John Hicks • Moanin' - Portrait Of Art Blakey

Biography by Jason Ankeny

A longtime fixture of the New York City jazz landscape, pianist John Hicks was an artist of uncommon versatility, moving effortlessly from pop standards to the avant-garde while retaining the dense physicality and intense energy that were the hallmarks of his approach. Born December 12, 1941, in Atlanta, Hicks was still an infant when his preacher father relocated the family to Los Angeles. He spent the better part of his teen years in St. Louis, and counted among his classmates there the young Lester Bowie. Hicks' mother was his first piano teacher, and after a stint at Lincoln University in Missouri he attended the Berklee School of Music and the Juilliard School; he later cited influences spanning from Fats Waller to Thelonious Monk to Methodist church hymns, and his catholic listening tastes were instrumental in shaping his far-ranging skills as a player. After touring in support of bluesman Albert King and hard bop tenor saxophonist Johnny Griffin, Hicks backed singer Della Reese during a 1963 New York club residency, and the city remained his home for the rest of his life. In the wake of stints with Kenny Dorham and Joe Henderson, Hicks joined Art Blakey's Jazz Messengers in 1964, collaborating alongside the likes of trumpeters Lee Morgan and Freddie Hubbard. Two years later, he signed on with singer Betty Carter, like Blakey a keen judge of emerging talent. Upon exiting Carter's band in 1968, Hicks spent the remainder of the decade with Woody Herman and entered the decade to follow as a first-call sideman. He also moonlighted as an educator, and during the early '70s taught jazz and improvisation at Southern Illinois University.

After backing Carter on her 1976 date Now It's My Turn, Hicks returned to her backing group full-time. The exposure vaulted him to new renown, and in 1979 he finally led his own studio effort, After the Morning. With 1981's Some Other Time, cut with bassist Walter Booker and drummer Idris Muhammad, Hicks also emerged as a gifted composer, writing his best-known effort, "Naima's Love Song," in honor of his young daughter. He recorded prolifically in the years to follow, concentrating on solo and small ensemble work including stints as member of the Power Trio and the Keystone Trio. He also served as the regular pianist with the Mingus Dynasty Band and for a time led his own big band. Hicks enjoyed his greatest commercial success with a series of tribute LPs celebrating the music of his mentors and influences, highlighted by 1998's Something to Live For (a collection of Billy Strayhorn compositions), 2000's Impressions of Mary Lou (Williams, of course), and 2003's Fatha's Day (honoring Earl Hines). Hicks' longest and most rewarding collaboration was his partnership with flutist Elise Wood, which launched in 1983 and after several studio sessions and tours culminated in marriage in 2001, around the time of the release of their duo recording Beautiful Friendship. Hicks died suddenly on May 10, 2006. Just three days earlier, he delivered his final performance at Harlem's St. Mark's United Methodist Church, where his father served as a minister prior to his own death. Hicks was 64 years old.

https://www.allmusic.com/artist/john-hicks-mn0000224920#biography

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Biografía de Jason Ankeny

Un elemento fijo durante mucho tiempo en el panorama del jazz de la ciudad de Nueva York, el pianista John Hicks fue un artista de una versatilidad poco común, que pasó sin esfuerzo de los estándares pop a la vanguardia al tiempo que conservaba la densa fisicalidad y la intensa energía que eran las características distintivas de su enfoque. Nacido el 12 de diciembre de 1941 en Atlanta, Hicks todavía era un bebé cuando su padre predicador trasladó a la familia a Los Ángeles. Pasó la mayor parte de su adolescencia en St.Louis, y contaba entre sus compañeros de clase allí con el joven Lester Bowie. La madre de Hicks fue su primera profesora de piano, y después de una temporada en la Universidad Lincoln en Missouri, asistió a la Escuela de Música Berklee y a la Escuela Juilliard; más tarde citó influencias que van desde Fats Waller hasta Thelonious Monk y himnos de la iglesia Metodista, y sus gustos auditivos católicos fueron fundamentales para dar forma a sus habilidades de gran alcance como intérprete. Después de realizar una gira en apoyo del músico de blues Albert King y el saxofonista tenor Johnny Griffin, Hicks respaldó a la cantante Della Reese durante una residencia en un club de Nueva York en 1963, y la ciudad siguió siendo su hogar por el resto de su vida. A raíz de las temporadas con Kenny Dorham y Joe Henderson, Hicks se unió a Art Blakey's Jazz Messengers en 1964, colaborando junto a trompetistas como Lee Morgan y Freddie Hubbard. Dos años más tarde, firmó con la cantante Betty Carter, como Blakey, un agudo juez de talentos emergentes. Al salir de la banda de Carter en 1968, Hicks pasó el resto de la década con Woody Herman y entró en la década siguiente como acompañante de primera llamada. También trabajó como educador y, a principios de los 70, enseñó jazz e improvisación en la Universidad del Sur de Illinois.

Después de respaldar a Carter en su cita de 1976 Now It's My Turn, Hicks regresó a su grupo de respaldo a tiempo completo. La exposición lo llevó a un nuevo renombre, y en 1979 finalmente dirigió su propio esfuerzo de estudio, After the Morning. Con Some Other Time de 1981, grabado con el bajista Walter Booker y el baterista Idris Muhammad, Hicks también emergió como un compositor talentoso, escribiendo su esfuerzo más conocido, "Naima's Love Song", en honor a su pequeña hija. Grabó prolíficamente en los años siguientes, concentrándose en trabajos en solitario y en pequeños conjuntos, incluidos períodos como miembro del Power Trio y el Keystone Trio. También se desempeñó como pianista habitual de la Mingus Dynasty Band y durante un tiempo dirigió su propia big band. Hicks disfrutó de su mayor éxito comercial con una serie de LP tributo que celebraban la música de sus mentores e influencias, destacados por Something to Live For de 1998 (una colección de composiciones de Billy Strayhorn), Impressions of Mary Lou de 2000 (Williams, por supuesto) y Fatha's Day de 2003 (en honor a Earl Hines). La colaboración más larga y gratificante de Hicks fue su asociación con la flautista Elise Wood, que se lanzó en 1983 y después de varias sesiones de estudio y giras culminó en matrimonio en 2001, alrededor del momento del lanzamiento de su dúo grabando Beautiful Friendship. Hicks murió repentinamente el 10 de mayo de 2006. Apenas tres días antes, pronunció su última actuación en la Iglesia Metodista Unida de San Marcos de Harlem, donde su padre se desempeñaba como ministro antes de su propia muerte. Hicks tenía 64 años.

