Vince Guaraldi • Winter Moods

 

B3 Kings • Laughing All The Way

 

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Brian Setzer Orchestra • Dig That Crazy Christmas

Biography:

Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and style back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice, first as the leader of the Stray Cats, the trio that brought rockabilly back into the charts during the '80s, then he helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s -- that's when rockabilly was born but also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, music by Louis Prima and Big Joe Turner -- and while the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had.

Those idols -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, but as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter also being a running mate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," it was a hit, but its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Next up was another reunion with the Stray Cats, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; then they returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final record recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200 and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and he ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal albums in his discography) to swinging covers of classical compositions, most released on SurfDog Records. At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November of 2017.

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Biografía:

Cada década tiene su propia manía retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y el estilo clásico. Brian Setzer realizó este truco no sólo una vez sino dos veces, primero como líder de los Stray Cats, el trío que trajo el rockabilly de vuelta a las listas de éxitos durante los'80, y luego ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los'90 con la Brian Setzer Orchestra. Ambos sonidos se basaron en los años 50, cuando nació el rockabilly, pero también en el apogeo del blues de salto que tanto le gustaba a Setzer, la música de Louis Prima y Big Joe Turner, y mientras que los Stray Cats eran puristas en cierto modo, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, cuando un solo acto de Setzer acabó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo de swinging. Con este sonido de salto, cultivó un seguimiento leal -que consistía en no pocos discípulos de los últimos días- que se extendió hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la larga y exitosa carrera que muchos de sus ídolos nunca tuvieron.

Esos ídolos -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- ocupan un lugar importante en la obra de Setzer, pero cuando era niño y crecía en Long Island se enamoró inicialmente del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el eufonio y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que le llevó por el camino del rockabilly. Recogiendo una guitarra, formó los Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, siendo este último también compañero de fórmula de Brian en los Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su pasión por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que evolucionaron hasta convertirse en los Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom entraron en la alineación a finales de 1979.

Al sentir que Estados Unidos no estaba preparado para su rock & roll, los Stray Cats partieron a Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. A los pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds -que por casualidad apareció en la película That'll Be the Day de 1973, tocando en una banda llamada Stray Cats- y él los tomó bajo su ala, produciendo su debut con el mismo nombre en 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", fue un éxito, pero su secuela de 1982, Gonna Ball, no lo hizo tan bien, pero lo más destacado de los dos LPs fue seleccionado para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos mencionados, que ambos recibieron un gran éxito en MTV, Built for Speed convirtió a los Stray Cats en estrellas en Estados Unidos, allanando el camino para el Rant n Rave de 1983 con los Stray Cats, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17" y otro menor en la forma de "I Won't Stand in Your Way" (No me interpondré en tu camino).

El éxito llegó a los Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como sideman para una variedad de rockeros, tocando principalmente en la banda de Robert Plant, los Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con The Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás por casualidad, Setzer regresó al grupo de los Stray Cats ese año para Rock Therapy, un reencuentro que tampoco logró estimular las ventas. Lo siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de los Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Después hubo otra reunión con los Stray Cats, una que duró tres álbumes a lo largo de cuatro años. Primero fue el despegue de 1989, que ellos apoyaron con la apertura de una gira para Stevie Ray Vaughan, pero el récord no llegó a más de 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Impertérritos, se asociaron con Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para el Choo Choo Choo Hot Fish de 1992, un disco final grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Brian Setzer Orchestra, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut con el mismo nombre apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, llegando a 158; luego la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco falló, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un éxito rotundo gracias a una portada de éxito de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima. El single llegó a su punto máximo a los 23 años y el disco llegó a nueve en el Billboard 200 y si Setzer nunca escaló esas alturas de nuevo - la continuación del 2000, Vavoom!, llegó a los 62 - sin embargo encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big-band en el nuevo milenio, desde una serie de álbumes navideños (hay por lo menos cinco álbumes de temporada en su discografía) hasta portadas de composiciones clásicas, la mayoría de las cuales fueron lanzadas en SurfDog Records. A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con el Nitro Burnin' Funny Daddy de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records en 2005, y extendiéndose hasta el Rockabilly Riot de 2014. Todo original. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Brian Setzer Orchestra con el lanzamiento de 25 Live! en noviembre de 2017, una edición limitada de los discos "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock".

  briansetzer.com ...

 

Bobby Timmons • Holiday Soul

Biography

Bobby Timmons came out of Philadelphia at age 19, with a funky gospel tinged piano style, flavored with blues and hard bop. He would, in a recording career that would only span a short time frame, contribute to some of the best recordings on the legendary Blue Note sessions of the ’50’s , and be a member of two of the premier bands of that time, Art Blakey and the Jazz Messengers, and the Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons was born in Philadelphia in 1935, raised by his grandfather who was a minister in a church. The young Timmons began formal piano lessons at age six, and was the organist at his grandfathers’ church. This early formative period would certainly be a factor in his piano approach. He was be able to innovate and improvise on his gospel foundations and brought them into jazz. He had the lyricism of a Bud Powell in his solos, (who didn’t in the 50’s) combined with a very dominant left hand which was reminiscent of the stride and boogie players, but it was his sense of that down home chording and timing that really identified him.

His musical resume for the period between 1956 and 1969 is very impressive. He was with Kenny Dorham and the Jazz Prophets in 1956, which also included Kenny Burrell on guitar. In the years ’56 through ’57 he was with Chet Baker. The year 1957 would be a very productive and busy one as he worked and recorded with Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan, and Curtis Fuller. In the same year and into ’58 was in Maynard Fergusons’ band, and also did session dates with Art Pepper and Kenny Burrell. He took over the piano chair in Art Blakey and the Jazz Messengers in 1958 at the age of 23. It was in period, that he wrote the classic “Moanin”, that would be a defining tune for that band, and one of his signature tunes throughout his career. He jumped over to the Cannonball Adderley Quintet in ’59 where he then wrote two big hits for them in “Dis Here” and “Dat Dere”. He stayed with Addelry into ’60 then rejoined the Messengers.

He stayed with the Messengers into ’61 then he began a solo career and worked with a trio format for a lot of his own recordings which continued up to 1969. Also in ’60 he did a lot of work with Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan, and Johnny Griffin. His output was amazing for the time, as it seems in looking at the chronological order of dates, he must have been constantly in the studio, this not counting the live dates on the road. His work is available on the Blue Note, Prestige, and Riverside labels, and many others as reissues and compilations. Quite an achievement by any standard! During the mid 60’s he would continue as leader of his own band and recording trios, and produced an extensive body of work in that period alone. He was able to find work in the smaller venues and clubs into the early ‘70’s where he was still in demand. His piano style would go on to influence Les McCann and Ramsey Lewis, and certainly a lot of the players in the ‘70’s with what would later be called funky or soul fused variations.

Bobby Timmons died of liver ailments in New York in 1974, at the age of 38.

Though many would be led to believe that he was just another tragic figure in the annals of jazz, I don’t adhere to that line of thought, and measure and admire the man for his sheer volume of work, his participation and contribution with two of the best ensembles, and his influence, to whatever degree in jazz piano.
Source: James Nadal

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Biografía
Bobby Timmons salió de Filadelfia a la edad de 19 años, con un estilo de piano teñido de gospel funky, con sabor a blues y hard bop. En una carrera discográfica que duraría poco tiempo, contribuiría a algunas de las mejores grabaciones de las legendarias sesiones de Blue Note de los años 50 y sería miembro de dos de las principales bandas de la época, Art Blakey y los Jazz Messengers, y el Cannonball Adderley Quintet.

Robert Henry Timmons nació en Filadelfia en 1935, criado por su abuelo, que era ministro en una iglesia. El joven Timmons comenzó a recibir clases formales de piano a la edad de seis años, y fue organista en la iglesia de sus abuelos. Este período formativo temprano sería sin duda un factor en su enfoque pianístico. Fue capaz de innovar e improvisar sobre sus fundamentos evangélicos y los introdujo en el jazz. Tenía el lirismo de un Bud Powell en sus solos, (que no lo hizo en los años 50) combinado con una mano izquierda muy dominante que le recordaba a los jugadores de zancadas y boogies, pero fue su sentido de los acordes y el tiempo en casa lo que realmente lo identificó.

