Shirley Scott-Don Patterson-Lockjaw Davis • Stompin'

 

Stanley Turrentine • A Chip Off The Old Block

 

Review by Michael G. Nastos:

The circumstances surrounding the recording of this album are as important as the music you will hear and enjoy. Inspired by the songbook of Count Basie, tenor saxophonist Stanley Turrentine and his wife of four years, organist Shirley Scott, planned on recording with a septet, and went into the studio with that band on October 12, 1963, but those sessions were scrapped. On October 14, two tracks were finished and included here, but October 21 saw the band pared down to a quintet, and the results were acceptable. Trumpeter Blue Mitchell's contributions were quite desirable, he was the second lead voice in the ensemble, and success was attained. Turrentine and Mitchell played together in the 1954 edition of the Earl Bostic ensemble, and happily renew their musical friendship. The Basie evergreen "One O'Clock Jump" leads off the date swinging with Turrentine and Mitchell trading melody lines before an outstanding solo from the trumpeter. A first take from the larger ensemble is described by Bob Blumenthal in the liner notes as ragged, but perhaps further attempts would have smoothed out the scruffy mood. The tenor man sounds as if he is feeding the melody line to trombonist Tom McIntosh and baritone saxophonist Charles Davis ad lib instead of reading charts, although it doesn't sound all that uninspired. Neal Hefti's "Cherry Point" with the quintet is an easy swinging, tenor/organ trade off, in a much slower tempo with the septet, two minutes longer, a bit sluggish, perhaps too rich, but soulfully coming together at the coda. Dedicated to Nashville DJ Hoss Allen, the classic road time shuffle "Blues in Hoss' Flat" chips off many familiar phrases in the main frame, while Hefti's simmering "Midnight Blue" (not Kenny Burrell's version that Turrentine also played on) gives Scott room to subtract one color and shade the unison melody with the tenor and trumpeter. The lone ballad "Spring Can Really Hang You Up the Most" emphasizes Turrentine's soul quotient with Mitchell offering a marvelous countermelody. The spare approach of Basie is hard to ignore, and though not essential in Turrentine's discography, it is an interesting item that showcases his lighter side positively.

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Traducción Automática:
Reseña por Michael G. Nastos:

Las circunstancias que rodean la grabación de este álbum son tan importantes como la música que escuchará y disfrutará. Inspirado por el cancionero de Count Basie, el tenor saxofonista Stanley Turrentine y su esposa por cuatro años, la organista Shirley Scott, planearon grabar con un septeto, y entraron en el estudio con esa banda el 12 de octubre de 1963, pero esas sesiones fueron descartadas. El 14 de octubre, dos pistas fueron terminadas e incluidas aquí, pero el 21 de octubre vio a la banda reducida a un quinteto, y los resultados fueron aceptables. Las contribuciones de Trumpeter Blue Mitchell fueron bastante deseables, fue la segunda voz principal en el conjunto, y se logró el éxito. Turrentine y Mitchell jugaron juntos en la edición de 1954 del conjunto de Earl Bostic, y felizmente renovaron su amistad musical. El basie Evergreen "One O'Clock Jump" inicia la fecha oscilando con Turrentine y Mitchell intercambiando melodías antes de un excelente solo del trompetista. Bob Blumenthal describe una primera toma del conjunto más grande en las notas del liner como algo irregular, pero quizás otros intentos habrían suavizado el estado de ánimo desaliñado. El tenor suena como si estuviera alimentando la melodía del trombonista Tom McIntosh y del saxofonista barítono Charles Davis ad lib en lugar de leer gráficos, aunque no suena tan poco inspirado. El "Cherry Point" de Neal Hefti con el quinteto es un intercambio balanceado, de tenor / órgano, en un tempo mucho más lento con el septeto, dos minutos más, un poco lento, quizás demasiado rico, pero conmovedoramente unidos en la coda. Dedicado a Nashville DJ Hoss Allen, el clásico Road Shuffle "Blues in Hoss 'Flat" corta muchas frases familiares en el fotograma principal, mientras que Hefti hirviendo a fuego lento "Midnight Blue" (no la versión de Kenny Burrell en la que Turrentine también jugó) le da a Scott espacio para restar un color y sombrear la melodía al unísono con el tenor y el trompetista. La solitaria balada "Spring Can Really Hang You Up The Most" enfatiza el cociente de soul de Turrentine con Mitchell ofreciendo una maravillosa contramelodía. El enfoque de repuesto de Basie es difícil de ignorar, y aunque no es esencial en la discografía de Turrentine, es un elemento interesante que muestra positivamente su lado más ligero.

Shirley Scott • Soul Searching

Review by Jason Ankeny:

Soul Searching spotlights Shirley Scott's accelerated development as a composer - originals like "Duck and Rock" and "Plunk Plunk Plunk" are solidly yet spaciously constructed, affording Scott's Hammond organ the room to vamp, flutter, and wail its way in and around the melodies. Longtime collaborators Wendell Marshall on bass and Arthur Edgehill on drums are typically effective in establishing the simple but lively rhythms that keep Scott's more self-indulgent impulses in check - each song is a model of energy and efficiency as tight as an outgrown pair of shoes. Still, taken as a whole Soul Searching wears thin - the austerity of the arrangements offers little variation from track to track, and after a while one wishes for additional elements in the mix, Scott's more soulful outings with husband/tenor saxophonist Stanley Turrentine.