https://www.allmusic.com/artist/john-hicks-mn0000224920#biography

John Hicks • Music In The Key Of Clark [Remembering Sonny Clark]

 

Review
by Ken Dryden  
John Hicks' fourth CD in a series honoring pianists and composers who were from the greater Pittsburgh area salutes Sonny Clark, whose contributions have been somewhat overlooked since his premature death in 1963. Joined by bassist Dwayne Burno and drummer Cecil Brooks III, Hicks adds several originals -- which complement but don't attempt to mimic Clark's style -- in addition to his interpretations of Clark's compositions. He adds a lovely introductory original solo piano prelude to precede the easygoing waltz treatment of Clark's "My Conception," while his take of "Cable Car" gives it a Latin flavor. Hicks slows the tempo of Clark's "Minor Meeting" considerably and also winds the piece much tighter, giving it a much darker, bluesy sound than the composer's recordings for Time and Blue Note. Hicks' solo version of "Sonny's Mood" is lush and reflective, while the hard swinging "Sonny's Crib" reveals its roots in gospel music. Hicks, who hung out with Clark, dedicates "Angel With a Briefcase" to the late pianist because of his habit of always carrying one stuffed with manuscripts in progress; this warm solo portrait is followed by Hicks' whimsically titled "Clark Bar Blues," which hard bop fans will no doubt discover to be very tasty. Overall, the desired effect of such a brilliant release is to make one want to obtain earlier CDs by John Hicks and also to look for the original versions by Sonny Clark, if they aren't already in the listener's possession.
https://www.allmusic.com/album/music-in-the-key-of-clark-mw0000211526


Biography
by Jason Ankeny
A longtime fixture of the New York City jazz landscape, pianist John Hicks was an artist of uncommon versatility, moving effortlessly from pop standards to the avant-garde while retaining the dense physicality and intense energy that were the hallmarks of his approach. Born December 12, 1941, in Atlanta, Hicks was still an infant when his preacher father relocated the family to Los Angeles. He spent the better part of his teen years in St. Louis, and counted among his classmates there the young Lester Bowie. Hicks' mother was his first piano teacher, and after a stint at Lincoln University in Missouri he attended the Berklee School of Music and the Juilliard School; he later cited influences spanning from Fats Waller to Thelonious Monk to Methodist church hymns, and his catholic listening tastes were instrumental in shaping his far-ranging skills as a player. After touring in support of bluesman Albert King and hard bop tenor saxophonist Johnny Griffin, Hicks backed singer Della Reese during a 1963 New York club residency, and the city remained his home for the rest of his life. In the wake of stints with Kenny Dorham and Joe Henderson, Hicks joined Art Blakey's Jazz Messengers in 1964, collaborating alongside the likes of trumpeters Lee Morgan and Freddie Hubbard. Two years later, he signed on with singer Betty Carter, like Blakey a keen judge of emerging talent. Upon exiting Carter's band in 1968, Hicks spent the remainder of the decade with Woody Herman and entered the decade to follow as a first-call sideman. He also moonlighted as an educator, and during the early '70s taught jazz and improvisation at Southern Illinois University.

After the Morning [1992]
After backing Carter on her 1976 date Now It's My Turn, Hicks returned to her backing group full-time. The exposure vaulted him to new renown, and in 1979 he finally led his own studio effort, After the Morning. With 1981's Some Other Time, cut with bassist Walter Booker and drummer Idris Muhammad, Hicks also emerged as a gifted composer, writing his best-known effort, "Naima's Love Song," in honor of his young daughter. He recorded prolifically in the years to follow, concentrating on solo and small ensemble work including stints as member of the Power Trio and the Keystone Trio. He also served as the regular pianist with the Mingus Dynasty Band and for a time led his own big band. Hicks enjoyed his greatest commercial success with a series of tribute LPs celebrating the music of his mentors and influences, highlighted by 1998's Something to Live For (a collection of Billy Strayhorn compositions), 2000's Impressions of Mary Lou (Williams, of course), and 2003's Fatha's Day (honoring Earl Hines). Hicks' longest and most rewarding collaboration was his partnership with flutist Elise Wood, which launched in 1983 and after several studio sessions and tours culminated in marriage in 2001, around the time of the release of their duo recording Beautiful Friendship. Hicks died suddenly on May 10, 2006. Just three days earlier, he delivered his final performance at Harlem's St. Mark's United Methodist Church, where his father served as a minister prior to his own death. Hicks was 64 years old.https://www.allmusic.com/artist/john-hicks-mn0000224920/biography

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Reseña
por Ken Dryden  
El cuarto CD de John Hicks en una serie que honra a los pianistas y compositores de la zona de Pittsburgh rinde homenaje a Sonny Clark, cuyas contribuciones han sido un tanto pasadas por alto desde su prematura muerte en 1963. Acompañado por el bajista Dwayne Burno y el batería Cecil Brooks III, Hicks añade varios originales - que complementan pero no intentan imitar el estilo de Clark - además de sus interpretaciones de las composiciones de Clark. Añade un encantador preludio introductorio original de piano solo para preceder el tratamiento de vals relajado de "My Conception" de Clark, mientras que su versión de "Cable Car" le da un sabor latino. Hicks ralentiza considerablemente el tempo de "Minor Meeting" de Clark y también da a la pieza un viento mucho más apretado, dándole un sonido mucho más oscuro y bluesy que las grabaciones del compositor para Time y Blue Note. La versión en solitario de Hicks de "Sonny's Mood" es exuberante y reflexiva, mientras que el swing duro de "Sonny's Crib" revela sus raíces en la música gospel. Hicks, que salía con Clark, dedica "Angel With a Briefcase" al fallecido pianista por su costumbre de llevar siempre uno lleno de manuscritos en curso; a este cálido retrato en solitario le sigue el caprichosamente titulado por Hicks "Clark Bar Blues", que los aficionados al hard bop descubrirán sin duda muy sabroso. En general, el efecto deseado de un lanzamiento tan brillante es hacer que uno quiera obtener CDs anteriores de John Hicks y también buscar las versiones originales de Sonny Clark, si no están ya en posesión del oyente.
https://www.allmusic.com/album/music-in-the-key-of-clark-mw0000211526