Su currículum musical para el período comprendido entre 1956 y 1969 es muy impresionante. Estuvo con Kenny Dorham y los Jazz Prophets en 1956, que también incluyó a Kenny Burrell en la guitarra. En los años'56 a'57 estuvo con Chet Baker. El año 1957 sería un año muy productivo y ocupado ya que trabajó y grabó con Hank Mobely, Sonny Stitt, Lee Morgan y Curtis Fuller. En el mismo año y dentro del'58 estuvo en la banda de Maynard Fergusons, y también hizo citas de sesión con Art Pepper y Kenny Burrell. Se hizo cargo de la silla de piano de Art Blakey y los Jazz Messengers en 1958 a la edad de 23. Fue en esa época cuando escribió el clásico "Moanin", que sería una melodía definitoria para esa banda, y una de sus melodías favoritas a lo largo de su carrera. Saltó al Quinteto Cannonball Adderley en '59 donde escribió dos grandes éxitos para ellos en "Dis Here" y "Dat Dere". Se quedó con Addelry en '60 y luego se reunió con los Mensajeros.

Permaneció con los Mensajeros en el'61, luego comenzó una carrera en solitario y trabajó con un formato de trío para muchas de sus propias grabaciones, que continuaron hasta 1969. También en '60 trabajó mucho con Nat Adderly, Arnet Cobb, The Young Lions, Lee Morgan y Johnny Griffin. Su producción fue asombrosa para la época, ya que parece que mirando el orden cronológico de las fechas, debe haber estado constantemente en el estudio, esto sin contar las fechas en vivo en la carretera. Su trabajo está disponible en los sellos Blue Note, Prestige y Riverside, y muchos otros como reediciones y compilaciones. Todo un logro para cualquier estándar! A mediados de los 60's continuaría como líder de su propia banda y tríos de grabación, y produjo un extenso cuerpo de trabajo sólo en ese período. Pudo encontrar trabajo en los locales y clubes más pequeños a principios de los años 70, donde todavía tenía mucha demanda. Su estilo de piano seguiría influenciando a Les McCann y Ramsey Lewis, y ciertamente a muchos de los músicos de los años 70 con lo que más tarde se llamaría variaciones funky o soul fused.

Bobby Timmons murió de dolencias hepáticas en Nueva York en 1974, a la edad de 38 años.

Aunque muchos podrían creer que es una figura trágica más en los anales del jazz, no me adhiero a esa línea de pensamiento, y mido y admiro al hombre por su gran volumen de trabajo, su participación y contribución con dos de los mejores conjuntos, y su influencia, sea cual sea su grado en el piano de jazz.
James Nadal

Tommy Emmanuel • Live Chritsmas Time

 

Biography by Jonathan Widran
Tommy Emmanuel, four-time winner of Australia's Best Guitarist Award, has helped bring the art of rock guitar down under to a higher awareness by bringing a sense of jazz improvisation into a mix that also includes blues, country, rock, classical, and Spanish music. After years as a popular sideman and ace songwriter, the two-time ARIA Award winner launched his solo career in 1988 with Up from Down Under. Several releases followed, notably 1993's critically acclaimed The Journey, which hit high on Gavin and Radio & Records NAC airplay charts. He has shown a mastery and affinity for both electric and acoustic axes, and has been singled out by the likes of notable musicians such as Chet Atkins -- with whom he recorded The Day Finger Pickers Took Over the World in 1997 -- and Todd Rundgren, who called him an innovator on the instrument. Only appeared in 2001, followed by 2002's Endless Road (it was finally released in the U.S. three years later), 2005's Live One, and, in 2006, both Happy Hour (with Jim Nichols) and Mystery.

Although Emmanuel took a brief hiatus from the music industry at the end of 2007 for health reasons, that October he recorded all three nights of a residency at the Sierra Nevada Brewery in Chico, California. These recordings made up Center Stage, an acclaimed double-disc live set released in 2008. Equally well received was 2010's Little by Little, a comeback of sorts in the form of a double-studio album featuring a tasteful rendition of Carole King's "Tapestry." Arriving in 2011, All I Want for Christmas nodded in places to John Fahey's classic festive recordings, while 2013's The Colonel & the Governor saw him team up with the equally talented English guitarist Martin Taylor.

Two years later, he delivered the solo studio date It's Never Too Late on Sony, followed by 2016's holiday-themed Christmas Memories. Accomplice One, released in late 2017 on Thirty Tigers, was a landmark set. Emmanuel appeared with one of the best and widest-ranging lineups of string players and featured performers of his career, including Jason Isbell, Mark Knopfler, Rodney Crowell, Ricky Skaggs, David Grisman, Suzy Bogguss, and Jake Shimabukuro. In 2019, he paired with fellow guitarist John Knowles for Heart Songs. 2020's retrospective The Best of Tommysongs was a double-album of career highlights as well as five new songs written for the collection.
https://www.allmusic.com/artist/tommy-emmanuel-mn0000816932/biography

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Biografía de Jonathan Widran
Tommy Emmanuel, cuatro veces ganador del Premio al Mejor Guitarrista de Australia, ha ayudado a que el arte de la guitarra rock se conozca mejor al aportar un sentido de improvisación de jazz en una mezcla que también incluye blues, country, rock, música clásica y española. Después de años como un popular sideman y un as de la canción, el dos veces ganador del Premio ARIA lanzó su carrera en solitario en 1988 con Up from Down Under. Siguieron varios lanzamientos, entre los que destaca el aclamado por la crítica en 1993 The Journey, que tuvo un gran éxito en las listas de éxitos de Gavin y Radio & Records NAC. Ha demostrado su maestría y afinidad con los ejes eléctricos y acústicos, y ha sido destacado por músicos notables como Chet Atkins -con quien grabó The Day Finger Pickers Took Over the World en 1997- y Todd Rundgren, quien lo llamó innovador en el instrumento. Sólo apareció en 2001, seguido de Endless Road en 2002 (finalmente fue lanzado en los EE.UU. tres años más tarde), Live One en 2005, y en 2006, tanto Happy Hour (con Jim Nichols) como Mystery.

Aunque Emmanuel hizo una breve pausa en la industria musical a finales de 2007 por motivos de salud, ese octubre grabó las tres noches de residencia en la Cervecería Sierra Nevada en Chico, California. Estas grabaciones formaron parte de Center Stage, un aclamado set de doble disco en vivo lanzado en 2008. Igualmente bien recibido fue el "Little by Little" de 2010, una especie de regreso en forma de álbum de doble estudio con una sabrosa interpretación de "Tapestry" de Carole King. Al llegar en 2011, All I Want for Christmas asintió en algunos lugares a las clásicas grabaciones navideñas de John Fahey, mientras que en 2013 The Colonel & the Governor lo vio asociarse con el igualmente talentoso guitarrista inglés Martin Taylor.

Dos años después, entregó la fecha de estudio en solitario It's Never Toote en Sony, seguida de la fecha de 2016 de Memorias de Navidad con temática navideña. Accomplice One, lanzado a finales de 2017 en Thirty Tigers, fue un conjunto histórico. Emmanuel apareció con una de las mejores y más amplias alineaciones de jugadores de cuerda y presentó a los artistas de su carrera, incluyendo a Jason Isbell, Mark Knopfler, Rodney Crowell, Ricky Skaggs, David Grisman, Suzy Bogguss y Jake Shimabukuro. En 2019, se emparejó con su colega guitarrista John Knowles para Heart Songs. La retrospectiva de 2020, The Best of Tommysongs, fue un doble álbum de lo más destacado de su carrera, así como cinco nuevas canciones escritas para la colección.
https://www.allmusic.com/artist/tommy-emmanuel-mn0000816932/biography


tommyemmanuel.com

 

Vibraphonic • A Vibraphonic Christmas

 

VA • A Christmas Gift for You from Phil Spector

 

A Christmas Gift for You from Phil Spector is a landmark 1963 compilation album by various artists (VA) on Philles Records featuring Darlene Love, The Ronettes, The Crystals, and Bob B. Soxx & the Blue Jeans, showcasing Phil Spector's signature "Wall of Sound" production on classic Christmas songs, becoming a perennial holiday favorite known for hits like "Christmas (Baby Please Come Home)"

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A Christmas Gift for You from Phil Spector es un álbum recopilatorio histórico de 1963 de varios artistas (VA) publicado por Philles Records, en el que participan Darlene Love, The Ronettes, The Crystals y Bob B. Soxx & the Blue Jeans, y que muestra la producción característica de Phil Spector, conocida como «Wall of Sound», en canciones navideñas clásicas, convirtiéndose en un favorito perenne de las fiestas, conocido por éxitos como «Christmas (Baby Please Come Home)».

