke • Four Duke

Review

This swinging session focuses on a dozen standards from the vast Duke Ellington songbook. Bassist Jay Leonhart sings along with his bass a la Slam Stewart to open "In a Mellotone" and "C Jam Blues." A loping "Azure" features Joe Beck's brash guitar contrasting with Gary Burton's bluesy vibes. Burton and Leonhart's smoking duo version of "Take the 'A' Train" and a soft pretty take of "Isfahan" (omitting Beck) are the top tracks of the date. A pleasant, if not essential CD.

Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/release/four-duke-laserlight-mr0000054985

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Revisar

Esta sesión de balanceo se centra en una docena de estándares del vasto cancionero de Duke Ellington. El bajista Jay Leonhart canta junto con su bajo a la Slam Stewart para abrir "In a Mellotone" y "C Jam Blues". En "Azure", la guitarra descarada de Joe Beck contrasta con el blues de Gary Burton. La humeante versión en dúo de Burton y Leonhart de "Take the 'A' Train" y una suave y bonita toma de "Isfahan" (omitiendo a Beck) son las pistas principales de la fecha. Un agradable, si no esencial CD.

Ken Dryden
https://www.allmusic.com/album/release/four-duke-laserlight-mr0000054985

Houston Person & Ron Carter • The Complete Muse Sessions [new link]

 

Charles Mingus • Debut Rarities, Vol.2

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
These are early Mingus recordings that emphasize his talents as a bassist. Tracks one through nine match Mingus with pianist Spaulding Givens in a duo setting from 1951, while tracks 10-15 add the drums of Max Roach for trio performances from 1953. The music is tasteful chamber jazz featuring mostly standards plus some originals. Of greatest interest are the two versions of Jeepers Creepers and three interpretations of Gershwin material. Mingus already had a beautiful tone and would evolve greatly during the next decade.
https://www.allmusic.com/album/debut-rarities-vol-2-mw0000617314

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Estas son grabaciones tempranas de Mingus que enfatizan sus talentos como bajista. Las pistas uno a nueve emparejan a Mingus con el pianista Spaulding Givens en un formato de dúo de 1951, mientras que las pistas 10-15 agregan la batería de Max Roach para interpretaciones en trío de 1953. La música es jazz de cámara de buen gusto con principalmente estándares más algunos originales. De mayor interés son las dos versiones de Jeepers Creepers y tres interpretaciones de material de Gershwin. Mingus ya tenía un tono hermoso y evolucionaría enormemente durante la próxima década.
https://www.allmusic.com/album/debut-rarities-vol-2-mw0000617314

www.charlesmingus.com ...

Dave Holland Quintet • Prime Directive

 

Review from AllMusic (by Brian Bartolini) - 4.5 Stars:
Tremendous taste prevents Holland from making unsatisfying music. He is a great leader in the truest senses of the word - he gives his team space, trusts their abilities and judgment, yet all the while remains firmly in command and infuses the results with his own style and personality. Prime Directive is a wonderful jazz album. These 77 minutes and nine tracks do not cheat or disappoint. Prime Directive is recommended; a great leader is, indeed, hard to find.
https://www.allmusic.com/album/prime-directive-mw0000604627

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Reseña de AllMusic (por Brian Bartolini) - 4.5 Estrellas:
El tremendo gusto evita que Holland haga música insatisfactoria. Es un gran líder en los sentidos más verdaderos de la palabra - le da espacio a su equipo, confía en sus habilidades y juicio, mientras permanece firmemente al mando e infunde los resultados con su propio estilo y personalidad. Prime Directive es un maravilloso álbum de jazz. Estos 77 minutos y nueve pistas no engañan ni decepcionan. Prime Directive es recomendado; un gran líder es, de hecho, difícil de encontrar.
https://www.allmusic.com/album/prime-directive-mw0000604627

Oscar Pettiford, Barry Galbraith and his Orchestra • The Manhatan Jazz Septette (1956)-Guitar & The Wind (1958)

 