Biografía
por Jason Ankeny
El pianista John Hicks fue durante mucho tiempo un fijo del panorama jazzístico neoyorquino, un artista de una versatilidad poco común, que pasaba sin esfuerzo de los estándares pop a la vanguardia, conservando al mismo tiempo la densa fisicidad y la intensa energía que caracterizaban su enfoque. Nacido el 12 de diciembre de 1941 en Atlanta, Hicks era aún un bebé cuando su padre, predicador, trasladó a la familia a Los Ángeles. Pasó la mayor parte de su adolescencia en San Luis, donde tuvo como compañero al joven Lester Bowie. La madre de Hicks fue su primera profesora de piano, y tras una temporada en la Lincoln University de Missouri, asistió a la Berklee School of Music y a la Juilliard School; más tarde citó influencias que iban desde Fats Waller a Thelonious Monk, pasando por los himnos de la iglesia metodista, y sus gustos católicos a la hora de escuchar fueron decisivos para dar forma a sus variadas habilidades como intérprete. Tras una gira como telonero del bluesman Albert King y del saxofonista tenor de hard bop Johnny Griffin, Hicks fue telonero de la cantante Della Reese durante una residencia en un club de Nueva York en 1963, y la ciudad siguió siendo su hogar el resto de su vida. Después de trabajar con Kenny Dorham y Joe Henderson, Hicks se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey en 1964 y colaboró con trompetistas de la talla de Lee Morgan y Freddie Hubbard. Dos años más tarde, fichó por la cantante Betty Carter, que, al igual que Blakey, era un buen juez de talentos emergentes. Tras abandonar la banda de Carter en 1968, Hicks pasó el resto de la década con Woody Herman y entró en la década siguiente como acompañante de primera fila. También ejerció como educador y, a principios de los 70, enseñó jazz e improvisación en la Southern Illinois University.

After the Morning [1992]
Tras acompañar a Carter en su concierto de 1976, Now It's My Turn, Hicks volvió a formar parte de su grupo a tiempo completo. En 1979 dirigió su propio álbum de estudio, After the Morning. Con Some Other Time, de 1981, grabado con el bajista Walter Booker y el batería Idris Muhammad, Hicks se reveló también como un compositor dotado, escribiendo su obra más conocida, "Naima's Love Song", en honor de su hija pequeña. En los años siguientes realizó numerosas grabaciones, concentrándose en trabajos en solitario y en pequeños conjuntos, incluyendo estancias como miembro del Power Trio y del Keystone Trio. También fue pianista habitual de la Mingus Dynasty Band y durante un tiempo dirigió su propia big band. Hicks cosechó su mayor éxito comercial con una serie de LPs de homenaje a la música de sus mentores e influencias, entre los que destacan Something to Live For, de 1998 (una colección de composiciones de Billy Strayhorn), Impressions of Mary Lou, de 2000 (Williams, por supuesto), y Fatha's Day, de 2003 (en honor a Earl Hines). La colaboración más larga y gratificante de Hicks fue su asociación con la flautista Elise Wood, que comenzó en 1983 y, tras varias sesiones de estudio y giras, culminó en matrimonio en 2001, en la época en que publicaron su grabación a dúo Beautiful Friendship. Hicks murió repentinamente el 10 de mayo de 2006. Sólo tres días antes había ofrecido su última actuación en la iglesia metodista St. Mark's United Methodist Church de Harlem, donde su padre ejercía como ministro antes de su propia muerte. Hicks tenía 64 años.https://www.allmusic.com/artist/john-hicks-mn0000224920/biography

James Carter • Gardenias For Lady Day

 

jamescarterlive.com ...

Roy Hargrove • Approaching Standards

 

Review from AllMusic (by Dan Cross):
A poorly put-together compilation, Approaching Standards serves only to illuminate Hargrove's failure to understand ballad material on his earlier recordings. Ballads dominate the album, accounting for seven of the album's ten tracks; Hargrove generally interprets them in a cool, emotionally detached manner which can be quite off-putting. Compiled from four albums whose recording dates span from 1989 to 1993, Approaching Standards somewhat more encouragingly also documents Hargrove's growth as a musician. "Everything I Have is Yours/Dedicated to You," taken from the 1993 recording Of Kindred Souls, finds Hargrove in a more mature frame of mind, and points toward the much better albums he would soon make.
https://www.allmusic.com/album/approaching-standards-mw0000117312

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Reseña de AllMusic (por Dan Cross):
Una compilación mal armada, Approaching Standards solo sirve para iluminar el fracaso de Hargrove en comprender el material de balada en sus grabaciones anteriores. Las baladas dominan el álbum, representando siete de las diez pistas del álbum; Hargrove generalmente las interpreta de una manera fría y emocionalmente distante que puede ser bastante desagradable. Compilado de cuatro álbumes cuyas fechas de grabación abarcan de 1989 a 1993, Approaching Standards de manera algo más alentadora también documenta el crecimiento de Hargrove como músico. "Everything I Have is Yours/Dedicated to You", tomada de la grabación de 1993 Of Kindred Souls, encuentra a Hargrove en un estado de ánimo más maduro, y apunta hacia los álbumes mucho mejores que pronto haría.
https://www.allmusic.com/album/approaching-standards-mw0000117312

John Hicks & Frank Morgan • Twogether

 

VA • The Ballad On Jazz Piano Trio

 

David Murray • Morning Song

 

Review
by Scott Yanow
For David Murray, this is a fairly straightforward quartet date. Joined by pianist John Hicks, bassist Reggie Workman and drummer Ed Blackwell, Murray performs three of his lesser-known originals, Butch Morris' "Light Blue Frolic," "Body and Soul" and "Jitterbug Waltz." Doubling on tenor and bass clarinet, Murray as usual has a tendency to jump into the extreme upper register a bit too much at unexpected times, disrupting a relatively mellow mood on a few occasions. But one cannot deny his musicianship, and there are some exciting moments to be heard during this program.
https://www.allmusic.com/album/morning-song-mw0000649669

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Reseña
por Scott Yanow
Para David Murray, esta es una cita de cuarteto bastante sencilla. Acompañado por el pianista John Hicks, el bajista Reggie Workman y el batería Ed Blackwell, Murray interpreta tres de sus originales menos conocidos, "Light Blue Frolic" de Butch Morris, "Body and Soul" y "Jitterbug Waltz". Doble en el clarinete tenor y bajo, Murray, como de costumbre, tiene una tendencia a saltar al registro superior extremo un poco demasiado en momentos inesperados, interrumpiendo un estado de ánimo relativamente suave en algunas ocasiones. Pero no se puede negar su musicalidad, y se pueden escuchar algunos momentos emocionantes durante este programa.
https://www.allmusic.com/album/morning-song-mw0000649669

John Hicks • Impressions of Mary Lou

 