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Reseña de Jason Ankeny:

Soul Searching pone de relieve el desarrollo acelerado de Shirley Scott como compositora - originales como "Duck and Rock" y "Plunk Plunk Plunk Plunk" están sólidamente pero espaciosamente construidos, lo que permite al órgano Hammond de Scott tener el espacio para vampiresear, revolotear y lamentarse dentro y alrededor de las melodías. Los antiguos colaboradores Wendell Marshall en el bajo y Arthur Edgehill en la batería son típicamente efectivos para establecer los ritmos simples pero animados que mantienen a raya los impulsos más auto-indulgentes de Scott - cada canción es un modelo de energía y eficiencia tan apretado como un par de zapatos ya superados. Aún así, tomado como un todo, Soul Searching se agota - la austeridad de los arreglos ofrece poca variación de pista a pista, y después de un tiempo uno desea elementos adicionales en la mezcla, las salidas más conmovedoras de Scott con el saxofonista Stanley Turrentine, su esposo/tenor.

VA • The House That Trane Built - The Story of Impulse Records

 

Shirley Scott & Clark Terry • Soul Duo

 

Eddie 'Lockjaw' Davis • Jaws In Orbit ׀ The Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook

Edward Davis nació el 2 de marzo de 1922, en Nueva York. Músico autodidacta, comenzó su carrera profesional en Harlem ocho meses después de la compra de su primer saxofón y a finales de los años 30 ya trabajaba regularmente en la Clark Monroe's Uptown House. A pesar de la estrecha relación que mantendría con el bebop unos años más tarde, su estilo estaba firmemente arraigado en el blues y el swing. De hecho, sus primeras interpretaciones muestran una afinidad con el duro estilo de tocar el saxo tenor de la escuela tejana. A principios de los años 40, además de liderar sus propios pequeños grupos, Davis trabaja con grandes bandas lideradas por Cootie Williams, Lucky Millinder, Andy Kirk y Louis Armstrong.

En 1952, Davis comienza a trabajar con la banda de Count Basie, teniendo un papel protagonista en muchas de sus formaciones. "En un momento en que la banda de Basie necesitaba una enorme personalidad en sus filas", señala la Illustrated Encyclopedia of Jazz, "Jaws asumió ese papel, y los temas en los que aparecen sus solos, 'Flight of the Foo Birds' y 'After Supper' ( The Atomic Mr. Basie), resaltan por su vigor y entusiasmo ". Tal como comentaría el crítico Leonard Feather en Los Angeles Times, "La banda de Count Basie era virtualmente una escuela para solistas ... que produjo algunos de los sonidos individuales en el jazz más duraderos". Su relación con la banda de Count Basie se prolongaría a lo largo de los años, ya que volvería a incorporarse a la banda en los 60 y, más tarde, a principios de los 70. Con Basie, Davis muestra una amplia gama musical, lo que le permite salir de cualquier situación tocando a su aire. Además, su forma de interpretar las baladas, influenciada por Ben Webster, florece y desarrolla una inventiva y un tono inspirados por el legendario Coleman Hawkins. "Davis aporta a la banda de Basie vigor y tenacidad, un magnífico envoltorio para el mecanismo de precisión que es la sección rítmica de Basie".

Su debut discográfico, Modern Jazz Expression, tiene lugar en 1955. Davis también obtuvo un alto reconocimiento en sus actuaciones como líder de un quinteto de jazz con raices en el blues, en el que la estructura típica de los grupos con órgano se veía modificada al prescindir de la guitarra y sustituirla por el bajo, lo que dotaba a su música de una mayor flexibilidad rítmica. El grupo lo componen Shirley Scott al órgano, George Duvivier al bajo, Arthur Edgehill a la batería y Jerome Richardson al saxo y la flauta. El debut discográfico del grupo, "Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook Volumen 1", fue seguido por "Smokin'", dos volúmenes más de la serie Cookbook, y "Jaws" (grabado sin Richardson), todos ellos grabados en 1958. "Jaws In Orbit", con el trombonista Steve Pulliam, aparece en 1959, el mismo año en que Davis grabó el aclamado "Gentle Jaws", un álbum que también incluye una sesión con el trío del pianista Red Garland, el bajista Sam Jones y el baterista Taylor Arthur.

La grabación de "Trane Whistle" en 1960, acompañado de una big band y con arreglos de Oliver Nelson y Ernie Wilkins, le permite obtener mayor reconocimiento. Un año más tarde publica "Afro-Jaws", una incursión en cuarteto en la música latina que cuenta con la presencia de Ray Barrtetto, así como con una sección de trompetas, con Clark Terry a la cabeza, en dos de los temas.

En la década de los 60 se produce su asociación con el saxofonista Johnny Griffin, dando lugar a una decena de excelentes discos donde se mezclan mainstream y bebop, y en los que, como combates de boxeo, ambos saxofonistas desarrollan incruentas batallas musicales. Ambos tenores eran de diferente temperamento, tanto musical como emocionalmente (Davis interpreta con el ardor que aprendió con Basie y era conocido por su carácter atento, irónico y reservado, mientras que Griffin, que había tocado con Lionel Hampton, Art Blakey y Thelonius Monk, era extrovertido y jovial), pero sus ideas se complementaban y hacía que ambos mejoraran. Como Davis explicaría a J. Robert Bragonier en su web 52 Street Jazz: "Lo que estamos haciendo es presentar, uno al lado del otro, dos estilos diferentes de tocar el tenor - una comparación, no un concurso". Entre sus grabaciones destacan "Tough Tenors", "Battle Stations" (1960), "Griff & Lock" y "Blues Up and Down" (1961).

