Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Joe Zawinul • Money In The Pocket

 

Review from All About Jazz (by Chris May):
Recorded in late 1965, while keyboard player Joe Zawinul was still a member of saxophonist Cannonball Adderley's band, Money In The Pocket is a remarkable album -- remarkable in that it gives absolutely no hint of the shape shifts that would transform Zawinul's work a few years later. The first of three albums he recorded for Atlantic, it's a conventional mix of mid-1960s hard bop and soul jazz. "Money In The Pocket" itself, one of three Zawinul originals, made with tenor saxophonist Clifford Jordan and trumpeter Blue Mitchell, is classic Blue Note hard bop in everything but record label. Four other tracks recorded with a three-horn frontline -- tenor saxophonist Joe Henderson, baritone saxophonist Pepper Adams and Mitchell, with bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes from the Adderley band -- take in bop and soul jazz. Jones' "Some More Of Dat" is a dead ringer for contemporaneous Adderley or pianist Horace Silver. All these tracks are good, but even by the standards of the time they are pretty ordinary. Zawinul's modal-flavored "Riverbed," though hardly radical, is the disc's most singular composition. There are, however, two ballad readings of note: "My One And Only Love" performed solo by Zawinul, and "Sharon's Waltz" with Jones and Hayes -- lyrical and just the right side of rococo, Zawinul's solos are delightful. Reissued as part of Warner Jazz's Atlantic Masters series, it isn't to be confused with the Adderley band's album of the same title.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

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Resena de All About Jazz (por Chris May):
Grabado a fines de 1965, mientras el pianista Joe Zawinul era todavia miembro del grupo del saxofonista Cannonball Adderley, Money In The Pocket es un album notable -- notable porque no da absolutamente ninguna pista de las transformaciones que cambiarian el trabajo de Zawinul pocos anos despues. El primero de tres albums que grabo para Atlantic, es una mezcla convencional de hard bop y soul jazz de mediados de los sesenta. El propio "Money In The Pocket", uno de los tres originales de Zawinul, realizado con el saxofonista tenor Clifford Jordan y el trompetista Blue Mitchell, es hard bop clasico al estilo Blue Note en todo menos en el sello discografico. Cuatro tracks mas grabados con una primera linea de tres cuernos -- el saxofonista tenor Joe Henderson, el saxofonista baritono Pepper Adams y Mitchell, con el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes de la banda de Adderley -- transitan por el bop y el soul jazz. "Some More Of Dat" de Jones es casi indistinguible del Adderley o el pianista Horace Silver contemporaneos. Todos estos temas son buenos, aunque incluso para los estandares de la epoca resultan bastante ordinarios. El "Riverbed" de Zawinul, con sabor modal aunque no especialmente radical, es la composicion mas singular del disco. Sin embargo, hay dos lecturas de baladas notables: "My One And Only Love" interpretada en solitario por Zawinul, y "Sharon's Waltz" con Jones y Hayes -- liricas y justas en su preciosismo, las improvisaciones de Zawinul son deliciosas. Reeditado como parte de la serie Atlantic Masters de Warner Jazz, no debe confundirse con el album homonimo de la banda de Adderley.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

Dave Pell • A Pell Of A Time

 