Review by Ken Dryden
John Hicks' series of tributes to greats of the past for High Note continues with this fine CD honoring Mary Lou Williams, who passed away in 1981. What is so compelling about Hicks' salute to Williams is that he ignores her best known secular works; he sticks mostly to excerpts from her religious compositions, which, of course, still swing mightily. Joined by bassist Dwayne Burno and drummer Cecil Brooks III, the pianist opens with a driving rendition of her "Lord Have Mercy" (from "Music for Peace"). "O.W." is a strut that alternates between a slow chant (anchored by Dwayne Burno's booming bass vamp) and some lively but brief up-tempo bop choruses. "Intermission" shows Williams' adventuresome nature as a composer; Hicks and company are up to the task. Hicks also wrote five originals that fit right in with Williams' songs. Hicks doesn't try to mimic her style of writing but succeeds in capturing her essence in his compositions. "Two for You" is a lively bop vehicle and solo piano feature that has shades of Mary Lou as well as Bud Powell. "Ballad for Mary Lou" is a beautiful melody that also reflects the complex nature of Williams' playing, as well as her personality. "Not Too Straight" is an up-tempo blues that has the angular quality of Thelonious Monk's works with the aggressiveness of Mary Lou Williams. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/impressions-of-mary-lou-mw0000098525

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Reseña de Ken Dryden
La serie de homenajes de John Hicks a los grandes del pasado para High Note continúa con este magnífico CD en honor a Mary Lou Williams, fallecida en 1981. Lo que es tan convincente del homenaje de Hicks a Williams es que ignora sus obras seculares más conocidas; se ciñe sobre todo a extractos de sus composiciones religiosas, que, por supuesto, siguen teniendo un poderoso swing. Acompañado por el bajista Dwayne Burno y el baterista Cecil Brooks III, el pianista abre con una emocionante interpretación de «Lord Have Mercy» (de «Music for Peace»). «O.W.» es un puntal que alterna entre un canto lento (anclado por el atronador bajo de Dwayne Burno) y unos coros bop animados pero breves. «Intermission» muestra la naturaleza aventurera de Williams como compositor; Hicks y compañía están a la altura. Hicks también escribió cinco originales que encajan perfectamente con las canciones de Williams. Hicks no intenta imitar su estilo de escritura, sino que consigue captar su esencia en sus composiciones. «Two for You» es una animada pieza de bop y piano solista que tiene matices de Mary Lou y de Bud Powell. «Ballad for Mary Lou» es una bella melodía que también refleja la compleja naturaleza de la forma de tocar de Williams, así como su personalidad. «Not Too Straight» es un blues acelerado que tiene la cualidad angular de las obras de Thelonious Monk con la agresividad de Mary Lou Williams. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/impressions-of-mary-lou-mw0000098525

Peter Leitch • Exhilaration

 

Review
by Scott Yanow
This combination works quite well - The mellow-toned but hard swinging guitarist Peter Leitch teams up with baritonist Pepper Adams, pianist John Hicks, bassist Ray Drummond, and drummer Billy Hart for three Thelonious Monk tunes ("'Round Midnight," "Trinkle Tinkle," and "Played Twice"), two of the guitarist's originals, and "How Deep Is the Ocean." Adams' presence inspires and seems to light a fire under Leitch, who is heard throughout in passionate form - Recommended.
https://www.allmusic.com/album/exhilaration-mw0000271473

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Reseña
por Scott Yanow
Esta combinación funciona bastante bien - El guitarrista Peter Leitch, de tono meloso pero de swing duro, forma equipo con el baritonista Pepper Adams, el pianista John Hicks, el bajista Ray Drummond y el batería Billy Hart para tres temas de Thelonious Monk ("'Round Midnight", "Trinkle Tinkle" y "Played Twice"), dos originales del guitarrista y "How Deep Is the Ocean" - La presencia de Adams inspira y parece encender un fuego bajo Leitch, a quien se escucha en todo momento de forma apasionada - Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/exhilaration-mw0000271473

peterleitch.com ...

David Fathead Newman • I Remember Brother Ray

 

 

Review
by Thom Jurek
If ever a musician had a pedigree for simultaneously lamenting and celebrating the late Ray Charles, David "Fathead" Newman does. Newman met Charles in 1952 and was a working member of his band from 1954-1964. This program of tunes so closely associated with Charles features the tenor saxophonist in the company of vibist Steve Nelson, John Hicks in the piano chair, Winard Harper on drums, and bassist John Menegon. Newman's signature Southern soul tone, saturated in warmth and emotion, is by turns buttery, fat, and back-porch tender. From the opening chorus of "Hit the Road, Jack," one can feel the great control Newman has over the dynamic quality of these tunes. He treats them as classics, albeit very familiar ones. He finds no need to force anything here, knowing that the tunes themselves provide all the inspirational magic necessary. Newman also stays close to the soul-drenched bone despite the sophistication of the arrangements and performances. The reading of "Georgia On My Mind," with fine solos by Nelson and Hicks, is a case in point, as is the midtempo groove in "Deed I Do," where the swinging lyric is given wings in Newman's solo. The set closes with "Them That Got (I Ain't Got You)," a wide-open relaxed stroll through Charles' brand of gospel and soul re-created with a hard bop finger pop. This is a winner through and through.
https://www.allmusic.com/album/i-remember-brother-ray-mw0000365854

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Reseña
por Thom Jurek
Si alguna vez un músico tuvo pedigrí para lamentar y celebrar simultáneamente al difunto Ray Charles, David "Fathead" Newman lo tiene. Newman conoció a Charles en 1952 y fue miembro activo de su banda entre 1954 y 1964. Este programa de temas tan estrechamente relacionados con Charles presenta al saxofonista tenor en compañía del vibráfono Steve Nelson, John Hicks al piano, Winard Harper a la batería y el bajista John Menegon. El característico tono soul sureño de Newman, saturado de calidez y emoción, es por momentos mantecoso, gordo y tierno. Desde el estribillo inicial de "Hit the Road, Jack", uno puede sentir el gran control que Newman tiene sobre la calidad dinámica de estas melodías. Las trata como clásicos, aunque muy conocidos. No tiene necesidad de forzar nada aquí, sabiendo que las propias melodías proporcionan toda la magia inspiradora necesaria. Newman también se mantiene cerca del hueso empapado de alma a pesar de la sofisticación de los arreglos y las interpretaciones. La lectura de "Georgia On My Mind", con buenos solos de Nelson y Hicks, es un buen ejemplo, como lo es el ritmo a medio tempo de "Deed I Do", donde la letra oscilante adquiere alas en el solo de Newman. El conjunto se cierra con "Them That Got (I Ain't Got You)", un relajado paseo por el gospel y el soul de Charles recreado con un hard bop finger pop. Es un disco ganador de principio a fin.
https://www.allmusic.com/album/i-remember-brother-ray-mw0000365854