Arthur Lyman • Mele Kalikimaka

 

During the 1950's and early 60's, "exotica" carved out a significant niche in the genre we think of now as lounge music. Characterized by dark and moody melodies, unusual instrumentation, and a fascination with all things Polynesian, exotica was dominated by the troika of Martin Denny, Les Baxter, and Arthur Lyman. Among those three, only Lyman recorded a Christmas album. Called Mele Kalikimaka (Merry Christmas), the record was released in 1963 on a little label called Hi Fi under their "Life" imprint, and it's exactly what one would hope for and expect. Lyman deploys his trademark vibes and marimba, plus Hawaiian axes (ukulele, steel guitar) and (in a later version) colorful sound effects (shrieking macaws, rolling surf), in creating a genuinely exotic album - one that sensuously evokes Christmas in America's lovely 50th state.
Of course, this was a reality that existed only in Lyman's head (and, perhaps, in the Trader Vic's restaurants that sprung up during the exotica craze). But, that's the beauty of exotica. Through this ephemeral music, swingers all over the globe experienced things they might never witness first-hand - savage tribal dances, snowy peaks in the Andes, the moon over Bali. In the case of Mele Kalikimaka, Lyman imports reindeer, evergreens, and jolly old elves into a lush tropical paradise, and somehow made it all make sense.
Arthur Lyman An Hawaiian native, Arthur Lyman got his first big break when Martin Denny hired him in 1951. On his own, Lyman released dozens of LP's (see Varese's Very Best of Arthur Lyman for highlights), first succeeding with Taboo (1959) and peaking on Yellow Bird (1961). When Mele Kalikimaka was released a couple of years later, the popularity of exotica was waning, and Lyman was covering familiar turf, musically speaking. He interprets well-known holiday standards in his now-familiar style, but that doesn't mean the album isn't a delight. Among the highlights: Arthur and his band recreating "Winter Wonderland" in full-on exotic mode, or giving "Rudolph The Red-Nosed Reindeer" the Latin treatment. And, their quirky "Sleigh Ride" resembles space-age pop icon Esquivel, minus his notoriously extreme dynamics. In general, Mele Kalikimaka adheres to the standard to which all Christmas albums should aspire - it's an excellent example of the artist (Lyman) and the genre (exotica), in addition to being a wonderful celebration of the season.
Not surprisingly, though, the highest points on Mele Kalikimaka occur during the two least traditional numbers. The first is Lyman's quiet, faithful rendition of calypso singer Harry Belafonte's 1956 holiday hit, "Mary's Boy Child" - truly, a match made in heaven. Then, on the title cut, Lyman combines his patented sound with his wry sense of humor, segueing from a lush, exotic introduction into a bouncy vocal arrangement of "the Hawaiian Christmas song" before concluding with a frenzied, mallet-driven workout. "Mele Kalikimaka," it's worth noting, is hardly a traditional island song. Rather, it's a modern composition by Hawaiian-born R. Alex Anderson, first recorded (to the best of my knowledge) by Bing Crosby and the Andrew Sisters in 1950. That makes it the perfect Lyman vehicle - exotic a
Mele Kalikimaka (Merry Christmas) was first reissued on CD as With A Christmas Vibe (Rykodisc, 1996) during the height of the lounge music revival. Though brilliantly mastered, the album was remixed, including some kitschy tropical sound effects - fun, but not very faithful to Lyman's vision. Featuring a sexy model on the cover, the package was generously annotated with Hawaiian history and pictures - even recipes - but barely a scrap of information about Lyman or the original album.
Ten years later, Empire Musicwerks released a more faithful version, including restored cover art (sans the original LP's shiny, foil-wrapped paperboard). Amazingly, the CD seems to have been mastered from vinyl - surface noise, pops, and clicks are clearly audible. No explanation is given, though the liner notes take pains to mention the legendary quality of Lyman's stereo LP's. To my ears, however, the Rykodisc remix (With A Christmas Vibe) sounds better. This time, at least, Empire includes a gushing essay about Lyman and his legacy, but still nary a word about Mele Kalikimaka itself. Odd.  http://www.hipchristmas.com/artists/l/lyman.php

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Traducción Automática:

Durante la década de 1950 y principios de la década de los 60, la "exótica" hizo un nicho importante en el género que ahora consideramos música de salón. Caracterizada por melodías oscuras y caprichosas, una instrumentación inusual y una fascinación por todo lo polinesio, la exótica estaba dominada por la troika de Martin Denny, Les Baxter y Arthur Lyman. Entre esos tres, solo Lyman grabó un álbum navideño. Llamada Mele Kalikimaka (Feliz Navidad), el disco fue lanzado en 1963 en una pequeña etiqueta llamada Hi Fi bajo su sello "Life", y es exactamente lo que uno esperaría y esperaría. Lyman despliega su vibra y marimba de marca registrada, además de hachas hawaianas (ukelele, guitarra de acero) y (en una versión posterior) efectos de sonido coloridos (chillidos de guacamayos, balanceo del surf), en la creación de un álbum genuinamente exótico, uno que evoca sensualmente la Navidad en el encantador país. 50º estado.
Por supuesto, esta era una realidad que solo existía en la cabeza de Lyman (y, quizás, en los restaurantes del Trader Vic que surgieron durante la locura exótica). Pero, esa es la belleza de lo exótico. A través de esta música efímera, los swingers de todo el mundo experimentaron cosas que nunca podrían presenciar de primera mano: danzas tribales salvajes, picos nevados en los Andes, la luna sobre Bali. En el caso de Mele Kalikimaka, Lyman importa renos, árboles de hoja perenne y viejos duendes a un exuberante paraíso tropical, y de alguna manera hizo que todo tuviera sentido.
Arthur Lyman Arthur Lyman, nativo de Hawai, obtuvo su primera gran oportunidad cuando Martin Denny lo contrató en 1951. Lyman lanzó decenas de LPs (ver "Lo Mejor de Arthur Lyman de Varese para detalles destacados), primero con Taboo (1959) y Pico en Yellow Bird (1961). Cuando Mele Kalikimaka fue liberada un par de años después, la popularidad de la exótica estaba disminuyendo, y Lyman estaba cubriendo el terreno familiar, musicalmente hablando. Interpreta los estándares navideños conocidos en su estilo ahora familiar, pero eso no significa que el álbum no sea una delicia. Entre los aspectos más destacados, Arthur y su banda recrean "Winter Wonderland" en modo exótico, o le dan a "Rudolph The Red-Nosed Reindeer" el tratamiento latino. Y, su peculiar "Paseo en trineo" se asemeja al ícono del pop de la era espacial Esquivel, menos su dinámica notoriamente extrema. En general, Mele Kalikimaka se adhiere al estándar al que deben aspirar todos los álbumes de Navidad: es un excelente ejemplo del artista (Lyman) y el género (exótico), además de ser una maravillosa celebración de la temporada.
Sin embargo, no es sorprendente que los puntos más altos en Mele Kalikimaka ocurran durante los dos números menos tradicionales. La primera es la interpretación tranquila y fiel de Lyman del éxito navideño de 1956 del cantante de calypso Harry Belafonte, "Mary's Boy Child": verdaderamente, un partido hecho en el cielo. Luego, en el corte del título, Lyman combina su sonido patentado con su irónico sentido del humor, pasando de una exuberante y exótica introducción a un arreglo vocal animoso de "la canción de la Navidad de Hawai" antes de concluir con un frenético entrenamiento dirigido por un mazo. "Mele Kalikimaka", vale la pena señalar, no es una canción tradicional de la isla. Más bien, es una composición moderna de R. Alex Anderson, nacido en Hawai, grabada por primera vez (por lo que sé) por Bing Crosby y las Hermanas Andrew en 1950. Eso lo convierte en el vehículo perfecto de Lyman.
Mele Kalikimaka (Feliz Navidad) se reeditó por primera vez en un CD con With A Christmas Vibe (Rykodisc, 1996) durante el apogeo del renacimiento de la música lounge. Aunque fue brillantemente dominado, el álbum fue remezclado, incluyendo algunos efectos de sonido tropical kitsch - divertido, pero no muy fiel a la visión de Lyman. Con un modelo sexy en la portada, el paquete fue anotado generosamente con historia y fotos hawaianas, incluso recetas, pero apenas un fragmento de información sobre Lyman o el álbum original.
Diez años más tarde, Empire Musicwerks lanzó una versión más fiel, incluida la portada restaurada (sin el brillante cartón envuelto en papel de aluminio del LP original). Sorprendentemente, el CD parece haberse masterizado a partir de vinilo: el ruido de la superficie, los chasquidos y los clics son claramente audibles. No se da ninguna explicación, aunque las notas del liner se toman la molestia de mencionar la calidad legendaria de los LP estéreo de Lyman. Para mis oídos, sin embargo, el remix de Rykodisc (With A Christmas Vibe) suena mejor. Esta vez, al menos, el Imperio incluye un ensayo efusivo sobre Lyman y su legado, pero aún así ni una palabra acerca de Mele Kalikimaka. Impar.   http://www.hipchristmas.com/artists/l/lyman.php

VA • 100 Christmas Blues

 

Lightnin' Hopkins,Ray Charles,Mabel Scott,Christmas,Willie Dixon,Freddie King,Brownie McGhee,T-Bone Walker,John Lee Hooker,Junior Wells,Roosevelt Sykes,Lowell Fulson,Jay McShann,Jimmy Witherspoon ...