Davis siguió grabando durante la década de los 70, realizando "Straight Ahead" en 1976 con el trío de Tommy Flanagan y "Montreux 77" grabado el año siguiente con un cuarteto en el que figuraban Oscar Peterson en el piano, Ray Brown en el bajo, y Jimmie Smith en la batería. Ambos álbumes recibieron elogios por parte de los críticos. En sus últimos años, Davis trabajó a menudo con el trompetista Harry 'Sweets' Edison. Además de realizar grabaciones en estudio, iban juntos de gira durante meses, cogiendo músicos locales para completar el grupo. Davis mantuvo su actividad musical hasta el momento de su muerte, acaecida como consecuencia de un cáncer el 3 de noviembre de 1986, en el hospital de Culver City, California.

Existen varias versiones sobre la forma en que Eddie "Lockjaw" Davis obtuvo su apodo. Algunos sostienen que adoptó el mote en una de sus primeras sesiones de grabación, mientras buscaba títulos para sus composiciones; "Lockjaw", en consecuencia, se convirtió no sólo en el nombre de un tema, sino también en una parte importante de sí mismo. Otros apuntan a la costumbre de Davis de apretar su saxo tenor con la boca como la razón por la cual surgió su apodo. Pero independientemente de la causa, Davis se convirtió para muchos en la quintaesencia del saxofonista de jazz straight-ahead. Su sonido (agresivo, con un gran tono y bluesístico, pero también capaz de una gran sensibilidad) hizo de él un músico muy imitado. Es uno de los pocos intérpretes que han desarrollado un sonido personal inconfundible. Eddie 'Lockjaw' Davis, fue uno de los grandes instrumentistas del saxo tenor en el jazz y poseía un sonido inconfundible amén de un espléndido dominio del blues.

Fuente: http://musicadesdelasantipodas.blogspot.com.ar/2009/07/eddie-lockjaw-davis.html

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Artist Biography by Scott Yanow

Possessor of a cutting and immediately identifiable tough tenor tone, Eddie "Lockjaw" Davis could hold his own in a saxophone battle with anyone. Early on, he picked up experience playing with the bands of Cootie Williams (1942-1944), Lucky Millinder, Andy Kirk (1945-1946), and Louis Armstrong. He began heading his own groups from 1946 and Davis' earliest recordings as a leader tended to be explosive R&B affairs with plenty of screaming from his horn; he matched wits successfully with Fats Navarro on one session. Davis was with Count Basie's Orchestra on several occasional (including 1952-1953, 1957, and 1964-1973) and teamed up with Shirley Scott's trio during 1955-1960. During 1960-1962, he collaborated in some exciting performances and recordings with Johnny Griffin, a fellow tenor who was just as combative as Davis. After temporarily retiring to become a booking agent (1963-1964), Davis rejoined Basie. In his later years, Lockjaw often recorded with Harry "Sweets" Edison and he remained a busy soloist up until his death. Through the decades, he recorded as a leader for many labels, including Savoy, Apollo, Roost, King, Roulette, Prestige/Jazzland/Moodsville, RCA, Storyville, MPS, Black & Blue, Spotlite, SteepleChase, Pablo, Muse, and Enja.

Eddie Lockjaw Davis & Shirley Scott • Classics

 Eddie "Lockjaw" Davi : Biography by Scott Yanow
Possessor of a cutting and immediately identifiable tough tenor tone, Eddie "Lockjaw" Davis could hold his own in a saxophone battle with anyone. Early on, he picked up experience playing with the bands of Cootie Williams (1942-1944), Lucky Millinder, Andy Kirk (1945-1946), and Louis Armstrong. He began heading his own groups from 1946 and Davis' earliest recordings as a leader tended to be explosive R&B affairs with plenty of screaming from his horn; he matched wits successfully with Fats Navarro on one session. Davis was with Count Basie's Orchestra on several occasional (including 1952-1953, 1957, and 1964-1973) and teamed up with Shirley Scott's trio during 1955-1960. During 1960-1962, he collaborated in some exciting performances and recordings with Johnny Griffin, a fellow tenor who was just as combative as Davis. After temporarily retiring to become a booking agent (1963-1964), Davis rejoined Basie. In his later years, Lockjaw often recorded with Harry "Sweets" Edison and he remained a busy soloist up until his death. Through the decades, he recorded as a leader for many labels, including Savoy, Apollo, Roost, King, Roulette, Prestige/Jazzland/Moodsville, RCA, Storyville, MPS, Black & Blue, Spotlite, SteepleChase, Pablo, Muse, and Enja. ~ Scott Yanow