Art Blakey • Soul Finger

 

 

Review
by Thom Jurek  
Soul Finger, released on Limelight in 1965, marks Lee Morgan's and Freddie Hubbard's final studio appearances as members of Art Blakey's Jazz Messengers. Morgan had been an on-again-off-again member since the 1950s, but his tenure with Blakey through the early 1960s remained fairly constant. The set also includes a young John Hicks on piano, bassist Victor Sproles, and veteran saxophonist Lucky Thompson. While this set may lack the sheer high-energy crackle of some of the Jazz Messengers Blue Note dates, there is quite a bit to enjoy here. The title track kicks the joint off in bluesy style with the three-horn front line in a slightly dissonant intro before moving in a fingerpopping groover with some killer wood by Sproles used as fills between lines. The spunky Latin groove of "Buh's Bossa" offers Blakey's consummate chops accenting the knotty, sometimes snaky melody line with some excellent comp work by Hicks. Thompson's underrated soprano work makes a beautiful appearance on "Spot Session," a sultry little groover. The real highlight of the set is "Freedom Monday," that offers taut hard bop lyric lines, extended harmonies in the front line -- especially between Hubbard and Morgan -- and a smoking Afro-Cuban rhythmic line highlighted by Blakey and Hicks. The program here showcases the sounds of a band in transition to be sure, but also the sound of a group with nothing to lose; in other words, plenty of chances get taken that might not otherwise fly. This date is well worth seeking out for fans of Blakey's long running, ever evolving unit.
https://www.allmusic.com/album/soul-finger-mw0000814102

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Reseña
por Thom Jurek  
Soul Finger, publicado por Limelight en 1965, marca las últimas apariciones en estudio de Lee Morgan y Freddie Hubbard como miembros de Art Blakey's Jazz Messengers. Morgan había sido un miembro intermitente desde la década de 1950, pero su permanencia con Blakey hasta principios de la década de 1960 fue bastante constante. El conjunto también incluye a un joven John Hicks al piano, al bajista Victor Sproles y al veterano saxofonista Lucky Thompson. Aunque este disco carezca de la energía de algunos de los Jazz Messengers de Blue Note, hay mucho que disfrutar. El tema que da título al disco arranca con un estilo bluesero, con la primera línea de tres cornos en una introducción ligeramente disonante, antes de pasar a un groove que hace saltar los dedos, con algunas maderas de Sproles utilizadas como relleno entre las líneas. El animado groove latino de "Buh's Bossa" ofrece las consumadas habilidades de Blakey acentuando la nudosa y a veces serpenteante línea melódica con un excelente trabajo de composición de Hicks. El infravalorado trabajo de soprano de Thompson hace una bella aparición en "Spot Session", un pequeño y sensual groove. El verdadero punto culminante del conjunto es "Freedom Monday", que ofrece tensas líneas líricas de hard bop, armonías extendidas en la primera línea -especialmente entre Hubbard y Morgan- y una línea rítmica afrocubana en la que destacan Blakey y Hicks. El programa muestra los sonidos de una banda en transición, pero también el sonido de un grupo sin nada que perder; en otras palabras, se corren muchos riesgos que de otro modo no se correrían. Merece la pena que los fans del grupo de Blakey, en constante evolución, busquen esta grabación.
https://www.allmusic.com/album/soul-finger-mw0000814102


artblakey.com ...

Sonny Fortune • In The Spirit Of John Coltrane

 

Biography
by Matt Collar
Saxophonist, flutist, and multi-reed player Sonny Fortune was a progressive musician with a harmonically aggressive style who came to prominence as a member of trumpeter Miles Davis' fusion groups of the '70s. Born in Philadelphia in 1939, Fortune attended the Wurlitzer and Granoff music schools and performed with local R&B bands in his teens. Influenced early on by such players as Charlie Parker, Sonny Rollins, and John Coltrane, Fortune was 18 before he decided to pursue a career in music exclusively. In 1967 he moved to New York City and quickly found work with several name artists, including drummer Elvin Jones and percussionist Mongo Santamaria, with whom he would play for two years.

Around 1970 Fortune was asked join McCoy Tyner's group and ended up performing with the legendary pianist from 1971 to 1973. During this time, Fortune also recorded with drummer Buddy Rich and even turned down an invitation to join Miles Davis' fusion ensemble, choosing to stick with Tyner. However, in 1974 Fortune finally accepted and replaced saxophonist David Liebman in Davis' group. Although he was only with Davis for a year, it was a fruitful time and Fortune appeared on several albums including Big Fun, Get Up with It, Agharta, and Pangaea.

In 1975 Fortune formed his own group, and during the remainder of the decade released several albums including 1975's Awakening, 1977's Serengeti Minstrel with trumpeter Woody Shaw, and 1977's Waves of Dreams. Also during the '70s, he worked with cornetist Nat Adderley as well as the Elvin Jones Jazz Machine. Although his own discography was sparse throughout the '80s, Fortune continued to perform, joining the Coltrane Legacy Band in 1987 along with Tyner, Jones, and bassist Reggie Workman.

In the '90s Fortune's solo work kicked into high gear and he released several acclaimed records for Blue Note, including 1994's Four in One, 1995's A Better Understanding, and 1996's From Now On. During the following years Fortune continued to perform around the world and released a steady stream of albums, including his 2000 tribute album In the Spirit of John Coltrane, 2003's Continuum, 2007's standards album You and the Night and the Music, and 2009's live album Last Night at Sweet Rhythm. Fortune died in Manhattan on October 25, 2018 due to complications of a stroke. He was 79 years old.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269/biography

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Biografía
por Matt Collar
Sonny Fortune, saxofonista, flautista e intérprete de varias cañas, fue un músico progresivo con un estilo armónicamente agresivo que saltó a la fama como miembro de los grupos de fusión del trompetista Miles Davis en los años setenta. Nacido en Filadelfia en 1939, Fortune asistió a las escuelas de música Wurlitzer y Granoff y actuó con bandas locales de R&B en su adolescencia. Influido muy pronto por músicos como Charlie Parker, Sonny Rollins y John Coltrane, Fortune tenía 18 años cuando decidió dedicarse exclusivamente a la música. En 1967 se trasladó a Nueva York y enseguida encontró trabajo con varios artistas de renombre, entre ellos el batería Elvin Jones y el percusionista Mongo Santamaria, con quien tocaría durante dos años.