Ray Brown • The Red Hot Ray Brown Trio

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Bassist Ray Brown's 1985 trio (featuring pianist Gene Harris and drummer Mickey Roker) is heard in fine form throughout this swinging set. In addition to five standards and Brown's own blues "Captain Bill," there are a couple of unlikely but successful selections: Tyree Glenn's "How Could You Do a Thing Like This to Me" and "Love Me Tender." Although there is actually only one blues among the eight numbers, Gene Harris infuses all of the selections with the feeling of the blues and consistently steals the show.
https://www.allmusic.com/album/the-red-hot-ray-brown-trio-mw0000192807

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
El trío de 1985 del bajista Ray Brown (con el pianista Gene Harris y el baterista Mickey Roker) se escucha en excelente forma a lo largo de este set swingueante. Además de cinco estándares y el blues propio de Brown "Captain Bill", hay un par de selecciones improbables pero exitosas: "How Could You Do a Thing Like This to Me" de Tyree Glenn y "Love Me Tender". Aunque en realidad solo hay un blues entre los ocho números, Gene Harris infunde todas las selecciones con el sentimiento del blues y consistentemente se roba el show.
https://www.allmusic.com/album/the-red-hot-ray-brown-trio-mw0000192807

Tete Montoliu & Niels-Henning Ørsted Pedersen • Face To Face

 

Renaud Garcia-Fons ‎• Alboreá

 

The most virtuosic bass player to come up in many years, Frenchman Renaud Garcia-Fons has been impressing listeners and musicians alike. German reed player Michael Riessler and Lebanese oud player Rabih Abou-Khalil repeatedly called for his services. An outstanding con-arco player, Renaud is also a member of French Orchestre de Contrebasses and recorded two albums in solo and duet settings that raised enormous attention among connoisseurs.
"Alboreá" (the title refers to Andalusian wedding-music) is the debut disc of Renaud's newly formed quartet. It features Parisian accordion master Jean-Louis Matinier (who recorded with Michael Riessler a.o.), Yves Torchinsky (Renaud's colleague in the Orchestre de Contrebasses), and extraordinary drummer (and singer) Jacques Mahieux (who even recorded with blues legend Champion Jack Dupree). The quartet's music is primarily inspired by the Mediterranean area which is a melting-pot for diverse cultural influences. In Renaud's tunes you can hear traces of flamenco, new musette, Greek, Spanish and African music, but also allusions to Latin America, India and the American Indians. The quartet's approach is light and subtle, yet at the same time highly virtuosic. Rooted in European folk traditions, this thrilling music displays the improvisational depth and swinging vitality of jazz.

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El bajista más virtuoso que ha surgido en muchos años, el francés Renaud Garcia-Fons, ha impresionado a oyentes y músicos por igual. El músico de lengüeta alemán Michael Riessler y el oudista libanés Rabih Abou-Khalil han recurrido a sus servicios en repetidas ocasiones. Destacado intérprete de con-arco, Renaud es también miembro de la Orchestre de Contrebasses francesa y ha grabado dos discos en solitario y a dúo que han suscitado una enorme atención entre los entendidos.
"Alboreá" (el título hace referencia a la música nupcial andaluza) es el disco de debut del recién formado cuarteto de Renaud. Cuenta con el maestro parisino del acordeón Jean-Louis Matinier (que grabó con Michael Riessler entre otros), Yves Torchinsky (colega de Renaud en la Orchestre de Contrebasses) y el extraordinario baterista (y cantante) Jacques Mahieux (que incluso grabó con la leyenda del blues Champion Jack Dupree). La música del cuarteto se inspira principalmente en la zona mediterránea, que es un crisol de diversas influencias culturales. En las melodías de Renaud se pueden escuchar rastros de flamenco, nueva musette, música griega, española y africana, pero también alusiones a América Latina, la India y los indios americanos. El enfoque del cuarteto es ligero y sutil, pero al mismo tiempo muy virtuoso. Enraizada en las tradiciones folclóricas europeas, esta música emocionante muestra la profundidad de la improvisación y la vitalidad del jazz.

www.renaudgarciafons.com ...

Colaborador / Contributor:  Mich58

John Scofield & Dave Holland • Memories of Home

 

daveholland.com ...

www.johnscofield.com ...

Ray Brown-Monty Alexander-Russell Malone • Ray Brown, Monty Alexander, Russell Malone

 

Review by Rick Anderson
It would be nice to say that Ray Brown's final recording session before his sudden and untimely death in the summer of 2002 resulted in a masterpiece, but although this trio session with guitarist Russell Malone and pianist Monty Alexander is perfectly serviceable, a masterpiece it is not. It's a very attractive album -- Brown was probably not capable of producing anything less as a leader -- but it suffers just a bit from Alexander's slightly sugary style and from the lack of a drummer. Recording without a drummer had been the latest thing in the jazz world for several years when this album was released, but it's not entirely clear what the benefit of such an arrangement was supposed to be. On this album, the swing standard "Fly Me to the Moon" and Dexter Gordon's boppish "Dexter's Dex" would have had much more oomph with a sympathetic drummer on board (though on the latter, Malone's Django Reinhardt-styled backup and Brown's inimitable freight train rhythmic drive do go some distance toward making up for that lack). And the mid-tempo numbers seem to plod just a bit as well. But as always, there's no questioning either the inventiveness of Brown's solos or the rich sumptuousness of his enormous tone.
https://www.allmusic.com/album/ray-brown-monty-alexander-russell-malone-mw0000227413

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Reseña de Rick Anderson
Estaría bien decir que la última sesión de grabación de Ray Brown antes de su repentina y prematura muerte en el verano de 2002 resultó en una obra maestra, pero aunque esta sesión de trío con el guitarrista Russell Malone y el pianista Monty Alexander es perfectamente útil, no es una obra maestra. Es un álbum muy atractivo - Brown probablemente no era capaz de producir menos como líder - pero sufre un poco del estilo ligeramente azucarado de Alexander y de la falta de un batería. Grabar sin batería era lo último en el mundo del jazz desde hacía varios años, cuando se publicó este álbum, pero no está del todo claro cuál se suponía que era el beneficio de tal arreglo. En este álbum, el estándar de swing "Fly Me to the Moon" y el boppish "Dexter's Dex" de Dexter Gordon habrían tenido mucho más ímpetu con un simpático batería a bordo (aunque en este último, los coros de Malone al estilo de Django Reinhardt y el inimitable impulso rítmico de tren de mercancías de Brown compensan en cierta medida esa carencia). Y los números a medio tiempo también parecen flojear un poco. Pero como siempre, no hay duda de la inventiva de los solos de Brown ni de la suntuosidad de su enorme tono.
https://www.allmusic.com/album/ray-brown-monty-alexander-russell-malone-mw0000227413

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Melvin Jackson • Funky Skull

Review by Thom Jurek

Bassist Melvin Jackson has exactly one album in his catalog as a leader (he spent most of his time playing with Eddie Harris). But man, that's all he needed. Pumping his upright through a Maestro G-2 filter box, a Boomerang, an Echoplex, and an Am peg amp, he made that thing sound like something from outer space while keeping it firmly in the groove of the corner bar on Front Street. Gimmicky? That's what they once said about Roland Kirk playing multiple horns at once, too. As for the naysayers who think of this as a novelty, consider the heavies in his band: Roscoe Mitchell, Leo Smith, Lester Bowie, Phil Upchurch, Pete Cosey, Morris Jennings, Jodie Christian, Billy Hart, Byron Bowie, Steve Galloway, and a whole lot of others. All of these cats were heavyweights in their own right. What does Funky Skull sound like? Psychedelic, funky soul-jazz and a whole lot more. Jackson bowed his bass a well as plucked it depending on what the tune needed. Produced in Chicago by Robin McBride and originally released on the Limelight label, it marked an era of exploration and Jackson was on the ground floor of the space station. There was only one requirement: the groove had to be in the pocket and the beat had to be on the one. There are nine tunes here; Jackson wrote or co-wrote four, including the two-part title cut. He took pages from both Harris' serious soul-jazz book and James Brown's funky one. There are vocals on these tracks, but they amount to little more than accents on the repetitive rhythmic lines being laid down. It's all backbone-slipping, hard, electric jazz funk from the pre-fusion era. "Funky Skull, Pts 1 & 2" and Eddie Harris' "Cold Duck Time, Pts. 1 & 2" were actually spun on jukeboxes throughout the Midwest and in New York in beer gardens, at lunch counters, in bowling alleys, etc. In other words, these jams got heard and grooved to by ordinary folks, not just jazz heads. The nickels got pumped for a reason. Some cuts here, such as "Dance of the Dervish," have pretty sophisticated arrangements and fell more firmly in the jazz camp, but were outside it, too -- especially the Echoplexed bass solo. Elsewhere, "Everybody Loves My Baby," which is a workout for hand percussion, hi hat, and bowed electronically affected bass, was out there on the launching pad in terms of classification. It gets brought back in from the cold by Jackson's "Say What," with the horns playing as a section with striated harmony and a subtle B-3 played by some uncredited genius who kept the funk lines clipped and tight; it was Jackson's cue for wrapping himself all over the groove while never leaving the pocket entirely. The bleating saxophone solo tells you that something else is being aspired to and delivered: it pushes the melody line way out the window, but the rhythm section never loses it for a second. "Funky Doo," written by Jackson and producer Robin McBride, rocks it up while being a dance tune for a sweaty after-hours party. The set ends with "Silver Cycles," written by Jackson and Harris. Clocking in at over nine minutes, it begins with a small piano vamp and Jackson playing glissando bowed bass before flutes, a trap kit, and other horns wind their way in. Jackson's bass gets double-tracked, finding the expansive groove being laid down and extrapolated into harmonic wonderland. Textures by the horn section, and the lower edges of the bass and piano registers are expounded upon, with the horn playing in high, tinny fashion, creating a huge space in the middle for anything to happen. But it stays on the subtle side with all sorts of interaction going on between the instruments crisscrossing channels and parts before fading into the night. Funky Skull is a one of a kind listening experience. It's fun, wildly inventive, freewheeling and complex all at the same time. This is one of those records that one has to hear to believe, and once heard, has to have as a permanent part in your collection.

https://www.allmusic.com/album/funky-skull-mw0000576299

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Reseña de Thom Jurek

El bajista Melvin Jackson tiene exactamente un álbum en su catálogo como líder (pasó la mayor parte de su tiempo tocando con Eddie Harris). Pero tío, eso es todo lo que necesitaba. Bombeando su vertical a través de una caja de filtros Maestro G-2, un Boomerang, un Echoplex, y un amplificador Am peg, hizo que esa cosa sonara como algo del espacio exterior mientras lo mantenía firmemente en la ranura del bar de la esquina en Front Street. ¿Gimmicky? Eso es lo que dijeron una vez sobre Roland Kirk tocando múltiples trompetas a la vez, también. En cuanto a los detractores que piensan que esto es una novedad, consideren a los pesados de su banda: Roscoe Mitchell, Leo Smith, Lester Bowie, Phil Upchurch, Pete Cosey, Morris Jennings, Jodie Christian, Billy Hart, Byron Bowie, Steve Galloway, y muchos otros. Todos estos gatos eran pesos pesados por derecho propio. ¿Cómo suena Funky Skull? Psicodélico, funky soul-jazz y mucho más. Jackson inclinaba su bajo y lo tocaba dependiendo de lo que la melodía necesitaba. Producida en Chicago por Robin McBride y editada originalmente por el sello Limelight, marcó una era de exploración y Jackson estaba en la planta baja de la estación espacial. Sólo había un requisito: el surco tenía que estar en el bolsillo y el ritmo tenía que estar en el uno. Hay nueve melodías aquí; Jackson escribió o co-escribió cuatro, incluyendo el corte del título en dos partes. Tomó páginas del libro de soul-jazz de Harris y del funky de James Brown. Hay voces en estos temas, pero son poco más que acentos en las líneas rítmicas repetitivas que se establecen. Es todo un funk de jazz duro y eléctrico de la época anterior a la fusión. "Funky Skull, Pts 1 & 2" y "Cold Duck Time, Pts." de Eddie Harris. 1 & 2" de Eddie Harris fueron grabadas en rocolas en todo el Medio Oeste y en Nueva York en cervecerías, en los mostradores de almuerzo, en los bolos, etc. En otras palabras, estas canciones fueron escuchadas y tocadas por la gente común, no sólo por los fanáticos del jazz. Las monedas de cinco centavos se inflaron por una razón. Algunos cortes aquí, como "Dance of the Dervish", tienen arreglos bastante sofisticados y cayeron más firmemente en el campo del jazz, pero también estuvieron fuera de él - especialmente el solo de bajo de Echoplexed. En otro lugar, "Everybody Loves My Baby", que es un ejercicio de percusión de mano, hi hat, y el bajo afectado electrónicamente, estaba ahí en la plataforma de lanzamiento en términos de clasificación. Se recupera del frío gracias a "Say What" de Jackson, con las trompetas tocando como una sección con armonía estriada y un sutil B-3 interpretado por algún genio sin acreditar que mantuvo las líneas de funk cortadas y ajustadas; fue la señal de Jackson para envolverse por todo el surco sin salir nunca del bolsillo por completo. El solo de saxofón balante te dice que se está aspirando a algo más y que se está entregando: empuja la línea de la melodía muy lejos de la ventana, pero la sección rítmica nunca la pierde ni un segundo. "Funky Doo", escrita por Jackson y el productor Robin McBride, la sacude mientras es una melodía de baile para una sudorosa fiesta después de hora. El set termina con "Silver Cycles", escrita por Jackson y Harris. Con más de nueve minutos de duración, comienza con un pequeño piano vampiro y Jackson tocando el bajo con glissando antes de que las flautas, un kit de trampa y otros cuernos se abran camino. El bajo de Jackson se duplica, encontrando el ritmo expansivo que se establece y se extrapola al país de las maravillas armónico. Se exponen las texturas de la sección de trompas y los bordes inferiores de los registros de bajo y piano, con la trompa tocando en alto, creando un gran espacio en el medio para que pase algo. Pero se mantiene en el lado sutil con todo tipo de interacción entre los instrumentos que cruzan canales y partes antes de desvanecerse en la noche. Funky Skull es una experiencia auditiva única. Es divertida, salvajemente inventiva, libre y compleja, todo al mismo tiempo. Este es uno de esos discos que uno tiene que escuchar para creer, y una vez escuchado, tiene que tener como una parte permanente en su colección.

https://www.allmusic.com/album/funky-skull-mw0000576299

Ray Brown • Something For Lester

 

Review by Scott Yanow (AllMusic):
This excellent trio session forms a sort of transition between bassist Ray Brown's work with the Oscar Peterson Trio and his own small-group sessions of the '80s and '90s. With pianist Cedar Walton and drummer Elvin Jones, Brown explores seven strong melodies (four standards, two by Walton, and the bassist's "Slippery") in typically swinging and bluish fashion.
https://www.allmusic.com/album/something-for-lester-mw0000206821

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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) - Traducción:
Esta excelente sesión de trío forma una especie de transición entre el trabajo del bajista Ray Brown con el Oscar Peterson Trio y sus propias sesiones de grupos pequeños de los años 80 y 90. Con el pianista Cedar Walton y el baterista Elvin Jones, Brown explora siete melodías fuertes (cuatro estándares, dos de Walton, y "Slippery" del bajista) de manera típicamente swinging y con toques bluesy.
https://www.allmusic.com/album/something-for-lester-mw0000206821

Charlie Haden • Silence