Jethro Tull • The Jethro Tull Christmas Album

The Jethro Tull Christmas Album is the 21st studio album released by Jethro Tull, on 30 September 2003.

The Jethro Tull Christmas Album is a mix of new material, re-recordings of Tull's own suitably themed material and arrangements of traditional Christmas music. In 2009, the live album Christmas at St Bride's 2008 was included with the original album on CD.

Of the opening song, Birthday Card at Christmas, Ian Anderson has said:

    "My daughter Gael, like millions of other unfortunates, celebrates her birthday within a gnat's whisker of Christmas. Overshadowed by the Great Occasion, such birthdays can be flat, perfunctory and fleetingly token in their uneventful passing. The daunting party and festive celebration of the Christian calendar overshadows too, some might argue, the humble birthday of one Mr. J. Christ. Funny old 25ths, Decembers…"

Biography :

Jethro Tull were a unique phenomenon in popular music history. Their mix of hard rock, folk melodies, blues licks, surreal, impossibly dense lyrics, and overall profundity defied easy analysis, but that didn't dissuade fans from giving them 11 gold and five platinum albums. At the same time, critics rarely took them seriously, and they were off the cutting-edge of popular music by the end of the '70s. But no record store in the country would want to be without multiple copies of each of their most popular albums (Benefit, Aqualung, Thick as a Brick, Living in the Past), or their various best-of compilations, and few would knowingly ignore their newer releases. Of their contemporaries, only Yes could claim a similar degree of success, and Yes had endured several major shifts in sound and membership by the '90s, while Tull remained remarkably stable over the same period. As co-founded and led by wildman/flutist/guitarist/singer/songwriter Ian Anderson, the group carved a place all its own in popular music.

Tull had their roots in the British blues boom of the late '60s. Anderson (b. Aug. 10, 1947, Edinburgh, Scotland) had moved to Blackpool when he was 12. His first band was called the Blades, named after James Bond's club, with Michael Stephens on guitar, Jeffrey Hammond-Hammond (b. July 30, 1946) on bass, and John Evans (b. Mar. 28, 1948) on drums, playing a mix of jazzy blues and soulful dance music on the Northern club circuit. In 1965, they changed their name to the John Evan Band (Evan having dropped the "s" in his name at Hammond's suggestion) and later the John Evan Smash. By the end of 1967, Glenn Cornick (b. Apr. 24, 1947, Barrow-in-Furness, Cumbria, England) had replaced Hammond-Hammond on bass. The group moved to Luton in order to be closer to London, the center of the British blues boom, and the band began to fall apart when Anderson and Cornick met guitarist/singer Mick Abrahams (b. Apr. 7, 1943, Luton, Bedfordshire, England) and drummer Clive Bunker (b. Dec. 12, 1946), who had previously played together in the Toggery Five and were now members of a local blues band called McGregor's Engine.

In December of 1967, the four of them agreed to form a new group. They began playing two shows a week, trying out different names, including Navy Blue and Bag of Blues. One of the names that they used, Jethro Tull, borrowed from an 18th century farmer/inventor, proved popular and memorable, and it stuck. In January of 1968, they cut a rather derivative pop-folk single called "Sunshine Day," released by MGM Records (under the misprinted name Jethro Toe) the following month. The single went nowhere, but the group managed to land a residency at the Marquee Club in London, where they became very popular.

Early on, they had to face a problem of image and configuration, however. In the late spring of 1968, managers Terry Ellis and Chris Wright (who later founded Chrysalis Records) first broached the idea that Anderson give up playing the flute and allow Mick Abrahams to take center stage. At the time, a lot of blues enthusiasts didn't accept wind instruments at all, especially the flute, as seminal to the sound they were looking for, and as a group struggling for success and recognition, Jethro Tull were just a little too strange in that regard. Abrahams was a hardcore blues enthusiast who idolized British blues godfather Alexis Korner, and he was pushing for a more traditional band configuration, which would've put him and his guitar out front. As it turned out, they were both right. Abrahams' blues sensibilities were impeccable, but the audience for British blues by itself couldn't elevate Jethro Tull any higher than being a top club act. Anderson's antics on-stage, jumping around in a ragged overcoat and standing on one leg while playing the flute, and his use of folk sources as well as blues and jazz, gave the band the potential to grab a bigger audience and some much-needed press attention.

They opened for Pink Floyd on June 29, 1968, at the first free rock festival in London's Hyde Park, and in August they were the hit of the Sunbury Jazz & Blues Festival in Sunbury-on-Thames. By the end of the summer, they had a recording contract with Island Records. The resulting album, This Was, was issued in November. By this time, Anderson was the dominant member of the group on-stage, and at the end of the month Abrahams exited the band. The group went through two hastily recruited and rejected replacements, future Black Sabbath guitarist Tony Iommi (who was in Tull for a week, just long enough to show up in their appearance on the Rolling Stones' Rock 'N Roll Circus extravaganza), and Davy O'List, the former guitarist with the Nice. Finally, Martin Barre (b. Nov. 17, 1946), a former architecture student, was the choice for a permanent replacement.

It wasn't until April of 1969 that This Was got a U.S. release. Ironically, the first small wave of American Jethro Tull fans were admiring a group whose sound had already changed radically; in May of 1969, Barre's first recording with the group, "Living in the Past," reached the British number three spot and the group made its debut on Top of the Pops performing the song. The group played a number of festivals that summer, including the Newport Jazz Festival. Their next album, Stand Up, with all of its material (except "Bourée," which was composed by Johann Sebastian Bach) written by Ian Anderson, reached the number one spot in England the next month. Stand Up also contained the first orchestrated track by Tull, "Reasons for Waiting," which featured strings arranged by David Palmer, a Royal Academy of Music graduate and theatrical conductor who had arranged horns on one track from This Was. Palmer would play an increasingly large role in subsequent albums, and finally join the group officially in 1977.

Meanwhile, "Sweet Dream," issued in November, rose to number seven in England, and was the group's first release on Wright and Ellis' newly formed Chrysalis label. Their next single, "The Witch's Promise," got to number four in England in January of 1970. The group's next album, Benefit, marked their last look back at the blues, and also the presence of Anderson's longtime friend and former bandmate John Evan -- who had long since given up the drums in favor of keyboards -- on piano and organ. Benefit reached the number three spot in England, but, much more important, it ascended to number 11 in America, and its songs, including "Teacher" and "Sossity; You're a Woman," formed a key part of Tull's stage repertory. In early July of 1970, the group shared a bill with Jimi Hendrix, B.B. King, and Johnny Winter at the Atlanta Pop Festival in Byron, Georgia, before 200,000 people.

By the following December, after another U.S. tour, Cornick had decided to leave the group, and was replaced on bass by Anderson's childhood friend Jeffrey Hammond-Hammond. Early the following year, they began working on what would prove to be, for many fans, the group's magnum opus, Aqualung. Anderson's writing had been moving in a more serious direction since the group's second album, but it was with Aqualung that he found the lyrical voice he'd been seeking. Suddenly, he was singing about the relationship between man and God, and the manner in which -- in his view -- organized religion separated them. The blues influences were muted almost to nonexistence, but the hard rock passages were searing and the folk influences provided a refreshing contrast. That the album was a unified whole impressed the more serious critics, while the kids were content to play air guitar to Martin Barre's high-speed breaks. And everybody, college prog rock mavens and high-school time-servers alike, seemed to identify with the theme of alienation that lay behind the music.

Aqualung reached number seven in America and number four in England, and was accompanied by a hugely successful American tour. Bunker quit the band to get married, and was replaced by Anderson's old John Evan Smash bandmate Barriemore Barlow (b. Sept. 10, 1949). Late in 1971, they began work on their next album, Thick as a Brick. Structurally more ambitious than Aqualung, and supported by an elaborately designed jacket in the form of a newspaper, this record was essentially one long song steeped in surreal imagery, social commentary, and Anderson's newly solidified image as a wildman-sage. Released in England during April of 1972, Thick as a Brick got as high as the number five spot, but when it came out in America a month later, it hit the number one spot, making it the first Jethro Tull album to achieve greater popularity in America than in England. In June of 1972, in response to steadily rising demand for the group's work, Chrysalis Records released Living in the Past, a collection of tracks from their various singles and British EPs, early albums, and a Carnegie Hall show, packaged like an old-style 78-rpm album in a book that opened up.