Alrededor de 1970, Fortune fue invitado a unirse al grupo de McCoy Tyner y acabó tocando con el legendario pianista de 1971 a 1973. Durante este tiempo, Fortune también grabó con el batería Buddy Rich e incluso rechazó una invitación para unirse al conjunto de fusión de Miles Davis, optando por seguir con Tyner. Sin embargo, en 1974 Fortune aceptó finalmente y sustituyó al saxofonista David Liebman en el grupo de Davis. Aunque sólo estuvo un año con Davis, fue una época fructífera y Fortune apareció en varios álbumes, como Big Fun, Get Up with It, Agharta y Pangaea.

En 1975 Fortune formó su propio grupo y durante el resto de la década publicó varios álbumes, entre ellos Awakening, de 1975, Serengeti Minstrel, de 1977, con el trompetista Woody Shaw, y Waves of Dreams, de 1977. También durante los años 70, trabajó con el cornetista Nat Adderley y con la Elvin Jones Jazz Machine. Aunque su propia discografía fue escasa durante los años 80, Fortune siguió actuando, uniéndose a la Coltrane Legacy Band en 1987 junto a Tyner, Jones y el bajista Reggie Workman.

En los años 90, Fortune empezó a trabajar en solitario y publicó varios discos aclamados para Blue Note, como Four in One (1994), A Better Understanding (1995) y From Now On (1996). Durante los años siguientes, Fortune siguió actuando por todo el mundo y publicando un flujo constante de álbumes, entre los que se incluyen su álbum homenaje de 2000 In the Spirit of John Coltrane, Continuum de 2003, el álbum de estándares de 2007 You and the Night and the Music y el álbum en directo de 2009 Last Night at Sweet Rhythm. Fortune falleció en Manhattan el 25 de octubre de 2018 debido a complicaciones de un derrame cerebral. Tenía 79 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-fortune-mn0000795269/biography

Hank Mobley • Hi Voltage

 

 

Review by Thom Jurek
This 1967 date by tenor saxophone great Hank Mobley was a high watermark for the Blue Note label during that exceptional year. Mobley wrote all six tunes here, and they offer the breadth and depth of his mature compositional method. All but one of his collaborators on this project were label veterans -- Jackie McLean, Blue Mitchell, Billy Higgins, and Bob Cranshaw. The lone exception was pianist John Hicks, and the recording session benefits greatly from his contribution. Hicks is a very lyrical player, even when he gets tough and funky. He is right at home with the hard bop blues on the title cut, which opens the set and provides a wonderfully swinging bottom for the soloists to trade fours and burrow through. His chromatic prowess and subtlety are very evident on the moving ballad "No More Goodbyes," where his gently shaded harmonies and ostinatos offer Mobley a beautiful backdrop to solo from. Mobley's sense of rhythmic invention is showcased on the breezy yet finger-popping "Bossa De Luxe," and the three horns go deep into the groove -- using Higgins and Hicks as counterweights in the funky, greasy "Flirty Gerty" that closes the set. In all, this date is solid, ranking with the very best of Mobley's offerings for Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/hi-voltage-mw0000653286

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Reseña de Thom Jurek
Este disco de 1967 del gran saxofonista tenor Hank Mobley fue un hito para el sello Blue Note durante ese año excepcional. Mobley compuso las seis melodías aquí, y ofrecen la amplitud y profundidad de su maduro método compositivo. Todos menos uno de sus colaboradores en este proyecto eran veteranos del sello: Jackie McLean, Blue Mitchell, Billy Higgins y Bob Cranshaw. La única excepción fue el pianista John Hicks, y la sesión de grabación se beneficia enormemente de su contribución. Hicks es un intérprete muy lírico, incluso cuando se pone duro y funky. Se siente como en casa con el blues hard bop del corte que da título al disco, que abre el conjunto y proporciona un fondo maravillosamente oscilante para que los solistas intercambien cuatros y escarben en él. Su destreza cromática y su sutileza son muy evidentes en la conmovedora balada "No More Goodbyes", donde sus armonías suavemente matizadas y sus ostinatos ofrecen a Mobley un hermoso telón de fondo para sus solos. El sentido de la invención rítmica de Mobley se pone de manifiesto en "Bossa De Luxe", y los tres vientos se meten de lleno en el groove, utilizando a Higgins y Hicks como contrapesos en la funky y grasienta "Flirty Gerty" que cierra el set. En conjunto, esta fecha es sólida, situándose entre las mejores de Mobley para Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/hi-voltage-mw0000653286

Blue Mitchell & Sonny Red • Baltimore 1966

 

James Carter • Caribbean Rhapsody

 

jamescarterlive.com ...

Lee Morgan-Clifford Jordan • Live In Baltimore 1968

 

Review by Ken Dryden
Lee Morgan and Clifford Jordan worked together on several studio dates under the trumpeter's leadership, but this 1968 live date, organized and recorded by the Left Bank Jazz Society in Baltimore, was evidently their final documented recording together. As on most recordings made by this group of dedicated jazz fans, the microphones focus on the soloists, while the out-of-tune piano is distorted and somewhat relegated to the background. On the plus side, both Morgan and Jordan seem very energized by the setting and solo at length without showing signs of overplaying, especially in the exciting opener, "Straight, No Chaser." The rhythm section is a good one, with pianist John Hicks, bassist Reggie Workman, and drummer Ed Blackwell. It's easy for hard bop fans to overlook the slight audio shortcomings, so this Fresh Sound CD is warmly recommended.
https://www.allmusic.com/album/live-in-baltimore-1968-mw0001330542

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Reseña de Ken Dryden
Lee Morgan y Clifford Jordan trabajaron juntos en varias fechas de estudio bajo la dirección del trompetista, pero esta fecha en directo de 1968, organizada y grabada por la Left Bank Jazz Society de Baltimore, fue evidentemente su última grabación documentada juntos. Como en la mayoría de las grabaciones realizadas por este grupo de entregados aficionados al jazz, los micrófonos se centran en los solistas, mientras que el piano desafinado aparece distorsionado y algo relegado a un segundo plano. En el lado positivo, tanto Morgan como Jordan parecen muy energizados por el entorno y hacen largos solos sin mostrar signos de sobreactuación, especialmente en el excitante comienzo, «Straight, No Chaser». La sección rítmica es buena, con el pianista John Hicks, el bajista Reggie Workman y el batería Ed Blackwell. Es fácil para los aficionados al hard bop pasar por alto las ligeras deficiencias de audio, por lo que este CD de Fresh Sound se recomienda encarecidamente.
https://www.allmusic.com/album/live-in-baltimore-1968-mw0001330542

 

Archie Shepp • Blue Ballads

 

Archie Shepp was born in 1937 in Fort Lauderdale in Florida.