Biography by Richard S. Ginell
Dave Pell started out touring with the Tony Pastor, Bob Astor, and Bobby Sherwood bands as a teenager, before moving to California in the mid-'40s. He found work with Bob Crosby on the latter's Ford radio show in 1946, then played with the Les Brown band from 1947 to 1955. Drawing from the ranks of the Brown band, he began leading his own groups in 1953, usually in an octet format, augmented by guests like Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich, and Art Pepper. He also played as a sideman on records by Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman, and Gene Krupa in the 1950s, while recording under his own name for Atlantic, Kapp, Coral, Capitol, and RCA Victor. His primary focus of activity in the 1950s and '60s was in the record business, working as a producer for the budget Tops label in the '50s, and Liberty (where he supervised a few hit pop/rock records for Gary Lewis & the Playboys) and briefly Uni in the '60s. He formed a group in the late '70s called Prez Conference, a variation on the theme of Supersax, as a tribute to Lester Young, recording two albums for GNP/Crescendo. In the '80s and '90s, Pell revived his octet for recordings on the Fresh Sound (1984) and Headfirst (1988) labels, and sporadic live dates in the Los Angeles area, including an appearance at the Jazz West Coast festival in 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Dave Pell empezó a hacer giras con las bandas de Tony Pastor, Bob Astor y Bobby Sherwood cuando era adolescente, antes de mudarse a California a mediados de los 40. Encontró trabajo con Bob Crosby en el programa de radio de este último en 1946, y luego tocó con la banda de Les Brown de 1947 a 1955. Procedente de las filas de la banda Brown, comenzó a liderar sus propios grupos en 1953, normalmente en formato de octeto, aumentado por invitados como Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich y Art Pepper. También tocó como sideman en discos de Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman y Gene Krupa en los años 50, mientras grababa bajo su propio nombre para Atlantic, Kapp, Coral, Capitol y RCA Victor. Su principal actividad en los años 50 y 60 fue en el negocio de los discos, trabajando como productor para el sello Tops en los años 50, y Liberty (donde supervisó algunos éxitos de pop/rock para Gary Lewis & the Playboys) y brevemente Uni en los 60. Formó un grupo a finales de los 70 llamado Prez Conference, una variación del tema de Supersax, como tributo a Lester Young, grabando dos álbumes para GNP/Crescendo. En los años 80 y 90, Pell revivió su octeto para grabaciones en los sellos Fresh Sound (1984) y Headfirst (1988), y fechas esporádicas en vivo en el área de Los Ángeles, incluyendo una aparición en el festival Jazz West Coast en 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

 

Oliver Nelson • More Blues And The Abstract Truth

 

Review
by Scott Yanow
Unlike the original classic Blues and the Abstract Truth set from three years earlier, Oliver Nelson does not play on this album. He did contribute three of the eight originals and all of the arrangements but his decision not to play is disappointing. However there are some strong moments from such all-stars as trumpeter Thad Jones, altoist Phil Woods, baritonist Pepper Adams, pianist Roger Kellaway and guest tenor Ben Webster (who is on two songs). The emphasis is on blues-based pieces and there are some strong moments even if the date falls short of its predecessor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

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Reseña
por Scott Yanow
A diferencia del clásico original Blues and the Abstract Truth de tres años antes, Oliver Nelson no toca en este álbum. Contribuyó con tres de los ocho originales y todos los arreglos, pero su decisión de no tocar es decepcionante. Sin embargo, hay algunos momentos fuertes de estrellas como el trompetista Thad Jones, el contralto Phil Woods, el barítono Pepper Adams, el pianista Roger Kellaway y el tenor invitado Ben Webster (que está en dos canciones). El énfasis se pone en las piezas basadas en el blues y hay algunos momentos fuertes, aunque la cita no esté a la altura de su predecesor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Donald Byrd • Birdhouse

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Donald Byrd • The Creeper

 

Stanley Turrentine • The Spoiler

Stanley William Turrentine was one of the most distinctive tenor saxophonists in jazz. Known for his big, warm, sound, “The Sugar Man” or the original “Mr. T” found inspiration in the blues and turned it into a hugely successful career with a #1 hit and four Grammy nominations — first in R&B and then in jazz.

Born on April 5, 1934 in Pittsburgh, a city that has produced more than its share of jazz masters, Turrentine hailed from a musical family. His saxophone-playing father was a big influence, as was his stride piano-playing mother and older brother, the late trumpeter Tommy Turrentine.

One of Stanley's earliest influences on sax was tenor great Illinois Jacquet. Jacquet once encouraged a 12-year old Stanley to sit in with him. At 17, Turrentine went on the road with bluesman Lowell Fulson. In 1953, he was hired by R&B saxman and bandleader Earl Bostic to replace John Coltrane.

A consummate musician who learned his craft through disparate experiences and influences, Turrentine received his only formal musical training during his military stint in the mid-'50s. In 1959, he jumped from the frying pan into the fire when he left the military and went straight into the band of the great drummer Max Roach.

Turrentine married organist Shirley Scott (left) in 1960. When they moved to Philadelphia, they befriended Hammond B-3 organ legend Jimmy Smith and Turrentine quickly immersed himself in the Smith's soulful jazz organ sound. He even recorded on Jimmy's epochal Blue Note album Midnight Special.

The organ-centered soul-jazz that Jimmy Smith and Shirley Scott concocted provided Turrentine the perfect gateway to cross over into pop territory. His first foray in this new, more radio-friendly music began in 1969 when he signed with Creed Taylor's slick and successful CTI label.

Turrentine's first album for CTI, Sugar, was released in 1970 and yielded the classic tune of the same name. He continued with a string a pop-laced crossover albums for CTI including the 1971 hit Don't Mess with Mr. T. His relative success, despite his continued ability to deliver in the straight-ahead jazz vein, led to a predictable critical backlash. Listen to L.A. Times jazz critic Don Heckman, bassist Ray Brown, and Stanley talk about the critical backlash he received after making pop-oriented hit albums

Nevertheless, Turrentine persevered on the ever-changing landscape of jazz, by tapping into his enduring, soulful sound and bluesy approach. He remained a perennial favorite among jazz fans well up to his untimely death on Sept. 12, 2000.

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Stanley William Turrentine fue uno de los saxofonistas tenores más distintivos del jazz. Conocido por su gran y cálido sonido, "The Sugar Man" o el original "Mr. T" encontró la inspiración en el blues y lo convirtió en una carrera de gran éxito con un éxito #1 y cuatro nominaciones a los Grammy - primero en R&B y luego en el jazz.

Nacido el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, una ciudad que ha producido más que su cuota de maestros de jazz, Turrentine provenía de una familia musical. Su padre, que tocaba el saxofón, fue una gran influencia, al igual que su madre, que tocaba el pianoforte, y su hermano mayor, el fallecido trompetista Tommy Turrentine.

Una de las primeras influencias de Stanley en el saxo fue el gran tenor de Illinois Jacquet. Jacquet animó una vez a un Stanley de 12 años a sentarse con él. A los 17, Turrentine se fue a la carretera con el trompetista Lowell Fulson. En 1953, fue contratado por el saxofonista y director de banda Earl Bostic para reemplazar a John Coltrane.

Un músico consumado que aprendió su oficio a través de experiencias e influencias dispares, Turrentine recibió su único entrenamiento musical formal durante su periodo militar a mediados de los 50. En 1959, saltó de la sartén al fuego cuando dejó el ejército y entró directamente en la banda del gran baterista Max Roach.

Turrentine se casó con la organista Shirley Scott (izquierda) en 1960. Cuando se mudaron a Filadelfia, se hicieron amigos de la leyenda del órgano B-3 de Hammond, Jimmy Smith, y Turrentine se sumergió rápidamente en el sonido conmovedor del órgano de jazz de Smith. Incluso grabó en el álbum de época de Jimmy, Blue Note, Midnight Special.

El soul-jazz centrado en el órgano que Jimmy Smith y Shirley Scott inventaron proporcionó a Turrentine la puerta perfecta para cruzar al territorio del pop. Su primera incursión en esta nueva música más radiofónica comenzó en 1969 cuando firmó con el ingenioso y exitoso sello CTI de Creed Taylor.

El primer álbum de Turrentine para CTI, Sugar, fue lanzado en 1970 y produjo la clásica melodía del mismo nombre. Continuó con una serie de álbumes de música pop para CTI, incluyendo el éxito de 1971 Don't Mess with Mr. T. Su relativo éxito, a pesar de su continua habilidad para tocar en la línea recta del jazz, le llevó a un previsible rechazo de la crítica. Escuche al crítico de jazz del L.A. Times Don Heckman, al bajista Ray Brown y a Stanley hablar de la reacción crítica que recibió después de hacer álbumes de éxito orientados al pop

Sin embargo, Turrentine perseveró en el siempre cambiante paisaje del jazz, aprovechando su duradero y conmovedor sonido y su enfoque bluesiano. Siguió siendo un favorito perenne entre los aficionados al jazz hasta su prematura muerte el 12 de septiembre de 2000.

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 1

 

 

Among the first bebop jazz trumpeters (along with Dizzy Gillespie, Fats Navarro and Idrees Sulieman), Howard McGhee was known for his fast fingers and very high notes, but is rarely credited for the influence he extended to younger trumpeters in an era when the instrument had come back into vogue among students of jazz. Despite a troubled life and career, Howard McGhee remains a huge inspiration for younger jazz musicians, students and fans alike. The collection here brings together eight of the very finest albums the great man ever released or played on, making it the ideal go-to- compilation for collectors and fans of this pioneering, albeit hugely underrated, musician.

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Entre los primeros trompetistas de bebop jazz (junto con Dizzy Gillespie, Fats Navarro e Idrees Sulieman), Howard McGhee era conocido por sus dedos rápidos y sus notas muy agudas, pero rara vez se le reconoce la influencia que ejerció sobre los trompetistas más jóvenes en una época en la que el instrumento había vuelto a ponerse de moda entre los estudiantes de jazz. A pesar de una vida y una carrera problemáticas, Howard McGhee sigue siendo una gran inspiración para los músicos de jazz más jóvenes, los estudiantes y los aficionados. Esta colección reúne ocho de los mejores álbumes que el gran hombre publicó o en los que tocó, lo que la convierte en la compilación ideal para los coleccionistas y aficionados a este músico pionero, aunque enormemente infravalorado.

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 2

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 3

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 4

 

 

Charles Mingus • Something Like a Bird

 

Hank Mobley • Poppin'

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Poppin' was one of many sessions tenor saxophonist Hank Mobley recorded in the late '50s and early '60s but remained unreleased until the late '70s and '80s. It's hard to say why this session - which was recorded in 1957 -- sat on the shelves, since it as good as the other records he cut at the time. Leading a sextet featuring trumpeter Art Farmer, baritone saxophonist Pepper Adams, pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones, Mobley plays a selection of five originals and contemporary jazz songs with passion and vigor. All of the musicians turn in fine performances (Clark in particular stands out with his lithe solos and tasteful accompaniment), and the result is a winning collection of straight-ahead hard bop that ranks as another solid addition to Mobley's strong catalog.
https://www.allmusic.com/album/poppin-mw0000938036

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Poppin ' fue una de las muchas sesiones que el saxofonista tenor Hank Mobley grabó a finales de los 50 y principios de los 60, pero permaneció inédita hasta finales de los 70 y los 80. Es difícil decir por qué esta sesión, que se grabó en 1957, se quedó en los estantes, ya que es tan buena como los otros discos que grabó en ese momento. Al frente de un sexteto con el trompetista Art Farmer, el saxofonista barítono Pepper Adams, el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones, Mobley toca una selección de cinco canciones de jazz originales y contemporáneas con pasión y vigor. Todos los músicos ofrecen excelentes interpretaciones (Clark en particular se destaca con sus ágiles solos y su acompañamiento de buen gusto), y el resultado es una colección ganadora de hard bop directo que se ubica como otra adición sólida al sólido catálogo de Mobley.
https://www.allmusic.com/album/poppin-mw0000938036

Pepper Adams • Encounter!

 

Benny Goodman • Happy Session

 

bennygoodman.com ...

 

Peter Leitch • Exhilaration

 

Review
by Scott Yanow
This combination works quite well - The mellow-toned but hard swinging guitarist Peter Leitch teams up with baritonist Pepper Adams, pianist John Hicks, bassist Ray Drummond, and drummer Billy Hart for three Thelonious Monk tunes ("'Round Midnight," "Trinkle Tinkle," and "Played Twice"), two of the guitarist's originals, and "How Deep Is the Ocean." Adams' presence inspires and seems to light a fire under Leitch, who is heard throughout in passionate form - Recommended.
https://www.allmusic.com/album/exhilaration-mw0000271473

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Reseña
por Scott Yanow
Esta combinación funciona bastante bien - El guitarrista Peter Leitch, de tono meloso pero de swing duro, forma equipo con el baritonista Pepper Adams, el pianista John Hicks, el bajista Ray Drummond y el batería Billy Hart para tres temas de Thelonious Monk ("'Round Midnight", "Trinkle Tinkle" y "Played Twice"), dos originales del guitarrista y "How Deep Is the Ocean" - La presencia de Adams inspira y parece encender un fuego bajo Leitch, a quien se escucha en todo momento de forma apasionada - Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/exhilaration-mw0000271473

peterleitch.com ...

Donald Byrd-Pepper Adams • Out Of This World

 

Perhaps because they had been working together with some degree of regularity since late in 1960, this turned out to be one of the most successful collaborations between Donald Byrd and Pepper Adams. Long-time friends and record-date mates, the two made a strong front line. While they are musically compatible, there are enough differences in their conceptions to give the group the necessary ingredient of contrast. The rhythm section featured for this particular recording the effective drumming of Jimmy Cobb -a Miles Davis regular- along with bassist Laymon Jackson, and a young Herbie Hancock on his first recording date. These three men gave the session at hand the solid, cohesive feeling that makes them so memorable.
https://www.freshsoundrecords.com/donald-byrd-pepper-adams-albums/2958-out-of-this-world-the-complete-warwick-sessions.html

Press reviews
"This set of sides recorded with the then-fledgling Donald Byrd/Pepper Adams quintet was taped for the long-defunct Warwick label. While Byrd and Adams along with Jimmy Cobb and Charles, who is only on one track here were veterans in Detroit before coming to the Big Apple, Herbie Hancock was a kid. His playing is the weak link here, but it nonetheless shows great promise and he acts more as an anchor for the wondrous interplay between the front line-check of Byrd's "Bird House" or the title track or even Johnny Mercer's "I'm an Old Cowhand" for the wooly, yet lyrical, interplay between this pair of soloists. With his rough and tumble tone punching through Byrd's elegant and fiery lines and creating a melodically charged harmonic invention in which the interval was everything, Adams came up with a session that was as passionate and innovative as it was hip and tender. This is a hell of an introduction to both players and captures their magic as a band better than any other document that is available on CD."
—Thom Jurek (All Music Guide)

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Quizás porque llevaban trabajando juntos con cierta regularidad desde finales de 1960, ésta resultó ser una de las colaboraciones más exitosas entre Donald Byrd y Pepper Adams. Amigos desde hacía mucho tiempo y compañeros de disco, los dos formaban una sólida primera línea. Aunque son compatibles musicalmente, hay suficientes diferencias en sus concepciones para dar al grupo el necesario ingrediente de contraste. La sección rítmica contó para esta grabación en particular con la eficaz batería de Jimmy Cobb -un habitual de Miles Davis- junto con el bajista Laymon Jackson, y un joven Herbie Hancock en su primera cita discográfica. Estos tres hombres dieron a la sesión en cuestión la sensación de solidez y cohesión que las hace tan memorables.
https://www.freshsoundrecords.com/donald-byrd-pepper-adams-albums/2958-out-of-this-world-the-complete-warwick-sessions.html

Reseñas de prensa
"Este conjunto de caras grabadas con el entonces incipiente quinteto Donald Byrd/Pepper Adams fue grabado para el desaparecido sello Warwick. Mientras Byrd y Adams junto con Jimmy Cobb y Charles, que sólo aparece en un tema aquí, eran veteranos en Detroit antes de llegar a la Gran Manzana, Herbie Hancock era un chaval. Su forma de tocar es el eslabón débil aquí, pero sin embargo es muy prometedora y actúa más como un ancla para la maravillosa interacción entre la primera línea, por ejemplo en "Bird House" de Byrd o en la canción que da título al disco o incluso en "I'm an Old Cowhand" de Johnny Mercer para la lanosa, aunque lírica, interacción entre este par de solistas. Con su tono áspero y tumultuoso golpeando las líneas elegantes y ardientes de Byrd y creando una invención armónica cargada de melodía en la que el intervalo lo era todo, Adams consiguió una sesión tan apasionada e innovadora como hip y tierna. Esta es una magnífica introducción a ambos músicos y capta su magia como banda mejor que cualquier otro documento disponible en CD."
-Thom Jurek (All Music Guide)


www.freshsoundrecords.com ...

Donald Byrd-Pepper Adams Quintet Feat. Herbie Hancock • Complete Live At Jorgie's 1961

 

 

This release contains all existing live performances by the Donald Byrd - Pepper Adams Quintet taped at Jorgie's on June 24, 1961, and appearing here on CD for the first time ever (the first four tracks were issued on a collector VGM LP).
The quintet on this engagement featured Herbie Hancock on piano; both leaders had recently recorded the Blue Note Chant with the pianist, and would make the LP Royal Flush with him a few months later. The fifth title at Jorgie's is an extended trio version of Like Someone in Love on which both horns sit out. No other version of this tune by Hancock is known to exist.
https://www.discogs.com/es/release/4968738-Donald-Byrd-Pepper-Adams-Quintet-Featuring-Herbie-Hancock-Complete-Live-At-Jorgies-1961

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Este lanzamiento contiene todas las actuaciones en directo existentes del Donald Byrd - Pepper Adams Quintet grabadas en Jorgie's el 24 de junio de 1961, y que aparecen aquí en CD por primera vez (las cuatro primeras pistas se publicaron en un LP VGM de coleccionista).
El quinteto en este compromiso contó con Herbie Hancock al piano; ambos líderes habían grabado recientemente el Blue Note Chant con el pianista, y harían el LP Royal Flush con él unos meses más tarde. El quinto título en Jorgie's es una versión extendida en trío de Like Someone in Love en la que se sientan las dos trompas. No se conoce ninguna otra versión de esta melodía de Hancock.
https://www.discogs.com/es/release/4968738-Donald-Byrd-Pepper-Adams-Quintet-Featuring-Herbie-Hancock-Complete-Live-At-Jorgies-1961