At this point, it seemed as though Jethro Tull could do no wrong, and for the fans that was true. For the critics, however, the group's string ran out in July of 1973 with the release of A Passion Play. The piece was another extended song, running the length of the album, this time steeped in fantasy and religious imagery far denser than Aqualung; it was divided at the end of one side of the album and the beginning of the other by an A.A. Milne-style story called "The Hare That Lost His Spectacles." This time, the critics were hostile toward Anderson and the group, attacking the album for its obscure lyrical references and excessive length. Despite these criticisms, the album reached number one in America (yielding a number eight single edited from the extended piece) and number 13 in England. The real venom, however, didn't start to flow until the group went on tour that summer. By this time, their sets ran to two-and-a-half hours, and included not only the new album done in its entirety ("The Hare That Lost His Spectacles" being a film presentation in the middle of the show), but Thick as a Brick and the most popular of the group's songs off of Aqualung and their earlier albums. Anderson was apparently unprepared for the searing reviews that started appearing, and also took the American rock press too seriously. In the midst of a sold-out U.S. tour, he threatened to cancel all upcoming concerts and return to England. Fortunately, cooler heads prevailed, especially once he recognized that the shows were completely sold out and audiences were ecstatic, and the tour continued without interruption.

It was 16 months until the group's next album, War Child -- conceived as part of a film project that never materialized -- was released, in November of 1974. The expectations surrounding the album gave it pre-order sales sufficient to get it certified gold upon release, and it was also Tull's last platinum album, reaching number two in America and number 14 in England. The dominant theme of War Child seemed to be violence, though the music's trappings heavily featured Palmer's orchestrations, rivaling Barre's electric guitar breaks for attention. In any case, the public seemed to respond well to the group's return to conventional length songs, with "Bungle in the Jungle" reaching number 11 in America. Tull's successful concert tour behind this album had them augmented by a string quartet.

During this period, Anderson became involved with producing an album by Steeleye Span, a folk-rock group that was also signed to Chrysalis, and who had opened for Tull on one of their American tours. Their music slowly began influencing Anderson's songwriting over the next several years as the folk influence grew in prominence, a process that was redoubled when he took up a rural residence during the mid-'70s. The next Tull album, Minstrel in the Gallery, showed up ten months later, in September of 1975, reaching number seven in the United States. This time, the dominant theme was Elizabethan minstrelsy, within an electric rock and English folk context. The tracks included a 17-minute suite that recalled the group's earlier album-length epic songs, but the album's success was rather more limited.

The Jethro Tull lineup had been remarkably stable ever since Clive Bunker's exit after Aqualung, remaining constant across four albums in as many years. In January of 1976, however, Hammond-Hammond left the band to pursue a career in art. His replacement, John Glascock (b. 1953), joined in time for the recording of Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, an album made up partly of songs from an unproduced play proposed by Anderson and Palmer, released in May of 1976. The group later did an ITV special built around the album's songs. The title track, however (on which Steeleye Span's Maddy Prior appeared as a guest backing vocalist), became a subject of controversy in England, as critics took it to be a personal statement on Anderson's part.

In late 1976, a Christmas EP entitled Ring Out Solstice Bells got to number 28. This song later turned up on their next album, Songs from the Wood, the group's most artistically unified and successful album in some time (and the first not derived from an unfinished film or play since A Passion Play). This was Tull's folk album, reflecting Anderson's passion for English folk songs. Its release also accompanied the band's first British tour in nearly three years. In May of 1977, David Palmer joined Tull as an official member, playing keyboards on-stage to augment the richness of the group's concert sound.

Having lasted into the late '70s, Jethro Tull now found themselves competing in a new musical environment, as journalists and, to an increasing degree, fans became fixated on the growing punk rock phenomenon. In October 1977, Repeat (The Best of Jethro Tull, Vol. 2), intended to fill an anticipated 11-month gap between Tull albums, was released on both sides of the Atlantic. Unfortunately, it contained only a single new track and never made the British charts, while barely scraping into the American Top 100 albums. The group's next new album, Heavy Horses, issued in April of 1978, was Anderson's most personal work in several years, the title track expressing his regret over the disappearance of England's huge shire horses as casualties of modernization. In the fall of 1978, the group's first full-length concert album, the double-LP Bursting Out: Jethro Tull Live, was released to modest success, accompanied by a tour of the United States and an international television broadcast from Madison Square Garden.

The year 1979 was pivotal and tragic for the group. John Glascock died from complications of heart surgery on November 17, five weeks after the release of Stormwatch. Tull was lucky enough to acquire the services of Dave Pegg, the longtime bassist for Fairport Convention, who had announced their formal (though, as it turned out, temporary) breakup. The Stormwatch tour with the new lineup was a success, although the album was the first original release by Jethro Tull since This Was not to reach the U.S. Top 20. Partly thanks to Pegg's involvement with the Tull lineup, future tours by Jethro Tull, especially in America, would provide a basis for performances by re-formed incarnations of Fairport Convention.

The lineup change caused by Glascock's death led to Anderson's decision to record a solo album during the summer of 1980, backed by Barre, Pegg, and Mark Craney on drums, with ex-Roxy Music/King Crimson multi-instrumentalist Eddie Jobson on violin. The record, A, was eventually released as a Jethro Tull album in September of 1980, but even the Tull name didn't do much for its success. Barlow, Evan, and Palmer, however, were dropped from the group's lineup with the recording of A, and the new version of Jethro Tull toured in support of the album. Jobson left once the tour was over, and it was with yet another new lineup -- including Barre, Pegg, and Fairport Convention alumnus Gerry Conway (drums) and Peter-John Vettesse (keyboards) -- that The Broadsword and the Beast was recorded in 1982. Although this album had many songs based on folk melodies, its harder rocking passages also had a heavier, more thumping beat than earlier versions of the band had produced, and the use of the synthesizer was more pronounced than on previous Tull albums.

In 1983, Anderson confined his activities to his first official solo album, Walk Into Light, which had a very different, synthesizer-dominated sound. Following its lackluster performance, Anderson revived Jethro Tull for the album Under Wraps, released in September of 1984. At number 76 in the U.S., it became the group's poorest-selling album, partly a consequence of Anderson's developing a throat infection that forced the postponement of much of their planned tour. No further Tull albums were to be released until Crest of a Knave in 1987, as a result of Anderson's intermittent throat problems. In the meantime, the group appeared on a German television special in March of 1985, and participated in a presentation of the group's work by the London Symphony Orchestra. To make up for the shortfall of new releases, Chrysalis released another compilation, Original Masters, a collection of highlights of the group's work, in October of 1985. In 1986, A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull was released on record; and Crest of a Knave performed surprisingly well when it was issued in September of 1987, reaching number 19 in England and number 32 in America with the support of a world tour.

Crest of a Knave was something of a watershed in Tull's later history, though nobody would have guessed it at the time of its release. Although some of its songs displayed the group's usual folk/hard rock mix, the group was playing louder than usual, and tracks like "Steel Monkey" had a harder sound than any previous record by the group. In 1988, Tull toured the United States as part of the celebration of the band's 20th anniversary. In July, Chrysalis issued 20 Years of Jethro Tull, a 65-song box set covering Tull's history up to that time, containing most of their major songs and augmented with outtakes and radio performances. In February of 1989, the band won the Grammy Award for Best Hard Rock/Metal Performance for Crest of a Knave. Suddenly, they were stars again, and being declared as relevant by one of the top music awards in the industry, a fact that kept critics buzzing for months over whether the group deserved it before finally attacking the voting for the Grammy Awards and the membership of its parent organization, the National Association of Recording Arts and Sciences.

Rock Island, another hard-rocking album, reached a very healthy number 18 in England during September of the same year, while peaking only at 56 in America, despite a six-week U.S. tour to support the album. In 1990, the album Catfish Rising did less well, reaching only 27 in England and 88 in America after its release in September. And A Little Light Music, their own "unplugged" release, taped on their summer 1992 European tour, only got to number 34 in England and 150 in the United States.

Despite declining numbers, Tull continued performing to good-sized houses when they toured, and the group's catalog performed extremely well. In April of 1993, Chrysalis released a four-CD 25th Anniversary Box Set -- evidently hoping that most fans had forgotten the 20th anniversary set issued five years earlier -- consisting of remixed versions of their hits, live shows from across their history, and a handful of new tracks. Meanwhile, Anderson continued to write and record music separate from the group on occasion, most notably Divinities: Twelve Dances with God, a classically oriented solo album (and a distinctly non-Tull one) on EMI's classical Angel Records.