He grew up in Philadelphia, studied piano and saxophone and attended high school in Germantown; he went to college, became involved with theatre, met writers and poets, among them, Leroy Jones and wrote: «The Communist», an allegorical play about the situation of black Americans. In the late fifties, Archie Shepp also met the most radical musicians of the time: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... his political consciousness found an expression in plays and theatrical productions which barely allowed him to make a living. In the beginning sixties he met Cecil Taylor and did two recordings with him which were determining.

In 1962 he signed his first record with Bill Dixon as co-leader. During the following year, he created the New York Contemporary Five with John Tchichai, made four records for Fontana, Storyville and Savoy and travelled to Europe with this group. Starting in August 1964, he worked with Impulse and made 17 records among which, Four For Trane, Fire Music, and Mama Too Tight, some of the classics of Free Music. His collaboration with John Coltrane materialized further with Ascension in 1965, a real turning point in Avant- Garde music. His militancy was evidenced by his participation in the creation of the Composers Guild with Paul and Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd and Cecil Taylor.

In July 1969 he went for the first time to Africa for the Pan African Festival in Algiers where many black American militants were living. On this occasion he recorded Live for Byg the first of six albums in the Actual series. In 1969 he began teaching Ethnomusicology at the University of Amherst, Massachusetts; at the same time he continued to travel around the world while continuing to express his identity as an African American musician.

The dictionary of Jazz (Robert Laffont, Bouquins) defines him in the following way: «A first rate artist and intellectual, Archie Shepp has been at the head of the Avant-Garde Free Jazz movement and has been able to join the mainstream of Jazz, while remaining true to his esthetic. He has developed a true poli-instrumentality: an alto player, he also plays soprano since 1969, piano since 1975 and more recently occasionally sings blues and standards.»

He populates his musical world with themes and stylistic elements provided by the greatest voices of jazz: from Ellington to Monk and Mingus, from Parker to Siver and Taylor. His technical and emotional capacity enables him to integrate the varied elements inherited by the Masters of Tenor from Webster to Coltrane into his own playing but according to his very own combination: the wild raspiness of his attacks, his massive sound sculpted by a vibrato mastered in all ranges, his phrases carried to breathlessness, his abrupt level changes, the intensity of his tempos but also the velvety tenderness woven into a ballad. His play consistently deepens the spirit of the two faces of the original black American music: blues and spirituals. His work with classics and with his own compositions (Bessie Smith’s Black Water Blues or Mama Rose) contributes to maintaining alive the power of strangeness of these two musics in relationship to European music and expresses itself in a unique mix of wounded violence and age-old nostalgia.

The scope of his work which registered in the eighties a certain urgency (at the cost of a few discrepancies) is a witness to the fact that in 1988 Archie Shepp was with Sonny Rollins one of the best interpreters in the babelian history of jazz.

With his freedom loving sensitivity Archie Shepp has made an inestimable contribution to the gathering, the publicizing and the inventing of jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/

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Archie Shepp nació en 1937 en Fort Lauderdale, Florida.

Creció en Filadelfia, estudió piano y saxofón y asistió a la escuela secundaria en Germantown; fue a la universidad, se involucró con el teatro, conoció escritores y poetas, entre ellos, Leroy Jones y escribió: "El comunista", una obra alegórica sobre la situación de los afroamericanos. A finales de los cincuenta, Archie Shepp también conoció a los músicos más radicales de la época: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... su conciencia política encontró expresión en obras de teatro y producciones teatrales que apenas le permitían ganarse la vida. A principios de los sesenta conoció a Cecil Taylor e hizo dos grabaciones con él que fueron determinantes.

En 1962 firmó su primer disco con Bill Dixon como colíder. Durante el año siguiente, creó The New York Contemporary Five con John Tchichai, grabó cuatro discos para Fontana, Storyville y Savoy y viajó a Europa con este grupo. A partir de agosto de 1964, trabajó con Impulse y realizó 17 discos entre los que destacan, Cuatro para Trane, Fire Music y Mama Too Tight, algunos de los clásicos de la Música Gratuita. Su colaboración con John Coltrane se materializó aún más con Ascension en 1965, un verdadero punto de inflexión en la música de Vanguardia. Su militancia quedó evidenciada por su participación en la creación del Gremio de Compositores junto a Paul y Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd y Cecil Taylor.

En julio de 1969 fue por primera vez a África para el Festival Panafricano en Argel, donde vivían muchos militantes afroamericanos. En esta ocasión grabó en directo para Byg el primero de los seis álbumes de la actual serie. En 1969 comenzó a enseñar Etnomusicología en la Universidad de Amherst, Massachusetts; al mismo tiempo continuó viajando por el mundo mientras continuaba expresando su identidad como músico afroamericano.

El diccionario de Jazz (Robert Laffont, Bouquins) lo define de la siguiente manera: "Un artista e intelectual de primer nivel, Archie Shepp ha estado a la cabeza del movimiento vanguardista del Free Jazz y ha sido capaz de unirse a la corriente principal del Jazz, sin dejar de ser fiel a su estética. Ha desarrollado una verdadera poliinstrumentalidad: contralto, también toca soprano desde 1969, piano desde 1975 y, más recientemente, canta ocasionalmente blues y standards.»

Puebla su mundo musical con temas y elementos estilísticos proporcionados por las mejores voces del jazz: desde Ellington hasta Monk y Mingus, desde Parker hasta Siver y Taylor. Su capacidad técnica y emocional le permite integrar los variados elementos heredados por los Maestros del Tenor desde Webster hasta Coltrane en su propia interpretación pero según su propia combinación: la aspereza salvaje de sus ataques, su sonido masivo esculpido por un vibrato dominado en todos los rangos, sus frases llevadas a la falta de aliento, sus cambios bruscos de nivel, la intensidad de sus tempos pero también la ternura aterciopelada entretejida en una balada. Su interpretación profundiza constantemente el espíritu de las dos caras de la música afroamericana original: blues y espirituales. Su trabajo con clásicos y con composiciones propias (Bessie Smith's Black Water Blues o Mama Rose) contribuye a mantener vivo el poder de extrañeza de estas dos músicas en relación con la música europea y se expresa en una mezcla única de violencia herida y nostalgia milenaria.