 Shirley Scott : Biography by Alex Henderson
An admirer of the seminal Jimmy Smith, Shirley Scott has been one of the organ's most appealing representatives since the late '50s. Scott, a very melodic and accessible player, started out on piano and played trumpet in high school before taking up the Hammond B-3 and enjoying national recognition in the late '50s with her superb Prestige dates with tenor sax great Eddie "Lockjaw" Davis. Especially popular was their 1958 hit "In the Kitchen." Her reputation was cemented during the '60s on several superb, soulful organ/soul-jazz dates where she demonstrated an aggressive, highly rhythmic attack blending intricate bebop harmonies with bluesy melodies and a gospel influence, punctuating everything with great use of the bass pedals. Scott married soul-jazz tenor man Stanley Turrentine, with whom she often recorded in the '60s. The Scott/Turrentine union lasted until the early '70s, and their musical collaborations in the '60s were among the finest in the field. Scott wasn't as visible the following decade, when the popularity of organ combos decreased and labels were more interested in fusion and pop-jazz (though she did record some albums for Chess/Cadet and Strata East). But organists regained their popularity in the late '80s, which found her recording for Muse. Though known primarily for her organ playing, Scott is also a superb pianist -- in the 1990s, she played piano exclusively on some trio recordings for Candid, and embraced the instrument consistently in Philly jazz venues in the early part of the decade. At the end of the '90s, Scott's heart was damaged by the diet drug combination, fen-phen, leading to her declining health. In 2000 she was awarded $8 million in a lawsuit against the manufacturers of the drug. On March 10, 2002 she died of heart failure at Presbyterian Hospital in Philadelphia.

 

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 Eddie "Lockjaw" Davi : Biografía de Scott Yanow
Poseedor de un tono de tenor duro, cortante e inmediatamente identificable, Eddie "Lockjaw" Davis podía enfrentarse a cualquiera en una batalla de saxofón. Desde muy pronto, adquirió experiencia tocando con las bandas de Cootie Williams (1942-1944), Lucky Millinder, Andy Kirk (1945-1946) y Louis Armstrong. Comenzó a dirigir sus propios grupos a partir de 1946 y las primeras grabaciones de Davis como líder solían ser asuntos explosivos de R&B con muchos gritos de su trompa; en una sesión se enfrentó con éxito a Fats Navarro. Davis formó parte de la Orquesta de Count Basie en varias ocasiones (incluyendo 1952-1953, 1957 y 1964-1973) y se asoció con el trío de Shirley Scott durante 1955-1960. Durante 1960-1962, colaboró en algunas emocionantes actuaciones y grabaciones con Johnny Griffin, un compañero tenor tan combativo como Davis. Tras retirarse temporalmente para convertirse en agente de reservas (1963-1964), Davis volvió a unirse a Basie. En sus últimos años, Lockjaw grabó a menudo con Harry "Sweets" Edison y siguió siendo un solista muy ocupado hasta su muerte. A lo largo de las décadas, grabó como líder para muchos sellos, incluyendo Savoy, Apollo, Roost, King, Roulette, Prestige/Jazzland/Moodsville, RCA, Storyville, MPS, Black & Blue, Spotlite, SteepleChase, Pablo, Muse y Enja. ~ Scott Yanow


 Shirley Scott : Biografía de Alex Henderson
Admiradora del seminal Jimmy Smith, Shirley Scott ha sido una de las representantes más atractivas del órgano desde finales de los años 50. Scott, una intérprete muy melódica y accesible, empezó tocando el piano y la trompeta en el instituto antes de coger el Hammond B-3 y disfrutar del reconocimiento nacional a finales de los años 50 con sus magníficas citas en el Prestige con el gran saxo tenor Eddie "Lockjaw" Davis. Especialmente popular fue su éxito de 1958 "In the Kitchen". Su reputación se cimentó durante los años 60 en varias fechas de órgano/soul-jazz soberbias en las que demostró un ataque agresivo y muy rítmico que mezclaba intrincadas armonías bebop con melodías blues y una influencia gospel, puntuando todo con un gran uso de los pedales de bajo. Scott se casó con el tenor de soul-jazz Stanley Turrentine, con quien grabó a menudo en los años 60. La unión de Scott y Turrentine duró hasta principios de los 70, y sus colaboraciones musicales en los 60 fueron de las mejores del sector. Scott no fue tan visible en la década siguiente, cuando la popularidad de los combos de órgano disminuyó y los sellos se interesaron más por la fusión y el pop-jazz (aunque grabó algunos álbumes para Chess/Cadet y Strata East). Pero los organistas recuperaron su popularidad a finales de los 80, cuando grabó para Muse. Aunque es conocida sobre todo por su forma de tocar el órgano, Scott es también una magnífica pianista: en los años 90, tocó el piano exclusivamente en algunas grabaciones de tríos para Candid, y se dedicó a tocar el instrumento de forma constante en los locales de jazz de Filadelfia a principios de la década. A finales de los 90, el corazón de Scott se vio dañado por la combinación de drogas dietéticas, fen-phen, lo que provocó el deterioro de su salud. En el año 2000 se le concedieron 8 millones de dólares en una demanda contra los fabricantes del fármaco. El 10 de marzo de 2002 murió de insuficiencia cardíaca en el Hospital Presbiteriano de Filadelfia.

Shirley Scott • Blues Everywhere

Interesante grabación de Shirley, tocando piano en vez de su habitual instrumento, el órgano.

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Interesting recording of Shirley, playing piano instead of her usual instrument, organ.

Shirley Scott Trio • Great Scott!!

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacida en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Al Smith • Hear My Blues

Review by Alex Henderson

As a rule, people who appreciate the late Jimmy Witherspoon have a very favorable reaction to Al Smith -- that is, if they get a chance to hear him. Neither of the two albums that Smith provided for Bluesville (Hear My Blues in 1959 and Midnight Special in 1960) are well-known. While Witherspoon was a big name in the blues world, Smith was a gospel singer who dabbled in secular music. But when Smith did venture outside the gospel realm, his approach was quite comparable to Witherspoon's -- like Witherspoon, he favored a jazz-influenced approach to blues and R&B. Smith, in fact, is backed by hard-swinging jazz musicians on Midnight Special, including tenor titan Eddie "Lockjaw" Davis, organist Shirley Scott, bassist Wendell Marshall, and drummer Arthur Edgehill. Davis and Scott were both well aware of the power of the blues, and they were perfect for a jazz-minded bluesman like Smith -- who soars on original material as well as inspired, passionate performances of the Ray Charles hit "Night Time Is the Right Time" and the sentimental Johnny Ace ballad "Pledging My Love." Was Smith a blues purist? Absolutely not. Although some of the tracks have a 12-bar blues format (including the gutsy "I've Got the Right Kind of Lovin'"), others are really R&B. "Pledging My Love," for example, is a classic '50s R&B ballad -- and there's certainly nothing wrong with that. Besides, Witherspoon was never a blues purist either; although he was primarily a blues singer, the versatile Witherspoon also recorded his share of R&B and got into some jazz-oriented torch singing as well. Both of Smith's Bluesville albums are well worth owning, but if you had to pick one of the two, Hear My Blues would the best starting point.

Smith, whose bold style was greatly influenced by the Gospel tradition, had the earthy quality often found in the best blues artists. His singing ranges from full-voiced and declamatory to intimate and confidential, but it always carried a charge of vitality that jolts the listener into full awareness. Mildred Anderson possesses a very individual Blues style, neither haunting, nor painful and filled with nostalgia, and certainly not the pretty, dressed up Blues then in vogue. Hers is the rough-hewn, pay-youback, swinging blues, direct, forceful and unsentimental.

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Traducción Automática:

Por regla general, las personas que aprecian al difunto Jimmy Witherspoon tienen una reacción muy favorable a Al Smith, es decir, si tienen la oportunidad de escucharlo. Ninguno de los dos álbumes que Smith proporcionó para Bluesville (Hear My Blues en 1959 y Midnight Special en 1960) son bien conocidos. Mientras Witherspoon era un gran nombre en el mundo del blues, Smith era un cantante de gospel que se dedicaba a la música secular. Pero cuando Smith se aventuró fuera del reino del evangelio, su enfoque era bastante comparable al de Witherspoon - como Witherspoon, él favoreció un enfoque influenciado por el jazz para blues y R & B. Smith, de hecho, está respaldado por los músicos de jazz de hard-swinging en Midnight Special, incluyendo el tenor titán Eddie "Lockjaw" Davis, el organista Shirley Scott, el bajista Wendell Marshall y el baterista Arthur Edgehill. Davis y Scott eran muy conscientes del poder de los blues, y eran perfectos para un bluesman de mentalidad jazzística como Smith - que se eleva en material original, así como inspirado, las actuaciones apasionadas del Ray Charles hit "Night Time Is the Right Time "y la sentimental balada de Johnny Ace" Pledging My Love ". ¿Smith era un purista de blues? Absolutamente no. Aunque algunas de las pistas tienen un formato de blues de 12-bar (incluyendo el valiente "Tengo el tipo correcto de Lovin '"), otros son realmente R & B. "Pledging My Love", por ejemplo, es una clásica balada de R & B de los años 50 - y ciertamente no hay nada malo en eso. Además, Witherspoon nunca fue un blues purista tampoco; Aunque fue principalmente un cantante de blues, el versátil Witherspoon también registró su parte de R & B y se metió en algunos jazz-orientado antorcha cantando también. Ambos de los álbumes de Smith Bluesville valen la pena poseer, pero si tuviera que elegir uno de los dos, Hear My Blues sería el mejor punto de partida.

Smith, cuyo estilo audaz fue influenciado grandemente por la tradición del evangelio, tenía la calidad terrenal encontrada a menudo en los mejores artistas del blues. Sus cantos van desde la voz completa y declamatory a íntimo y confidencial, pero siempre llevaba una carga de vitalidad que sacude al oyente en plena conciencia.

Eddie “Lockjaw” Davis Quintet With Shirley Scott • Jaws In Orbit

Review by Scott Yanow

The group that Eddie "Lockjaw" Davis led with organist Shirley Scott during the latter half of the 1950s was quite accessible and did a great deal to popularize the organ band in jazz. This CD reissue features the duo joined by bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill and the obscure trombonist Steve Pulliam for a typically swinging set of basic originals and standards. Highlights include a hard-swinging "Intermission Riff" and "Our Delight."

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Reseña de Scott Yanow

El grupo que Eddie "Lockjaw" Davis dirigió con la organista Shirley Scott durante la segunda mitad de la década de 1950 era bastante accesible e hizo mucho para popularizar la banda de órgano en el jazz. Esta reedición del CD presenta al dúo formado por el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill y el oscuro trombonista Steve Pulliam para un conjunto de originales y estándares básicos típicos. Los puntos culminantes incluyen un "Riff de Intermedio" y "Nuestra Delicia".

 

Shirley Scott • Like Cozy

Review by Thom Jurek:
The groove of the recordings heard on Like Cozy is what we've come to expect from Ms. Scott, late-night smooth groove that was heavy on ballads, medium bounce standards, and melodic interplay between leader and sidemen -- a trademark specialty of the label. Scott's piano playing is elegant and reminiscent of both Errol Garner's and Billy Taylor's. She has Garner's ornate sense of style, and Taylor's medium touch and sparse phrasing. A listen to the ballads and bounces here offers Scott's dimensions and inventions as a pianist. The rest of the disc, where Scott resumes her organist's duties, is a pretty and restrained affair, with just enough funk to keep the listener in the groove -- and it's all groove: smooth, slow, and slippery. Tracks such as "'Deed I Do" holds the blues firmly in its grasp as Scott extrapolates on the changes with a subtle but defined harmonic invention. There are no stunners here, but there weren't meant to be. These records were designed for the late-night-after-the-club feel, and they work that way. Like Ben Webster's Ballads or With Strings, these recordings are soundtracks for midnight rendezvous or early in the morning trysts with a loved one. [A Fantasy "two-fer" reissue added another LP from 1960, The Shirley Scott Trio, issued as Moodsville 5. It too features the talents of bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill, plus two cuts with Scott playing piano.]

 

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Reseña de Thom Jurek:
El ritmo de las grabaciones que se escuchan en Like Cozy es lo que hemos llegado a esperar de la Sra. Scott, un ritmo suave nocturno con mucho peso de las baladas, los estándares de rebote medio y la interacción melódica entre el líder y los acompañantes, una especialidad de la marca. La forma de tocar el piano de Scott es elegante y recuerda tanto a la de Errol Garner como a la de Billy Taylor. Tiene el sentido ornamentado del estilo de Garner, y el toque medio y el fraseo escaso de Taylor. Una escucha de las baladas y rebotes aquí ofrece las dimensiones e invenciones de Scott como pianista. El resto del disco, en el que Scott retoma sus funciones de organista, es un asunto bonito y comedido, con el funk justo para mantener al oyente en la onda - y es todo onda: suave, lento y resbaladizo. Temas como "'Deed I Do" mantiene el blues firmemente agarrado mientras Scott extrapola los cambios con una sutil pero definida invención armónica. No hay nada sorprendente aquí, pero no se pretendía que lo hubiera. Estos discos fueron diseñados para la sensación de la noche después del club, y funcionan de esa manera. Al igual que las baladas de Ben Webster o With Strings, estas grabaciones son bandas sonoras para las citas de medianoche o para los encuentros con la persona amada a primera hora de la mañana. Una reedición de Fantasy "two-fer" añadió otro LP de 1960, The Shirley Scott Trio, publicado como Moodsville 5. También cuenta con el talento del bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill, además de dos cortes con Scott tocando el piano].

Shirley Scott with Latin Jazz Quintet • Mucho, Mucho

An excellent album that mixes Latin grooves with heavy Hammond organ -- one of the most unique albums ever recorded by the great Shirley Scott! The session features Shirley's organ backed up by the Latin Jazz Quintet of Juan Amalbert-- a very hip combo that blends together piano, vibes, and percussion -- all with a highly rhythmic approach that really drives the album! The blend of organ and Latin modes was quite unique for the time -- and still sounds pretty darn great today -- and titles include "Mucho Mucho", "Muy Azul", "Tell Me", "The Lady Is A Tramp", and a nice long Latin version of "Walkin". [Dusty Groove]

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Un excelente álbum que mezcla ritmos latinos con el pesado órgano Hammond... ¡uno de los álbumes más singulares jamás grabado por la gran Shirley Scott! La sesión presenta el órgano de Shirley respaldado por el Quinteto de Jazz Latino de Juan Amalbert - un combo muy moderno que combina el piano, las vibraciones y la percusión - todo con un enfoque muy rítmico que realmente impulsa el álbum! La mezcla de los modos de órgano y latín era bastante única para la época -- y todavía suena bastante bien hoy -- y los títulos incluyen "Mucho Mucho", "Muy Azul", "Tell Me", "The Lady Is A Tramp", y una bonita versión larga en latín de "Walkin". [Dusty Groove]

Shirley Scott • Talkin' Verve

Review by Steve Leggett

Although she freely offered Jimmy Smith as her main influence, Philadelphia's Shirley Scott brought her own mixture of sophistication and soul jazz funk to her Hammond B-3 recordings. Less blues-based than Smith, she had a softer tone and tackled a wider range of material, although, like Smith, she was arguably at her best in the trio setting. This set brings together some key tracks from the Impulse and Cadet labels, including the soft and smooth "Taj Mahal," a pair of fine trio outings, "Blue Bongo" and "On the Trail," and she even makes John Fogerty's "Proud Mary" sound like it was written for the B-3.

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Review by Steve Leggett

Although she freely offered Jimmy Smith as her main influence, Philadelphia's Shirley Scott brought her own mixture of sophistication and soul jazz funk to her Hammond B-3 recordings. Less blues-based than Smith, she had a softer tone and tackled a wider range of material, although, like Smith, she was arguably at her best in the trio setting. This set brings together some key tracks from the Impulse and Cadet labels, including the soft and smooth "Taj Mahal," a pair of fine trio outings, "Blue Bongo" and "On the Trail," and she even makes John Fogerty's "Proud Mary" sound like it was written for the B-3.

Stanley Turrentine ‎• Let It Go

Review by Stephen Cook

For fans ready to graduate from Stanley Turrentine's many fine Blue Note sets, this excellent mid-'60s date on Impulse should be the perfect option. Joined by then-wife Shirley Scott on organ, Turrentine revels in a fine array of medium cookers, three of which came from his own pen. The covers are just as impressive, including a clutch of late-night blues and ballads from the standards canon ("Time After Time") and the Ellington ("The Feeling of Jazz") and Basie catalogs ("Sent for You Yesterday"). And making it all swing in the pocket, Turrentine and Scott get top-drawer support from bassists Ron Carter and Bob Cranshaw and drummers Mack Simpkins and Otis Finch. Enjoy.

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Reseña de Stephen Cook

Para los fanáticos listos para graduarse de los muchos y finos sets de Blue Note de Stanley Turrentine, esta excelente cita de mediados de los 60 en Impulse debería ser la opción perfecta. Acompañado por su entonces esposa Shirley Scott en el órgano, Turrentine se deleita con una fina selección de cocinas medianas, tres de las cuales vinieron de su propia pluma. Las portadas son igual de impresionantes, incluyendo un puñado de blues nocturno y baladas del canon de los estándares ("Time After Time") y los catálogos de Ellington ("The Feeling of Jazz") y Basie ("Sent for You Yesterday"). Y haciendo que todo se balancee en el bolsillo, Turrentine y Scott reciben el apoyo de los bajistas Ron Carter y Bob Cranshaw y los bateristas Mack Simpkins y Otis Finch. Disfrútenlo. 

 

 

 

Shirley Scott ‎• Soul Song

Review by Scott Yanow
Organist Shirley Scott's first of three Atlantic LPs (all are very difficult to find these days) was her last recording with her husband, tenor saxophonist Stanley Turrentine, who would soon gain great fame along with a divorce. Although Scott plays well enough and the supporting cast (which includes guitarist Eric Gale) is funky, the material is quite erratic, including Ray Stevens' "Mr. Businessman," "Like a Lover" (which has a rare vocal by the organist), and "Blowin' in the Wind." This collector's item has its interesting moments, but it is one of Shirley Scott's less significant dates.

 

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Reseña de Scott Yanow
El primero de los tres LPs de Atlantic de la organista Shirley Scott (todos son muy difíciles de encontrar hoy en día) fue su última grabación con su marido, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, que pronto ganaría gran fama junto con un divorcio. Aunque Scott toca bastante bien y el elenco de apoyo (que incluye al guitarrista Eric Gale) es funky, el material es bastante errático, incluyendo "Mr. Businessman" de Ray Stevens, "Like a Lover" (que tiene una rara voz del organista) y "Blowin' in the Wind". Esta pieza de coleccionista tiene sus momentos interesantes, pero es una de las fechas menos significativas de Shirley Scott.

VA • Night Sounds - The Genesis Of Soul-Jazz Organ Combos [1956-1962]

 

Editorial Reviews

The most detailed CD exploration yet into the early 1960s rise of Jazz organists featuring the greatest exponents of the genre: Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Brother Jack McDuff, Booker T and many others. Includes the defining hits like "Walk On The Wild Side", "I Got A Woman" and of course "Green Onion". One of the greatest things about this most popular sub-genre of jazz is how fresh most of the records still sound over fifty years after they were recorded. Many of these songs were covered by British bands during the blues boom and the genre was an important element in the emerging Mod movement.

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Reseñas editoriales

La exploración más detallada de CD hasta ahora en el auge a principios de los años 60 de los organistas de Jazz con los más grandes exponentes del género: Jimmy Smith, Jimmy McGriff, el hermano Jack McDuff, Booker T y muchos otros. Incluye los éxitos definitorios como "Walk On The Wild Side", "I Got A Woman" y, por supuesto, "Green Onion". Una de las mejores cosas de este subgénero más popular del jazz es la frescura con la que la mayoría de los discos todavía suenan más de cincuenta años después de haber sido grabados. Muchas de estas canciones fueron interpretadas por bandas británicas durante el boom del blues y el género fue un elemento importante en el emergente movimiento Mod.

Jimmy Smith, Bill Doggett, Hank Marr, Larry Young, Brother Jack McDuff, Richard ''Groove'' Holmes, Shirley Scott,  Lou Donaldson, Baby Face Willette, Booker T. & The MG's ...

Jimmy Forrest • Heart Of The Forrest

 

Biography:

A fine all-round tenor player, Jimmy Forrest is best-known for recording "Night Train," a song that he "borrowed" from the last part of Duke Ellington's "Happy Go Lucky Local." While in high school in St. Louis, Forrest worked with pianist Eddie Johnson, the legendary Fate Marable, and the Jeter-Pillars Orchestra. In 1938, he went on the road with Don Albert and then was with Jay McShann's Orchestra (1940-1942). In New York, Forrest played with Andy Kirk (1942-1948) and Duke Ellington (1949) before returning to St. Louis. After recording "Night Train," Forrest became a popular attraction and recorded a series of jazz-oriented R&B singles. Among his most important later associations were with Harry "Sweets" Edison (1958-1963), Count Basie's Orchestra (1972-1977), and Al Grey, with whom he co-led a quintet until his death. Forrest recorded for United (reissued by Delmark), Prestige/New Jazz (1960-1962), and Palo Alto (1978).

by Scott Yanow

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Biografía:

Jimmy Forrest es conocido por haber grabado "Night Train", una canción que tomó prestada de la última parte de "Happy Go Lucky Local" de Duke Ellington. Mientras estaba en el instituto en St. Louis, Forrest trabajó con el pianista Eddie Johnson, la legendaria Fate Marable, y la Jeter-Pillars Orchestra. En 1938, se fue de gira con Don Albert y luego estuvo con la Orquesta de Jay McShann (1940-1942). En Nueva York, Forrest tocó con Andy Kirk (1942-1948) y Duke Ellington (1949) antes de regresar a St. Después de grabar "Night Train", Forrest se convirtió en una atracción popular y grabó una serie de singles de R&B orientados al jazz. Entre sus asociaciones posteriores más importantes se encuentran con Harry "Sweets" Edison (1958-1963), la Orquesta del Conde Basie (1972-1977) y Al Grey, con quien dirigió un quinteto hasta su muerte. Forrest grabó para United (reeditado por Delmark), Prestige/New Jazz (1960-1962) y Palo Alto (1978).

por Scott Yanow

Shirley Scott • Queen Of The Organ

Review

This CD reissue brings back all of the music previously put out on the two-LP set The Great Live Sessions with the exception of one number ("Shirley's Shuffle") left out due to lack of space; with over 70 minutes of music, one cannot complain too much about the omission. Overall, this is a pretty definitive live set featuring organist Shirley Scott, tenor saxophonist Stanley Turrentine, bassist Bob Cranshaw and drummer Otis "Candy" Finch, one of the great soul-jazz combos of the 1960s. In addition to a swinging "Just In Time" and Duke Ellington's "Squeeze Me, But Please Don't Tease Me," the set mostly features obscurities and originals, plus a surprisingly effective version of the Beatles' "Can't Buy Me Love." The musicians sound quite heated and consistently inspired. Highly recommended.

by Scott Yanow

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Reseña:

Esta reedición del CD trae de vuelta toda la música previamente puesta en el set de dos-LP The Great Live Sessions con la excepción de un número ("Shirley's Shuffle") dejado fuera por falta de espacio; con más de 70 minutos de música, uno no puede quejarse demasiado de la omisión. En general, este es un set en vivo bastante definitivo con la organista Shirley Scott, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Otis "Candy" Finch, uno de los grandes combos de soul-jazz de los años 60. Además de un swing "Just In Time" y "Squeeze Me, But Please Don't Tease Me" de Duke Ellington, el conjunto presenta sobre todo oscuridades y originales, además de una versión sorprendentemente efectiva de "Can't Buy Me Love" de los Beatles. Los músicos suenan muy acalorados y consistentemente inspirados. Altamente recomendado.

por Scott Yanow

Shirley Scott • Everybody Loves A Lover

 

Shirley Scott began playing piano and trumpet in her native Philadelphia. By the mid 1950s, she was playing piano in the city's thriving club scene - often with the very young John Coltrane. A club owner needed her to fill in on organ one night and the young Shirley took to it immediately, crafting a swinging, signature sound unlike anyone else almost from the get go.

On a swing through town, Basie tenor man Eddie “Lockjaw” Davis (1922-86) heard Scott and asked her to join his band. They recorded prolifically together - as co-leaders - and released a hugely popular series of “Cookbook” records for Prestige during the late 1950s.

Shirley launched her solo career in 1958, recording 23 albums for Prestige (1958-64), 10 for Impulse (1963-68), three for Atlantic (1968-70), three for Cadet (1971-73), one in 1974 for Strata East, two for Muse (1989-91) and three for Candid (1991-92).

She was married to the late, great tenor sax player Stanley Turrentine (1961-71) and the two made some of their finest music - together - for the Blue Note, Prestige, Impulse and Atlantic labels.

Her playing consistently possessed one of the most graceful and lyrical touches applied to the bulky B-3. But it was her deeply-felt understanding of the blues and gospel that made her playing most remarkable.

Shirley Scott resided in Philadelphia up until her death in early 2002. She occasionally performed locally (on piano, mostly) and was musical director of Bill Cosby's short-lived 1992 show You Bet Your Life

. She successfully won a multi-million dollar lawsuit against a diet-drug company in 2000 and had not performed in public for about five years before her untimely death in early 2002.

https://musicians.allaboutjazz.com/shirleyscott

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Shirley Scott comenzó a tocar el piano y la trompeta en su Filadelfia natal. A mediados de la década de 1950, ya tocaba el piano en los prósperos clubes de la ciudad, a menudo con el joven John Coltrane. Una noche, el dueño de un club necesitó que ella reemplazara el órgano y la joven Shirley se puso manos a la obra de inmediato, creando un sonido de swinging y firma como ningún otro, casi desde el primer momento.

En un swing a través de la ciudad, el tenor Eddie "Lockjaw" Davis (1922-86) escuchó a Scott y le pidió que se uniera a su banda. Grabaron juntos, como co-líderes, y publicaron una serie muy popular de discos "Cookbook" para Prestige a finales de la década de 1950.

Shirley inició su carrera en solitario en 1958, grabando 23 álbumes para Prestige (1958-64), 10 para Impulse (1963-68), tres para Atlantic (1968-70), tres para Cadet (1971-73), uno en 1974 para Strata East, dos para Muse (1989-91) y tres para Candid (1991-92).

Se casó con el fallecido y gran saxofonista Stanley Turrentine (1961-71) y los dos hicieron algunas de sus mejores músicas -juntos- para los sellos Blue Note, Prestige, Impulse y Atlantic.

Su forma de tocar poseía uno de los toques más elegantes y líricos aplicados al voluminoso B-3. Pero fue su profunda comprensión del blues y del gospel lo que la hizo tocar de manera más notable.

Shirley Scott residió en Filadelfia hasta su muerte a principios de 2002. Ocasionalmente actuó localmente (sobre todo al piano) y fue directora musical del corto show de Bill Cosby en 1992 You Bet Your Life.

. Ella ganó con éxito una demanda multimillonaria contra una compañía de medicamentos dietéticos en el año 2000 y no había actuado en público durante unos cinco años antes de su prematura muerte a principios de 2002.

https://musicians.allaboutjazz.com/shirleyscott