The band issued the worldbeat-infused Roots to Branches in 1995, followed by the similarly themed J-Tull.Dot.Com in 1999, the latter of which was the group's 20th studio outing. Released in 2003, Jethro Tull Christmas Album, a collection of holiday songs both old and new, turned out to be the group's biggest seller since Crest of a Knave, though it would also be the group's last official album. In 2012 Anderson released a sequel to Thick as a Brick (Thick as a Brick 2). It was followed in 2014 by another Thick as a Brick-related collection of new material, Homo Erraticus, his sixth solo outing. That same year Anderson announced that for the foreseeable future, he would be issuing all his music under his own name. His first such release was A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull. Conducted by David Palmer, it featured the orchestra alongside a rock band playing the band's hits. Anderson followed it with The String Quartets in early 2017 -- offering chamber arrangements of his former band's hits.

Back in 2011, Anderson asked Steven Wilson to remix Aqualung for release in a deluxe multiple-disc edition for its 40th anniversary. The critical and commercial success of that project inspired the pair to work together on a series of boxed, multi-disc catalog reissues including Stand Up, Minstrel in the Gallery, War Child, A Passion Play, Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, Thick as a Brick, Songs of the Wood, and Heavy Horses.

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The Jethro Tull Christmas Album es el 21º álbum de estudio lanzado por Jethro Tull, el 30 de septiembre de 2003.

El Álbum de Navidad de Jethro Tull es una mezcla de nuevo material, regrabaciones de material propio de Tull con temas adecuados y arreglos de música tradicional navideña. En 2009, el álbum en vivo Christmas at St Bride's 2008 fue incluido con el álbum original en CD.

De la canción de apertura, Birthday Card at Christmas, ha dicho Ian Anderson:

    "Mi hija Gael, como millones de otros desafortunados, celebra su cumpleaños entre el bigote de un mosquito de la Navidad. Empañados por la Gran Ocasión, estos cumpleaños pueden ser planos, superficiales y fugazmente simbólicos en su paso sin incidentes. La desalentadora fiesta y la celebración festiva del calendario cristiano también eclipsa, según algunos, el humilde cumpleaños de un tal Sr. J. Christ. Divertidos 25 años, diciembre..."

Biografía :

Jethro Tull fue un fenómeno único en la historia de la música popular. Su mezcla de hard rock, melodías folclóricas, blues, letras surrealistas, imposiblemente densas, y profundidad en general, desafiaron el análisis fácil, pero eso no disuadió a los fans de darles 11 discos de oro y cinco de platino. Al mismo tiempo, los críticos rara vez los tomaban en serio, y a finales de los años setenta ya no estaban a la vanguardia de la música popular. Pero ninguna tienda de discos en el país querría estar sin múltiples copias de cada uno de sus álbumes más populares (Benefit, Aqualung, Thick as a Brick, Living in the Past), o sus diversas compilaciones de lo mejor de lo mejor, y pocos ignorarían a sabiendas sus nuevas versiones. De sus contemporáneos, sólo Yes pudo reivindicar un grado similar de éxito, y Yes había sufrido varios cambios importantes en el sonido y la membresía en los años 90, mientras que Tull se mantuvo notablemente estable durante el mismo período. Cofundado y dirigido por el músico salvaje, flautista, guitarrista, cantante y compositor Ian Anderson, el grupo creó un lugar propio en la música popular.

El tull tiene sus raíces en el boom del blues británico de finales de los años 60. Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Edimburgo, Escocia) se había mudado a Blackpool cuando tenía 12 años. Su primera banda se llamaba Blades, en honor al club de James Bond, con Michael Stephens a la guitarra, Jeffrey Hammond-Hammond (nacido el 30 de julio de 1946) al bajo y John Evans (nacido el 28 de marzo de 1948) a la batería, tocando una mezcla de blues jazzístico y música de baile conmovedora en el circuito de clubes del Norte. En 1965, cambiaron su nombre por el de John Evan Band (Evan dejó caer la "s" en su nombre por sugerencia de Hammond) y más tarde el de John Evan Smash. A finales de 1967, Glenn Cornick (nacido el 24 de abril de 1947 en Barrow-in-Furness, Cumbria, Inglaterra) había reemplazado a Hammond-Hammond en el bajo. El grupo se mudó a Luton para estar más cerca de Londres, el centro del boom del blues británico, y la banda comenzó a desmoronarse cuando Anderson y Cornick conocieron al guitarrista/cantante Mick Abrahams (nacido el 7 de abril de 1943 en Luton, Bedfordshire, Inglaterra) y al baterista Clive Bunker (nacido el 12 de diciembre de 1946), que habían tocado juntos en Toggery Five y que ahora formaban parte de una banda local de blues llamada McGregor's Engine.

En diciembre de 1967, los cuatro acordaron formar un nuevo grupo. Comenzaron tocando dos veces por semana, probando diferentes nombres, incluyendo Navy Blue y Bag of Blues. Uno de los nombres que usaron, Jethro Tull, tomado de un granjero/inventor del siglo XVIII, resultó ser popular y memorable, y se mantuvo. En enero de 1968, cortaron un sencillo pop-folk bastante derivado llamado "Sunshine Day", lanzado por MGM Records (bajo el nombre mal impreso de Jethro Toe) al mes siguiente. El single no fue a ninguna parte, pero el grupo consiguió conseguir una residencia en el Marquee Club de Londres, donde se hicieron muy populares.

Sin embargo, al principio tuvieron que enfrentarse a un problema de imagen y configuración. A finales de la primavera de 1968, los gerentes Terry Ellis y Chris Wright (que más tarde fundaron Chrysalis Records) abordaron por primera vez la idea de que Anderson dejara de tocar la flauta y permitiera que Mick Abrahams fuera el protagonista. En esa época, muchos entusiastas del blues no aceptaban en absoluto los instrumentos de viento, especialmente la flauta, como algo fundamental para el sonido que buscaban, y como grupo que luchaba por el éxito y el reconocimiento, Jethro Tull era un poco demasiado extraño en ese sentido. Abrahams era un entusiasta del blues hardcore que idolatraba al padrino del blues británico Alexis Korner, y estaba presionando por una configuración más tradicional de la banda, que lo habría puesto a él y a su guitarra al frente. Resultó que ambos tenían razón. La sensibilidad del blues de Abrahams era impecable, pero el público del blues británico por sí solo no podía elevar a Jethro Tull más allá de ser el mejor de los clubes. Las travesuras de Anderson en el escenario, saltando en un abrigo andrajoso y parado sobre una pierna mientras tocaba la flauta, y su uso de fuentes folklóricas, así como el blues y el jazz, le dieron a la banda el potencial para captar una mayor audiencia y una atención de la prensa muy necesaria.

Abrieron para Pink Floyd el 29 de junio de 1968, en el primer festival de rock gratuito en el Hyde Park de Londres, y en agosto fueron el éxito del Sunbury Jazz & Blues Festival en Sunbury-on-Thames. Al final del verano, tenían un contrato de grabación con Island Records. El álbum resultante, This Was, se publicó en noviembre. Para entonces, Anderson era el miembro dominante del grupo en el escenario, y a finales del mes Abrahams salió de la banda. El grupo pasó por dos reemplazos rápidamente reclutados y rechazados, el futuro guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi (que estuvo en Tull durante una semana, el tiempo suficiente para aparecer en su aparición en la extravagancia de los Rolling Stones' Rock 'N Roll Circus), y Davy O'List, el ex guitarrista del Nice. Finalmente, Martin Barre (nacido el 17 de noviembre de 1946), un antiguo estudiante de arquitectura, fue la elección para un reemplazo permanente.

No fue sino hasta abril de 1969 que This Was obtuvo su liberación en los Estados Unidos. Irónicamente, la primera pequeña ola de fans de American Jethro Tull admiraba a un grupo cuyo sonido ya había cambiado radicalmente; en mayo de 1969, la primera grabación de Barre con el grupo, "Living in the Past", llegó al puesto número tres británico y el grupo hizo su debut en Top of the Pops interpretando la canción. El grupo tocó en varios festivales ese verano, incluyendo el Festival de Jazz de Newport. Su siguiente álbum, Stand Up, con todo su material (excepto "Bourée", compuesto por Johann Sebastian Bach) escrito por Ian Anderson, alcanzó el primer puesto en Inglaterra al mes siguiente. Stand Up también contenía el primer tema orquestado por Tull, "Reasons for Waiting", que incluía cuerdas arregladas por David Palmer, un graduado de la Real Academia de Música y director teatral que había arreglado trompas en un tema de This Was. Palmer jugaría un papel cada vez más importante en álbumes posteriores, y finalmente se unió al grupo oficialmente en 1977.

Mientras tanto, "Sweet Dream", publicado en noviembre, alcanzó el séptimo puesto en Inglaterra, y fue el primer lanzamiento del grupo en el sello Chrysalis de Wright and Ellis. Su próximo single, "The Witch's Promise", llegó al número cuatro en Inglaterra en enero de 1970. El siguiente álbum del grupo, Benefit, marcó su última mirada al blues, y también la presencia del viejo amigo y ex compañero de banda de Anderson, John Evan, quien hace tiempo había dejado la batería en favor de los teclados, en el piano y el órgano. Benefit alcanzó el tercer puesto en Inglaterra, pero, lo que es mucho más importante, ascendió al número 11 en América, y sus canciones, incluyendo "Teacher" y "Sossity; You're a Woman", formaron una parte clave del repertorio escénico de Tull. A principios de julio de 1970, el grupo compartió un proyecto de ley con Jimi Hendrix, B.B. King y Johnny Winter en el Atlanta Pop Festival en Byron, Georgia, ante 200.000 personas.

En diciembre siguiente, después de otra gira por Estados Unidos, Cornick había decidido dejar el grupo y fue reemplazado en el bajo por el amigo de la infancia de Anderson, Jeffrey Hammond-Hammond. A principios del año siguiente, comenzaron a trabajar en lo que resultaría ser, para muchos aficionados, la obra maestra del grupo, Aqualung. La escritura de Anderson se había movido en una dirección más seria desde el segundo álbum del grupo, pero fue con Aqualung que encontró la voz lírica que había estado buscando. De repente, estaba cantando sobre la relación entre el hombre y Dios, y la manera en que, en su opinión, la religión organizada los separaba. Las influencias del blues eran casi inexistentes, pero los pasajes del rock duro eran abrasadores y las influencias folclóricas proporcionaban un contraste refrescante. El hecho de que el álbum fuera un todo unificado impresionó a los críticos más serios, mientras que los niños se contentaron con tocar la guitarra aérea en las pausas de alta velocidad de Martin Barre. Y todo el mundo, tanto los amantes del rock de los programas universitarios como los servidores del tiempo de la escuela secundaria, parecían identificarse con el tema de la alienación que se esconde detrás de la música.

Aqualung alcanzó el número siete en América y el número cuatro en Inglaterra, y fue acompañado por una gira americana de gran éxito. Bunker dejó la banda para casarse y fue reemplazado por el viejo compañero de banda de Anderson, John Evan Smash, Barriemore Barlow (nacido el 10 de septiembre de 1949). A finales de 1971, comenzaron a trabajar en su próximo álbum, Thick as a Brick. Estructuralmente más ambicioso que Aqualung, y apoyado por una chaqueta de diseño elaborado en forma de periódico, este disco era esencialmente una larga canción impregnada de imágenes surrealistas, comentarios sociales y la imagen recientemente solidificada de Anderson como un sabio salvaje. Lanzado en Inglaterra en abril de 1972, Thick as a Brick alcanzó el quinto puesto, pero cuando salió en Estados Unidos un mes después, llegó al número uno, convirtiéndose en el primer álbum de Jethro Tull en lograr mayor popularidad en Estados Unidos que en Inglaterra. En junio de 1972, en respuesta a la creciente demanda por el trabajo del grupo, Chrysalis Records lanzó Living in the Past, una colección de temas de sus varios sencillos y EPs británicos, primeros álbumes, y un show en el Carnegie Hall, empaquetados como un viejo álbum de 78 rpm en un libro que se abrió.

En ese momento, parecía que Jethro Tull no podía hacer nada malo, y para los aficionados eso era cierto. Para los críticos, sin embargo, la cuerda del grupo se agotó en julio de 1973 con el lanzamiento de A Passion Play. La pieza era otra canción extendida, a lo largo del álbum, esta vez impregnada de fantasía e imágenes religiosas mucho más densas que Aqualung; estaba dividida al final de un lado del álbum y al principio del otro por una historia al estilo de A.A. Milne llamada "The Hare That Lost His Spectacles" (La liebre que perdió sus gafas). Esta vez, los críticos se mostraron hostiles hacia Anderson y el grupo, atacando el álbum por sus oscuras referencias líricas y su excesiva extensión. A pesar de estas críticas, el álbum alcanzó el número uno en América (rindiendo un single número ocho editado a partir de la pieza extendida) y el número 13 en Inglaterra. El verdadero veneno, sin embargo, no comenzó a fluir hasta que el grupo se fue de gira ese verano. Para entonces, sus sets tenían una duración de dos horas y media, e incluían no sólo el nuevo álbum hecho en su totalidad ("The Hare That Lost His Spectacles" siendo una presentación cinematográfica en medio del espectáculo), sino también Thick as a Brick y las canciones más populares del grupo fuera de Aqualung y sus álbumes anteriores. Anderson aparentemente no estaba preparado para las ardientes críticas que empezaron a aparecer, y también se tomó demasiado en serio a la prensa rockera estadounidense. En medio de una gira por los Estados Unidos con todas las entradas agotadas, amenazó con cancelar todos los próximos conciertos y regresar a Inglaterra. Afortunadamente, las cabezas más frías prevalecieron, especialmente una vez que reconoció que los espectáculos estaban completamente agotados y que el público estaba extasiado, y la gira continuó sin interrupción.

Pasaron 16 meses hasta que el siguiente álbum del grupo, War Child, concebido como parte de un proyecto cinematográfico que nunca se materializó, fue lanzado en noviembre de 1974. Las expectativas que rodeaban al álbum le dieron suficientes ventas por adelantado para obtener la certificación de oro en el momento de su lanzamiento, y también fue el último álbum de platino de Tull, alcanzando el número dos en Estados Unidos y el número 14 en Inglaterra. El tema dominante de War Child pareció ser la violencia, aunque los adornos de la música tenían las orquestaciones de Palmer, rivalizando con los cortes de guitarra eléctrica de Barre para llamar la atención. En cualquier caso, el público pareció responder bien al regreso del grupo a las canciones de duración convencional, con "Bungle in the Jungle" alcanzando el número 11 en América. La exitosa gira de conciertos de Tull detrás de este álbum fue acompañada por un cuarteto de cuerdas.

Durante este período, Anderson se involucró en la producción de un álbum de Steeleye Span, un grupo de folk-rock que también fue firmado por Chrysalis, y que había abierto para Tull en una de sus giras por América. Su música comenzó a influir lentamente en la composición de las canciones de Anderson durante los siguientes años a medida que la influencia folclórica crecía en prominencia, un proceso que se redobló cuando se instaló en una residencia rural a mediados de los años setenta. El siguiente álbum de Tull, Minstrel in the Gallery, apareció diez meses después, en septiembre de 1975, alcanzando el número siete en los Estados Unidos. Esta vez, el tema dominante fue la juglaría isabelina, dentro de un contexto de rock eléctrico y folklórico inglés. Los temas incluían una suite de 17 minutos que recordaba las canciones épicas del grupo, pero el éxito del álbum fue más bien limitado.

La alineación de Jethro Tull ha sido notablemente estable desde la salida de Clive Bunker después de Aqualung, permaneciendo constante en cuatro álbumes en otros tantos años. En enero de 1976, sin embargo, Hammond-Hammond dejó la banda para dedicarse al arte. Su reemplazo, John Glascock (1953), se unió a tiempo para la grabación de Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, un álbum compuesto en parte por canciones de una obra de teatro no producida propuesta por Anderson y Palmer, publicada en mayo de 1976. El grupo luego hizo un especial de ITV construido alrededor de las canciones del álbum. El tema del título, sin embargo (en el que Maddy Prior, de Steeleye Span, apareció como vocalista invitada), se convirtió en un tema de controversia en Inglaterra, ya que los críticos lo tomaron como una declaración personal por parte de Anderson.

A finales de 1976, un EP navideño titulado Ring Out Solstice Bells llegó al número 28. Esta canción apareció más tarde en su siguiente álbum, Songs from the Wood, el álbum más unificado y exitoso del grupo en algún tiempo (y el primero que no se deriva de una película o una obra inacabada desde A Passion Play). Este fue el álbum folklórico de Tull, reflejando la pasión de Anderson por las canciones folklóricas inglesas. Su lanzamiento también acompañó la primera gira británica de la banda en casi tres años. En mayo de 1977, David Palmer se unió a Tull como miembro oficial, tocando teclados en el escenario para aumentar la riqueza del sonido del concierto del grupo.

Tras haber durado hasta finales de los años 70, Jethro Tull se encontró compitiendo en un nuevo entorno musical, ya que los periodistas y, cada vez más, los aficionados se obsesionaron con el creciente fenómeno del punk rock. En octubre de 1977, Repeat (The Best of Jethro Tull, Vol. 2), con la intención de llenar un vacío anticipado de 11 meses entre los álbumes de Tull, fue lanzado a ambos lados del Atlántico. Desafortunadamente, sólo contenía un tema nuevo y nunca llegó a las listas de éxitos británicas, mientras que apenas llegó a los 100 mejores álbumes de Estados Unidos. El siguiente nuevo álbum del grupo, Heavy Horses, publicado en abril de 1978, fue el trabajo más personal de Anderson en varios años, la canción que lleva el título y que expresa su pesar por la desaparición de los enormes caballos de alquiler de Inglaterra como víctimas de la modernización. En el otoño de 1978, el primer álbum de concierto completo del grupo, el doble-LP Bursting Out: Jethro Tull Live, se estrenó con un éxito modesto, acompañado de una gira por los Estados Unidos y una emisión de televisión internacional desde el Madison Square Garden.

El año 1979 fue crucial y trágico para el grupo. John Glascock murió por complicaciones de la cirugía del corazón el 17 de noviembre, cinco semanas después de la liberación de Stormwatch. Tull tuvo la suerte de contar con los servicios de Dave Pegg, el bajista de muchos años de Fairport Convention, que había anunciado su ruptura formal (aunque, en realidad, temporal). La gira de Stormwatch con la nueva alineación fue un éxito, aunque el álbum fue el primer lanzamiento original de Jethro Tull ya que This Was not to reach the U.S. Top 20. En parte gracias a la participación de Pegg en la alineación de Tull, las futuras giras de Jethro Tull, especialmente en Estados Unidos, proporcionarán una base para las actuaciones de las encarnaciones reformadas de Fairport Convention.

El cambio de formación causado por la muerte de Glascock llevó a Anderson a tomar la decisión de grabar un disco en solitario durante el verano de 1980, respaldado por Barre, Pegg y Mark Craney a la batería, con el ex-instrumentista Eddie Jobson, ex-Roxy Music/King Crimson, al violín. El disco, A, fue finalmente lanzado como un álbum de Jethro Tull en septiembre de 1980, pero incluso el nombre de Tull no hizo mucho por su éxito. Barlow, Evan y Palmer, sin embargo, fueron retirados de la formación del grupo con la grabación de A, y la nueva versión de Jethro Tull hizo una gira en apoyo del álbum. Jobson se fue una vez que terminó la gira, y fue con otra nueva formación -incluyendo a Gerry Conway (batería) y Peter-John Vettesse (teclados), ex alumno de Barre, Pegg y Fairport Convention- que The Broadsword and the Beast se grabó en 1982. Aunque este álbum tenía muchas canciones basadas en melodías folclóricas, sus pasajes de rock más duros también tenían un ritmo más pesado y contundente que las versiones anteriores de la banda, y el uso del sintetizador era más pronunciado que en los álbumes anteriores de Tull.

En 1983, Anderson limitó sus actividades a su primer álbum oficial en solitario, Walk Into Light, que tenía un sonido muy diferente, dominado por sintetizadores. Después de su mediocre actuación, Anderson revivió a Jethro Tull para el álbum Under Wraps, lanzado en septiembre de 1984. En el número 76 de los Estados Unidos, se convirtió en el álbum más vendido del grupo, en parte como consecuencia del desarrollo de una infección en la garganta por parte de Anderson que obligó a posponer gran parte de su gira planeada. No se lanzarían más álbumes de Tull hasta Crest of a Knave en 1987, como resultado de los intermitentes problemas de garganta de Anderson. Mientras tanto, el grupo apareció en un especial de la televisión alemana en marzo de 1985, y participó en una presentación del trabajo del grupo por la London Symphony Orchestra. Para compensar el déficit de nuevos lanzamientos, Chrysalis lanzó otra compilación, Original Masters, una colección de lo más destacado del trabajo del grupo, en octubre de 1985. En 1986, A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull fue publicado en disco; y Crest of a Knave actuó sorprendentemente bien cuando se publicó en septiembre de 1987, alcanzando el número 19 en Inglaterra y el número 32 en América con el apoyo de una gira mundial.

Crest of a Knave fue una especie de hito en la historia posterior de Tull, aunque nadie lo habría adivinado en el momento de su liberación. Aunque algunas de sus canciones mostraban la mezcla folk/hard rock habitual del grupo, el grupo tocaba más fuerte de lo habitual, y temas como "Steel Monkey" tenían un sonido más duro que cualquier otro disco anterior del grupo. En 1988, Tull realizó una gira por los Estados Unidos como parte de la celebración del 20º aniversario de la banda. En julio, Chrysalis publicó 20 Years of Jethro Tull, un set de 65 canciones que cubre la historia de Tull hasta ese momento, conteniendo la mayoría de sus canciones principales y complementado con tomas de salida y actuaciones de radio. En febrero de 1989, la banda ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal por Crest of a Knave. De repente, volvieron a ser estrellas, y fueron declarados como relevantes por uno de los premios musicales más importantes de la industria, un hecho que mantuvo a los críticos preguntándose durante meses si el grupo lo merecía antes de atacar finalmente la votación para los premios Grammy y la membresía de su organización matriz, la Asociación Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (National Association of Recording Arts and Sciences).

Rock Island, otro álbum de rock duro, alcanzó un número 18 muy saludable en Inglaterra durante septiembre del mismo año, mientras que alcanzó su punto máximo sólo en 56 en América, a pesar de una gira de seis semanas por Estados Unidos para apoyar el álbum. En 1990, el álbum Catfish Rising tuvo menos éxito, alcanzando sólo 27 en Inglaterra y 88 en América después de su lanzamiento en septiembre. Y A Little Light Music, su propia versión "unplugged", grabada en su gira europea del verano de 1992, sólo llegó al número 34 en Inglaterra y 150 en Estados Unidos.

A pesar de la disminución de los números, Tull continuó tocando en casas de buen tamaño cuando estaban de gira, y el catálogo del grupo funcionó muy bien. En abril de 1993, Chrysalis lanzó un disco compacto de cuatro CD con motivo de su 25º aniversario, con la esperanza de que la mayoría de los fans hubieran olvidado el disco conmemorativo del 20º aniversario publicado cinco años antes, que consistía en versiones remezcladas de sus éxitos, shows en vivo a lo largo de su historia y un puñado de temas nuevos. Mientras tanto, Anderson continuó escribiendo y grabando música separada del grupo en ocasiones, más notablemente Divinidades: Twelve Dances with God, un álbum en solitario de orientación clásica (y uno claramente no-Tull) en los clásicos Angel Records de EMI.

En 1995, la banda emitió el álbum "Roots to Branches", infundido por el ritmo de los bailes mundiales, seguido en 1999 por el tema similar de J-Tull.Dot.Com, el último de los cuales fue la 20ª salida al estudio del grupo. Lanzado en 2003, Jethro Tull Christmas Album, una colección de canciones navideñas tanto antiguas como nuevas, resultó ser el álbum más vendido del grupo desde Crest of a Knave, aunque también sería el último álbum oficial del grupo. En 2012 Anderson lanzó una secuela de Thick as a Brick (Thick as a Brick 2). Le siguió en 2014 otra colección de Thick as a Brick-related de nuevo material, Homo Erraticus, su sexta salida en solitario. Ese mismo año Anderson anunció que en un futuro previsible, estaría publicando toda su música bajo su propio nombre. Su primer lanzamiento fue A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull. Dirigida por David Palmer, la orquesta estuvo acompañada por una banda de rock que tocó los éxitos de la banda. Anderson lo siguió con The String Quartets a principios de 2017, ofreciendo arreglos de cámara de los éxitos de su antigua banda.

En 2011, Anderson le pidió a Steven Wilson que remezclara Aqualung para lanzarlo en una edición de lujo de discos múltiples con motivo de su 40º aniversario. El éxito crítico y comercial de ese proyecto inspiró a la pareja a trabajar juntos en una serie de reediciones de catálogos multi-disco incluyendo Stand Up, Minstrel in the Gallery, War Child, A Passion Play, Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, Thick as a Brick, Songs of the Wood, y Heavy Horses.

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Jethro Tull • Live Christmas at St. Bride’s

 

 

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