El alcance de su obra que registró en los ochenta cierta urgencia (a costa de algunas discrepancias) atestigua que en 1988 Archie Shepp era junto a Sonny Rollins uno de los mejores intérpretes de la historia babélica del jazz.

Con su sensibilidad amante de la libertad, Archie Shepp ha hecho una contribución inestimable a la reunión, la difusión y la invención del jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/

Art Blakey & The Jazz Messengers • 'S Make It

 

Review
by Ken Dryden
This edition of Art Blakey's Jazz Messengers is an unusual one. The personnel includes Blakey veterans Lee Morgan (returning to the band after some success as a leader), Curtis Fuller, and Victor Sproles, along with John Hicks (who appeared on three other Blakey records) and the tenor saxophonist John Gilmore (of Sun Ra fame) in his only appearance with the band. As was typical of Blakey-led groups, the emphasis is on original material by its members; the one Broadway show tune included, "Faith," is from a long since forgotten I Had a Ball. Morgan's driving blues "'S Make It" is easily the highlight of the session, though Hicks' richly voiced "Waltz for Ruth" and Fuller's Latin-flavored "Little Hughie" also deserve to be better known than they are. It's a shame that this was the only recording by this particular lineup of the Jazz Messengers, as Gilmore's strong blowing complements Morgan very well.
https://www.allmusic.com/album/s-make-it-mw0000738397

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Reseña
por Ken Dryden
Esta edición de Art Blakey's Jazz Messengers es inusual. El personal incluye a los veteranos de Blakey Lee Morgan (que regresa a la banda después de un cierto éxito como líder), Curtis Fuller y Victor Sproles, junto con John Hicks (que apareció en otros tres discos de Blakey) y el saxofonista tenor John Gilmore (de fama Sun Ra) en su única aparición con la banda. Como era típico de los grupos liderados por Blakey, el énfasis está en el material original de sus miembros; la única melodía de espectáculo de Broadway incluida, "Faith", es de un ya olvidado I Had a Ball. El blues de Morgan "'S Make It" es sin duda lo más destacado de la sesión, aunque "Waltz for Ruth" de Hicks y "Little Hughie" de Fuller también merecen ser más conocidos. Es una pena que ésta sea la única grabación de esta formación concreta de los Jazz Messengers, ya que el fuerte soplo de Gilmore complementa muy bien a Morgan.
https://www.allmusic.com/album/s-make-it-mw0000738397


Colaborador / Contributor:  Pierre

James Carter Quartet • JC on the Set

 

James Carter's first album as a leader – and a set that helped mark a place for him as one of the strongest saxophone voices of the 90s! The album has Carter's work on alto, tenor, and baritone saxes set center stage – alongside backing by a trio that features pianist Craig Taborn, but which allows plenty of space for Carter to dominate the sound with his deeply soulful tone and often-pyrotechnic approach to his solos. There's some occasional moments that go a bit over the top, in a "hey look at me" sort of mode – but they're nicely offset by a deeper spirit that appreciates the traditions that inform Carter's sound, and which made the record a real standout in the early 90s. Titles include "Lunatic", "Hour Of Parting", "Caravan", "Blues For A Nomadic Princess", "Worried & Blue", and "Baby Girl Blues"
https://www.dustygroove.com/item/512608/James-Carter-Quartet:JC-On-The-Set

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¡El primer álbum de James Carter como líder - y un conjunto que ayudó a marcar un lugar para él como una de las voces más fuertes del saxofón de los años 90! El álbum tiene el trabajo de Carter en los saxos alto, tenor y barítono en el centro del escenario, junto con el respaldo de un trío que cuenta con el pianista Craig Taborn, pero que deja mucho espacio para que Carter domine el sonido con su tono profundamente conmovedor y el enfoque a menudo pirotécnico de sus solos. Hay algunos momentos ocasionales en los que se pasa un poco de la raya, en plan «eh, miradme», pero están bien compensados por un espíritu más profundo que aprecia las tradiciones que informan el sonido de Carter y que hicieron que el disco destacara a principios de los noventa. Los títulos incluyen «Lunatic», «Hour Of Parting», «Caravan», «Blues For A Nomadic Princess», «Worried & Blue» y «Baby Girl Blues».
https://www.dustygroove.com/item/512608/James-Carter-Quartet:JC-On-The-Set

jamescarterlive.com ...

Peter Leitch-John Hicks • Duality

 

Review by Ken Dryden
Peter Leitch and John Hicks joined forces for a third studio date on Reservoir, though this time out, it is just the two of them. Leitch, a lyrical player in the style of Jim Hall, is beautifully complemented by Hicks' piano technique. While standards are a part of the date (and well played, too), the originals by each of the two men and the lesser known jazz compositions they chose are the standout tracks. A friend of Hicks contributed the lovely waltz "Pas de Trois," while bassist George Mraz penned "For B.C.," a touching remembrance of the popular night club operator Bradley Cunningham, who operated Bradley's among many other clubs during his career. Leitch switches to acoustic guitar for his tasty blues "H&L." Hicks' brooding "After the Morning" is one of the pianist's most impressive works; it takes on a new dimension with the intimacy of piano and guitar without a rhythm section. Neither man has achieved the critical acclaim that he has earned, though with John Hicks' untimely passing in 2006, he may belatedly achieve wider recognition. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/duality-mw0000125053

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Reseña de Ken Dryden
Peter Leitch y John Hicks unieron sus fuerzas para una tercera cita de estudio en Reservoir, aunque esta vez son sólo ellos dos. Leitch, un intérprete lírico al estilo de Jim Hall, se complementa maravillosamente con la técnica al piano de Hicks. Aunque los standards forman parte del disco (y están muy bien interpretados), los temas más destacados son los originales de cada uno de los dos y las composiciones de jazz menos conocidas que han elegido. Un amigo de Hicks contribuyó con el encantador vals "Pas de Trois", mientras que el bajista George Mraz compuso "For B.C.", un emotivo recuerdo del popular operador de clubes nocturnos Bradley Cunningham, que regentó Bradley's entre otros muchos clubes durante su carrera. Leitch se pasa a la guitarra acústica para su sabroso blues "H&L". La melancólica "After the Morning" de Hicks es una de las obras más impresionantes del pianista; adquiere una nueva dimensión con la intimidad del piano y la guitarra sin sección rítmica. Ninguno de los dos ha logrado el reconocimiento de la crítica que se ha ganado, aunque con el prematuro fallecimiento de John Hicks en 2006, puede que logre un reconocimiento más amplio tardíamente. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/duality-mw0000125053

 

 

peterleitch.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin