Bennie Green • Soul Stirrin'

 

In the 1950s, Blue Note was a reliable bastion of hard bop. Art Blakey and the Jazz Messengers set the tone, and dozens of artists—some famous, some not—followed. But Blue Note also had small oases of not-bop, often by artists you've never heard of.
Bennie Green is one of those guys, and if you haven't heard him, you should. Specifically, you should hear Soul Stirrin'.
This is a bluesy, almost pre-bop record. Green plays trombone, but not in a J.J. Johnson bebop style. Much of Soul Stirrin' generally, and Green's playing in particular, have a swing feel. And much of it is just plain old, straight up blues.
It is an absolute pleasure.
Soul Stirrin' starts with the title song, a slow blues grind. This is soul before it became funky. Green plays fat, emotional blues notes. Pianist Sonny Clark, a Blue Note regular, adds a solo that comes straight from a smoky midnight jazz bar. Saxmen Gene Ammons and Billy Root add their flavors.
Five more songs follow, each different from the last. "We Wanna Cook" strikes a bebop tone—the only song on the album that does—with Ammons (or is it Root?) playing hard and fast in a way that reminds me of Paul Gonsalves' long, legendary solo with Duke Ellington at Newport just two years earlier—funky and almost rocking.
"That's All" is a sweet, beautiful ballad. Green is wonderful—soft and gentle and dreamy. "Lullabye of the Doomed" is, as the title implies, a mournful dirge. Green's trombone weeps, and the saxophones are full of swirling smoke. It reminds me of Miles Davis on "My Funny Valentine," or Ellington's "Mood Indigo." The closer, "Black Pearl," is a happy, lively tune that allows each soloist to shine.
The only downer, and it's a small one, is "B.G. Mambo." The theme is sort of cheesy, though it does give way to seven minutes of very pleasant solos, before returning to the goofy theme.
All in all, Soul Stirrin' is an unexpected pleasure from a jazz man who is largely forgotten. Now that I've discovered Bennie Green, I want to hear more.
Rating: 5 stars (out of 5)
By Marc Davis
August 26, 2015
https://www.allaboutjazz.com/bennie-green-soul-stirrin-1958-bennie-green-by-marc-davis



Review
by Stephen Thomas Erlewine
Soul Stirrin' is an invigorating, exciting date from trombonist Bennie Green, showcasing his wide range of skills. His tone is alternately boisterous and reflective -- the juxtaposition of the wildly swinging "We Wanna Cook" (complete with shouted vocals) and the gentle "That's All" is startling, demonstrating that Green can vary his robust sound according to the occasion. Green's fluid trombone is at the center stage throughout most of Soul Stirrin', but he also steps aside to shine some light on his extraordinary support group -- saxophonists Gene Ammons and Billy Root, pianist Sonny Clark, bassist Ike Isaacs and drummer Elvin Jones. Each musician plays with soul and passion, both on the laidback blues and mambos and the rollicking swing numbers. It's a thoroughly enjoyable record and one that is a good introduction to Green's wonderful, friendly style.
https://www.allmusic.com/album/soul-stirrin-mw0000595873

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En la década de 1950, Blue Note era un bastión fiable del hard bop. Art Blakey y los Jazz Messengers marcaron la pauta, y docenas de artistas -algunos famosos, otros no- les siguieron. Pero Blue Note también tenía pequeños oasis de no-bop, a menudo por artistas de los que nunca has oído hablar.
Bennie Green es uno de ellos, y si no lo ha escuchado, debería hacerlo. En concreto, deberías escuchar Soul Stirrin'.
Es un disco de blues, casi pre-bop. Green toca el trombón, pero no al estilo bebop de J.J. Johnson. Gran parte de Soul Stirrin' en general, y la forma de tocar de Green en particular, tienen un aire swing. Y gran parte es blues puro y duro.
Es un placer absoluto.
Soul Stirrin' comienza con la canción que da título al disco, un blues lento. Esto es soul antes de que se convirtiera en funky. Green toca notas de blues gordas y emotivas. El pianista Sonny Clark, un habitual de Blue Note, añade un solo que viene directamente de un humeante bar de jazz de medianoche. Los saxofonistas Gene Ammons y Billy Root añaden su toque.
Siguen cinco canciones más, cada una diferente de la anterior. "We Wanna Cook" alcanza un tono bebop -la única canción del álbum que lo hace- con Ammons (¿o es Root?) tocando duro y rápido de una forma que me recuerda al largo y legendario solo de Paul Gonsalves con Duke Ellington en Newport sólo dos años antes -funky y casi rockero.
"That's All" es una balada dulce y hermosa. Green está maravilloso, suave, apacible y soñador. "Lullabye of the Doomed" es, como su título indica, una triste canción fúnebre. El trombón de Green llora, y los saxofones están llenos de humo arremolinado. Me recuerda a Miles Davis en "My Funny Valentine", o a "Mood Indigo" de Ellington. El cierre, "Black Pearl", es una melodía alegre y animada que permite brillar a cada solista.
El único bajón, y es pequeño, es "B.G. Mambo". El tema es algo cursi, aunque da paso a siete minutos de solos muy agradables, antes de volver al tema bobalicón.
En definitiva, Soul Stirrin' es un placer inesperado de un jazzista en gran parte olvidado. Ahora que he descubierto a Bennie Green, quiero escuchar más.
Puntuación: 5 estrellas (de 5)
Por Marc Davis
26 de agosto de 2015
https://www.allaboutjazz.com/bennie-green-soul-stirrin-1958-bennie-green-by-marc-davis



Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Soul Stirrin' es una fecha vigorizante y emocionante del trombonista Bennie Green, mostrando su amplia gama de habilidades. Su tono es alternativamente bullicioso y reflexivo -- la yuxtaposición de la salvajemente oscilante "We Wanna Cook" (completa con voces gritadas) y la suave "That's All" es sorprendente, demostrando que Green puede variar su robusto sonido según la ocasión. El fluido trombón de Green ocupa el centro del escenario en la mayor parte de Soul Stirrin', pero también se hace a un lado para iluminar a su extraordinario grupo de apoyo: los saxofonistas Gene Ammons y Billy Root, el pianista Sonny Clark, el bajista Ike Isaacs y el batería Elvin Jones. Cada músico toca con alma y pasión, tanto en los relajados blues y mambos como en los alegres números de swing. Es un disco muy disfrutable y una buena introducción al maravilloso y agradable estilo de Green.
https://www.allmusic.com/album/soul-stirrin-mw0000595873

The New Elvin Jones Trio • Puttin' It Together

 

Freddie Hubbard • Ready For Freddie

 

Biography
by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan y, a principios de los años 70, era inmediatamente inconfundible y el referente del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), formó parte del clásico álbum de Oliver Nelson Blues and the Abstract Truth (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Trompetista ardiente con un bello tono de flügelhorn, Hubbard se desenvolvía bien en ambientes más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en los años 80, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus cotas anteriores (aunque gran parte del mundo del jazz le había abandonado). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no se presentaba a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que le dejó hospitalizado hasta su muerte a la edad de 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard todavía pueden disfrutar sin duda de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

Elvin Jones • It Don't Mean A Thing

 

AllMusic Review (by Scott Yanow):
Drummer Elvin Jones' 1993 Enja recording is one of the most well-rounded sets he has ever led. His Elvin Jones Jazz Machine of the time included such promising young players as trumpeter Nicholas Payton and trombonist Delfeayo Marsalis, with the veteran Sonny Fortune on saxophone and flute. With pianist Willie Pickens and bassist Cecil McBee completing the group and Kevin Mahogany contributing soulful vocals to several tracks, this is a very impressive lineup. The music includes Ellington and Strayhorn classics like the title track, "Lush Life" and "A Flower Is a Lovesome Thing" plus newer originals. As for the drummer, there is still no one around who has captured the sound and spirit of Elvin Jones better than himself.

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
La grabación de 1993 para el sello Enja del baterista Elvin Jones es uno de los conjuntos más completos que jamás haya liderado. Su Elvin Jones Jazz Machine de aquel entonces incluía a jóvenes promesas como el trompetista Nicholas Payton y el trombonista Delfeayo Marsalis, junto al veterano Sonny Fortune en el saxofón y la flauta. Con el pianista Willie Pickens y el bajista Cecil McBee completando el grupo, y Kevin Mahogany aportando voces conmovedoras en varios temas, se trata de una formación muy impresionante. La música incluye clásicos de Ellington y Strayhorn como el tema que da título al disco, "Lush Life" y "A Flower Is a Lovesome Thing", además de algunos temas originales más recientes. En cuanto al baterista, todavía no hay nadie que haya capturado el sonido y el espíritu de Elvin Jones mejor que él mismo.

McCoy Tyner • Today And Tomorrow

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Virtually all of McCoy Tyner's recordings are easily recommended and this CD has more variety than most of his Impulses.
https://www.allmusic.com/album/today-and-tomorrow-mw0000264437

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Virtualmente todas las grabaciones de McCoy Tyner son fácilmente recomendables y este CD tiene más variedad que la mayoría de sus Impulses.
https://www.allmusic.com/album/today-and-tomorrow-mw0000264437

John Coltrane Quintet featuring Eric Dolphy • The Complete November 18, 1961 Paris Concerts

 

Backed by McCoy Tyner, Reggie Workman and Elvin Jones, Coltrane decided in mid-1961 to try his luck with his first European tour as a leader. The group which crossed the ocean, however, wasn't a quartet but a quintet, due to the addition of alto sax and flute player Eric Dolphy. "For a long time", declared later Coltrane, "Eric Dolphy and I had been talking about all kinds of improvising techniques. Finally, I decided that as long as my band was working steadily, it made sense for Eric to join us". The Olympia performances are full of excitement.

Ray Brown • Something For Lester

 

Review by Scott Yanow (AllMusic):
This excellent trio session forms a sort of transition between bassist Ray Brown's work with the Oscar Peterson Trio and his own small-group sessions of the '80s and '90s. With pianist Cedar Walton and drummer Elvin Jones, Brown explores seven strong melodies (four standards, two by Walton, and the bassist's "Slippery") in typically swinging and bluish fashion.
https://www.allmusic.com/album/something-for-lester-mw0000206821

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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) - Traducción:
Esta excelente sesión de trío forma una especie de transición entre el trabajo del bajista Ray Brown con el Oscar Peterson Trio y sus propias sesiones de grupos pequeños de los años 80 y 90. Con el pianista Cedar Walton y el baterista Elvin Jones, Brown explora siete melodías fuertes (cuatro estándares, dos de Walton, y "Slippery" del bajista) de manera típicamente swinging y con toques bluesy.
https://www.allmusic.com/album/something-for-lester-mw0000206821

Elvin Jones • Revival-Live at Pookie's Pub

 

Blue Note Records has released Revival: Live at Pookie’s Pub, a thrilling previously unissued live recording of Elvin Jones’ quartet that captures the legendary drummer’s emergence as a bandleader at a little-known club in New York City where he had a weekly residency after leaving John Coltrane’s band in 1966. Featuring Joe Farrell on tenor saxophone, Billy Greene on piano, and Wilbur Little on bass, Revival was recorded between July 28-30, 1967, just two weeks after Coltrane died on July 17. The album finds the band stretching out on expansive versions of standards and bandmember originals.

Revival: Live at Pookie’s Pub is available in deluxe 180g 3-LP and 2-CD sets which include an extensive booklet with stunning photos by Francis Wolff, Ozier Muhammad, Christian Rose, and others; essays by GRAMMY-winning author and co-producer Ashley Kahn, co-producer Zev Feldman, executive producer Don Was, and the original recording engineer Bob Falesch; interviews and statements by drummers Alvin Queen and Michael Shrieve, pianist Richie Beirach, and Elvin Jones band alumni Pat LaBarbera, Gene Perla, and Dave Liebman.
https://www-bluenote-com.translate.goog/elvin-jones-revival-live-at-pookies-pub/?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=tc

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Blue Note Records ha lanzado Revival: Live at Pookie's Pub , una emocionante grabación en vivo inédita del cuarteto de Elvin Jones que captura el surgimiento del legendario baterista como líder de banda en un club poco conocido en la ciudad de Nueva York, donde tuvo una residencia semanal después de dejar la banda de John Coltrane en 1966. Con Joe Farrell en saxofón tenor, Billy Greene en piano y Wilbur Little en bajo,  Revival  se grabó entre el 28 y el 30 de julio de 1967, solo dos semanas después de que Coltrane muriera el 17 de julio. El álbum encuentra a la banda extendiéndose en versiones expansivas de estándares y originales de los miembros de la banda.

Revival: Live at Pookie's Pub está disponible en lujosos sets de 3 LP y 2 CD de 180 g que incluyen un extenso folleto con impresionantes fotografías de Francis Wolff, Ozier Muhammad, Christian Rose y otros; ensayos del autor y coproductor ganador del GRAMMY Ashley Kahn, el coproductor Zev Feldman, el productor ejecutivo Don Was y el ingeniero de grabación original Bob Falesch; entrevistas y declaraciones de los bateristas Alvin Queen y Michael Shrieve, el pianista Richie Beirach y los ex alumnos de la banda Elvin Jones Pat LaBarbera, Gene Perla y Dave Liebman.
https://www-bluenote-com.translate.goog/elvin-jones-revival-live-at-pookies-pub/?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=tc


www.bluenote.com ...

Tommy Flanagan-Red Mitchell-Elvin Jones • Super-Session

 

Review by Scott Yanow
This CD reissues a session that teams together three "super" players: pianist Tommy Flanagan, bassist Red Mitchell and drummer Elvin Jones. On two of Flanagan's better originals ("Minor Perhaps" and "Rachel's Rondo") and four jazz standards (including "Django" and "Things Ain't What They Used to Be"), the musicians communicate quite well (Flanagan and Jones had played together back in the mid-'50s in Detroit) and often think as one. Fine straight-ahead music.
https://www.allmusic.com/album/super-session-mw0000107112

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Reseña de Scott Yanow
Este CD reedita una sesión que reúne a tres" súper " músicos: el pianista Tommy Flanagan, el bajista Red Mitchell y el baterista Elvin Jones. En dos de los mejores originales de Flanagan ("Minor Perhaps "y" Rachel's Rondo") y cuatro estándares de jazz (incluidos "Django" y "Things Ain't What They Used to Be"), los músicos se comunican bastante bien (Flanagan y Jones habían tocado juntos a mediados de los 50 en Detroit) y, a menudo, piensan como uno solo. Buena música directa.
https://www.allmusic.com/album/super-session-mw0000107112

John Coltrane • Kulu Sé Mama

 

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Aaron Bell Trio • After The Party's Over

Biography

Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.

by Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/aaron-bell-mn0000449439/biography

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Biografía

Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era un tradicionalista. Era más bien uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus poderosas líneas y su apoyo grácil y robusto proporcionaban una rica presencia en la sección rítmica junto al baterista Sam Woodyard y el Duque en el piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, y luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a los vocalistas y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en el teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta su jubilación a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, NY, el 28 de julio de 2003 a la edad de 82 años. Aaron Bell se puede escuchar en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.

por Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/aaron-bell-mn0000449439/biography

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Grant Green • I Want To Hold Your Hand

Review by Steve Huey

The third of three sessions Grant Green co-led with modal organist Larry Young and Coltrane drummer Elvin Jones, I Want to Hold Your Hand continues in the soft, easy style of its predecessor, Street of Dreams. This time, however -- as one might guess from the title and cover photo -- the flavor is less reflective and more romantic and outwardly engaging. Part of the reason is tenor saxophonist Hank Mobley, who takes Bobby Hutcherson's place accompanying the core trio. His breathy, sensuous warmth keeps the album simmering at a low boil, and some of the repertoire helps as well, mixing romantic ballad standards (often associated with vocalists) and gently undulating bossa novas. The title track -- yes, the Beatles tune -- is one of the latter, cleverly adapted and arranged into perfectly viable jazz that suits Green's elegant touch with pop standards; the other bossa nova, Jobim's "Corcovado," is given a wonderfully caressing treatment. Even with all the straightforward pop overtones of much of the material, the quartet's playing is still very subtly advanced, both in its rhythmic interaction and the soloists' harmonic choices. Whether augmented by an extra voice or sticking to the basic trio format, the Green/Young/Jones team produced some of the most sophisticated organ/guitar combo music ever waxed, and I Want to Hold Your Hand is the loveliest of the bunch.

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Reseña de Steve Huey

La tercera de las tres sesiones de Grant Green, co-liderada por el organista Larry Young y el baterista de Coltrane Elvin Jones, I Want to Hold Your Hand continúa en el estilo suave y fácil de su predecesor, Street of Dreams. Esta vez, sin embargo, como se puede adivinar por el título y la foto de la portada, el sabor es menos reflexivo y más romántico y atractivo desde el punto de vista externo. Parte de la razón es el saxofonista tenor Hank Mobley, que ocupa el lugar de Bobby Hutcherson acompañando al trío principal. Su calidez sensual y respiratoria mantiene el álbum a fuego lento, y parte del repertorio también ayuda, mezclando estándares románticos de baladas (a menudo asociados con vocalistas) y bossa novas suavemente ondulantes. El tema que da título a la canción -sí, la melodía de los Beatles- es uno de estos últimos, hábilmente adaptado y arreglado en un jazz perfectamente viable que se adapta al toque elegante de Green con los estándares del pop; al otro bossa nova, "Corcovado" de Jobim, se le da un tratamiento maravillosamente acariciante. A pesar de todos los claros matices pop de gran parte del material, la interpretación del cuarteto sigue siendo muy sutilmente avanzada, tanto en su interacción rítmica como en las opciones armónicas de los solistas. Ya sea con una voz extra o con el formato de trío básico, el equipo de Green/Young/Jones produjo algunos de los más sofisticados combo de órgano/guitarra jamás encerados, y I Want to Hold Your Hand es el más encantador del grupo.

Elvin Jones • Revival Live At Pookie's Pub

 

Elvin Jones • Dear John C

 

Review
by Michael G. Nastos  
The second album by Elvin Jones as sole title rights leader (excluding the co-op ensemble that recorded the stunning and essential progressive jazz icon Illumination!) has the drummer sounding more like a backup musician, as he claims no compositional duties or noticeable solo space. In fact, this is one of the very best albums in the career of alto saxophonist Charlie Mariano, who occupies the bulk of lead lines and improvising responsibilities. He's so up-front, and on an instrument that is not John Coltrane's main instrument -- the tenor sax -- that the title is also a bit of a misnomer. The value of Jones as a bandleader lies in his concept of using fellow Detroiter Sir Roland Hanna or brother Hank Jones on selected tracks, or in the case of three tracks, no pianist. Bassist Richard Davis rounds out this truly brilliant ensemble of burgeoning mid-'60s jazz stars, who play an enticing collection of standards, bop, compositions of Bob Hammer, and originals from several modern sources. A stone cold bebopper and Charlie Parker devotee at the time of this recording. Mariano is the standout performer. He swings easily but mightily on the title track paralleling Coltrane's "Milestones," stretches the Charles Mingus evergreen "Reincarnation of a Lovebird" (titled here as "Love Bird"), and pulls out all the stops with Hank Jones during an only slightly flawed (they miss two notes) version of the tricky "Anthropology." They tack a calypso beat onto Duke Ellington's "Fantazm" in a playful, modern dress, and stroll on the quirky Hammer composition "That Five-Four Bag" as an offshoot retort to Dave Brubeck's "Take Five." The three tracks sans piano include a walking version of "Everything Happens to Me"; the ballad "Smoke Rings," where the band excepting Mariano is relaxed; and Frank Sinatra's "This Love of Mine," where the emotive saxophonist dips into humor, even a bit ribald. The variety from cut to cut is engaging, and there's nothing over the top, even the drumming of Elvin Jones. With the musicality at a high level, Dear John C. needs revisiting by drumming students and jazz fans to note how teamwork, shared values, and held-in-check dynamics benefit the overall quality of music. It seems this recording is underrated when over time it should never be. Dear John C. is deserving of an excellent rating.
https://www.allmusic.com/album/dear-john-c-mw0000096993

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Reseña
por Michael G. Nastos  
El segundo álbum de Elvin Jones como único líder de los derechos del título (excluyendo el conjunto cooperativo que grabó el impresionante y esencial icono del jazz progresivo Illumination!) tiene al baterista sonando más como un músico de apoyo, ya que no reclama ningún deber de composición o espacio solista notable. De hecho, este es uno de los mejores álbumes en la carrera del saxofonista alto Charlie Mariano, que ocupa la mayor parte de las líneas principales y las responsabilidades de improvisación. Está tan al frente, y en un instrumento que no es el principal de John Coltrane, el saxo tenor, que el título es también un poco equivocado. El valor de Jones como director de banda reside en su concepto de utilizar a su compatriota Sir Roland Hanna o a su hermano Hank Jones en temas seleccionados, o en el caso de tres temas, sin pianista. El bajista Richard Davis completa este brillante conjunto de estrellas del jazz de mediados de los 60, que tocan una atractiva colección de estándares, bop, composiciones de Bob Hammer y originales de varias fuentes modernas. Un bebopper frío y devoto de Charlie Parker en el momento de esta grabación. Mariano es el intérprete más destacado. Se balancea con facilidad pero con fuerza en el tema que da título al disco, paralelo a "Milestones" de Coltrane, estira el eterno tema de Charles Mingus "Reincarnation of a Lovebird" (titulado aquí como "Love Bird"), y hace todo lo posible con Hank Jones durante una versión sólo ligeramente defectuosa (se pierden dos notas) del complicado "Anthropology". En la canción "Fantazm" de Duke Ellington, le ponen un ritmo de calipso en un vestido juguetón y moderno, y se pasean por la estrafalaria composición de Hammer "That Five-Four Bag" como réplica a "Take Five" de Dave Brubeck. Los tres temas sin piano incluyen una versión andante de "Everything Happens to Me"; la balada "Smoke Rings", en la que la banda, exceptuando a Mariano, se muestra relajada; y "This Love of Mine" de Frank Sinatra, en la que el emotivo saxofonista se sumerge en el humor, incluso un poco socarrón. La variedad de un corte a otro es atractiva, y no hay nada exagerado, ni siquiera la batería de Elvin Jones. Con la musicalidad a un alto nivel, Dear John C. necesita ser revisado por los estudiantes de batería y los aficionados al jazz para observar cómo el trabajo en equipo, los valores compartidos y las dinámicas controladas benefician la calidad general de la música. Parece que esta grabación está infravalorada cuando con el tiempo no debería estarlo. Dear John C. merece una calificación excelente.
https://www.allmusic.com/album/dear-john-c-mw0000096993

Philly Joe Jones & Elvin Jones • Together!

 

A stunner of an album -- and one that definitely draws plenty power from the double drummers in the lead! The set's way different than most of Elvin Jones' other work of the time -- and is even more hard-hitting than some of the Philly Joe Jones sessions too -- and, unusual for Atlantic Records at the time, the tracks are all quite long -- with a very open, freewheeling sound! There's some great horn players who really help shape the sound of the tunes -- Hank Mobley on tenor, Blue Mitchell on trumpet, and Curtis Fuller on trombone -- and the piano of Wynton Kelly and bass of Paul Chambers ensure that the music is right in the groove. The set features three long tracks -- "Brown Sugar", "Le Roi", and "Beau-ty". 
https://www.dustygroove.com/item/876551/Philly-Joe-Jones-Elvin-Jones:Philly-Joe-Jones-Elvin-Jones-Together

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¡Un álbum impresionante and y uno que definitivamente extrae mucha energía de los bateristas dobles a la cabeza! El set es muy diferente a la mayoría de los otros trabajos de Elvin Jones de la época and y también es aún más contundente que algunas de las sesiones de Philly Joe Jones and y, algo inusual para Atlantic Records en ese momento, las pistas son bastante largas! ¡con un sonido muy abierto y despreocupado! Hay algunos grandes trompetistas que realmente ayudan a dar forma al sonido de las melodías: Hank Mobley al tenor, Blue Mitchell a la trompeta y Curtis Fuller al trombón, y el piano de Wynton Kelly y el bajo de Paul Chambers aseguran que la música esté en el ritmo correcto. El set presenta tres pistas largas :" Brown Sugar", "Le Roi "y"Beau-ty". 
https://www.dustygroove.com/item/876551/Philly-Joe-Jones-Elvin-Jones:Philly-Joe-Jones-Elvin-Jones-Together

Pepper Adams • Encounter!

 

Grant Green • Matador

Matador featuring performances recorded in 1964 but not released on the Japanese Blue Note label until 1979. The album was finally reissued in the U.S. on CD in 1990 with one bonus track. It was also reissued on vinyl in 2010, with a different cover.

Review by Steve Huey

Grant Green recorded so much high-quality music for Blue Note during the first half of the '60s that a number of excellent sessions went unissued at the time. Even so, it's still hard to figure out why 1964's Matador was only released in Japan in 1979, prior to its U.S. CD reissue in 1990 -- it's a classic and easily one of Green's finest albums. In contrast to the soul-jazz and jazz-funk for which Green is chiefly remembered, Matador is a cool-toned, straight-ahead modal workout that features some of Green's most advanced improvisation, even more so than his sessions with Larry Young. Part of the reason for that is that Green is really pushed by his stellar backing unit: pianist McCoy Tyner, bassist Bob Cranshaw, and drummer Elvin Jones. Not only is Green leading a group that features one-half of the classic Coltrane Quartet, but he even takes on Coltrane's groundbreaking arrangement of "My Favorite Things" -- and more than holds his own over ten-plus minutes. In fact, every track on the album is around that length; there are extended explorations of two Green originals ("Green Jeans" and the title track) and Duke Pearson's Middle Eastern-tinged "Bedouin," plus the bonus cut "Wives and Lovers," a swinging Bacharach pop tune not on the Japanese issue. The group interplay is consistently strong, but really the spotlight falls chiefly on Green, whose crystal-clear articulation flourishes in this setting. And, for all of Matador's advanced musicality, it ends up being surprisingly accessible. This sound may not be Green's claim to fame, but Matador remains one of his greatest achievements.

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Matador con actuaciones grabadas en 1964 pero no publicadas en el sello japonés Blue Note hasta 1979. El álbum fue finalmente reeditado en los EE.UU. en CD en 1990 con un tema extra. También fue reeditado en vinilo en 2010, con una cubierta diferente.

Reseña de Steve Huey

Grant Green grabó tanta música de alta calidad para Blue Note durante la primera mitad de los años 60 que no se emitieron varias sesiones excelentes en ese momento. Aún así, todavía es difícil entender por qué Matador de 1964 fue lanzado en Japón en 1979, antes de su reedición en Estados Unidos en 1990 -- es un clásico y fácilmente uno de los mejores álbumes de Green. En contraste con el soul-jazz y el jazz-funk por los que Green es principalmente recordado, Matador es un entrenamiento modal de tono fresco y directo que incluye algunas de las improvisaciones más avanzadas de Green, incluso más que sus sesiones con Larry Young. Parte de la razón de esto es que Green es realmente empujado por su estelar unidad de apoyo: el pianista McCoy Tyner, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Elvin Jones. Green no sólo lidera un grupo que cuenta con la mitad del clásico Cuarteto Coltrane, sino que incluso se hace cargo del innovador arreglo de "Mis Cosas Favoritas" de Coltrane, y más de diez minutos. De hecho, todos los temas del álbum son de esa longitud; hay exploraciones extendidas de dos originales de Green ("Green Jeans" y el tema del título) y "Bedouin" de Duke Pearson, teñido de Oriente Medio, además del corte extra "Wives and Lovers", una melodía pop de Bacharach que no está en la edición japonesa. La interacción del grupo es constantemente fuerte, pero en realidad la atención se centra principalmente en el Verde, cuya clara articulación florece en este escenario. Y, a pesar de toda la avanzada musicalidad de Matador, termina siendo sorprendentemente accesible. Este sonido puede que no sea el reclamo de Green a la fama, pero Matador sigue siendo uno de sus mayores logros.